Boîte à emporter - Boîte de nourriture chinoise en édition limitée, sculpture d'art en techniques mixtes, œuvre d'art de collection de l'artiste pop street Sket One. Édition limitée 2022 à 10 exemplaires. Dimensions : 12,7 cm x 19 cm x 12,7 cm. Neuf dans sa boîte. Signée. Objet d'art décoratif représentant un chow mein chinois à emporter, réalisé en résine et techniques mixtes. Comprend une boîte en carton et des baguettes en bois. Signée et numérotée au dos. Boîte de nourriture chinoise à emporter par Sket-One : un objet de collection pop art La boîte de plats chinois à emporter est une œuvre marquante du genre street art et graffiti. Créée par le célèbre artiste Sket-One, cette pièce de collection fusionne l'emballage traditionnel des plats chinois à emporter avec la créativité expressive du street art. Sket-One, de son vrai nom Andrew Yasgar, installé aux États-Unis, s'est forgé une réputation en transformant des objets du quotidien en œuvres d'art audacieuses et humoristiques. Cette édition limitée de 2022 illustre parfaitement son talent pour fusionner la culture pop avec son style inspiré du graffiti. Chaque exemplaire est réalisé avec soin, signé et numéroté, ce qui en fait une pièce de collection unique et très recherchée. Le savoir-faire et les matériaux utilisés pour l'œuvre d'art Cette œuvre mesure 12,7 cm x 19 cm x 12,7 cm et est composée d'un mélange de résine, de papier et de bois. La pièce maîtresse est une sculpture en résine détaillée représentant un chow mein aux crevettes, agrémenté de légumes colorés, servi dans une traditionnelle boîte à emporter en papier blanc. Les baguettes en bois, qui dépassent de la boîte, complètent la présentation réaliste. L'œuvre de Sket-One allie humour et nostalgie à la précision de l'artisanat multimédia. L'ajout d'un visage souriant sur la boîte lui confère une dimension ludique, presque animée, faisant le lien entre le graphisme audacieux du graffiti et l'esthétique tangible de la culture pop. Quand le pop art rencontre l'esthétique du graffiti urbain Le street art, fusion d'esthétique graffiti et de culture pop, trouve un parfait exemple dans l'œuvre de Sket-One. La boîte de nourriture chinoise à emporter aborde les thèmes de la mondialisation, de la culture du fast-food et de la nostalgie. L'intégration d'un objet aussi courant qu'une boîte de nourriture chinoise crée un sentiment de familiarité, tandis que la transformation artistique repousse les limites. Sket-One redéfinit l'interaction entre l'art et le spectateur en utilisant l'humour et une pointe d'ironie. L'œuvre rend non seulement hommage à la culture omniprésente des plats à emporter, mais la transforme également en une déclaration artistique intemporelle. Elle remet en question les notions traditionnelles de beaux-arts en élevant un objet ordinaire au rang de sculpture, en résonance avec la culture contemporaine. L'héritage de Sket-One dans le Street Pop Art Les œuvres de Sket-One sont largement reconnues pour leur humour, leur originalité et leur fusion harmonieuse de street art et de graffiti. Né dans le Connecticut, aux États-Unis, Sket-One a débuté comme graffeur avant de se tourner vers la création de jouets design et l'art multimédia. Son talent pour fusionner les influences urbaines et les éléments de la culture pop a rendu ses créations très recherchées. La « Boîte à emporter chinoise » témoigne de son talent et de son esprit novateur. Tirée à seulement dix exemplaires, cette œuvre en édition limitée est rapidement devenue une pièce de collection prisée des amateurs d'art et des passionnés de street art. Cette sculpture incarne l'approche artistique unique de Sket-One, où le quotidien se métamorphose en extraordinaire.

Lis Plus Moins

Impressions d'art en édition limitée sur toile, réalisées à partir de pigments d'archives, sur le thème du chien chasseur de canards, par Dave Pollot, artiste de graffiti, de street art et de culture pop. Édition limitée signée et numérotée de 100 exemplaires (2022). Œuvre d'art de 24 x 20 pouces. Ducker Hunter, chien stylisé 8 bits de style Nintendo NES et canards réalistes volant sur un lac. À propos du chien chasseur de canards : Tirage pigmentaire d'archives en édition limitée par Dave Pollot « On the Duck Hunter Dog » est une estampe d'art en édition limitée (2022) réalisée par Dave Pollot, artiste de street art et de pop culture, sur papier pigmentaire d'archives. Signée et numérotée à 100 exemplaires, cette œuvre de 61 x 51 cm met en scène un chien emblématique en 8 bits, tiré du jeu vidéo culte Duck Hunt sur Nintendo NES. Représenté dans sa forme pixélisée et nostalgique, le chien se détache sur un paysage réaliste peint avec minutie, où des canards planent au-dessus d'un lac paisible. La capacité de Pollot à fusionner l'univers onirique du numérique avec la sérénité de l'art traditionnel témoigne de sa maîtrise dans l'art de combiner références à la pop culture et esthétique classique, faisant de cette pièce un exemple remarquable de street art. La fusion de la culture pop et des beaux-arts Dave Pollot est reconnu pour son art d'intégrer harmonieusement des icônes de la culture pop à des décors classiques ou traditionnels. Sur l'œuvre « On the Duck, Hunter Dog », il illustre parfaitement cette approche en plaçant un personnage 8 bits à basse résolution, issu d'un jeu vidéo culte des années 1980, au cœur d'un magnifique paysage champêtre. L'œuvre capture l'essence de deux univers : la nostalgie numérique et pixélisée de l'époque du jeu vidéo et la sérénité d'un beau paysage. Le chien de Duck Hunt est l'un des personnages de jeu vidéo les plus emblématiques pour toute une génération de joueurs. Célèbre pour son rire moqueur lorsque les joueurs ratent leur cible, ce personnage suscite un mélange d'affection et de frustration chez ceux qui ont grandi avec ce jeu Nintendo. Le choix de Pollot d'intégrer le chien dans un décor réaliste ajoute une touche d'humour et transforme le simple personnage de jeu en une véritable œuvre d'art. La transition du monde 8 bits pixélisé à l'environnement traditionnel devient une réflexion sur l'empreinte indélébile que la culture moderne, et plus particulièrement la culture numérique et vidéoludique, a laissée sur la société. L'influence du pop art urbain et du graffiti dans l'œuvre de Pollot L'œuvre de Pollot reflète souvent les éléments audacieux et accessibles du pop art urbain, qui intègre des symboles largement reconnus issus de la culture populaire et du quotidien. « On the Duck Hunter Dog » exploite cette approche en utilisant l'image immédiatement familière du chien de Duck Hunt, un clin d'œil ludique aux souvenirs partagés par le public avec ce jeu. Le pop art urbain, à l'instar du graffiti, repose sur l'universalité de son imagerie, rendant l'art accessible et compréhensible par un large public. L'inclusion par Pollot d'une figure emblématique du jeu vidéo atteint précisément cet objectif. Bien que Duck Hunt n'ait pas ses racines dans le pop art urbain, le chien et les canards, placés dans ce cadre artistique délicat, imitent la nature subversive du graffiti. De même que le graffiti remet en question les normes traditionnelles définissant la place et la nature de l'art, l'œuvre de Pollot invite le spectateur à s'interroger sur les frontières entre art savant et art populaire. En insérant un symbole de divertissement de masse dans un paysage idyllique, Pollot transpose la philosophie du pop art dans l'espace de la galerie, démontrant que l'art peut surgir de n'importe où et susciter des émotions ou de la nostalgie, quelles que soient ses origines. Le style pixélisé du chien renforce encore ce lien avec le street art et le graffiti. Les lignes nettes et les contours précis du dessin 8 bits contrastent fortement avec la douceur du paysage peint, créant une tension visuelle et conceptuelle entre les deux styles. La juxtaposition des formes d'art numériques et analogiques est au cœur de l'œuvre de Pollot, et dans « On the Duck Hunter Dog », elle reflète la manière dont le graffiti perturbe et remet en question son environnement. L'influence de la nostalgie et du jeu Le choix du sujet par Pollot fait appel à une puissante nostalgie, notamment chez ceux qui ont grandi en jouant à Duck Hunt sur la console NES originale. Ce jeu, pilier des débuts du jeu vidéo à domicile, a marqué durablement des générations de joueurs grâce à son gameplay simple mais addictif. En intégrant le chien de Duck Hunt dans un décor artistique délicat, Pollot capture non seulement l'esthétique visuelle du jeu, mais aussi les émotions qu'il suscite : de tendres souvenirs d'enfance, les premières expériences vidéoludiques et l'hilarité parfois frustrante du rire iconique du chien. La dimension ludique de cette œuvre dépasse son simple attrait nostalgique. Pollot utilise fréquemment l'humour dans son travail, et « On the Duck Hunt Dog » ne fait pas exception. Voir un personnage de jeu vidéo pixélisé interagir avec un paysage réaliste est intrinsèquement amusant et invite le spectateur à repenser les frontières entre art et divertissement. L'absurdité de ce chien 8 bits, debout au bord de l'eau, observant avec avidité les canards hyperréalistes, évoque une fantaisie essentielle au style artistique de Pollot. Ce mélange d'humour, de nostalgie et de beaux-arts crée une expérience visuelle unique, où le familier et l'inattendu se rencontrent. La capacité de Pollot à combiner ces éléments en une seule œuvre témoigne de son talent pour abolir les frontières culturelles et rendre l'art accessible à un large public. Impression pigmentaire d'archives et savoir-faire L'œuvre « On the Duck Hunter Dog » est réalisée par impression pigmentaire d'archives, une méthode reconnue pour sa reproduction fidèle des couleurs et des détails. Ce procédé garantit la pérennité et la précision de l'œuvre, minimisant ainsi les risques de décoloration. L'utilisation d'une toile beaux-arts enrichit la pièce, offrant une surface texturée qui contraste harmonieusement avec l'aspect plat et pixélisé du chien en 8 bits. Le souci du détail de Pollot transparaît dans la netteté des pixels et les dégradés subtils du paysage, créant ensemble une composition visuellement dynamique. Tirée à seulement 100 exemplaires, cette estampe est exclusive et recherchée. Chaque exemplaire est signé et numéroté par Pollot, garantissant son caractère unique. Ce savoir-faire artisanal est essentiel à la démarche de Pollot : même si l'œuvre intègre des éléments de la culture populaire, elle demeure une pièce unique, réalisée à la main. « On the Duck Hunter Dog » de Dave Pollot est un chef-d'œuvre mêlant art urbain, influences graffiti et peinture classique. En juxtaposant le chien iconique en 8 bits de Duck Hunt à un paysage réaliste et serein, Pollot remet en question les attentes du spectateur vis-à-vis de l'art et de la culture populaire. Ludique, nostalgique et d'une grande maîtrise technique, cette œuvre est un ajout précieux à toute collection d'art contemporain. Par son humour, son savoir-faire et ses références culturelles, Pollot continue de repousser les limites de l'art.

Lis Plus Moins

Idolize Blotter Art, œuvre d'art surréaliste, lithographie offset en édition limitée sur feuille de papier perforée, par l'artiste Naoto Hattori. Édition limitée à 150 exemplaires, signée et numérotée à la main, 2014. Dimensions de l'œuvre : 8,3 x 10,8 pouces. Feuille buvard perforée

Lis Plus Moins

Estampe d'archives « Mains » d'Adam Lister, édition limitée sur papier beaux-arts mat pressé à chaud 300 g/m², style pop graffiti, art urbain, œuvre d'art moderne. Estampe signée et numérotée de 2021, édition limitée à 50 exemplaires, format 10x8 pouces (25,4 x 20,3 cm), impression d'art pigmentaire d'archives, gros plan des mains de La Création d'Adam de Michel-Ange , style glitch. Dans le monde dynamique de l'art moderne, où convergent street art, graffiti et pop art, Adam Lister s'impose comme une figure emblématique de l'innovation. Son œuvre « Hands Archival Print » témoigne de son génie créatif et offre une perspective inédite sur un classique vénéré. Puisant son inspiration dans la fresque iconique de « La Création d'Adam » de Michel-Ange, cette pièce distille un moment de profonde connexion dans un format 25 x 20 cm, en y insufflant une touche contemporaine de style glitch. Le choix de Lister de se concentrer sur les mains – symbole du divin et de l'humain – invite à la contemplation. Le rendu pixélisé, presque numérique, ajoute une dimension de modernité, suggérant la fusion des époques, de la Renaissance à l'ère numérique. Les pigments d'archivage utilisés garantissent la pérennité de l'éclat de l'œuvre, capturant à jamais ses nuances douces et ses contrastes saisissants. Imprimée sur un papier d'art mat pressé à chaud de 300 g/m², la texture de la toile complète l'essence numérique de l'œuvre, offrant une expérience tactile qui contraste avec son aspect pixélisé. Le tirage limité à 50 exemplaires signés et numérotés confère à cette estampe une valeur inestimable, la rendant particulièrement recherchée par les collectionneurs. « Hands Archival Print » d'Adam Lister transcende les frontières de l'art conventionnel. En juxtaposant l'art ancien aux techniques modernes, Lister ouvre la voie à des réflexions sur l'évolution de l'art, les liens humains et la transformation numérique qui façonne notre perception de l'un et de l'autre.

Lis Plus Moins

Impression giclée en édition limitée Kraven Marvel Playday sur papier d'art de qualité supérieure par Mike Mitchell, artiste de rue de la contre-culture. Édition limitée à 170 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Œuvre de 20 x 25 cm (8 x 10 pouces) représentant Kraven à l'aire de jeux. Tirage giclée Mondo x Marvel par Mike Mitchell. Kraven à Playground, impression giclée par Mike Mitchell : une interprétation unique du street art pop et du graffiti. L'estampe giclée « Kraven à l'aire de jeux » de Mike Mitchell est une interprétation ludique et subversive d'un personnage emblématique de Marvel Comics. Sortie en 2014 dans le cadre de la série Mondo x Marvel, cette édition limitée à 170 exemplaires, signée et numérotée, au format 20 x 25 cm, illustre le talent unique de l'artiste pour mêler culture pop, humour et satire. Reconnu pour sa capacité à réinventer des figures iconiques de manière inattendue, Mitchell présente Kraven le Chasseur sous un jour inédit, renforçant ainsi le point de rencontre entre le street art, le graffiti et l'illustration contemporaine. Réinventer Kraven avec humour et fantaisie Kraven le Chasseur a longtemps été dépeint comme l'un des ennemis les plus redoutables de Spider-Man, réputé pour sa férocité et sa force physique hors du commun. Pourtant, la version de Mitchell métamorphose ce personnage habituellement intimidant en une version humoristique et presque enfantine. Au lieu d'apparaître dans sa posture menaçante habituelle, on le voit chevaucher un jouet à ressort en forme de tigre, le visage exprimant une détermination et une bravade exagérées. Ce changement par rapport à la représentation habituelle du personnage souligne la capacité de Mitchell à déconstruire les récits établis et à les présenter d'une manière à la fois captivante et divertissante. Le contraste entre la personnalité traditionnellement féroce de Kraven et ce contexte innocent, voire absurde, offre une réflexion sur la nature de l'héroïsme, de la méchanceté et des mythes de la culture populaire. En plaçant une figure aussi dominante dans un scénario enfantin, Mitchell invite le spectateur à repenser ses idées préconçues sur des personnages façonnés par des années d'histoires. Style artistique et exécution Les lignes épurées et la palette de couleurs riches et chaudes sont la signature du style artistique de Mitchell. L'esthétique presque caricaturale de l'estampe est sublimée par un jeu subtil d'ombres et de textures, lui conférant un aspect à la fois raffiné et accessible. Les expressions faciales exagérées, les formes simplifiées et l'utilisation précise de l'espace négatif contribuent au charme de l'œuvre, la distinguant au sein de son portfolio. Le choix de l'impression giclée garantit une reproduction fidèle de chaque détail. Reconnue pour sa précision chromatique et sa durabilité exceptionnelles, cette technique d'impression permet aux tons chauds et aux détails les plus fins de l'œuvre de conserver toute leur netteté et leur éclat. Le caractère limité de l'édition renforce encore son attrait auprès des collectionneurs d'art urbain, pop et graffiti. L'impact des portraits de la culture pop de Mike Mitchell Mitchell s'est forgé une réputation grâce à son art qui réinterprète la culture pop avec une nostalgie teintée d'irrévérence rafraîchissante. Son œuvre, souvent mise à l'honneur dans les galeries et les expositions, trouve un équilibre subtil entre humour, critique et narration visuelle. À travers sa série Mondo x Marvel, il a réinventé d'innombrables personnages, remettant en question leurs représentations traditionnelles tout en témoignant d'un profond respect pour leur histoire. « Kraven at Playground » illustre parfaitement la manière dont Mitchell transforme des personnages emblématiques en quelque chose de nouveau et d'inattendu. Cette œuvre, à l'image de l'ensemble de son travail, rappelle au public que l'art ne consiste pas seulement à reproduire des images familières, mais à les réinterpréter pour y ajouter de nouvelles dimensions. En plaçant un méchant légendaire dans un contexte aussi absurde et ludique, Mitchell livre une œuvre à la fois drôle et profondément perspicace. Les collectionneurs de street art et de graffiti apprécieront cette estampe pour son originalité, sa précision technique et son charme indéniable. Elle capture l'essence de la philosophie artistique de Mitchell : un mélange de culture pop, d'esprit, de nostalgie et d'un sens de l'humour indéniable.

Lis Plus Moins

Holy Grails Yeezys Papyrus - Side 2-Color Hand-Pump Diamond Dust Limited Edition Silkscreen Print on Egyptian Papyrus Paper by Marwan Shahin Rare Street Art Famous Pop Artwork Artist. Édition limitée 2022 signée et numérotée à 10 exemplaires, taille 14,25x10, chaussure Yeezy dorée de Kanye West stylisée avec des éléments égyptiens vus de côté, papier papyrus personnalisé. Yeezys Papyrus, le Graal des sneakers – Side by Marwan Shahin : Une convergence dorée entre culture sneaker et héritage ancestral « Holy Grails Yeezys Papyrus – Side » est une sérigraphie en édition limitée de 2022, créée par l'artiste égyptien pop et graffiti Marwan Shahin. Elle fusionne la mythologie moderne des sneakers avec l'esthétique sacrée des civilisations anciennes. Mesurant 36,2 x 25,4 cm et imprimée à la main sur du papyrus égyptien traditionnel, cette œuvre présente le profil d'une sneaker Yeezy, sublimé par l'or et orné d'une riche iconographie. Elle fait partie d'une édition ultra-exclusive de seulement 10 exemplaires, chacun signé, numéroté et authentifié par l'artiste grâce à une puce NFC Fine Art Ledger intégrée – un système d'authentification numérique reliant le monde physique et la blockchain. La stratégie de conception méticuleuse de Shahin transforme la sneaker Yeezy – déjà un artefact culturel symbole de statut, de design et d'influence – en une tapisserie dorée de symbolisme ancien et contemporain. La silhouette est ornée de motifs complexes d'inspiration égyptienne : étoiles, chaînes, géométrie hiéroglyphique, œil omniscient et éléments pointus qui évoquent une énergie à la fois royale et rebelle. Grâce à la poussière de diamant infusée dans la sérigraphie dorée, l'image scintille d'une brillance changeante sous la lumière, lui conférant un éclat précieux, à l'image des trésors antiques des tombeaux. La richesse et le pouvoir symboliques enfermés dans l'iconographie pop Là où la culture sneaker s'articule souvent autour de la rareté, de l'identité et de la performance, Shahin élève la Yeezy au rang d'objet chargé d'une dimension métaphysique et historique. Son design complexe invite à l'interprétation : chaque symbole superposé à la chaussure puise dans des représentations séculaires du pouvoir, de la protection et du prestige. Des éléments tels que les pyramides, les ankhs et des motifs cosmiques se fondent dans les lignes industrielles d'un incontournable de la mode contemporaine, créant un langage visuel hybride qui traverse les époques. L'utilisation du papyrus dépasse la simple esthétique ; elle ancre l'œuvre dans les traditions narratives ancestrales. Historiquement utilisé pour les textes religieux et les décrets gouvernementaux, le papier papyrus confère une gravité spirituelle à un produit moderne qui, dans un contexte différent, en est venu à définir la richesse et l'influence. En choisissant le profil de la Yeezy, Shahin souligne sa reconnaissance et sa forme, transformant la silhouette en un support d'annotation culturelle. Le résultat n'est pas seulement un imprimé pour sneaker, mais un commentaire sur le luxe, la dévotion et l'appropriation culturelle. Le pop art urbain de Marwan Shahin : du Caire aux murs du monde entier L'œuvre de Marwan Shahin explore depuis longtemps la dimension politique de la création d'images. Reconnu pour son utilisation du street art et du graffiti afin de contester les structures autoritaires et d'explorer l'iconographie culturelle, Shahin poursuit son engagement en faveur de la résistance visuelle avec cette pièce. La série « Holy Grails » met en lumière son talent pour fusionner les supports et les significations, positionnant des objets comme la Yeezy non seulement comme des articles de mode ou des objets utilitaires, mais aussi comme des réceptacles d'une identité et d'aspirations complexes. L'ajout d'une authentification numérique souligne le rôle de Shahin en tant qu'artiste contemporain respectueux de la tradition, mais résolument tourné vers l'ère numérique. La puce NFC intégrée à l'œuvre garantit sa provenance et son authenticité, lui permettant d'exister simultanément comme un objet physique rare et un objet de collection authentifié numériquement. Cette dualité – artisanat analogique et sécurité numérique – reflète la thématique de l'œuvre, qui vise à faire le lien entre les époques et les idéologies. Une relique moderne de l'alchimie artistique La Yeezy Papyrus – Side de Holy Grails symbolise avec force la manière dont les objets de luxe modernes, tels que les baskets, ont acquis des rôles autrefois réservés aux artefacts religieux et aux insignes royaux. À travers son regard artistique singulier, Shahin fait de la Yeezy de Kanye West un symbole culturel et un objet sacré, conférant à sa surface une gravité historique et une pertinence urbaine indéniable. Par sa rareté, sa fabrication artisanale et sa finition éclatante, cette pièce offre bien plus qu'un impact visuel : elle invite à une réflexion sur le culte des objets, l'héritage artistique et la façon dont l'art contemporain continue de redéfinir le langage visuel des valeurs et des croyances.

Lis Plus Moins

Impression d'art en édition limitée Yoshinoya Archival Pigment Fine Art sur papier Moab Fine Art 290 g/m² par l'artiste pop Scott Listfield. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2018. Format : 14 x 18 pouces. Sortie : 9 novembre. La vision créative derrière « Yoshinoya » par Scott Listfield « Yoshinoya » de Scott Listfield illustre avec force l'évolution du pop art à l'ère numérique, mêlant l'esthétique du street art à la précision de la gravure d'art. Ce tirage pigmentaire d'archive en édition limitée, réalisé sur papier d'art Moab 290 g/m², capture le motif emblématique de l'artiste : un astronaute se détachant sur un paysage parsemé de références à la culture pop et d'iconographie commerciale. Créée en 2018, cette œuvre fait partie d'une édition limitée à 50 exemplaires, chacun signé et numéroté par Listfield, soulignant ainsi la valeur de l'exclusivité dans le monde de l'art. Analyse des influences du pop art et du street art L'astronaute de « Yoshinoya » est une figure emblématique de l'exploration, non pas spatiale, mais du monde contemporain, reflétant l'exploration thématique, propre au genre, de l'aliénation et de la quête de sens au sein d'un paysage saturé de messages publicitaires. La juxtaposition de cette figure venue d'un autre monde sur fond de bâtiment moderniste et de dirigeable publicitaire critique subtilement l'influence omniprésente du consumérisme. Cette imagerie fait écho à l'essence même du pop art urbain et du graffiti, où le public est confronté à des messages percutants, intégrés au tissu même de l'environnement quotidien. Technique et médium : valoriser l'art urbain Le choix du support par Listfield, l'impression pigmentaire d'archives, établit un lien entre la nature éphémère du street art et la permanence recherchée par les collectionneurs d'art. Le papier beaux-arts Moab, réputé pour sa durabilité et sa fidélité des couleurs, garantit la préservation des teintes vives et des détails complexes de « Yoshinoya », capturant la beauté fugace du street art dans une forme qui résiste à l'épreuve du temps. Le format 35,5 x 45,7 cm de l'œuvre en fait une pièce à la fois intime et percutante, adaptée à divers espaces, des collections privées aux expositions publiques. En résumé, « Yoshinoya » de Scott Listfield est une œuvre qui invite à la réflexion et reflète le regard critique de l'artiste sur les paysages culturels de la société, mêlant l'immédiateté du pop art urbain à l'impact durable des pratiques artistiques conventionnelles. Cette édition limitée témoigne de l'évolution du pop art, qui embrasse de nouvelles techniques et de nouveaux supports pour perpétuer la tradition consistant à interpeller le spectateur et à susciter le dialogue par l'art visuel.

Lis Plus Moins

Moon Over Biloxi, sérigraphie en édition limitée, tirée à la main, une couleur, sur papier beaux-arts, par Shepard Fairey, artiste de street art rare et célèbre du pop art. Sérigraphie signée et numérotée « Lune sur Biloxi » 18 x 24 pouces Édition de 400 exemplaires 27 juillet 2010. Le titre de cette estampe, « Moon Over Biloxi », est un hommage à la chanson « Moon Over Marin » des Dead Kennedys. En 1984, j'ai acheté ce qui était peut-être mon quatrième disque punk : le deuxième album des Dead Kennedys, « Plastic Surgery Disasters ». Cet album est excellent de bout en bout et comprend des morceaux percutants comme « Riot » et « Bleed For Me », empreints de critique sociale. La chanson surprise, cependant, est « Moon Over Marin »… Certains la qualifient de « U2 » des Dead Kennedys, mais je ne suis pas d'accord. « Moon Over Marin » est plus mélodique que la plupart des morceaux des Dead Kennedys, mais, juxtaposée à la noirceur des paroles, elle évoque une puissante mélancolie existentielle. Je crois que l'idée qui m'a marqué, et qui m'est restée, est que notre manque de respect les uns envers les autres et envers la planète pourrait bien nous perdre, mais que la vie continuera sans nous. Je pense qu'il est sain de reconnaître l'impermanence, mais aussi d'apprécier la valeur de la vie. Éphémère. La lumière de la lune, réelle ou artificielle, sera probablement présente, mais ce qu'elle éclairera est la véritable question. Il y aura toujours une lune au-dessus de Biloxi. – Shepard

Lis Plus Moins

Lithographie offset en édition limitée sur feuille de papier perforée, œuvre surréaliste intitulée « Elementary Reaction Blotter Art », par l'artiste Naoto Hattori. Édition limitée à 150 exemplaires, signée et numérotée à la main, 2014. Dimensions de l'œuvre : 8,3 x 10,8 pouces. Feuille buvard perforée

Lis Plus Moins

Sérigraphie artisanale en édition limitée, 4 couleurs, style Dirty French, sur papier beaux-arts, par 123Klan, artiste pop art célèbre et rare. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2011. Dimensions de l'œuvre : 18 x 24 pouces. Sérigraphie 4 couleurs sur papier 100 lb sans acide. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée. Imprimée par Ben LaFond.

Lis Plus Moins

Tirages d'art pigmentaires d'archives en édition limitée Vader Sphinx sur papier d'art Moab Entrada par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Ron English - POPaganda. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2021. Tirage pigmentaire couleur sur papier d'art Moab Entrada. Format : 16 x 13 pouces. « Le Sphinx de Dark Vador » est une œuvre exceptionnelle de la collection de Ron English-POPaganda, figure majeure de l'art contemporain, reconnu pour son mélange unique de références à la culture pop et d'esthétique du street art. Dans cette série limitée, English crée un fascinant subtil mélange de symbolisme antique et de mythologie moderne en juxtaposant le visage iconique de Dark Vador à la forme intemporelle du sphinx égyptien. Tirée à 100 exemplaires, chaque estampe est signée et numérotée par l'artiste, ce qui en fait une pièce de collection. L'œuvre mesure 40,6 x 33 cm et est imprimée avec des pigments d'archivage sur papier Moab Entrada Fine Art, un support haut de gamme qui sublime la profondeur et l'éclat des couleurs. Cette estampe instaure un dialogue visuel entre passé et présent, évoquant la puissance et le mystère des deux entités qu'elle représente. Dark Vador, emblème du côté obscur dans l'univers de « Star Wars », est superposé au corps d'un sphinx, traditionnellement perçu comme le gardien des lieux sacrés et du savoir. L'œuvre d'English invite à la contemplation de la fusion de ces symboles puissants, suggérant des parallèles entre la signification culturelle des divinités antiques et celle des personnages de fiction contemporains. À travers ce prisme, l'estampe peut être interprétée comme une réflexion sur la manière dont les récits modernes sont devenus une forme de mythologie et dont des personnages tels que Dark Vador ont acquis un statut mythique dans la culture populaire. L'utilisation de couleurs vives et expressives souligne les thèmes du pouvoir et de l'énigme qui sont au cœur de l'œuvre. La maîtrise par English des techniques du graffiti et du street art est manifeste dans la façon dont l'œuvre capte le regard et suscite la réflexion. Le « Sphinx de Vador » n'est pas simplement une œuvre de pop art ; c'est un artefact du paysage culturel de la société contemporaine, incarnant la fusion du respect de l'histoire et de l'iconographie moderne. En créant de telles œuvres, Ron English-POPoganda consolide son rôle de pont entre le côté subversif du street art et le monde raffiné des beaux-arts, créant des œuvres aussi stimulantes intellectuellement que visuellement saisissantes.

Lis Plus Moins

« Guerre et Folie », tirages pigmentaires d'archives en édition limitée 16x20 sur papier beaux-arts, par Pooch, artiste de rue graffiti, art pop moderne.

Lis Plus Moins

Safari Inn Lounge - Tirages d'art en édition limitée, pigmentaires et d'archives, sur papier d'art Hahnemühle William Turner 310 g/m², par Robert Mars, artiste de graffiti, de street art et de pop culture. Tirage pigmentaire d'archives Safari Inn sur papier Hahnemühle William Turner Matte Fine Art, 310 g/m² • Vernis à la main • 61 x 61 cm • Signé et numéroté à la main par l'artiste Robert Mars

Lis Plus Moins

Christopher, édition limitée, sérigraphie artisanale en 4 couleurs sur papier d'archivage 100% coton, par Dave Kinsey, artiste de rue graffiti, art pop moderne. BLK/MARKT

Lis Plus Moins

Jonny Gomes/Pancake - Red Sox Collage unique orné à la main, technique mixte sur carte de baseball vintage par Pat Riot. Œuvre originale de 2014, réalisée en techniques mixtes superposées sur une véritable carte vintage Topps de la MLB, avec un style pop art inspiré de : Jonny Gomes/Pancake - Red Sox

Lis Plus Moins

L'œuvre d'art « Guerrier triomphant », tirage giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste moderne Buff Monster. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2012. Dimensions de l'œuvre : 24 x 24 pouces. « Le Guerrier Triomphant » témoigne du style unique de Buff Monster, à la croisée du pop art et du street art, sublimé par une édition limitée de tirage giclée sur papier d'art. Cette œuvre de 2012 se détache sur un paysage stylisé et épuré, mettant en scène un personnage rose borgne, évoquant une glace à l'italienne, triomphant d'un dragon vaincu. Ce tirage de 61 x 61 cm fait partie d'une série limitée à seulement 50 exemplaires signés et numérotés, ce qui renforce sa valeur et son attrait pour les collectionneurs. L'œuvre de Buff Monster se caractérise souvent par ses couleurs vives et éclatantes et ses thèmes fantaisistes. Elle puise son inspiration dans diverses influences culturelles, notamment le kawaii japonais (un style qui met l'accent sur la mignonnerie), le graffiti et l'imagerie des dessins animés américains classiques. Dans « Le Guerrier Triomphant », ces éléments sont pleinement présents : la teinte rose du personnage principal tranche avec le fond discret, attirant immédiatement le regard. Cette scène détourne avec humour le thème classique du chevalier terrassant un dragon, en le remplaçant par une créature espiègle, presque enfantine, brandissant une lance ornée d'une cerise. Cette œuvre capture non seulement l'utilisation emblématique du rose par Buff Monster, mais intègre également son motif récurrent de l'œil, créant ainsi une signature visuelle immédiatement reconnaissable. La technologie d'impression giclée garantit une reproduction haute fidélité de chaque détail, de la brillance de la tête de la créature aux motifs complexes du dragon vaincu. Le papier beaux-arts offre un support idéal, assurant à chaque tirage la préservation de l'impact visuel de l'œuvre originale. En proposant « Le Guerrier Triomphant » en édition limitée, Buff Monster crée un sentiment d'urgence et d'exclusivité autour de l'œuvre, principes souvent présents dans le street art, où la nature éphémère du médium fait partie intégrante de son charme. Les collectionneurs de cette pièce acquièrent non seulement un fragment de l'univers de Buff Monster, mais participent également au dialogue entre la nature transitoire du street art et la pérennité des estampes d'art. Cette œuvre incarne la rébellion ludique qui est au cœur de l'expression artistique de Buff Monster, incarnant un esprit triomphant à la fois fantaisiste et héroïque.

Lis Plus Moins

Duke of Lizards SPAC #2 - Variante aquarelle, édition limitée, impression typographique manuelle 4 couleurs sur papier beaux-arts par AJ Masthay, artiste célèbre de pop art et de graffiti. Épreuve d'artiste (AP). Fond frangé à la main, linogravure 4 couleurs. Triptyque, Lézard, Saratoga Springs, New York, NYC, Fête, Événement, Poisson, juillet 2013. SPAC, Saratoga Performing Arts Center, Entracte, Triptyque, Lézard, Saratoga Springs, New York, NYC, Fête, Événement, Poisson

Lis Plus Moins

Sarah SPF 25 Édition Limitée Tirage Sérigraphique 3 Couleurs Fait Main sur Papier Beaux-Arts par Derek Hess Artiste de Rue Graffiti Art Pop Moderne. « Premier tirage de ma série « Ligne de bronzage ». Avec ces impressions, je cherche notamment à faire ressortir le bronzage et la ligne par le blanc du papier. Sarah avait 25 ans à l’époque, d’où le « SPF 25 ». » – Derek Hess

Lis Plus Moins

Solidarité - Édition limitée orange, ornée à la main au pochoir, peinture en aérosol et acrylique sur papier d'art Coventry par Praxis Graffiti Street Artist, art pop moderne. « La solidarité, ce sentiment d'entraide présent non seulement chez les humains mais aussi dans tout le règne animal, nous a permis de surmonter, en tant que société et en tant qu'individus, des obstacles et des situations que de nombreux groupes, humains et non humains, n'auraient pu franchir au cours de l'histoire. À l'heure où le monde oscille entre feu et eaux déchaînées, il est temps de repenser notre façon de coexister avec lui et avec ceux qui y vivent. La nature nous donne tout ce dont nous avons besoin pour exister, mais nous devons la protéger, agir et prendre conscience de son importance. Je vous invite à cultiver ce sentiment, je vous invite à bâtir un monde meilleur pour tous. » – Praxis

Lis Plus Moins

Vous ne perdrez pas. Édition limitée. Sérigraphie artisanale en 4 couleurs sur papier beaux-arts par Jon Smith, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 200 exemplaires, signée et numérotée, 2012. Format de l'œuvre : 12 x 18 pouces. Vous allez perdre, sérigraphie de Jon Smith L'estampe sérigraphique « You Vil Lose » de Jon Smith est une fusion dynamique de street art et de graffiti, mêlant nostalgie, satire et audace artistique. Sortie en 2012 en édition limitée numérotée et signée à 200 exemplaires, cette sérigraphie artisanale de 30 x 45 cm incarne une esthétique rétro inspirée du jeu vidéo, avec une forte dimension culturelle et politique. Réalisée en quatre couleurs sur papier beaux-arts, elle puise son inspiration dans l'esthétique des jeux vidéo 8 bits classiques, tout en y insufflant un commentaire moderne grâce à une composition et un design exacerbés. L'impact visuel et la nostalgie du jeu vidéo L'œuvre frappe immédiatement par son style pixelisé audacieux, rappelant les jeux vidéo des années 80. La composition fait écho à l'esthétique de Punch-Out!!, jeu de boxe emblématique qui a marqué toute une génération de joueurs. L'image représente une silhouette imposante et victorieuse, vêtue d'un short de boxe rouge, dominant avec assurance un adversaire vaincu, arborant une tenue aux couleurs du drapeau américain. L'arbitre, dessiné dans un style 8 bits caricatural, se tient à leurs côtés, renforçant l'authenticité de l'esthétique vidéoludique. L'utilisation de la sérigraphie par Smith accentue la vivacité et la netteté de chaque couleur, renforçant la nostalgie du rétrogaming. La palette restreinte garantit un rendu net et contrasté, faisant ressortir les personnages sur le fond. Les proportions exagérées du boxeur victorieux intensifient la scène, soulignant la dynamique de puissance et la tension dramatique. La posture expressive du combattant vaincu et les éclaboussures de sang dramatisent davantage l'instant, capturant l'énergie brute des K.O. dans les jeux vidéo. Commentaire culturel et symbolisme Sous son apparence ludique et pixélisée, You Vil Lose recèle un récit culturel plus profond. Les thèmes visuels, notamment les choix de couleurs et le design des personnages, évoquent les rivalités de la Guerre froide entre les États-Unis et l'Union soviétique. La figure du vainqueur ressemble étrangement aux méchants archétypaux de la boxe d'Europe de l'Est, omniprésents dans la culture populaire, rappelant immédiatement des personnages comme Ivan Drago de Rocky IV. Le short aux couleurs du drapeau américain du boxeur vaincu renforce la tension compétitive entre idéologies opposées, un thème souvent exploré dans le sport et la culture populaire. En présentant ces images sous forme de jeu vidéo pixélisé, Smith mêle habilement nostalgie numérique et thèmes historiques et politiques, rendant l'œuvre à la fois divertissante et stimulante. Le titre You Vil Lose renforce l'image caricaturale du méchant, jouant sur les stéréotypes de la Guerre froide fréquemment utilisés dans les médias occidentaux. L'influence du pop art urbain et du graffiti L'approche de Jon Smith pour « You Vil Lose » s'inscrit parfaitement dans l'esprit du street art et du graffiti. Sa capacité à réinterpréter la culture numérique à travers la sérigraphie illustre la convergence entre la culture du jeu vidéo et l'art contemporain. La fusion d'une esthétique vidéoludique reconnaissable et d'un commentaire social incisif fait de cette œuvre un exemple remarquable et percutant de pop art moderne. Le travail de Smith est largement reconnu pour son talent à fusionner culture populaire et narration visuelle, et « You Vil Lose » témoigne de son style unique. En puisant son inspiration dans les jeux vidéo classiques, il capte la mémoire collective de toute une génération tout en proposant une réinterprétation stylisée et originale. Cette estampe est précieuse non seulement pour les fans de jeux vidéo rétro, mais aussi pour les collectionneurs sensibles à la rencontre entre nostalgie, satire et savoir-faire artistique.

Lis Plus Moins

Resonate, tirages d'art en édition limitée à base de pigments d'archivage sur papier beaux-arts, par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Martine Johanna.

Lis Plus Moins

Les Beatles - Anthologie 100% & 400% BE@RBRICK Édition Limitée Medicom Vinyle Illustration Jouet Figurine de Collection. Medicom Toy célèbre les Beatles avec le Bearbrick « The Beatles A'nthology », orné d'une collection de photographies du célèbre groupe de rock. La technologie de transfert à l'eau garantit un placement unique des motifs. Les Bearbricks, disponibles en tailles 100 % et 400 %, mesurent respectivement 7 cm et 28 cm de hauteur.

Lis Plus Moins

Habibi - Dammed HPM Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print With Acrylic & Diamond Dust on Photographique Rag Paper by Urban Graffiti Modern Artist Marwan Shahin. Édition limitée signée et numérotée de 33 exemplaires (2022) de la série « HABIBI » de Marwan Shahin, un portrait iconique de la chanteuse libanaise Fairuz interprété à travers différentes étapes de l'expérience amoureuse. Cette édition très limitée à 33 exemplaires, dont chaque tirage est agencé avec une délicatesse extrême grâce à un filigrane de poussière de diamant, produit des effets kaléidoscopiques visuellement enivrants. Habibi : Dammed de Marwan Shahin – Un regard par le trou de la serrure sur les fractures de l'amour Habibi : Dammed de Marwan Shahin est une œuvre envoûtante et chargée d'émotion qui poursuit l'exploration fascinante de la légende de la musique libanaise Fairuz par l'artiste, à travers le prisme du pop art urbain contemporain. Cette œuvre de 2022 fait partie de la série HABIBI, une collection de tirages Giclée en édition limitée (seulement 33 exemplaires existent), chacun rehaussé à la main d'acrylique et de poudre de diamant sur papier Photographique Rag. Avec cette pièce, Shahin explore plus profondément le territoire psychologique de l'amour, de la vulnérabilité et de la mémoire en introduisant des motifs symboliques audacieux et un changement de palette saisissant. L'élément le plus marquant est le fond rouge et noir à motifs d'ondes optiques, qui irradie tension et intensité. Il contraste fortement avec le regard calme et solennel de Fairuz, dont le visage est rendu dans le style gravé désormais iconique de Shahin. Mais cette version introduit une particularité saisissante : une découpe en forme de trou de serrure dans son visage révèle un second portrait intérieur stylisé. Cette image plus petite — un portrait de Fairuz aux teintes bleutées et aux yeux larmoyants — évoque une dualité fracturée, comme si le spectateur scrutait ses profondeurs émotionnelles cachées. Symbolisme, mondes intérieurs et la serrure émotionnelle L'utilisation du trou de serrure comme élément de cadrage est particulièrement saisissante. Elle évoque la révélation d'émotions, de souvenirs ou de chagrins d'amour intimes, offrant au spectateur un accès à un monde intérieur habituellement dissimulé au regard du public. Le portrait intérieur, rendu dans des tons bleus et carmin audacieux, constitue le contrepoint psychologique de l'extérieur stoïque. Cette dualité capture la volatilité et la complexité de l'amour romantique, un thème récurrent dans la série HABIBI de Shahin. Les embellissements réalisés à la main par Shahin, notamment l'application de poussière de diamant, ajoutent une autre dimension à l'œuvre. L'éclat de la poussière sur les encres mates et plates crée une tension visuelle : le glamour se heurte au chagrin, l'éclat s'entremêle à la ruine. Chaque pièce de l'édition porte ses propres nuances grâce à ces touches artisanales, garantissant à chaque collectionneur une œuvre unique qui reflète la nature complexe de son sujet. Culture pop, art de rue et réalisme émotionnel arabe À l'instar des autres œuvres de Marwan Shahin, Habibi : Dammed puise son inspiration dans le langage visuel du pop art urbain et du graffiti, tout en affichant une sensibilité moyen-orientale indéniable. Fairuz, longtemps considérée comme la voix de l'âme arabe, est une muse idéale pour un tel projet. Shahin la métamorphose, d'icône musicale, en un symbole de l'expérience universelle du désir, du chagrin et de la révélation émotionnelle. Loin d'idéaliser, Dammed humanise. L'œuvre brise les vernis de la célébrité et de l'identité nationale pour révéler les turbulences intérieures qui définissent l'expérience humaine. L'amour y est dépeint non comme une perfection, mais comme un paysage de contradictions : intime, complexe, rayonnant et brut. Plus qu'un portrait, cette œuvre est une invitation à contempler les conflits intérieurs qui agitent les personnalités publiques, et un puissant témoignage de la maîtrise de Shahin dans l'art d'équilibrer émotion, iconographie et technique, dans la lignée d'un pop art à la conscience globale.

Lis Plus Moins

Kupuna Maka, tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier beaux-arts blanc brillant 310 g/m² par Carl FK Pao, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Cette estampe est une reproduction d'une peinture originale de ma plus récente exposition solo qui s'est tenue en novembre à la galerie Mahoa d'Honolulu. Maka est un mot hawaïen aux nombreuses significations, mais il est plus connu pour désigner les yeux d'un visage. »

Lis Plus Moins

Estampe Basquiat en édition limitée, gravure à la main monochrome sur papier beaux-arts, par Mark Powell, artiste pop urbain. 24,8 x 35,82 Édition de 7

Lis Plus Moins

Achetez TITLE Edition Limitée sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Archival Pigment Fine Art INFO

Lis Plus Moins

Figurine de collection Gizmo Costume 1000% BE@RBRICK Édition Limitée Medicom Vinyl Artwork Toy. Cette figurine Be@rbrick toute douce représente l'adorable Gremlin Gizmo et mesure environ 27,55 pouces de haut.

Lis Plus Moins

Supreme Drip Original, œuvre d'art unique en son genre, réalisée à l'encre et à la peinture en aérosol sur bois stratifié par le célèbre artiste de graffiti de rue Peter Van Flores. 2022. Œuvre originale signée SUPREME Drip, gravure sur bois. Un hommage à SUPREME. Encre, peinture aérosol et colle de blé sur plusieurs couches de bois découpées à la main. Pièce unique. Format moyen. Dimensions uniques et courbes. Collage original à la peinture aérosol Supreme Drip de Peter Van Flores.

Lis Plus Moins

Des sacrifices ont été faits. Œuvre d'art Giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure, par l'artiste de graffiti de la culture pop Jason Levesque. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Format de l'œuvre : 12x12

Lis Plus Moins

Mona Ape Pop Street Artwork, impression giclée en édition limitée sur papier Velvet Rag 300 g/m² par l'artiste moderne de graffiti urbain SSUR- Ruslan Karablin. Édition limitée signée de 50 exemplaires, édition 2022. Dimensions de l'œuvre : 20,87 x 30,32 pouces. Gestion du pliage jusqu'à la zone centrale de l'image

Lis Plus Moins

Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

Lis Plus Moins

Estampe d'archives « The Ambassadors » d'Adam Lister, édition limitée sur papier beaux-arts mat pressé à chaud 300 g/m², style pop graffiti, art urbain, œuvre d'art moderne. Estampe signée et numérotée de 2021, édition limitée à 50 exemplaires, format 61 x 61 cm, impression pigmentaire d'archives, reproduction d'œuvre d'art de Hans Holbein le Jeune, « Jean de Dinteville et Georges de Selve » dans un style glitch. Adam Lister, célèbre pour son esthétique pixelisée dans le domaine du pop art et du street art, nous offre un nouveau chef-d'œuvre avec « The Ambassadors Archival Print ». Cette œuvre est une réinterprétation moderne du tableau iconique de Hans Holbein le Jeune représentant Jean de Dinteville et Georges de Selve. Dans un audacieux mélange d'ancien et de nouveau, Lister transforme ce classique en une œuvre d'art numérique à l'effet glitch, invitant le spectateur à explorer la juxtaposition du contexte historique et du style contemporain. Imprimée sur une généreuse toile de 61 x 61 cm (24 x 24 pouces) sur un papier beaux-arts mat pressé à chaud de 300 g/m², la texture accentue la précision géométrique caractéristique du style de Lister. Le format pixellisé abstrait les détails originaux, mais l'essence des deux ambassadeurs demeure indéniable. Leurs postures, les objets qui les entourent, et même le mystérieux crâne anamorphique à la base du tableau, sont tous présents, bien que perçus à travers un prisme résolument du XXIe siècle. Le choix du sujet par Lister témoigne de son intérêt pour l'évolution de l'art. En transformant un tableau du XVIe siècle en un récit visuel contemporain, il établit un pont entre des siècles d'expression artistique. Les pigments d'archivage utilisés garantissent l'éclat des couleurs, préservant les fonds pastel et les riches nuances des vêtements des ambassadeurs. Limitée à 50 exemplaires, chacun signé et numéroté, cette œuvre confirme la réputation d'Adam Lister comme artiste visionnaire qui marie avec brio l'histoire de l'art au dynamisme de la culture moderne.

Lis Plus Moins

Et puis les choses se sont améliorées - Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier beaux-arts 330 g/m² par Denial Graffiti Street Artist Modern Pop Art. Édition limitée 2021 signée et numérotée à 25 exemplaires. Format de l'œuvre : 24x24. Variante « Love ». Et puis les choses se sont améliorées – Édition Amour par Denial dans le domaine du pop art et du graffiti urbain « And Then Things Got Better – Love » est une estampe pigmentaire d'archive de 2021 de l'artiste canadien de graffiti et de street pop Denial, présentée comme une variante spéciale de sa célèbre série inspirée de la bande dessinée. Cette œuvre en édition limitée mesure 61 x 61 cm et est imprimée sur papier beaux-arts 330 g/m² avec des encres pigmentaires de qualité muséale. Tirée à seulement 25 exemplaires signés et numérotés, la variante « Love » se distingue par sa palette soigneusement ajustée, qui remplace les couleurs primaires vives de l'original par des teintes douces et chargées d'émotion. Le passage saisissant aux roses et aux violets adoucit l'esthétique générale tout en conservant le trait net et contrasté qui caractérise le style de Denial. La phrase emblématique imprimée dans le panneau supérieur – « And Then Things Got Better » – demeure l'élément central de l'œuvre, placée au-dessus du visage d'une femme, les yeux rougis par les larmes, rendu dans un style pop art audacieux. Avec sa peau pâle et ses lèvres expressives, la silhouette lève les yeux, saisie dans un moment complexe entre tristesse et espoir. Couleur, émotion et narration visuelle dans la variante amoureuse Dans cette édition, Denial réinterprète la dimension émotionnelle de son œuvre originale en utilisant des tons pastel de rose et de violet, créant ainsi une atmosphère de vulnérabilité émotionnelle qui se superpose à une force visuelle. La variante Love évoque directement le chagrin d'amour et la guérison, où la douceur des couleurs reflète tendresse et sensibilité. Les cheveux de la femme, désormais d'un violet profond, contrastent fortement avec son teint pâle et ses lèvres discrètes. La légende, teintée de rose au lieu de jaune, insuffle une douceur romantique qui confère à la même phrase une dimension plus personnelle et profonde. Là où l'original proclamait la survie, cette variante la murmure, suggérant un chemin plus lent et plus intime vers la guérison émotionnelle. L'expression du visage de la femme reste celle d'une force face à l'adversité, mais cette version invite le spectateur à un dialogue plus intime et plus silencieux avec la résilience. La voix du déni dans l'art pop et le graffiti urbains modernes Denial, de son vrai nom Daniel Bombardier, repousse sans cesse les limites du street art et du graffiti avec des projets comme la série « And Then Things Got Better ». Son œuvre synthétise la structure de la bande dessinée, l'esthétique de la propagande et un langage satirique pour créer une identité visuelle unique, profondément ancrée dans la culture du street art. Si Denial est connu pour ses installations publiques de grande envergure et ses commentaires politiques percutants, des œuvres comme cette estampe témoignent de sa capacité à exprimer des nuances émotionnelles. La variante « Love » illustre particulièrement bien comment des compositions influencées par le pop art peuvent se muer en réflexions visuelles profondément intimes. Elle reflète la vulnérabilité humaine, tout en conservant l'immédiateté et la force propres au street art. L'engagement de Denial envers le savoir-faire artisanal, manifesté par son utilisation constante de matériaux de qualité archivistique et de formats en édition limitée, confère à chaque pièce un statut de pièce de collection. Qualité et potentiel de collection de l'édition Love Cette variante est imprimée avec des encres pigmentaires d'archivage sur un papier sans acide de 330 g/m², garantissant longévité et éclat des couleurs. La texture en pointillés imite la méthode d'impression Ben-Day, popularisée par les bandes dessinées du milieu du XXe siècle, ancrant l'œuvre dans la tradition du pop art tout en lui conférant une force narrative contemporaine. Chaque exemplaire est signé et numéroté par l'artiste, attestant de son authenticité et de sa rareté. Tirée à seulement 25 exemplaires, la variante « Love » est devenue une pièce de collection très recherchée, alliant nostalgie visuelle et profondeur émotionnelle. Le soin méticuleux apporté par Denial au concept et à la réalisation fait de cette œuvre un exemple parfait de la façon dont le street art, le pop art et le graffiti peuvent conjuguer force visuelle et sincérité. Cette estampe ne parle pas seulement d'un avenir meilleur, mais aussi de la vulnérabilité nécessaire pour croire en un avenir meilleur.

Lis Plus Moins

Merci !! Dessin original au marqueur par Dalek-James Marshall sur carton. Œuvre d'art pop urbaine moderne. Dessin original signé au marqueur permanent sur carton, format 12x6, datant de 2023. La gratitude des graffitis : l'étiquette en carton « Merci !! » des Daleks La simple et pourtant profonde phrase « Merci ! » prend une nouvelle dimension sous le pinceau de Dalek, pseudonyme de l'artiste James Marshall. Ce dessin original au marqueur sur carton est une œuvre marquante du paysage du street art contemporain. Signée en 2023, elle mesure 30,5 x 15,2 cm. Elle exprime une gratitude sincère, rendue à l'encre indélébile d'un marqueur, matériau emblématique de l'authenticité brute du street art. « Merci !! » de James Marshall : Une étude sur la sincérité À l'ère du numérique, le choix de James Marshall de renouer avec l'authenticité du contact humain grâce à un tag dessiné à la main sur du carton est révélateur. Ce matériau, souvent jeté aux ordures, est ici réhabilité par Marshall comme un support artistique légitime et poignant. C'est un clin d'œil à la nature écologique et ingénieuse du street art et du graffiti, qui perçoit souvent la valeur et le potentiel de lieux insoupçonnés. Son œuvre fait écho à l'esprit du street art, qui trouve son expression dans le quotidien, transformant le banal en extraordinaire. Le carton comme toile : le charme éphémère du pop art urbain Le travail de Marshall sur carton capture également le charme éphémère, souvent l'essence même du pop art urbain. Contrairement aux toiles destinées aux murs des galeries, le carton suggère une nature transitoire : aujourd'hui, c'est de l'art. Demain, il pourrait finir au recyclage. Cette œuvre, avec ses traits noirs audacieux formant les mots « Merci ! », élève ce matériau éphémère au rang d'expression durable de gratitude, un sentiment universel et intemporel. En un sens, l'œuvre de Marshall immortalise les instants fugaces d'appréciation que nous vivons au quotidien, nous rappelant de les reconnaître et de les célébrer. En somme, le « Merci ! » de Dalek est bien plus qu'un simple dessin au feutre ; c'est un témoignage du pouvoir transformateur du pop art urbain. À travers l'œuvre de Marshall, nous sommes invités à reconnaître la beauté de la simplicité, le potentiel des matériaux non conventionnels et l'importance de la gratitude. Tandis que cette œuvre voyage des rues aux archives d'un collectionneur, elle porte en elle les remerciements sincères de l'artiste, un message qui résonne au cœur de ceux qui la découvrent.

Lis Plus Moins

Sérigraphie « Love Above All » de Mr Brainwash - Thierry Guetta, tirée à la main sur papier d'art frangé, édition limitée. Édition limitée signée et numérotée de 79 exemplaires (2024). Sérigraphie de 30x36 pouces représentant le musicien de reggae Bob Marley. Capturer les rythmes du reggae en sérigraphie La résonance du reggae, avec sa riche histoire culturelle et ses messages d'amour et d'unité, trouve sa place dans l'univers du street art et du graffiti grâce à la vision artistique de Thierry Guetta, plus connu sous le nom de Mr. Brainwash. Sa série de sérigraphies « Love Above All » comprend une œuvre artisanale sur papier d'art frangé, rendant hommage à l'icône du reggae, Bob Marley. Cette légende continue d'inspirer bien au-delà de la musique, jusqu'aux arts visuels. Tirée en 2024, cette édition limitée à 79 exemplaires incarne l'esprit de Marley dans une sérigraphie de 76 x 91 cm qui fusionne le visuel et l'auditif, capturant l'essence du reggae dans une symphonie de couleurs et de textures. Hommage artistique de Thierry Guetta à Bob Marley Thierry Guetta, artiste français qui fait sensation aux États-Unis, est devenu une figure incontournable du mouvement Street Pop Art et Graffiti. Son œuvre témoigne souvent d'un profond respect pour les personnalités culturelles qui ont marqué la société. L'estampe « Love Above All », représentant Bob Marley, est un véritable hommage artistique, présentant le musicien dans une posture à la fois inspirante, respectueuse et porteuse de sens. Chaque estampe n'est pas une simple représentation, mais un dialogue entre l'artiste et son sujet, entre le spectateur et l'œuvre représentée, traduisant l'esprit de Marley en une forme visuelle qui évoque son impact durable sur le monde. Pour créer cette estampe, Mr. Brainwash a déployé son style caractéristique, souvent marqué par des couleurs vibrantes et une spontanéité assumée, à l'image de la musique de Marley, fluide, rythmée et poignante. La technique de sérigraphie artisanale employée par Guetta confère à chaque pièce de cette série limitée l'individualité et les imperfections propres à la créativité humaine. Les bords frangés à la main du papier d'art accentuent le caractère unique de chaque estampe, confirmant que, comme chez les êtres humains, il n'existe pas deux pièces exactement identiques. L'influence du reggae sur le street art et le graffiti L'influence puissante du reggae dépasse ses racines jamaïcaines pour s'étendre à la scène artistique mondiale, imprégnant des genres comme le street art, le pop art et le graffiti de thèmes tels que la résistance, la justice sociale et l'amour. La sérigraphie de Mr. Brainwash témoigne de cette influence, exploitant la puissance de l'art visuel pour célébrer et perpétuer l'héritage culturel de Bob Marley. Dans les couches complexes de l'estampe, on perçoit le rythme et l'appel à l'unité et à la positivité, si caractéristiques de la musique de Marley. De plus, l'œuvre devient un phare au sein de la communauté du street art, illustrant comment les murs qui séparaient autrefois l'expression musicale de l'art visuel sont désormais des espaces de communication et de célébration. Elle souligne également la pertinence intemporelle des messages de Marley et leur résonance dans le paysage artistique urbain. Le choix de Mr. Brainwash d'intégrer l'image de Marley dans une sérigraphie, un médium traditionnellement associé au pop art, démontre une fusion consciente des disciplines artistiques et des récits culturels. Héritage et continuité dans les formes d'art moderne L'héritage de figures comme Bob Marley dans les formes d'art moderne, notamment le street art et le graffiti, est essentiel à la continuité culturelle. La sérigraphie « Love Above All » de Mr. Brainwash, représentant Marley, est un vibrant témoignage de l'influence durable du musicien. Elle fait le lien entre l'essence du reggae et le dynamisme du street art, permettant à une nouvelle génération d'apprécier la contribution de Marley à la musique et au changement social. Signée et numérotée par Guetta, chaque exemplaire devient un maillon de ce pont, une pièce de collection imprégnée d'histoire et résolument contemporaine. Le tirage limité à 79 exemplaires renforce son attrait et en fait une pièce recherchée par les amateurs de musique, d'histoire et d'art. Avec cet hommage à Bob Marley, Thierry Guetta, alias Mr. Brainwash, a créé un hymne visuel célébrant l'amour, la vie et la liberté – des thèmes aussi essentiels au street art qu'à la musique de Marley. Cette œuvre célèbre non seulement la vie d'un musicien, mais aussi la capacité de l'art à capturer et immortaliser l'essence d'une icône culturelle. À travers cette estampe, Guetta fait en sorte que les mélodies et les messages de Marley continuent d'inspirer et de résonner dans le paysage visuel de nos vies.

Lis Plus Moins

Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

Lis Plus Moins

« Copper Caught », édition limitée, sérigraphie artisanale 5 couleurs sur papier beaux-arts 270 g/m² par Lucy McLauchlan, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Sérigraphie 5 couches avec encres brillantes, mates et métallisées. Imprimée à la main à Birmingham par Mission Print, 2018.

Lis Plus Moins

Une œuvre d'art intitulée « La vie d'un pirate », impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti de la culture pop Brandon Sopinsky. Édition limitée signée 2011

Lis Plus Moins

Affiche de l'événement Umphreys McGee Red Rocks 2010 en édition limitée, impression sérigraphique artisanale 8 couleurs sur papier beaux-arts par AJ Masthay. Bord inférieur frangé à la main. Umphrey's McGee et Galactic à Red Rocks à Morrison, Colorado, en 2010.

Lis Plus Moins

Toulouse la Tortue ! Sérigraphie artisanale en édition limitée 3 couleurs sur papier beaux-arts par Clint Wilson, artiste pop art célèbre. Toulouse, né en 2013 (5x5), est une jeune tortue sulcata originaire de Nouakchott, en Mauritanie. Contrairement à la plupart de ses congénères, il est très sociable et adore se faire des amis.

Lis Plus Moins

Sérigraphie « Passage du temps » par Gats - Graffiti contre le système, tirée à la main sur papier d'art, édition limitée. Édition limitée à 150 exemplaires, signée et numérotée, 2023. Œuvre d'art au format 18 x 24 pouces. Sérigraphie. Exploration de « Le Passage du Temps » de Gats « Passage du temps » est une sérigraphie saisissante de l'artiste Gats, connu sous le pseudonyme de Graffiti Against The System. Cette œuvre de 2023 est une édition limitée numérotée et signée à 150 exemplaires, mesurant chacun 45,7 x 61 cm, et imprimée à la main sur papier d'art. Gats est reconnu pour son style unique, souvent caractérisé par des masques ou des visages ornés de motifs complexes, représentant la diversité de l'expérience humaine et le langage universel du graffiti. Cette œuvre en particulier porte la signature visuelle de l'artiste, riche en symbolisme sur le passage du temps, utilisant peut-être les bougies qui fondent et les formes entrelacées pour exprimer la nature éphémère de la vie et la pérennité de l'héritage artistique. À l'instar de nombreuses œuvres de street art et de graffiti, elle est porteuse d'un commentaire culturel et socio-politique, invitant à une profonde réflexion sur la fugacité de l'existence et les traces que nous laissons derrière nous.

Lis Plus Moins

Épreuve d'impression d'archives Age Of Reason PP par Dragon76, édition limitée sur papier d'art de musée 310 g/m², œuvre d'art moderne d'un artiste pop. Épreuve d'imprimerie PP 2019 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 14x14 Pigments d'archivage Analyse de « L'Âge de raison » par Dragon76 « Age Of Reason » est une épreuve d'artiste (PP) de 2019, réalisée par l'artiste Dragon76. Incarnation du pop art urbain et du graffiti, cette édition limitée est imprimée sur un papier d'art de qualité musée de 310 g/m², gage de sa qualité exceptionnelle et de l'engagement de l'artiste envers l'excellence. Signée et portant la mention « PP », elle présente toutes les caractéristiques d'une pièce de collection. Son format de 35,5 x 35,5 cm offre une dimension à la fois intime et saisissante. L'utilisation de pigments d'archivage garantit la préservation de l'éclat des détails et de la palette de couleurs au fil du temps. Convergence des thèmes dans l'art moderne Dragon76, reconnu pour son esthétique unique qui mêle des éléments du street art à une sensibilité artistique classique et délicate, présente une fresque des problématiques sociétales modernes à travers « L'Âge de la Raison ». L'œuvre est un commentaire visuel riche en symbolisme et composé de multiples motifs qui interrogent l'esprit du temps. Le titre est un appel à la pensée rationnelle dans une ère apparemment marquée par la confusion et les conflits. Chaque élément de l'estampe – des images percutantes aux symboles iconiques du pouvoir et de la rébellion – raconte la quête de la raison dans un monde en proie au chaos. Symbolisme et narration dans l'art urbain Cette œuvre se distingue comme un artefact culturel qui incarne l'esprit du street art. Dragon76 utilise la toile pour questionner et critiquer, abordant les thèmes du pouvoir politique, des troubles sociaux et de la quête de paix. Les images convergent pour former un champ de bataille d'idées, où chaque symbole rivalise pour s'imposer dans l'esprit du spectateur. « Age Of Reason » sert non seulement d'œuvre d'art, mais aussi de catalyseur de débat, incarnant l'essence même de ce que le graffiti aspire à accomplir : susciter la conversation et provoquer la réflexion. La superposition et la juxtaposition complexes des éléments indiquent les réalités complexes auxquelles le monde est confronté, incitant à une introspection sur la condition humaine. Par un mélange de texte, d'iconographie et de figuration, l'estampe de Dragon76 invite le public à analyser les différents composants, chacun étant une pièce du puzzle du message plus vaste qu'il souhaite transmettre. L'utilisation de matériaux d'art de qualité supérieure élève l'estampe au-delà de la nature éphémère du street art traditionnel. En choisissant un support durable généralement réservé aux beaux-arts, Dragon76 abolit la frontière entre l'éphémère et le permanent, permettant à « Age Of Reason » de faire écho à la nature éphémère du graffiti et à la pérennité des beaux-arts. Ce faisant, il inscrit le street art dans l'histoire de l'art, lui assurant ainsi une place dans le récit continu de l'expression artistique. En somme, « Age Of Reason » de Dragon76 témoigne du pouvoir du street art et du graffiti à refléter et à remettre en question les normes sociales. C'est un recueil visuel des luttes contemporaines, encapsulé dans un format qui transcende la nature fugace du street art, conçu pour perdurer tant par sa forme physique que par son impact sur le public. À travers cette œuvre, Dragon76 nous invite à la réflexion, au questionnement et, en fin de compte, à la raison.

Lis Plus Moins

Estampe d'art en édition limitée, réalisée avec des pigments d'archivage, sur papier beaux-arts par l'artiste Rich Pellegrino. Édition limitée à 200 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Format 11x14.

Lis Plus Moins

Estampe d'art en édition limitée Munk Archival Pigment sur papier d'art par l'artiste Jo Dery. Édition 2014 de 100 tirages d'archives COA Munk par Jo Dery

Lis Plus Moins

Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée Morning Wood sur papier d'art en coton 300 g/m² par Ces One - Rob Provenzano, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Morning Wood faisait partie d'une exposition organisée par Carhartt à New York. » - Ces One - Rob Provenzano

Lis Plus Moins

Cacophony Fine Street Artwork, impression giclée en édition limitée sur papier Coventry Rag 290 g/m² par l'artiste moderne de graffiti urbain Jolene Lai. 2017 Jolene Lai « Cacophonie » Édition limitée à 25 exemplaires 40,6 x 50,8 cm (16 x 20 pouces) Tirage d'art sur papier 290 g/m² Signé et numéroté par l'artiste Imprimé par Static Medium

Lis Plus Moins

Rise Above, une œuvre d'art unique en son genre, mêlant collage, peinture en aérosol et sérigraphie sur papier beaux-arts, réalisée par les légendes du graffiti D*Face et Shepard Fairey. 2021. Signé en bas à droite au dos par les deux artistes. Collage original réalisé à partir de captures d'écran d'archives et de peinture aérosol. Encadré en hêtre teinté noir. 54 x 48 cm (21 1/4 x 18 7/8 po). Riot D*Face Ruined My Day L'essence collaborative de D*Face et Shepard Fairey L'œuvre intitulée « Rise Above » témoigne avec force de la synergie entre deux figures emblématiques du street art et du graffiti : DFace et Shepard Fairey. Ce collage original, composé de sérigraphies d'archives et de peinture aérosol sur papier d'art, exprime avec puissance le commentaire socio-politique qui caractérise le travail des deux artistes. Signée par DFace et Shepard Fairey en 2021, l'œuvre est encadrée dans un cadre en hêtre teinté noir, mesurant 54 x 48 cm, et porte l'esprit de rébellion et de résistance qui définit l'œuvre des deux artistes. La collaboration entre D*Face et Shepard Fairey pour « Rise Above » marque un tournant dans l'histoire du street art. Chacun a contribué de manière significative à l'évolution du graffiti et du street art, et leur collaboration sur cette œuvre est un dialogue entre deux voix distinctes partageant des intérêts thématiques communs. Le titre de l'œuvre, « S'élever au-dessus », résume l'essence même de la philosophie commune des artistes : un appel à transcender le statu quo et à remettre en question les normes sociales par l'art. « S'élever au-dessus » est une œuvre magistrale, fruit d'un subtil mélange de techniques. Chaque couche de collage, de peinture aérosol et de sérigraphie contribue à la profondeur et à la texture de la pièce. Les sérigraphies d'archives font écho aux œuvres passées des artistes, instaurant ainsi une continuité et un héritage au sein de leur travail. La peinture aérosol apporte une dimension brute et viscérale, rappelant leurs interventions dans la rue, tandis que la sérigraphie confère précision et complexité. Cette combinaison de méthodes aboutit à une œuvre d'une grande richesse visuelle et conceptuelle. Iconographie et message dans « S'élever au-dessus » L'iconographie de « Rise Above » est riche de sens. L'œuvre présente un portrait caractéristique du style de D*Face, évoquant l'esthétique des bandes dessinées et les motifs squelettiques qu'il emploie fréquemment. Ce personnage tient une pancarte où l'on peut lire « DFace Ruined My Day », une déclaration autoréférentielle jouant avec le nom de l'artiste et sa réputation de subversif. L'influence de Shepard Fairey est manifeste dans les éléments typographiques audacieux et l'imagerie de style propagandiste qui incitent les spectateurs à questionner l'autorité et les structures de pouvoir. L'impact socio-politique de « Rise Above » est à la fois actuel et intemporel. En fusionnant leurs styles respectifs, D*Face et Shepard Fairey ont créé une œuvre qui aborde les enjeux socio-politiques contemporains tout en restant pertinente pour les générations futures. L'appel à « s'élever au-dessus » lancé par l'œuvre est un message universel d'émancipation, encourageant les spectateurs à porter un regard critique sur le monde qui les entoure. La collaboration entre ces deux artistes nous rappelle le rôle puissant que l'art peut jouer pour susciter la réflexion et inspirer le changement. L'héritage de « S'élever au-dessus » dans l'art urbain « Rise Above » s'inscrit dans la lignée du street art en illustrant le potentiel de la collaboration au sein de ce genre. Le partenariat entre D*Face et Shepard Fairey démontre comment les artistes peuvent s'unir pour amplifier leur message et leur impact. Ces deux artistes ayant joué un rôle déterminant dans la reconnaissance du street art par le grand public, cette œuvre témoigne également de la maturité de cet art en tant que forme d'art à part entière, capable de transmettre des récits complexes et de susciter de fortes émotions. « Rise Above » est une œuvre saisissante qui incarne l'esprit rebelle du pop art et du graffiti. La collaboration entre D*Face et Shepard Fairey atteste du pouvoir de l'art à communiquer, à interpeller et à inspirer. La complexité de l'œuvre, tant sur le plan technique que symbolique, offre une expérience visuelle riche et un message poignant qui résonne avec les valeurs fondamentales du street art. L'exposition « Rise Above », toujours appréciée des amateurs d'art et des collectionneurs, constitue une contribution importante au discours sur l'art contemporain, nous rappelant le pouvoir transformateur de la collaboration artistique.

Lis Plus Moins

Thalassa Braddock, Pennsylvanie, 2012. Impression giclée par Swoon-Caledonia Curry. Œuvre d'art en édition limitée sur papier chiffon épais de qualité supérieure. Artiste de rue graffiti pop. Édition limitée signée et numérotée de 175 exemplaires, 2016. Œuvre de 19 x 13 pouces issue de la collection d'estampes de la série Swoon Street. Caledonia Curry Street Pop Art : Thalassa Braddock, Pennsylvanie, 2012. Impression giclée par Swoon. « Thalassa Braddock Pennsylvania 2012 » est une puissante estampe giclée de l'artiste américaine Caledonia Curry, alias Swoon, figure majeure du street art et du graffiti. Cette œuvre, photographiée à partir d'une fresque murale monumentale collée sur le mur d'un bâtiment en briques délabré à Braddock, en Pennsylvanie, a été publiée en 2016 en édition limitée, signée et numérotée, à 175 exemplaires. Imprimée au format 48 x 33 cm sur un papier chiffon épais de qualité beaux-arts, elle fait partie de la collection d'estampes « Swoon Street Series », qui archive des interventions in situ en format collector, tout en préservant la matérialité et l'esprit des installations de rue. Thalassa de Swoon comme présence mythique et politique La figure de Thalassa dans cette œuvre est emblématique de la pratique de Swoon, qui mêle souvent allégorie mythologique et commentaire sur le monde réel. Représentée par des lignes fluides, des textures complexes et un regard radieux tourné vers le ciel, elle émerge d'une surface fracturée, incarnant une forme divine de transformation et de force. Braddock, ville industrielle de Pennsylvanie marquée par une histoire de difficultés économiques, était un lieu en phase avec les projets à vocation sociale de Caledonia Curry. Dans ce contexte, Thalassa est devenue un symbole de renaissance et de conscience environnementale. Créée à l'origine comme une installation monumentale au Musée d'art de La Nouvelle-Orléans, la figure de Thalassa acquiert ici une nouvelle résonance en se fondant avec un mur portant les stigmates de l'abandon, du déclin et de la résilience. Braddock et le contexte social de l'œuvre d'art de Caledonia Curry Depuis longtemps, Caledonia Curry intègre l'art socialement engagé à sa pratique, et sa collaboration avec Braddock s'est étendue à des projets communautaires allant au-delà des fresques murales. Cette estampe immortalise l'un de ces moments visuels clés où l'art métamorphose l'espace et insuffle une nouvelle signification à des structures délaissées. La brique apparente et la peinture défraîchie du bâtiment contrastent avec l'énergie luxuriante de la figure, dont les vêtements aux allures de tentacules s'enroulent en spirale vers le bas, fusionnant le langage visuel classique et l'urgence de la culture urbaine. L'œuvre comprend également des motifs rouges sérigraphiés qui remplissent les espaces des fenêtres, renforçant l'esthétique artisanale et superposée qui caractérise les œuvres de Street Pop Art et de graffiti de Swoon. Ces choix environnementaux et compositionnels offrent une vision globale de la manière dont Curry réinvente les environnements urbains en supports pour la narration visuelle. Collection d'estampes de la série Swoon Street et préservation des œuvres éphémères L'édition giclée 2016 de l'œuvre « Thalassa Braddock Pennsylvania » offre aux collectionneurs l'opportunité de préserver un fragment éphémère de l'histoire de l'art public. Faisant partie de la collection d'estampes « Swoon Street Series », cette estampe représente une période charnière où les collages de Curry, disséminés dans des villes comme New York, Philadelphie et Braddock, ont acquis une renommée internationale grâce à leur capacité à fusionner savoir-faire, compassion et conscience politique. Imprimée avec une fidélité des couleurs et une précision exceptionnelles, cette édition limitée rend hommage au site original tout en élargissant l'accès à son œuvre à un public plus large. Caledonia Curry continue d'influencer non seulement le langage visuel du street art et du graffiti, mais aussi le rôle des artistes dans la construction d'un discours social porteur de sens.

Lis Plus Moins