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Manifest Limited Edition Archival Pigment Fine Art Prints on 290gsm Moab Entrada Fine Art Paper by Melissa A Mitchell, artiste de graffiti, de street art et de pop culture. Tirage pigmentaire d'archives sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m² Format : 33 x 35,5 cm (13 x 14 pouces) Sortie : 7 mai 2021 Tirage : 25 exemplaires

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Mannequin 3 Sculpture originale en techniques mixtes. Œuvre d'art représentant un mannequin, réalisée par l'artiste de rue et graffeur Denial, artiste pop moderne. Sculpture originale signée de 2013 recouverte de centaines d'autocollants de marques personnalisées. Dimensions de l'œuvre : 51 x 26. L'artiste canadien Denial et l'Australien Ben Frost ont uni leurs forces dans une exposition audacieuse de nouvelles œuvres qui explorent les limites de l'appropriation en confrontant les réinterprétations de notre société dystopique actuelle. À la croisée dynamique du pop art urbain et du graffiti, la sculpture originale « Mannequin 3 », réalisée en techniques mixtes par l'artiste Denial, offre un commentaire saisissant sur la société de consommation et la saturation des marques dans la vie moderne. Cette sculpture originale signée, datant de 2013, est une exploration profonde de l'identité et du matérialisme, méticuleusement recouverte de centaines d'autocollants de marques, autant de témoignages de l'influence omniprésente du commerce. Denial, artiste canadien, s'est forgé une réputation grâce à ses œuvres stimulantes qui intègrent souvent des éléments du pop art avec une touche de subversion, incitant les spectateurs à repenser leur environnement et les messages qui les bombardent quotidiennement. Cette œuvre en particulier, avec son mannequin grandeur nature, devient une toile qui reflète l'obsession de notre société pour les marques et la marchandisation de l'identité humaine. Le mannequin se transforme en une mosaïque de logos commerciaux, chaque autocollant étant méticuleusement placé pour créer une tapisserie à la fois familière et troublante. Cette sculpture symbolise le style de l'artiste, qui mêle souvent humour et critique et brouille les frontières entre culture populaire et culture savante. En s'appropriant les symboles mêmes de la société de consommation, Denial nous invite à réfléchir à la valeur que nous accordons aux identités de marque et à leur omniprésence dans nos vies. Ses dimensions, 51 x 26 cm, lui confèrent une présence incontournable, dominant l'espace et invitant à la contemplation. À travers « Mannequin 3 », Denial, en collaboration avec Ben Frost, artiste australien reconnu pour son travail provocateur, invite les spectateurs à explorer les complexités de l'appropriation et le rôle du marketing de marque dans notre perception du monde. La sculpture n'est pas qu'une simple œuvre d'art ; elle est un constat sur l'état de notre société, une société où la frontière entre l'individu et le produit est de plus en plus floue.

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Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

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Many Faces - Tirages pigmentaires d'archives HPM en édition limitée, rehaussés à la main, sur papier beaux-arts, par l'artiste de graffiti urbain Abstrk. Édition limitée unique de 15 exemplaires, signée et numérotée HPM, embellie à la main. Dimensions de l'œuvre : 24 x 24 pouces.

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Nombreuses estampes sérigraphiées à la main en trois couleurs, édition limitée Mao Green HPM, sur papier d'art, par Aelhra, artiste de rue graffiti, art pop moderne. 2015 Édition limitée signée et numérotée à 15 exemplaires . Format de l'œuvre : 18 x 24 pouces. #13/15 Imprimé multiple orné et peint à la main

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Nombreuses sérigraphies artisanales en édition limitée Mao Green 3 couleurs sur papier beaux-arts par Aelhra, artiste de rue graffiti, art pop moderne. 2015 Édition limitée signée et numérotée à 75 exemplaires . Format de l'œuvre : 18 x 24 pouces.

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Mao Money 8 Tirage giclée en édition limitée sur papier coton d'archivage 330 g/m² par David Foox, artiste de rue de la contre-culture. Épreuve d'artiste (EA) 2013, signée et marquée. Édition limitée. Format : 5,5 x 12,5 pouces. « Mao Money 8 » fait partie d'une série d'estampes représentant des billets de banque, créée par FOOX au fil des ans. Cette estampe est deux fois plus grande que les précédentes estampes de billets de banque publiées par FOOX (qui correspondent généralement aux dimensions d'un billet américain). Présentée lors du Comic Con de New York 2011.

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Sérigraphie Marchers Black de Cleon Peterson, 2 couleurs, tirée à la main sur papier d'art frangé, édition limitée, œuvre d'art pop street art. Édition limitée signée et numérotée de 125 exemplaires, 2016. Œuvre d'art de taille 13x34, sérigraphie représentant des hommes tribaux portant des épées ensanglantées marchant en rang. Marchers Black par Cleon Peterson – Sérigraphie en édition limitée, style street art pop et graffiti « Marchers Black » est une sérigraphie bicolore artisanale de 2016, réalisée par Cleon Peterson, artiste américain reconnu pour ses allégories saisissantes de la violence, de la domination et du contrôle. Cette œuvre en édition limitée est imprimée sur un papier d'art frangé de 33 x 86 cm et a été éditée à 125 exemplaires, chacun signé et numéroté par l'artiste. L'image représente six figures stylisées identiques, marchant en formation stricte, chacune portant une épée en bandoulière. Les figures sont rendues en or sur un fond noir mat profond, soulignant leur présence rituelle et évoquant à la fois une procession antique et le conformisme moderne. Leur nudité, leur musculature et leur posture uniforme les privent de toute identité individuelle, les réduisant à des instruments de la force institutionnelle, figés dans un défilé silencieux d'agression. Conformité, pouvoir et esthétique du rituel Dans Marchers Black, Cleon Peterson isole les mécanismes de la violence systémique et de la répétition. Des figures identiques avancent au pas cadencé, leurs gestes calmes mais chargés de menace. Les lames ensanglantées sur leurs dos sont symboliques plutôt que graphiques, suggérant non pas l'instant de l'action mais ses conséquences – la normalisation silencieuse de la brutalité. L'absence d'expression ou de différenciation entre les figures témoigne de l'effacement de l'individualité sous le joug de structures oppressives, qu'elles soient militaires, politiques ou sociales. Leur élan inexorable, fixe et implacable, se lit à la fois comme une marche vers le pouvoir et une descente dans la complicité. Le fond noir sert non seulement d'espace négatif, mais aussi de poids psychologique, amplifiant l'intensité des silhouettes dorées et renforçant un sentiment de gravité visuelle et émotionnelle. Les thèmes emblématiques de Cleon Peterson dans l'art urbain pop et le graffiti Cleon Peterson est une figure majeure du street art et du graffiti, reconnu pour sa fusion du minimalisme graphique et de récits provocateurs. Ses compositions puisent dans les traditions murales ancestrales, l'art de la propagande et les récits dystopiques pour créer des allégories modernes. « Marchers Black » illustre parfaitement cette approche en simplifiant la forme au détriment du sens. Tandis que de nombreux artistes du genre célèbrent la rébellion, Peterson expose les systèmes qui la sous-tendent : les hiérarchies, les cycles ritualisés de violence, le rôle de la soumission dans le maintien de l'ordre. Son œuvre n'est pas décorative, mais engagée, incitant le spectateur à affronter la cruauté latente qui persiste sous les apparences. « Marchers Black » ne représente pas le chaos, mais un ordre si rigide qu'il en devient inhumain. Elle visualise la séduction et l'horreur du contrôle à travers la répétition de figures dont la fonction n'est pas de questionner, mais d'obéir. Exécution matérielle et impact du collecteur Imprimée sur un papier d'art de qualité supérieure à grain frangé, selon un procédé de sérigraphie double couche, Marchers Black fusionne l'esthétique urbaine et la tradition raffinée de l'estampe. Le pigment doré contraste de façon saisissante avec le fond noir mat, créant un impact visuel qui fait écho à la portée thématique de l'œuvre. Chaque tirage est réalisé à la main et signé par Cleon Peterson, ce qui en fait une pièce unique et intemporelle. Tirée à seulement 125 exemplaires, cette édition limitée revêt une grande importance pour les collectionneurs d'art urbain, de pop art et de graffiti qui critiquent les systèmes de pouvoir sans recourir au spectaculaire. Marchers Black est à la fois un mantra visuel et un avertissement, témoignant de la progression silencieuse de la violence institutionnelle, dissimulée sous un voile de symétrie, de force et de silence.

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Sérigraphie blanche « Marchers » de Cleon Peterson, 2 couleurs, tirée à la main sur papier d'art frangé, édition limitée, œuvre d'art pop street art. Édition limitée signée et numérotée de 125 exemplaires, 2016. Œuvre d'art de taille 13x34, sérigraphie représentant des hommes tribaux portant des épées ensanglantées marchant en rang. Marchers White par Cleon Peterson – Sérigraphie en édition limitée, style street art pop et graffiti « Marchers White » est une sérigraphie bicolore réalisée à la main en 2016 par l'artiste américain Cleon Peterson. Cette édition limitée, signée et numérotée à 125 exemplaires, est imprimée sur papier d'art à grain frangé et mesure 33 x 86 cm. Elle représente une procession de six figures stylisées et musclées, alignées en rang uniforme, chacune portant une épée ensanglantée sur l'épaule. L'œuvre est une représentation graphique du conformisme et de la violence, rendue dans le style iconique de silhouettes aplaties de Peterson. Avec des lignes épurées et une simplicité audacieuse, les figures marchent au pas cadencé sur un fond blanc immaculé, créant un rythme visuel qui imite les frises de propagande et les bas-reliefs antiques. L'utilisation d'encres or et rouge intensifie le contraste entre élégance et brutalité, une caractéristique du langage visuel de Peterson. Symbolisme du pouvoir, de la violence et de l'uniformité Dans Marchers White, Peterson explore la mécanisation du pouvoir et l'érosion de l'individualité au sein des systèmes de contrôle. Chaque figure apparaît identique, dépouillée de toute identité personnelle et prise dans une marche hypnotique. Les lames à pointe rouge suggèrent une violence récente ou un bain de sang continu, renforçant l'idée que l'agression est devenue routinière, voire cérémonielle. La nudité des figures, leur musculature stylisée et leur posture impassible évoquent une force primordiale contenue dans un rituel d'obéissance. La répétition de cette forme rappelle non seulement les parades militaires antiques ou les processions mythiques, mais interroge également les structures contemporaines de l'État, de la surveillance et de l'oppression. L'absence d'arrière-plan ou de contexte oblige le spectateur à se concentrer entièrement sur les figures et leur chorégraphie, plaçant ainsi l'acte de violence et le conformisme au cœur du récit. La voix allégorique de Cleon Peterson dans l'art urbain pop et le graffiti Cleon Peterson est internationalement reconnu pour ses allégories visuelles qui dépeignent l'anarchie, la domination et le renversement moral. Ses œuvres puisent dans l'histoire de l'art classique, la propagande politique et l'illustration éditoriale moderne pour construire un monde en ruine, où les frontières traditionnelles entre le bien et le mal s'estompent. « Marchers White » témoigne de l'exploration constante par Peterson de la violence systémique et de la complicité institutionnelle. D'une exécution minimaliste, l'œuvre constitue une critique complexe de la banalité de l'autoritarisme. Elle s'inscrit pleinement dans la lignée du Street Pop Art et du graffiti, utilisant un style graphique audacieux pour livrer une critique socio-politique. Peterson ne romantise pas la rébellion ni ne glorifie le pouvoir ; il présente plutôt aux spectateurs des instantanés bruts d'un ordre dystopique, enveloppés d'une esthétique séduisante. Technique de gravure et valeur de collection L'édition Marchers White est réalisée avec la précision et le souci du détail qui caractérisent la pratique artistique de Cleon Peterson. Imprimée en sérigraphie bicolore sur un papier beaux-arts épais à grain frangé, la qualité matérielle de l'œuvre est à la hauteur de sa portée conceptuelle. La netteté des contours et la subtile texture de l'encre témoignent d'une grande maîtrise de la gravure. Chaque tirage est signé et numéroté individuellement, garantissant son authenticité et la positionnant comme une œuvre majeure dans le catalogue de Peterson. Pour les collectionneurs d'art urbain, de pop art et de graffiti, Marchers White se dresse comme un témoignage poignant du mécontentement contemporain : une œuvre visuellement saisissante et politiquement engagée qui souligne la progression silencieuse de la violence, érigée en norme.

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Marching Into Oblivion Collab Cut AP Silkscreen Print by KEF! Simon Rohlen x Dalek- James Marshall Artist Proof Handmade 15 Color Screen Print on Fine Art Paper Limited Edition Pop Street Artwork & Graffiti. Épreuve d'artiste AP 2022 Signée et marquée AP Tirage limité Format de l'œuvre 18x24 La complexité et la fusion des styles dans « Marching Into Oblivion » La sérigraphie collaborative « Marching Into Oblivion » illustre parfaitement la synergie entre deux figures emblématiques du street art et du graffiti : KEF! Simon Rohlen et Dalek - James Marshall. Cette épreuve d'artiste, tirée à la main en 15 couleurs, est bien plus qu'une simple œuvre d'art ; elle est le fruit d'un dialogue intense entre artistes et entre différentes formes artistiques. Créée en 2022, cette édition limitée de 45,7 x 61 cm témoigne du savoir-faire méticuleux de la sérigraphie. Chaque couleur est appliquée couche par couche, exigeant un alignement précis et une vision claire de l'image finale. La mention « AP » indique qu'il s'agit d'une épreuve d'artiste, une pratique courante dans le monde de l'art où un petit nombre d'exemplaires sont tirés pour l'usage personnel de l'artiste avant le tirage de l'édition principale. Ces épreuves sont très recherchées par les collectionneurs pour leur rareté et la marque de l'approbation de l'artiste. La collaboration entre KEF! et Dalek réunit deux langages artistiques distincts. KEF!, connu pour ses lignes fluides et organiques qui créent des motifs paisibles et harmonieux, contraste avec les formes plus anguleuses et géométriques de Dalek, qui rappellent son personnage de Space Monkey. Cette fusion crée une dynamique qui est à la fois un régal pour les yeux et une exploration conceptuelle des styles des deux artistes. Analyse du langage visuel de « Marching Into Oblivion » Le titre de l'estampe, « Marching Into Oblivion » (Marcher vers l'oubli), suggère une progression vers une fin inconnue, peut-être inéluctable. Les éléments visuels créés par KEF! et Dalek manifestent ce thème à travers un paysage vibrant, presque hallucinatoire, qui semble palpiter de vie. L'œuvre représente le mouvement, l'énergie et l'interaction entre deux approches contrastées du street art et du graffiti. Le style caractéristique de KEF!, fait de tourbillons noirs et blancs, sous-tend la composition et sert de point d'ancrage visuel. Sur ce fond, les figures audacieuses et caricaturales de Dalek semblent marcher ou flotter, rendues dans des roses et des jaunes vifs qui semblent jaillir du papier. La juxtaposition des styles crée une impression de profondeur et de complexité tandis que le regard du spectateur parcourt les motifs et les personnages entrelacés. Importance et impact sur le street art contemporain L'estampe « Marching Into Oblivion » est remarquable par son attrait visuel et son incarnation du street art et du graffiti contemporains. Elle capture l'essence d'un mouvement qui transcende l'espace traditionnel des galeries, s'adressant à un public plus large et interagissant avec l'environnement urbain de manière directe et percutante. À la croisée du street art et du graffiti, cette œuvre met en lumière le potentiel de fertilisation croisée au sein du monde de l'art, où différents styles et perspectives peuvent se conjuguer pour créer une œuvre entièrement nouvelle et plus significative que la somme de ses parties. Elle remet en question les idées préconçues sur ce que peut être le street art, repoussant les limites du genre et ouvrant de nouvelles perspectives d'expression artistique. Dans le contexte de la scène artistique actuelle, « Marching Into Oblivion » constitue un exemple éloquent de la manière dont la collaboration et la diversité des techniques peuvent élever le street art à de nouveaux sommets. Elle témoigne de l'évolution constante de ce médium et de la capacité des artistes à s'y adapter et à innover. De ce fait, elle occupe une place de choix dans les collections des amateurs et constitue une source d'inspiration pour les artistes en devenir. Cette édition limitée, signée et marquée par les artistes, porte en elle l'essence créative de KEF! et Dalek, ainsi qu'un pan de l'histoire du street art. Collectionneurs et amateurs du genre reconnaissent la valeur de telles œuvres pour leur contribution esthétique et leur importance culturelle et historique. « Marching Into Oblivion » est un instantané d'un moment où deux artistes se sont associés pour créer une œuvre aussi belle que stimulante, un véritable reflet de la puissance et du potentiel du street art et du graffiti.

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Marching Into Oblivion Vert Rose AP Sérigraphie 12 Couleurs par Dalek - James Marshall Épreuve d'artiste Sérigraphie tirée à la main sur papier beaux-arts Édition limitée Pop Street Artwork & Graffiti. Épreuve d'artiste AP 2023 Signée et marquée AP Tirage limité Format de l'œuvre 18x24 Marching Into Oblivion Vert Rose AP Sérigraphie par Dalek – James Marshall Dalek, pseudonyme de l'artiste américain James Marshall, continue d'imposer sa voix unique dans le Street Pop Art et le graffiti grâce à un vocabulaire visuel audacieux et des abstractions en constante évolution. L'épreuve d'artiste de 2023 de « Marching Into Oblivion » est une véritable leçon de couleur et de chaos, alliant le personnage emblématique du Space Monkey à une technique de sérigraphie artisanale en 12 couleurs. Ce tirage d'art, au format 45,7 x 61 cm, présente un fond rose électrique saturé, contrastant avec des verts et des jaunes éclatants, ainsi que des noirs profonds, créant un rythme visuel à la fois mécanique et organique. Chaque ligne est d'une précision remarquable, tandis que la palette vibre d'un surréalisme cartoonesque et d'une énergie calculée. De la forme iconique à l'abstraction émotionnelle L'œuvre de Dalek s'ancre souvent dans l'évolution de la figure du Singe de l'Espace, un personnage né de son exploration du désenchantement culturel et du détachement émotionnel. Dans « Marching Into Oblivion », le personnage adopte un mouvement exagéré, apparaissant multiplié et saisi en pleine marche, les bras levés, la bouche grande ouverte et le regard hagard. Le rythme visuel créé par la répétition et le mouvement évoque à la fois la célébration et le désordre. Cette estampe relève moins d'un récit littéral que d'une propulsion symbolique : une marche vers la surstimulation, vers une joie artificielle, vers le bruit. Avec une précision vibrante, presque synthétique, Dalek utilise la forme pour confronter l'anxiété moderne par une répétition hyperactive et un optimisme aveuglant. L'énergie pop urbaine rendue en couleurs pures Imprimée avec des pigments d'archivage sur papier beaux-arts, chaque épreuve d'artiste (EA) de la série porte la signature de l'artiste et la mention EA, attestant de sa rareté et de son appartenance à la production privée du studio. Le choix de douze couches de sérigraphie individuelles pour la réalisation de l'image témoigne de l'attachement de Dalek aux techniques traditionnelles d'impression. La richesse de l'encre, alliée à la régularité des formes, crée une œuvre à la fois numérique et artisanale. L'impact graphique de cette estampe est indéniable : son esthétique puise dans les bugs des jeux vidéo, l'audace du graffiti, la décrépitude urbaine et les affiches punk. Chaque cercle, chaque ombre, chaque couleur est stratégiquement placé, conférant à l'œuvre une sophistication qui transcende la simple esthétique pop. Marcher vers l'inévitable L'œuvre de Dalek brouille souvent la frontière entre fantaisie et critique existentielle, et cette pièce s'inscrit dans cette continuité. Si les couleurs clament avec assurance et énergie, le titre « Marching Into Oblivion » suggère une réflexion plus profonde. On y perçoit une impression d'automatisation, de personnages propulsés en avant sans contrôle, reflétant peut-être le malaise culturel du consumérisme routinier ou le vide qui se cache derrière la façade du progrès. L'œuvre se situe dans une zone liminale entre célébration et effondrement, entre l'élégance commerciale du Street Pop Art et la vérité chaotique du graffiti. C'est cette dualité qui confère aux estampes de Dalek leur puissance : éclatantes et vibrantes, mais aussi empreintes de tension et de sens caché. Cette épreuve d'artiste en édition limitée offre un témoignage vibrant et stimulant du langage visuel contemporain.

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Marching to Oblivion Sérigraphie framboise bleue par Dalek- James Marshall 13 couleurs tirées à la main sur papier cartonné framboise bleue Fine Art French Paper Co Édition limitée Sérigraphie Édition limitée à 12 exemplaires, signée et numérotée, 2025. Œuvre d'art au format 18x24. Sérigraphie. Marching to Oblivion Blue Raspberry par Dalek (James Marshall) dans Street Pop Art & Graffiti Artwork « Marching to Oblivion Blue Raspberry » est une sérigraphie en édition limitée, réalisée en 2025 par l'artiste américain James Marshall, alias Dalek. Mesurant 45,7 x 61 cm, cette sérigraphie vibrante a été tirée à douze exemplaires seulement, chacun signé et numéroté par l'artiste. Imprimée à la main en treize couleurs sur papier cartonné Blue Raspberry de la French Paper Company, cette œuvre témoigne de la précision technique et de la profondeur conceptuelle que Dalek insuffle au Street Pop Art et au graffiti. Marshall s'est fait connaître grâce à son personnage Space Monkey, qui a servi de point de départ à son exploration des thèmes de l'identité, de la répétition et de la culture visuelle urbaine. Cette pièce reflète son évolution constante à travers des compositions à fort contraste, des aplats de couleurs audacieux et un design de personnage dynamique, puisant ses racines dans le street art et l'esthétique pop contemporaine. Langage visuel et esthétique des personnages La figure centrale de « Marching to Oblivion Blue Raspberry » est une créature hyperactive aux membres d'un vert éclatant, aux oreilles rondes semblables à celles d'une souris et à une large bouche exagérée parsemée de pois. Le personnage est saisi en plein mouvement, jonglant avec rythme avec des maillets aux allures de jouets tout en dansant sur une plateforme grise minimaliste. Le fond bleu cyan offre un contraste saisissant, propulsant le personnage vers l'avant dans une explosion visuelle à la fois bruyante et équilibrée. Chaque membre et accessoire a été soigneusement positionné pour évoquer le mouvement, le volume et le rythme sans recourir aux indices de profondeur traditionnels. Cette composition graphique précise témoigne de l'expérience de Dalek dans l'illustration et le graffiti, où la narration se déroule souvent à travers des images figées du chaos. L'utilisation de couleurs vives et unies, de formes iconiques et d'une logique propre aux dessins animés inscrit résolument cette œuvre dans le courant du Street Pop Art et du graffiti, mêlant codes visuels urbains et exécution digne d'une galerie d'art. Procédés de fabrication et précision d'impression Réalisée selon un procédé de sérigraphie artisanale en treize couleurs, cette estampe témoigne d'une maîtrise exceptionnelle du savoir-faire et de la théorie des couleurs. Le papier cartonné Bleu Framboise offre un support original qui transforme l'arrière-plan en un élément visuel à part entière, et non en un simple support passif. Ce choix de matériau amplifie la palette de couleurs fluorescentes tout en préservant une richesse tactile. Chaque couche d'encre a été appliquée manuellement, soulignant ainsi le travail manuel souvent associé au graffiti et à l'art mural. La précision du repérage et la saturation des couleurs requises pour ce niveau de qualité élèvent l'œuvre à un niveau d'excellence en estampe contemporaine rarement atteint pour des tirages aussi restreints. La réalisation artisanale de l'estampe garantit de subtiles variations entre chaque exemplaire, soulignant l'importance de l'unicité, même au sein d'une série. Pertinence culturelle et évolution de la pop urbaine L'œuvre « Dalek's Marching to Oblivion Blue Raspberry » est bien plus qu'une simple image statique : elle constitue un témoignage culturel de la fusion entre l'énergie urbaine et la précision pop. James Marshall continue d'explorer l'intensité visuelle sans sacrifier la clarté ni la profondeur. Son art interroge les aspects performatifs et répétitifs du quotidien, représentés par ses personnages à la fois chaotiques et maîtrisés. La tension entre jeu et finalité, répétition et spontanéité, reflète la structure même du graffiti : tags répétitifs, mouvements rituels et explosions d'énergie contrôlée exposées au public. Cette estampe permet aux collectionneurs d'intégrer ces valeurs à leur collection sans en renier les racines. Elle s'inscrit dans le courant du Street Pop Art et du Graffiti, à la fois hommage et innovation, offrant une œuvre à la fois épurée et vibrante qui parle directement aux publics sensibles à la culture visuelle contemporaine.

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Marching to Oblivion Nightshift Silkscreen Print by Dalek- James Marshall 13 Color Hand-Tired on Nightshift Card Stock Fine Art French Paper Co Limited Edition Screenprint Artwork. Édition limitée à 12 exemplaires, signée et numérotée, 2025. Œuvre d'art au format 18x24. Sérigraphie. Marching to Oblivion Nightshift par Dalek (James Marshall) dans Street Pop Art & Graffiti Artwork « Marching to Oblivion Nightshift » est une sérigraphie en édition limitée (2025) de l'artiste américain James Marshall, alias Dalek. Tirée à la main, cette sérigraphie utilise treize couleurs sur un papier cartonné bleu Nightshift fourni par la French Paper Company, un choix de matériau qui confère profondeur et richesse à la palette néon saturée. Chaque exemplaire de cette édition de douze mesure 45,7 x 61 cm et est signé et numéroté par l'artiste. Dalek est reconnu pour sa capacité à fusionner la puissance graphique du graffiti avec la subtilité conceptuelle de l'esthétique pop contemporaine. Cette estampe illustre parfaitement cette approche : un personnage en pleine marche sur un support minimaliste est saisi dans un instant d'animation chaotique. Elle s'inscrit dans la tradition de Dalek, qui fusionne art urbain, pop art et graffiti, offrant une technique artisanale, une logique cartoonesque et une réflexion complexe sur la répétition, l'identité et le mouvement. Conception de personnages et théorie des couleurs en mouvement Le personnage de « Marching to Oblivion Nightshift » est une version évoluée du Space Monkey emblématique de Dalek, apparu pour la première fois dans ses œuvres du début des années 2000. Réalisée dans des tons contrastés de vert, de violet et de bleu, la figure jongle avec des maillets et des orbes, arborant une expression oscillant entre joie frénétique et précision mécanique. Les formes, à la fois nettes et ludiques, se situent à la frontière entre les dessins animés du samedi matin et l'esthétique du graffiti. Ses membres hypertrophiés, ses yeux démesurés et sa posture dynamique projettent énergie et volume, qualités essentielles au Street Pop Art et au graffiti. Ces formes émergent du fond avec une netteté saisissante grâce à la précision de la sérigraphie, où chaque couleur est appliquée à la main, l'une après l'autre. L'œuvre joue avec la profondeur spatiale et l'illusion de surface, créant à la fois un spectacle et une réflexion sur la répétition et la performance. Matériaux et techniques d'impression L'engagement de Dalek envers la gravure d'art est manifeste dans le niveau de détail et de maîtrise requis pour réaliser une sérigraphie 13 couleurs sur papier français foncé. Le choix du papier Nightshift Blue rompt délibérément avec les fonds blancs traditionnels, offrant une base profonde qui intensifie l'éclat des encres néon. Ce choix technique renforce le contraste tout en ancrant le personnage dans une atmosphère nocturne. Le procédé artisanal rend hommage aux racines du street art, forme d'art physique et laborieuse, et inscrit l'œuvre dans la tradition des arts appliqués. Chaque alignement de couleur, chaque marque de repérage, chaque bord net témoigne du travail minutieux qui a présidé à la création de l'image, faisant de chaque exemplaire à la fois une œuvre achevée et un témoignage du processus créatif. Dans le contexte du street art, du pop art et du graffiti, cette fidélité d'impression fait écho au dévouement des artistes qui peignent à la main les fresques et les graffitis. Positionnement contemporain et intention artistique « Marching to Oblivion Nightshift » se situe au carrefour de l'art figuratif, de la culture urbaine et de l'édition d'art. James Marshall continue de définir un territoire visuel unique où ses personnages ne s'expriment pas par les mots, mais par la posture, le mouvement et la répétition. Ce silence permet aux spectateurs de projeter leurs propres récits sur la scène, créant un dialogue en accord avec l'éthique participative du street art. La tension entre joie et oubli dans le titre suggère une réflexion plus profonde sur la routine, le spectacle et la distraction dans la vie moderne. En publiant cette œuvre dans une édition volontairement limitée à douze exemplaires, Dalek souligne l'importance de l'intention et de la rareté, concepts clés qui contrastent avec la reproductibilité de l'image numérique. À travers des projets comme « Marching to Oblivion Nightshift », Dalek renforce la place du Street Pop Art et du Graffiti comme discipline sérieuse et évolutive, capable d'allier théorie critique, plaisir visuel et maîtrise technique.

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Mare139 Silver Chrome Limited Edition Rare Spray Paint Can Artwork Crossover du célèbre fabricant de peinture graffiti Montana MTN x Mare139 Carlos Rodriguez. Édition limitée 2012 à 300 exemplaires : bombe de peinture Montana MTN x Mare139 Carlos Rodriguez, vendue sans boîte. « Street Play » par Martha Cooper x Mare139 Carlos Rodriguez. Mare139 : L’alchimiste du street art et de la sculpture Carlos Rodriguez, plus connu sous le pseudonyme de Mare139, est une figure incontournable de l'histoire du street art. Son parcours, des bas-fonds du métro new-yorkais aux galeries d'art prestigieuses, illustre l'évolution du graffiti en tant que forme d'art à part entière. La bombe de peinture « Mare139 Silver Chrome Limited Edition », fruit d'une collaboration avec Montana MTN et sortie en 2012, est un hommage tangible à sa carrière exceptionnelle. Cette pièce de collection rare, limitée à 300 exemplaires et présentée sans boîte, est un véritable objet qui incarne l'essence même de la contribution de Mare139 au mouvement graffiti. L'art de Mare139 ne se limite pas à la bombe de peinture. Il est également reconnu pour ses sculptures métalliques, qui transposent le dynamisme fluide de son street art dans la solidité de formes tridimensionnelles. Son œuvre « Street Play » de Martha Cooper et son rôle majeur dans le documentaire culte « Style Wars » sont des moments clés qui ont inscrit son nom dans l'histoire du street art. Son influence témoigne du pouvoir du graffiti dans la construction de la culture urbaine et de sa capacité à forger des souvenirs inoubliables dans l'esprit de son public. L'héritage de Mare139 dans la culture graffiti L'héritage de Mare139 dans le graffiti est multiple. Pionnier du mouvement graffiti new-yorkais, il a joué un rôle déterminant dans la popularisation de cet art, le faisant passer des tunnels du métro à l'espace public. Son style unique, mélange de lignes nettes et de courbes fluides, est devenu une référence pour les graffeurs du monde entier. La bombe de peinture « Mare139 Silver Chrome » symbolise cet héritage, témoignant de sa crédibilité dans la rue et de son rôle dans l'essor du graffiti. La bombe elle-même, avec sa finition chromée argentée élégante, est un clin d'œil aux matières premières de l'artiste. À la fois récipient de peinture et support, elle représente Mare139 en pleine création, offrant une réflexion sur le processus créatif et sur l'artiste. Cet objet, dépouillé de toute présentation traditionnelle, affirme avec force l'impact de Mare139 sur le monde de l'art : sans fioritures, sans artifices et d'une authenticité sans compromis. L'évolution artistique de Carlos Rodriguez 'Mare139' L'évolution de Carlos Rodriguez, alias Mare139, d'artiste de rue à figure respectée de l'art contemporain, est un véritable récit de transformation. Ses sculptures, qui intègrent souvent des éléments du langage visuel du graffiti, témoignent de sa capacité à explorer différents médiums artistiques tout en conservant l'essence de ses racines urbaines. L'œuvre de Mare139 a enrichi le paysage visuel et alimenté le débat critique sur la valeur et l'impact du street art. La sortie de la bombe de peinture « Mare139 Silver Chrome » par Montana MTN célèbre le parcours de l'artiste. Chaque bombe en édition limitée est un fragment de cette histoire, une manifestation tangible de l'influence durable de Mare139 sur le pop art et le graffiti. Alors que Mare139 continue de créer, ses contributions relient le passé, le présent et l'avenir du graffiti, nous rappelant le pouvoir de cet art d'innover, d'inspirer et de susciter le changement. Dans le milieu artistique, les contributions de Mare139 témoignent du pouvoir transformateur de l'art et de sa capacité à remodeler les perceptions et à ouvrir de nouvelles voies. Son œuvre continue d'inspirer artistes et passionnés, assurant ainsi que la voix vibrante et rebelle de la rue demeure un élément essentiel du débat artistique. Tandis que le pop art urbain et le graffiti continuent d'évoluer, l'influence d'artistes comme Mare139 sera vénérée, commémorée et revisitée par ceux qui comprennent l'impact profond de ces mouvements sur notre patrimoine culturel collectif.

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Margot Silver Hand Cut HPM Spray Paint Giclée Print par Kevin Stanton, œuvre d'art en édition limitée, impression sur papier beaux-arts à paillettes superposées, embellie à la main, artiste graffiti pop de rue. 2013. Œuvre d'art signée et numérotée, réalisée à la main avec de la peinture en aérosol pailletée et des embellissements. Papier découpé et orné. Édition limitée n° 1 sur 4. Dimensions : 11,75 x 15,75 pouces. Impression giclée HPM. Collage sur papier argenté représentant Gwyneth Paltrow dans le rôle de Margot Tenenbaum, stylisée d'après le film « La Famille Tenenbaum ». « Margot Silver » de Kevin Stanton : une ode à l'iconographie cinématographique L'estampe giclée HPM (multiple peint à la main) « Margot Silver », découpée à la main, est une création magistrale de Kevin Stanton, figure emblématique du graffiti pop street art. Cette pièce exceptionnelle, en édition limitée, est la première d'une série de quatre, chacune méticuleusement signée et numérotée par l'artiste. L'œuvre, mesurant 29,8 x 40 cm, est un collage de papier argenté sur papier beaux-arts pailleté, rehaussé à la main pour un effet visuel saisissant. Cette création de Stanton rend hommage au personnage de Margot Tenenbaum, interprété par Gwyneth Paltrow, dans le film culte de Wes Anderson, « La Famille Tenenbaum ». Interaction entre l'esthétique du cinéma et celle du street art L'œuvre « Margot Silver » de Stanton illustre parfaitement la manière dont la culture pop et le street art peuvent s'entremêler pour donner naissance à une œuvre à la fois référentielle et originale. Stanton réinterprète un personnage rendu célèbre par le cinéma à travers le prisme du street art, en employant des techniques comme la peinture aérosol, traditionnellement associées au graffiti. Il en résulte un portrait graphique audacieux qui capture l'essence de Margot Tenenbaum grâce à des formes et des couleurs stylisées, en résonance avec la vitalité et l'immédiateté propres au Street Pop Art. Cette estampe est plus qu'une simple représentation d'un personnage de film ; c'est un dialogue avec le public, l'invitant à redécouvrir un personnage familier sous un jour nouveau. À l'instar du street art qui réinvestit souvent l'espace public pour créer une œuvre qui capte l'attention et suscite la conversation, l'œuvre de Stanton réinterprète l'image d'une figure emblématique, encourageant les spectateurs à s'immerger dans le personnage et l'œuvre avec une profondeur nouvelle. Le savoir-faire dans l'art contemporain Dans « Margot Silver », le savoir-faire transparaît dans la précision des découpes et l'application réfléchie des ornements, qui donnent vie à l'œuvre. L'utilisation de papier pailleté ajoute une dimension texturée qui contraste avec la planéité souvent associée à la peinture aérosol, démontrant ainsi le talent de Stanton pour marier des éléments disparates et créer une harmonie sur la toile. L'œuvre s'inscrit dans un mouvement plus large de l'art contemporain, où les artistes intègrent les techniques traditionnelles au dialogue avec les thèmes et les médiums modernes. La démarche de Stanton, notamment sa technique complexe de découpage du papier, fait écho à la méticulosité des artistes de rue qui consacrent des heures à perfectionner leurs fresques et leurs pochoirs. Son estampe en édition limitée, à l'instar d'une fresque soigneusement conçue, devient une œuvre marquante du paysage artistique contemporain, un symbole de créativité et d'ingéniosité. L'impact durable de « Margot Silver » L'œuvre « Margot Silver » de Kevin Stanton symbolise l'engagement de l'artiste à repousser les limites de l'art urbain. En choisissant d'immortaliser un personnage de cinéma à travers les méthodes et les médiums du street art, Stanton rend hommage non seulement au personnage et à la puissance du récit visuel, mais rappelle également que l'essence du street art et du graffiti réside dans sa capacité à transformer le familier en extraordinaire, à imprégner le quotidien de sens et de beauté. Cette estampe demeure une pièce captivante au sein de l'œuvre de Stanton, témoignant de son aptitude à naviguer et à transcender les frontières du street art et du pop art. Alors que le monde de l'art continue d'évoluer, des œuvres comme « Margot Silver » prouvent la persistance de cet esprit d'innovation qui anime des artistes comme Kevin Stanton, les poussant à créer des œuvres à la fois ancrées dans leur époque et intemporelles.

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Marie, tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier coton 100 % 330 g/m² par John John Jesse, artiste de rue graffiti, art pop moderne. L'attention constante portée au détail par John John Jesse est sans conteste devenue sa signature. Le dessin des modèles, leurs expressions faciales, leurs vêtements et leurs jouets, tout reflète l'attachement profond de l'artiste aux expériences familières. L'énergie, la précision, la vénération et le sens du rituel qui caractérisent son œuvre, mêlés à une joie et une crainte inconscientes, nous offrent des images d'une beauté et d'une force saisissantes. Il accomplit cela avec une minutie obsessionnelle et un talent inné pour l'originalité. Il nous montre ainsi que, face à la tragédie de la vie, le seul espoir réside dans sa capacité à y survivre grâce à son art.

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Marie I #2 Édition limitée, estampes pigmentaires HPM d'archives embellies à la main sur papier Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² par Adam Caldwell, artiste de rue graffiti, art pop moderne. 2017 Édition limitée signée Eternal Return I • Tirage pigmentaire d'archives rehaussé à la main et signé • Peinture, graphite et tampons à l'encre supplémentaires sur papier d'archives Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² • 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces) Rehaussé à la main, signé et numéroté par l'artiste Adam Caldwell dans une édition limitée à 3 exemplaires • N° 2/3

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Marilyn Chaos Butterfly, édition limitée, papier buvard d'art, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé, par une artiste pop moderne (droits d'auteur réservés). Édition limitée à 35 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2022. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey.

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Marilyn Golden Icon Rouge Blanc & Bleu Édition Limitée Papier Buvard d'Art Impression Pigmentaire d'Archives Œuvre d'Art sur Papier Buvard Perforé par une Artiste Pop Moderne © Copyright. Édition limitée à 35 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2022. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey.

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Marilyn Manson - Rakugaki 3 122 Dessin original aux crayons de couleur sur papier par l'artiste de la culture pop Albert Reyes. Dessin original signé aux crayons de couleur sur papier, datant de 2021. Dimensions : 8,5 x 11 pouces.

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Marilyn Monroe 01 Édition limitée, sérigraphie technique mixte rehaussée à la main sur papier épais de 200 livres par Bobby Hill, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Chaque pièce est unique et les couleurs, la peinture et les effets de peinture au pistolet réalisés à la main par l'artiste sont aléatoires et variables ; vous pourriez donc ne pas recevoir l'article exact présenté sur la photo ! « J’utilise des images photographiques comme base pour mon art, mais il m’arrive de dessiner directement sur l’acétate avant de graver les écrans afin de faire ressortir des détails que je juge importants. Chaque pièce de cette série a été sérigraphiée individuellement et peinte à la main avec divers médiums acryliques et autres. Concentrez-vous sur les couleurs plutôt que sur l’image, même si cela peut parfois s’avérer difficile. Les couleurs représentent ce qui se passe dans ma vie à chaque instant. » – Bobby Hill

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Marilyn Monroe 02 Édition limitée, sérigraphie technique mixte embellie à la main sur papier épais de 200 livres par Bobby Hill, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Chaque pièce est unique et les couleurs, la peinture et les effets de peinture au pistolet réalisés à la main par l'artiste sont aléatoires et variables ; vous pourriez donc ne pas recevoir l'article exact présenté sur la photo ! « J’utilise des images photographiques comme base pour mon art, mais il m’arrive de dessiner directement sur l’acétate avant de graver les écrans afin de faire ressortir des détails que je juge importants. Chaque pièce de cette série a été sérigraphiée individuellement et peinte à la main avec divers médiums acryliques et autres. Concentrez-vous sur les couleurs plutôt que sur l’image, même si cela peut parfois s’avérer difficile. Les couleurs représentent ce qui se passe dans ma vie à chaque instant. » – Bobby Hill

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Marilyn Monroe - Bogart & Becall Édition limitée Peinture à l'huile embellie à la main HPM Sérigraphie sur toile par Steve Kaufman SAK Artiste de rue graffiti Art pop moderne. Toile non tendue, l'image est en parfait état. Rare reproduction de Marilyn Monroe avec la star du cinéma rétro Humphrey Bogart et l'actrice Lauren Bacall .

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Marilyn Monroe - Joe DiMaggio Édition limitée Peinture à l'huile embellie à la main Sérigraphie HPM sur toile par Steve Kaufman SAK Artiste de rue graffiti Art pop moderne. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 1996. Format de l'œuvre : 16 x 16 pouces. Toile non tendue, l'image est en parfait état. Version rare de Marilyn avec le joueur de baseball Joe DiMaggio.

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Portrait de Marilyn Monroe en édition limitée, peinture à l'huile rehaussée à la main, impression sérigraphique HPM sur toile par Steve Kaufman SAK, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Toile non tendue, l'image est en parfait état. Rare portrait de Marilyn, cheveux blonds.

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Marilyn Monroe - Bain de vapeur, édition limitée, peinture à l'huile rehaussée à la main, sérigraphie HPM sur toile par Steve Kaufman, artiste de rue graffiti SAK, art pop moderne. Toile non tendue, l'image est en parfait état, le cadre noir est en bon état également. Rare version de Marilyn sur une serviette.

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Sérigraphie 3 couleurs Marilyn Pure Joy Aqua par Pure Evil, tirée à la main sur papier d'art Somerset Fine Art Paper 300 g/m² à bords frangés, édition limitée. Édition limitée signée et numérotée 2025 (à déterminer). Format de l'œuvre : 16x20. Sérigraphie représentant l'actrice hollywoodienne Marilyn Monroe stylisée en bleu turquoise. Marilyn Pure Joy Aqua par Pure Evil, une œuvre d'art pop art et graffiti de rue « Marilyn Pure Joy Aqua » est une sérigraphie en édition limitée de 2025, créée par Pure Evil, figure britannique du street art pop et du graffiti, de son vrai nom Charles Uzzell-Edwards. Cette œuvre, réalisée dans une palette d'un bleu turquoise éclatant, est imprimée à la main sur un papier d'art Somerset 300 g/m² à bords frangés, grâce à trois couches de sérigraphie. Mesurant 40,6 x 50,8 cm, elle fait partie d'une série consacrée à l'actrice hollywoodienne iconique Marilyn Monroe. L'utilisation audacieuse de la couleur unie, du contraste élevé et du motif de larme emblématique de Pure Evil reflète une synthèse délibérée entre l'iconographie des célébrités et les thèmes de la perte et du poids émotionnel. La larme, épaisse et noire, coule de l'un des yeux de Monroe et s'écoule vers le bas, divisant en deux le portrait par ailleurs glamour. Ce motif de larme, récurrent dans la plupart des portraits de l'artiste, joue un rôle crucial dans la transformation de l'imagerie populaire en un commentaire chargé d'émotion. La signification culturelle de Marilyn Monroe réinventée Cette œuvre ancre Marilyn Monroe non pas comme une figure figée de la beauté des années 1950, mais comme un symbole culturel d'une pertinence intemporelle. Dans la réinterprétation de Pure Evil, Monroe devient un vecteur de réflexion sur les effets isolants et souvent dévastateurs de la célébrité. Son image, l'une des plus reconnaissables de l'histoire moderne, est dépouillée de son artifice cinématographique et réinterprétée dans une esthétique inspirée du graffiti. L'utilisation du bleu turquoise adoucit le portrait tout en créant une étrange vitalité. L'image n'appartient plus seulement au Hollywood nostalgique ; elle investit désormais le paysage visuel de l'art contestataire, des collages et des murs de galeries, enracinés dans la culture urbaine contemporaine. Cette transformation est essentielle à la manière dont l'héritage de Monroe continue d'être façonné par les nouvelles générations d'artistes visuels. Les mécanismes de l'esthétique pop urbaine Le pop art urbain et le graffiti se nourrissent du remixage de l'iconographie publique. En utilisant des techniques de sérigraphie traditionnellement associées aux beaux-arts tout en conservant un langage visuel ancré dans la subversion urbaine, Pure Evil brouille les frontières entre symbolisme commercial et expression brute. Le choix du papier Somerset, réputé pour sa qualité d'archivage exceptionnelle, témoigne du double intérêt de l'artiste pour les collectionneurs d'art et son esprit contestataire. Les aplats bleu turquoise confèrent une impression d'uniformité, mais la fabrication artisanale garantit à chaque tirage un caractère unique. Cette convergence entre le processus et le message permet au spectateur d'appréhender l'image familière de Marilyn Monroe d'une manière plus profonde et personnelle. Le langage émotionnel du mal absolu à travers la couleur et la forme Dans « Marilyn Pure Joy Aqua », l'émotion est transmise par le contraste et la soustraction. La simplicité du choix des couleurs – un fond bleu et blanc épuré, avec des ombres d'un noir profond – concentre l'attention sur la gravité émotionnelle de l'œuvre. La larme qui coule de l'œil de Monroe n'est pas un ornement, mais un élément central du récit. Elle suggère une douleur non résolue, l'exploitation de la beauté et la frontière floue entre admiration et objectification. À travers cette sérigraphie, Pure Evil utilise le visage de Monroe comme icône et comme support, créant une œuvre à la fois introspective et provocatrice. Cette pièce témoigne du dialogue constant entre la culture populaire et l'expression urbaine, et de la manière dont les techniques issues du graffiti peuvent transformer même les sujets les plus familiers en puissants vecteurs d'introspection.

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Sérigraphie 3 couleurs Marilyn Pure Joy Oxblood par Pure Evil, tirée à la main sur papier d'art Somerset Fine Art Paper 300 g/m² à bords frangés, édition limitée. Édition limitée signée et numérotée 2025 (à déterminer). Format de l'œuvre : 16x20. Sérigraphie représentant l'actrice hollywoodienne Marilyn Monroe stylisée en bleu turquoise, rose et bordeaux. Marilyn Pure Joy Oxblood par Pure Evil dans l'art pop art et graffiti de rue « Marilyn Pure Joy Oxblood » est une sérigraphie audacieuse en édition limitée (2025) de Charles Uzzell-Edwards, artiste reconnu dans le milieu de l'art contemporain sous le pseudonyme de « Pure Evil ». Imprimée en trois couleurs et tirée à la main sur un papier d'art Somerset 300 g/m² à bords frangés, cette œuvre de 40,6 x 50,8 cm s'inscrit dans la continuité de la série de portraits de l'artiste, qui rend hommage aux icônes historiques à travers le prisme de la subversion moderne. Marilyn Monroe, sans doute l'un des visages les plus reconnaissables de l'histoire de la culture populaire, est ici représentée dans un contraste saisissant de rose bordeaux et de blanc, avec des reflets glacés et le motif en larme, signature de « Pure Evil », qui se déverse vers le bas dans un contraste visuel saisissant. La palette de couleurs utilisée transforme Monroe, d'icône nostalgique, en un sujet poignant d'introspection, révélant la coexistence de la célébrité et de la fragilité. Recontextualiser les icônes dans la tradition du pop art de rue Cette œuvre puise dans le langage du pop art traditionnel et les codes du street art, mêlant esthétique de la haute couture et commentaire incisif. Pure Evil utilise la sérigraphie dans la lignée d'Andy Warhol, mais explore des territoires émotionnels plus sombres en introduisant la larme noire, un motif récurrent dans son œuvre. La larme n'est pas seulement un élément stylistique, mais aussi un procédé narratif, suggérant le deuil d'une innocence perdue ou une critique de la façon dont la célébrité consume l'individualité. En plaçant Monroe dans une teinte rouge bordeaux saturée, l'estampe souligne le drame, la sensualité et l'intensité émotionnelle, conférant une nouvelle profondeur à une figure souvent idéalisée et aplatie par la culture commerciale. Le rôle de la couleur et de la technique d'impression dans l'impact émotionnel La palette rouge sang de bœuf joue un rôle central dans la manière dont cette version de la série Pure Joy communique l'urgence et la tristesse. Elle s'écarte des palettes chaudes et traditionnelles d'Hollywood, généralement utilisées pour représenter Monroe. Le rouge profond suggère la passion, l'obsession, voire la violence en filigrane. Se détachant sur des fonds blancs éclatants et des détails ombrés, la silhouette de Monroe devient encore plus obsédante. L'impression sérigraphique, avec ses contours nets et ses superpositions précises, renforce la dualité entre maîtrise esthétique et chaos émotionnel. Le bord frangé du papier Somerset ajoute une dimension tactile et physique qui ancre l'œuvre, faisant le lien entre sa présence digne d'une galerie et ses racines dans les pratiques urbaines du pochoir. Le commentaire du mal pur à travers le portrait de célébrités La réinterprétation de Marilyn Monroe par Pure Evil dépasse le simple remix culturel. Elle dénonce avec subtilité la manière dont les médias de masse instrumentalisent la beauté, l'iconographie et l'exploitation émotionnelle. L'image de Monroe, jadis auréolée d'un glamour discret, nous fixe désormais du regard, révélant une tension complexe entre attrait et traumatisme. La teinte bordeaux exprime sa vulnérabilité humaine sans altérer sa puissance symbolique. Charles Uzzell-Edwards, alias Pure Evil, a développé un style reconnaissable entre tous, fusionnant le graffiti et la précision de la sérigraphie. Avec l'édition « Marilyn Pure Joy Oxblood », il contribue à un débat plus large au sein du street art et du graffiti, invitant le public à s'interroger sur ce qui se cache derrière l'image de la célébrité et à en mesurer les conséquences.

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Sérigraphie 3 couleurs Marilyn Pure Joy Yellow par Pure Evil, tirée à la main sur papier d'art Somerset Fine Art Paper 300 g/m² à bords frangés, édition limitée. Édition limitée signée et numérotée 2025 (à déterminer). Format de l'œuvre : 16x20. Sérigraphie représentant l'actrice hollywoodienne Marilyn Monroe stylisée en noir et jaune. Marilyn Pure Joy Yellow par Pure Evil, une œuvre d'art pop art et graffiti de rue « Marilyn Pure Joy Yellow » est une sérigraphie artisanale en trois couleurs, créée par l'artiste londonien Pure Evil, de son vrai nom Charles Uzzell-Edwards. Imprimée sur un papier d'art Somerset 300 g/m² à grain frangé, cette édition signée et numérotée de 2025 exemplaires capture l'essence de l'iconographie pop et du minimalisme émotionnel à travers le prisme unique du commentaire urbain. Mesurant 40,6 x 50,8 cm, l'œuvre présente un portrait stylisé de la légende hollywoodienne Marilyn Monroe, rendu dans des tons de noir et de jaune doux, sur lequel se superpose le motif de la larme emblématique de Pure Evil : une épaisse ligne noire jaillissant d'un œil et traversant verticalement le papier. Ce procédé visuel saisissant est devenu la marque de fabrique de l'artiste et constitue une forme puissante de commentaire au sein du street art et du graffiti. L'icône pop réinventée à travers le prisme du graffiti Pure Evil recontextualise Marilyn Monroe, non plus comme une déesse du cinéma à la perfection irréprochable, mais comme un symbole brisé de glamour et de vulnérabilité. Plutôt que de privilégier le réalisme, le portrait embrasse la stylisation et l'abstraction, permettant ainsi de réinterpréter le mythe de la figure. Les touches de jaune dans les cheveux évoquent les canons de beauté du milieu du XXe siècle, tandis que les contrastes monochromes saisissants soulignent un sentiment de perte ou de distorsion. Il ne s'agit pas simplement d'une célébration de la célébrité, mais d'une méditation sur son prix. La larme noire verticale, récurrente dans l'œuvre de Pure Evil, n'est pas un simple ornement. Elle évoque les thèmes du traumatisme, de la fragilité et de la perte d'identité liés au culte des célébrités. En mêlant esthétique du graffiti et sujets de la culture pop, cette œuvre déstabilise la nostalgie et invite à repenser la mémoire collective. Matériaux d'art contemporain à vocation urbaine Bien qu'ancrée dans la tradition du street art, cette sérigraphie est imprimée selon des techniques et avec des matériaux dignes des beaux-arts. Le papier Somerset 300 g/m² et les bords frangés à la main témoignent de la maîtrise de l'artiste par le système des galeries, tout en conservant des références visuelles issues du milieu urbain. Les contours marqués, l'application à la manière d'un pochoir et la palette saturée puisent leur inspiration dans l'esthétique graphique du graffiti. Chaque tirage est réalisé à la main, ce qui confère à chaque édition une subtile variation et une authenticité uniques. Ce travail artisanal affirme que, même si l'imagerie s'inspire d'une iconographie produite en masse, l'exécution est profondément intentionnelle et personnelle. Simplicité émotionnelle et symbolisme dans l'art urbain contemporain L'œuvre « Marilyn Pure Joy Yellow » de Pure Evil s'inscrit dans un débat contemporain plus large sur les dimensions émotionnelles de l'iconographie dans le street art et le graffiti. La force émotionnelle de l'œuvre est accentuée par sa sobriété formelle : une palette de couleurs restreinte, une géométrie audacieuse et le geste symbolique solitaire d'une larme. À l'ère du numérique, cette pièce invite le spectateur à ralentir son regard. Elle l'incite à réfléchir aux raisons de notre idolâtrie et à ce que nous ignorons. À travers cette œuvre, Pure Evil enrichit la réflexion sur la célébrité, la fragilité et les répercussions psychologiques qui accompagnent souvent l'ascension culturelle. À la fois hommage et critique, l'œuvre illustre avec force comment la culture urbaine peut imprégner et enrichir le discours de l'art contemporain sans renier ses racines contestataires.

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Marilyn Whaam New Love Forever, édition limitée, papier buvard d'art, impression pigmentaire d'archives, œuvre d'une artiste pop moderne, copyright. Édition limitée signée et numérotée de 35 exemplaires, tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé, 2022. Format : 7,5 x 7,5 pouces. Sortie : 19 avril 2022. Les éditions limitées sur papier buvard sont perforées à la main par Zane Kesey. Marilyn Whaam New Love Forever par Copyright : Icônes, psychédélisme et mythe moderne dans l'art urbain pop et le graffiti « Marilyn Whaam New Love Forever » est une estampe pigmentaire d'archive en édition limitée (2022) créée par l'artiste pop britannique Copyright. Tirée à seulement 35 exemplaires et mesurant 19 x 19 cm, cette œuvre d'art est imprimée sur du papier buvard perforé, un matériau associé depuis longtemps à la contre-culture psychédélique. La perforation, réalisée à la main par Zane Kesey, renforce l'ancrage de l'œuvre dans les traditions créatives underground et rebelles. Copyright, connu pour sa fusion d'iconographie pop et de critique sociale nuancée, construit un kaléidoscope visuel qui brouille les frontières entre art commercial, psychédélisme et symbolisme romantique. Le format de l'œuvre – estampe pigmentaire d'archive sur buvard – est aussi intentionnel que l'image elle-même, alliant le savoir-faire de la gravure à l'esthétique de l'esprit rebelle. Archétypes visuels et surcharge culturelle Au cœur de l'œuvre se trouve un portrait de Marilyn Monroe aux teintes cyan, réinterprété dans une palette de couleurs à la Warhol et stylisé par des coulures de peinture, des contours marqués et des ornements floraux. Son visage est recouvert de graphismes superposés : le mot « Forever » en lettres roses scintillantes, un crâne orné de pétales et de papillons, et un cœur tatoué où l'on peut lire « Love ». Au-dessus d'elle, des caractères de bande dessinée explosent en « Whaam », tandis que Mickey Mouse apparaît dans le cadre, à la fois témoin et acteur du chaos. Ce collage de personnages publicitaires, de clichés romantiques et de symboles subversifs crée une composition déroutante et chargée d'émotion. Dans la lignée du street art et du graffiti, l'œuvre utilise des figures universellement reconnaissables pour disséquer les constructions artificielles de la célébrité, de la mémoire, de la mortalité et du marketing. Héritage matériel et format psychédélique Le choix du papier buvard comme support d'impression est une référence délibérée à l'art psychédélique des années 1960 et 1970, où les buvards de LSD arboraient souvent des micro-images graphiques. Bien que cette œuvre n'ait aucune fonction pratique dans ce contexte, l'utilisation de feuilles perforées établit un lien évident avec la culture underground et l'esthétique de l'expansion de la conscience. Le procédé d'impression pigmentaire d'archivage garantit la fidélité des couleurs, la longévité et la finesse des détails, conférant une finition digne d'un musée à un matériau traditionnellement considéré comme éphémère ou illicite. Le format de 19 x 19 cm invite à une observation attentive, mettant en valeur la texture pixellisée de la grille de perforation sous l'image. Ce contraste entre le sacré et le jetable ajoute une dimension de tension au message de l'estampe, suggérant que les mythologies contemporaines sont aussi fragiles qu'omniprésentes. Le rôle du droit d'auteur dans la tradition du remix Copyright est un artiste pop urbain britannique qui réinvente sans cesse le familier à travers le prisme de la distorsion, de la nostalgie et de la rébellion. Mêlant graffiti, publicité de mode, beaux-arts et médias populaires, ses œuvres fonctionnent comme des archives remixées de la mémoire collective. « Marilyn Whaam New Love Forever » condense sa démarche en un carré saturé, puisant dans la sémiotique de l'amour, de la mort, du sexe, du capitalisme et de l'évasion pour créer une méditation maximaliste sur la saturation culturelle. L'inclusion de personnages comme Mickey et Marilyn Monroe fait office à la fois d'hommage et de critique : des icônes qui promettaient jadis le bonheur et qui hantent désormais les systèmes mêmes qu'elles ont contribué à définir. Dans l'univers du street art et du graffiti, cette œuvre s'affirme comme une explosion colorée d'une vénération paradoxale, où la beauté côtoie la décrépitude et où la permanence se trouve dans le jetable.

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Œuvre d'art pop street Mario Trece, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure par l'artiste moderne de graffiti urbain Bob Dob. Édition limitée 2020, signée et numérotée à 30 exemplaires. Format de l'œuvre : 16 x 20 pouces. Tirage giclée signé de 2020, 16 x 20 pouces, édition signée et numérotée de 30 exemplaires avec graffiti de Greg 'Craola' Simkins inspiré de Mario Bros.

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« Mario's Regret Artwork Giclée en édition limitée sur papier aquarelle beaux-arts » par Nick Derington, artiste de graffiti pop culture. OBJECTIF SUPPLÉMENTAIRE KICKSTARTER ! « Le Regret de Mario » est une impression giclée de qualité archive 8x10, sur papier aquarelle naturel pressé à froid, signée et numérotée par Nick Derington.

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Mark Bode - Bode Broad Brown Édition Limitée Rare Bombe de Peinture Aérosol Œuvre d'art croisée du célèbre fabricant de peinture graffiti Montana MTN. Bombe aérosol en édition limitée Montana Colors [2009] Couleur : Bode Broad Brown. Boîte signée par Mark Bode au feutre. Édition limitée à 150 exemplaires [78/150]. 500 bombes produites dans le monde. Dimensions de la boîte : 18,4 cm x 7,6 cm x 7,6 cm. Contenu : 400 ml. Neuf.

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Mark Lanegan 60 Sérigraphie noire par Cleon Peterson sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés, édition limitée. 2024 Signée et numérotée Édition limitée à 100 exemplaires par Cleon Peterson Format de l'œuvre : 15x24 Impression sérigraphique. « Cette estampe est un hommage à mon ami, Mark Lanegan, et a été publiée à l'occasion de son 60e anniversaire. Je n'oublierai jamais nos promenades dans la lumière et l'obscurité. » – Cleon Peterson Un hommage significatif à une voix retentissante Cleon Peterson, artiste américain reconnu pour ses images saisissantes et ses réflexions sur les conflits humains, a créé cette sérigraphie en édition limitée en hommage à Mark William Lanegan. Le chanteur américain Lanegan s'est éteint le 22 février 2022, laissant une empreinte indélébile sur ceux qui l'ont connu et ont admiré son œuvre. Peterson a souhaité honorer le 60e anniversaire du chanteur à travers cette pièce, reflétant les parcours partagés et l'esprit de découverte qui les unissaient. L'œuvre présente une composition saisissante en rouge, noir et blanc, symbolisant à la fois une introspection profonde et une révélation lumineuse. Chaque élément du dessin traduit tension et apaisement, faisant écho à la profondeur émotionnelle de la musique de Lanegan et à la finesse d'observation qui caractérise la démarche artistique de Peterson. Cette estampe de 38 x 61 cm (15 x 24 pouces) sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés capture un échange intense entre deux figures. L'une, d'un rouge vif, suggère une présence surnaturelle, tandis que la silhouette humaine centrale se détache en noir profond. Leurs poses et leurs gestes suggèrent une tension entre l'ombre et la lumière, un motif qui fait écho au parcours créatif de Lanegan. Les formes tourbillonnantes qui entourent les personnages évoquent le feu, la passion et un tumulte potentiel, renforçant ainsi l'utilisation caractéristique par Peterson de silhouettes audacieuses et d'espaces négatifs intentionnels. En mêlant des détails minimalistes à des couleurs très contrastées, la composition conserve une intensité saisissante qui attire le regard du spectateur au cœur même de son message émotionnel. Symbolisme et expressions visuelles Le jeu de couleurs de cette sérigraphie reflète la manière dont la musique de Lanegan explorait souvent des espaces d'introspection et de ferveur. La figure rouge suggère la force de la tentation ou de la lutte, tandis que la figure noire semble suspendue entre soumission et résistance. Ces thèmes s'inscrivent dans l'œuvre plus vaste de Peterson, qui met fréquemment en scène des confrontations dramatiques entre des éléments contrastés. Les textes en haut et en bas font référence au 60e anniversaire de Lanegan et à un lieu emblématique, ancrant l'image dans un contexte à la fois festif et introspectif. Le spectateur est invité à réfléchir à la manière dont la mémoire, l'amitié et l'expression créative s'entremêlent, façonnant un récit qui transcende la simple commémoration d'un anniversaire. Liens entre le street art, le pop art et le graffiti Les amateurs de street art et de graffiti reconnaîtront le style distinctif de Peterson, qui utilise des aplats de couleur et des contours marqués pour transmettre des messages forts. Cette approche, qui rappelle les fresques murales audacieuses et les interventions graphiques, possède une force qui trouve un écho aussi bien dans l'espace urbain que dans les galeries d'art. Les figures surdimensionnées, soulignées par un rouge vif et un noir profond, conservent l'immédiateté souvent associée au graffiti et aux pratiques artistiques urbaines. La technique de Peterson entremêle l'influence de la culture pop à une énergie brute inspirée de la rue, reflétant un héritage commun de remise en question des esthétiques conventionnelles. L'ensemble reflète une approche moderne des images iconiques, où quelques formes simplifiées transmettent une grande richesse émotionnelle. Détails de production et collection Créée en 2024 en une édition signée et numérotée de 100 exemplaires, la sérigraphie blanche « 60 » de Mark Lanegan témoigne avec soin du dévouement de l'artiste. Chaque pièce est imprimée sur un luxueux papier d'art Coventry Rag de 290 g/m², frangé à la main pour une subtile touche artisanale. Les bords texturés évoquent le travail manuel de la sérigraphie, fusionnant design contemporain et techniques ancestrales. Les collectionneurs apprécient le caractère exclusif de cette édition et la résonance émotionnelle du sujet, le lien personnel entre Peterson et Lanegan conférant une profondeur supplémentaire à la composition. Cette œuvre incarne le puissant mélange de respect, d'amitié et d'influences street art et graffiti qui caractérise le travail de Peterson, rappelant aux spectateurs le pouvoir durable des voix créatives, même après leur disparition.

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Mark Lanegan 60 Sérigraphie blanche par Cleon Peterson sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés, œuvre d'art en édition limitée. 2024 Signée et numérotée Édition limitée à 100 exemplaires par Cleon Peterson Format de l'œuvre : 15x24 Impression sérigraphique. « Cette estampe est un hommage à mon ami, Mark Lanegan, et a été publiée à l'occasion de son 60e anniversaire. Je n'oublierai jamais nos promenades dans la lumière et l'obscurité. » – Cleon Peterson Hommage à l'influence de Mark Lanegan L'artiste américain Cleon Peterson a créé cette sérigraphie en édition limitée en hommage à l'amitié et à l'inspiration créative. Cette œuvre rend hommage à Mark William Lanegan, chanteur américain décédé le 22 février 2022. Elle se veut un hommage symbolique pour ce qui aurait été le 60e anniversaire de Lanegan, capturant à la fois l'esprit de sa musique et le lien qui unissait Peterson à ce dernier. La composition met en scène des flammes rouges éclatantes, une figure diabolique et une silhouette humaine imposante, le tout sur un fond blanc immaculé. Ces éléments évoquent un jeu d'ombre et de lumière, cher aux admirateurs de l'univers artistique si particulier de Lanegan. Le style de Peterson explore souvent les conflits, les tensions et la psyché humaine. Cette estampe traduit cette approche par des contrastes saisissants et un positionnement symbolique des figures. Le regard est immédiatement attiré par les formes rouges tourbillonnantes qui encadrent le sujet central, comme une allusion à la créativité passionnée et aux parcours tumultueux qui peuvent façonner la vie d'un musicien. Malgré la palette de couleurs austères, les détails restent à la fois audacieux et minimalistes, incitant le spectateur à réfléchir à ses propres luttes, à ses triomphes et à l'influence durable d'artistes marquants. Symbolisme et dynamique visuelle Le format 15 x 24 pouces offre un espace généreux pour le jeu saisissant des silhouettes et des couleurs vibrantes. La figure diabolique à gauche serre contre elle une forme noire représentant un corps humain, suggérant une lutte contre des forces intérieures ou extérieures. Des flammes rouges dansent autour d'eux, évoquant des expériences transformatrices. L'approche caractéristique de Peterson en matière de couleur et de contraste se manifeste avec éclat, rendant l'œuvre captivante tout en suggérant des significations plus profondes. Cette œuvre est imprimée sur du papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés à la main, conférant à chaque exemplaire une finesse et une touche artisanales. Cette qualité matérielle s'accorde avec la charge émotionnelle du sujet, soulignant comment l'art peut capturer à la fois la mémoire immatérielle et le savoir-faire tangible. L'imagerie rouge et noire évoque certains aspects du street art et du graffiti, où des lignes audacieuses, des contrastes saisissants et des formes simplifiées transmettent des messages puissants sans recourir à des détails superflus. Inspirations pour le street art, le pop art et le graffiti Les thèmes du pop art urbain et du graffiti sont omniprésents dans les estampes de Peterson, et cette œuvre s'inscrit dans cette tradition. Les connaisseurs d'art urbain apprécient souvent la manière dont les aplats et les contours marqués de l'estampe créent une impression dynamique, évoquant les fresques murales ou les tags audacieux. L'énergie subversive, caractéristique de l'art de rue, se manifeste à travers les flammes stylisées et la figure démoniaque exagérée. La mise en scène souligne un sentiment de confrontation et de collaboration entre des forces opposées. Cette dualité reflète la capacité du Street Pop Art et du graffiti à la fois à saisir visuellement l'impact et à susciter un engagement social. En mêlant récits personnels et imagerie symbolique, l'œuvre de Peterson reste ancrée dans la sensibilité underground qui imprègne l'ensemble de ses créations, fusionnant un processus raffiné avec des préoccupations thématiques brutes. Une édition limitée intemporelle Éditée en 2024 à 100 exemplaires signés et numérotés, la sérigraphie blanche « Mark Lanegan 60 » a rapidement séduit les collectionneurs, attirés par sa force émotionnelle et sa sophistication artistique. Chaque exemplaire constitue un objet tangible commémorant non seulement les 60 ans de carrière de Lanegan, mais aussi l'impact durable d'une collaboration créative entre amis. Les bords frangés à la main et le papier de qualité témoignent d'un souci constant de préserver l'authenticité du dessin original. Cette estampe représente une tranche d'art contemporain puisant ses racines dans la mémoire personnelle et abordant les thèmes universels de la lutte et de la rédemption. La décision de Peterson de dédier une œuvre à Lanegan témoigne du profond respect et de l'admiration que partagent les artistes. Ce sentiment transparaît dans le jeu graphique des couleurs, des formes et du contenu. En unissant l'intensité du street art et du graffiti à un hommage poignant, Peterson propose une œuvre saisissante qui constitue un rappel émouvant de l'héritage artistique de Mark Lanegan et du lien qui a nourri sa création.

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Mark Twain Riskoleum Artwork Giclée en édition limitée, impression sur papier d'archivage Coventry Rag par l'artiste de graffiti de la culture pop Risk. Épreuve d'artiste (EA). Tirage giclée sur papier d'archivage Coventry Rag. Tirage réalisé sur commande spéciale pour la Fashion Week de Los Angeles 2017, daté de 2016. Signé et numéroté à la main. 45,7 x 35,6 cm

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Mars, édition limitée, sérigraphie artisanale en 4 couleurs sur papier beaux-arts, par Derek Hess, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Épreuve d'artiste AP « Cette œuvre a rejoint la collection permanente du musée d'art d'Akron. Sur le plan visuel, je m'inspire de la même idée de base que pour l'estampe de Vénus. Elle porte le nom de Mars, dieu de la guerre. » – Derek Hess

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Mars Attacks - Œuvre d'art d'horreur, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure par l'artiste de graffiti de la culture pop Burrito Breath. Horror Show est un hommage illustré aux meilleurs et aux pires films d'horreur de série Z de ces dernières années.

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Marty McFly Makes a Movie 1.21 Gigawatts Édition limitée Impression giclée sur papier d'art de qualité supérieure par Marly Gallardo, artiste de rue de la contre-culture. Le collectif New Rule présente 1,21 GIGAWATTS, un hommage illustré à la trilogie culte Retour vers le futur ! L’histoire classique du jeune Marty McFly et du Doc Brown voyageant à travers le continuum espace-temps a inspiré toute une génération de passionnés de science-fiction et de voyages dans le temps à travers le monde, et reste encore aujourd’hui une œuvre cinématographique emblématique des années 80.

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Martyr AP Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print on 290gsm Moab Entrada Paper by Artist Marco Mazzoni, Street Pop Art Graffiti Legend. Épreuve d'artiste AP 2015, édition signée de 50 exemplaires, 16x20

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Marvin Berry and the Starlighters 1,21 Gigawatts Édition Limitée Impression Giclée sur Papier Beaux-Arts par Robin Boyden, artiste de rue de la contre-culture. Le collectif New Rule présente 1,21 GIGAWATTS, un hommage illustré à la trilogie culte Retour vers le futur ! L’histoire classique du jeune Marty McFly et du Doc Brown voyageant à travers le continuum espace-temps a inspiré toute une génération de passionnés de science-fiction et de voyages dans le temps à travers le monde, et reste encore aujourd’hui une œuvre cinématographique emblématique des années 80.

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Marvin is Sick, œuvre d'art imprimée en édition limitée par giclée sur papier d'art de l'artiste de graffiti de la culture pop Brandon Sopinsky.

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Œuvre d'art Mary, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure par l'artiste de graffiti pop culture Jason Levesque. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Format de l'œuvre : 12x12

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Achetez TITLE Edition Limitée sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Archival Pigment Fine Art INFO

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Planche de skateboard artistique Mashups Stevie Williams Astronaut 8.25 par DKG, édition limitée, impression de l'artiste sur bois, style pop street graffiti, objet sportif. Œuvre d'art sportive en édition limitée 2021, format skateboard 8x31, objet d'art imprimé, représentant le pro du skate John Shanahan x DGK, femme avec de l'argent, planche stylisée. Planche de skateboard « Woman with Cash » de John Shanahan par DGK : mélange de street art pop et de graffiti sur érable 7 plis La planche de skateboard « Mashups John Shanahan Woman with Cash » de DGK est une œuvre visuelle et culturelle qui transforme un objet sportif de haute performance en un emblème du street art et du graffiti contemporains. Sortie en 2021, cette planche en édition limitée mesure 20,3 cm de large sur 78,7 cm de long et est fabriquée en érable 7 plis de qualité supérieure avec des placages teintés de différentes nuances. La planche arbore un graphisme intégral sur le dessous et des sérigraphies sur le dessus qui reflètent l'énergie brute et le symbolisme culturel associés à la marque DGK et à l'univers visuel du skateur professionnel John Shanahan. Avec une image qui mêle argent, mode et un design audacieux, cette planche artistique offre bien plus qu'un simple attrait visuel : elle communique un langage lié au statut social, à la rébellion et à l'authenticité urbaine. Composition visuelle et poids symbolique du graphique Le visuel du panneau met en scène une femme stylisée aux cheveux turquoise, aux ongles violets et aux mains abondamment tatouées, exhibant des liasses de billets de cent dollars. Son expression est d'un calme absolu, les yeux mi-clos, défiant le regard. Chaque détail – de la chaîne en or à la Rolex en passant par la bague DGK – évoque la richesse urbaine, la débrouillardise et l'émancipation. Ses mains dominent le premier plan, traversant le panneau verticalement dans une posture à la fois agressive et stylée. Le fond se fond dans un léger dégradé de bleu glacé, contrastant avec l'éclat de son teint et de ses vêtements. Cette esthétique s'inscrit pleinement dans le Street Pop Art et le graffiti, qui fusionnent souvent des éléments de la culture pop avec un commentaire social. La femme devient une icône non seulement de la richesse, mais aussi du pouvoir, de l'attitude et d'une indépendance assumée. L'alliance d'un style proche du dessin animé et d'un réalisme stylisé confère à l'œuvre une originalité qui la place au même rang que les estampes de street art de collection et les vêtements inspirés de la culture pop. John Shanahan et DGK : Cultiver l’art du skate avec une identité urbaine John Shanahan, membre clé de l'équipe DGK, insuffle à tout ce qu'il entreprend un style pointu et une profonde sensibilité culturelle. Reconnu pour son esthétique vintage skate axée sur la mode, l'influence de Shanahan transparaît clairement dans le design de cette planche. DGK, fondée par Stevie Williams, a toujours misé sur le récit à travers la réalité urbaine, et cette planche ne fait pas exception. L'approbation d'une telle planche par Shanahan confirme son authenticité au sein des communautés de skate et artistiques. Rider qui allie sensibilité rétro et talent novateur, la collaboration de Shanahan avec DGK continue d'enrichir le récit du design de skateboards comme une forme d'art ancrée dans la résistance, la ténacité et l'individualité. Cette pièce ne porte pas seulement son nom, elle incarne aussi le style de vie et la culture qu'il représente. Les planches de skateboard comme toiles modernes dans l'art urbain pop et le graffiti La planche de skate « Woman with Cash » de John Shanahan, issue de la collection Mashups, illustre parfaitement comment les planches de skate sont devenues des supports d'art moderne. Sa construction en érable sept plis lui confère durabilité et performance, tandis que sa surface imprimée la transforme en une œuvre d'art dynamique. Le motif imprimé recouvrant toute la surface de la planche fonctionne comme une fresque : portable, audacieuse et visible de tous. Lorsqu'elle n'est pas utilisée, la planche devient une œuvre murale captivante, incarnant l'esprit de l'art contemporain urbain. La fusion d'iconographie, de critique culturelle et d'esthétique, concentrée dans une explosion visuelle, inscrit cette planche DGK au cœur de l'héritage du Street Pop Art et du graffiti, où les frontières entre culture, fonction et beaux-arts s'estompent sans cesse.

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Planche de skateboard artistique Mashups Stevie Williams Astronaut 8.25 par DKG, édition limitée, impression de l'artiste sur bois, style pop street graffiti, objet sportif. Œuvre d'art sportive en édition limitée 2021, format 8x31, planche de skateboard imprimée, objet d'art, skate pro Stevie Williams x DGK, planche stylisée astronaute spatial. Planche de skateboard Stevie Williams Astronaut par DGK : une fusion de style, d'espace et d'art urbain pop et graffiti. La planche de skateboard Mashups Stevie Williams Astronaut de DGK est une œuvre visuelle audacieuse qui s'inscrit dans l'univers du street art et du graffiti. Sortie en 2021 en édition limitée, elle arbore une illustration stylisée d'astronaute, entouré de billets, de fumée, de bijoux en or et affichant une posture intrépide. Mesurant 21 cm x 79 cm, cet objet sportif est à la fois une planche de skate fonctionnelle et une pièce de collection street art. Fabriquée en bois durable de haute qualité et conçue selon les spécifications des professionnels, la planche reflète les profondes racines culturelles du skateboard et de l'expression visuelle urbaine. Stevie Williams, skateur pro pionnier de Philadelphie, apporte son nom et son influence à cette création, renforçant ainsi le lien fort entre DGK et les voix authentiques de la rue. La narration visuelle et le symbolisme de la figure de l'astronaute L'illustration de cette planche DGK met en scène un astronaute en combinaison intégrale, chaînes en or et casque d'où s'échappe une traînée de fumée, dans un univers où flottent des billets de banque. Son allure est assurée, les bras croisés sur la poitrine, dégageant confiance et maîtrise. Sur fond d'espace, ce personnage semble à la fois transcendant et ancré dans la réalité, symbolisant un parcours depuis des origines modestes jusqu'à une ambition sans limites. Des détails comme le pendentif DGK en or et l'épaisse chaîne en corde intègrent l'esthétique du streetwear au thème cosmique. Le fond, passant d'un violet profond à des teintes galactiques, accentue l'atmosphère surréaliste et onirique. Le concept de l'astronaute s'inspire des métaphores visuelles classiques du hip-hop et de l'aspiration qui caractérise la culture du skateboard ainsi que le street art et le graffiti. Le message est un message d'élévation : transcender les circonstances, s'affirmer et se hisser au sommet dans un univers de compétition et de survie. L'influence de Stevie Williams et de DGK sur la culture du skate et du street art Stevie Williams est une figure emblématique du skateboard moderne et une icône de la culture urbaine. Fondateur de Dirty Ghetto Kids (DGK), son parcours, des rues à la reconnaissance internationale, se reflète dans le style visuel audacieux et sans compromis de la marque. Les planches DGK incarnent l'esprit de la détermination des outsiders et la réussite arrachée à la force du poignet. La figure d'astronaute sur cette planche est un reflet direct du parcours personnel de Stevie et des aspirations qui le jalonnent. Dans la lignée du Street Pop Art et du graffiti, cette planche s'approprie le langage visuel du luxe, de la science-fiction et du hip-hop, le transformant en une expression artistique brute et inspirante, accessible grâce à un objet sportif du quotidien. Skateboard en édition limitée : œuvre d'art fonctionnelle et commentaire culturel Imprimée sur du bois de première qualité et conçue selon les exigences du skateboard professionnel, la planche Mashups Stevie Williams Astronaut se situe à la croisée des chemins entre équipement sportif et support artistique. Son graphisme mêle l'intensité de la bande dessinée à la satire culturelle, offrant une expérience visuelle riche, qu'elle soit exposée au mur ou usée par les rues. L'utilisation de l'argent, de la fumée et de l'or dépasse la simple décoration : elle symbolise la survie, la débrouillardise et la réussite. Tirée en édition limitée, cette planche revêt une signification qui dépasse sa fonction première. Elle devient un instantané d'identité culturelle, de crédibilité urbaine et de réflexion sur l'art contemporain. Cette planche DGK célèbre visuellement le mouvement, la résistance et l'expression créative qui définissent le Street Pop Art et le graffiti au XXIe siècle.

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