Impression pigmentaire d'archivage

Tirages d'art en édition limitée Britney Bomb, réalisés à partir de pigments d'archives sur papier d'art, par Joe King, artiste de graffiti, de street art et de culture pop. Numéro 6 sur 7, édition ultra limitée.

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Tirage photo « The God MC Rakim » par Joe Conzo Jr, édition limitée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², style pop graffiti, art de rue moderne. Tirage signé 2023, édition limitée à 5 exemplaires, format 16x20, pigments d'archivage, œuvre d'art de Rakim alias The God MC, rappeur et artiste musical au micro. Photo de God MC Rakim par Joe Conzo Jr. Le tirage photographique « The God MC Rakim » de Joe Conzo Jr est un hommage captivant à l'une des figures les plus influentes du hip-hop. Ce tirage pigmentaire d'archive en édition limitée, réalisé sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², célèbre le talent et l'héritage de Rakim, souvent surnommé « The God MC », pour sa contribution pionnière au rap et à son art du texte. Signée par le photographe en 2023, cette édition exclusive est composée de seulement cinq exemplaires, chacun mesurant 40,6 x 50,8 cm. L'œuvre immortalise Rakim dans une pose iconique au micro, fusionnant les univers du street art, du graffiti et de la culture hip-hop. Rakim : Un révolutionnaire du rap Rakim, né William Michael Griffin Jr. à Wyandanch, dans l'État de New York, est considéré comme l'un des plus grands MC de l'histoire du hip-hop. Reconnu pour ses jeux de mots subtils, ses rimes complexes et ses textes philosophiques, Rakim a redéfini l'art du rap à la fin des années 1980 au sein du duo Eric B. & Rakim. Des titres comme « Paid in Full » et « Follow the Leader » ont mis en lumière son génie lyrique et influencé des générations d'artistes. La photographie de Joe Conzo Jr. immortalise Rakim en pleine possession de ses moyens, au micro. Son allure à la fois décontractée et imposante reflète l'essence même de sa musique, qui allie profondeur intellectuelle et charisme urbain. Ce cliché immortalise Rakim comme rappeur et icône culturelle dont l'influence dépasse largement le cadre de la musique. Joe Conzo Jr : Documenter le hip-hop et la culture urbaine Joe Conzo Jr, souvent considéré comme le photographe des débuts du hip-hop, est un photographe de renom dont l'œuvre retrace les premières années de la culture hip-hop dans le Bronx. Son objectif a immortalisé aussi bien les performances live que les moments intimes des coulisses, documentant les personnes et les lieux qui ont façonné le mouvement. Dans cette collaboration avec Rakim, Conzo apporte son style photographique unique à une icône moderne, mêlant l'énergie du live à la dimension contemplative du Street Pop Art. Ce tirage en édition limitée s'inscrit dans la continuité de l'engagement de Conzo à préserver l'histoire visuelle du hip-hop. L'utilisation de matériaux de qualité archivistique garantit la vivacité des détails et des textures de la photographie, permettant aux spectateurs de ressentir l'énergie et l'authenticité de l'instant. Quand le pop art urbain rencontre l'excellence musicale Le tirage photographique « God MC Rakim » illustre à merveille la convergence de la musique, de l'art et de la culture au sein du Street Pop Art et du graffiti. Le statut d'innovateur lyrique de Rakim se reflète dans la composition visuelle de l'œuvre, où ombres et lumière s'entremêlent pour créer une image saisissante et intemporelle. Les tons noir et blanc et le subtil brillant du papier d'archivage accentuent la profondeur de la photographie, en faisant une pièce remarquable pour toute collection. Tirage en édition limitée, ce tirage célèbre à la fois la contribution de Rakim au hip-hop et témoigne du talent de Joe Conzo Jr pour saisir l'essence de ses sujets. Ensemble, ils créent une œuvre qui trouve un écho auprès des amateurs de musique, d'art urbain et d'histoire culturelle, s'imposant comme une référence du Street Pop Art contemporain.

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Achetez TITLE Édition limitée Fine Art Archival Pigment Print Art sur papier buvard perforé. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XX Tirage pigmentaire d'archivage sur papier buvard perforé Taille : 7,5 x 7,5 pouces Sortie : 19 avril 2022 Les éditions limitées de buvard sont perforées à la main par Zane Kesey.

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Achetez TITLE Édition limitée Fine Art Archival Pigment Print Art sur papier buvard perforé. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XX Tirage pigmentaire d'archivage sur papier buvard perforé Taille : 7,5 x 7,5 pouces Sortie : 19 avril 2022 Les éditions limitées de buvard sont perforées à la main par Zane Kesey.

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Eruption PP Archival Print par DAIM, tirage en édition limitée sur papier d'art de musée 310 g/m², œuvre d'art moderne d'un artiste pop. Épreuve d'imprimerie PP 2016 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 14x21 Pigments d'archivage Estampe d'archive Eruption PP de DAIM : une fusion de pop art urbain et de beaux-arts L'estampe d'art « Eruption PP » de l'artiste DAIM illustre de façon saisissante la fusion entre le pop art urbain et la rigueur de la gravure d'art. Cette œuvre, faisant partie d'une édition limitée sur papier d'art de qualité musée (310 g/m²), témoigne du savoir-faire de l'artiste dans la création de profondeur et de mouvement sur une surface bidimensionnelle. Reconnu pour ses graffitis dynamiques et géométriquement complexes, DAIM a transposé son talent dans le domaine de la gravure d'art, capturant l'esprit du graffiti sous une forme propice à la conservation et à la collection. Le terme « PP » signifie « épreuve d'imprimeur », similaire à une épreuve d'artiste, mais généralement réservée aux collaborateurs du processus de gravure. Les imprimeurs conservent souvent ces épreuves comme référence pour la qualité et la couleur du tirage. L'estampe d'art « Eruption PP » de 2016 porte la marque de l'implication et de l'approbation de DAIM : signée et désignée comme PP, elle souligne son caractère unique par rapport aux tirages de l'édition standard. Cette estampe, au format 14x21 pouces, est facile à manipuler et très recherchée par les collectionneurs, ce qui en fait une pièce prisée des amateurs d'art pop urbain moderne et de graffiti. Technique et signification culturelle des estampes d'archives du DAIM La maîtrise de DAIM dans la création de graffitis complexes en 3D est manifeste dans l'estampe « Eruption PP Archival Print », où l'illusion de formes en relief et d'éléments éclatants est saisissante. L'utilisation de pigments d'archivage garantit la pérennité des couleurs et la précision des détails, reflétant la longévité et l'importance historique du street art dont elle s'inspire. Cette technique permet également à l'œuvre de traverser les âges, à l'image des messages et de l'impact du street art qui continuent de résonner dans les paysages urbains et les débats culturels. Cette œuvre représente bien plus qu'un simple plaisir esthétique ; elle inscrit l'évolution du street art dans un cadre artistique plus formel. À travers cette estampe, DAIM remet en question la séparation traditionnelle entre l'esprit contestataire du street art et les murs guindés des galeries d'art. L'intégration de telles estampes sur le marché de l'art témoigne de l'évolution de la perception du graffiti, reconnaissant sa place légitime au sein du vaste corpus des productions culturelles majeures. L'impact des estampes en édition limitée dans le monde de l'art L'introduction des tirages en édition limitée a profondément transformé l'univers du street art et du graffiti. Ces tirages permettent à des artistes comme DAIM de toucher un public plus large, en proposant une œuvre à la fois accessible et exclusive. Le tirage d'archive « Eruption PP » illustre parfaitement cette évolution : il s'agit d'une pièce maîtresse du patrimoine graffiti de DAIM et d'une œuvre de collection pouvant être acquise à titre privé. Le concept d'épreuves d'artiste, comme celle-ci, renforce l'idée d'exclusivité et offre aux collectionneurs un lien tangible avec la vision originale de l'artiste. Les éditions limitées, à l'instar du tirage de DAIM, font le lien entre la nature éphémère du street art et la pérennité recherchée par les collectionneurs. Elles jouent ainsi un rôle crucial dans la pérennité des artistes et de leur travail créatif, tout en garantissant la préservation de l'œuvre face aux intempéries et au temps. Dans le contexte de l'art moderne, ces tirages sont bien plus que de simples reproductions ; ce sont des créations originales qui portent l'empreinte de l'artiste et le dynamisme de la culture street art. Pour saisir toute l'importance de l'estampe « Eruption PP Archival Print » de DAIM, il est essentiel de reconnaître la convergence de la technique artistique, de l'impact culturel et des dynamiques du marché qu'elle représente. Cette estampe est un instantané du parcours créatif de DAIM, une célébration de l'influence du street art sur la culture contemporaine et un témoignage de l'attrait durable du pop art urbain et du graffiti au sein de la communauté des beaux-arts.

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Achetez TITLE Edition Limitée sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Archival Pigment Fine Art INFO

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Sirena Tiburon, tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier beaux-arts 310 g/m² par Tatiana Suarez, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Tatiana Suarez est une artiste installée à Miami, en Floride. Son style envoûtant est unique : son regard si particulier attire le regard du spectateur et le plonge dans un univers à la fois beau et surréaliste. Riche en symboles puisant dans ses origines brésiliennes et salvadoriennes, ses sujets semblent figés dans une immobilité sublime, comme sous l’eau. Leurs yeux de biche, d’apparence enfantine, dégagent pourtant une sensualité sous-jacente, ornés de plantes, d’insectes et d’autres éléments troublants. La beauté côtoie des créatures exotiques, voire inquiétantes, pour créer des récits enchanteurs.

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Tirages d'art en édition limitée Crown Fried, réalisés à partir de pigments d'archives sur papier d'art en coton, par Damon Johnson, artiste de graffiti, de street art et de culture pop. Tirage d'art Crown Fried Archival Print de Damon Johnson, édition limitée à 10 exemplaires sur papier coton d'archivage, 17,8 x 55,9 cm (7 x 22 pouces), signés et numérotés.

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Achetez TITLE Edition Limitée sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Archival Pigment Fine Art INFO

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Sérigraphie à l'encre métallique Gattaca de Justin Van Genderen, tirée à la main sur papier d'art, édition limitée. 2013 Signée et numérotée au dos Encre métallique argentée Édition limitée à 50 exemplaires Dimensions de l'œuvre 18x24 Série Location, Location, Location Sérigraphie Couloir du bâtiment Marin County Civic Center San Rafael CA Tiré de Gattaca. Sérigraphie à l'encre métallique Gattaca par Justin Van Genderen L'estampe sérigraphique « Gattaca » de Justin Van Genderen, réalisée à l'encre métallique argentée, est une édition limitée de 2013 qui capture l'esthétique austère et futuriste du film Gattaca. Imprimée sur papier d'art avec une encre métallique argentée, cette œuvre de 45,7 x 61 cm est signée et numérotée à 50 exemplaires. Son design s'inspire du Marin County Civic Center de San Rafael, en Californie, un lieu emblématique du film. Cette pièce fusionne la géométrie épurée de l'architecture du milieu du XXe siècle avec le minimalisme surréaliste du street art et du graffiti, créant une image qui évoque les thèmes du destin, du contrôle et de l'ambition humaine. Influence architecturale et minimalisme cinématographique La composition de cette sérigraphie met en valeur le couloir incurvé emblématique du Marin County Civic Center, un édifice conçu par Frank Lloyd Wright qui a servi de toile de fond idéale à la vision de Gattaca d'un futur stérile et génétiquement modifié. L'œuvre utilise une palette minimaliste dominée par des bleus profonds et l'argent, renforçant l'atmosphère froide et calculée du film. Les formes courbes du couloir guident le regard du spectateur vers un décollage de fusée au loin, une référence indéniable aux thèmes du voyage spatial et de l'ambition présents dans le film. La silhouette humaine, petite, presque insignifiante, se tenant à la base de la composition, souligne la tension entre liberté individuelle et contrôle systémique. L'utilisation de la perspective allonge la structure, conférant à l'architecture une dimension imposante, à l'image de la société déterministe dépeinte dans le film. Cette approche visuelle fait écho à l'esthétique du street art et du graffiti, où les contrastes saisissants et les compositions dynamiques créent un impact immédiat. Utilisation d'encre métallique pour évoquer une ambiance futuriste L'incorporation d'encre métallique argentée dans cette sérigraphie renforce son aspect futuriste. Les éléments réfléchissants captent la lumière, imitant les surfaces lisses et high-tech souvent associées à la science-fiction. Cet effet confère à l'œuvre une présence dynamique, évoluant au gré de ses interactions avec son environnement. Le contraste entre l'encre métallique et les couleurs profondes et feutrées du fond crée une impression de profondeur et de mouvement, donnant à l'estampe l'allure d'un portail vers l'univers de Gattaca. Le choix de l'encre métallique s'inscrit également dans le langage plus large du Street Pop Art et du graffiti, où les matériaux et les textures jouent un rôle crucial dans la création d'images immersives. À l'instar des graffeurs qui utilisent des peintures chatoyantes pour capter la lumière sur les murs des villes, cette sérigraphie utilise l'encre métallique pour accentuer son aspect irréel, assurant ainsi à cette pièce une place de choix dans toute collection. Œuvres d'art de science-fiction, de street art et de graffiti La science-fiction inspire depuis longtemps les artistes de rue et les créateurs de pop art. Les thèmes de la surveillance, de la dystopie et de la résilience humaine trouvent un écho profond dans la nature rebelle et stimulante de l'art urbain. Cette estampe de Justin Van Genderen s'inscrit dans la tradition qui consiste à utiliser une imagerie cinématographique audacieuse pour explorer de grandes questions de société. Nombre d'artistes se sont inspirés des thèmes de Gattaca pour commenter des problématiques contemporaines, du génie génétique à l'emprise des entreprises. Le langage visuel du film – lignes épurées, angles aigus et espaces immenses et déshumanisants – se transpose parfaitement dans l'univers du street art et du graffiti, où la structure et le contraste sont essentiels. Cette estampe capture ces thèmes tout en conservant une esthétique intemporelle, appréciable à la fois comme un hommage au film et comme une œuvre d'art moderne à part entière. L'estampe sérigraphique à l'encre métallique Gattaca est un exemple saisissant de la convergence entre le cinéma, l'architecture et le street art et le graffiti. En distillant l'essence visuelle et thématique de Gattaca en une seule image, Justin Van Genderen a créé une œuvre qui parle autant aux fans du film qu'aux collectionneurs d'art audacieux et stimulant. Qu'elle soit exposée dans une maison contemporaine, une galerie ou un espace de travail, cette estampe rappelle avec force le désir humain de s'affranchir des limites imposées et d'aspirer à quelque chose de plus grand.

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« Head In The Trees », tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier beaux-arts, par Ben Kehoe, artiste de rue graffiti, art pop moderne.

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Skate or Diet - Tirage d'art en édition limitée, grand format, à base de pigments d'archives, sur papier Moab Entrada 290 g/m², par l'artiste de street graffiti pop moderne Denial. Tirage d'art pigmentaire signé et numéroté 2021 sur papier Moab Entrada Fine Art 290 g/m². Format : 61 x 91 cm. Sortie : 4 novembre 2021. Tirage limité à 25 exemplaires. Légères marques de manipulation Les supports et les techniques utilisés par l'artiste varient, allant de la peinture aérosol à la gravure, en passant par la sculpture et les créations en bois. La thématique de ses œuvres est tout aussi diverse et s'étend de la critique du capitalisme et des grandes marques à la satire des théories du complot.

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Achetez TITLE Edition Limitée sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Archival Pigment Fine Art INFO

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Acclimatation Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print on Fine Art Paper par l'artiste pop Adam Hall, œuvre d'art moderne. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Format de l'œuvre : 16 x 18 pouces.

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Organica Utopia, tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier beaux-arts 310 g/m² par Melody Avis, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Melody Avis est une artiste qui vit et travaille avec 808 Urban, une association à but non lucratif basée à Honolulu, Hawaï. 808 Urban est un collectif d'acteurs culturels communautaires : artistes, organisateurs et bénévoles engagés à améliorer la qualité de vie de leurs communautés grâce à des programmes artistiques. Dans toutes nos actions, nous nous efforçons d'allier l'innovation artistique la plus aboutie à l'organisation culturelle de terrain pour un changement social systémique et progressiste.

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Planche de skateboard Big Slick Aloha Art par OG Slick x The Beautiful Losers, impression en édition limitée de l'artiste sur bois, style pop street graffiti, œuvre d'art sportive. Édition limitée 2024 à 99 exemplaires. Œuvre d'art sportive pour skateboard, format 8x31. Objet d'art imprimé représentant un visage souriant avec des mains peignant une fleur hawaïenne à la bombe. Planche de skateboard Big Slick Aloha : une fusion dynamique de la culture hawaïenne et de l'art urbain La planche de skateboard Big Slick Aloha, fruit de la collaboration entre OG Slick et The Beautiful Losers, est une pièce audacieuse et captivante qui fusionne les motifs culturels hawaïens avec l'énergie du street art et du graffiti. Sortie en 2024 en édition limitée à 99 exemplaires, cette planche de 8 x 31 pouces transforme un objet sportif fonctionnel en une véritable œuvre d'art urbain. Ornée du motif Smiley Face emblématique d'OG Slick, associé à des mains peignant une fleur hawaïenne éclatante, cette planche incarne une fusion à la fois ludique et profondément symbolique entre la culture graffiti et un design inspiré des îles. La vision du pop art de rue hawaïen selon OG Slick OG Slick, artiste originaire d'Hawaï, est reconnu pour son talent à fusionner l'art urbain et l'identité culturelle des îles. Sur la planche de skateboard Big Slick Aloha Art Deck, il donne vie à son style unique grâce à son emblématique Smiley Face, réinterprété avec des influences hawaïennes. L'ajout de mains peignant une fleur d'hibiscus à la bombe – symbole de la beauté et de la résilience des îles – confère profondeur et signification à l'œuvre. En collaborant avec The Beautiful Losers, un collectif qui promeut le croisement entre la culture urbaine contemporaine et les beaux-arts, Slick fait rayonner l'esthétique hawaïenne à l'international. Conception et symbolisme du deck Big Slick Aloha Le design de la planche de skateboard Big Slick Aloha Art Deck est visuellement saisissant, alliant des teintes jaune vif à des éléments noirs et blancs épurés. Le smiley espiègle au centre rayonne de positivité, tandis que la fleur d'hibiscus peinte à la bombe met en valeur la riche beauté naturelle d'Hawaï. Cette juxtaposition de techniques de graffiti urbain et de motifs hawaïens organiques crée une composition dynamique qui résonne auprès du public à différents niveaux. Les mains en train de peindre à la bombe symbolisent le processus créatif et le rôle de l'artiste dans la transformation d'objets du quotidien en œuvres d'art. La planche de skateboard elle-même devient un support de narration, célébrant à la fois l'individualité et le patrimoine culturel. Art fonctionnel pour collectionneurs et passionnés La planche de skateboard Big Slick Aloha illustre parfaitement le concept d'art fonctionnel, alliant équipement sportif et pièce de collection. Fabriquée en bois de haute qualité et imprimée avec précision, elle est idéale pour le skate, mais aussi comme objet de décoration. Édition limitée à 99 exemplaires, chacun signé et numéroté, elle est particulièrement exclusive et recherchée par les collectionneurs de street art et de graffiti. Fruit de la collaboration entre OG Slick et The Beautiful Losers, cette planche met en lumière l'évolution des liens entre street art, sport et identité culturelle, faisant de la Big Slick Aloha une pièce maîtresse de l'art urbain contemporain.

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Planche de skateboard Drip Phase Artist Proof Deck Fine Art Limited Edition Archival Pigment Print Transfer on Cold Pressed Steep Natural Skateboard Deck by Street Artwork Graffiti Artist Sket-One. Épreuve d'artiste signée, édition limitée à 20 exemplaires (2022)

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Série Métro - 10 photos originales OTP, tirage pigmentaire d'archives sur papier beaux-arts 310 g/m² par Cope2, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Photo encadrée, signée et originale de 2010 (1/1), représentant un graffiti du métro. « J'ai toujours rêvé d'une exposition comme celle-ci. Ces derniers temps, je me suis surtout tourné vers la peinture en techniques mixtes, mais je pratique le graffiti pur et dur, si on peut dire, depuis plus de trente ans. C'est ce qui a fait de moi Cope2. J'aime varier les plaisirs et montrer mes différents styles. Avec cette exposition, je peux donc retracer l'évolution de mon style et mes progrès. « Versatile » illustre mes origines et ma démarche actuelle », a déclaré Cope2 depuis son atelier new-yorkais. Au milieu des années 1990, Cope2 a progressivement quitté la rue pour s'imposer dans le milieu artistique des galeries. À cette époque, le street art n'était pas aussi populaire qu'aujourd'hui et, pour le grand public, il restait inextricablement lié aux ghettos, au trafic de drogue, etc. L'artiste n'a jamais caché son passé difficile et se refuse à l'idéaliser pour valoriser sa carrière et son image artistique. Au contraire, il confie : « Franchement, il n'y a pas de quoi être fier de se débrouiller, mais j'ai eu mon premier enfant à 16 ans, mon fils. Alors, il fallait bien que je gagne ma vie pour subvenir à ses besoins et à ceux de sa mère. »

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Shizentomate, tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier d'art naturel de musée 310 g/m² par Oga Namahage, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Shizentomotel, une fresque murale basée à Shonan [Shizentomotteru], présente une variété de personnages qui peuvent être considérés comme son propre arrière-plan et qui ont continué à transmettre le message ainsi que le « naturel » que ce nom a également attaché au cours parallèle des choses.

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Boobees HPM PP Printers Proof Archival Print par Camilla d'Errico Édition limitée Plusieurs peints à la main sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m² Œuvre d'art moderne d'artiste pop. Épreuve d'impression PP 2020 Signée et marquée PP HPM Impression embellie à la main Édition limitée Œuvre d'art Format 12x16,5 Pigment d'archivage Technique mixte Beaux-Arts Peinture acrylique. L'intersection artistique dans HPM PP "Boobees" de Camilla d'Errico Incarnant l'esprit ludique et provocateur du Street Pop Art et du graffiti, l'estampe « Boobees » de Camilla d'Errico, réalisée sur papier HPM PP de qualité archive, témoigne de sa créativité et de sa capacité à communiquer des récits profonds à travers un surréalisme pop. Créée en 2020, cette édition limitée, peinte à la main, représente une rencontre tangible entre l'art contemporain et l'esprit rebelle du street art. Dans cet univers, d'Errico excelle et continue de repousser les limites. L'œuvre, de format 30,5 x 42 cm, est imprimée avec soin sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², un choix qui reflète l'exigence de l'artiste en matière de qualité et de pérennité. Elle utilise des pigments d'archivage, un matériau de référence en impression d'art pour sa fidélité des couleurs et sa résistance à la dégradation. L'utilisation de la peinture acrylique en techniques mixtes apporte une dimension supplémentaire à l'œuvre, avec des embellissements réalisés à la main qui garantissent que chaque tirage de l'édition conserve un caractère unique, à l'image de l'esprit du graffiti où deux tags ne sont jamais exactement identiques. Importance culturelle et esthétique des « Boobees » HPM PP « Boobees » HPM PP n'est pas qu'un simple régal pour les yeux ; c'est une œuvre symbolique qui capture l'essence des défis modernes et des normes sociales. L'épreuve d'imprimerie, marquée PP et signée par d'Errico, est une pièce convoitée par les collectionneurs qui apprécient l'intimité de posséder une œuvre directement issue de l'atelier de l'artiste. Les embellissements réalisés à la main par d'Errico elle-même confèrent à l'estampe une authenticité et une touche personnelle qui font écho à la nature artisanale du street art. L'imagerie de « Boobees » est à la fois fantaisiste et chargée de symbolisme. La figure centrale, ornée d'un arc-en-ciel de couleurs fondantes dans ses cheveux, entourée d'abeilles, évoque les thèmes de la transformation et de la beauté brute du monde naturel. Cette harmonie entre le sujet et son environnement fait écho aux principes fondamentaux du Street Pop Art et du graffiti, où l'art dialogue souvent avec son environnement. Les abeilles ajoutent une dimension de réflexion environnementale, rappelant au spectateur notre fragile équilibre avec la nature. Impact et potentiel de collection des œuvres de d'Errico Dans le monde de l'art, des œuvres comme « Boobees » HPM PP sont prisées pour leur alliance entre les principes artistiques reconnus et l'accessibilité du pop art. Elles occupent une place unique où l'art est à la fois objet de collection et déclaration de conscience, suscitant souvent des échanges et créant un pont entre l'amateur d'art et le grand public. Les éléments peints à la main, le tirage limité et la signature de l'artiste contribuent à son attrait, faisant de « Boobees » une estampe recherchée par les passionnés de street art et de graffiti. Dans le contexte plus large du pop art et du street art, « Boobees » HPM PP de d'Errico est un commentaire coloré sur la rencontre entre l'humanité et le monde naturel, rendu à travers le regard d'une artiste contemporaine pleinement consciente de son influence et de son rôle au sein de ces formes d'art dynamiques. C'est une œuvre qui reflète son époque, interpelle le spectateur et éveille les sens, à l'image des abeilles bourdonnantes qui sont au cœur de son récit et de son esthétique.

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Papier buvard Pink Eyes, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé, œuvre de Luke Chueh inspirée de la culture pop et du LSD. « Les substances psychédéliques ont indéniablement joué un rôle majeur dans la création de mon personnage d'ours. À l'époque où j'étais à la fac, mon meilleur ami et moi avons vécu une expérience qui nous a inspirés : on courait partout dans la maison en se prenant pour des Bisounours. On m'a surnommé « Luke l'Ours » et mon ami, « Jaime l'Ours ». Des surnoms qui me sont restés. Quelques années plus tard, quand j'ai déménagé à Los Angeles, je voulais créer un personnage qui me représente vraiment. Même après plus de dix ans, l'ours était une évidence. » – Luke Chueh

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Plankton 22, édition limitée, papier buvard d'art, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé, par l'artiste pop moderne Adam Fujita. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2022. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey.

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Tirages d'art pigmentaires en édition limitée d'août sur papier Moab Rag Fine Art 290 g/m² par Tavar Zawacki - Ci-dessus : Artiste de rue graffiti, art pop moderne. Épreuve d'imprimerie PP 2019 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 17x17 Août… Peut-être… C’est sans aucun doute mon mois préféré de l’année ! Comment ne pas l’aimer ?! Né et élevé en Californie, mais ayant passé la majeure partie de ma vie adulte en Europe, août rime presque toujours avec plage, où que je sois dans le monde. Pour moi, août est indissociable de l’océan : surf, bronzage, margaritas, amis, baignade et une attitude décontractée en toutes circonstances. Cette prochaine estampe, à mon avis, capture parfaitement le charme de mon mois préféré. – Tavar Zawacki Les tirages pigmentaires d'archives « August Limited Edition » incarnent l'affection de Tavar Zawacki, alias ABOVE, pour le mois d'août, reflétant un mélange de ses racines californiennes et de ses expériences européennes. Cette collection, signée et marquée « Épreuve d'imprimeur » (PP) en 2019, est imprimée sur un papier d'art Moab Rag de 290 g/m², chaque pièce atteignant un format impressionnant de 43 x 43 cm. Ces tirages font écho au lien profond qu'entretient Zawacki avec le mois d'août, capturant l'essence même du bonheur côtier, de la culture surf et de la douceur de vivre qui caractérise ce mois pour lui. L'œuvre de Zawacki se distingue souvent par des couleurs vibrantes et audacieuses et des formes géométriques dynamiques, invitant le spectateur à travers un langage visuel de mouvement et de fluidité, à l'image du flux et du reflux des vagues et du rythme des vents d'été. Ces tirages en édition limitée présentent un motif abstrait évoquant les reflets du soleil sur l'océan. Les traînées bleues et jaunes y créent une danse de lumière et de couleurs qui invite à la sérénité joyeuse d'une journée à la plage. Sa description du tirage correspond parfaitement à sa vision du mois d'août : une période de loisirs, d'activités de plein air et de moments précieux partagés entre amis sous le soleil. Figure emblématique du pop art et du street art, ABOVE jouit d'une reconnaissance internationale pour son style unique, à la frontière entre la rue et la galerie. Sa série « August » témoigne de sa capacité à transposer son inspiration street art dans des estampes d'art qui capturent l'énergie spontanée du graffiti tout en offrant une esthétique raffinée, idéale pour les collectionneurs d'art contemporain. À travers ces tirages, ABOVE rend hommage à l'apogée de l'été, invitant les amateurs d'art à se plonger dans l'ambiance chaleureuse et insouciante qu'incarne si parfaitement, selon lui, le mois d'août.

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Achetez TITLE Édition limitée Fine Art Archival Pigment Print Art sur papier buvard perforé. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XX Tirage pigmentaire d'archivage sur papier buvard perforé Taille : 7,5 x 7,5 pouces Sortie : 19 avril 2022 Les éditions limitées de buvard sont perforées à la main par Zane Kesey.

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Estampe d'archives Consoling Spirit 2 de Graham Yarrington sur papier d'art en coton, œuvre d'art moderne de style pop graffiti street artiste. Estampe signée en édition ouverte, format 10x10 pouces, imprimée sur papier pigmentaire d'archivage, édition 2023 Estampe d'archive Consoling Spirit 2 de Graham Yarrington : L'empathie sous une forme surréaliste « Consoling Spirit 2 » de Graham Yarrington est une œuvre poignante et visuellement saisissante qui contribue à l’évolution du street art et du graffiti. Tirée en 2023 en édition ouverte signée, cette œuvre de 25 x 25 cm, réalisée avec des pigments d’archives sur papier d’art en coton, est à la fois intimiste par son format et universelle par son message. Elle juxtapose une immobilité monochrome à une explosion de couleurs éclatantes, mettant en scène deux figures assises sur une branche noueuse, suspendues dans un monde onirique et vaporeux. L’une, rendue en nuances de gris foncé, adopte une posture de deuil ou d’introspection, tandis que l’autre rayonne de teintes vibrantes de rose, d’orange et de jaune, posant une main réconfortante sur l’épaule de la première. Le geste et le contraste des tons évoquent un récit d’une force tranquille, empreint de compassion, de vulnérabilité et de transcendance. Esthétique et symbolisme dans la vision pop de la rue de Yarrington Yarrington, connu pour ses forêts surréalistes, ses figures fantasques et ses thèmes chargés d'émotion, crée des images qui s'apparentent à un folklore visuel. « Consoling Spirit 2 » ne fait pas exception. Le fond en niveaux de gris, parsemé d'une flore minimaliste évoquant des champignons, instaure un paysage émotionnel feutré. Sur ce fond, la figure de l'esprit en néon se détache comme un phare de chaleur et d'empathie, sa palette de couleurs vibrant de vie et de réconfort. Les lignes lumineuses qui soulignent son corps, notamment la forme concentrique autour de sa poitrine, symbolisent l'énergie intérieure, la présence et la bienveillance. Ce contraste rend non seulement le cœur émotionnel de l'estampe visuellement accessible, mais inscrit également l'œuvre dans la lignée du street art, qui valorise l'émotion brute, l'expression spontanée et la richesse des significations. Le ritualisme moderne de Graham Yarrington L'œuvre de Graham Yarrington explore souvent la intersection du fantastique et de l'émotion, où des figures d'un autre monde servent d'avatars à des expériences humaines complexes. La branche d'arbre assise dans *Consoling Spirit 2* imite une scène, plaçant le spectateur dans le rôle d'un observateur invisible d'une interaction sacrée. L'utilisation du noir et blanc pour représenter la tristesse d'une figure et des couleurs néon pour l'éclat spirituel de l'autre témoigne de la maîtrise de la métaphore visuelle par Yarrington. Ses personnages sont réduits à leur essence symbolique, canalisant la résonance émotionnelle du graffiti contemporain et de la culture visuelle pop. À travers ce minimalisme, Yarrington exprime des récits sur la présence, l'absence et la reconnaissance mutuelle, invitant les spectateurs à la réflexion. L'intimité spirituelle dans le contexte du pop art urbain et du graffiti Bien que « Consoling Spirit 2 » ne ressemble pas de prime abord au graffiti urbain traditionnel ni à l'exubérance pop, elle s'inscrit pleinement dans le mouvement du street art grâce à sa clarté conceptuelle et à l'émotion accessible qu'elle dégage. L'estampe de Yarrington est conçue pour parler sans prétention, délivrant un message de bienveillance, de soutien et de connexion humaine dans un format à la fois méditatif et subversif. Le choix de présenter cette œuvre en édition ouverte souligne sa vocation d'artefact émotionnel largement partageable — moins un objet d'exclusivité qu'un message universel transmis de main en main. Cette approche fait écho à l'esprit du graffiti, où les messages ne sont pas destinés à être vendus, mais laissés pour les âmes qui ont besoin de les voir. Graham Yarrington continue d'enrichir le vocabulaire visuel de l'art contemporain avec des œuvres comme « Consoling Spirit 2 », où beauté, empathie et surréalisme convergent sur une branche paisible dans une forêt imaginaire.

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« Professeur de poésie », tirages d'art en édition limitée, pigmentaires et d'archives, sur papier beaux-arts, par Adam Hancher, artiste de graffiti, de street art et de culture pop.

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Tirage photo Tony Tone 79 par Joe Conzo Jr, édition limitée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², style pop graffiti, art de rue moderne. Tirage signé de 2023, édition limitée à 5 exemplaires, format 16x20, pigments d'archivage, œuvre d'art représentant DJ Tony Tone en tant que MC lors d'un spectacle en 1979. Photo de Tony Tone 79 par Joe Conzo Jr. Le tirage photographique « Tony Tone 79 » de Joe Conzo Jr. est une saisissante capture visuelle des débuts de la culture hip-hop. Ce tirage pigmentaire d'archive en édition limitée, réalisé sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², immortalise DJ Tony Tone en 1979, pleinement investi dans son art lors d'une performance live. Signée par Joe Conzo en 2023 et limitée à seulement cinq exemplaires, cette œuvre de 40 x 50 cm (16 x 20 pouces) se dresse à la fois comme un document historique et une œuvre d'art, faisant le lien entre le street art, le graffiti et l'énergie musicale qui a nourri l'essor du hip-hop. DJ Tony Tone : Un pilier des Cold Crush Brothers Tony Tone, membre fondateur des Cold Crush Brothers, est l'un des héros méconnus des débuts du hip-hop. DJ et MC, son rôle dépassait largement celui de simple DJ ; il était un véritable artisan du son, de l'ambiance et de la créativité, insufflant l'énergie nécessaire au mouvement hip-hop. Formé dans le Bronx à la fin des années 1970, le groupe Cold Crush Brothers est devenu une référence, célèbre pour ses joutes verbales, ses performances dynamiques et ses contributions culturelles novatrices. Cette photographie immortalise Tony Tone au sommet de son art, révélant le travail minutieux d'un DJ qui était à la fois performeur et artiste. Sa posture concentrée, ses mains sur les platines et le matériel technique présent dans le cadre soulignent le dévouement et le talent nécessaires à la création d'expériences musicales live exceptionnelles. C'est un aperçu intime de l'univers d'un DJ qui a joué un rôle déterminant dans la définition du son et de la structure des débuts du hip-hop. Joe Conzo Jr : Le chroniqueur visuel de la naissance du hip-hop La photographie de Joe Conzo Jr. est indissociable de l'émergence du hip-hop comme force culturelle. Comptant parmi les premiers photographes à documenter le genre, Conzo a capturé non seulement les performances, mais aussi l'esprit et l'énergie du Bronx à la fin des années 1970 et au début des années 1980. Son œuvre reflète le point de rencontre entre musique, art et communauté qui a marqué cette époque, offrant un regard authentique et sans fard sur la vie des pionniers du hip-hop. Le tirage « Tony Tone 79 » illustre parfaitement la capacité de Conzo à transformer des moments de performance en œuvres d'art intemporelles. Ses compositions mettent souvent l'accent sur la relation entre l'artiste et son environnement, conférant profondeur et contexte à ses sujets. Cette image ne fait pas exception : elle immortalise Tony Tone en pleine création, soulignant la maîtrise technique et artistique que les DJs ont apportée au hip-hop. L'importance artistique et culturelle de Tony Tone 79 Le tirage photographique « Tony Tone 79 » fait le lien entre musique et art urbain, rappelant la créativité qui imprégnait les débuts du hip-hop. L’utilisation de matériaux de qualité archivistique garantit la préservation de chaque détail, de la texture des disques vinyles au subtil jeu d’ombres et de lumières, pour les générations futures. Son format 40 x 50 cm (16 x 20 pouces) en amplifie l’impact, en faisant une pièce maîtresse pour les collectionneurs et les passionnés d’art urbain et d’histoire de la musique. Cette œuvre d’art en édition limitée est bien plus qu’une simple photographie : c’est un hommage à l’ingéniosité et à la passion qui ont façonné le hip-hop. En capturant Tony Tone en pleine action, Joe Conzo Jr a créé une œuvre qui résonne avec l’importance culturelle de l’âge d’or du Bronx, célébrant les DJs qui ont transformé les platines en instruments et les performances live en art. Le tirage photographique « Tony Tone 79 » est un incontournable pour tous ceux qui apprécient le croisement entre musique, histoire et art urbain.

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Ceci n'est pas une Spongebob PP Archival Print par Shark Toof, édition limitée, impression sur papier d'art de musée 310 g/m², œuvre d'art moderne d'artiste pop. Épreuve d'imprimerie PP 2019 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 24x18 Pigments d'archivage Beaux-Arts. « Ceci n'est pas une Bob l'éponge » Décryptage de "Ceci N'est Pas Une Bob l'Éponge" de Shark Toof « Ceci n'est pas une SpongeBob » est une œuvre provocatrice du célèbre artiste de street art Shark Toof, qui repousse les limites de l'iconographie de la culture pop dans le contexte du street art contemporain. Cette épreuve d'artiste (PP) de 2019, signée et marquée par l'artiste, est une pièce de collection rare. Imprimée sur papier d'art de qualité musée (310 g/m²), elle illustre la maîtrise des techniques utilisées par Shark Toof pour garantir la durabilité et la profondeur des couleurs, essentielles à la qualité de l'impression pigmentaire d'archives. Une fusion entre le street art et la culture pop Cette œuvre témoigne de la rencontre entre le street art, le graffiti et les symboles de la culture populaire dominante. Shark Toof s'empare de la figure universellement reconnaissable de Bob l'Éponge et la distord, présentant une image qui à la fois rend hommage au personnage original et le subvertit. Le titre lui-même, un clin d'œil à « La Trahison des images » de René Magritte, invite le spectateur à s'interroger sur la nature de la représentation et de la réalité dans l'art. L'œuvre de Shark Toof suggère que l'image de Bob l'Éponge que nous voyons n'est pas le personnage lui-même, mais une représentation déformée par le regard de l'artiste et le contexte culturel dans lequel elle est perçue. Commentaire artistique de Shark Toof Dans « Ceci n'est pas une Bob l'éponge », Shark Toof ne se contente pas de reproduire un personnage emblématique ; il initie un dialogue sur la saturation des icônes médiatiques dans la société et la consommation de ces images. La distorsion et la décomposition des traits de Bob l'éponge invitent le spectateur à réfléchir à la manière dont les médias de masse façonnent, voire déforment, nos perceptions. Cette œuvre capture l'esprit du pop art urbain en utilisant l'essence spontanée et rebelle du graffiti pour commenter et critiquer certains phénomènes. Les textures superposées et les couleurs vibrantes révèlent la relation complexe entre l'imagerie commerciale et l'expression artistique. L'œuvre explore la tension entre la nature éphémère du street art et la qualité durable des estampes d'art. Shark Toof fait le lien entre deux mondes apparemment disparates en choisissant Bob l'éponge, icône d'un dessin animé pour enfants, et en l'intégrant à l'univers sophistiqué des éditions limitées. Cette juxtaposition remet en question la conception que le spectateur se fait de l'art « légitime » et interroge les hiérarchies au sein du monde de l'art. Avec « Ceci n'est pas une SpongeBob », Shark Toof enrichit le débat sur la valeur et la signification du street art et du graffiti dans la culture contemporaine. En recontextualisant une figure issue du langage populaire, il lui confère une nouvelle signification et l'élève au rang d'œuvre d'art à part entière. Cette œuvre, véritable spectacle visuel à la dimension intellectuelle profonde, invite à la réflexion sur la nature de l'art, l'influence des médias et le pouvoir du street art de transformer et de transcender objets et personnages ordinaires en témoignages culturels exceptionnels.

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Pop Bart - Variante peinte à la main VI Édition limitée Sérigraphies techniques mixtes HPM embellies à la main sur papier aquarelle Fabriano 300 g/m² par Copyright Graffiti Street Artist Modern Pop Art. Sérigraphies techniques mixtes sur papier aquarelle Fabriano 300 g/m² Format : 35 cm x 50 cm (13,7 x 19,6 pouces) Sortie : 4 octobre 2021 Tirage : 1

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Sérigraphie « Cosmic Eyes » de Jason Abraham Smith, tirée à la main sur papier d'art, édition limitée. 2013. Signée et numérotée au dos. Édition limitée à 40 exemplaires. Format : 18 x 24 pouces. Sérigraphie. Sérigraphie « Yeux cosmiques » de Jason Abraham Smith « Cosmic Eyes » est une sérigraphie en édition limitée créée par Jason Abraham Smith en 2013. Cette œuvre artisanale d'une grande finesse, mesurant 45,7 x 61 cm, est signée et numérotée au dos. Tirée à seulement 40 exemplaires, elle illustre parfaitement le style caractéristique de l'artiste, fusionnant des éléments de street art, de pop art et de graffiti avec un travail de lignes complexe, une dimension surréaliste et horrifique, et une esthétique onirique. Les formes à la fois organiques et mécaniques qui la composent évoquent une fusion onirique de science-fiction, de mythologie et de chaos urbain, faisant de cette œuvre un exemple remarquable d'art contemporain estampé. Complexité visuelle et symbolisme La composition de Cosmic Eyes est dense et structurée, mêlant formes organiques monstrueuses et détails mécaniques complexes. L'image dominante présente une entité cosmique quasi divine aux yeux perçants, irradiant d'énergie dans toutes les directions. Des appendices tentaculaires s'entrelacent dans la scène, se mêlant à des éléments technologiques, des figures squelettiques et des textures surréalistes. La symétrie de l'œuvre crée un effet hypnotique, attirant le regard du spectateur dans un motif répétitif apparemment infini. L'utilisation d'un pointillisme précis et d'un hachurage fin ajoute profondeur et texture, évoquant à la fois les techniques de gravure traditionnelles et l'esthétique brute du graffiti. La palette de couleurs, dominée par des verts et des bruns sourds, ainsi que des blancs osseux, renforce l'atmosphère étrange et surnaturelle, consolidant le thème de l'horreur cosmique et de la vision transcendantale. Influence du street art, du pop art et du graffiti L'œuvre de Jason Abraham Smith est profondément liée au langage visuel du Street Pop Art et du graffiti. Son trait audacieux et complexe reflète la précision des fresques murales, tandis que ses thèmes surréalistes et ses compositions chaotiques évoquent l'esthétique des bandes dessinées underground et les mouvements artistiques underground. La complexité des couches de « Cosmic Eyes » fait écho aux techniques de superposition détaillées des affiches collées et des grandes fresques de graffiti. Sa fusion d'horreur psychédélique et de précision mécanique capture l'énergie brute de l'art urbain, faisant de cette estampe une œuvre qui trouverait aussi bien sa place sur un mur de ville que dans une collection d'art. Les textures percutantes et le mouvement fluide de l'œuvre lui confèrent une qualité presque animée, renforçant sa place au sein du street art imprimé contemporain. Collectibilité et impact culturel Édition limitée à 40 exemplaires numérotés et signés, « Cosmic Eyes » est une estampe très recherchée par les collectionneurs d'art urbain, pop et graffiti. Le savoir-faire artisanal exceptionnel de la sérigraphie artisanale confère à chaque tirage de subtiles variations, le rendant unique. Son lien avec l'horreur, la mythologie et le futurisme élargit son attrait au-delà du street art traditionnel, séduisant les amateurs d'art visuel surréaliste et fantastique. La capacité de Jason Abraham Smith à fusionner les traditions de l'estampe avec l'énergie brute de l'art urbain fait de cette œuvre un exemple emblématique de l'art urbain, pop et graffiti contemporain, notamment grâce à la sérigraphie. La rareté de l'édition, combinée à la nature immersive de la composition, assure à « Cosmic Eyes » une place de choix et une influence majeure dans l'univers en pleine expansion de la sérigraphie indépendante.

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Louise 22, édition limitée, papier buvard d'art, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé, par l'artiste pop moderne Adam Fujita. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2022. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey.

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Tirages d'art en édition limitée de Bowie, réalisés à partir de pigments d'archives sur papier d'art, par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop CES. Papier coton d'archivage 17 x 22 pouces. Tirage limité à 25 exemplaires, signés et numérotés par l'artiste.

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Estampe d'archives d'Homer et Bart Simpson par Adam Lister, édition limitée sur papier beaux-arts mat pressé à chaud 300 g/m², style pop graffiti, art urbain, œuvre d'art moderne. Tirage signé et numéroté de 2023, édition limitée à 50 exemplaires, format 10x8 pouces, encre pigmentaire d'archivage, beaux-arts. Illustration des Simpsons : Homer étranglant Bart dans un style glitch. L'évolution de l'art a vu naître divers styles et formes, dont l'un des plus influents est le pop art, qui a imprégné l'art urbain et le graffiti, à la fois vibrants et bruts. Récemment, on a assisté à une convergence entre la culture populaire et ces formes artistiques, illustrant la dynamique de nos sociétés en constante évolution. Parmi les exemples les plus récents de cette fusion figure la captivante estampe d'archives d'Adam Lister, mettant en scène les personnages emblématiques d'Homer et Bart Simpson. Cette œuvre en édition limitée, intitulée « Homer et Bart Simpson », immortalise une scène culte de la série où Homer étrangle Bart. Pourtant, la représentation de Lister y apporte une touche de modernité. L'œuvre adopte un style « glitch », représentant les erreurs et les dysfonctionnements que l'on rencontre souvent dans les médias numériques. Ce choix modernise non seulement la scène classique du dessin animé, mais offre également un commentaire subtil sur les imperfections et les dysfonctionnements des relations entre les deux personnages, reflétant souvent les distorsions de notre ère numérique. Réalisée avec minutie sur un papier d'art mat pressé à chaud de 300 g/m², cette estampe révèle toute la vivacité et la profondeur des couleurs, caractéristiques du graffiti et du street art, avec leurs teintes audacieuses et leurs messages percutants. Chaque exemplaire est signé et numéroté par Adam Lister lui-même, garantissant son authenticité et sa valeur unique. Tirée à seulement 50 exemplaires, cette œuvre de 25 x 20 cm offre un espace compact et captivant pour une scène emblématique de l'enfance, revisitée dans un style novateur. Plus qu'un simple clin d'œil aux personnages cultes des Simpson, cette œuvre témoigne des tendances artistiques contemporaines et illustre comment la culture pop peut être réinterprétée à travers le prisme des mouvements artistiques modernes.

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Reconnaissance Spirituelle - Tirages Pigmentaires d'Archives en Édition Limitée sur Papier Blanc Naturel 290 g/m² par Ben Kehoe, Artiste de Rue Graffiti, Art Pop Moderne. « Spiritual Reconnaissance » est une édition limitée à 100 exemplaires de l'estampe de Ben Kehoe. L'image mesure environ 28 cm de haut sur 58 cm de large. L'œuvre est imprimée sur un papier blanc naturel épais de 290 g/m².

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Impression d'art sur papier buvard perforé Chips Mushroom par Ben Frost, édition limitée, impression pigmentaire d'art sur papier buvard perforé. Édition limitée signée et numérotée 2025 de tirage pigmentaire d'archives à déterminer sur papier buvard perforé. Format : 7,5 x 7,5 pouces. Sortie : 19 avril 2025. Les éditions limitées sur buvard sont perforées à la main par Zane Kesey. Chips Mushroom de Ben Frost, une œuvre d'art pop art et graffiti. « Chips Mushroom » est une œuvre vibrante de l'artiste australien Ben Frost, sortie en 2025. Tirage pigmentaire d'archive en édition limitée sur papier buvard perforé à la main, cette pièce est une explosion psychédélique de couleurs et de personnages. Deux silhouettes de tamias, évoquant un dessin animé, se transforment en avatars lumineux d'une malice hallucinatoire. Les personnages enlacent un champignon géant avec une joie hypnotique, leurs yeux aux couleurs acidulées tourbillonnant au rythme des pulsations rouges, jaunes et bleues qui irradient le fond. Sortie le 19 avril 2025 et perforée par Zane Kesey, cette œuvre s'inscrit dans l'exploration continue par Frost de la satire pharmaceutique, de la nostalgie des dessins animés et de l'iconographie de la culture des drogues, le tout filtré par le langage visuel du Street Pop Art et du graffiti. Le style visuel et les commentaires de Ben Frost Ben Frost, artiste australien de renommée internationale, est reconnu pour ses œuvres provocatrices qui détournent avec audace les codes de l'image de marque, les emballages de médicaments et les icônes de la culture pop. Il puise son inspiration dans l'esthétique du graffiti, le design publicitaire et la bande dessinée, en détournant leur fonction pour révéler les absurdités de la consommation et de l'identité. Dans « Chips Mushroom », il fusionne l'esthétique des dessins animés pour enfants avec le symbolisme des drogues, utilisant des tamias hyper-expressifs et un champignon gigantesque pour susciter une riche réflexion visuelle. L'œuvre oscille entre euphorie et saturation sensorielle, interrogeant la manière dont l'innocence et l'évasion sont vendues et interprétées par les médias et le marketing. Les traits exagérés et la béatitude des personnages évoquent à la fois le surréalisme chimique et le bonheur factice de la société de consommation. Le papier buvard comme support et message L'impression de Chips Mushroom sur du papier buvard perforé n'est pas un simple artifice : c'est un choix délibéré, chargé de sens culturel. Le papier buvard est depuis longtemps associé à la contre-culture psychédélique des années 1960 et suivantes, souvent utilisé comme support pour le LSD. En l'employant comme toile, Frost recontextualise sa satire, teintée de BD, en un objet physique qui évoque la perception altérée, la rébellion et l'esprit subversif du graffiti. La grille fine rappelle également les éléments constitutifs du pixel art numérique et la logique modulaire des produits pharmaceutiques, renforçant les liens entre microdosage, consumérisme et marketing. C'est à la fois une estampe et une bombe conceptuelle : une œuvre d'art qui interpelle le spectateur avant même de s'exprimer. Les personnages de dessins animés comme agents de perturbation L'utilisation de personnages ressemblant à des tamias tirant avec extase sur un champignon colossal n'est pas qu'un simple hommage à la nostalgie de l'animation. Dans le cadre du Street Pop Art et du graffiti, ces créatures deviennent des symboles de rébellion, de fantaisie et d'hallucination. Leurs sourires exagérés et leurs yeux kaléidoscopiques font se heurter l'influence des comics underground et de la culture du tag urbain à des références à la drogue et à l'histoire de l'art psychédélique. À l'instar d'autres œuvres de Frost qui utilisent des mascottes pop de manière troublante ou extatique, Chips Mushroom s'appuie sur une innocence pervertie par l'excès. Le format ludique devient un outil pour décrypter l'addiction, le plaisir et le spectacle capitaliste, tout en restant fidèle à l'ADN vibrant et subversif du street art.

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Supreme Gucci Smashup Pill - Red Fine Art Limited Edition Archival Pigment Print Transfer on Cold Pressed Steep Natural Skateboard Deck by Street Artwork Graffiti Artist Denial- Daniel Bombardier. Édition limitée numérotée de 100 exemplaires (2022) – Illustration de skateboard – Format 8,25 x 32 pouces Impression par transfert pigmentaire d'archives sur planche de skate naturelle pressée à froid. Dimensions : 8,25 x 31,875 pouces. Sortie : 28 juin 2022. Du logo Gucci à ceux de Louis Vuitton et Supreme, en passant par les parfums Chanel et les cartes de crédit, il utilise ces produits culturels pour dénoncer le système qui les a engendrés. Il les recontextualise ainsi et les transforme de simples objets commerciaux en éléments de son héritage culturel.

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Harryhausen Land, tirages pigmentaires d'archives en édition limitée 16x20 sur papier beaux-arts par Pooch, artiste de rue graffiti, art pop moderne.

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Interstellar Jelly Deck, impression d'art en édition limitée avec transfert de pigments d'archivage sur planche de skateboard naturelle pressée à froid, par l'artiste Tara McPherson. Édition limitée 2022 à 50 exemplaires. Illustration de skateboard, format 8x32. Impression par transfert pigmentaire d'archives sur planche de skate en bois naturel pressé à froid. Dimensions : 8 x 31,875 pouces. Sortie : 28 juin 2022.

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Morsel, tirages d'art en édition limitée, pigments d'archivage, rehaussés à la main sur papier 330 g/m², par Laura Bifano, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Ce tableau a été initialement conçu pour une exposition à la galerie Thinkspace intitulée « Les récoltes de la saison ». J’avais d’abord exploré quelques idées, mais rien ne semblait se concrétiser jusqu’à ce que je fasse un voyage en voiture sur l’île de Vancouver pour rendre visite à ma famille. Le paysage était d’une beauté époustouflante : des terres agricoles d’un vert émeraude parsemées de moutons en pâture. Je m’en suis inspirée pour créer cette toile. J’ai toujours adoré les peintures pastorales anglaises et j’ai su immédiatement que je voulais créer quelque chose dans le même esprit. J’ai décidé d’introduire un élément prédateur dans cette scène par ailleurs idyllique, et une famille de loups m’a semblé tout à fait appropriée. À cette époque, je regardais aussi en boucle des documentaires animaliers de la BBC, ce qui m’a plongée dans une profonde réflexion sur les cycles de la vie, de la mort et de la renaissance. Je pense que l’ajout de ces moutons artificiels en pixels apporte une touche de fantaisie et de légèreté à une image qui serait autrement morbide. » – Laura Bifano

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Deck Collector Deck Fine Art Édition Limitée Impression Pigmentaire d'Archives Transfert sur Planche de Skateboard Naturelle Pressée à Froide par l'Artiste de Rue et de Graffiti Mad. 2022 - Impression par transfert pigmentaire d'archives signée sur planche de skate naturelle pressée à froid - Dimensions : 21 x 81 cm (8,25 x 31,875 pouces) - Sortie : 31 janvier 2022 - Tirage : 50 exemplaires

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Papier buvard Acid Pulse, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Tavar Zawacki - Illustration inspirée de la culture pop et du LSD. À 19 ans, Tavar s'installe à Paris, où il commence à peindre sa célèbre flèche pointant vers le haut. Au cours des 19 dernières années, Tavar Zawacki a réalisé des œuvres d'art dans les rues de plus de 100 villes, réparties dans 60 pays à travers le monde.

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Edition limitée sur papier Moab Entrada 290gsm par Urban Pop Artist ARTIST Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Estampe d'art en édition limitée Zooka Bron Archival Pigment sur papier Hahnemuhe Cotton Rag 308 g/m² par Marley Mcfly, artiste de street art pop graffiti. Édition limitée signée de 50 exemplaires, édition 2022. Format de l'œuvre : 18 x 22 pouces.

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Papier buvard Captain Cool, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé, œuvre d'art de Stanley Mouse inspirée de la culture pop et du LSD. Édition limitée 2021, signée et numérotée, à 135 exemplaires. Dimensions de l'œuvre : 7,5 x 7,5 pouces. « Captain Cool Blotter Paper » est une œuvre en édition limitée du célèbre artiste Stanley Mouse, dont la contribution à la culture pop et à l'art psychédélique est largement reconnue. Signée et numérotée à 135 exemplaires, cette pièce, éditée en 2021, est un exemple remarquable d'impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé, un médium profondément ancré dans les mouvements contre-culturels des années 1960 et 1970. L'œuvre, mesurant 19 x 19 cm, représente un crâne d'une beauté saisissante, orné de roses rouges éclatantes, évoquant les thèmes de la mortalité et de la beauté, à l'instar de l'iconographie mexicaine du Jour des Morts. Le crâne, motif récurrent dans l'œuvre de Mouse, symbolise non seulement la mort, mais aussi la vitalité de la vie, opposant l'éphémère existence à l'attrait intemporel de l'art. Stanley Mouse, reconnu pour son rôle dans la création du langage visuel du mouvement psychédélique à travers ses affiches de concerts et ses pochettes d'albums, apporte son style unique à l'univers du street art et du graffiti. « Captain Cool » s'inscrit dans cette lignée, mêlant iconographie classique et techniques modernes pour créer une œuvre à la fois chargée d'histoire et d'attrait contemporain. Bien plus qu'un simple objet décoratif, cette œuvre s'inscrit dans la tradition du buvardage, support d'expression artistique et vecteur de substances psychédéliques. La valeur de collection de ces estampes, alliée à leur poids culturel, en fait une contribution majeure au monde du street art et du graffiti, symbolisant la rencontre entre l'art underground et la reconnaissance du grand public. Le « Captain Cool Blotter Paper » de Stanley Mouse témoigne de l'influence durable de l'art psychédélique sur la culture contemporaine et de sa capacité à aborder des thèmes profonds à travers le street art et le graffiti. Son œuvre capture l'essence d'un genre qui, par son audace visuelle et ses sous-entendus subversifs, continue de questionner, d'inspirer et de susciter la réflexion.

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Tirage d'archive Helping Hands par Dalek - James Marshall, édition limitée sur papier beaux-arts, œuvre d'art moderne d'artiste de rue, graffiti pop. Estampe signée et numérotée, édition limitée à 33 exemplaires (2023), série « Off the Press Show », format 18 x 24 pouces, impression pigmentaire d'archives. Têtes de singes de l'espace, armes et formes psychédéliques. Exploration de la géométrie psychédélique : les « mains secourables » des Daleks Dalek, alias James Marshall, s'est imposé comme une figure majeure de la transformation du street art en une forme d'art fusionnant l'énergie brute et dynamique du graffiti avec la précision méticuleuse des beaux-arts. Son œuvre de 2023, « Helping Hands », est une estampe d'archive en édition limitée qui incarne cette esthétique hybride. Limitée à 33 exemplaires signés et numérotés, cette série fait partie de la collection « Off the Press Show Series ». Chaque estampe mesure 45,7 x 61 cm et est imprimée sur papier d'art. Cette œuvre est une vibrante symphonie des emblématiques Space Monkeys de Marshall, d'une série d'armes et d'une collection de formes qui défient la perception conventionnelle de l'espace et de la forme. Dans « Helping Hands », la palette de couleurs saisissante et le foisonnement de formes psychédéliques invitent le spectateur dans un univers à la fois familier et étrange. Les têtes de Space Monkeys, motif récurrent dans l'œuvre de Dalek, sont représentées avec un langage visuel qui touche au cœur même du street art et du graffiti. Chaque tête, armée d'un arsenal d'armes fantaisistes et entourée de formes abstraites, dégage une impression d'agressivité ludique, une caractéristique du style de Marshall. Le phénomène du singe de l'espace dans l'art moderne Le Space Monkey est bien plus qu'un simple personnage ; il est devenu un emblème du parcours artistique de Dalek et un symbole au sein du graffiti pop et du street art. Initialement conçu par Marshall pour explorer son style et son identité, le Space Monkey a évolué vers une réflexion complexe sur la société, l'individualité et la nature des conflits. Dans « Helping Hands », ces personnages ne sont plus passifs, mais interagissent activement avec leur environnement, un univers à la fois chaotique et structuré de formes et de couleurs. Cette estampe d'art pigmentaire d'archives illustre parfaitement comment les motifs du street art peuvent se transformer en œuvres d'art de collection. L'édition limitée de « Helping Hands » propulse le Space Monkey des murs urbains à l'espace prestigieux des galeries et des collections privées, tout en préservant l'accessibilité et l'esprit populaire propres au street art. La contribution visionnaire de James Marshall à l'art Les contributions de James Marshall au monde de l'art se caractérisent par un mélange audacieux des genres et une volonté d'expérimenter avec les formes et les couleurs. Dans des œuvres comme « Helping Hands », il a distillé l'essence du graffiti dans un format qui remet en question et repousse les limites du pop art. Son utilisation de pigments d'archivage sur papier beaux-arts témoigne du respect qu'il porte à la durabilité de l'art, contrastant avec la nature éphémère du street art traditionnel, souvent à la merci des intempéries et des réglementations municipales. La complexité de « Helping Hands » réside dans son impact visuel et la richesse des significations que chaque élément représente. Les Space Monkeys, armés et pourtant d'une apparente sérénité, juxtaposés à un fond géométrique hallucinant, créent une tension à la fois stimulante et visuellement saisissante. L'œuvre de Marshall est un dialogue entre le spectateur et la toile, une conversation qui explore les thèmes de l'existence, de la résistance et de l'interaction entre harmonie et dissonance. James Marshall, originaire des États-Unis, a marqué de son empreinte indélébile la scène artistique contemporaine. « Helping Hands » témoigne de son talent et de sa vision créative, fusionnant avec brio l'art urbain et l'atelier. Cette œuvre d'art moderne, à la fois témoin d'une époque et précurseur d'un avenir artistique où les frontières entre art urbain, graffiti et beaux-arts s'estompent et convergent, est en perpétuelle évolution.

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