Objets d'art

Ornement découpé en forme de squelette - Œuvre d'art pop street rose, impression giclée en édition limitée sur objet en papier articulé par l'artiste moderne de graffiti urbain KAWS. Crâne KAWS articulé imprimé 2021, 20x40, neuf dans son emballage d'origine Art urbain pop et graffiti : une expression articulée Le pop art urbain et le graffiti incarnent le pouls de la culture urbaine contemporaine, capturant la nature vibrante et souvent éphémère de la vie citadine. L'œuvre décrite comme « Ornement découpé en carton squelette - Art pop urbain rose » est une pièce emblématique qui incarne l'essence même de ce mouvement. Tirage giclée en édition limitée sur objets en papier articulés, réalisé par l'artiste de graffiti urbain contemporain KAWS, cette œuvre se distingue par son mélange unique de délicatesse artistique et d'énergie brute propre au street art. Le rose, dans cette œuvre, est un choix délibéré qui remet en question les associations chromatiques traditionnelles. Souvent associé à la douceur et à la féminité, le rose est ici réinterprété pour créer une affirmation audacieuse. Appliquée à la forme squelettique, cette teinte vive insuffle à l'œuvre une vitalité inattendue qui contraste avec le symbolisme souvent sombre des crânes. C'est ce type de juxtaposition qui fait la force du pop art urbain : une contradiction visuelle qui incite le spectateur à questionner et à réinterpréter les symboles et leurs significations. KAWS et l'objet en papier articulé KAWS, dont l'œuvre brouille souvent les frontières entre art commercial et art conventionnel, utilise abondamment des objets en papier articulés. Ce médium permet une interaction et un engagement physique rarement rencontrés dans les formes d'art traditionnelles. L'inscription « 2021 Printed Moveable KAWS Skull 20x40 » indique les dimensions physiques de la pièce, suggérant une échelle grandeur nature, ainsi que l'année de sa création, la situant ainsi dans le parcours artistique de KAWS. La notion de mouvement inhérente à l'objet en papier articulé remet en question la nature statique de la mort que représente généralement le squelette. Au contraire, le crâne de KAWS est dynamique, ludique, voire fantaisiste, se mouvant d'une manière qui célèbre la vie et la créativité. Cet aspect mobile de l'œuvre reflète les rues qui ont vu naître cette forme d'art : vivantes, en perpétuelle évolution et en interaction avec ceux qui les découvrent. Impression giclée en édition limitée La mention « Édition limitée » souligne l'exclusivité de l'œuvre et la qualité du procédé utilisé pour sa création. L'impression giclée est réputée pour sa capacité à reproduire des couleurs profondes et riches, ce qui en fait une technique de choix pour les œuvres exigeant une grande fidélité chromatique. Son utilisation dans le street art pop représente une convergence fascinante entre la reproduction de haute technologie et l'esprit souvent DIY du street art, permettant à un public plus large de partager et d'apprécier l'œuvre tout en préservant un sentiment de rareté et de valeur. Dans cette pièce, le rose remplit une double fonction : il attire le regard et commente l'accessibilité et la démocratisation de l'art. En choisissant une couleur qui parle à un large public, KAWS invite une audience diversifiée à interagir avec son œuvre. Le squelette devient un symbole universel de l'humanité et un support pour explorer des thèmes de société tels que l'identité, le consumérisme et la marchandisation de l'art. L'ornement découpé en carton-squelette rose incarne l'irrévérence ludique et l'engagement critique qui caractérisent la démarche artistique de KAWS. Il témoigne du pouvoir transformateur du pop art urbain. Ce mouvement a canalisé l'énergie brute du graffiti vers une forme d'expression artistique à la fois sophistiquée et accessible. Avec ses membres articulés et sa couleur rose vif, l'œuvre est un sujet de conversation stimulant, invitant à des interprétations et des échanges qui font le lien entre l'intention de l'artiste et l'imaginaire du public.

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Coussin ABC Camo Be@r - Oreiller en tissu rose en édition limitée, objet d'art Be@rbrick de collection, œuvre d'art de l'artiste de graffiti de rue Bape - A Bathing Ape. Rose 2021 Neuf avec étiquettes

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Plateau en céramique Akira Syringe, objet d'art de la collection Supreme Limited Edition. Plateau/assiette en céramique Supreme, édition limitée estampillée 2017, dimensions 11,25 x 4,25 pouces, objet d'art de collection. Plateau en céramique Supreme AKIRA pour seringues : un classique culte revisité en porcelaine Le plateau en céramique Supreme AKIRA Seringue est un véritable objet culturel, fusionnant l'énergie brute du pop art urbain et la précision des illustrations manga. Sortie très attendue dans le cadre de la collection Automne/Hiver 2017, cette édition limitée incarne l'esprit avant-gardiste de la marque Supreme tout en rendant hommage au manga japonais culte AKIRA. Façonné avec précision, ce plateau en céramique blanche témoigne de l'influence durable de la série et de l'ingénieuse adaptabilité de l'esthétique streetwear de Supreme. Mesurant 28,6 cm sur 10,8 cm, le plateau est une toile qui donne vie à l'univers noir et blanc saisissant du néo-Tokyo d'AKIRA. Il présente une scène intense, directement tirée du manga, où Kaneda et Tetsuo, dans un moment de tension extrême, reçoivent une injection. Cette scène est un moment charnière de la série AKIRA et un aperçu de la narration complexe et pleine d'action qui captive les fans depuis des décennies. L'art de la céramique rencontre la narration graphique emblématique La synergie entre l'identité visuelle de Supreme et le graphisme d'AKIRA sur le plateau en céramique Supreme AKIRA Syringe illustre parfaitement comment le pop art urbain peut fusionner avec d'autres médias pour créer une œuvre à la fois inédite et familière. L'intégration subtile du nom de Supreme sur la seringue révèle une interaction ingénieuse entre identité de marque et imagerie narrative. Ce détail, bien que mineur, souligne la nature collaborative de la pièce et symbolise la fusion d'univers que les fans de Supreme et d'AKIRA apprécieront. Sous le plateau se trouve le logo iconique de Supreme, une signature qui atteste de l'authenticité de l'objet et le rattache à la lignée des précédents articles de collection de la marque. Cet emblème, juxtaposé au dessin manga, fait le lien entre l'esprit du temps du streetwear moderne et l'art classique du manga japonais. La présence du logo est un gage de qualité et un symbole qui trouve un écho auprès des collectionneurs conscients de la valeur des éditions limitées de pop art urbain. Impact et valeur de collection du plateau à seringues Supreme AKIRA Le plateau en céramique Supreme AKIRA Syringe est bien plus qu'un simple objet décoratif ; c'est un morceau d'histoire de la pop culture, moulé dans la céramique. Le choix d'immortaliser cette scène de manga sur un plateau de haute qualité témoigne d'une compréhension fine de la mentalité du collectionneur : ce n'est pas seulement l'objet qui a de la valeur, mais la convergence de l'art, du récit et de la marque qui en fait un trésor. En tant que pièce de collection, le plateau attire le regard, devenant un point de convergence qui suscite des discussions sur le street art, ses liens avec d'autres formes d'expression et la nature même des objets de collection contemporains. Dans le street art et le graffiti, des objets comme le plateau Supreme AKIRA Syringe soulignent le potentiel des objets du quotidien à devenir des supports pour la narration et l'expression artistique. La représentation saisissante de Kaneda et Tetsuo est un récit visuel figé dans la porcelaine, conférant au plateau un dynamisme souvent associé à l'immédiateté du street art et à la vitalité transgressive du graffiti. Pourtant, la permanence du matériau céramique et le charme intemporel de l'histoire d'AKIRA élèvent ce plateau au-delà de sa simple fonction, confirmant son statut d'œuvre d'art convoitée. Une fusion de formes artistiques pour le collectionneur contemporain Collectionneurs et amateurs de manga et de streetwear trouveront dans le plateau en céramique Supreme AKIRA l'objet qui incarne l'essence même de ces deux univers. La fusion harmonieuse du style urbain et percutant de Supreme et des visuels saisissants d'AKIRA fait de ce plateau une pièce emblématique pour les collectionneurs. À la fois fonctionnel et pratique, il invite à la contemplation en tant qu'œuvre d'art. Le plateau en céramique Supreme AKIRA témoigne de la puissance de la collaboration entre marques et artistes et reflète l'état actuel du street art et du graffiti : un domaine en constante évolution, toujours surprenant et résolument audacieux.

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Scelleuse sous vide dorée, œuvre d'art de Ben Baller, édition limitée, pièce de collection d'artiste pop. Scelleuse sous vide dorée rare, édition limitée 2022, objet d'art neuf dans sa boîte. Emballer sous vide doré comme support pour l'art pop urbain et le graffiti L'alliance de la fonctionnalité et du luxe se manifeste souvent sous des formes inattendues, et la machine à emballer sous vide dorée de Ben Baller en est un parfait exemple. Sortie en édition limitée en 2022, cette machine à emballer sous vide dorée à grande capacité transforme un objet du quotidien en pièce de collection, incarnant l'essence même du Pop Art par son design et sa fonction. Ornée du logo iconique « BB », elle respire l'exclusivité et témoigne de la quête des collectionneurs modernes pour des objets uniques et haut de gamme. L'utilisation de l'or par Ben Baller, matériau historiquement associé à la richesse et au prestige, fait le lien entre l'utilité domestique et l'art opulent. Sa finition brillante sublime non seulement l'esthétique de la machine, mais rend également hommage à l'extravagance du Street Pop Art, où les objets du quotidien se métamorphosent en pièces de luxe. La présence de sacs de mise sous vide et d'un mode d'emploi n'enlève rien à sa valeur artistique ; au contraire, elle souligne l'harmonie entre forme et fonction, caractéristique des objets de collection design. Dans l'univers du graffiti, la machine sous vide symbolise la préservation de la nature éphémère de cet art urbain. À l'instar de la machine qui protège et préserve la qualité des aliments, le graffiti vise à capturer et à immortaliser des moments culturels marquants, souvent face à l'impermanence et au changement. Cette œuvre témoigne de l'impact durable de l'art urbain et de la volonté de l'artiste de figer un instant dans le temps grâce à son style unique. Le rôle des objets d'art fonctionnels dans les mouvements d'art urbain contemporains Les mouvements contemporains du Pop Art et du graffiti explorent souvent le dialogue entre l'art et le quotidien, et la machine sous vide dorée de Ben Baller en est une manifestation concrète. En recouvrant d'or un appareil ménager ordinaire, l'artiste interroge notre perception de ce qui constitue une œuvre d'art. Cette œuvre brouille les frontières entre le pratique et l'esthétique, incitant le spectateur à reconnaître le potentiel artistique de toute matière. Le choix d'une machine sous vide, appareil de conservation des aliments périssables, est particulièrement évocateur dans le contexte du Pop Art. Il symbolise la préservation des aliments et le désir de maintenir la fraîcheur des idées et de l'art dans un monde en perpétuelle mutation. L'appareil devient une métaphore du rôle de l'art dans la société : empêcher la culture de se figer et la protéger de l'érosion du temps et de la mémoire. De plus, la présence du logo « BB » de Ben Baller, bien en évidence sur la machine sous vide, fait office de signature, à l'instar des tags utilisés par les graffeurs pour marquer leur œuvre dans le paysage urbain. Le logo symbolise l'authenticité et la propriété, tout en contribuant à l'idée que chaque objet raconte une histoire à travers sa conception et son utilisation. L'art de collection à l'ère du street art et du graffiti Objet de collection, le scelleur sous vide doré se situe à la croisée de l'art et de l'utilité. Son statut d'édition limitée garantit sa fonctionnalité et sa valeur pour les collectionneurs sensibles à la convergence de l'art et des objets du quotidien. Cet objet d'art reflète l'essor du street art et du graffiti, où les outils et objets du quotidien sont réinterprétés comme supports d'expression créative. Le scelleur sous vide neuf, dans sa boîte, suscite une anticipation comparable à celle que l'on ressent en déballant une œuvre d'art. Il incarne l'excitation du déballage, devenu un rituel de découverte à l'ère du numérique. Collectionneurs et amateurs d'art acquièrent ainsi non seulement un outil de conservation, mais aussi une part de la vision artistique de Ben Baller : une vision qui capture l'énergie brute de la rue et la vivacité colorée du pop art. Le scelleur sous vide doré de Ben Baller est un exemple éclatant de l'esprit novateur qui anime le street art et le graffiti. Cet objet témoigne de la nature évolutive de l'art, où la frontière entre œuvre d'art et objet utilitaire s'estompe sans cesse. Il rend non seulement hommage à la créativité de l'artiste, mais ouvre également la voie à de futures créations artistiques qui cherchent à fusionner fonctionnalité et extraordinaire.

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Lampman, sculpture lumineuse, objet d'art de Joan Cornellà, édition limitée, pièce de collection d'artiste pop. Édition limitée 2024 à 300 exemplaires. Lampe sculpturale rare alimentée par piles. Dimensions : 6 x 9,8 cm. Explorer le monde fascinant des objets du pop art L'univers du Pop Art a toujours suscité l'intrigue et la fascination, avec des objets qui brouillent souvent les frontières entre expression artistique et utilité quotidienne. Parmi ces pièces captivantes, on trouve la lampe-sculpture « Lampman », un objet d'art conçu par le célèbre artiste espagnol Joan Cornellà. Cette pièce de collection en édition limitée allie la fonctionnalité d'une lampe au plaisir esthétique d'une sculpture, créant ainsi un objet à la fois pratique et d'une fantaisie surréaliste. L'art satirique unique de Joan Cornellà L'œuvre de Joan Cornellà est reconnue pour sa représentation colorée et souvent troublante des interactions sociales contemporaines, rendue dans son style inimitable, à la fois net et joyeux. « Lampman » poursuit cette exploration thématique, capturant l'absurdité et l'étrangeté de l'existence moderne. Sortie en 2024, cette œuvre d'art rare est une édition limitée à seulement 300 exemplaires, ce qui en fait une pièce recherchée par les collectionneurs et les admirateurs de Cornellà. Mesurant 15 x 25 cm, il s'agit d'une lampe-sculpture compacte, alimentée par piles, conçue pour s'intégrer dans divers espaces, de l'intimité d'un bureau à l'espace plus public d'une galerie. « Lampman » n'est pas qu'une simple lampe ; c'est une œuvre engagée, qui invite le spectateur à repenser les frontières entre art et design, forme et fonction, divertissement et critique. À travers ce travail, Cornellà continue de repousser les limites du Street Pop Art et du graffiti, explorant comment ces formes peuvent s'étendre au-delà des toiles et des murs traditionnels pour devenir des objets tridimensionnels qui habitent nos espaces quotidiens. Le « Lampiste » : une fusion entre l'art et la vie quotidienne La sculpture-lampe « Lampman » témoigne du talent exceptionnel de Joan Cornellà pour métamorphoser le banal en extraordinaire. Ses couleurs vives et son design audacieux font écho à l'esprit du Pop Art et du graffiti, où les objets du quotidien deviennent le support de l'expression créative. La lampe, caractérisée par sa silhouette singulière, la tête ornée d'un abat-jour et arborant un sourire serein, invite à la réflexion sur le jeu entre la lumière qu'elle diffuse et son expression ombrée. Cette œuvre symbolise un mouvement où l'art ne se limite plus aux murs des galeries ni aux façades des bâtiments, mais s'intègre aux objets de notre quotidien. « Lampman » de Cornellà fait office de pont, faisant entrer l'art dans nos espaces de vie et permettant un contact intime et constant avec la créativité. Le caractère à la fois ludique et provocateur de l'œuvre incarne l'essence même du Pop Art. Cette forme d'art est accessible, universelle et profondément ancrée dans la culture contemporaine. Le caractère de collection des créations de Cornellà Le caractère de collection de la sculpture lumineuse « Lampman » de Joan Cornellà témoigne de la convergence entre le marché de l'art et la satisfaction personnelle de posséder une œuvre d'art à la fois fonctionnelle et précieuse. L'édition limitée à 300 exemplaires confère à cette pièce un caractère exclusif et recherché auprès des collectionneurs et amateurs d'art. Artiste contemporain, Cornellà comprend parfaitement l'importance de créer une œuvre qui résonne à plusieurs niveaux : objet de plaisir esthétique, objet fonctionnel et pièce de collection de valeur. Avec « Lampman », Cornellà démontre une fois de plus son savoir-faire, capable de concrétiser l'imagination de l'artiste. Cette sculpture lumineuse n'est pas seulement un objet à contempler, mais à vivre ; sa lumière symbolise l'illumination que l'art apporte à nos vies. Figure active et influente du monde de l'art, Joan Cornellà continue d'explorer et d'élargir les possibilités du Street Pop Art et du graffiti, créant des œuvres à la fois familières et provocatrices, pratiques et exceptionnelles.

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Objet d'art en forme de dent de rail à pointe de chemin de fer bleue par RD-357. Véritable œuvre d'art originale de collection, signée par un artiste pop. 2021 Peinture en aérosol originale Étiquette RD sur un objet d'art en métal recyclé provenant d'un clou de chemin de fer. Taille de l'œuvre : 6x1. Crampons de chemin de fer bleus par RD-357 – Œuvre d'art originale de street art pop et graffiti « Railroad Spike Track Teeth Blue » est une œuvre originale de 2021 de RD-357, alias Real Deal, artiste de graffiti et designer reconnu pour son mélange de culture du tag traditionnel et d'expérimentation avec des objets trouvés. Cette pièce unique présente le tag emblématique de RD, réalisé à la bombe de peinture bleue vive sur la surface d'un crampon de chemin de fer recyclé, mesurant 15 x 2,5 cm. Fusion saisissante entre forme industrielle et symbolisme urbain, l'objet conserve le poids et la texture de sa fonction première tout en se transformant en un artefact de graffiti tridimensionnel. La flèche, motif récurrent dans les lettres du graffiti, prolonge la lettre D, pointant vers l'avant avec un mouvement intentionnel – symbole de mouvement, de défi et de direction. En tant qu'artefact tagué, ce crampon fait non seulement référence aux réseaux ferroviaires, essentiels à la diffusion du graffiti à ses débuts, mais devient aussi une pièce d'archéologie urbaine empreinte d'authenticité et d'engagement. Culture des étiquettes et objet comme toile Dans le graffiti, le tag est l'expression la plus pure de l'identité artistique. Il est à la fois nom, logo et signal. L'apposition du tag par RD-357 sur une pointe métallique recontextualise cette signature dans une esthétique d'artefact et d'utilité. En déposant un style net et fluide sur un objet corrodé et lourd, l'artiste joue avec les contrastes : l'impermanence marquée par la permanence, le geste fluide par rapport à la forme solide, le geste par rapport à la fonction. L'utilisation du bleu sur la surface noircie de la pointe apporte une vivacité et une clarté qui ressortent même à cette échelle miniature. Le tag devient un message physique, moins axé sur l'espace qu'il occupe que sur ce qu'il porte : un nom ancré dans l'histoire de la rue, gravé sur un outil autrefois utilisé pour structurer les transports et marquer les divisions. L'objet n'est plus une simple pointe ; c'est une sculpture signée, un tag mobile, un symbole de permanence dans une culture bâtie sur le mouvement. Chemins de fer, mouvement et fondement du style Dans l'univers du graffiti, les chemins de fer sont bien plus qu'une simple infrastructure : ils symbolisent la diffusion, l'évasion et l'expression d'un style personnel. Depuis les années 1970, les graffeurs utilisent les trains pour étendre la visibilité de leurs noms à travers les arrondissements et les régions. RD-357 rend hommage à cette histoire non pas par la représentation d'un train, mais par le clou qui, jadis, fixait l'acier au bois, qui ancrait un système que les artistes de graffiti se sont approprié pour diffuser leurs messages. Ce clou est une réutilisation poétique. Il porte le poids du transport et le transforme en voix. Il métamorphose le fantôme de la décrépitude industrielle en objet de célébration pour la culture underground contemporaine. L'utilisation d'un élément ferroviaire authentique fait de cette œuvre non seulement une œuvre d'art, mais une relique métamorphosée : un objet utilitaire rendu iconique par la marque du graffiti. Le pop art urbain et le graffiti comme langage basé sur les objets « Railroad Spike Track Teeth Blue » est un exemple rare d'art graffiti où l'artiste refuse de se limiter au mur, à la toile ou au format numérique. RD-357 s'approprie l'objet comme message et matériau, insufflant à son tag dimension, tactilité et contexte. Cette approche fait le lien entre l'importance traditionnelle accordée à la répétition et à la surface dans le graffiti et la logique de collection propre à l'art pop et conceptuel. C'est un style manuel transformé en sculpture, un artefact industriel investi d'une identité personnelle, et un nom qui refuse de tomber dans l'oubli. Dans le domaine du Street Pop Art et du Graffiti, de telles œuvres nous rappellent que le graffiti ne se limite pas aux surfaces que nous croisons, mais s'incarne aussi dans les objets que nous portons, les matériaux que nous récupérons et les symboles que nous choisissons de mettre en valeur. Cette œuvre ne se contente pas d'être vue ; elle se tient, se ressent, elle est signée dans l'acier.

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La vengeance est un plat - Impression numérique en édition limitée sur assiette en céramique, réalisée par le célèbre artiste de rue graffeur Luke Chueh. Né à Philadelphie, mais ayant grandi à Fresno, Luke Chueh (prononcé THU) a étudié le graphisme à l'Université polytechnique d'État de Californie à San Luis Obispo, où il a obtenu une licence en art et design. Il a ensuite été embauché par la société Ernie Ball, en tant que graphiste-illustrateur interne, et a créé plusieurs designs primés. Ses travaux ont été publiés dans les annuaires de design de Communication Arts et de Print Magazine.

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Assiette en céramique Akira Pill, objet d'art de la collection Supreme Limited Edition. Assiette en céramique Supreme, édition limitée estampillée 2017, format 10x10, objet d'art de collection. Présentation de l'assiette en céramique Supreme AKIRA Pill : une convergence entre le pop art urbain et le design de collection L'assiette en céramique Supreme AKIRA Pill est une pièce unique dans l'univers du design de collection et du pop art urbain. Lancée dans le cadre de la collection Automne/Hiver 2017, cette édition limitée illustre à merveille l'alliance harmonieuse entre objet utilitaire et œuvre d'art. La collaboration entre Supreme et le manga AKIRA dépasse le simple cadre commercial pour donner naissance à un objet de collection célébrant l'esthétique de la culture urbaine et du graphisme japonais. Plus qu'une simple assiette, l'assiette Supreme AKIRA Pill est une véritable toile qui met en lumière la rencontre fascinante entre l'audace de Supreme et le style graphique saisissant d'AKIRA. Fabriquée en céramique de haute qualité, elle allie durabilité et esthétique, se prêtant aussi bien à un usage quotidien qu'à la décoration. L'illustration, représentant un personnage en pleine action, avalant une pilule, est réalisée dans un noir et blanc contrasté, insufflant à cet objet statique le dynamisme et l'énergie brute des planches du manga original. L'image est accompagnée de la phrase « ILS SONT COMME DES BONBONS ! », ajoutant une dimension narrative et intrigante à l'œuvre. L'esprit de cette collaboration est palpable dans cet objet d'art unique. L'œuvre présentée capture l'essence de la série AKIRA, tandis que l'intégration du logo Supreme la replace dans l'univers de la mode urbaine haut de gamme. Le choix de modifier le logo Supreme et de l'apposer sur la pilule témoigne du talent de la marque pour intégrer harmonieusement des références à la culture populaire dans ses produits. Cette technique séduit non seulement les fans du manga, mais aussi les adeptes de la marque Supreme, dont l'identité est subtilement tissée dans le récit. Le dessous de la plaque fait partie intégrante de l'œuvre, arborant le logo Supreme Box classique dans ses couleurs vives d'origine. Ce détail, signature de la marque, est un clin d'œil à ses racines dans les cultures du skateboard et du streetwear, et constitue un gage d'authenticité pour les collectionneurs. L'assiette en céramique Supreme AKIRA Pill est une œuvre d'art pop et graffiti de rue. L'assiette en céramique Supreme AKIRA Pill témoigne de l'évolution du street art et du graffiti. Elle incarne l'essence même de l'art contemporain : à la fois fonctionnelle et provocatrice, profondément ancrée dans la culture underground. Bien plus qu'un simple produit dérivé, cette assiette est un fragment de l'histoire du street art, immortalisé dans une céramique émaillée. Son design reflète les points communs du street art et du graffiti : spontanéité, audace et provocation. Pourtant, il est sublimé par le prisme du pop art, qui transforme l'objet du quotidien en une œuvre extraordinaire. Cette collaboration symbolise la manière dont le street art brouille les frontières entre art commercial et art savant, invitant à une réflexion sur la valeur et la signification de l'art dans les objets du quotidien. En tant qu'œuvre d'art, l'assiette en céramique Supreme AKIRA Pill prolonge l'héritage de son inspiration manga vers de nouveaux horizons. Elle représente concrètement l'impact culturel de la série AKIRA sur l'univers du roman graphique et, plus largement, sur la culture pop. Pour Supreme, cette assiette vient enrichir sa collection d'objets à la fois contemporains et intemporels, des pièces qui captent l'air du temps tout en conservant un caractère exclusif et un potentiel de collection. Dans le domaine du street art et du graffiti, des objets comme l'assiette en céramique Supreme AKIRA Pill remettent en question les conceptions traditionnelles de l'art. Ils insufflent à nos intérieurs la vitalité et l'audace du street art, en fusionnant avec la fonctionnalité des objets du quotidien. Plus qu'un simple plat pratique, cette assiette est un objet de conversation, un commentaire culturel et une œuvre d'art à collectionner, incarnant à la perfection l'esprit novateur et transformateur du street art.

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Horloge murale Bapex Type 4, édition limitée, objet d'art de collection, œuvre d'art de l'artiste de graffiti de rue Bape - A Bathing Ape. Cadran de montre Bapex Type 4 2021, utilisable comme horloge murale, neuf dans sa boîte.

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Horloge murale Ron English - POPaganda - Horloge Grin Smiley en édition limitée, objet d'art de collection, œuvre de l'artiste de graffiti de rue Ron English - POPaganda. Exclusivité ComplexCon 2021 Neuf, jamais exposé.

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Ensemble d'assiettes en céramique Kaws x NGV - Édition limitée grise et blanche. Œuvre d'art réalisée à l'encre par le célèbre artiste de rue Kaws x NGV. 2019 Kaws - Brian Donnelly Édition épuisée Taille 6 pouces Art de collection Ensemble de 4 assiettes - Gris/Gris/Blanc Présenté avec boîte, aucun problème. Fusion d'art fonctionnel et de culture urbaine : ensemble d'assiettes en céramique KAWS x NGV Le service d'assiettes en céramique KAWS x NGV gris et blanc est une collection exquise qui allie la fonctionnalité des objets du quotidien au dynamisme du street art. Fruit d'une collaboration entre le célèbre graffeur KAWS, alias Brian Donnelly, et la National Gallery of Victoria (NGV), cette édition limitée, désormais épuisée, met en lumière la polyvalence et l'étendue du pop art urbain. Chaque assiette arbore les motifs et personnages emblématiques de KAWS, déclinés dans une palette sophistiquée de gris et blanc qui souligne la finesse des motifs et les références culturelles qui imprègnent l'œuvre. Cette collaboration témoigne du rayonnement du street art, qui s'affranchit des supports traditionnels et des environnements urbains pour investir la décoration intérieure et l'art fonctionnel. Chaque assiette, un cercle de 15 cm de diamètre, est une véritable toile qui permet à l'art de KAWS de s'intégrer pleinement à notre quotidien, insufflant l'énergie brute de la rue à l'élégance de notre table. KAWS x NGV : Une fusion d'expressions artistiques La collaboration entre KAWS et la NGV pour ce service d'assiettes en céramique représente une fusion d'expressions artistiques qui remet en question les frontières traditionnelles entre art et design commercial. Présenté dans un coffret immaculé, le service est en parfait état, garantissant ainsi la préservation du talent de KAWS sous une forme à la fois pratique et esthétique. La palette de gris et de blanc souligne le contraste et la profondeur des créations de KAWS, faisant de chaque assiette une œuvre d'art à part entière tout en contribuant à l'harmonie visuelle de l'ensemble. En transformant l'assiette du quotidien en un support pour le pop art urbain, KAWS et la NGV ont élevé le statut de l'art graffiti, l'inscrivant dans la catégorie des objets d'art de collection. Ce service séduira les collectionneurs d'art, les amateurs de l'œuvre de KAWS et tous ceux qui apprécient le lien entre art et vie, où chaque repas devient une invitation à la découverte de l'art contemporain. L'art de collection dans les objets du quotidien : la signification de l'exposition KAWS x NGV Le coffret d'assiettes en céramique KAWS x NGV est une pièce de collection majeure, notamment dans le domaine du street art et du graffiti. La rareté de cette édition épuisée renforce son attrait et en fait un objet très recherché. Au-delà de sa rareté, le design du coffret témoigne de l'influence constante de KAWS sur la perception du street art, le propulsant des marges de la culture urbaine au cœur de l'innovation artistique. Chaque assiette, ornée d'un motif détaillé à l'encre sur céramique, incarne l'essence du parcours créatif de KAWS, de ses débuts comme graffeur à son statut de figure emblématique de l'art contemporain. Dans toute sa splendeur grise et blanche, le coffret d'assiettes en céramique KAWS x NGV célèbre le potentiel créatif du street art, démontrant sa capacité à transcender les frontières et à s'intégrer pleinement au récit culturel.

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Objet de collection en peluche Holiday Indonesia Accomplice par Kaws - Brian Donnelly, édition limitée, œuvre d'art pop de créateur. Peluche rare Kaws « Complice en costume de lapin » (2023), épuisée, dimensions 4 x 6,5 cm, neuve sous blister. Dans l'univers kaléidoscopique du pop art et du street art, certains artistes émergent avec des voix singulières et des styles identifiables qui incarnent l'esprit de leur génération. Brian Donnelly, plus connu sous son pseudonyme de Kaws, est l'un de ces noms qui se distingue dans ce milieu dynamique. Issu du graffiti et nourri par le street art, le parcours de Kaws l'a propulsé sur le devant de la scène, brouillant les frontières entre art, design de produits commerciaux et culture populaire. Son chef-d'œuvre de 2023, « Holiday Indonesia Plush Charm Object Art », illustre parfaitement l'originalité de sa démarche artistique. Cette pièce de collection en édition limitée, à la fois saisissante visuellement et tactilement, met en scène le rare Kaws Accomplice – un motif emblématique de son répertoire – vêtu d'un costume de lapin fantaisiste, les mains cachant son visage. Cette version particulière, mesurant 10 x 16,5 cm, se distingue non seulement par sa qualité de fabrication, mais aussi par sa profonde signification, évoquant peut-être les complexités de l'identité, la culture populaire et le sentiment universel du déguisement et de la révélation. Son emballage, impeccable et intact, garantit l'intégrité de l'œuvre, renforçant son attrait pour les collectionneurs et les amateurs d'art. Au-delà de sa simple valeur esthétique, les créations de Kaws, dont la peluche « Plush Charm Object Art » mentionnée précédemment, résonnent profondément avec les thèmes de l'urbanité, de la culture et du paysage en constante évolution du street art. Elles témoignent de la puissante interaction entre l'art et l'environnement urbain, assurant ainsi que ces œuvres demeurent non seulement des objets de collection, mais aussi des symboles d'une époque.

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Préservatif LushSux - Préservatif blanc en édition limitée, œuvre d'art de collection créée par l'artiste de graffiti de rue Lussux. Préservatif personnalisé, objet d'art en édition limitée 2013. Ne pas utiliser ; il s'agit d'une œuvre d'art uniquement ! L'emballage personnalisé non ouvert de 2013 porte l'inscription : « Utilisez ce préservatif car je ne sais pas quelle MST @Lushsux m'a transmise… »

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Jeu de dominos dorés, objet d'art créé par Ben Baller, une œuvre d'art pop de collection en édition limitée. Édition limitée 2022 à 2000 exemplaires, jeu de dominos dorés rare, coffret et objet d'art neufs. Réinventer le jeu : le jeu de dominos dorés de Ben Baller comme œuvre d'art. Le jeu de dominos en or de Ben Baller incarne la fusion du luxe et du jeu. Cette édition limitée réinvente le jeu traditionnel à travers le prisme de l'art pop. Seuls 2 000 exemplaires de cette collection rare ont été créés en 2022, chacun témoignant de l'esprit novateur des mouvements artistiques contemporains. Le coffret, véritable œuvre d'art au même titre que les dominos eux-mêmes, arbore le message percutant « THIS IS NOT YOUR PRACTICE LIFE », faisant écho à l'esprit du Street Pop Art et du graffiti. La transformation d'un jeu classique en objet de collection design reflète la tendance du Street Pop Art à sublimer le quotidien. En intégrant l'or – matériau qui a historiquement symbolisé la richesse et le pouvoir – dans un contexte ludique, Ben Baller invite à une réflexion sur la juxtaposition de la valeur et du divertissement. Ces dominos ne sont pas de simples pièces de jeu, mais de véritables œuvres d'art, chacun offrant d'innombrables combinaisons et possibilités, à l'image de la liberté créative du graffiti. Ce jeu de dominos transcende sa fonction ludique pour entrer dans le domaine de l'art interactif. Conçu pour captiver, il favorise les échanges et offre une expérience tactile enrichissante, tant par son esthétique que par son utilisation. Le coffret doré, neuf, dégage une impression d'exclusivité et suscite l'attente d'un objet encore inconnu. Golden Play : Le jeu de dominos comme symbole de la culture du street art Dans la culture du street art et du graffiti, les symboles et les icônes sont souvent détournés pour remettre en question les perceptions et critiquer les normes sociales. Le jeu de dominos dorés de Ben Baller symbolise la rencontre entre l'art savant et la culture populaire, où le jeu se trouve sublimé dans un objet luxueux. Le jeu devient une toile, reflétant la vision de l'artiste et l'esprit ludique du street art. Il fait également écho à la dimension communautaire du street art : à l'instar des fresques et des tags qui s'intègrent au tissu social du quartier, ce jeu de dominos favorise la convivialité et le partage. Jouer aux dominos est un langage universel, unissant les cultures et les générations, à l'image du street art qui touche un public diversifié. Le logo « BB », signature de la marque Ben Baller, appose sa signature sur cette expérience collective, inscrivant chaque partie dans un récit plus vaste. De plus, ce jeu s'inscrit dans la lignée de l'exploration du consumérisme et de la marchandisation des loisirs propre au mouvement pop art. Il interroge les frontières entre art et objet, entre œuvre d'art et article du quotidien. Ainsi, le jeu de dominos dorés n'est pas qu'un simple objet de jeu, mais témoigne de l'importance culturelle des jeux et de leur rôle dans nos vies. Investissement artistique : Collectionner le jeu de dominos dorés Pour les collectionneurs, le charme du jeu de dominos dorés de Ben Baller réside dans sa double identité : à la fois jeu fonctionnel et œuvre d'art en édition limitée. En tant qu'investissement, il représente la convergence de l'expression artistique et du prestige culturel du design de collection. Ce jeu est emblématique d'une tendance artistique où les frontières entre objets utilitaires et œuvres d'art ne sont pas seulement floues, mais délibérément imbriquées. Son édition limitée à seulement 2 000 exemplaires renforce son statut sur le marché de l'art et des objets de collection. Il devient une pièce recherchée pour sa beauté, son savoir-faire, sa rareté et son potentiel d'appréciation. En tant qu'objet de collection, il raconte une histoire, reflète la vision de l'artiste et immortalise un moment où art et jeu s'harmonisent à la perfection. Le jeu de dominos dorés de Ben Baller est un artefact culturel à la croisée du pop art urbain, du graffiti et du design de luxe. C'est une célébration de l'esprit ludique qui imprègne une grande partie du pop art, une interprétation raffinée d'un jeu intemporel et un hommage à la joie collective des expériences partagées. Ce jeu n'est pas qu'une simple collection de dominos dorés ; c'est un recueil d'art, de jeu et du message universel que la vie, avec tous ses jeux et ses aléas, n'est pas une répétition, mais une scène où s'épanouissent splendeur et spectacle.

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Sac à dos style messager Reporter Cold Crush Brothers Art Mode par Kothai x Joe Conzo Jr Objet d'art vestimentaire Œuvre d'art Article de collection. Sacoche Kothai Messenger, édition limitée 1995 (épuisée). Vêtement de créateur, art et mode. Neuf avec étiquette, vintage, jamais porté. Photo vintage du groupe de hip-hop rap Cold Crush Brothers par Joe Conzo Jr. RB86N 3700536404958. Dimensions : 35,5 x 26,5 x 6,5 cm. Bandoulière : 76 cm. Provenant de la collection personnelle de Joe Conzo. Sacoche bandoulière Cold Crush Brothers Le sac bandoulière Reporter Cold Crush Brothers est une fusion rare et remarquable de mode, d'art et de culture hip-hop. Conçu par Kothai en collaboration avec le célèbre photographe Joe Conzo Jr., ce modèle en édition limitée illustre la rencontre entre le street art, le pop art et le graffiti, le tout dans un objet à porter. Le sac arbore une saisissante photographie en noir et blanc des légendaires Cold Crush Brothers, prise par Conzo, reconnu pour avoir documenté les débuts du mouvement hip-hop. Lancé en 1995 et désormais épuisé, ce sac est à la fois un accessoire de mode et une pièce de collection. Photographies emblématiques des Cold Crush Brothers et de Joe Conzo Jr. Les Cold Crush Brothers sont un groupe fondateur de l'histoire du hip-hop, incarnant l'énergie et la créativité des débuts du genre. Leur influence dépasse le cadre musical, façonnant le paysage culturel et artistique du Bronx à la fin des années 1970 et dans les années 1980. Joe Conzo Jr., souvent considéré comme le premier photographe du hip-hop, a immortalisé l'essence de cette époque à travers son objectif. Son travail, dont l'image orne ce sac, capture l'esprit de résilience et d'expression qui a défini le mouvement. La photographie transpose le charisme du groupe et l'énergie vibrante du hip-hop dans un accessoire de mode accessible au quotidien. Le design et la valeur de collection du sac messager Kothai Conçu par Kothai, ce sac arbore un design élégant de type messager et un extérieur en similicuir résistant. Ses dimensions (35,5 x 26,5 x 6,5 cm) et sa bandoulière ajustable de 76 cm le rendent à la fois pratique et stylé. La photographie en noir et blanc de Joe Conzo Jr. orne le devant, transformant le sac en une véritable œuvre d'art urbain. Fruit de la collaboration entre Kothai et Conzo, ce sac fusionne les codes visuels et musicaux du hip-hop avec le design contemporain. Neuf, dans sa boîte d'origine avec étiquettes, il n'a jamais été porté. Ce sac est rare, car il fait partie d'une édition limitée désormais épuisée. L'héritage de l'art dans la mode et la culture urbaine Bien plus qu'un simple accessoire, ce sac célèbre la culture hip-hop et son influence sur le street art et le graffiti. Orné d'une image emblématique issue du portfolio de Joe Conzo Jr., il rend hommage aux racines de l'art urbain et aux pionniers qui ont marqué toute une génération. Son édition limitée et sa qualité de fabrication exceptionnelle en font une pièce de collection très recherchée par les passionnés de hip-hop, de mode et d'art contemporain. Fruit de la collaboration entre Kothai et Joe Conzo Jr., ce sac messager illustre parfaitement comment la mode peut devenir un support d'expression artistique, faisant de cette sacoche un objet culturel intemporel.

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J'ai demandé une impression numérique pigmentaire en édition limitée « Scrambled » sur une assiette en céramique, œuvre du célèbre artiste de rue graffeur Luke Chueh. La vengeance est un plat de collection - Né à Philadelphie, mais ayant grandi à Fresno, Luke Chueh (prononcé THU) a étudié le graphisme à l'Université polytechnique d'État de Californie à San Luis Obispo, où il a obtenu une licence en art et design. Il a ensuite travaillé pour la société Ernie Ball en tant que designer/illustrateur interne, créant plusieurs designs primés et figurant dans les annuaires de design de Communication Arts et Print Magazine.

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Lecteur de cassettes Supreme ITS OK TOO - Rouge, édition limitée, objet d'art de collection créé par de célèbres artistes de la mode, Supreme. Lecteur de cassettes stéréo transparent FW22 2022. Compatible Bluetooth 5.0 avec prise casque 3,5 mm. Clip de fixation arrière inclus. Dimensions : 11,8 cm x 8,4 cm x 3,4 cm. Fabriqué exclusivement pour Supreme.

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Toilettes pour femmes chez Art And Design Supreme Tray, assiette de collection en porcelaine et verre d'art en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de graffiti de rue OG Lady Pink. Plateau Lady Pink/Supreme 2021 - Espace Femmes chez Art & Design - Supreme. Plateau en porcelaine avec motif et logo imprimés au dos. 15 x 18 cm.

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Presse-papier Madison Avenue, objet d'art en édition limitée, œuvre de collection créée par l'artiste de graffiti urbain Bape. 2021 1G72-182-195 / Transparent / F Madison Ave New York City Presse-papier Objet d'art

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Poêle en fonte Supreme Lodge 10,25" - Édition limitée - Objet d'art design - Œuvre de collection S22 Supreme a lancé cette poêle en fonte Supreme Lodge de 25 cm (10 pouces), ainsi que plusieurs autres nouveaux accessoires, dans le cadre de sa première livraison printemps/été 2022. Cette poêle en fonte a un diamètre de 26 cm (10,25 pouces) et le logo Supreme est embossé sur le fond. Affiché

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Achetez OBJECT Edition Limitée Designer Art Object Collectible Artwork by Artist ARTIST 2021 Édition limitée de XXX Rare OBJECT Objet Art Taille XXXXXX INFO

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Objet artistique Monsters Boo Berry Cereal par Kaws - Brian Donnelly, édition limitée, pièce de collection d'artiste pop. Céréales pour petit-déjeuner, produit rare, non ouvert, datant de 2022. Objet d'art, format 7,5 x 10 pouces (19 x 25 cm). Ne pas ingérer. « Boo Berry Ghost » de General Mills, style Kaws. Illustration de l'objet céréale Monsters Boo Berry par Kaws L'œuvre d'art « Monsters Boo Berry Cereal Object Art » de Kaws (alias Brian Donnelly) est une pièce de collection en édition limitée qui allie la nostalgie d'une marque à l'esthétique audacieuse et moderne du pop art urbain. Sortie en 2022, cette œuvre unique transforme une boîte de céréales classique en une véritable œuvre d'art, mettant en scène le fantôme emblématique de Boo Berry réinterprété dans le style caractéristique de Kaws. Mesurant 19 x 25,5 cm, cette boîte de céréales non ouverte n'est plus fabriquée et est considérée comme un objet de collection artistique, non destiné à la consommation. Une fusion de nostalgie et d'art contemporain Cette œuvre puise son inspiration dans le riche héritage culturel des céréales Boo Berry, une marque emblématique de General Mills lancée en 1973 au sein de sa gamme de céréales sur le thème des monstres. En intégrant son dessin reconnaissable du fantôme aux yeux en forme de X, Kaws insuffle une nouvelle vie à cette imagerie nostalgique pour un public contemporain. L'emballage coloré conserve les éléments classiques de l'identité visuelle de Boo Berry tout en y ajoutant la touche artistique singulière de Kaws, fusionnant harmonieusement design commercial et beaux-arts. Cette juxtaposition du ludique et du sophistiqué est une marque de fabrique du travail de Kaws, rendant cette pièce à la fois accessible et très recherchée par les collectionneurs. La vision de Kaws Brian Donnelly, alias Kaws, est un artiste de renommée internationale, reconnu pour son travail à la croisée du street art, du pop art et du graffiti. Sa carrière a débuté dans le graffiti avant de s'étendre aux beaux-arts, à la mode et au design. Kaws est réputé pour sa capacité à transformer des objets et des personnages du quotidien en œuvres d'art audacieuses. Son style caractéristique, avec ses yeux en forme de X et ses formes inspirées des dessins animés, critique la société de consommation tout en célébrant son langage visuel. L'œuvre « Monsters Boo Berry Cereal Object Art » illustre parfaitement cette dualité, métamorphosant un produit de grande consommation en une pièce de collection en édition limitée qui repousse les limites de l'art. Un objet de collection rare Cette boîte de céréales scellée de 2022 est une pièce de collection rare et recherchée. Désormais introuvable, elle représente une fusion unique entre emballage alimentaire et art contemporain, ce qui en fait un ajout idéal à toute collection de street art ou d'objets liés à Kaws. Bien qu'étant une œuvre d'art, la boîte porte un avertissement clair indiquant qu'elle n'est pas destinée à la consommation, soulignant ainsi son rôle d'artefact visuel et conceptuel plutôt que de produit de consommation. Son format compact permet une présentation polyvalente : sur une étagère, dans une vitrine ou au sein d'une collection d'art. L'œuvre « Monsters Boo Berry Cereal Object Art » de Kaws illustre l'approche novatrice de l'artiste qui réinvente les objets du quotidien en œuvres d'art. En associant la nostalgie de la culture de consommation à l'esthétique du street art, cette pièce de collection transforme une simple boîte de céréales en une œuvre marquante, incarnant l'esprit créatif de Kaws et sa contribution à l'art contemporain.

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Objet d'art numérique doré par Ben Baller, œuvre d'art de collection en édition limitée d'un artiste pop designer. Balance numérique Golden Gram, édition limitée rare 2022, objet d'art neuf dans sa boîte. Fusion artistique des objets du quotidien : la balance numérique dorée de Ben Baller Dans l'univers dynamique du street art et du graffiti, l'interaction entre forme et fonction prend une tournure fascinante avec la balance numérique dorée de Ben Baller. Cette pièce de collection en édition limitée 2022 confère à un objet du quotidien l'éclat d'une œuvre d'art majeure, transformant le banal en sublime. Ben Baller, connu pour ses créations avant-gardistes qui mêlent élite et culture urbaine, remet une fois de plus en question les conventions avec cette balance dorée. Au premier abord, la balance numérique dorée est un emblème de luxe : un objet fonctionnel enveloppé dans la splendeur de l'or, un métal qui captive l'imagination humaine depuis des millénaires. Mais pour un œil averti, c'est une toile où l'esprit rebelle du street art rencontre la précision de la technologie numérique. Elle représente un mélange harmonieux de culture pop contemporaine et de l'attrait intemporel de l'or, ce qui en fait une pièce convoitée par les collectionneurs et les amateurs d'art. Cet objet d'art rare reflète la philosophie de Ben Baller : chaque création est un sujet de conversation. Le « B » audacieux n’est pas qu’un logo ; c’est une affirmation d’identité et la signature de l’artiste. Ses dimensions témoignent de l’idée que, entre nos mains, les objets du quotidien peuvent devenir des témoignages de notre personnalité. Balance numérique en or : une synthèse d'art, de précision et de philosophie La balance numérique dorée de Baller est bien plus qu'un simple instrument de mesure ; c'est une métaphore de l'équilibre dans la quête d'une vie épanouie. La précision de la balance – un outil de mesure – contraste avec la valeur intrinsèque et fluctuante de l'or, créant une dualité qui illustre l'équilibre entre praticité et luxe. Cette dualité est au cœur du Street Pop Art, qui explore souvent les contrastes et les contradictions, les présentant d'une manière à la fois stimulante et visuellement captivante. Le design de la balance renferme un récit à la fois personnel et universel. Son art réside dans son attrait esthétique et sa capacité à susciter une réflexion plus profonde sur la valeur – qu'elle soit matérielle ou matérielle. Elle incite l'utilisateur à s'interroger sur ce que nous mesurons et pourquoi, l'encourageant à réévaluer ce qui lui est précieux. Dans le domaine du graffiti, la balance devient un symbole de l'interaction de l'artiste avec le monde – un outil pour quantifier, questionner et perturber. Elle est une représentation physique de l'influence de l'artiste, mesurant l'impact de l'art sur la société. La balance numérique en or est ancrée dans le présent en tant que pièce en édition limitée, mais ses implications sont intemporelles. Objet de collection sous forme de balance numérique dorée L'attrait des objets d'art de collection réside souvent dans l'histoire qu'ils racontent et l'émotion qu'ils suscitent. Avec la balance numérique dorée de Baller, ce récit est riche et complexe. Pièce en édition limitée, elle évoque l'exclusivité et le désir humain inné de posséder un objet unique. Mais elle témoigne aussi d'innovation, d'une audace à réinventer la notion même d'objet de collection. Dans le contexte du Street Pop Art, cette balance est révolutionnaire. Elle s'affranchit de la toile traditionnelle, embrassant la technologie et les objets du quotidien comme vecteurs d'expression artistique. Elle nous invite à porter un regard neuf sur nos outils quotidiens, à reconnaître le potentiel de beauté et de sens présent dans chaque aspect de la vie. Le caractère précieux de cette pièce est renforcé par sa nouveauté, son état impeccable préservé dans un coffret. Cet écrin protège l'œuvre et contribue à son aura de mystère, aux histoires inédites qui attendent d'être dévoilées une fois le sceau brisé et la balance utilisée. En conclusion, la balance numérique dorée de Ben Baller fait le lien entre l'art, la technologie et l'expression personnelle. Elle illustre parfaitement l'évolution constante du street art et du graffiti, repoussant les limites de l'expression artistique. Cette œuvre, véritable artefact moderne, témoigne de l'ère de la précision numérique alliée à la quête artistique intemporelle. Objet de collection, elle interroge la valeur de l'innovation et l'équilibre du plaisir esthétique, nous invitant à trouver le juste milieu entre art et vie.

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Blue Dumpster HPM Édition Limitée Peinte à la Main Métal Moulé Sous Pression Jouet de Collection Art Graffiti Œuvre d'Art de Rue Amuse126. Mini bennes à ordures HPM personnalisées, 4x4, édition limitée signée 2021 à 26 exemplaires Série Street Dumpster 1, métal moulé sous pression, inscription AM « Throw Up Bubble », peinte à la main, finitions HPM, édition limitée à 26 exemplaires, signée 2021

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La Blob Bat, une sculpture de batte de baseball en érable en édition limitée, œuvre d'art réalisée par Efdot, artiste de rue spécialisé dans le graffiti moderne. La batte Blob d'Efdot arbore son motif Blob emblématique, à la fois abstrait et figuratif, qui enveloppe le fût noir brillant de la batte en bois. Le logo Efdot et le monogramme Ef. sont apposés sur la surface, au-dessus du manche. La première batte Blob est apparue sur la carte Mike Trout de la collection Topps Project 2020 d'Efdot. Seulement 10 exemplaires de cette édition spéciale Blob Bats noire et or seront produits pour le jour d'ouverture de la saison MLB 2021. Caractéristiques : Longueur : 84 cm (33 pouces), fût large et manche de taille moyenne. Matériau : Érable D-318. En collaboration avec Dinger Bats. (Ballon de baseball non inclus). Expédié par Efdot Studio à Brooklyn, New York.

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HYPE Box Limited Boîte en bois sérigraphiée à la main, sculpture technique mixte, œuvre d'art de l'artiste de rue graffiti et artiste pop moderne Skewville. Édition très limitée, faite main et signée, 2021

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