Vader - Tirages d'art en édition limitée, pigmentaires et d'archives, sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Marly Mcfly. Édition limitée signée et numérotée de 15 exemplaires, 2021. Œuvre d'art de 16 x 16 pouces, impression pigmentaire d'archives sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m². Représentation stylisée du méchant de Star Wars, Dark Vador. « Vader Variant » est une estampe d'art en édition limitée, réalisée avec des pigments d'archivage, créée par la talentueuse Marly Mcfly, une artiste dont l'œuvre puise son inspiration dans le langage visuel du street art et de la culture pop. Cette estampe met en scène l'emblématique Dark Vador, le méchant de Star Wars, réinterprété à travers le prisme du style artistique unique de Mcfly, qui mêle l'énergie brute du graffiti à l'attrait universel du pop art. Chaque exemplaire de cette série exclusive est signé et numéroté, faisant de cette édition limitée 2021, composée de seulement 15 estampes, une pièce de collection rare et recherchée. Ses dimensions (40,6 x 40,6 cm) offrent un support idéal pour mettre en valeur les contrastes saisissants et les détails complexes qui caractérisent le travail de Mcfly, tout en s'adaptant parfaitement à différents environnements d'exposition. Imprimées sur du papier d'art Moab Entrada de 290 g/m², ces estampes sont conçues pour durer. La qualité exceptionnelle de ce papier est idéale pour l'impression pigmentaire d'archivage et est reconnue pour produire des couleurs d'une richesse et d'une profondeur extraordinaires. Une telle qualité garantit que chaque estampe conserve toute sa force depuis sa création, préservant ainsi l'intégrité esthétique de l'œuvre pour les générations futures. La représentation de Dark Vador dans cette série est loin d'être conventionnelle. La stylisation de McFly insuffle au personnage une vitalité rarement présente dans les représentations traditionnelles. En employant des techniques et des codes visuels issus du street art, l'artiste juxtapose l'image autoritaire de Vador à un arrière-plan vibrant et presque irrévérencieux. La palette monochrome et austère est rehaussée de touches de couleur, soulignant la dualité de la personnalité de Vador, à la fois figure de méchant et icône culturelle. L'estampe « Vador Variant » de Marly McFly est bien plus qu'une simple reproduction d'art ; c'est une œuvre marquante qui témoigne de l'héritage durable de la saga Star Wars dans la culture populaire. Elle séduit les amateurs d'art et de la franchise, créant un pont entre différentes communautés artistiques. Cette pièce, disponible en quantité limitée, est promise à devenir un ajout précieux à toute collection, incarnant l'esprit d'innovation et l'attrait durable de l'un des personnages les plus formidables du cinéma.

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Flakpanzer, édition limitée, sérigraphie 5 couleurs tirée à la main sur papier beaux-arts par Derek Hess, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Un Flakpanzer est un canon antiaérien mobile allemand. J'ai trouvé cela approprié avec les Spitfires britanniques qui survolent la tête des personnages. » – Derek Hess Découpé à la main

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Iron Maiden - Piece of Mind, édition limitée, sérigraphiée, illustration de planche de skateboard par les artistes de la culture pop urbaine ZERO x Iron Maiden.

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MQ - Édition limitée Chrome Silver, bombe de peinture rare, fruit de la collaboration entre le célèbre fabricant de peinture graffiti Montana MTN. Sans boîte. 2009 MQ Planet - Mque x Montana MTN Spray Paint. Depuis plus d'une décennie, cet artiste new-yorkais s'est fait un nom dans le graffiti grâce à son audace et à son attachement à la culture urbaine. Le style distinctif des lettres MQ a influencé toute une génération de graffeurs. On retrouve ses œuvres aussi bien sur les coques de navires à San Francisco que sur les murs de briques de New York. Édition limitée MQ Chrome Silver : Un monument du pop art urbain Dans l'univers dynamique du street art et du graffiti, la bombe de peinture MQ Chrome Silver en édition limitée témoigne de la fusion entre ingéniosité artistique et influence culturelle. Cette pièce rare, fruit d'une collaboration entre le célèbre fabricant de peinture pour graffiti Montana MTN, marque une étape importante dans la carrière de l'artiste new-yorkais MQ Planet, alias Mque. Depuis sa création en 2009, cette bombe de peinture en édition limitée est devenue un symbole de l'approche intrépide de Mque vis-à-vis de la culture urbaine et de son impact durable sur toute une génération de graffeurs, souvent surnommés « bombers ». L'influence de Mque sur le street art et le graffiti Le parcours de Mque dans le graffiti a débuté dans les rues vibrantes de New York, où il a perfectionné son style distinctif de lettres MQ, un style qui allait influencer d'innombrables artistes. Son approche audacieuse et sans compromis de l'art se caractérisait par une immersion totale dans la culture urbaine à l'état brut. Les œuvres de Mque, qui s'étendent des toiles maritimes des navires de San Francisco aux murs de briques historiques de New York, témoignent de son adaptabilité et de son engagement envers l'essence même du street art. La bombe de peinture Chrome Silver Limited Edition n'est pas qu'un simple outil : c'est un morceau d'histoire, incarnant l'esprit et la ténacité de l'artiste. L'importance de la canette MQ Chrome Silver Limited Edition La bombe de peinture MQ Chrome Silver Limited Edition de Montana MTN est bien plus qu'une simple signature d'artiste sur un produit : c'est un emblème collaboratif de la communauté du street art. Cet objet rare incarne la synergie entre l'artiste et le fabricant, soulignant la reconnaissance par Montana MTN de la contribution de Mque à cet art. Collectionneurs et amateurs de pop art urbain et de graffiti, ils considèrent cette bombe comme une pièce de collection. Elle est aussi une source d'inspiration, incitant les artistes à repousser les limites et à laisser leur empreinte avec la même audace que Mque. Dans l'univers du pop art urbain, où le paysage urbain devient une toile et la bombe un pinceau, la MQ Chrome Silver Limited Edition rend hommage à l'évolution constante du graffiti. Elle honore l'héritage d'un artiste resté fidèle à l'esprit de la culture urbaine tout en y inscrivant une marque indélébile. L'œuvre de Mque, sa collaboration avec Montana MTN et la peinture Chrome Silver qui en résulte demeurent des éléments essentiels du pop art urbain et du graffiti pour les années à venir.

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Rolex Designer Drugs PP Printers Proof Skateboard Art Deck par Denial - Daniel Bombardier Limited Edition Archival Print on Wood Skateboard Deck par Street Artwork Graffiti Artist. Épreuve d'imprimeur PP 2018, marquée PP, édition limitée, signée, certificat d'authenticité, œuvre d'art pour skateboard, format 8x31, planche de skateboard ornée du logo Rolex en forme de pilule. La planche de skateboard Rolex Designer Drugs PP Printers Proof témoigne de la fusion entre culture urbaine, art contemporain et image de marque emblématique. Minutieusement conçue par Denial, pseudonyme de l'artiste canadien Daniel Bombardier, cette pièce allie l'esprit subversif du street art et du graffiti au prestige d'une marque de luxe – une juxtaposition récurrente dans le monde du pop art. La capacité de Denial à tisser ces éléments apparemment disparates révèle son sens aigu de la culture, de l'ironie et de la puissance des symboles dans notre société de consommation actuelle. Cette pièce de 2018, portant la mention « PP Printers Proof », atteste de son exclusivité en tant qu'édition limitée. Ces épreuves sont des versions préliminaires de l'œuvre imprimée, offrant un aperçu du processus créatif de l'artiste et garantissant la qualité des tirages finaux. De plus, elle est accompagnée d'un certificat d'authenticité et signée, offrant aux collectionneurs un lien tangible avec Denial lui-même. Mesurant 8 x 31 pouces, cette planche de skateboard est bien plus qu'une simple toile : c'est un symbole de la culture urbaine. Si le choix de cette planche peut paraître inhabituel pour de nombreux artistes traditionnels, il s'inscrit parfaitement dans l'univers du street art et du graffiti, cher à Denial. Au centre de l'œuvre, le logo Rolex est revisité sous la forme d'une pilule. Cette représentation interroge l'obsession de la société pour le luxe et les extrémités auxquelles certains sont prêts à aller pour atteindre ou afficher leur richesse. L'utilisation de la pilule, symbole de solutions rapides et d'euphorie éphémère, soulève des questions sur la nature fugace du luxe et la pression sociale exercée par les marques. Brillante fusion de culture pop, de marques de luxe et de street art, la planche de skateboard « Rolex Designer Drugs » de Denial est bien plus qu'un simple régal pour les yeux. C'est une critique, un dialogue et un témoignage de l'évolution de l'art au XXIe siècle.

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Carte NY Tripway II Papier buvard Édition limitée Impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Cope2 œuvre d'art pop culture LSD. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey et peuvent légèrement différer de l'exemple présenté. Au début du nouveau millénaire, Cope2 abordait une nouvelle étape de sa carrière, se concentrant de plus en plus sur sa place dans le milieu artistique des galeries et des musées. Bien qu'il ait commencé à travailler sur toile bien avant les années 2000, c'est à cette époque qu'il a opéré un tournant décisif en acceptant d'exposer systématiquement en intérieur. Que l'on considère le graffiti comme une forme d'art expressive et vivante ou comme un acte de vandalisme irresponsable, une chose est sûre : ces dernières années, il a attiré l'attention du grand public jusqu'aux plus grandes galeries du monde.

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Ballon de basket-ball camouflage ABC, édition limitée exclusive, véritable œuvre d'art sportive de collection créée par l'artiste de graffiti de rue Bape - A Bathing Ape. Ballon de basket-ball artistique camouflage ABC 2021

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Achetez SPRAYCAN en édition limitée Rare Spray Paint Can Artwork Crossover par le célèbre fabricant de peinture Graffiti Montana MTN. 2022 Spray Paint Can Signed Box Limited Edition of XXXX Artwork Size 3x8 Can INFO

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Édition limitée Wolf Mandala, sérigraphie artisanale 3 couleurs avec couche transparente UV sur papier d'art noir réglisse 90 lb par Chris Saunders, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 75 exemplaires, signée et numérotée, 2016. Dimensions de l'œuvre : 24 x 24 pouces. « Cette œuvre a été vendue à un ami cher l'année dernière. Initialement une commande personnalisée, elle a évolué au fil du temps. Elle recèle de nombreux symboles sacrés et a été créée dans le but de protéger l'espace où elle est accrochée. À cette époque, je traversais des transformations intérieures qui m'ont inspiré à créer une œuvre protectrice, et l'archétype du loup incarnait parfaitement cette qualité. Pour moi, le loup symbolise à la fois l'intelligence et la force d'un gardien. Mon travail consiste à créer un miroir réfléchissant qui permette au spectateur de se voir en lui-même et de susciter des changements intérieurs positifs. J'explore actuellement la combinaison de symboles archétypaux et de mandalas, symboles de force, pour protéger l'espace qu'ils occupent et rappeler au spectateur sa propre force et son pouvoir intérieurs. » - Chris Saunders

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Optimus Prime Transformers - Noir 200% BE@RBRICK Édition Limitée Medicom x Bape - Figurine de Collection A Bathing Ape en Vinyle. Neuf en boîte - Medicom Toy s'est associé à BAPE et Transformers pour créer un Bearbrick Optimus Prime 200% entièrement transformable. La figurine Bearbrick x Transformers Optimus Prime x BAPE 200% est un Bearbrick entièrement transformable qui révèle Optimus Prime. Sortie en 2021.

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POW ! Édition limitée ICON Series, sérigraphie artisanale 4 couleurs sur papier beaux-arts par DKNG, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Œuvre d'art sérigraphiée en édition limitée, signée et numérotée, de 2014, format 12x12. La Batmobile de la série télévisée classique Batman avec Adam West. Chaque film en possède une. Un accessoire, un décor ou un lieu emblématique. Quelque chose qui, en une seule image, peut représenter tout le film. L'équipe de designers Dan Kuhlken et Nathan Goldman, alias DKNG, nomme ces images « Icônes », et elles sont au cœur de leur toute première exposition personnelle à la Gallery 1988 West de Los Angeles. L'exposition présente des œuvres mettant en scène des lieux et des objets iconiques de vos films et séries préférés. Chaque pièce, de petit format (30 cm de côté), représente un élément qui résume un film entier. Et, bien sûr, chacune est réalisée dans le style distinctif de DKNG : lumineux, géométrique et pourtant riche en détails. « POW ! » de DKNG : une ode nostalgique en sérigraphie « POW ! » de DKNG est un emblème culturel, une incarnation graphique d'un phénomène de la culture pop, revisitée à travers le prisme du pop art moderne. Cette œuvre, issue de la série ICON, rend hommage à la Batmobile de la série télévisée culte « Batman » avec Adam West. Tirée en édition limitée à 2014 exemplaires, signée et numérotée, cette sérigraphie 30 x 30 cm incarne la fusion entre la vitalité du street art et la précision de la sérigraphie. Iconographie et culture pop en sérigraphie Dans « POW ! », le studio DKNG – composé des artistes Dan Kuhlken et Nathan Goldman – utilise un procédé de sérigraphie artisanale en quatre couleurs pour immortaliser la Batmobile. Cette œuvre n'est pas qu'une simple image de voiture ; elle représente une époque, un pan emblématique de l'histoire de la télévision, condensé en une image stylisée. Avec leur précision géométrique caractéristique et une palette qui capture la vitalité des années 60, DKNG livre une œuvre à la fois hommage et réinvention visuelle. La Batmobile est plus qu'un simple véhicule ; c'est un personnage à part entière, un symbole de justice, d'aventure et de l'humour décalé qui caractérisait la série originale « Batman ». Sur un fond de coucher de soleil où des palmiers évoquent la silhouette de Gotham (ou, plus concrètement, les rues de Los Angeles), l'image représente la Batmobile filant à toute allure vers une nouvelle nuit de lutte contre le crime. La capacité de DKNG à condenser un récit complexe en une seule image témoigne de son talent en matière de conception et de sa compréhension du langage visuel de la culture populaire. Synthèse artistique dans « POW ! » La maîtrise artistique de « POW ! » témoigne du rôle de DKNG dans le mouvement pop art et de son influence sur l'esthétique du street art. Les lignes audacieuses et la composition dynamique évoquent les bandes dessinées, tandis que la sophistication de l'impression reflète une profonde connaissance de l'art de la sérigraphie. La nature même de la sérigraphie — superposition de couleurs, élaboration méticuleuse de chaque élément — rejoint le travail minutieux du pochoir dans le street art, exigeant précision et vision. Chaque pièce de la série ICON, y compris « POW ! », se présente comme un récit autonome, capturant l'essence de son sujet de manière minimaliste et détaillée. Cette approche rappelle les fondements philosophiques du pop art et du graffiti, où l'œuvre vise à créer un lien fort et immédiat avec le spectateur. DKNG parvient à évoquer l'intensité visuelle de la série « Batman » et les liens émotionnels que de nombreux fans entretiennent avec la série originale. L'héritage de DKNG dans l'art contemporain L'œuvre de DKNG, dont « POW! », est un hommage contemporain aux moments qui ont façonné la culture pop. Grâce à la sérigraphie, le studio s'est taillé une place de choix dans le monde de l'art, mêlant design commercial et beaux-arts et influençant l'évolution du pop art et du street art. Leur série ICON, et plus largement leur portfolio, démontrent comment les techniques classiques peuvent être revitalisées à l'ère moderne, insufflant une nouvelle vie à l'imagerie de notre mémoire collective. « POW! » témoigne du talent de DKNG et est une œuvre empreinte de nostalgie, séduisant les amoureux du passé tout en touchant une nouvelle génération d'amateurs de design. La sérigraphie rappelle le pouvoir intemporel des images iconiques et le rôle des artistes dans la création, la préservation et la réinterprétation du langage visuel de la culture pop. En somme, « POW! » et la série ICON de DKNG incarnent l'esprit du street art et du graffiti, captivant l'attention et l'imagination des spectateurs. À travers leur travail, DKNG démontre que l'art peut transcender le temps, l'espace et le médium pour laisser une empreinte indélébile sur le passé comme sur le présent. La Batmobile, telle que présentée par DKNG, sillonne non seulement les rues de Gotham, mais aussi les annales de l'histoire du pop art, portée par la créativité et l'intuition de deux artistes visionnaires.

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« Divisés nous restons, unis nous tombons », sérigraphie bicolore réalisée à la main sur papier Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés, par l'artiste Cleon Peterson. Œuvre d'art pop en édition limitée. Édition limitée XXX signée et numérotée de 2022. Format de l'œuvre : 18 x 24 pouces. « L’image TRUTH a été publiée dans le New York Times juste avant l’élection, dans la rubrique Opinions intitulée « Qu’avons-nous perdu ? ». Les affiches « Le diable m’y a poussé » et « Divisés nous résistent, unis nous tombons » ont toutes deux été publiées le 6 janvier en réaction au pacte faustien conclu par Trump et ses complices lors du coup d’État. Aujourd’hui, nous sommes à la croisée des chemins ; plus que jamais, nous devons nous unir, prendre position, faire entendre notre voix et lutter pour la vérité et la démocratie. Espérons que la lumière du jour dissipe l’emprise de l’extrême droite autoritaire. Je vois ces affiches comme les témoins d’une époque historique et je me sens investi d’une mission : partager mon point de vue. Nous sommes tous épuisés par la politique, mais nous devons saisir cette opportunité et agir, car la menace est fondamentale ; notre démocratie pourrait disparaître en un clin d’œil. » – Cleon Peterson Le lien de Peterson avec le street art est un aspect de son travail qu'il convient de souligner. Bien qu'il ait réalisé de nombreuses fresques murales à travers le monde, l'artiste se considère lui-même comme un artiste de rue : « Je ne me vois pas comme un artiste de rue ni comme quelqu'un qui travaille dans ce style, mais j'aime l'idée de créer de grandes toiles qui interpellent le public. » Ceci révèle sa volonté de rendre son art aussi accessible que possible, afin d'inviter les spectateurs à interagir avec lui et à se confronter aux thèmes qu'il aborde. Cela soulève les questions suivantes concernant l'art de Peterson : « Quelle est sa signification ? A-t-il un sens, après tout ? Si oui, est-il prédéterminé par l'artiste ? » Afin de mieux comprendre la manière dont le sens se construit dans l'univers de Cleon Peterson, il est essentiel, avant tout, de comprendre sa perception des médias comme un terrain fertile pour les allégations, les rumeurs infondées, les suppositions et les mensonges éhontés. Dans le monde créé par l'artiste, et en résonance avec notre propre réalité, les médias sont un outil de manipulation aux mains des politiciens, nous laissant impuissants et à la merci d'un système autoritaire et exploiteur.

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Objet d'art en forme de dent de rail en forme de crampon de chemin de fer, noir, par RD-357. Véritable œuvre d'art originale, étiquette de créateur, objet de collection pop d'artiste. 2021 Peinture en aérosol originale Étiquette RD sur un objet d'art en métal recyclé provenant d'un clou de chemin de fer. Taille de l'œuvre : 6x1. Crampons de chemin de fer noirs par RD-357 – Objet recyclé dans une œuvre de street art et de graffiti « Railroad Spike Track Teeth Black » est une œuvre originale de 2021 de RD-357, alias Real Deal, artiste de graffiti dont le travail explore la rencontre entre l'authenticité urbaine et le minimalisme industriel. Cette pièce met en scène un crampon de chemin de fer en métal de récupération (15 x 2,5 cm), transformé par l'ajout de la signature noire caractéristique de RD. Réalisée à la bombe et au marqueur, la signature découpe la tige rouillée en une forme angulaire et précise, accentuée par une flèche pointant vers l'avant. Cet objet fonctionne à la fois comme une sculpture et un message symbolique, canalisant l'essence mobile du graffiti dans une relique tangible. Le crampon, autrefois élément mécanique en mouvement, devient le support d'une affirmation artistique, reliant l'infrastructure physique du transport ferroviaire à l'héritage du graffiti, fait de diffusion, de présence et de signature personnelle. Étiquette comme sculpture et objet comme surface Le choix de l'objet par RD-357 fait écho au principe fondamental du graffiti : utiliser ce qui est disponible pour exprimer son identité et son énergie. Contrairement aux surfaces urbaines traditionnelles comme les murs ou les portes, cet objet porte en lui une histoire intrinsèque, antérieure même à toute peinture : l'acier forgé pour durer, usé par le temps et les transports, marqué par le travail. Le tag apposé devient une strate de personnalité sur la matière brute, transformant le clou en un objet non plus industriel, mais autobiographique. La ligne noire se courbe dans l'espace avec détermination et précision, maîtrisée et expressive à la fois. La flèche partant du « D » insuffle du mouvement au tag, perpétuant la tradition du graffiti qui symbolise le flux, le voyage et l'attaque. L'utilisation de l'encre noire sur un support vieilli, brun et acier, souligne la lisibilité et l'intention, évoquant les débuts du handstyle dans sa forme la plus épurée. Culture du graffiti, mouvement et authenticité des objets trouvés Les voies ferrées ont toujours joué un rôle central dans l'évolution du graffiti, non seulement comme supports d'expression mobile, mais aussi comme métaphores du mouvement, de la rébellion et de la connectivité. En apposant son tag sur un piquet plutôt que sur un train, RD-357 attire l'attention sur les mécanismes du mouvement. Cet objet représente l'infrastructure des transports en commun : ce qui maintient les rails, ce qui permet aux trains de circuler et, par extension, ce qui a permis au graffiti de se répandre dans les villes et les quartiers. L'objet devient un fragment d'infrastructure culturelle, réinterprété par le graffeur en un artefact identitaire. Il s'agit autant d'affirmer sa paternité que de préserver les matériaux souvent négligés qui définissent la construction et la circulation urbaines. Art urbain pop et graffiti en format miniature Dans le contexte du street art et du graffiti, « Railroad Spike Track Teeth Black » témoigne de la capacité du graffiti à s'approprier des objets miniatures sans rien perdre de son impact. Cette œuvre condense l'énergie d'un graffiti traditionnel en un format de quinze centimètres. Elle distille l'écriture en une forme tactile et permanente, un outil transformé en sculpture. Objet de collection, elle évoque à la fois l'histoire matérielle de la ville et l'histoire personnelle de l'artiste. Le clou devient un pont – entre le travail et l'expression, entre le transport et la création, entre l'anonymat et la signature. C'est du graffiti réduit à un seul tag, un seul objet, un seul geste – et pourtant, il porte en lui la force du mouvement, du récit et de la présence.

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Sérigraphie artisanale bicolore Spock en édition limitée sur feuille de papier métallisé, par Craig Drake, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Inspiré de Spock. Sérigraphie sur papier métallisé. Édition limitée à 25 exemplaires. Dimensions approximatives : 40 x 50 cm.

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Megatron Transformers 200% BE@RBRICK Édition Limitée Medicom Vinyle Illustration Jouet Figurine de Collection Art. Le Bearbrick x Transformers Megatron 200% est un robot déguisé en ours. Cette figurine de 20 cm (7,87 pouces) ressemble à un Bearbrick classique rendant hommage à Megatron, le chef suprême des Decepticons, mais actionnez le levier situé à l'arrière pour la transformer en une véritable minifigurine Megatron. Cette figurine Bearbrick Megatron de collection fait partie d'une collection de quatre Bearbricks Transformers comprenant également Optimus Prime, Bumblebee et Starscream. Le Bearbrick x Transformers Megatron 200% est sorti au printemps/été 2014 pour célébrer le 30e anniversaire de la franchise.

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Obey Radical Peace - Sérigraphie artisanale en édition limitée 2 couleurs crème sur papier moucheté crème par Shepard Fairey. Œuvre d'art urbain rare OBEY Pop. 18 pouces sur 24 pouces. Édition de 375 exemplaires. 7 mai 2021. La version de Shepard sur la manifestation de 2021 dans la capitale, où la police a tué 5 manifestants non armés.

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Tirage d'art en édition limitée Darth Bron, pigment d'archivage, sur papier naturel pressé à froid 340 g/m², par l'artiste Naturel, légende du street art pop et du graffiti. Édition limitée signée de 100 exemplaires, 2022. Format : 13,5 x 19 pouces. « Darth Bron » de Naturel - Une synthèse culturelle sur toile Dans l'univers en constante évolution du street art et du graffiti, l'artiste Naturel se distingue avec son œuvre « Darth Bron », une estampe d'art en édition limitée qui incarne la fusion entre culture populaire et art savant. Dans cette édition limitée à 100 exemplaires, signée et éditée en 2022, au format 34,3 x 48,3 cm (13,5 x 19 pouces), Naturel présente une image iconique, riche en références culturelles et d'une grande valeur artistique. Imprimée sur un papier naturel pressé à froid de 340 g/m², l'estampe offre une qualité qui séduit collectionneurs et amateurs d'art. L'œuvre illustre parfaitement le croisement entre l'esthétique du street art et les techniques artistiques classiques, une caractéristique qui définit la place de Naturel dans le monde de l'art. Lawrence Atoigue, connu sous le nom de Naturel, est originaire des États-Unis. Son travail témoigne de sa capacité à fusionner des sujets contemporains avec un sens classique de la composition et de la technique. « Darth Bron » met en lumière cette fusion dans un vibrant déploiement de formes géométriques et de lignes audacieuses, créant une juxtaposition thématique qui a captivé la communauté artistique internationale. Un dialogue visuel entre la mythologie moderne et le sport « Darth Bron » est une œuvre saisissante, à la croisée de la mythologie moderne et du monde du sport. Naturel y explore la ressemblance conceptuelle entre la figure mythique de Dark Vador, de la saga culte Star Wars, et les prouesses athlétiques de LeBron James, légende contemporaine du basketball. L’œuvre joue subtilement avec les notions d’identité et de rôle, illustrées par la représentation d’une silhouette drapée présentant un maillot de basketball. Cette image interpelle le spectateur et l’invite à déchiffrer ses multiples niveaux de signification. Capturant l’air du temps, cette œuvre fusionne le charme intemporel d’un personnage de science-fiction avec la gloire contemporaine d’un héros sportif. C’est un récit de pouvoir, de transformation et d’identité qui trouve un écho auprès d’un large public. La virtuosité de l’artiste réside non seulement dans l’audace du sujet, mais aussi dans la méticulosité de la technique : l’utilisation de pigments d’archivage sur papier beaux-arts garantit la longévité et la profondeur des couleurs, assurant ainsi à l’œuvre une pérennité et une pertinence exceptionnelles. La technique et l'influence de Naturel L'approche artistique de Naturel allie l'immédiateté et l'audace du street art à la sophistication des techniques d'impression d'art. L'utilisation du papier pressé à froid confère à son œuvre une profondeur texturée qui complète la complexité visuelle de ses créations. L'abstraction géométrique et la netteté des lignes sont des éléments caractéristiques qui contribuent à la singularité de son art. Ces éléments fusionnent pour former un langage visuel unique, reflet du dynamisme de la culture urbaine et ancré dans une tradition d'artisanat méticuleux. L'influence de Naturel dépasse le cadre de la toile ; son œuvre dialogue avec la culture populaire, reflétant et façonnant les récits qui définissent la société contemporaine. « Darth Bron » n'est pas une simple représentation statique ; c'est un acteur du débat culturel. À travers cette estampe, Naturel contribue à l'évolution du récit sur la manière dont l'art interagit avec les médias populaires, les valeurs sociétales et l'expérience humaine, et les commente. Dans un monde où la culture visuelle occupe une place de plus en plus prépondérante, « Darth Bron » de Naturel rend hommage aux icônes qui dominent notre conscience collective tout en les critiquant. Son œuvre nous invite à réfléchir aux figures que nous idolâtrons, aux histoires qui nous sont chères et aux valeurs qu'elles incarnent. Elle témoigne du pouvoir du street art et du graffiti comme plateformes d'expression, de commentaire et d'innovation artistique. Naturel continue d'inspirer et de provoquer par son art, assurant ainsi sa place au panthéon des artistes qui font le lien entre la galerie et la rue.

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Bad Brains - Poing et drapeau - Sérigraphie en édition limitée 3 couleurs tirée à la main sur papier d'art Speckletone fin par Shepard Fairey x Glen E Friedman - Œuvre d'art de rue rare - OBEY Pop Artwork Artiste. 2022. Signée et numérotée. 61 x 46 cm. Sérigraphie sur papier Speckletone épais couleur crème. Photographie originale de Glen E. Friedman. Signée par Glen E. Friedman, Shepard Fairey et HR. Édition numérotée à 600 exemplaires. Bad Brains est l'un de mes groupes punk/hardcore préférés de tous les temps. Je suis fan depuis plus de 30 ans et j'ai la chance de collaborer avec eux sur plusieurs projets, notamment des affiches, une collection de vêtements et la pochette de leur album « Into the Future ». Glen E. Friedman a pris de nombreuses superbes photos de Bad Brains, et sa photo de HR au bar A7 à New York en 1981 a servi de référence pour l'illustration de cette affiche. C'est un immense honneur de créer une œuvre d'art et d'être associé à un groupe qui m'a apporté tant d'inspiration, d'énergie et de pur plaisir au fil des ans. Cette affiche est signée par Glen, moi-même et HR ! Gardez le moral ! – Shepard

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Figurine de collection Target Black HPM Shoot To Kill en édition limitée, œuvre d'art en vinyle réalisée par l'artiste de graffiti urbain Luke Chueh. 2012, signée, avec une image et un texte uniques dessinés à la main et rehaussés à la main : « Tirez pour tuer ». Édition limitée à 250 exemplaires (un nombre limité d'exemplaires HPM avec des dessins uniques dessinés à la main sur le mur). Sculpture de 16,5 x 26,5 cm, neuve dans sa boîte. Fournie avec un pinceau et un pot de peinture amovibles. Issue de la célèbre série Target de Luke Chueh, elle représente un ours peignant une cible sur sa poitrine, debout devant un mur de tir dessiné à la main avec une cible noire et un pot de peinture. Cible noire HPM Shoot To Kill de Luke Chueh La sculpture en vinyle « Shoot To Kill » de Luke Chueh, intitulée « Target Black HPM », est une œuvre d'art saisissante et d'une grande précision, signée par l'une des voix les plus marquantes du street art et du graffiti. Sortie en 2012 en édition limitée à 250 exemplaires, cette figurine fait partie de la célèbre série Target. Certains exemplaires ont été rehaussés à la main, imprégnés de l'humour noir et de la force symbolique caractéristiques de l'artiste, avec des illustrations et des textes personnalisés dessinés à la main sur le socle représentant un mur de tir, derrière la figurine d'ours. Cette version particulière arbore la phrase « Shoot To Kill » inscrite sur le fond brisé, créant un contraste glaçant entre innocence et violence. Symbolisme visuel et éléments artistiques Cette sculpture de 16,5 x 26,5 cm capture l'essence du style narratif de Chueh. Un ours blanc, solennel et impassible, tient fermement un pinceau et un seau rouge, arborant fièrement une cible noire fraîchement peinte sur sa poitrine. Derrière lui, un mur de béton fragmenté est criblé d'impacts de balles et orné d'un dessin enfantin représentant l'ours lui-même, les yeux grands ouverts, au milieu des décombres. Les mots « Tirer pour tuer » amplifient la confrontation de l'œuvre avec les thèmes de la vulnérabilité, du ciblage et de l'exposition émotionnelle. Chaque élément de la sculpture, de l'expression inexpressive du personnage au socle granuleux et aux marques façon graffiti, pousse le spectateur à s'interroger sur la frontière entre compassion et complicité dans un monde désensibilisé à la violence. Rareté de collection et poids conceptuel Produite par Munky King, cette version Target Black HPM est non seulement en édition limitée, mais aussi personnalisée, ce qui en fait une pièce de collection précieuse pour les amateurs de vinyles contemporains et d'art urbain. L'ajout d'ornements dessinés à la main directement sur le fond transforme cette pièce de série en un hybride entre jouet et œuvre d'art originale. Elle se situe à la croisée du récit et de la critique conceptuelle. L'emballage lui-même renforce l'importance de la pièce : la peinture originale est reproduite sur la boîte et un insert moulé protège parfaitement la figurine, le pinceau et le pot de peinture. Influence sur l'art urbain contemporain, le pop art et le graffiti Luke Chueh, artiste américain reconnu pour son exploration des traumatismes personnels et de la satire grinçante à travers des personnages anthropomorphes minimalistes, mêle sans cesse iconographie pop et expériences humaines brutes. Dans cette sculpture, il manipule la mignonnerie d'un ours de dessin animé et l'insère dans un contexte de conflit et de forte instabilité émotionnelle. Il en résulte une métaphore visuelle poignante : une mise à nu auto-infligée, où l'artiste devient littéralement la cible. « Target Black HPM Shoot To Kill » n'est pas qu'un simple objet de collection. C'est une réflexion sur la projection de la douleur, la construction de l'identité et la manière dont l'art reflète le malaise profond de la vie moderne avec une simplicité saisissante et une honnêteté percutante.

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Figurine de collection Star Wars Darth Vader Companion Ultra Rare Authentique Édition Limitée 2007 Peinte en Vinyle, Sculpture Artistique par l'Artiste Kaws - Brian Donnelly x OriginalFake. Figurine Chum Companion en vinyle peint, édition limitée 2007 à 500 exemplaires. Dimensions : 24,8 x 11,4 x 8,9 cm. Estampillée sur le pied. État neuf, la cape est encore scellée dans son emballage d'origine avec la boîte. Exemplaire exceptionnel ; la boîte est en excellent état. Estampille impeccable. Photos de l'exemplaire réel. Authentifiée par les scellés et un numéro de série de suivi unique. Remarquez les détails soignés, absents des contrefaçons. Un hologramme officiel est apposé sur la boîte, contrairement aux contrefaçons. L'emballage intérieur en plastique présente une coloration conforme à son âge. Figurine originale vérifiée Darth Vader Chum Companion 2007 Lucas Films x Kaws x OriginalFake, personnage légendaire de science-fiction Star Wars. L'intersection du pop art urbain et du graffiti dans le livre Darth Vader Companion de KAWS La figurine « Darth Vader Companion » de KAWS illustre parfaitement comment l'esprit rebelle du street art et du graffiti peut se traduire par la création d'œuvres profondément ancrées dans la culture populaire, tout en s'imposant comme des pièces de collection. Cette édition limitée de 2007, objet de convoitise pour les amateurs d'art et les fans de l'univers Star Wars, incarne la vision du célèbre artiste Brian Donnelly, alias KAWS. Son approche artistique, puisant ses racines dans les sous-cultures du graffiti et du street art, insuffle une nouvelle vie au personnage iconique de Dark Vador, le présentant sous un angle à la fois contemporain et empreint de nostalgie. Produite à seulement 500 exemplaires, la « Darth Vader Companion » est un gage d'exclusivité dans le monde de l'art. Chaque pièce est marquée d'un numéro de série unique et authentifiée par des sceaux garantissant sa provenance. La perfection du tampon sur le pied de la figurine et l'état impeccable de la boîte, ainsi que la cape encore scellée dans son emballage d'origine, témoignent de l'état impeccable de cet objet de collection. Un témoignage d'authenticité et de savoir-faire Les dimensions de cette sculpture (24,8 x 11,4 x 8,9 cm) sont mises en valeur par la finesse des détails qui caractérisent l'œuvre de KAWS. Un hologramme officiel apposé sur la boîte garantit son authenticité et distingue cette pièce originale des innombrables contrefaçons. Le soin apporté à la conception de la figurine, avec ses éléments signatures tels que les yeux barrés et la réinterprétation par l'artiste de l'armure de Dark Vador, illustre la fusion entre l'art urbain et la précision d'un artisanat d'art. L'emballage plastique intérieur, dont la couleur a conservé son aspect d'origine malgré son âge, confirme son excellent état de conservation. Cette attention portée à la préservation est primordiale dans le monde des objets de collection, où l'état de conservation influence considérablement la valeur et la valeur d'une pièce. Impact culturel et mérite artistique Le compagnon de Dark Vador se situe au carrefour du pop art urbain et de l'univers cinématographique de Star Wars, créé par Lucasfilm. KAWS, qui a débuté sa carrière artistique comme graffeur dans les rues de New York, a toujours su fusionner avec brio l'iconographie commerciale et son esthétique unique. Cette œuvre ne fait pas exception : elle représente une affirmation audacieuse dans le domaine du pop art urbain, mêlant l'énergie brute et incisive du graffiti à l'histoire soignée et intemporelle de l'un des méchants les plus emblématiques du cinéma. En somme, le compagnon de Dark Vador est bien plus qu'un simple objet de collection ; c'est un commentaire sur l'influence grandissante du street art dans la culture populaire. La collaboration entre KAWS, Lucasfilm et OriginalFake illustre la capacité du pop art urbain à transcender les frontières traditionnelles et à s'imposer comme une forme d'art contemporain majeure. Collectionneurs et fans recherchent le Compagnon de Dark Vador pour sa rareté et le dialogue culturel qu'il représente : un dialogue entre la scène underground et le mainstream, entre passé et présent, entre l'art et le spectateur. Entre les mains de KAWS, l'héritage de Dark Vador est à la fois honoré et transformé, offrant une perspective inédite aussi provocatrice que respectueuse. Cette sculpture est donc une œuvre majeure qui capture l'esprit de notre époque, où le pop art urbain et le graffiti continuent de questionner, de redéfinir et d'enrichir le paysage de l'art contemporain.

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Masque Kitsune - Kurayami Édition Limitée Jouet d'Art en Polystone et Vinyle Œuvre d'Art de l'Artiste de la Culture Pop Moderne Jos Ros. Édition limitée 2022 à 300 exemplaires de 28 cm (11 pouces). Socle en polystone pouvant être posé sur une table ou fixé au mur. Fasciné par les masques, Jor Ros les intègre à son art dès qu'il le peut. S'inspirant des masques de renard japonais, il leur apporte sa propre touche avec le Masque Kitsune. De retour dans une seconde version, il arbore l'emblématique bleu marine foncé, omniprésent dans son œuvre, magnifiquement contrasté par des accents de rouge profond et d'orange. Rendez hommage à la créature légendaire avec le Masque Kitsune (Édition Kurayami) et donnez à votre collection une allure mystique grâce à cette pièce captivante !

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The Strain - Version 2 1 couleur Tirage à la main Édition limitée Sérigraphie sur papier beaux-arts par Phantom City Creative Rare Street Art Artiste célèbre d'œuvres pop. Illustrations de la série télévisée The Strain (FX) par Mondo.

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Vans x David Bowie Sk8-Hi Bowie Check Noir et Blanc - Pointure 12 - Chaussures rares en édition limitée - Œuvre d'art de collection. Neuf dans sa boîte. Célébrez une légende et l'un des meilleurs albums de tous les temps avec les Slip-On 47 V Hunky Dory, chaussures de skate issues de la collaboration Vans et David Bowie. Issues de la collection Vans et David Bowie Archive, ces chaussures arborent des empiècements en fausse fourrure à carreaux noirs, gris et blancs sur le cou-de-pied et le talon, rappelant la veste en fourrure que Bowie porte sur l'album « Hunky Dory » de 1971. Des empiècements en daim jaune doré rehaussent le col et le côté, tandis que des brides à scratch apportent une touche de couleur. Le nom de David est embossé sur la bride supérieure, et l'inscription « Hunky Dory » est gravée sur la semelle extérieure, pour un hommage vibrant à ce grand artiste.

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GMT Dark Rise Édition Limitée Sculpture d'Art en Vinyle Œuvre de Collection par l'artiste Pop Moderne Honmono Taiketsu x Fools Paradise. Édition limitée 2022, hauteur 34,5 cm (13,62 pouces), neuve en boîte. Montre Batman avec cadran Rolex. GMT Dark Rise : Une convergence du temps et de l'art en sculpture vinyle par Honmono Taiketsu x Fools Paradise La sculpture en vinyle GMT Dark Rise, édition limitée, est une remarquable illustration de la manière dont le street art, le pop art et le graffiti transcendent les supports traditionnels pour s'exprimer en trois dimensions. Cette pièce de collection, d'une hauteur de 34,5 cm (13,62 pouces), présentée neuve dans sa boîte, est le fruit d'une collaboration entre l'artiste pop moderne Honmono Taiketsu et l'agence de design créatif Fools Paradise. Elle symbolise la fusion de la culture savante et de la culture populaire en associant l'image iconique de Batman au symbole de luxe que représente le cadran d'une montre Rolex. Cette création en édition limitée de 2022 incarne l'essence même du pop art par sa réinterprétation ludique de symboles commerciaux et iconiques. En transformant l'image stoïque de Batman en une sculpture en vinyle et en intégrant le design de la montre Rolex, Taiketsu et Fools Paradise ont créé un jeu visuel qui fait écho à l'humour et à la satire souvent présents dans le pop art. Cette œuvre, résolument moderne dans sa conception, s'inscrit dans l'héritage des pionniers du pop art qui ont brouillé les frontières entre expression artistique et imagerie consumériste. La sculpture GMT Dark Rise peut être interprétée comme une réflexion sur le rapport entre le temps et la nature évolutive de l'art. En associant Batman, figure emblématique et intemporelle du super-héros, à la marque Rolex, réputée pour sa qualité et son prestige, les artistes interrogent la persistance des icônes culturelles et de l'industrie du luxe au sein de l'esprit du temps. Ce récit est habilement condensé dans un objet de collection, élément incontournable de la culture pop contemporaine et du mouvement des art toys, suggérant que l'art peut être à la fois un bien de luxe et un objet de désir produit en masse. L'impact culturel et la portée artistique de GMT Dark Rise L'impact culturel de la sculpture en vinyle GMT Dark Rise est multiple. Elle s'impose comme une œuvre marquante dans le domaine du street art, du pop art et du graffiti, et comme un objet de réflexion dans le contexte plus large du consumérisme moderne et de la commercialisation de l'art. Son attrait réside dans son accessibilité et sa familiarité. Pourtant, elle invite également le spectateur à repenser la nature de l'art et la valeur des figures culturelles célèbres dans la société contemporaine. La portée artistique de cette pièce de collection est soulignée par son édition limitée, qui lui confère une exclusivité souvent associée aux beaux-arts. Elle demeure néanmoins intrinsèquement liée à la culture urbaine et au mouvement pop art, qui ont historiquement cherché à démocratiser l'art et à abolir les frontières entre les formes culturelles « nobles » et « populaires ». La sculpture GMT Dark Rise illustre parfaitement cette philosophie en étant à la fois un objet accessible au public et une œuvre d'art soigneusement élaborée, porteuse d'une intention artistique et critique. La sculpture en vinyle GMT Dark Rise, fruit de la collaboration entre Honmono Taiketsu et Fools Paradise, est une œuvre audacieuse qui s'inscrit dans le courant du street art pop et du graffiti. Elle incarne l'esprit ludique de l'art contemporain, qui s'approprie les icônes commerciales et la culture de consommation. Cette pièce reflète non seulement la nature du temps et l'immortalité des symboles culturels, mais aussi l'évolution du paysage artistique, où les frontières entre les différentes formes culturelles s'estompent de plus en plus. Objet de collection, GMT Dark Rise témoigne du pouvoir novateur et transformateur de la collaboration dans le monde de l'art, marquant un point de rencontre tangible et stimulant entre art, commerce et culture.

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Open Minds - Sérigraphie artisanale en édition limitée 4 couleurs sur papier d'art Cream Speckletone par Shepard Fairey - Œuvre d'art de rue rare - OBEY Pop Artwork Artiste. Sérigraphie signée et numérotée OPEN MINDS 91,4 cm x 61 cm Édition limitée à 675 exemplaires 3 février 2022 Gestion des plis sur les marges inférieures gauche et droite. Cette estampe intitulée « Esprit ouvert » fait référence au discours employé par le puissant lobby de l'industrie des combustibles fossiles pour atténuer l'opposition politique et publique à la fracturation hydraulique. La fracturation hydraulique est une méthode d'extraction de gaz qui, outre l'impact carbone du gaz lui-même, contamine les nappes phréatiques, pollue l'air et exerce une pression considérable sur les ressources en eau en raison des importants volumes d'eau nécessaires au procédé. Faire preuve d'ouverture d'esprit face à ces impacts néfastes de la fracturation hydraulique et des autres extractions de combustibles fossiles est absurde si l'on se soucie de l'environnement, de la qualité de l'air et de l'eau, et du réchauffement climatique. Les grandes entreprises et leurs lobbyistes dépensent des sommes exorbitantes pour détourner l'attention et discréditer le débat scientifique sur l'environnement. Je suis entièrement favorable à l'ouverture d'esprit et à la vigilance lorsqu'il s'agit de placer la science et le bien-être de la planète avant les profits des entreprises. Une partie des bénéfices de cette estampe sera reversée à Greenpeace afin de soutenir son action pour renforcer la protection de l'environnement et lutter contre le changement climatique. – Shepard

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« Sleep Paralysis 1.0 », œuvre d'art en édition limitée, impression giclée sur papier d'art de qualité supérieure, par l'artiste de graffiti pop culture Meagan Magpie Rodgers. 100 tirages giclée 11x17” signés et numérotés sur papier beaux-arts.

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Big Rock, tirages d'art giclée en édition limitée sur papier Entrada 290 g/m², par Scott Listfield, artiste de graffiti, de street art et de culture pop. Estampe giclée Big Rock avec finition sérigraphique brillante par Scott Listfield 24" x 20" Impression giclée avec finition sérigraphique brillante sur papier entrada 290 g/m² Édition de /50 Signée

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Ligne 2 7 Avenue OTboys - Silver Sign Art Mixed Media sur panneau de signalisation MTA Peinture Œuvre d'art de l'artiste de culture pop de rue Cope2. Né en 1968 à New York sous le nom de Fernando Carlo Jr., Cope 2 a exposé ses œuvres lors d'expositions individuelles et collectives dans des galeries et des musées aux États-Unis et à l'étranger. Artiste autodidacte et figure légendaire du graffiti, il contribue depuis plus de 30 ans à la culture urbaine. Comptant parmi les graffeurs les plus prolifiques de New York, il a commencé à taguer son nom dans le South Bronx en 1978. Il a développé son style dans le métro et les rues du Bronx, créant des œuvres de graffiti tout au long des années 1980 et 1990 et acquérant une reconnaissance internationale pour son style unique. Fernando Carlo, alias COPE2, est un artiste américain, figure emblématique de la scène graffiti new-yorkaise. Son implication dans le street art des années 80 et 90 a progressivement contribué à forger sa réputation, faisant de lui l'un des graffeurs les plus connus des États-Unis. À la fois controversée et iconique, son parcours et son engagement dans le graffiti depuis les dernières décennies du XXe siècle éclairent l'histoire même du graffiti et son évolution au fil des ans.

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FL-001 Pointman Figurine en vinyle noir, jouet d'art par Futura 2000 - Sculpture en vinyle de Leonard McGurr, œuvre d'art de collection par l'artiste pop street. Édition limitée 2019 à 500 exemplaires. Œuvre d'art de 9,5 x 30,5 cm (3,75 x 12 pouces). Neuve en boîte. Noire. 5 points d'articulation. Figurine FL-001 Pointman en vinyle noir par Futura 2000 La figurine FL-001 Pointman en vinyle noir est une pièce de collection saisissante, conçue par Leonard McGurr, plus connu sous le nom de Futura 2000, pionnier du graffiti et du pop art urbain. Sortie en 2019, cette figurine, éditée à 500 exemplaires, mesure 30 cm de haut et arbore une élégante finition noire. Dotée de cinq points d'articulation, cette sculpture en vinyle illustre parfaitement le style emblématique de Futura 2000, mêlant esthétique futuriste et culture urbaine. Présentée dans un coffret exclusif, cette figurine est à la fois une œuvre d'art et un témoignage de l'influence durable de l'artiste sur le monde de l'art. Une vision futuriste en vinyle Le Pointman FL-001 est immédiatement reconnaissable comme une extension du langage stylistique abstrait et avant-gardiste de Futura 2000. Ses membres allongés, ses traits anguleux et sa finition noire minimaliste évoquent une sophistication presque surnaturelle. Grâce à ses cinq points d'articulation, cette figurine n'est pas seulement une sculpture statique, mais aussi une œuvre d'art interactive. La palette monochrome renforce son esthétique futuriste, permettant au spectateur de se concentrer sur les détails sculpturaux complexes et la forme dynamique qui caractérisent la série Pointman de Futura 2000. Le génie de Futura 2000 Leonard McGurr, plus connu sous le nom de Futura 2000, est un artiste légendaire qui s'est imposé sur la scène graffiti des années 1980. Reconnu pour son approche abstraite du graffiti et son utilisation novatrice de l'espace et des formes, Futura 2000 a marqué durablement le street art et l'art contemporain. Son personnage, Pointman, est devenu un motif récurrent dans son œuvre, symbolisant la fusion des éléments humains et mécaniques et faisant le lien entre l'organique et le futuriste. La figurine en vinyle FL-001 Pointman s'inscrit dans la continuité de cet héritage, donnant vie à sa vision en trois dimensions. Une pièce de collection très recherchée Avec seulement 500 exemplaires existants, la figurine FL-001 Pointman en vinyle noir est une pièce rare et précieuse pour toute collection d'art urbain ou de figurines de créateurs. Son impressionnante hauteur de 30 cm et sa finition impeccable en font une pièce maîtresse à exposer, que ce soit à la maison, dans une galerie ou au bureau. Son élégante finition noire lui confère une touche de sophistication, tandis que ses cinq points d'articulation offrent une grande variété de poses et une présentation soignée. Emballée dans un coffret sur mesure, elle est livrée complète, prête à être admirée et conservée. La figurine FL-001 Pointman en vinyle noir de Futura 2000 est bien plus qu'un simple objet de collection : elle témoigne de l'approche novatrice de l'artiste en matière de design et de sa capacité à fusionner la culture graffiti et les beaux-arts. Son édition limitée, combinée à son design saisissant et à sa portée culturelle, en fait un incontournable pour les amateurs et collectionneurs d'art moderne et de culture urbaine. Cette figurine rend hommage à l'influence durable de Futura 2000 sur l'art contemporain.

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Paquet de cigarettes Shark Toof, édition limitée, sérigraphie 2 couleurs sur papier d'art Cougar Fine Art 130 lb, par l'artiste de rue Shark Toof, art pop moderne. 2016 Signé Édition limitée numérotée à 4 exemplaires . Format de l'œuvre : 18 x 24 pouces. Après une année bien remplie à implanter l'icône Shark Toof dans les rues, je ne savais pas vraiment quelle direction donner à cette icône. Il m'a fallu un peu de solitude pour défendre pleinement mes convictions sans devenir un artiste engagé. En réfléchissant aux formes iconographiques, le paquet de cigarettes m'est apparu comme une forme facilement identifiable, ce qui m'a conduit à l'idée des « Plaisirs coupables » et du paquet de cigarettes Shark Toof. Bien que je ne sois pas fumeur moi-même, je soutiens chacun dans son droit de s'adonner aux plaisirs qu'il souhaite, tant que cela ne nuit pas à autrui. – Shark Toof

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Strangekiss Anarchy Black Cat Qee, figurine de collection en vinyle en édition limitée, œuvre d'art réalisée par l'artiste de graffiti de rue Frank Kozik. Édition limitée signée de 2007 à 300 exemplaires. Œuvre de Frank Kozik, 20 cm de haut. Figurine signée Toy2R Strangekiss Anarchy Black Cat Qee avec boîte. Strangekiss Anarchy Black Cat Qee par Frank Kozik – Œuvre d'art pop et graffiti La figurine Strangekiss Anarchy Black Cat Qee, créée par Frank Kozik, figure emblématique du street art pop, est une pièce de collection incontournable dans l'univers des figurines en vinyle. Sortie en 2007 chez Toy2R et distribuée par Strangekiss, elle fusionne la force esthétique de l'anarchie punk avec l'attrait underground de la culture graffiti. Limitée à seulement 300 exemplaires dans le monde, chaque pièce est signée par Frank Kozik lui-même, ce qui renforce son importance en tant qu'œuvre d'art et témoignage culturel. Cette figurine en vinyle de 20 cm est bien plus qu'un simple jouet : c'est une incarnation sculpturale de la rébellion, de la contestation créative et d'un commentaire avant-gardiste sur le design. L'utilisation par Kozik d'un noir profond, de touches de vert pâle et d'une expression faciale minimaliste canalise l'esprit des fanzines punk et l'éthique du « fait maison », pour créer une œuvre d'art qui ravira collectionneurs et amateurs. Le style caractéristique de Frank Kozik dans l'art urbain pop et le graffiti Frank Kozik, né en Espagne et ayant principalement œuvré aux États-Unis jusqu'à sa mort en 2023, s'est imposé comme une figure emblématique grâce à son langage visuel sans concession, présent sur des affiches, des supports musicaux et des figurines en vinyle. Reconnu pour son mélange de satire politique et d'esthétique subculturelle, son œuvre a toujours insufflé l'énergie irrévérencieuse du punk, de la bande dessinée underground et du graffiti. La figurine Strangekiss Anarchy Black Cat Qee illustre le goût de Kozik pour l'association de graphismes audacieux et d'influences issues de l'art populaire. Avec ses sourcils anguleux, le symbole de l'anarchie sur son front et une cigarette au bec, ce personnage incarne une position de défi face à l'uniformisation du design dominant. La silhouette féline exagérée est adoucie par des membres arrondis et des pattes surdimensionnées, créant un contraste humoristique avec l'allure agressive du personnage. Les jouets Qee Platform comme objets d'art dans le graffiti et la culture pop La plateforme Qee, développée par Toy2R à Hong Kong, est un pilier du mouvement des figurines de créateurs depuis le début des années 2000. Véritable toile vierge pour certains des artistes de graffiti et de street art les plus créatifs au monde, la série Qee a accueilli des créations personnalisées de grands noms tels que Shepard Fairey, Sket One et Kozik. La figurine Qee « Anarchy Black Cat » s'inscrit dans cette tradition tout en repoussant les limites grâce à son symbolisme engagé et son attitude expressive. Chaque exemplaire de cette édition limitée était présenté dans une boîte rose et jaune éclatante ornée de phrases comme « The Future Is Stupid », reflétant la propension de Kozik à contester l'autorité et la société de consommation tout en interpellant les collectionneurs par un humour provocateur et subversif. Art urbain pop et graffiti dans le mouvement de l'art vinyle Cette figurine Qee en édition limitée témoigne du métissage entre le pop art urbain, le graffiti et la culture des figurines de collection. En s'inspirant des symboles de la contre-culture et en les réinterprétant sous forme de figurines en vinyle à collectionner, Frank Kozik a forgé un nouveau langage visuel qui trouve sa place aussi bien dans les galeries d'art que dans la scène streetwear. Ses collaborations avec des marques comme Toy2R ont permis à une nouvelle génération d'artistes d'accéder au marché de l'art avec des œuvres tridimensionnelles qui font écho à l'éphémère et à l'esprit subversif du graffiti. La figurine Strangekiss Anarchy Black Cat Qee, avec son allure anarchiste et son sourire narquois, reste l'un des exemples les plus marquants de la manière dont la création de jouets par des artistes a contribué à façonner l'art urbain au début des années 2000. Cette figurine n'est pas qu'un simple objet en vinyle ; c'est une œuvre sculptée qui incarne un esprit contestataire, imprégné de l'expression du graffiti et du pop art.

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Dette payée dans le sang - Édition limitée variante 1 couleur, sérigraphie artisanale sur papier beaux-arts par l'artiste pop Robert Wilson IV. Édition limitée à 25 exemplaires, signée et numérotée, 2012. Dimensions de l'œuvre : 18 x 24 pouces. Cette estampe a été initialement créée pour l'exposition d'art « Battles » de Floating World Comics, inspirée par l'univers des yakuzas, à Portland ! Cette sérigraphie de 45,7 x 61 cm est signée et numérotée par l'artiste et fait partie d'une édition limitée à seulement 25 exemplaires. Imprimée sur papier kraft.

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Œuvre d'art Master Dog, impression giclée en édition limitée sur papier d'art 100% coton, par l'artiste de graffiti pop culture Naoto Hattori.

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Famille - Figurine de collection en vinyle noir en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste pop moderne Kaws. Édition limitée ouverte 2021. Dimensions : 34 × 31 × 14,5 cm (13,39 × 12,2 × 5,71 po). Présentée avec sa boîte. La série Family-Black de KAWS : une fusion entre le street art, le pop art et la culture des objets de collection La collection de figurines en vinyle « Family-Black », édition limitée, est une création unique de KAWS, artiste pop contemporain dont le travail brouille constamment les frontières entre beaux-arts et design commercial. Lancée à l'occasion de l'exposition TOKYO FIRST 2021, cette série met en scène des personnages emblématiques de l'œuvre de KAWS. Mesurant 34 x 31 x 14,5 cm, le coffret comprend les figurines Companion, une figurine Chum (mini et taille réelle) et une figurine BFF, toutes arborant une élégante finition noire qui confère à l'ensemble un impact visuel saisissant et harmonieux. Chaque figurine se distingue par son subtil mélange de sophistication et de fantaisie, signature du style KAWS. Présentées dans leur boîte d'origine, les figurines sont en parfait état et leur valeur en tant qu'objets d'art est renforcée. La sortie du coffret « Family-Black » offre aux collectionneurs, novices comme confirmés, l'opportunité de posséder une pièce de l'héritage de KAWS, qui continue de façonner le paysage du street art et du graffiti. La vision artistique de KAWS : intégrer le design de jouets à l'art contemporain L'approche artistique de KAWS est unique en ce qu'elle intègre la culture urbaine, le pop art et des éléments de design de jouets dans une esthétique singulière et reconnaissable. Son œuvre n'hésite pas à s'adresser à un public plus large, lui permettant ainsi de découvrir l'art contemporain. La série Family-Black, avec ses personnages et ses tailles variés, représente la diversité des expressions de la vision artistique de KAWS, du tendre et minuscule mini Companion à l'imposante figurine Chum. Ces objets de collection, à la fois ludiques et fantaisistes, véhiculent une critique sous-jacente des structures sociales et de l'individualité, en accord avec les thèmes du graffiti. La couleur noire uniforme amplifie ce propos, soulignant les silhouettes et les formes des personnages et faisant ressortir les subtilités de leur design. Cet ensemble n'est pas qu'une simple collection de jouets : c'est une véritable exposition de l'exploration par KAWS de l'interaction entre l'art, l'émotion et la culture de consommation. Pertinence culturelle de l'œuvre « Family-Black in the Street » de KAWS La sortie de la série Family-Black lors de l'exposition d'art TOKYO FIRST 2021 marque un tournant dans le monde du street art et du graffiti. La décision de KAWS de proposer ces personnages, chacun bénéficiant d'une communauté de fans dévouée, témoigne de l'importance culturelle et du lien émotionnel que suscite son œuvre. Identiques en couleur, les figurines se distinguent par leur texture et leurs détails : l'aspect doux et fibreux de la figurine BFF contraste avec la finition brillante des figurines Companions et Chum. Cette diversité au sein de la collection illustre la nature multiforme du street art, à la fois unanime dans sa rébellion contre les formes d'art traditionnelles et diversifié dans son exécution et sa représentation. La série Family-Black de KAWS devient ainsi un microcosme du potentiel du street art à la fois universel et profondément personnel. En édition limitée ouverte, la collection allie exclusivité et accessibilité, invitant un large public d'amateurs d'art à découvrir l'univers créatif de KAWS.

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ABSDUNK Tirage d'art en édition limitée à base de pigments d'archivage sur papier Moab Entrada 290 g/m² par l'artiste ABSTRK, figure emblématique du street art pop graffiti. Tirage d'art signé et numéroté 23/23, sur papier Moab Entrada Fine Art 290 g/m². Édition limitée à 23 exemplaires. Signé et numéroté 23/23.

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Sérigraphie artisanale en édition limitée 3 couleurs « Untitled Squid Misfit Crew » sur papier vélin, par Buff Monster. Œuvre rare de street art d'un célèbre artiste pop. Épreuve d'artiste (EA). Sérigraphie en couleurs sur papier vergé, 61,3 x 46,4 cm (feuille). Chaque EA est signée, numérotée et datée au crayon en bas à droite. Légères éraflures et rayures, plus visibles à l'encre noire. Très légères marques de manipulation.

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Anatomie d'un ours exceptionnel, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de Phil Lumbang, artiste de rue graffiti, art pop moderne.

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The Crawler - Édition limitée noire, sérigraphie artisanale bicolore sur papier Arches Rag 290 g/m² à bords frangés, par Cleon Peterson, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 150 exemplaires, signée et numérotée, 2017. Dimensions de l'œuvre : 20 x 26,75 pouces. Les estampes de Cleon Peterson sont éditées à 150 exemplaires. Réalisées en juin 2017, elles sont signées et numérotées par l'artiste. Format : 50,8 x 66 cm (20 x 26,75 pouces). L'univers de Cleon Peterson est empreint d'une cruauté impitoyable, d'une débauche chaotique et d'une lutte sans fin contre le pouvoir et l'oppression. Ses compositions, d'une apparente simplicité, recèlent des connotations complexes et une critique troublante de la marginalisation, de l'isolement et du désespoir croissants de la société. À la vue de son œuvre, on comprend aisément que l'artiste ne prône pas la violence ; il l'utilise plutôt comme une arme dans sa lutte contre l'apathie.

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Tête de requin - Peinture à la main et sérigraphie rouge fluorescente, plusieurs exemplaires sur panneau de bois découpé au laser, prêt à être accroché, par Shark Toof, artiste de rue graffiti, art pop moderne. 2016​ Signé Édition limitée numérotée HPM estampillée à 4 exemplaires. Œuvre d'art sur bois, format 10x16. « Ce nouveau corpus d'œuvres est un mélange de mes racines graffiti, là où j'ai vraiment développé mon propre style. En même temps, il y a aussi un aspect de ce travail qui consiste à ne pas se prendre trop au sérieux, à détourner en quelque sorte ses propres icônes », a déclaré Shark Toof lors de ses préparatifs à Detroit. « J'aime Detroit parce que c'est une ville très "faites-le vous-même", et je suis un artiste très "faites-le vous-même", donc c'est un endroit qui me correspond parfaitement. »

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Dessin original de poisson dessiné à la main sur papier d'art vieilli et frangé à la main, encadré, par l'artiste surréaliste Naoto Hattori. Dessin original unique au crayon/graphite signé en 2012. Œuvre encadrée. Dimensions du cadre : 8,5 x 8,5. Dimensions de l’image : 3 x 5. Encadrement et passe-partout personnalisés par l’artiste. Légères éraflures sur le cadre, normales compte tenu de l’âge. Le parcours artistique du dessin original de poisson de Naoto Hattori La contribution unique de Naoto Hattori au monde de l'art trouve souvent sa juste place à la croisée du surréalisme et du street art. L'œuvre originale « Fish Original », dessinée à la main sur papier d'art vieilli et frangé, est une illustration parfaite de ce mélange artistique. Réalisé en 2012, ce dessin original au crayon et au graphite témoigne du style complexe de Hattori et de sa capacité à créer profondeur et narration au sein d'un sujet minimaliste. L'œuvre, présentée dans un cadre sur mesure de 21,6 x 21,6 cm, dévoile une image de 7,6 x 12,7 cm, offrant un aperçu de la perspective surréaliste de l'artiste à travers le prisme du pop art et du graffiti. Cette pièce unique signée par Hattori est un dessin original et original, illustrant l'impact subtil et puissant de l'art monochrome. Le choix du papier d'art vieilli et frangé témoigne de l'attachement de Hattori aux qualités texturales que ce support confère à l'œuvre. Les bords irréguliers confèrent à l'œuvre une touche d'ancienneté et un aspect organique, enrichissant l'expérience visuelle et soulignant la simplicité du sujet : un poisson. Le dessin, d'une représentation directe, est empreint de mouvement et de vie, capturant l'essence du sujet avec un réalisme délicat, caractéristique du travail d'Hattori. Explorer les nuances du surréalisme d'Hattori dans le contexte du street art L'œuvre « Fish Original » de Naoto Hattori est un clin d'œil subtil à la fluidité du pop art urbain et à la force évocatrice du graffiti. Bien que le travail d'Hattori soit principalement ancré dans le surréalisme, l'influence du street art est manifeste dans sa manière d'aborder ses sujets. Ce dessin possède une certaine spontanéité et une authenticité, qualités souvent admirées dans le street art. Le trait de crayon est précis, mais une liberté et une spontanéité sous-jacentes s'accordent avec l'esprit du graffiti. Encadré et sous passe-partout sur mesure par l'artiste, le dessin « Fish Original » reflète l'implication d'Hattori dans son art, de sa conception à sa présentation. Les légères éraflures sur le cadre, témoins de son âge, ajoutent du caractère à l'œuvre, suggérant une histoire au-delà de son contenu visuel. Ce type de patine attire souvent les amateurs de street art, car elle confère à ces œuvres une dimension narrative riche et personnelle. Ces éraflures ne sont pas des défauts, mais les marques d'un parcours, à l'image des murs patinés qui servent de toiles au street art. Art urbain pop, graffiti et intimité des œuvres à petite échelle L'univers du street art et du graffiti est réputé pour son audace et sa visibilité à grande échelle. Pourtant, des œuvres comme « Fish Original » de Hattori remettent en question cette convention en mettant en lumière l'intimité des œuvres de petit format. À travers ce dessin, Hattori démontre que l'essence du street art ne se limite pas à la taille, mais réside dans l'authenticité et la puissance expressive de l'œuvre. Le choix de l'encadrement et du passe-partout personnalise davantage l'œuvre, lui conférant un caractère narratif, à l'instar du street art qui, souvent, raconte des histoires dans l'espace public. « Fish Original » de Naoto Hattori fait le lien entre les mondes souvent distincts des beaux-arts et du street art, alliant la précision du dessin au crayon à l'accessibilité et à l'émotion propres au street art. Cette œuvre illustre comment l'art peut transcender les frontières et s'adresser à un public diversifié. Ce dessin, d'une facture méticuleuse et sur fond de papier vieilli texturé, est une œuvre précieuse de l'art contemporain. Il offre un moment de contemplation et de connexion au cœur du dialogue foisonnant entre le pop art urbain et le graffiti. Il témoigne du potentiel que recèle la fusion de différentes disciplines artistiques, tel que le perçoit le regard visionnaire de Naoto Hattori.

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Mark Lanegan 60 Sérigraphie noire par Cleon Peterson sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés, édition limitée. 2024 Signée et numérotée Édition limitée à 100 exemplaires par Cleon Peterson Format de l'œuvre : 15x24 Impression sérigraphique. « Cette estampe est un hommage à mon ami, Mark Lanegan, et a été publiée à l'occasion de son 60e anniversaire. Je n'oublierai jamais nos promenades dans la lumière et l'obscurité. » – Cleon Peterson Un hommage significatif à une voix retentissante Cleon Peterson, artiste américain reconnu pour ses images saisissantes et ses réflexions sur les conflits humains, a créé cette sérigraphie en édition limitée en hommage à Mark William Lanegan. Le chanteur américain Lanegan s'est éteint le 22 février 2022, laissant une empreinte indélébile sur ceux qui l'ont connu et ont admiré son œuvre. Peterson a souhaité honorer le 60e anniversaire du chanteur à travers cette pièce, reflétant les parcours partagés et l'esprit de découverte qui les unissaient. L'œuvre présente une composition saisissante en rouge, noir et blanc, symbolisant à la fois une introspection profonde et une révélation lumineuse. Chaque élément du dessin traduit tension et apaisement, faisant écho à la profondeur émotionnelle de la musique de Lanegan et à la finesse d'observation qui caractérise la démarche artistique de Peterson. Cette estampe de 38 x 61 cm (15 x 24 pouces) sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés capture un échange intense entre deux figures. L'une, d'un rouge vif, suggère une présence surnaturelle, tandis que la silhouette humaine centrale se détache en noir profond. Leurs poses et leurs gestes suggèrent une tension entre l'ombre et la lumière, un motif qui fait écho au parcours créatif de Lanegan. Les formes tourbillonnantes qui entourent les personnages évoquent le feu, la passion et un tumulte potentiel, renforçant ainsi l'utilisation caractéristique par Peterson de silhouettes audacieuses et d'espaces négatifs intentionnels. En mêlant des détails minimalistes à des couleurs très contrastées, la composition conserve une intensité saisissante qui attire le regard du spectateur au cœur même de son message émotionnel. Symbolisme et expressions visuelles Le jeu de couleurs de cette sérigraphie reflète la manière dont la musique de Lanegan explorait souvent des espaces d'introspection et de ferveur. La figure rouge suggère la force de la tentation ou de la lutte, tandis que la figure noire semble suspendue entre soumission et résistance. Ces thèmes s'inscrivent dans l'œuvre plus vaste de Peterson, qui met fréquemment en scène des confrontations dramatiques entre des éléments contrastés. Les textes en haut et en bas font référence au 60e anniversaire de Lanegan et à un lieu emblématique, ancrant l'image dans un contexte à la fois festif et introspectif. Le spectateur est invité à réfléchir à la manière dont la mémoire, l'amitié et l'expression créative s'entremêlent, façonnant un récit qui transcende la simple commémoration d'un anniversaire. Liens entre le street art, le pop art et le graffiti Les amateurs de street art et de graffiti reconnaîtront le style distinctif de Peterson, qui utilise des aplats de couleur et des contours marqués pour transmettre des messages forts. Cette approche, qui rappelle les fresques murales audacieuses et les interventions graphiques, possède une force qui trouve un écho aussi bien dans l'espace urbain que dans les galeries d'art. Les figures surdimensionnées, soulignées par un rouge vif et un noir profond, conservent l'immédiateté souvent associée au graffiti et aux pratiques artistiques urbaines. La technique de Peterson entremêle l'influence de la culture pop à une énergie brute inspirée de la rue, reflétant un héritage commun de remise en question des esthétiques conventionnelles. L'ensemble reflète une approche moderne des images iconiques, où quelques formes simplifiées transmettent une grande richesse émotionnelle. Détails de production et collection Créée en 2024 en une édition signée et numérotée de 100 exemplaires, la sérigraphie blanche « 60 » de Mark Lanegan témoigne avec soin du dévouement de l'artiste. Chaque pièce est imprimée sur un luxueux papier d'art Coventry Rag de 290 g/m², frangé à la main pour une subtile touche artisanale. Les bords texturés évoquent le travail manuel de la sérigraphie, fusionnant design contemporain et techniques ancestrales. Les collectionneurs apprécient le caractère exclusif de cette édition et la résonance émotionnelle du sujet, le lien personnel entre Peterson et Lanegan conférant une profondeur supplémentaire à la composition. Cette œuvre incarne le puissant mélange de respect, d'amitié et d'influences street art et graffiti qui caractérise le travail de Peterson, rappelant aux spectateurs le pouvoir durable des voix créatives, même après leur disparition.

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Paranoïa n° 3 - Neon Rainbow 6 couleurs, édition mixte, sérigraphie en édition limitée tirée à la main sur papier d'art de Tim Oliveira, artiste de street art rare et célèbre du pop art. Estampe en édition mixte ME. Les couleurs des estampes varient selon les numéros de l'édition. Hommage à l'actrice Anita Ekberg. Tirage limité à 36 exemplaires (tous uniques). Dimensions : 45,7 x 57,8 cm. Sérigraphie en édition limitée, signée et numérotée au crayon. Chaque estampe de cette édition spéciale est unique, avec un fond dégradé, et ne sera jamais reproduite.

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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J'en ai marre de ce faux voyou Dead Prez. Sérigraphie de Mark Drew, tirée à la main sur papier d'art, édition limitée. Édition limitée signée et numérotée de 2019 à 200 exemplaires. Sérigraphie 17x11 de Lucy van Pelt et Pig Pen pensant « J'en ai marre de ce faux scénario de rap RNB de voyou ». Commentaires de Mark Drew sur la pop urbaine à travers Peanuts et Dead Prez L'estampe sérigraphique de Mark Drew, sortie en 2019 et intitulée « I'm Sick Of That Fake Thug », fusionne avec brio la culture musicale et l'imagerie nostalgique des dessins animés. Connu pour ses remixes originaux des personnages de Peanuts avec des paroles hip-hop classiques, Drew s'inspire de la voix révolutionnaire de Dead Prez pour créer un commentaire percutant sur l'authenticité et la culture urbaine au sein de l'industrie musicale. Cette édition sérigraphique artisanale, limitée à 200 exemplaires signés et numérotés, mesure 43 x 28 cm et utilise un contraste visuel saisissant pour renforcer son message. L'estampe met en scène Lucy van Pelt et Pig Pen, dont les contours noirs se détachent sur un fond jaune et blanc chaleureux. Drew y capture un moment de critique tiré des paroles de Dead Prez, l'ancrant visuellement dans l'innocence de la bande dessinée de Schulz. Juxtaposition stylistique et subversion culturelle L'œuvre se nourrit de la juxtaposition. La familiarité enfantine de Peanuts contraste avec l'un des groupes de hip-hop les plus engagés politiquement et socialement des années 2000. Pig Pen, connu pour son allure débraillée, devient le porte-parole inattendu d'une frustration face aux représentations inauthentiques dans l'industrie du R&B et du rap. Cette contradiction renforce l'engagement du spectateur, l'incitant à repenser sa consommation culturelle. La technique constante de Drew, qui consiste à superposer la simplicité des dessins animés vintage à des textes hip-hop percutants, transforme ses estampes en vecteurs de dialogue culturel. Cette œuvre en particulier utilise ses formes épurées, sérigraphiées, et sa typographie expressive pour délivrer une vérité percutante, dissimulée sous un voile d'humour et de nostalgie. Processus et format limité dans le pop art urbain Réalisée selon la technique traditionnelle de la sérigraphie artisanale, l'œuvre de Drew s'inscrit dans la tradition tactile du street art et du graffiti. Chaque exemplaire de cette édition limitée à 200 exemplaires témoigne de l'implication directe de l'artiste et de son attachement à l'authenticité, renforçant paradoxalement la critique même inscrite dans le message de l'estampe. La palette de couleurs maîtrisée (noir, jaune et blanc) confère à l'œuvre un rythme visuel qui soutient la dimension poétique du sujet tout en la rendant accessible grâce à des personnages reconnaissables. Les estampes de Drew ne sont pas des reproductions numériques de masse, mais des œuvres d'art de collection qui préservent l'esprit rebelle du graffiti. Le récit hip-hop en cours de Mark Drew Basé à Tokyo, Mark Drew continue d'enrichir les débats autour du hip-hop, de la nostalgie et du commentaire culturel à travers ses œuvres de street art pop. Sa réinterprétation d'icônes pop américaines emblématiques, replacées dans le contexte de la culture hip-hop mondiale, trouve un écho intergénérationnel. En associant la critique de Dead Prez à des personnages comme Lucy et Pig Pen, Drew rend hommage non seulement à la force des textes et à l'activisme, mais souligne également comment l'art visuel peut amplifier les vérités émotionnelles et sociales véhiculées par la musique. Chaque estampe de cette série possède une valeur artistique indéniable et reflète le dialogue permanent entre art, résistance et authenticité.

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La vie est belle - Sculpture en résine coulée, peinte et revêtue thermiquement, édition limitée 2015, œuvre d'art du légendaire artiste de rue graffeur Mr Brainwash - Thierry Guetta. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée , 2015. Dimensions de l'œuvre : 8,75 x 5,5 pouces. Tirage limité à 100 exemplaires. Signés, numérotés et datés à la main. Découvrez la réédition spéciale de la sculpture « La vie est belle ». Réalisée en résine coulée résistante, elle est revêtue d'un film thermique décliné dans huit couleurs emblématiques de Mr. Brainwash. Chaque sculpture sera signée, numérotée et datée par l'artiste. Très léger éclat de peinture au verso.

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Les Nouvelles Aventures de Sabrina #2 Édition Limitée Sérigraphie 4 Couleurs Tirée à la Main sur Papier Beaux-Arts par Francesco Francavilla Artiste de Rue Graffiti Art Pop Moderne.

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Achetez Inside Out in Shimmering Red / Jerry B-Side HPM 2-Color Hand-Pulled Limited Edition Silkscreen Print With Acrylic, Silkscreen Ink and Spraypaint⁠ on 310 gsm Coventry Rag (Deckle Edge) by Faile Rare Street Art Famous Pop Artwork Artist. Une nouvelle petite édition peinte à la main du studio. Celui-ci avec l'image "Inside Out". Une édition studio classique, peinte et imprimée à la main, chacune avec ses propres touches. Ce papier est lourd, travaillé en profondeur et taché. Inside Out in Shimmering Red / Jerry B-Side 38 x 25 Édition variée peinte à la main de 24 Acrylique et encre sérigraphique sur papier d'archive Estampillé, gaufré et signé Faile 1986

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« La moustache de Dali » - Estampe rehaussée sur panneau de bois HPM encadrée et prête à accrocher, par Jeff Soto, artiste de rue et de graffiti, art pop moderne. 25,4 x 38,1 cm (10 x 15 po). Impression d'art sur bois de bouleau durable de 19 mm (3/4 po), finition blanc éclatant. Signée et numérotée à la main, chaque exemplaire est rehaussé à la main par Jeff Soto. Édition exclusive DesignerCon 2017.

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