Objets d'art

Tapis Death Adder, édition limitée, objet d'art de créateur, œuvre d'art de collection par les artistes punk Mishka NYC - МИШКА. Tapis Death Adder 33x35, objet d'art en édition limitée 2021 par Mishka NYC- МИШКА. Tapis Death Adder : un point de rencontre entre l'art punk et la décoration intérieure En 2021, la marque emblématique de streetwear Mishka NYC, également connue sous le nom de МИШКА, a étendu son influence artistique au domaine de la décoration intérieure avec la sortie du tapis Death Adder. Cet objet d'art en édition limitée mesure 84 x 89 cm et arbore le motif Death Adder, emblème de la marque et symbole de son esprit audacieux et rebelle. Confectionné avec un souci du détail exceptionnel, ce tapis est à la fois un élément de décoration pratique et une pièce de collection inspirée de l'art punk. Mishka NYC : Brouiller les frontières entre mode et art fonctionnel Mishka NYC est depuis longtemps reconnue pour sa contribution au streetwear, fusionnant avec brio l'esthétique punk rock, le graffiti et le pop art urbain. Avec la création du tapis Death Adder, la marque franchit une nouvelle étape, transformant son langage graphique distinctif en un véritable objet d'art. Les bords cousus du tapis garantissent sa durabilité, tandis que sa texture douce et moelleuse offre une dimension tactile qui contraste avec son design visuel audacieux. Cette incursion dans la décoration intérieure témoigne de l'engagement de Mishka NYC à repousser les limites de l'art et du design traditionnels. En métamorphosant un objet utilitaire en un support d'expression, le tapis Death Adder bouscule les conventions artistiques, insufflant l'esprit punk dans nos espaces de vie. Le tapis Death Adder : un symbole de sous-culture dans la décoration intérieure Le tapis Death Adder incarne l'esprit du street art et du graffiti, traduisant l'énergie brute de la rue en une forme à la fois accessible et fonctionnelle. Véritable pièce maîtresse, il s'intègre parfaitement à n'importe quelle pièce, bureau ou même repaire, comme le suggère la marque avec humour. C'est ici que la nature rebelle et souvent underground de l'art punk trouve sa place dans un environnement plus domestique, offrant une juxtaposition saisissante et intrigante. La capacité de Mishka NYC à créer des objets d'art qui conservent leur crédibilité subculturelle tout en s'intégrant à la décoration grand public souligne l'évolution de l'art punk et sa place dans la culture contemporaine. Le tapis Death Adder, par essence, célèbre cette évolution, témoignant de l'influence durable de l'esthétique punk et de la versatilité du street art. Le tapis Death Adder de Mishka NYC représente l'expansion continue du street art vers de nouveaux horizons. Ce tapis illustre comment l'art peut transcender les supports traditionnels, offrant de nouvelles façons d'appréhender les messages rebelles et stimulants qui caractérisent l'art punk. Véritable œuvre d'art de collection, il occupe une place de choix parmi les fans et les collectionneurs, symbole de l'héritage durable de Mishka NYC dans le monde de l'art et du design.

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HYPE Box Limited Boîte en bois sérigraphiée à la main, sculpture technique mixte, œuvre d'art de l'artiste de rue graffiti et artiste pop moderne Skewville. Édition très limitée, faite main et signée, 2021

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Sket-One Sharpie à pointe biseautée, édition limitée, objet d'art de collection créé par l'artiste Sket-One. Marqueur unique 2022

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Ornement découpé en forme de squelette - Œuvre d'art pop street verte, impression giclée en édition limitée sur objet en papier articulé par l'artiste moderne de graffiti urbain KAWS. Crâne KAWS articulé imprimé 2021, 20x40, neuf dans son emballage d'origine Ornement découpé en squelette - Œuvre d'art pop art et graffiti de Green Street Le street pop art, évolution du pop art traditionnel, fusionne l'imagerie emblématique de la culture populaire avec la nature brute et authentique du street art. Cette fusion se caractérise par son accessibilité, tant au niveau de son langage visuel que de son implantation dans l'espace public. Le graffiti, traditionnellement perçu comme une forme de vandalisme, est désormais reconnu comme un art à part entière, porteur de messages sociaux et politiques forts. Des artistes comme KAWS ont joué un rôle essentiel dans cette transformation, faisant le lien entre le monde des beaux-arts et l'esprit rebelle du graffiti urbain. L'œuvre, décrite comme une « Découpe de squelette en bois – Art urbain pop vert », représente un mélange unique d'esthétique du graffiti urbain et de thèmes pop art contemporains. Le motif du squelette est un élément récurrent du street art, symbolisant une confrontation directe et sans détour avec les thèmes de la mortalité et de la condition humaine. L'utilisation du vert, couleur souvent associée à la vitalité et à l'énergie, juxtaposée à l'image du squelette, crée un contraste saisissant, caractéristique de l'approche narrative visuelle du street pop art. Objets en papier articulés dans l'art urbain moderne Les objets en papier articulé ont une longue histoire dans l'art populaire et trouvent une nouvelle expression dans le street art contemporain. Les artistes exploitent la souplesse du papier pour créer des œuvres mobiles, souvent interactives, capables d'imiter les mouvements du corps humain ou d'autres figures. Dans cette « Ornement découpé en carton représentant un squelette », la conception articulée permet à chaque partie du squelette de bouger indépendamment, conférant ainsi une dimension dynamique à l'image statique. Cette interactivité invite le spectateur à interagir physiquement avec l'œuvre, une caractéristique profondément ancrée dans l'esprit inclusif du street art. Ces œuvres sont souvent proposées en édition limitée sous forme de tirages giclée, une impression jet d'encre de haute qualité qui restitue fidèlement les couleurs et les détails de l'original. Ce procédé de reproduction permet une large diffusion de l'œuvre de l'artiste, la rendant accessible à un public plus vaste. La mention d'une « édition limitée de tirage giclée » indique qu'il s'agit d'une œuvre d'art visuel et d'un objet de collection. KAWS et l'héritage du pop art urbain KAWS, de son vrai nom Brian Donnelly, est devenu une figure emblématique du mouvement pop art urbain. Son œuvre est reconnue pour ses couleurs vives, ses personnages dynamiques et son appropriation d'icônes de la culture populaire. L'œuvre en question s'inscrit parfaitement dans son univers, qui intègre souvent le motif du crâne ou des tibias croisés, associé à des éléments ludiques. La capacité de KAWS à fusionner beaux-arts, art urbain et imagerie commerciale a fait de lui une figure incontournable de l'art contemporain. L'intitulé « 2021 Printed Moveable KAWS Skull 20x40 » fait probablement référence aux dimensions de l'œuvre, suggérant une taille imposante qui en fait une pièce marquante. L'année 2021 pourrait indiquer la date de création, situant cette œuvre dans la phase récente de la carrière de KAWS, marquée par un intérêt constant pour l'exploration de la mortalité et du souvenir à travers ses figures. Le passage à la tridimensionnalité est une évolution naturelle du pop art et de l'art urbain. Des murs couverts de graffitis des ruelles urbaines aux galeries d'art contemporain, le parcours de l'art urbain a été une véritable transformation. La possibilité de passer de surfaces bidimensionnelles à des objets en papier mobiles permet à des artistes de rue comme KAWS d'élargir leur expression créative et de remettre en question les frontières traditionnelles de l'art.

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Tapis Spectrum Keep Watch, édition limitée, objet d'art design, œuvre de collection par les artistes punk Mishka NYC - МИШКА. Tapis Spectrum Keep Watch 35x35, édition limitée 2021, objet d'art par Mishka NYC - МИШКА. Légèrement utilisé, en excellent état. Tapis Spectrum Keep Watch de Mishka NYC Dans le paysage du design contemporain où l'esprit punk rencontre le confort douillet, le tapis Spectrum Keep Watch de Mishka NYC affirme une position audacieuse. Lancé en édition limitée en 2021, cet objet d'art fusionne fonctionnalité et art d'inspiration punk, insufflant une touche vibrante de pop art urbain dans les espaces privés. Un ajout dynamique à l'arsenal artistique de Mishka NYC Le tapis Spectrum Keep Watch de Mishka NYC témoigne de l'engagement de la marque envers un art qui transcende la mode conventionnelle. Mesurant 89 x 89 cm, ce tapis arbore le motif iconique de l'œil « Keep Watch », réinterprété dans un spectre de couleurs vives qui rayonnent vers l'extérieur. Plus qu'un simple tapis fonctionnel, c'est une véritable œuvre d'art qui incarne l'esprit des origines street art de Mishka. Sa confection soignée, avec ses bords cousus, garantit sa durabilité, tandis que sa texture douce et moelleuse invite au toucher, offrant une expérience interactive souvent absente des œuvres d'art traditionnelles. Il en résulte une pièce de collection non seulement visuellement captivante, mais aussi conçue pour résister à l'épreuve du temps et de l'usage. Intégrer le street art dans la vie quotidienne L'œil Keep Watch est un symbole récurrent dans l'univers visuel de Mishka NYC, représentant un regard vigilant omniprésent dans l'histoire de la marque. Avec le tapis Spectrum Keep Watch, ce symbole se métamorphose en un spectacle aux couleurs de l'arc-en-ciel, incarnant le dynamisme et la diversité inhérents au pop art urbain et au graffiti. C'est une pièce qui attire le regard, qu'elle soit placée dans un salon, un bureau ou même un « donjon », comme le suggère la marque avec humour. En mêlant la dimension subversive du graffiti aux jeux de couleurs du pop art, Mishka NYC transforme le simple tapis en une expression de l'individualité. C'est affirmer que l'art ne se limite pas aux murs ou aux galeries, mais fait partie intégrante de notre quotidien. Le tapis Spectrum Keep Watch de Mishka NYC illustre comment l'art punk continue d'influencer et d'imprégner divers aspects de la culture de consommation, de la mode à la décoration intérieure. Il célèbre les racines de la marque dans les rues de New York et son évolution en une force artistique aux multiples facettes. Pièce en édition limitée, elle apporte non seulement une valeur esthétique à n'importe quel espace, mais constitue également une œuvre d'art de collection qui capture l'esprit de l'art inspiré par la rue.

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Blue Dumpster HPM Édition Limitée Peinte à la Main Métal Moulé Sous Pression Jouet de Collection Art Graffiti Œuvre d'Art de Rue Amuse126. Mini bennes à ordures HPM personnalisées, 4x4, édition limitée signée 2021 à 26 exemplaires Série Street Dumpster 1, métal moulé sous pression, inscription AM « Throw Up Bubble », peinte à la main, finitions HPM, édition limitée à 26 exemplaires, signée 2021

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Ballon de football ABC Camo Ball Limited Edition Exclusive Real Soccerball Sports Art Collectible Artwork by street graffer artiste Bape- A Bathing Ape. Ballon de football camouflage ABC 2021, objet d'art par Bape - A Bathing Ape, neuf dans sa boîte

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Achetez OBJECT Edition Limitée Designer Collectible Pop Artist Artwork. 2021 Édition limitée de XXX Rare OBJECT Objet Art Taille XXXXXX INFO

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Plateau Super Sport Camaro Supreme, édition limitée, assiette de collection en porcelaine et verre d'art, œuvre d'art de l'artiste de rue OG Lady Pink. Plateau Lady Pink/Supreme 2021 - Camaro Super Sport - Boutique - Supreme. Plateau en porcelaine avec motif imprimé et logo imprimé au dos. 15 x 18 cm

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MBDTF Ours - Collier Roi Horus Peluche Édition Limitée Objet d'Art de Collection Œuvre d'Artiste Greedee Arts Ours King Horus de 45,7 cm (18 pouces), MBDTF, 2022, jouant la version GarageBand de « Runaway Piano » popularisée par Kanye West. Neuf, sans emballage de vente au détail. Décryptage du symbolisme et de l'impact culturel de l'ours MBDTF L'ours MBDTF, une peluche design en édition limitée, est porteur d'une forte charge culturelle, notamment dans le domaine du street art et du graffiti. Créée par l'artiste Greedee Arts, cette pièce de 45 cm de haut est bien plus qu'un simple objet d'art statique : c'est une expérience multimédia immersive qui diffuse une version GarageBand de la mélodie de piano du célèbre morceau « Runaway » de Kanye West. Greedee Arts a choisi de ne pas commercialiser l'œuvre dans son emballage d'origine, ce qui renforce son authenticité et sa valeur de collection. Fusion artistique dans le pop art urbain Par essence, le street art est un amalgame d'éléments culturels populaires et savants, intégrant souvent les médias de masse, l'iconographie et des messages percutants dans des œuvres accessibles au plus grand nombre. L'ours MBDTF témoigne de cette fusion, puisant dans le lexique visuel du hip-hop, un genre qui a transcendé la musique pour influencer la mode, le langage et le mode de vie. Greedee Arts a exploré cette veine culturelle, créant un objet à la fois hommage et témoignage tangible d'un récit plus vaste auquel les passionnés de musique et d'art s'identifient. Le collier du roi Horus qui orne la peluche n'est pas un simple accessoire, mais un symbole riche d'iconographie. Horus, divinité de l'Égypte antique, était souvent représenté comme un faucon associé au pouvoir, à la victoire et au ciel. Ici, le collier est un point d'ancrage visuel qui relie l'ours aux thèmes de la royauté, de la persévérance et du divin – des éléments fréquemment explorés dans l'œuvre de Kanye West et, plus largement, dans la culture hip-hop. Narration et présence de l'art graffiti L'art du graffiti a longtemps été le miroir de la société, reflétant ses problèmes, ses sentiments et les courants sous-jacents de la rue. Dynamique, souvent non autorisé, il s'exprime toujours dans un langage visuel où le message compte autant que l'esthétique. L'Ours MBDTF, bien que n'étant pas une œuvre de graffiti traditionnelle, incarne cet esprit par son statut d'objet d'art. Il est conçu pour être vu, pour susciter la réflexion et pour contribuer au dialogue permanent entre la culture urbaine et la culture dominante. Le choix de Greedee Arts de contourner les circuits de distribution traditionnels témoigne de sa volonté de préserver l'œuvre de toute commercialisation, une valeur fondamentale de la culture graffiti. Cette stratégie garantit que l'Ours MBDTF demeure une pièce de collection exclusive, un trésor pour les passionnés de culture urbaine et d'art. L'Ours MBDTF n'est pas seulement un objet de collection, mais une œuvre de commentaire culturel qui capture l'essence du pop art urbain et du graffiti. Il est un point de rencontre entre la passion, l'art et le commentaire culturel. Greedee Arts a su capturer un instant, un esprit du temps, reliant la musique influente de Kanye West à l'univers tactile des collectionneurs et amateurs d'art. Grâce à sa musique intégrée et à son collier emblématique, cette peluche offre un point de contact tangible avec le monde évocateur et souvent fugace du street art. Dans la lignée des objets de collection, des pièces comme l'Ours MBDTF jouent un rôle crucial. Elles perpétuent la tradition du street art sur de nouveaux supports et marchés, assurant ainsi la continuité du dialogue entre l'artiste et le public à travers des formes évolutives. En embrassant l'esprit du street art et de la culture pop, Greedee Arts a créé bien plus qu'un simple objet : un véritable artefact culturel en résonance avec l'art et la musique contemporains. Ces œuvres constituent des instantanés essentiels du paysage culturel, préservant la vitalité et l'expression du street art pour les générations futures, qui pourront ainsi l'étudier, l'apprécier et s'en inspirer.

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Diffuseur Vénus, sculpture en plâtre blanc de Takeru Amano, édition limitée, œuvre d'art pop, artiste de rue, beaux-arts. Édition limitée 2021 à 500 exemplaires. Sculpture/statue. Dimensions : 3 x 7 x 2 pouces. Diffuseur Venus de Takeru Amano – Minimalisme sculptural dans l'art urbain pop et graffiti La sculpture en plâtre blanc « Vénus Diffuseur » de l'artiste japonais Takeru Amano, éditée à 500 exemplaires en 2021, fusionne l'iconographie classique et le minimalisme épuré du street art et du graffiti contemporains. Mesurant 7,6 x 17,8 x 5,1 cm, cette sculpture de petit format est réalisée en plâtre blanc mat et présente la silhouette féminine stylisée emblématique d'Amano, enchâssée dans un bloc angulaire. La figure s'inspire des représentations classiques de Vénus, déesse de l'amour et de la beauté, mais est réinterprétée à travers le prisme de la simplification et du raffinement culturel propres à Amano. Les traits simplifiés du visage, la chevelure fluide et les courbes douces sont enveloppés d'un motif de pierre irrégulière évoquant l'émergence, la tension et la transformation. À la fois sculpture et diffuseur de parfum, elle unit la sensualité de la matière à l'atmosphère invisible qu'elle diffuse. Takeru Amano et la transformation de Vénus dans l'esthétique contemporaine Né à Tokyo en 1977, Takeru Amano est reconnu pour son art de fusionner l'élégance sobre de la tradition japonaise avec le langage graphique audacieux de la culture pop contemporaine. Sa réinterprétation de Vénus s'attache moins à la mythologie qu'à l'iconographie : dépouillée de toute narration explicite, elle n'en est pas moins riche de sens. Le Diffuseur Vénus revisite la sculpture classique à travers un prisme respectueux de la symétrie et de la sérénité, tout en privilégiant l'abstraction et la neutralité émotionnelle. À l'opposé des gestes expressifs des représentations historiques, la Vénus d'Amano est calme, introspective et silencieuse. Cette retenue inscrit l'œuvre dans le nouveau contexte du Street Pop Art et du Graffiti, où les objets ne sont plus seulement décoratifs ou monumentaux, mais porteurs de sens, contextuels et d'une exécution minimaliste. Matière, forme et intimité de l'échelle Façonné en plâtre blanc, le diffuseur Venus arbore une surface mate qui sublime sa pureté tactile et visuelle. Ce matériau reflète le goût d'Amano pour une absence totale d'interférences chromatiques, laissant ainsi la forme elle-même dominer le regard. Les dimensions modestes de la sculpture renforcent son impact : elle n'est pas conçue pour intimider, mais pour inviter à la proximité et à la contemplation. La rupture visuelle créée par la géométrie irrégulière de la base et des côtés contraste avec les courbes fluides de la figure, suggérant une métaphore de la beauté révélée par la contrainte. Signée et produite en édition limitée à 500 exemplaires, cette pièce de collection fait le lien entre sculpture et intimité domestique, illustrant comment le street art et le graffiti s'affranchissent désormais des murs et des toiles pour investir nos espaces de vie. Sculpture pop urbaine en tant qu'objet et aura Le diffuseur Venus est à la fois esthétique et fonctionnel, conçu pour contenir et diffuser un parfum dans le cadre d'une collaboration avec le projet Either Scent of Art. Cette fusion entre art et utilité confirme l'évolution du Street Pop Art et du graffiti vers une expérience sensorielle unique. En transformant Vénus en un objet multidimensionnel – à la fois déesse, design et élément d'ambiance –, Amano démontre comment le pop art a transcendé la simple reproduction pour atteindre des formes évoquant la permanence, le rituel et la contemplation. Son emballage signature et griffé élève l'œuvre au rang d'objet de collection d'art contemporain, tout en préservant son accessibilité symbolique et sa taille idéale. Le diffuseur Venus de Takeru Amano incarne l'élégance moderne à l'état pur, où mythologie, sculpture et parfum convergent en un objet à la fois poétique et précis.

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Lampman, sculpture lumineuse, objet d'art de Joan Cornellà, édition limitée, pièce de collection d'artiste pop. Édition limitée 2024 à 300 exemplaires. Lampe sculpturale rare alimentée par piles. Dimensions : 6 x 9,8 cm. Explorer le monde fascinant des objets du pop art L'univers du Pop Art a toujours suscité l'intrigue et la fascination, avec des objets qui brouillent souvent les frontières entre expression artistique et utilité quotidienne. Parmi ces pièces captivantes, on trouve la lampe-sculpture « Lampman », un objet d'art conçu par le célèbre artiste espagnol Joan Cornellà. Cette pièce de collection en édition limitée allie la fonctionnalité d'une lampe au plaisir esthétique d'une sculpture, créant ainsi un objet à la fois pratique et d'une fantaisie surréaliste. L'art satirique unique de Joan Cornellà L'œuvre de Joan Cornellà est reconnue pour sa représentation colorée et souvent troublante des interactions sociales contemporaines, rendue dans son style inimitable, à la fois net et joyeux. « Lampman » poursuit cette exploration thématique, capturant l'absurdité et l'étrangeté de l'existence moderne. Sortie en 2024, cette œuvre d'art rare est une édition limitée à seulement 300 exemplaires, ce qui en fait une pièce recherchée par les collectionneurs et les admirateurs de Cornellà. Mesurant 15 x 25 cm, il s'agit d'une lampe-sculpture compacte, alimentée par piles, conçue pour s'intégrer dans divers espaces, de l'intimité d'un bureau à l'espace plus public d'une galerie. « Lampman » n'est pas qu'une simple lampe ; c'est une œuvre engagée, qui invite le spectateur à repenser les frontières entre art et design, forme et fonction, divertissement et critique. À travers ce travail, Cornellà continue de repousser les limites du Street Pop Art et du graffiti, explorant comment ces formes peuvent s'étendre au-delà des toiles et des murs traditionnels pour devenir des objets tridimensionnels qui habitent nos espaces quotidiens. Le « Lampiste » : une fusion entre l'art et la vie quotidienne La sculpture-lampe « Lampman » témoigne du talent exceptionnel de Joan Cornellà pour métamorphoser le banal en extraordinaire. Ses couleurs vives et son design audacieux font écho à l'esprit du Pop Art et du graffiti, où les objets du quotidien deviennent le support de l'expression créative. La lampe, caractérisée par sa silhouette singulière, la tête ornée d'un abat-jour et arborant un sourire serein, invite à la réflexion sur le jeu entre la lumière qu'elle diffuse et son expression ombrée. Cette œuvre symbolise un mouvement où l'art ne se limite plus aux murs des galeries ni aux façades des bâtiments, mais s'intègre aux objets de notre quotidien. « Lampman » de Cornellà fait office de pont, faisant entrer l'art dans nos espaces de vie et permettant un contact intime et constant avec la créativité. Le caractère à la fois ludique et provocateur de l'œuvre incarne l'essence même du Pop Art. Cette forme d'art est accessible, universelle et profondément ancrée dans la culture contemporaine. Le caractère de collection des créations de Cornellà Le caractère de collection de la sculpture lumineuse « Lampman » de Joan Cornellà témoigne de la convergence entre le marché de l'art et la satisfaction personnelle de posséder une œuvre d'art à la fois fonctionnelle et précieuse. L'édition limitée à 300 exemplaires confère à cette pièce un caractère exclusif et recherché auprès des collectionneurs et amateurs d'art. Artiste contemporain, Cornellà comprend parfaitement l'importance de créer une œuvre qui résonne à plusieurs niveaux : objet de plaisir esthétique, objet fonctionnel et pièce de collection de valeur. Avec « Lampman », Cornellà démontre une fois de plus son savoir-faire, capable de concrétiser l'imagination de l'artiste. Cette sculpture lumineuse n'est pas seulement un objet à contempler, mais à vivre ; sa lumière symbolise l'illumination que l'art apporte à nos vies. Figure active et influente du monde de l'art, Joan Cornellà continue d'explorer et d'élargir les possibilités du Street Pop Art et du graffiti, créant des œuvres à la fois familières et provocatrices, pratiques et exceptionnelles.

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Achetez 17,8 cm TMNT Vandul- Green #4 en édition limitée en vinyle Art Toy à collectionner par l'artiste de graffiti de rue Vandul. 7" TMNT Vert VANDUL Ed de 5 - Imprimé en 3D Fabriqué à la main 2022

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Jeu de dominos dorés, objet d'art créé par Ben Baller, une œuvre d'art pop de collection en édition limitée. Édition limitée 2022 à 2000 exemplaires, jeu de dominos dorés rare, coffret et objet d'art neufs. Réinventer le jeu : le jeu de dominos dorés de Ben Baller comme œuvre d'art. Le jeu de dominos en or de Ben Baller incarne la fusion du luxe et du jeu. Cette édition limitée réinvente le jeu traditionnel à travers le prisme de l'art pop. Seuls 2 000 exemplaires de cette collection rare ont été créés en 2022, chacun témoignant de l'esprit novateur des mouvements artistiques contemporains. Le coffret, véritable œuvre d'art au même titre que les dominos eux-mêmes, arbore le message percutant « THIS IS NOT YOUR PRACTICE LIFE », faisant écho à l'esprit du Street Pop Art et du graffiti. La transformation d'un jeu classique en objet de collection design reflète la tendance du Street Pop Art à sublimer le quotidien. En intégrant l'or – matériau qui a historiquement symbolisé la richesse et le pouvoir – dans un contexte ludique, Ben Baller invite à une réflexion sur la juxtaposition de la valeur et du divertissement. Ces dominos ne sont pas de simples pièces de jeu, mais de véritables œuvres d'art, chacun offrant d'innombrables combinaisons et possibilités, à l'image de la liberté créative du graffiti. Ce jeu de dominos transcende sa fonction ludique pour entrer dans le domaine de l'art interactif. Conçu pour captiver, il favorise les échanges et offre une expérience tactile enrichissante, tant par son esthétique que par son utilisation. Le coffret doré, neuf, dégage une impression d'exclusivité et suscite l'attente d'un objet encore inconnu. Golden Play : Le jeu de dominos comme symbole de la culture du street art Dans la culture du street art et du graffiti, les symboles et les icônes sont souvent détournés pour remettre en question les perceptions et critiquer les normes sociales. Le jeu de dominos dorés de Ben Baller symbolise la rencontre entre l'art savant et la culture populaire, où le jeu se trouve sublimé dans un objet luxueux. Le jeu devient une toile, reflétant la vision de l'artiste et l'esprit ludique du street art. Il fait également écho à la dimension communautaire du street art : à l'instar des fresques et des tags qui s'intègrent au tissu social du quartier, ce jeu de dominos favorise la convivialité et le partage. Jouer aux dominos est un langage universel, unissant les cultures et les générations, à l'image du street art qui touche un public diversifié. Le logo « BB », signature de la marque Ben Baller, appose sa signature sur cette expérience collective, inscrivant chaque partie dans un récit plus vaste. De plus, ce jeu s'inscrit dans la lignée de l'exploration du consumérisme et de la marchandisation des loisirs propre au mouvement pop art. Il interroge les frontières entre art et objet, entre œuvre d'art et article du quotidien. Ainsi, le jeu de dominos dorés n'est pas qu'un simple objet de jeu, mais témoigne de l'importance culturelle des jeux et de leur rôle dans nos vies. Investissement artistique : Collectionner le jeu de dominos dorés Pour les collectionneurs, le charme du jeu de dominos dorés de Ben Baller réside dans sa double identité : à la fois jeu fonctionnel et œuvre d'art en édition limitée. En tant qu'investissement, il représente la convergence de l'expression artistique et du prestige culturel du design de collection. Ce jeu est emblématique d'une tendance artistique où les frontières entre objets utilitaires et œuvres d'art ne sont pas seulement floues, mais délibérément imbriquées. Son édition limitée à seulement 2 000 exemplaires renforce son statut sur le marché de l'art et des objets de collection. Il devient une pièce recherchée pour sa beauté, son savoir-faire, sa rareté et son potentiel d'appréciation. En tant qu'objet de collection, il raconte une histoire, reflète la vision de l'artiste et immortalise un moment où art et jeu s'harmonisent à la perfection. Le jeu de dominos dorés de Ben Baller est un artefact culturel à la croisée du pop art urbain, du graffiti et du design de luxe. C'est une célébration de l'esprit ludique qui imprègne une grande partie du pop art, une interprétation raffinée d'un jeu intemporel et un hommage à la joie collective des expériences partagées. Ce jeu n'est pas qu'une simple collection de dominos dorés ; c'est un recueil d'art, de jeu et du message universel que la vie, avec tous ses jeux et ses aléas, n'est pas une répétition, mais une scène où s'épanouissent splendeur et spectacle.

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Achetez OBJECT Edition Limitée Designer Art Object Collectible Artwork by Artist ARTIST 2021 Édition limitée de XXX Rare OBJECT Objet Art Taille XXXXXX INFO

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Plateau en céramique Akira Syringe, objet d'art de la collection Supreme Limited Edition. Plateau/assiette en céramique Supreme, édition limitée estampillée 2017, dimensions 11,25 x 4,25 pouces, objet d'art de collection. Plateau en céramique Supreme AKIRA pour seringues : un classique culte revisité en porcelaine Le plateau en céramique Supreme AKIRA Seringue est un véritable objet culturel, fusionnant l'énergie brute du pop art urbain et la précision des illustrations manga. Sortie très attendue dans le cadre de la collection Automne/Hiver 2017, cette édition limitée incarne l'esprit avant-gardiste de la marque Supreme tout en rendant hommage au manga japonais culte AKIRA. Façonné avec précision, ce plateau en céramique blanche témoigne de l'influence durable de la série et de l'ingénieuse adaptabilité de l'esthétique streetwear de Supreme. Mesurant 28,6 cm sur 10,8 cm, le plateau est une toile qui donne vie à l'univers noir et blanc saisissant du néo-Tokyo d'AKIRA. Il présente une scène intense, directement tirée du manga, où Kaneda et Tetsuo, dans un moment de tension extrême, reçoivent une injection. Cette scène est un moment charnière de la série AKIRA et un aperçu de la narration complexe et pleine d'action qui captive les fans depuis des décennies. L'art de la céramique rencontre la narration graphique emblématique La synergie entre l'identité visuelle de Supreme et le graphisme d'AKIRA sur le plateau en céramique Supreme AKIRA Syringe illustre parfaitement comment le pop art urbain peut fusionner avec d'autres médias pour créer une œuvre à la fois inédite et familière. L'intégration subtile du nom de Supreme sur la seringue révèle une interaction ingénieuse entre identité de marque et imagerie narrative. Ce détail, bien que mineur, souligne la nature collaborative de la pièce et symbolise la fusion d'univers que les fans de Supreme et d'AKIRA apprécieront. Sous le plateau se trouve le logo iconique de Supreme, une signature qui atteste de l'authenticité de l'objet et le rattache à la lignée des précédents articles de collection de la marque. Cet emblème, juxtaposé au dessin manga, fait le lien entre l'esprit du temps du streetwear moderne et l'art classique du manga japonais. La présence du logo est un gage de qualité et un symbole qui trouve un écho auprès des collectionneurs conscients de la valeur des éditions limitées de pop art urbain. Impact et valeur de collection du plateau à seringues Supreme AKIRA Le plateau en céramique Supreme AKIRA Syringe est bien plus qu'un simple objet décoratif ; c'est un morceau d'histoire de la pop culture, moulé dans la céramique. Le choix d'immortaliser cette scène de manga sur un plateau de haute qualité témoigne d'une compréhension fine de la mentalité du collectionneur : ce n'est pas seulement l'objet qui a de la valeur, mais la convergence de l'art, du récit et de la marque qui en fait un trésor. En tant que pièce de collection, le plateau attire le regard, devenant un point de convergence qui suscite des discussions sur le street art, ses liens avec d'autres formes d'expression et la nature même des objets de collection contemporains. Dans le street art et le graffiti, des objets comme le plateau Supreme AKIRA Syringe soulignent le potentiel des objets du quotidien à devenir des supports pour la narration et l'expression artistique. La représentation saisissante de Kaneda et Tetsuo est un récit visuel figé dans la porcelaine, conférant au plateau un dynamisme souvent associé à l'immédiateté du street art et à la vitalité transgressive du graffiti. Pourtant, la permanence du matériau céramique et le charme intemporel de l'histoire d'AKIRA élèvent ce plateau au-delà de sa simple fonction, confirmant son statut d'œuvre d'art convoitée. Une fusion de formes artistiques pour le collectionneur contemporain Collectionneurs et amateurs de manga et de streetwear trouveront dans le plateau en céramique Supreme AKIRA l'objet qui incarne l'essence même de ces deux univers. La fusion harmonieuse du style urbain et percutant de Supreme et des visuels saisissants d'AKIRA fait de ce plateau une pièce emblématique pour les collectionneurs. À la fois fonctionnel et pratique, il invite à la contemplation en tant qu'œuvre d'art. Le plateau en céramique Supreme AKIRA témoigne de la puissance de la collaboration entre marques et artistes et reflète l'état actuel du street art et du graffiti : un domaine en constante évolution, toujours surprenant et résolument audacieux.

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J'ai demandé une impression numérique pigmentaire en édition limitée « Scrambled » sur une assiette en céramique, œuvre du célèbre artiste de rue graffeur Luke Chueh. La vengeance est un plat de collection - Né à Philadelphie, mais ayant grandi à Fresno, Luke Chueh (prononcé THU) a étudié le graphisme à l'Université polytechnique d'État de Californie à San Luis Obispo, où il a obtenu une licence en art et design. Il a ensuite travaillé pour la société Ernie Ball en tant que designer/illustrateur interne, créant plusieurs designs primés et figurant dans les annuaires de design de Communication Arts et Print Magazine.

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Achetez OBJECT Edition Limitée Designer Art Object Collectible Artwork by Artist ARTIST 2021 Édition limitée de XXX Rare OBJECT Objet Art Taille XXXXXX INFO

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Tapis Cactus Jack pour Fragment Imagination, édition limitée, objet d'art de collection, œuvre d'art du graffeur de rue Travis Scott. Produit neuf de 2021, jamais exposé

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Dans cet abîme sauvage - Préservatif Paradise Lost, édition limitée, sculpture de préservatif avec trou, œuvre d'art du légendaire artiste de rue de graffiti Pat Riot. Ne pas utiliser dans cet abîme sauvage. Préservatif Paradise Lost, œuvre d'art de Pat Riot.

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Toilettes pour femmes chez Art And Design Supreme Tray, assiette de collection en porcelaine et verre d'art en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de graffiti de rue OG Lady Pink. Plateau Lady Pink/Supreme 2021 - Espace Femmes chez Art & Design - Supreme. Plateau en porcelaine avec motif et logo imprimés au dos. 15 x 18 cm.

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Objet artistique Monsters Boo Berry Cereal par Kaws - Brian Donnelly, édition limitée, pièce de collection d'artiste pop. Céréales pour petit-déjeuner, produit rare, non ouvert, datant de 2022. Objet d'art, format 7,5 x 10 pouces (19 x 25 cm). Ne pas ingérer. « Boo Berry Ghost » de General Mills, style Kaws. Illustration de l'objet céréale Monsters Boo Berry par Kaws L'œuvre d'art « Monsters Boo Berry Cereal Object Art » de Kaws (alias Brian Donnelly) est une pièce de collection en édition limitée qui allie la nostalgie d'une marque à l'esthétique audacieuse et moderne du pop art urbain. Sortie en 2022, cette œuvre unique transforme une boîte de céréales classique en une véritable œuvre d'art, mettant en scène le fantôme emblématique de Boo Berry réinterprété dans le style caractéristique de Kaws. Mesurant 19 x 25,5 cm, cette boîte de céréales non ouverte n'est plus fabriquée et est considérée comme un objet de collection artistique, non destiné à la consommation. Une fusion de nostalgie et d'art contemporain Cette œuvre puise son inspiration dans le riche héritage culturel des céréales Boo Berry, une marque emblématique de General Mills lancée en 1973 au sein de sa gamme de céréales sur le thème des monstres. En intégrant son dessin reconnaissable du fantôme aux yeux en forme de X, Kaws insuffle une nouvelle vie à cette imagerie nostalgique pour un public contemporain. L'emballage coloré conserve les éléments classiques de l'identité visuelle de Boo Berry tout en y ajoutant la touche artistique singulière de Kaws, fusionnant harmonieusement design commercial et beaux-arts. Cette juxtaposition du ludique et du sophistiqué est une marque de fabrique du travail de Kaws, rendant cette pièce à la fois accessible et très recherchée par les collectionneurs. La vision de Kaws Brian Donnelly, alias Kaws, est un artiste de renommée internationale, reconnu pour son travail à la croisée du street art, du pop art et du graffiti. Sa carrière a débuté dans le graffiti avant de s'étendre aux beaux-arts, à la mode et au design. Kaws est réputé pour sa capacité à transformer des objets et des personnages du quotidien en œuvres d'art audacieuses. Son style caractéristique, avec ses yeux en forme de X et ses formes inspirées des dessins animés, critique la société de consommation tout en célébrant son langage visuel. L'œuvre « Monsters Boo Berry Cereal Object Art » illustre parfaitement cette dualité, métamorphosant un produit de grande consommation en une pièce de collection en édition limitée qui repousse les limites de l'art. Un objet de collection rare Cette boîte de céréales scellée de 2022 est une pièce de collection rare et recherchée. Désormais introuvable, elle représente une fusion unique entre emballage alimentaire et art contemporain, ce qui en fait un ajout idéal à toute collection de street art ou d'objets liés à Kaws. Bien qu'étant une œuvre d'art, la boîte porte un avertissement clair indiquant qu'elle n'est pas destinée à la consommation, soulignant ainsi son rôle d'artefact visuel et conceptuel plutôt que de produit de consommation. Son format compact permet une présentation polyvalente : sur une étagère, dans une vitrine ou au sein d'une collection d'art. L'œuvre « Monsters Boo Berry Cereal Object Art » de Kaws illustre l'approche novatrice de l'artiste qui réinvente les objets du quotidien en œuvres d'art. En associant la nostalgie de la culture de consommation à l'esthétique du street art, cette pièce de collection transforme une simple boîte de céréales en une œuvre marquante, incarnant l'esprit créatif de Kaws et sa contribution à l'art contemporain.

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Objet d'art numérique doré par Ben Baller, œuvre d'art de collection en édition limitée d'un artiste pop designer. Balance numérique Golden Gram, édition limitée rare 2022, objet d'art neuf dans sa boîte. Fusion artistique des objets du quotidien : la balance numérique dorée de Ben Baller Dans l'univers dynamique du street art et du graffiti, l'interaction entre forme et fonction prend une tournure fascinante avec la balance numérique dorée de Ben Baller. Cette pièce de collection en édition limitée 2022 confère à un objet du quotidien l'éclat d'une œuvre d'art majeure, transformant le banal en sublime. Ben Baller, connu pour ses créations avant-gardistes qui mêlent élite et culture urbaine, remet une fois de plus en question les conventions avec cette balance dorée. Au premier abord, la balance numérique dorée est un emblème de luxe : un objet fonctionnel enveloppé dans la splendeur de l'or, un métal qui captive l'imagination humaine depuis des millénaires. Mais pour un œil averti, c'est une toile où l'esprit rebelle du street art rencontre la précision de la technologie numérique. Elle représente un mélange harmonieux de culture pop contemporaine et de l'attrait intemporel de l'or, ce qui en fait une pièce convoitée par les collectionneurs et les amateurs d'art. Cet objet d'art rare reflète la philosophie de Ben Baller : chaque création est un sujet de conversation. Le « B » audacieux n’est pas qu’un logo ; c’est une affirmation d’identité et la signature de l’artiste. Ses dimensions témoignent de l’idée que, entre nos mains, les objets du quotidien peuvent devenir des témoignages de notre personnalité. Balance numérique en or : une synthèse d'art, de précision et de philosophie La balance numérique dorée de Baller est bien plus qu'un simple instrument de mesure ; c'est une métaphore de l'équilibre dans la quête d'une vie épanouie. La précision de la balance – un outil de mesure – contraste avec la valeur intrinsèque et fluctuante de l'or, créant une dualité qui illustre l'équilibre entre praticité et luxe. Cette dualité est au cœur du Street Pop Art, qui explore souvent les contrastes et les contradictions, les présentant d'une manière à la fois stimulante et visuellement captivante. Le design de la balance renferme un récit à la fois personnel et universel. Son art réside dans son attrait esthétique et sa capacité à susciter une réflexion plus profonde sur la valeur – qu'elle soit matérielle ou matérielle. Elle incite l'utilisateur à s'interroger sur ce que nous mesurons et pourquoi, l'encourageant à réévaluer ce qui lui est précieux. Dans le domaine du graffiti, la balance devient un symbole de l'interaction de l'artiste avec le monde – un outil pour quantifier, questionner et perturber. Elle est une représentation physique de l'influence de l'artiste, mesurant l'impact de l'art sur la société. La balance numérique en or est ancrée dans le présent en tant que pièce en édition limitée, mais ses implications sont intemporelles. Objet de collection sous forme de balance numérique dorée L'attrait des objets d'art de collection réside souvent dans l'histoire qu'ils racontent et l'émotion qu'ils suscitent. Avec la balance numérique dorée de Baller, ce récit est riche et complexe. Pièce en édition limitée, elle évoque l'exclusivité et le désir humain inné de posséder un objet unique. Mais elle témoigne aussi d'innovation, d'une audace à réinventer la notion même d'objet de collection. Dans le contexte du Street Pop Art, cette balance est révolutionnaire. Elle s'affranchit de la toile traditionnelle, embrassant la technologie et les objets du quotidien comme vecteurs d'expression artistique. Elle nous invite à porter un regard neuf sur nos outils quotidiens, à reconnaître le potentiel de beauté et de sens présent dans chaque aspect de la vie. Le caractère précieux de cette pièce est renforcé par sa nouveauté, son état impeccable préservé dans un coffret. Cet écrin protège l'œuvre et contribue à son aura de mystère, aux histoires inédites qui attendent d'être dévoilées une fois le sceau brisé et la balance utilisée. En conclusion, la balance numérique dorée de Ben Baller fait le lien entre l'art, la technologie et l'expression personnelle. Elle illustre parfaitement l'évolution constante du street art et du graffiti, repoussant les limites de l'expression artistique. Cette œuvre, véritable artefact moderne, témoigne de l'ère de la précision numérique alliée à la quête artistique intemporelle. Objet de collection, elle interroge la valeur de l'innovation et l'équilibre du plaisir esthétique, nous invitant à trouver le juste milieu entre art et vie.

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Œuvre d'art unique en son genre, découpée au pochoir dans un billet d'un dollar, réalisée en technique mixte et encadrée par l'artiste populaire de street art et de culture pop RYCA - Ryan Callanan. Œuvre originale signée de 2017, format 6 x 2,5 pouces (15,2 x 6,4 cm). Pièce de 6,4 x 15,5 cm (2-1/2 x 6-1/8 pouces) découpée au pochoir « RYCA Cheese Dollar ». Signée dans le coin inférieur droit. Dimensions encadrées : 6,25 x 9,75 pouces (15,9 x 24,8 cm). « Cheese Dollar » de RYCA : une œuvre marquante du street art pop et du graffiti. « Cheese Dollar », une œuvre de Ryan Callanan (RYCA), illustre avec force la fusion entre le street art et la monnaie traditionnelle. Cette œuvre unique, réalisée en techniques mixtes et signée en 2017, incarne l'esprit de l'incursion du street art dans la culture populaire et le débat économique. Mesurant 15,2 x 6,4 cm (6,25 x 9,75 pouces une fois encadrée), elle témoigne du savoir-faire méticuleux et de la profondeur de réflexion de Callanan. Dans « Cheese Dollar », RYCA utilise la technique du pochoir sur un véritable billet d'un dollar, symbole du consumérisme et du capitalisme, pour le réinventer avec un message à la fois fantaisiste et incisif. En détournant ce symbole omniprésent de la valeur, Callanan insuffle humour et critique au débat sur le rôle de l'argent dans la société moderne. Le titre de l'œuvre, « Cheese », terme familier pour désigner l'argent, joue davantage sur l'intersection du langage et du symbolisme souvent explorée dans le pop art urbain. Importance des techniques mixtes dans l'œuvre de RYCA La nature mixte de « Cheese Dollar » témoigne de l'approche novatrice de RYCA en matière de street art, mêlant matériaux et techniques non traditionnels pour créer une œuvre inédite. L'utilisation d'un véritable billet d'un dollar comme support invite le spectateur à repenser la valeur que nous attribuons à la monnaie et aux objets que nous jugeons dignes d'une transformation artistique. La signature de Callanan, en bas à droite, est un gage d'authenticité et atteste de la participation de l'artiste à la transformation de l'objet. Cette œuvre de RYCA reflète son intérêt plus large pour la société de consommation, les valeurs et les thèmes de la culture populaire. En s'appropriant et en détournant la monnaie, « Cheese Dollar » devient un vecteur de commentaire social, s'inscrivant dans la tradition du street art et du graffiti, œuvres destinées à provoquer et à alimenter le débat public. Le choix de l'encadrer élève cette œuvre du statut de simple objet de transaction à celui d'œuvre d'art protégée et précieuse, complexifiant ainsi son interprétation et sa signification. L'influence continue de RYCA dans les milieux artistiques L'œuvre « Cheese Dollar » de RYCA symbolise l'influence constante de l'artiste sur la scène du street art et du graffiti. À travers ce type d'œuvres, Callanan continue de bousculer les perceptions et de captiver le public grâce à un subtil mélange de références culturelles et de commentaires. Cette pièce contribue à un dialogue sur le matérialisme inhérent à la culture contemporaine, utilisant l'art pour interroger et critiquer les systèmes de valeurs qui dominent notre société. Alors que le street art et le graffiti continuent d'évoluer, des artistes comme RYCA jouent un rôle crucial en orientant le débat et en remettant en question l'ordre établi. Des œuvres telles que « Cheese Dollar » garantissent que le discours reste aussi dynamique et multiforme que les formes artistiques elles-mêmes, offrant de nouvelles perspectives et un éclairage nouveau sur l'interaction complexe entre art, culture et économie. Par son art, RYCA capture l'essence de son époque et façonne l'avenir de la perception et de la compréhension du street art.

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Ensemble d'assiettes en céramique Kaws x NGV - Édition limitée grise et blanche. Œuvre d'art réalisée à l'encre par le célèbre artiste de rue Kaws x NGV. 2019 Kaws - Brian Donnelly Édition épuisée Taille 6 pouces Art de collection Ensemble de 4 assiettes - Gris/Gris/Blanc Présenté avec boîte, aucun problème. Fusion d'art fonctionnel et de culture urbaine : ensemble d'assiettes en céramique KAWS x NGV Le service d'assiettes en céramique KAWS x NGV gris et blanc est une collection exquise qui allie la fonctionnalité des objets du quotidien au dynamisme du street art. Fruit d'une collaboration entre le célèbre graffeur KAWS, alias Brian Donnelly, et la National Gallery of Victoria (NGV), cette édition limitée, désormais épuisée, met en lumière la polyvalence et l'étendue du pop art urbain. Chaque assiette arbore les motifs et personnages emblématiques de KAWS, déclinés dans une palette sophistiquée de gris et blanc qui souligne la finesse des motifs et les références culturelles qui imprègnent l'œuvre. Cette collaboration témoigne du rayonnement du street art, qui s'affranchit des supports traditionnels et des environnements urbains pour investir la décoration intérieure et l'art fonctionnel. Chaque assiette, un cercle de 15 cm de diamètre, est une véritable toile qui permet à l'art de KAWS de s'intégrer pleinement à notre quotidien, insufflant l'énergie brute de la rue à l'élégance de notre table. KAWS x NGV : Une fusion d'expressions artistiques La collaboration entre KAWS et la NGV pour ce service d'assiettes en céramique représente une fusion d'expressions artistiques qui remet en question les frontières traditionnelles entre art et design commercial. Présenté dans un coffret immaculé, le service est en parfait état, garantissant ainsi la préservation du talent de KAWS sous une forme à la fois pratique et esthétique. La palette de gris et de blanc souligne le contraste et la profondeur des créations de KAWS, faisant de chaque assiette une œuvre d'art à part entière tout en contribuant à l'harmonie visuelle de l'ensemble. En transformant l'assiette du quotidien en un support pour le pop art urbain, KAWS et la NGV ont élevé le statut de l'art graffiti, l'inscrivant dans la catégorie des objets d'art de collection. Ce service séduira les collectionneurs d'art, les amateurs de l'œuvre de KAWS et tous ceux qui apprécient le lien entre art et vie, où chaque repas devient une invitation à la découverte de l'art contemporain. L'art de collection dans les objets du quotidien : la signification de l'exposition KAWS x NGV Le coffret d'assiettes en céramique KAWS x NGV est une pièce de collection majeure, notamment dans le domaine du street art et du graffiti. La rareté de cette édition épuisée renforce son attrait et en fait un objet très recherché. Au-delà de sa rareté, le design du coffret témoigne de l'influence constante de KAWS sur la perception du street art, le propulsant des marges de la culture urbaine au cœur de l'innovation artistique. Chaque assiette, ornée d'un motif détaillé à l'encre sur céramique, incarne l'essence du parcours créatif de KAWS, de ses débuts comme graffeur à son statut de figure emblématique de l'art contemporain. Dans toute sa splendeur grise et blanche, le coffret d'assiettes en céramique KAWS x NGV célèbre le potentiel créatif du street art, démontrant sa capacité à transcender les frontières et à s'intégrer pleinement au récit culturel.

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Objet de collection en peluche Holiday Indonesia Accomplice par Kaws - Brian Donnelly, édition limitée, œuvre d'art pop de créateur. Peluche rare Kaws « Complice en costume de lapin » (2023), épuisée, dimensions 4 x 6,5 cm, neuve sous blister. Dans l'univers kaléidoscopique du pop art et du street art, certains artistes émergent avec des voix singulières et des styles identifiables qui incarnent l'esprit de leur génération. Brian Donnelly, plus connu sous son pseudonyme de Kaws, est l'un de ces noms qui se distingue dans ce milieu dynamique. Issu du graffiti et nourri par le street art, le parcours de Kaws l'a propulsé sur le devant de la scène, brouillant les frontières entre art, design de produits commerciaux et culture populaire. Son chef-d'œuvre de 2023, « Holiday Indonesia Plush Charm Object Art », illustre parfaitement l'originalité de sa démarche artistique. Cette pièce de collection en édition limitée, à la fois saisissante visuellement et tactilement, met en scène le rare Kaws Accomplice – un motif emblématique de son répertoire – vêtu d'un costume de lapin fantaisiste, les mains cachant son visage. Cette version particulière, mesurant 10 x 16,5 cm, se distingue non seulement par sa qualité de fabrication, mais aussi par sa profonde signification, évoquant peut-être les complexités de l'identité, la culture populaire et le sentiment universel du déguisement et de la révélation. Son emballage, impeccable et intact, garantit l'intégrité de l'œuvre, renforçant son attrait pour les collectionneurs et les amateurs d'art. Au-delà de sa simple valeur esthétique, les créations de Kaws, dont la peluche « Plush Charm Object Art » mentionnée précédemment, résonnent profondément avec les thèmes de l'urbanité, de la culture et du paysage en constante évolution du street art. Elles témoignent de la puissante interaction entre l'art et l'environnement urbain, assurant ainsi que ces œuvres demeurent non seulement des objets de collection, mais aussi des symboles d'une époque.

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Étude de motif - Sculpture de chaussure de basket en cuir bleu en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de rue Ceeze Fine Art. Sculpture murale signée 2021, édition limitée n° 1 sur 50. Dimensions : 17 x 20 x 1,2 cm. Inspirée de la chaussure Air Jordan 2 bleue HPM. Œuvre d'art de Ceeze. Encadrée et prête à accrocher. En hommage à l'emblématique Air Jordan 2 « Blue » de Don C, Ceeze revisite ce coloris à travers un patron déstructuré d'Air Jordan 1. L'artiste utilise du daim pleine fleur et du cuir nappa d'agneau, découpant et assemblant les pièces du patron, chacune accompagnée d'une légende, sur une toile encadrée, signée et numérotée. Dimensions : 17 x 20 x 1,2 cm.

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