Sans titre, tiré de Crossroads, estampe giclée d'Alice Pasquini, œuvre en édition limitée sur papier d'art baryté 300 g/m², artiste graffiti pop de rue. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2019. Dimensions de l'œuvre : 13 x 17,83 cm. L'essence artistique de « Sans titre, au carrefour » « Sans titre, carrefour » d'Alice Pasquini est une estampe giclée qui capture l'essence du pop art urbain et du graffiti contemporains. Artiste reconnue, Pasquini présente ici une œuvre qui illustre son approche artistique singulière, à la croisée du street art et du muralisme. Cette estampe en édition limitée, avec ses figures vibrantes et ses formes abstraites, témoigne de son talent pour communiquer des récits captivants à travers son art. Imprimée en giclée sur papier d'art Baryta 300 g/m², cette œuvre se distingue par sa texture et la profondeur de ses couleurs, caractéristiques des tirages de haute qualité. Ses dimensions (33 x 45,3 cm) offrent à Pasquini un support généreux pour exprimer sa vision. Tirée à seulement 100 exemplaires signés et numérotés, cette pièce est exclusive et recherchée. Le portrait, centré sur une figure féminine, thème récurrent dans l'œuvre de Pasquini, dégage une impression de contemplation et de profondeur. Son regard est à la fois perçant et tendre, invitant les spectateurs à s'interroger sur les pensées qui se cachent derrière ces yeux. Langage visuel et symbolisme L'utilisation par Pasquini de couleurs vibrantes et contrastées sur le fond austère du papier baryté crée une dichotomie visuelle captivante. La fluidité et l'apparente spontanéité des coups de pinceau contrastent avec l'intensité délibérée du regard du sujet, créant un point focal puissant. Cette œuvre de la collection « Carrefour » symbolise le croisement des vies et des histoires au sein du paysage urbain, un carrefour de l'expérience humaine. Le choix par l'artiste d'un style pop inspiré du graffiti confère à l'œuvre une authenticité urbaine à la fois brute et magnifique. Compétences techniques et niveau intermédiaire La technique de production d'une impression giclée de cette qualité est une véritable prouesse technique, qui fait le lien entre l'impression traditionnelle et le numérique. Le terme « giclée », dérivé du verbe français « gicler », désigne le procédé de fabrication d'impressions d'art de haute qualité à partir d'une source numérique grâce à l'impression jet d'encre. Cette méthode reproduit les couleurs et les textures avec une fidélité remarquable à l'œuvre originale. C'est un médium idéal pour le pop art urbain, où l'accessibilité est essentielle, permettant ainsi à l'œuvre de toucher un public plus large sans compromis sur la qualité. Impact culturel et place dans l'art moderne « Sans titre, à la croisée des chemins » n’est pas qu’un simple objet décoratif ; c’est un artefact culturel qui capture l’esprit et l’éthique de la société contemporaine. Sa sortie en 2019 l’inscrit dans une période artistique où les frontières entre art savant et art urbain s’estompent et où la voix de la rue est aussi puissante et significative que celle des galeries. La contribution d’Alice Pasquini à ce mouvement est profonde, car elle ne cesse de remettre en question et d’enrichir le récit de ce que peut être le pop art urbain. Valeur de collection La valeur d'une estampe en édition limitée comme « Sans titre, carrefour » dépasse son attrait esthétique. Pour les collectionneurs, son attrait réside dans sa rareté et la touche personnelle de l'artiste : chaque estampe est signée et numérotée, ce qui la rend unique. Collectionner des œuvres comme celle-ci, c'est investir dans l'art, c'est investir dans l'héritage du pop art urbain et du graffiti. C'est posséder un fragment de ce mouvement, un instantané du parcours de l'artiste et un morceau d'histoire culturelle. L'estampe giclée « Sans titre, carrefour » d'Alice Pasquini exprime avec force le pop art urbain et le graffiti. Grâce à son utilisation caractéristique de la couleur, à ses portraits expressifs et à la technique innovante d'impression giclée, Pasquini continue de tisser un lien profond avec son public. Le caractère limité de cette estampe, associé à sa représentation évocatrice de la vie urbaine, souligne l'importance de l'artiste dans le paysage de l'art contemporain.

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New Breed Chief - Rook Brand, édition limitée, sérigraphie artisanale bicolore sur papier kraft moucheté français, par Joe King, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Épreuve d'artiste AP

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Big Ben et bus à impériale, édition limitée, sérigraphie technique mixte rehaussée à la main sur papier épais de 200 livres par Bobby Hill, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Chaque pièce est unique et les couleurs, la peinture et les effets de peinture au pistolet réalisés à la main par l'artiste sont aléatoires et variables ; vous pourriez donc ne pas recevoir l'article exact présenté sur la photo ! « J’utilise des images photographiques comme base pour mon art, mais il m’arrive de dessiner directement sur l’acétate avant de graver les écrans afin de faire ressortir des détails que je juge importants. Chaque pièce de cette série a été sérigraphiée individuellement et peinte à la main avec divers médiums acryliques et autres. Concentrez-vous sur les couleurs plutôt que sur l’image, même si cela peut parfois s’avérer difficile. Les couleurs représentent ce qui se passe dans ma vie à chaque instant. » – Bobby Hill

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Planche de skateboard Blind Faith, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur planche naturelle pressée à froid, par l'artiste de street art Prefab77. 2022 - Impression par transfert pigmentaire d'archives signée sur planche de skate naturelle pressée à froid - Dimensions : 8 x 31,875 pouces - Sortie : 21 janvier 2022 - Tirage : 75 exemplaires

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Le futur, c'est maintenant - Édition limitée rouge, sérigraphie artisanale 3 couleurs sur papier French Lemon Drop 130 lb par Dxtr, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Cette illustration est en quelque sorte le reflet de la société moderne. Tous ces petits éléments recèlent une signification plus profonde et représentent notre société obsédée par le divertissement. Les entreprises agroalimentaires, les guerres contre les populations civiles, les catastrophes environnementales, la corruption, la surconsommation, la pollution, la privatisation de l'eau, la recherche génétique, etc., sont quelques-uns des éléments présentés dans cette œuvre. Je sais que le thème est plutôt sombre, mais je ne fais que montrer ce qui se passe aujourd'hui. Orwell avait raison ! » - Dxtr

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Island Yachting 84 Sunny Hill Peinture à l'huile originale de Peter Keil Œuvre unique sur panneau de masonite par The Wild Man of Berlin, un artiste contemporain célèbre. Peinture à l'huile sur panneau de masonite, signée et datée de 1984. Œuvre originale de 61 x 61 cm (24 x 24 pouces). Peter Keil utilise une peinture épaisse, et quelques écailles peuvent être présentes en raison de l'âge et de la nature de son travail. Représentation de trois voiliers sur un lac, au pied d'une colline, sous un soleil éclatant. Déchiffrer « Island Yachting '84 Sunny Hill » de Peter Keil « Island Yachting '84 Sunny Hill » est une œuvre emblématique qui incarne l'esprit vibrant de Peter Keil, alias « L'Homme Sauvage de Berlin », et sa contribution au monde du street art et du graffiti. Cette peinture à l'huile originale, réalisée en 1984 et signée par l'artiste, est une pièce unique sur panneau de Masonite de 61 x 61 cm. Caractéristique de la technique énergique de Keil, la peinture présente une application généreuse de peinture épaisse, qui, au fil des ans, a pu engendrer quelques écaillures – témoignant du caractère organique de ses matériaux et de sa technique. La composition représente trois voiliers naviguant avec grâce sur un lac, au pied d'une colline majestueuse couronnée d'un soleil radieux, une scène qui traduit une harmonie entre nature et loisirs. Dans cette œuvre, les couleurs vives et les coups de pinceau dynamiques de Keil insufflent une impression de mouvement et de vitalité souvent associée au graffiti. Le soleil, astre jaune éclatant, inonde la scène de sa lumière, imprégnant le paysage de chaleur et de vie. Cet élément naturel, puissant point focal de la composition, est imprégné d'optimisme et d'énergie, reflets du style caractéristique de Keil. Les voiliers, avec leurs voiles rouges et blanches, semblent s'inscrire dans le rythme du lac et contrastent vivement avec le bleu de l'eau, créant un jeu visuel entre couleurs et formes qui n'est pas sans rappeler l'importance accordée aux images fortes dans le pop art. Le langage artistique de Peter Keil dans « Island Yachting '84 Sunny Hill ». Le langage artistique de Peter Keil, tel qu'il apparaît dans « Island Yachting '84 Sunny Hill », fusionne les techniques impressionnistes avec la spontanéité et l'accessibilité du street art. La touche libre de Keil saisit l'essence de ses sujets à travers un regard à la fois personnel et universel. La simplicité de la scène – un lac serein avec des voiliers et le calme d'une colline ensoleillée – contraste avec la complexité des émotions transmises par les lignes et les formes expressives de la toile. Le choix du panneau de Masonite comme support souligne son lien avec le street art, s'inscrivant dans la lignée de l'utilisation novatrice de matériaux alternatifs propre à ce mouvement. La robustesse du Masonite permet l'application de couches épaisses de peinture à l'huile, un médium qui confère profondeur et texture à l'œuvre. Cette texture ajoute non seulement une dimension tangible à la peinture, mais reflète également la matérialité du graffiti, où l'environnement joue un rôle crucial dans la nature même de l'œuvre. L'héritage de « Island Yachting '84 Sunny Hill » dans l'art contemporain L'héritage de « Island Yachting '84 Sunny Hill » dans l'art contemporain est considérable. Cette œuvre illustre la fusion novatrice des techniques picturales traditionnelles et des éléments culturels et esthétiques du street art, du pop art et du graffiti, propre à Peter Keil. Elle se présente comme un récit vibrant qui célèbre la joie des plaisirs simples et la beauté de la nature, des thèmes universels et captivants qui transcendent les frontières des mouvements artistiques. De plus, cette œuvre témoigne de l'influence considérable de Keil sur le monde de l'art. Ses créations, reconnues pour leur profondeur émotionnelle et leur style unique, ont influencé une nouvelle génération d'artistes qui considèrent le street art comme une forme d'expression artistique légitime et essentielle. « Island Yachting '84 Sunny Hill » atteste du rôle de Keil dans ce dialogue permanent, démontrant sa capacité à saisir l'esprit du street art au sein de la peinture classique. « Island Yachting '84 Sunny Hill » n'est pas seulement une peinture, mais un morceau d'histoire de l'art qui continue de résonner de la vitalité et de la passion de son créateur, Peter Keil. Œuvre emblématique du Street Pop Art et du graffiti, elle demeure une pièce précieuse de l'œuvre de Keil et une source d'inspiration pour les artistes comme pour les amateurs d'art. La peinture saisit un instant, une journée ensoleillée au bord de l'eau, et témoigne du pouvoir intemporel de l'art à susciter l'émotion et à captiver l'imagination.

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Shark Bite - Édition limitée Rook Brand, sérigraphie à l'encre métallique 4 couleurs tirée à la main sur papier kraft moucheté français par Joe King, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Épreuve d'artiste AP

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Passion Dans Le Rouge Lithographie d'Enrique Peycere Tirage à la main sur papier d'art frangé Édition limitée Art contemporain Modernisme Vintage Pop Édition limitée à 120 exemplaires, signée et numérotée, 1986. Œuvre de 28 x 31 cm, sur papier frangé à la main. Œuvre abstraite contemporaine moderne rouge intitulée « Passion dans le rouge ». Légère pliure de manipulation sur le bord inférieur gauche. Enrique Peycere et "Passion Dans Le Rouge" : une étude en abstraction La lithographie « Passion dans le rouge » (1986) d'Enrique Peycere capture l'émotion intense et l'énergie dynamique que son titre suggère. Tirage artisanal en édition limitée sur papier d'art, cette œuvre se distingue par son expression abstraite moderne et contemporaine et ses dimensions généreuses de 71 x 79 cm. Limitée à 120 exemplaires, chacun signé et numéroté par l'artiste, elle s'impose comme une pièce recherchée par les collectionneurs et les amateurs d'art. La vitalité du rouge dans la vision abstraite de Peycere Le choix du rouge par Peycere est délibéré et chargé de symbolisme. En art, le rouge est souvent associé à la passion, à la force et à la vitalité, et dans « Passion dans le rouge », la couleur occupe le devant de la scène, vibrante de vie et d'énergie. Les formes abstraites qui dominent la composition évoquent des formes organiques, faisant allusion au monde naturel ou à la forme humaine, et permettant ainsi au spectateur d'appréhender l'œuvre à de multiples niveaux d'interprétation. Cette abstraction s'inscrit dans la lignée du pop art et du graffiti, où la couleur et la forme suscitent une réaction viscérale chez le spectateur. L'écho de l'expressionnisme abstrait dans le street art et le pop art Bien que l'œuvre d'Enrique Peycere soit antérieure à l'explosion du street art et du graffiti, « Passion dans le rouge » résonne de l'énergie et de la spontanéité qui caractérisent ces mouvements ultérieurs. L'abstraction présente dans la lithographie de Peycere peut être perçue comme un précurseur des tendances abstraites du street art et du pop art, où l'impact émotionnel et l'expérience esthétique priment souvent sur la fidélité figurative. L'audace et la simplicité de l'œuvre, combinées à sa nature abstraite, en font une pièce intemporelle et intemporelle, s'inscrivant dans le langage universel de la couleur et de la forme. Ainsi, « Passion dans le rouge » de Peycere contribue non seulement à l'histoire de l'art abstrait, mais enrichit également le débat plus large sur l'influence de l'expressionnisme abstrait sur le street art et le pop art contemporains. La lithographie « Passion dans le rouge » d'Enrique Peycere demeure une puissante expression d'émotion et de talent artistique. Ses formes abstraites et ses teintes rouges vibrantes continuent de captiver et d'inspirer, à l'instar du street art éclatant qui colore les paysages urbains des villes du monde entier. À travers ses œuvres en édition limitée, Peycere a laissé une empreinte indélébile sur le monde de l'art, qui continue de se faire sentir dans l'art moderne et contemporain.

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Achetez PEINTURE Oeuvre de peinture originale unique en son genre MEDIA sur MEDIUM par l'artiste populaire Street Art Pop Culture ARTIST. 2022 Signé Original Peinture Taille XXXX INFO

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Flower Bouquet 87, une peinture à l'huile originale de Peter Keil, est une œuvre d'art unique sur un panneau Masonite, réalisée par The Wild Man of Berlin, un artiste contemporain célèbre. Peinture à l'huile sur panneau de masonite, signée et datée de 1987. Œuvre originale de 61 x 61 cm (24 x 24 pouces). Peter Keil utilise une peinture épaisse, ce qui peut expliquer la présence de quelques écaillures, compte tenu de l'âge et de la nature de son travail. Représentation d'un bouquet de fleurs dans un vase. « Bouquet de fleurs '87 » de Peter Keil : une célébration de la couleur et de la forme « Bouquet de fleurs '87 », une remarquable huile sur toile originale de Peter Keil, illustre le style caractéristique de l'artiste affectueusement surnommé « L'Homme sauvage de Berlin ». Créée en 1987 et signée de façon audacieuse, cette œuvre de 61 x 61 cm sur panneau de Masonite capture la vitalité et l'énergie dynamique du travail de Keil. Reconnu pour son application épaisse de la peinture, Keil démontre ici tout le potentiel de texture et de dimension de la peinture à l'huile. Au fil du temps, la peinture texturée s'est partiellement écaillée, un phénomène courant dans son œuvre, conférant à la toile une dimension historique qui témoigne de son évolution. L'œuvre représente un vase de fleurs, sujet classique de la nature morte, que Keil réinterprète avec son mélange unique d'expressionnisme et d'influences du street art. Dans « Bouquet de fleurs '87 », le thème traditionnel de la nature morte est revitalisé par le regard de Keil, qui y introduit l'esthétique exubérante du pop art et du graffiti. Ce tableau délaisse la subtilité au profit d'une présentation audacieuse et directe, avec des fleurs rendues dans un style proche de l'abstraction. Les formes fantaisistes et les couleurs exacerbées témoignent de l'influence du pop art, tandis que le tracé libre et les teintes vives rappellent l'attrait brut du graffiti. L'œuvre fait office de pont, fusionnant les univers historiquement distincts des beaux-arts et du street art, et invite le spectateur à une expérience viscérale. La valeur artistique de l'approche de Keil Le mérite artistique de « Bouquet de fleurs '87 » de Keil réside dans sa célébration audacieuse de la couleur et de la forme. Son œuvre défie les contraintes de la nature morte traditionnelle, insufflant une nouvelle vie au genre grâce à son approche novatrice. L'utilisation de la Masonite comme support souligne la préférence de Keil pour des matériaux robustes et fiables, capables de supporter son application vigoureuse de peinture à l'huile. La surface lisse de la Masonite constitue la toile idéale pour les épaisses couches sculpturales de peinture, qui confèrent profondeur et complexité à la composition. De plus, la peinture de Keil témoigne de la nature pérenne de l'art. La présence d'écailles de peinture révèle les effets du temps, tout en soulignant la beauté intrinsèque du vieillissement naturel d'une œuvre d'art. Cet aspect de l'œuvre de Keil résonne particulièrement avec l'esprit du street art et du pop art, qui embrassent souvent le concept d'impermanence et la beauté inhérente à la dégradation. « Bouquet de fleurs '87 » ne se contente pas de représenter une scène ; elle raconte son histoire à travers son évolution. L'héritage de Keil dans la fusion des genres artistiques « Bouquet de fleurs '87 » est emblématique de l'héritage de Peter Keil dans la fusion des genres artistiques. Son approche de la nature morte reflète une tendance majeure de l'art contemporain : l'abolition des frontières entre culture populaire et culture savante, entre galerie et rue. L'œuvre de Keil remet en question les idées reçues sur les beaux-arts, repoussant les limites de l'expression et des médiums. Avec ses coups de pinceau énergiques et sa palette saisissante, cette toile illustre avec force l'influence de Keil sur l'art moderne, notamment sur le Street Pop Art et le graffiti. La contribution de Keil à l'art contemporain est significative par ses choix stylistiques et sa philosophie de la création et de la réception artistiques. Il démocratise l'art en intégrant la sensibilité du street art à l'espace des galeries, le rendant accessible et parlant à un large public. « Bouquet de fleurs '87 », œuvre représentative de Keil, souligne sa capacité à captiver l'imagination du spectateur et à transmettre des émotions grâce au langage vibrant de la peinture. « Bouquet de fleurs » (1987) témoigne de la contribution profonde et positive de Peter Keil à l'art. Sa surface texturée, ses couleurs vibrantes et sa présence dynamique offrent une perspective inédite sur la nature morte, tout en rendant hommage aux traditions du pop art urbain et du graffiti. La peinture de Keil continue de fasciner et de captiver le public ; elle confirme la place de l'artiste comme figure majeure de l'art contemporain, dont l'œuvre transcende le temps et continue d'inspirer le dialogue et la passion pour les arts.

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Casque d'Or Golden Heart Original Metal Boîte aux lettres française Sculpture de boîte aux lettres par C215 - Œuvre de Christian Guémy, artiste de rue graffiti. Sculpture originale en métal, signée et réalisée à la main en 2014. Œuvre unique. Créée en 2014, « Casque d'Or » est une œuvre peinte à la bombe sur une boîte postale recyclée de 119,4 x 30,5 x 30,5 cm (47 x 12 x 12 pouces). La signature et le titre de l'artiste, « C215 / Casque d'Or », sont inscrits sur le dessus. Faisant partie d'une série rendant hommage au cinéma français, cette pièce célèbre le réalisateur Jacques Becker et présente un portrait saisissant de Simone Signoret, l'actrice principale de son film « Casque d'Or » (1952). Sculpture de boîte aux lettres Casque d'Or par C215 – Le cinéma français immortalisé dans le pop art et le graffiti Créée en 2014, Casque d'Or est une sculpture unique, peinte à la main, du célèbre artiste de rue français Christian Guémy, connu internationalement sous le nom de C215. Mesurant 119 x 30 x 30 cm, cette œuvre imposante est réalisée à partir d'une boîte aux lettres métallique française recyclée, transformée en un hommage monumental au cinéma français et au patrimoine urbain. La sculpture présente des portraits lumineux peints à la bombe, notamment une représentation d'une beauté saisissante de l'actrice Simone Signoret, vedette du chef-d'œuvre cinématographique de Jacques Becker, Casque d'Or (1952). Avec ses jaunes vifs et sa patine éclaboussée, la boîte aux lettres conserve sa vocation d'objet public utilitaire, tandis que C215 la réinterprète en un support d'hommage et de mémoire culturelle. L'œuvre est signée et porte l'inscription C215 / Casque d'Or sur le dessus, l'ancrant à la fois comme une expression personnelle et un artefact historique au sein de l'œuvre de l'artiste. C215 et la poétique urbaine de l'objet oublié Né en France, Christian Guémy s'est imposé comme une figure majeure du street art et du graffiti grâce à son utilisation de pochoirs superposés et à ses portraits d'une grande force émotionnelle. Reconnu pour sublimer les éléments urbains du quotidien – portes, boîtiers électriques, murs abandonnés – en espaces de connexion humaine, C215 aborde cette boîte aux lettres sculpturale avec la même ferveur. Ses pochoirs, découpés à la main, révèlent un savoir-faire méticuleux qui allie spontanéité urbaine et maîtrise technique. Dans « Casque d'Or », Guémy met en lumière Simone Signoret, non seulement comme légende du cinéma, mais aussi comme symbole de force et de complexité. Son trait capture son aura cinématographique, tandis que l'installation sur une boîte aux lettres publique évoque le croisement entre identité nationale, communication et nostalgie. C'est une audacieuse réappropriation de l'espace public comme lieu sacré de narration culturelle. La peinture en aérosol comme médium, la boîte aux lettres comme toile La peinture aérosol demeure le médium principal de Casque d'Or, enrichissant le vocabulaire du graffeur tout en l'orientant vers des dimensions sculpturales et archivistiques. Les teintes orange vif et jaune évoquent la couleur classique des boîtes aux lettres françaises, mais sont intensifiées par le style d'application de Guémy : superposées, texturées et patinées. La boîte aux lettres elle-même, avec ses fentes et son lettrage en relief, conserve sa géométrie utilitaire, ancrant l'imagerie fantastique dans l'infrastructure physique. Elle devient sculpture non par son retrait de la rue, mais par sa réinterprétation. Le piédestal la surélève davantage, suggérant une monumentalité sans la détacher de ses racines architecturales. S'inscrivant dans la grande tradition du Street Pop Art et du graffiti, cette transformation incarne le pouvoir du genre à réinterpréter le familier comme réceptacle d'un mythe personnel et collectif. Cinéma, identité et héritage de la culture française à travers l'art urbain Casque d'Or s'inscrit dans une série plus vaste de C215 célébrant les icônes du cinéma français, un projet ancré dans le respect de la culture et l'activisme créatif. En choisissant un symbole de communication publique – la boîte aux lettres – comme fondement de cette œuvre, Guémy souligne l'idée que l'art peut s'exprimer dans la rue avec autant de force que sur grand écran. Le portrait de Signoret porte en lui des strates d'histoire française, de féminité et d'influence médiatique, tandis que son format sculptural le rend à la fois portable et permanent. Cette fusion entre portrait artistique, tradition du graffiti et référence historique place l'œuvre au cœur du Street Pop Art et du graffiti contemporains. Elle n'est pas seulement un hommage à un film, mais aussi un rappel que la ville elle-même est une galerie, ses surfaces attendant de parler, de se souvenir et de se réinventer.

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LIE Birger Isacsson Édition limitée 2 couleurs, sérigraphie artisanale sur papier beaux-arts par Aelhra, artiste de rue graffiti, art pop moderne. 2014 Édition limitée signée et numérotée à 30 exemplaires . Format de l'œuvre : 18 x 24 pouces.

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L'Homme qui traverse les murs AP Artist Proof Silkscreen Print par Shepard Fairey- OBEY x Blek le Rat Hand-Tired on Fine Art Paper Limited Edition Pop Street Art Artwork. Épreuve d'artiste AP 2008 Signée par Shepard Fairey & Blek le Rat & Marquée AP, Œuvre d'art en édition limitée Format 18x24 Impression sérigraphique. Shepard Fairey x Blek le Rat L'homme qui traverse les murs, sérigraphie d'artiste, 2008 L'épreuve d'artiste (AP) sérigraphiée « The Man Who Walks Through Walls » (2008) est une collaboration rare entre Shepard Fairey, alias OBEY, et Blek le Rat, pionnier du pochoir. Tirée à la main sur papier beaux-arts et mesurant 45,7 x 61 cm, cette épreuve d'artiste en édition limitée est signée par les deux artistes et porte la mention « AP », la distinguant ainsi de l'édition standard numérotée à 100 exemplaires. En tant qu'épreuve d'artiste, elle revêt une valeur particulière auprès des collectionneurs d'art urbain, de pop art et de graffiti, symbolisant à la fois l'expérimentation artistique et l'approbation directe des créateurs. Imagerie et contexte urbain La composition mêle un travail au pochoir épuré à un mur couvert de graffitis, inscrivant l'œuvre dans l'énergie brute de la vie urbaine. Au centre, un homme en costume porte des sacs étiquetés, aux côtés d'une chèvre, tandis qu'un policier passe au premier plan. À droite, une cabine téléphonique ponctue la scène, ancrant l'œuvre dans l'architecture quotidienne de la ville. La superposition de tags, de slogans politiques et la juxtaposition surréaliste des figures évoquent les thèmes du consumérisme, de l'autorité et de la rébellion. L'homme en costume, en particulier, suggère l'aliénation urbaine, tandis que la présence de la chèvre et de la cabine ajoute une touche d'absurdité, rendant la composition à la fois humoristique et incisivement critique. Collaboration entre Shepard Fairey et Blek le Rat Blek le Rat, né Xavier Prou ​​en 1951 en France, est largement considéré comme le père du graffiti au pochoir, ayant introduit le commentaire social directement dans les rues de Paris dès les années 1980. Shepard Fairey, né en 1970 à Charleston, en Caroline du Sud, s'est fait connaître grâce à sa campagne d'autocollants OBEY et à ses estampes engagées, notamment l'affiche Hope de Barack Obama. Leurs œuvres communes, telles que The Man Who Walks Through Walls, témoignent d'une conviction partagée quant au rôle de l'art public comme plateforme de protestation et de dialogue. La fusion de la sensibilité graphique de Fairey et de l'approche directe du pochoir de Blek souligne la continuité entre deux générations d'artistes de rue engagés. Rareté et importance de l'épreuve d'artiste L'épreuve d'artiste (AP) revêt une importance particulière dans le monde de l'estampe. Généralement produite en très petite quantité et souvent conservée par les artistes, cette épreuve est signée par Shepard Fairey et Blek le Rat et porte la mention AP. Elle bénéficie ainsi d'une valeur de collection et d'une authenticité accrues. Au-delà de sa rareté, son imagerie et sa nature collaborative soulignent la force du street art comme vecteur de critique politique et culturelle. L'épreuve d'artiste sérigraphique « The Man Who Walks Through Walls » est bien plus qu'une simple œuvre d'art : c'est un manifeste percutant sur la culture urbaine, la société de consommation et la résistance, ce qui en fait un exemple emblématique de l'histoire du street art et du graffiti.

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Sea Also Rises - Northbound Whale, édition limitée, sérigraphie artisanale 6 couleurs sur papier beaux-arts par Tim Doyle, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Sérigraphie 6 couleurs pleine page 24x36. Édition signée et numérotée à 200 exemplaires.

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Arrow Pulse Fraises et crème Peinture à la main Technique mixte multiple sur panneau de bois découpé au laser prêt à accrocher par Tavar Zawacki (Ci-dessus) Artiste de rue graffiti Art pop moderne. « Le motif Arrow Pulse était l'un des nombreux modèles populaires que j'ai créés pour ma récente exposition solo, Remix, à Détroit. J'ai décidé d'en réaliser une édition plus petite (5 exemplaires) car ce motif est un style de flèche emblématique et très apprécié. J'ai conçu les fichiers de découpe sur mon ordinateur avec Adobe Illustrator, puis je les ai fait découper au laser pour garantir leur perfection et leur harmonie. Une fois les découpes effectuées, j'ai détaché chaque impulsion individuellement et lui ai attribué une couleur spécifique. Le résultat final est une flèche en bois colorée et harmonieusement composée. » – Ci-dessus

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À moi est à toi. Sérigraphie réalisée par Add Fuel, imprimée à la main en 5 couleurs sur papier beaux-arts, édition limitée. Édition limitée signée et numérotée de 50 exemplaires (2024). Œuvre d'art de 19,6 x 27,5 pouces, sérigraphie représentant un motif de graffiti stylisé, un tag, un tag, un carreau et un cœur doré aux émotions contrastées. Explorer le dynamisme du pop art urbain à travers la sérigraphie L'évolution du street art a pris un tournant fascinant avec l'intégration de motifs classiques et de messages contemporains, donnant naissance à un genre largement reconnu sous le nom de Street Pop Art. Un exemple parfait de ce mélange dynamique est la sérigraphie « Mine is Yours » de l'artiste Add Fuel. Issue des rues animées et exposée dans les galeries d'art contemporain, cette œuvre en édition limitée incarne l'esprit du street pop art avec son motif vibrant de graffiti et un cœur doré symbolisant des émotions complexes. Add Fuel, de son vrai nom Diogo Machado, est originaire du Portugal et contribue activement à la scène artistique internationale grâce à son style unique qui marie l'ancien et le nouveau dans un contexte urbain. L'attrait des œuvres d'art en édition limitée Les tirages en édition limitée comme « Mine is Yours » ne sont pas de simples reproductions, mais de véritables objets de collection, prisés des amateurs d'art et des collectionneurs. Tirés à la main selon un procédé cinq couleurs sur papier beaux-arts, chacun des cinquante exemplaires possède des caractéristiques uniques, témoignant de l'approche artisanale qu'Add Fuel consacre à son travail. Le format de 50 x 70 cm offre un support idéal à la conception complexe qui captive le regard et invite à explorer la richesse de ses détails. Signés et numérotés, ces tirages portent l'empreinte authentique de l'artiste, faisant de chaque pièce un fragment précieux d'un récit plus vaste, reflet de sa vision artistique. L'art du graffiti : un reflet de la société contemporaine L'art du graffiti reflète souvent le pouls de la société, faisant écho aux émotions et aux pensées de la communauté dont il est issu. « Mine is Yours » illustre parfaitement cela : en juxtaposant un tag de graffiti stylisé à un motif de carrelage traditionnel, il reflète la dichotomie entre possession individuelle et partage collectif. Le cœur doré au centre, débordant d'expressivité, pourrait être interprété comme un commentaire de l'artiste sur la complexité des émotions et des relations humaines dans le paysage urbain. L'œuvre d'Add Fuel est non seulement visuellement saisissante, mais aussi stimulante, invitant le spectateur à un dialogue silencieux sur la propriété, le partage et la coexistence d'idéaux contrastés. Dans le contexte plus large du Street Pop Art, de telles œuvres deviennent des récits essentiels qui remettent en question l'esthétique et les significations conventionnelles. Elles insufflent la brutalité de la rue dans un format à la fois accessible et profond, permettant à cet art de transcender ses frontières originelles et de toucher un public plus large. La contribution de Diogo Machado à travers « Mine is Yours » témoigne du pouvoir transformateur du pop art urbain et de sa capacité à innover et à inspirer au-delà des murs qui l'enfermaient autrefois.

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Papier buvard Metamorphosis, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Tavar Zawacki - Au-dessus d'une œuvre d'art sur le LSD inspirée de la culture pop. À 19 ans, Tavar s'installe à Paris, où il commence à peindre sa célèbre flèche pointant vers le haut. Au cours des 19 dernières années, Tavar Zawacki a réalisé des œuvres d'art dans les rues de plus de 100 villes, réparties dans 60 pays à travers le monde.

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French Connection, édition limitée, sérigraphie artisanale bicolore sur papier beaux-arts, par Jeremy Wheeler, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Projection du film French Connection au Michigan Theater les 27 et 29 juin 2010.

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George Harrison Beatles, estampe giclée britannique en édition ultra-limitée sur papier d'art par Mike Mitchell, artiste de rue de la contre-culture. 2013 Signé et numéroté au dos Édition limitée à 100 exemplaires Œuvre d'art Format 4x6 Impression giclée par Mike Mitchell de Superman Clark Kent Pose stylisée avec George Harrison du groupe de rock 'n roll anglais The Beatles. George Harrison dans l'art de rue pop et graffiti George Harrison, membre des Beatles, l'un des groupes de rock les plus influents de l'histoire, est devenu une figure emblématique du street art et du graffiti. Son influence sur la culture visuelle dépasse le cadre de la musique : son style unique, sa spiritualité et son engagement dans les mouvements de la contre-culture font de lui un sujet fascinant pour les artistes contemporains. Son passage chez les Beatles, sa carrière solo et ses réflexions philosophiques ont inspiré la présence de son imagerie dans de nombreuses fresques murales, estampes pop art et illustrations stylisées. L'influence des Beatles sur le street art Les Beatles ont révolutionné la musique, la mode et l'expression visuelle, devenant ainsi une source d'inspiration inépuisable pour le pop art et le graffiti. Harrison, en particulier, s'est distingué par sa fusion du rock occidental et des influences orientales, inspirant des artistes qui cherchent à mêler styles traditionnels et modernes. L'époque de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, avec son imagerie psychédélique audacieuse et ses costumes extravagants, est une source d'inspiration inépuisable pour les artistes contemporains. Dans le pop art et les fresques murales, la moustache caractéristique, les cheveux longs et la tenue flamboyante de Harrison à la fin des années 1960 constituent une silhouette immédiatement reconnaissable. Son exploration de la spiritualité hindoue, de la méditation transcendantale et du mysticisme fait également de lui un symbole de pensée alternative et de rébellion artistique, l'inscrivant parfaitement dans l'esprit du street art. L'héritage de la contre-culture de George Harrison dans l'art visuel Figure emblématique de la période psychédélique des Beatles, l'influence de Harrison sur le street art et le graffiti est particulièrement manifeste dans les œuvres explorant les thèmes de la conscience, de l'éveil et du surréalisme. Nombre d'artistes le représentent entouré de motifs kaléidoscopiques, d'inspiration indienne et d'éléments cosmiques, reflétant son cheminement spirituel. Les graffeurs contemporains utilisent souvent des pochoirs et des contours marqués pour immortaliser son image, soulignant son expression à la fois stoïque et contemplative. Certains réinterprètent les tenues emblématiques de l'album Sgt. Pepper's, les imprégnant de couleurs néon vibrantes et de distorsions surréalistes pour créer une version moderne et originale de son image. La présence continue d'Harrison dans l'art urbain L'influence intemporelle de Harrison sur la musique, la spiritualité et l'expression artistique le maintient vivant dans le pop art et le graffiti. Sa capacité à transcender le simple statut de musicien rock pour devenir un symbole de paix, d'introspection et de culture alternative lui assure une place de choix dans l'art alternatif. Qu'il soit représenté sur des fresques psychédéliques, des estampes pop art ou des collages de street art, George Harrison demeure un sujet visuel puissant qui continue d'inspirer des générations d'artistes.

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Sérigraphie Doctor Who de Jillian Nickell, tirée à la main sur papier d'art, édition limitée. Édition limitée à 175 exemplaires, signée et numérotée au dos (2013). Sérigraphie 16x20 représentant le vaisseau spatial TARDIS, la cabine de police et le Docteur. À l'occasion du 50e anniversaire de la série Doctor Who. Sérigraphie Doctor Who par Jillian Nickell La sérigraphie Doctor Who de Jillian Nickell est un hommage saisissant au 50e anniversaire de l'une des séries de science-fiction les plus marquantes de l'histoire de la télévision. Cette sérigraphie artisanale en édition limitée, créée en 2013, capture l'essence du Docteur et de son emblématique machine à voyager dans le temps, le TARDIS, dans une composition visuellement immersive. Signée et numérotée au dos, et produite à seulement 175 exemplaires, cette œuvre de 40 x 50 cm illustre la fusion du street art et du graffiti avec le charme intemporel de la science-fiction. La finesse des détails et la palette de couleurs soigneusement choisie en font une pièce remarquable, tant pour les collectionneurs d'objets de la culture pop que pour les amateurs d'art contemporain. La composition visuelle et l'approche artistique Le dessin de Jillian Nickell présente une représentation minutieuse du TARDIS aux côtés du Docteur, qui se tient fièrement au premier plan, son tournevis sonique à la main. Les tons bleu profond dominent la composition, soulignant le mystère et l'immensité de l'espace. L'utilisation du pointillisme et des techniques d'ombrage en demi-teintes rehausse la texture, créant profondeur et atmosphère au sein de l'œuvre. L'effet lumineux autour des hublots du TARDIS et les étoiles disséminées en arrière-plan contribuent à une esthétique onirique, renforçant les thèmes du voyage dans le temps et de l'exploration propres à la série. L'expression du Docteur est empreinte d'une détermination tranquille, sa posture suggérant le mouvement, comme s'il s'apprêtait à entreprendre un nouveau voyage. La manière dont Nickell a rendu les plis de ses vêtements, l'extrémité illuminée du tournevis sonique et les subtiles nuances de son visage témoigne d'une maîtrise exceptionnelle du détail. La stylisation du TARDIS, avec ses contours adoucis et lumineux, donne l'impression qu'il se matérialise, une technique qui rappelle les distorsions visuelles souvent utilisées dans le street art et le graffiti. Ce mélange de réalisme et d'abstraction rend l'estampe à la fois dynamique et captivante. L'influence de Doctor Who dans le street art, le pop art et le graffiti Doctor Who inspire depuis longtemps le street art et le graffiti, ses symboles emblématiques apparaissant sur des fresques murales, des affiches collées et des pochoirs à travers le monde. Le TARDIS, motif récurrent, représente l'aventure, le mystère et les possibilités infinies du temps et de l'espace. Les artistes de rue intègrent fréquemment sa forme reconnaissable de cabine de police dans leurs œuvres, la plaçant souvent dans des lieux surréalistes ou inattendus pour créer un sentiment de dépaysement et d'émerveillement. L'estampe de Nickell capture ce même esprit en soulignant le caractère éthéré du TARDIS tout en ancrant le Docteur dans la réalité. La composition fait écho aux techniques de superposition propres au street art, où de multiples éléments interagissent pour former un récit cohérent. Le contraste entre la silhouette solide du Docteur et le TARDIS, plus fluide et presque lumineux, crée une juxtaposition saisissante qui renforce la tension entre le connu et l'inconnu. Cette dualité est un aspect fondamental du street art et du graffiti, où les artistes utilisent souvent les contrastes pour susciter la réflexion et l'émotion. L'importance de la sérigraphie en édition limitée Sérigraphie artisanale réalisée à la main, l'œuvre « The Doctor Who » de Jillian Nickell témoigne d'un savoir-faire unique, impossible à reproduire numériquement. L'application successive d'encre sur papier d'art confère à l'œuvre une qualité tactile, rendant chaque tirage légèrement unique. Son édition limitée renforce son exclusivité et en fait une pièce de collection précieuse pour les fans de la série et les amateurs de street art et de graffiti. Le format 40 x 50 cm permet d'apprécier pleinement la finesse des détails, que ce soit dans une collection privée ou une galerie d'art. La capacité de Nickell à fusionner une profonde admiration pour l'univers de Doctor Who avec les éléments stylistiques de la sérigraphie moderne donne naissance à une œuvre qui transcende le simple fan art. Cette estampe célèbre non seulement le 50e anniversaire de la série, mais témoigne également de l'influence durable de ses thèmes et de son imagerie sur la culture artistique urbaine contemporaine. En mêlant des techniques d'illustration détaillées à l'énergie du street art et du graffiti, Nickell a créé une œuvre qui capture à la fois la nostalgie et la pertinence toujours actuelle de Doctor Who dans le paysage artistique.

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Sérigraphie en édition limitée, tirée à la main, 7 couleurs argentées métallisées, sur papier français couleur crème, par l'artiste Scarecrowoven Macabre Art Pop Artwork. Imprimé sur papier aquarelle pressé à froid, édition signée et numérotée de 50 exemplaires. 18 x 24 pouces.

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Édition limitée et estampillée, sérigraphie artisanale 3 couleurs sur papier kraft moucheté français, par Krush, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « LA Marked » est une sérigraphie trois couleurs sur papier Speckleton, réalisée en collaboration avec Krush et The Seventh Letter. Ce livre est une estampe parue à l'occasion de l'exposition « LA Marked ». Il s'agit d'une estampe classique qui capture l'atmosphère onirique et envoûtante de Los Angeles, avec des publicités et une typographie du XXe siècle en voie de disparition dans des lieux emblématiques comme le quartier underground de Los Angeles.

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Arrow Pulse Summer Original Hand-Painted Multiple Mixed-Technology on Laser Cut Wood Panel ready to hang by Tavar Zawacki (Above) Graffiti Street Artist Modern Pop Art. « Le motif Arrow Pulse était l'un des nombreux modèles populaires que j'ai créés pour ma récente exposition solo, Remix, à Détroit. J'ai décidé d'en réaliser une édition plus petite (5 exemplaires) car ce motif est un style de flèche emblématique et très apprécié. J'ai conçu les fichiers de découpe sur mon ordinateur avec Adobe Illustrator, puis je les ai fait découper au laser pour garantir leur perfection et leur harmonie. Une fois les découpes effectuées, j'ai détaché chaque impulsion individuellement et lui ai attribué une couleur spécifique. Le résultat final est une flèche en bois colorée et harmonieusement composée. » – Ci-dessus

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Adam Wainwright/Putin Old Lady - Collage unique orné à la main par Pat Riot sur une carte de baseball vintage. Œuvre originale estampée en 2014, technique mixte superposée sur une véritable carte vintage Topps de la MLB, avec un style pop art rappelant : Adam Wainwright/Putin Old Lady - Cardinals

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Endian Redux PP Sérigraphie Giclée par Fin DAC Printers Épreuve Sérigraphie 12 Couleurs Tirée à la Main sur Papier d'Art Vernis Somerset 330 g/m² Édition Limitée Pop Street Artwork & Graffiti. Épreuve d'imprimeur PP Findac 2021 Signée et marquée PP Tirage limité Taille de l'œuvre 24,61x34,65 Impression giclée à gauche Sérigraphie à droite. Technique et composition d'Endian Redux PP « Endian Redux PP », une sérigraphie giclée de l'artiste renommé Fin DAC, illustre la fusion harmonieuse des techniques traditionnelles et contemporaines, s'imposant comme une œuvre marquante dans le domaine de l'art urbain pop en édition limitée. Cette pièce, intitulée « Épreuve d'imprimeur » (PP) et faisant partie d'une édition limitée, révèle le style caractéristique de Fin DAC : un mélange de photoréalisme et d'éléments graphiques inspirés du graffiti. L'œuvre juxtapose une impression giclée à gauche et une sérigraphie à droite, chacune apportant sa texture et son impact visuel distincts. La technique giclée, reconnue pour sa reproduction de haute précision, permet une représentation photoréaliste du sujet. Parallèlement, la sérigraphie, clin d'œil aux racines street art de l'artiste, insuffle des couleurs vives et des éléments graphiques, créant un contraste dynamique au sein de la même œuvre. Cette sérigraphie artisanale en 12 couleurs sur vernis est superposée à un papier d'art Somerset de 330 g/m², choisi pour sa capacité à retenir des couleurs éclatantes et des détails complexes, garantissant ainsi que chaque nuance de l'œuvre d'art soit capturée avec clarté. Pertinence culturelle dans l'art contemporain « Endian Redux PP » reflète l’exploration par l’artiste des thèmes de l’identité et de la féminité, fréquemment abordés dans son œuvre. Le sujet de l’estampe, une femme au regard évocateur ornée de motifs évoquant des tatouages, illustre la rencontre entre beauté traditionnelle et esthétique moderne. L’utilisation du vernis confère à l’œuvre une dimension texturée et joue avec la lumière et les reflets, invitant le spectateur à l’appréhender sous de multiples angles. Influence artistique de Fin DAC Fin DAC s'est forgé une solide réputation en créant des œuvres qui transcendent les frontières conventionnelles du street art et du graffiti. Son approche de la sérigraphie, souvent caractérisée par un mélange unique de pochoirs et de techniques à main levée, donne naissance à des œuvres d'une grande minutie, empreintes de spontanéité. « Endian Redux PP », qui combine giclée et sérigraphie, illustre la volonté de l'artiste de repousser les limites de ces médiums, offrant aux collectionneurs une pièce qui n'est pas qu'une simple estampe : un véritable témoignage du potentiel de la sérigraphie comme art à part entière. Importance des épreuves d'imprimeur dans les collections d'art L'appellation « Épreuve d'imprimeur » indique une rareté et une exclusivité très recherchées par les collectionneurs. Ces épreuves sont généralement les premiers tirages sortis de presse et servent à vérifier la qualité de l'impression avant la production de l'édition complète. De ce fait, elles sont souvent considérées comme les plus prisées des collectionneurs en raison de leur place dans le processus d'impression et de leur nombre limité. Le choix de Fin DAC de signer et de marquer ces épreuves authentifie davantage leur statut d'œuvres d'art en édition limitée. « Endian Redux PP » de Fin DAC est une incarnation saisissante de la capacité du pop art urbain à intégrer les techniques traditionnelles des beaux-arts à l'énergie et à la spontanéité du street art et du graffiti. L'œuvre témoigne avec éclat de l'évolution du pop art, faisant écho aux racines historiques du genre tout en le propulsant vers l'avenir grâce à des méthodes innovantes et une exploration thématique. Elle capture un moment de l'art contemporain où les frontières entre les différentes formes d'art s'estompent et s'entremêlent harmonieusement.

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Boudica arrive chez HPM. Impression sérigraphique 6 couleurs embellie par Jamie Reid, tirée à la main sur papier cartonné gris Optimum 400 g/m² vieilli. Œuvre d'art en édition limitée. 2018. Signée par les deux artistes. Sérigraphie HPM acrylique rehaussée à la main au pochoir et numérotée. Édition limitée à 350 exemplaires. Dimensions : 17 x 25 cm. Sérigraphie représentant la reine Boudica sur un char à cheval près d'un gratte-ciel. Édition spéciale marché aux puces. Effet vieilli à la main. Boudica arrive : Sérigraphie HPM ornée par Jamie Reid et James Cauty L'œuvre « Boudica Is Coming » est un exemple parfait de fusion entre le pop art urbain et l'esthétique graffiti. Créée par les artistes britanniques de renom Jamie Reid et James Cauty, elle rend hommage à l'iconographie rebelle et au paysage urbain contemporain. Tirée à 350 exemplaires seulement, cette œuvre est imprimée à la main sur un papier cartonné gris Reverse Optimum de 400 g/m² à l'aspect vieilli, conférant à chaque pièce une texture unique. Mesurant 43 x 63,5 cm, elle capture l'essence de la culture street art tout en l'ancrant dans des références historiques, notamment à travers l'image de la reine Boudica. L'iconographie de Boudica dans le pop art urbain Boudica, l'ancienne reine guerrière des Icéniens, est une figure récurrente de l'iconographie contestataire britannique. Dans cette œuvre, Reid et Cauty établissent un lien direct entre l'esprit rebelle de Boudica et les mouvements contre-culturels qui caractérisent une grande partie du street art contemporain. Elle est représentée chevauchant son char emblématique, symbole de force et de puissance. La juxtaposition de sa figure sur fond de gratte-ciel moderne souligne la tension entre l'histoire et l'urbanisation galopante. Ce contraste est un thème central du street art pop, où les symboles historiques et culturels sont fréquemment réinterprétés dans les environnements urbains contemporains. L'utilisation de Boudica dans ce contexte la transforme d'une figure historique en un symbole de résistance continue. En la plaçant devant un imposant immeuble, les artistes affirment la pertinence persistante de la rébellion dans la vie moderne. Ceci s'inscrit dans les thèmes plus larges du street art pop, qui remettent en question l'environnement quotidien, les normes sociales et la tension entre autorité et individualisme. Influences esthétiques de l'aspect vieilli et du graffiti Les choix esthétiques de « Boudica Is Coming » reflètent le style brut et authentique souvent associé au graffiti. La sérigraphie est imprimée sur un papier cartonné gris vieilli, ce qui confère texture et singularité à chaque exemplaire. Les éléments vieillis créent un aspect usé, presque délabré, contrastant avec les couleurs néon éclatantes de l'œuvre. Cette technique de vieillissement est particulièrement efficace pour reproduire l'aspect des murs de rues, où affiches et graffitis interagissent avec les éléments, s'érodant lentement pour prendre de nouvelles formes. L'expérience de Jamie ReReid en graphisme et en imagerie punk rock joue un rôle essentiel dans la composition générale de l'œuvre. Son travail avec les Sex Pistols et son style de collage distinctif, qui inclut souvent des symboles politiques détournés et modifiés, résonnent tout au long de cette sérigraphie. L'aspect pochoir de Boudica et de son char rappelle le tag de rue, un clin d'œil à l'art du graffiti. Parallèlement, James Cauty, connu pour son travail avec le KLF et son appartenance au collectif artistique The Grey Organisation, apporte à l'œuvre une sensibilité postmoderne et dystopique. La collaboration de ces deux artistes crée un dialogue visuel entre rébellion, déclin et transformation perpétuelle du paysage urbain. Éléments étirés et ornés à la main Un aspect essentiel de cette édition réside dans son procédé d'impression sérigraphique artisanal. Chaque estampe n'est pas simplement reproduite mécaniquement, mais réalisée avec soin, ce qui engendre de légères variations d'une édition à l'autre et rend chaque pièce unique. La sérigraphie, notamment entre les mains de Reid et Cauty, confère à l'œuvre une qualité tactile qui captive le regard. Les couleurs vives, presque fluorescentes, attirent l'attention, créant un contraste saisissant entre la tour monochrome et la vivacité des lettres et de la silhouette de la reine BoBoudica. L'estampe est sublimée par des pochoirs acryliques réalisés à la main. Chaque estampe a été embellie individuellement par les artistes, qui ont ajouté des couches de peinture au-delà de la planéité traditionnelle des impressions. Cette intervention manuelle apporte profondeur et texture, renforçant l'impression artisanale, pierre angulaire du street art et du graffiti. Ces embellissements garantissent que chaque estampe est unique, ce qui accroît sa valeur et son potentiel de collection. La reine Boudica dans le paysage urbain La juxtaposition de la reine Boudica devant un gratte-ciel imposant n'est pas un simple choix visuel, mais une véritable affirmation. Elle dénonce l'empiètement de la modernité sur l'histoire, la tradition et les paysages naturels. Les gratte-ciel, souvent symboles de la puissance des entreprises et de la modernité, contrastent fortement avec la force ancestrale et organique représentée par Boudica et son char. En ce sens, « Boudica Is Coming » incarne la tension entre passé et présent, nature et industrie, rébellion et ordre. L'utilisation d'un texte en gras, annonçant « Boudica Is Coming », confère à l'œuvre un sentiment d'immédiateté et d'urgence. Elle interpelle le spectateur à la manière du street art, par son message direct, presque provocateur. Ce message suggère une idée de renaissance, le retour d'une force puissante et transformatrice. Boudica devient ainsi l'incarnation de nombreuses formes de résistance contemporaines, qu'elles soient politiques, sociales ou culturelles. C'est ce qui distingue cette œuvre dans le monde du street art et du graffiti. Cette œuvre interpelle le spectateur visuellement et intellectuellement, l'incitant à réfléchir aux implications de la rébellion dans le contexte urbain moderne. Elle fait le lien entre histoire et culture urbaine contemporaine, instaurant un dialogue entre les deux. « Boudica Is Coming », de Jamie Reid et James Cauty, est une puissante œuvre de pop art urbain qui mêle iconographie historique et paysages urbains contemporains. Grâce à sa technique de sérigraphie, ses éléments embellis à la main et son esthétique patinée, elle capture l'énergie brute du street art tout en soulignant la pertinence toujours actuelle de la rébellion et de la résistance. Bien plus qu'une simple estampe, c'est une affirmation visuelle et culturelle qui trouve un écho dans les mouvements du graffiti et du pop art.

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Sérigraphie Florence Aubenas par Shepard Fairey - OBEY x Blek le Rat Tirée à la main sur papier d'art de qualité supérieure Édition limitée Œuvre d'art pop et de rue. 2008. Signée par Shepard Fairey et Blek le Rat. Édition limitée numérotée à 100 exemplaires. Format : 18 x 24 pouces. Sérigraphie. Shepard Fairey x Blek le Rat Florence Aubenas Sérigraphie 2008 La sérigraphie Florence Aubenas de 2008 est le fruit d'une collaboration exceptionnelle entre l'artiste de rue américain Shepard Fairey, alias OBEY, et le pionnier français du pochoir, Blek le Rat. Mesurant 45,7 x 61 cm, cette sérigraphie artisanale a été produite en édition limitée à 100 exemplaires, signés et numérotés. Chaque exemplaire porte la signature des deux artistes, témoignant ainsi de son importance en tant que dialogue intergénérationnel au sein du Street Pop Art et du graffiti. Le sujet, la journaliste française Florence Aubenas, a été enlevée et retenue en otage en Irak en 2005, faisant de cette œuvre un puissant symbole de résilience et du rôle de l'art dans la mise en lumière des enjeux liés aux droits humains. Imagerie et symbolisme Cette estampe fusionne le style graphique et engagé de Shepard Fairey avec la technique classique du pochoir de Blek le Rat. Sur fond de place Saint-Michel à Paris, l'œuvre intègre photographie et pochoir pour créer une composition urbaine riche et nuancée. Aubenas y est représentée debout, sereine, sa silhouette se détachant en un pochoir noir intense sur le mur de pierre, évoquant les interventions de Blek le Rat dans l'espace public. Ce contraste avec la précision du décor urbain capturée par la sérigraphie de Fairey crée une tension entre la permanence de l'architecture historique et l'urgence des luttes politiques contemporaines. Le placement de la figure sous le panneau de signalisation ancre l'œuvre dans le contexte parisien, tout en symbolisant la portée universelle de son histoire. Collaboration entre icônes Blek le Rat, né Xavier Prou ​​en France en 1951, est considéré comme l'un des fondateurs du graffiti au pochoir, ayant influencé des générations d'artistes de rue à travers le monde, dont Banksy. Shepard Fairey, né à Charleston, en Caroline du Sud, en 1970, s'est fait connaître grâce à sa campagne OBEY et à des œuvres engagées, comme l'affiche « Hope » de Barack Obama. Leur collaboration sur « Florence Aubenas » a réuni deux approches distinctes mais complémentaires : l'engagement de Blek envers la puissance de l'image directe au pochoir dans l'espace public et l'activisme de Fairey, guidé par le graphisme. Il en résulte une œuvre qui résonne à la fois comme un manifeste politique et comme un jalon dans l'histoire du street art. Résonance politique et héritage artistique Cette sérigraphie souligne comment l'art peut devenir un outil de sensibilisation et d'engagement. En immortalisant Florence Aubenas dans leur langage visuel, Fairey et Blek le Rat mettent en lumière les risques encourus par les journalistes travaillant dans les zones de conflit et l'importance de la liberté d'expression. Tirée en édition limitée, signée par les deux artistes et riche de sa thématique, cette sérigraphie de Florence Aubenas est considérée comme une pièce de collection majeure, non seulement pour les admirateurs de Shepard Fairey et Blek le Rat, mais aussi pour tous ceux qui reconnaissent l'importance d'un art socialement engagé. Elle demeure un exemple frappant de la manière dont le street art et le graffiti peuvent transcender l'esthétique pour aborder des réalités politiques urgentes.

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Édition limitée Union Jack HPM ornée à la main, impression sérigraphique 17 couleurs et feuille d'or sur papier Somerset Tub Sized Paper 410 g/m² par l'artiste Saber, œuvre d'art pop contemporaine. 2014 Signée et numérotée HPM, rehaussée à la main, édition limitée à 75 exemplaires. Dimensions de l'œuvre : 35,5 x 17,75 pouces. Feuille d'or 23 carats sur papier Somerset 17-3/4 x 35-1/2 pouces (45,1 x 90,2 cm) (feuille). Éd. 19/75. Signée et numérotée sur le bord inférieur. Publiée par la galerie Lazarides, Londres. « Union Jacked HPM » est une œuvre d'art en édition limitée et captivante de l'artiste Saber, reconnu pour sa contribution au pop art contemporain à travers le prisme du street art et du graffiti. Cette pièce est une sérigraphie complexe en 17 couleurs, rehaussée de feuilles d'or 23 carats appliquées à la main, chacune méticuleusement posée sur un papier Somerset Tub-sized de 410 g/m². Tirée à seulement 75 exemplaires, cette édition exclusive fait de chaque estampe une pièce de collection très recherchée par les amateurs de l'œuvre de Saber. Ses dimensions (35,5 x 17,75 pouces) lui confèrent une présence imposante, tandis que l'éclat de la feuille d'or ajoute une texture luxueuse qui contraste avec l'aspect brut de la sérigraphie. Réalisée en 2014, signée et numérotée par l'artiste, cette estampe est la 19e de la série limitée. L'emblématique Union Jack est réinterprétée et « détournée » par le style transformateur de Saber, qui dissèque et reconstruit les symboles traditionnels pour interroger la perception du spectateur. La réputation de Saber, qui repousse les limites du street art conventionnel dans l'espace des galeries, est manifeste dans cette œuvre. Il y marie l'énergie rebelle du street art à la gravité des beaux-arts grâce à l'utilisation de la feuille d'or. Publiée par la galerie Lazarides à Londres, un espace reconnu pour présenter des artistes d'avant-garde qui brouillent les frontières entre art urbain et art savant, « Union Jacked HPM » est une œuvre marquante qui interroge l'identité culturelle, la fierté nationale et le pouvoir subversif du street art. La superposition des images et la qualité tactile de l'estampe invitent à une observation attentive et à la réflexion, témoignant de l'approche novatrice de Saber en matière d'art contemporain. Cette œuvre est emblématique d'une période artistique où la rencontre entre l'esprit du street art et les pratiques artistiques traditionnelles a donné naissance à des œuvres à la fois accessibles et complexes. Saber, en tant qu'artiste, maîtrise l'art de s'adresser à un public diversifié, attirant aussi bien les férus d'histoire du pop art que ceux fascinés par l'authenticité brute du graffiti. « Union Jacked HPM » n'est pas qu'une simple estampe : c'est un témoignage du dialogue culturel, incarnant l'évolution du récit de ce qu'est et peut être l'art au sein de la société contemporaine.

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« Nobody Loves You », une figurine en vinyle de collection en édition limitée de Joan Cornellà, œuvre d'art de rue pop et graffiti. Œuvre d'art en édition limitée 2024, format 3 x 8,3 pouces, neuve en boîte. Figurine en vinyle imprimée représentant une fillette en robe rose tenant un gâteau d'anniversaire. Inscription : « Personne ne t'aime. » La vision provocatrice de Joan Cornellà : le jouet d'art en vinyle « Personne ne t'aime » Joan Cornellà, artiste barcelonais reconnu pour ses illustrations à la fois dérangeantes et humoristiques, explore le monde de la sculpture avec son objet en vinyle « Nobody Loves You ». Cette œuvre en édition limitée capture l'essence même du style caractéristique de Cornellà, qui juxtapose souvent une esthétique joyeuse et colorée à des thèmes sombres et satiriques. La figurine « Nobody Loves You », représentant une jeune fille en robe rose tenant un gâteau d'anniversaire sur lequel est inscrit « Nobody Loves You », illustre parfaitement la démarche artistique de Cornellà, qui mêle sensibilité pop et critique acerbe du street art. Analyse des strates de satire dans l'œuvre de Cornellà Cette œuvre de Joan Cornellà est empreinte d'ironie. La gaieté apparente d'une fête d'anniversaire est contrebalancée par le message sombre inscrit sur le gâteau, un rappel poignant de la solitude et de l'isolement qui peuvent accompagner les grandes étapes de la vie. Le sourire béat et apparemment insouciant de la jeune fille contraste fortement avec ce message, créant une dissonance à la fois drôle et troublante. Cette tension est une caractéristique du travail de Cornellà et témoigne de sa capacité à utiliser les codes du street art pour explorer des thèmes émotionnels et sociétaux complexes. Le caractère collector de l'œuvre, avec son tirage limité, son poinçon d'authenticité et son certificat d'authenticité, ajoute une dimension critique à la marchandisation de l'art et des émotions. L'influence de Cornellà sur le street art pop et la culture des objets de collection Joan Cornellà est devenu une figure influente à la croisée du pop art urbain, du graffiti et de la culture émergente des art toys. Ses figurines en vinyle, souvent rapidement épuisées en raison de leur édition limitée, sont prisées non seulement pour leur esthétique et leur valeur de collection, mais aussi pour leur commentaire social incisif. La figurine « Nobody Loves You » illustre parfaitement comment l'œuvre de Cornellà a transcendé les supports traditionnels comme la toile et le papier, prenant une nouvelle dimension dans l'art tridimensionnel. Ces figurines servent non seulement d'objets de décoration pour la maison ou le bureau, mais aussi de sujets de conversation qui invitent à se confronter à des vérités dérangeantes sur la nature humaine et les dynamiques sociales. L'œuvre de Joan Cornellà, et notamment des pièces comme la figurine « Nobody Loves You », continue de repousser les frontières du pop art et du street art. Elle incite à questionner sa perception de la normalité et du bonheur dans la société contemporaine. En tant qu'objets de collection, ces figurines représentent une fusion unique entre beaux-arts et culture urbaine, témoignant de la polyvalence et de la pertinence intemporelle de la vision artistique de Cornellà.

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Incognito - Sérigraphie en édition limitée, 20 couleurs, tirée à la main, sur papier 100 % coton blanc éclatant, par Tavar Zawacki - Œuvre rare de street art d'un artiste pop célèbre. Format du papier : 84 cm de large x 116 cm de haut (33 pouces de large x 45,5 pouces de haut). Papier Somerset 330 g/m², sans acide, blanc éclatant, 100 % coton. Tous les tirages ont des bords frangés à la main. CARACTÉRISTIQUES DE L’IMPRESSION : Incognito a été imprimé au studio Mother Drucker Print Studio à Berlin. Incognito est une impression sérigraphique traditionnelle en quadrichromie (CMJN). Le motif comporte plus de 20 couleurs différentes. Tous les tirages sont signés, datés, gaufrés et tamponnés au verso.

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Achetez TITLE Édition limitée Fine Art Archival Pigment Print Art sur papier buvard perforé. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XX Tirage pigmentaire d'archivage sur papier buvard perforé Taille : 7,5 x 7,5 pouces Sortie : 19 avril 2022 Les éditions limitées de buvard sont perforées à la main par Zane Kesey.

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Estampe giclée en édition ultra-limitée Queen British sur papier d'art de qualité supérieure par Mike Mitchell, artiste de rue de la contre-culture. 2013. Signée et numérotée au dos. Édition limitée à 100 exemplaires. Impression giclée 4x6 de Mike Mitchell représentant Superman (Clark Kent) dans une pose stylisée avec Elizabeth II, reine d'Angleterre. Estampe giclée en édition ultra-limitée de la reine britannique par Mike Mitchell L'estampe giclée en édition limitée « Queen British Super Limited Edition » de Mike Mitchell est une réinterprétation audacieuse et humoristique d'une figure emblématique du leadership britannique, mêlant esthétique du pop art urbain et du graffiti. Signée et numérotée, cette édition limitée de 2013, au format 10 x 15 cm, adopte une approche à la fois satirique et respectueuse en stylisant la reine Elizabeth II dans la pose iconique de Superman. Appartenant à la célèbre série « Super Series » de Mitchell, cette œuvre transforme la figure traditionnelle de l'autorité royale en un symbole de force moderne, de satire et de rébellion artistique. La Super Série et la déconstruction de la culture pop La série « Super Series » de Mitchell est largement reconnue pour sa réinterprétation ludique de figures emblématiques, les plaçant dans la pose classique du super-héros, les mains fermement posées sur les hanches, expression d'une confiance et d'une puissance inébranlables. En fusionnant des figures influentes telles qu'Élisabeth II avec les codes visuels de la bande dessinée, l'artiste établit un pont entre le respect de l'histoire et l'irrévérence contemporaine. Dans cette œuvre, la Reine est représentée vêtue de sa tenue royale traditionnelle – couronne, écharpe, gants et robe rose de cérémonie – mais adoptant la posture par excellence d'une super-héroïne. Le contraste entre l'élégance discrète de ses vêtements et sa posture forte et affirmée offre un commentaire à la fois amusant et percutant sur le leadership, l'autorité et la perception culturelle. La palette de couleurs à la fois vibrante et épurée, les lignes nettes et le style d'illustration minimaliste reflètent l'esthétique audacieuse du pop art et du graffiti, où l'exagération et l'iconographie priment sur le réalisme. Quand la royauté rencontre la contre-culture : le pop art urbain Le pop art urbain et le graffiti remettent souvent en question les normes sociales, les figures du pouvoir et les attentes culturelles, faisant de la reine Élisabeth II un sujet particulièrement fascinant au sein de ce mouvement. L'œuvre de Mitchell ne cherche pas à ridiculiser la royauté, mais plutôt à humaniser et à recontextualiser le rôle de la monarchie dans un monde moderne et médiatique. Artiste de la contre-culture, Mitchell a souvent exploré l'esthétique de la bande dessinée, la satire sociale et des représentations de personnages minimalistes mais expressives. La juxtaposition de figures historiques et d'influences de la culture populaire souligne comment les figures royales et les super-héros s'inscrivent dans l'imaginaire collectif comme symboles de pouvoir, de résilience et de tradition. L'influence de la réinterprétation satirique dans l'art moderne Cette édition ultra-limitée de tirage giclée s'inscrit dans une longue tradition de réinterprétation satirique de la culture pop. Des portraits vibrants de dirigeants politiques en sérigraphie d'Andy Warhol aux figures royales pochoirées de Banksy, les artistes n'ont cessé de remettre en question et de redéfinir la représentation de l'autorité dans la culture visuelle. L'œuvre de Mitchell s'inscrit dans cette histoire, offrant une déclaration visuelle à la fois légère et percutante qui invite à repenser les liens entre autorité, culture pop et représentation artistique. Tirée à 100 exemplaires signés et numérotés, cette édition ultra-limitée de tirage giclée « Queen British » est un incontournable pour les collectionneurs d'art urbain et de graffiti, offrant une fusion unique d'histoire, de satire et d'illustration contemporaine. Appréciée pour son humour, sa critique culturelle ou son talent artistique indéniable, cette œuvre confirme la place de Mike Mitchell parmi les figures majeures de la narration visuelle moderne.

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Estampe d'art en édition limitée Rainbow Pulse Archival Pigment sur papier Moab Entrada 290 g/m² par l'artiste ci-dessus - Tavar Zawacki, légende du street art pop graffiti. Tirage pigmentaire d'archives sur papier beaux-arts Moab Rag 290 g/m² Format : 45,7 x 45,7 cm Sortie : 22 mars 2019

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Édition limitée « Contrôle des armes à feu », sérigraphie artisanale bicolore sur papier français 140 lb, par Avone, artiste de rue graffiti, art pop moderne. AVone est l'artiste new-yorkais par excellence. À travers son œuvre, il crée un environnement urbain réinventé, imprégné d'images d'une vision singulière et crue de la décrépitude. Son travail est principalement influencé par la ville qu'il considère comme son foyer, ainsi que par l'expressionniste abstrait Franz Kline et Andy Goldsworthy, dont l'œuvre a inspiré la fragmentation de son écriture et les surfaces texturées qu'il développe lui-même.

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Fantaisie, tirages d'art en édition limitée à l'encre pigmentaire d'archives sur papier chiffon coton Entrada 290 g/m², par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Faile. Reproduction d'une autre peinture de notre exposition Off The Walls à Paris. À l'instar de l'estampe Kool Living, Fantaisie (Fantaisie à la française) est une somptueuse encre pigmentaire d'archivage sur un papier d'art mat épais, qui capture tous les détails de la toile et l'amour peint. - Faile Estampe Fantaisie, 61 x 76 cm, encre d'archivage sur papier coton Entrada 290 g/m², gaufrée, signée et numérotée FAILE 2021

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Mike Brown/Putin Dog - Pirates Collage unique orné à la main, technique mixte sur carte de baseball vintage par Pat Riot. Œuvre originale de 2014, technique mixte superposée sur une véritable carte vintage MLB Topps, avec un style pop art inspiré de : Mike Brown/Chien de Poutine - Pirates

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Impression d'art en édition limitée Funny Farm Archival Pigment sur papier beaux-arts 310 g/m² par l'artiste ci-dessus - Tavar Zawacki, légende du street art pop graffiti. Édition limitée signée et numérotée de 100 exemplaires, tirage pigmentaire d'archives sur papier beaux-arts 310 g/m², 2016. Dimensions de l'œuvre : 16 x 16 pouces. Sortie : 23 janvier 2016. « J'ai peint cette flèche au rouleau, à la peinture latex et à la bombe sur une vieille grange. La grange mesurait 9 mètres de large sur 9 mètres de haut à son point le plus haut. L'œuvre "Funny Farm" a débuté grâce à mon ami Denial, qui m'a invité à participer au projet Free 4 All Walls au Canada le mois dernier. Denial m'avait trouvé une immense grange à peindre pour le projet. C'était la plus grande flèche que j'aie jamais peinte et la plus grande quantité de café que j'aie bue en quatre jours. Le café Tim Hortons devrait être interdit. » – Ci-dessus Célébration du monde rural : l'estampe d'art pigmentaire d'archives « Funny Farm » d'ABOVE Tavar Zawacki, la légende du street art et du graffiti connue sous le nom d'ABOVE, a étendu son expression artistique aux paysages ruraux avec l'œuvre « Funny Farm », aboutissant à une édition limitée qui capture l'essence de son œuvre emblématique, la flèche. Ce tirage pigmentaire d'archives en édition limitée, sur papier beaux-arts 310 g/m², incarne l'approche novatrice d'ABOVE en matière de street art, révélant son style unique sur un support atypique : une vieille grange. Sortie le 23 janvier 2016, chaque exemplaire a été méticuleusement signé et numéroté par l'artiste, témoignant de l'authenticité et de l'exclusivité tant appréciées des collectionneurs et des amateurs de street art. L'œuvre « Funny Farm » a débuté comme un projet monumental : ABOVE a utilisé rouleaux, peinture latex et bombe aérosol pour transformer la façade d'une grange de 9 mètres sur 9 en une installation visuelle saisissante. Le choix d'une structure rustique comme support pour sa flèche iconique illustre sa polyvalence artistique et met en lumière le dialogue entre le street art urbain et les environnements ruraux. Cette œuvre, qui fait partie du projet Free 4 All Walls au Canada, témoigne de la volonté d'ABOVE de repousser les limites de l'art du graffiti au-delà des murs de la ville, en s'adressant à un public et à un environnement plus larges. Techniques et inspirations derrière « Funny Farm » d'ABOVE La réalisation de « Funny Farm » a été un processus ardu, exigeant un effort physique considérable et une énergie créative débordante de la part d'ABOVE. Pendant quatre jours, fortifié par de grandes quantités de café, il a déployé tout son savoir-faire pour créer une œuvre aussi imposante par son ampleur que par son impact. Son commentaire sur le caractère addictif du café Tim Hortons injecte une anecdote personnelle et humoristique dans le récit, créant ainsi un lien plus intime avec le public. Cette anecdote met en lumière des aspects souvent négligés du processus créatif d'un artiste : les influences extérieures et l'environnement qui peuvent façonner la création d'une œuvre. La technique méticuleuse et l'utilisation vibrante des couleurs dans « Funny Farm » reflètent les caractéristiques de son style, reconnu dans le monde entier. La grange, avec ses vastes parois, offrait à ABOVE une toile immense pour exprimer sa vision, permettant à la flèche de dominer le paysage, pointant vers le ciel. L'œuvre a captivé ceux qui l'ont découverte en personne et a trouvé un écho particulier dans les tirages en édition limitée qui ont suivi. Ces tirages offrent un récit visuel du parcours d'ABOVE, capturant l'énergie et l'esprit de la fresque originale. Importance culturelle de « Funny Farm » dans le paysage artistique La signification culturelle de « Funny Farm » dans le paysage artistique est multiple. La décision d'ABOVE de créer une version imprimée de cette fresque rurale permet une diffusion plus large de son œuvre, comblant le fossé entre la nature éphémère du street art et la permanence des beaux-arts. Le tirage limité de ces estampes garantit la préservation et la célébration de l'essence de « Funny Farm » au sein des collections privées, des galeries et au-delà. De plus, l'œuvre illustre l'engagement d'ABOVE envers le street art, le pop art et le graffiti, en tant qu'art accessible qui transcende les frontières géographiques et culturelles. En choisissant une grange en milieu rural, ABOVE remet en question la vision souvent urbaine du street art, proposant un langage créatif universel capable de dialoguer avec n'importe quel environnement. L'estampe « Funny Farm » prolonge ce dialogue, invitant un public international à partager l'expérience de la fresque originale et à réfléchir à l'omniprésence de l'art dans toutes les facettes de la vie. « Funny Farm » est une illustration éclatante du talent artistique d'ABOVE et de son approche novatrice du street art et du graffiti. Cette estampe immortalise un moment clé de la carrière d'ABOVE où son art a atteint de nouveaux sommets, au sens propre comme au figuré, et nous rappelle le pouvoir transformateur de l'art, quel que soit le contexte.

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Planche de skateboard Skate de Sèvres Art par Magnus Gjoen x Skateptych x Wallace Collection Baroque Limited Edition Print From Artist on Wood Pop Street Graffiti Sports Object Artwork. Édition limitée 2018, signée et numérotée à 99 exemplaires. Planche de skateboard 8x31, œuvre d'art imprimée. Style baroque. Décorée d'images classiques de chérubins, muses, femmes, amour et autres thèmes français. Inspirée d'un vase de Sèvres dessiné par Jacques-François. Skate de Sèvres : une fusion entre l'art baroque et le skateboard La planche de skateboard Skate de Sèvres de Magnus Gjoen témoigne de la polyvalence et du vaste champ d'expression qu'ont adopté le pop art urbain et le graffiti. Cette pièce en édition limitée, réalisée en collaboration avec Skateptych et la Wallace Collection, illustre la rencontre entre l'esthétique baroque classique et la culture urbaine et sportive contemporaine. Produite à seulement 99 exemplaires, chacun signé et numéroté par l'artiste, cette planche transcende sa fonction première d'objet sportif pour devenir une œuvre d'art moderne très recherchée. Gjoen, connu pour ses juxtapositions des thèmes de la vie et de la mort, de la beauté et du déclin, présente une planche de skateboard à la fois fonctionnelle et saisissante. Les images de chérubins, de muses, de femmes et de motifs romantiques empruntés à l'art baroque français confèrent à l'œuvre une profondeur historique et un romantisme particuliers. Cette collaboration met en lumière l'adaptabilité de la culture du skateboard à diverses expressions artistiques et marque un tournant significatif où le street art rencontre le raffinement de l'art baroque. Magnus Gjoen et la réappropriation artistique du skateboard Le travail de Magnus Gjoen sur la planche Skate de Sèvres est une affirmation forte de la réhabilitation du skateboard comme médium artistique à part entière. Autrefois perçu comme un simple outil de sport et de loisirs, le skateboard se métamorphose sous la vision artistique de Gjoen en une plateforme d'exploration de thèmes complexes et de mise en valeur de l'art classique. La planche, mesurant 20 x 79 cm, est une toile qui s'affranchit des galeries, transportant la grandeur de l'art baroque au cœur de la rue. Les motifs complexes et les ornements somptueux typiques de l'époque baroque sont réinterprétés par le regard contemporain de Gjoen, créant un dialogue entre passé et présent. Cette planche Skate de Sèvres relie des univers disparates, invitant à la contemplation de la nature de l'art, de son accessibilité et de la manière dont les thèmes traditionnels peuvent renaître dans des lieux inattendus. La signification culturelle du deck de skate de Sèvres La planche Skate de Sèvres revêt une importance culturelle majeure, car elle démocratise l'art et fusionne les univers de la performance et de l'esthétique. Elle trouve un écho auprès des skateurs, des collectionneurs d'art et des amateurs d'art baroque, reflétant ainsi un large éventail d'intérêts et de passions. La collaboration avec la Wallace Collection, haut lieu de l'art historique, confirme le potentiel du skateboard comme médium d'expression artistique à part entière. Cette planche en édition limitée, créée par Gjoen, est une œuvre narrative qui retrace l'évolution de l'art et son rôle au sein des sous-cultures contemporaines. Alors que le street art et le graffiti repoussent sans cesse les limites de l'expérience artistique, des œuvres comme la Skate de Sèvres contribuent de manière essentielle à enrichir le débat autour de l'art, de la culture et de la société. À travers cette pièce, Magnus Gjoen démontre son talent artistique et alimente la réflexion sur la fusion des formes d'art et la place de l'art dans la sphère publique et privée. Dans le milieu artistique, la planche de skate Skate de Sèvres de Magnus Gjoen témoigne du pouvoir transformateur de l'art, de sa capacité à transcender les frontières traditionnelles et de son potentiel à redéfinir les objets du quotidien. Alors que le street art et le graffiti continuent d'évoluer et d'influencer la culture contemporaine, les contributions d'artistes comme Gjoen seront saluées pour leur créativité, leur aptitude à communiquer des thèmes complexes et leur impact sur le tissu culturel et esthétique des paysages urbains à travers le monde.

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Habitats II Lithographie Standard Flouro Mix Impression par Al Maser Tirage à la main sur papier d'art Édition limitée Graffiti Street Pop Artwork. Édition limitée 2019, signée et numérotée, à 75 exemplaires. Dimensions de l'œuvre : 19,69 x 27,56 pouces. « Une grande partie de mon travail est axée sur les relations. Cela découle de mon expérience dans l'espace public, qui a marqué la majeure partie de ma carrière artistique. La manière dont le public interagit avec mes grandes fresques murales extérieures m'a amenée à concevoir des installations interactives permettant une immersion dans mes "peintures en 3D". Ces dernières années, cette thématique des relations et de l'environnement m'a conduite à m'intéresser au monde botanique, à son rôle et à son impact sur nous. D'abord par simple curiosité, mais aussi parce que cela m'a permis de comprendre l'importance de certaines plantes pour notre santé, notamment mentale, notre sommeil et notre bien-être face à l'anxiété. C'est ainsi que je me suis naturellement rendue au Jardin botanique national de Dublin, en Irlande, pour dessiner et photographier les plantes qui ont retenu mon attention. À partir de ces croquis et photographies, j'ai intégré leurs formes fluides à mon art aux lignes plus précises et appliqué ces nouvelles compositions à mes estampes. » - Maser Habitats II, une œuvre remarquable d'Al Maser, illustre la fusion du graffiti, du street art et du pop art, capturant l'essence de l'expression urbaine contemporaine. Cette lithographie captivante, intitulée « Habitats II Standard Lithograph Flouro Mix Print », célèbre l'engagement profond d'Al Maser envers les espaces publics, les relations humaines et l'interaction complexe entre l'humain et la nature. Tirée à la main avec précision sur un papier beaux-arts de haute qualité, cette création de 2019 rayonne de vitalité, tant par sa palette de couleurs que par son récit intrinsèque. Mesurant 19,69 x 27,56 cm, il s'agit d'une édition limitée, témoignant de l'attachement d'Al Maser à l'exclusivité : elle fait partie d'une série de seulement 75 exemplaires, chacun signé et numéroté. Le parcours artistique de Maser est marqué par sa fascination pour les relations humaines, largement nourrie par sa riche expérience dans l'art public. Cette interaction entre le public et ses fresques murales monumentales a agi comme un catalyseur, l'incitant à créer des installations interactives qui s'apparentent à des « peintures 3D » tangibles. Cette exploration des relations s'est étendue à l'environnement, orientant Maser vers le monde botanique et son influence profonde sur le bien-être humain. Sa curiosité quant au rôle des plantes dans la régulation de la santé, de l'état mental, du sommeil et de l'anxiété l'a conduit au Jardin botanique national de Dublin, en Irlande. Là, il a dessiné et photographié des plantes fascinantes, intégrant harmonieusement leurs formes organiques à son art caractéristique, aux lignes franches. Habitats II témoigne ainsi de l'approche unique de Maser, traduisant ses observations du monde réel en œuvres imprimées captivantes qui trouvent un écho auprès d'un large public.

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Impression giclée en édition limitée « Damn Them All » de l'artiste Jamie Reid, spécialiste du graffiti pop culture. Édition limitée à 300 exemplaires, signée et numérotée, 2019. Dimensions de l'œuvre : 24,1 x 27,6 pouces. « Damn Them All » de Jamie Reid est une œuvre magistrale et évocatrice qui incarne avec force l'essence de la culture pop, du graffiti et du street art. Créée en 2019, cette œuvre témoigne de l'influence durable de Reid dans le domaine de l'art contemporain, offrant un mélange captivant de couleurs vives, d'éléments de collage complexes et d'un commentaire socio-politique incisif. Tirée en édition limitée à seulement 300 exemplaires, cette œuvre est une impression giclée impeccable sur papier Hahnemühle Bamboo 290 g/m² de qualité supérieure. Ce choix méticuleux du support garantit non seulement la longévité de l'œuvre, mais accentue également la vivacité de ses détails. Chaque exemplaire est signé et numéroté à la main par Reid, faisant de chaque tirage une pièce de collection unique. Se pencher sur l'histoire de l'œuvre apporte un éclairage fascinant. Elle s'inspire d'un collage original créé par Reid pour un article du magazine The Guardian, qui explorait en profondeur les thèmes du républicanisme. De plus, cette image iconique trouve un écho particulier auprès des amateurs de punk, puisqu'elle figurait sur la pochette de « God Save the Queen » des Sex Pistols (1977), un titre qui a bouleversé les fondements de l'establishment britannique. Chaque détail, de la juxtaposition audacieuse de symboles culturels aux sous-entendus rebelles, incarne l'esprit d'une époque où l'art et la musique cherchaient à défier les normes sociales. Mesurant 61,2 x 70,1 cm, « Damn Them All » est non seulement un régal pour les yeux, mais aussi un témoignage historique, illustrant le talent exceptionnel de Jamie Reid pour mêler art et discours culturel et politique. Tirage limité à 300 exemplaires, imprimé sur papier bambou Hahnemühle 290 g/m², signé et numéroté. Image utilisée pour la couverture de l'album « God Save the Queen » des Sex Pistols en 1977. « Damn Them All » est une reproduction giclée en édition limitée de Jamie Reid. Inspirée d'un collage original réalisé pour un magazine du Guardian dont le sujet principal était le républicanisme. Tiré à 300 exemplaires sur papier bambou Hahnemühle 290 g/m², cet ouvrage est signé et numéroté par l'artiste. 61,2 x 70 cm (24,1 x 27,6 pouces)

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Ian Curtis Heart and Soul Sérigraphie par Shepard Fairey - OBEY Tirage à la main 3 couleurs sur papier beaux-arts crème moucheté Œuvre d'art en édition limitée Obey Pop Culture Artiste. Édition limitée à 500 exemplaires, signée et numérotée, 2023. Format : 18 x 24 pouces. Sérigraphie. J'ai découvert Joy Division grâce à mon ami Jay Haley en 1985-86. Jay était un peu plus ouvert d'esprit que moi ; il écoutait du punk et du hardcore agressifs, mais aussi des groupes plus sombres comme The Smiths, The Cure, les premiers albums de Cult et Joy Division. Au début, j'aimais certaines mélodies de Joy Division, mais je trouvais généralement leur musique un peu froide, dépouillée et envoûtante, presque déprimante. Cependant, avec le temps, j'ai fini par apprécier leur musique et ce que je considérais comme des défauts est devenu un atout. En sortant de ma phase punk rock orthodoxe, j'ai réalisé qu'aucun groupe ne sonnait comme Joy Division. Mon amour pour Joy Division n'a fait que grandir au fil des ans, tout comme mon appréciation de leur imagerie. L'image d'une élégante austérité propre à Joy Division est souvent associée aux illustrations de Peter Saville, mais il faut aussi rendre hommage à Kevin Cummins pour ses portraits noirs du groupe. J'adore la photographie de Cummins depuis des années, j'étais donc ravi lorsqu'il a accepté de collaborer à un portrait d'Ian. Curtis, le chanteur de Joy Division, qui s'est suicidé en 1980 à l'âge de 23 ans. Chanteur unique et parolier de talent, Curtis a inspiré l'œuvre d'art qui intègre les paroles de la chanson « Heart and Soul », ainsi qu'une séparation angulaire dans sa silhouette, symbolisant la tension entre le cœur et l'âme. « Kevin connaissait personnellement Ian, et j'ai été très touché qu'il me permette d'interpréter sa photo emblématique ! » – Shepard Fairey – OBEY La sérigraphie « Ian Curtis Heart and Soul » de Shepard Fairey est un vibrant hommage à l'énigmatique leader de Joy Division et à son influence profonde sur la musique et la culture visuelle. Sortie en 2023, cette édition limitée témoigne du lien personnel fort qui unit Fairey à Curtis et à l'héritage intemporel du groupe. L'œuvre, de format 45,7 x 61 cm et limitée à 500 exemplaires, est réalisée à la main avec une minutie extrême. Imprimée en trois couleurs sur un papier d'art crème moucheté, elle souligne l'essence brute et texturée du sujet. L'intérêt de Fairey pour l'œuvre de Joy Division remonte au milieu des années 1980, période marquée par une prise de conscience musicale et un passage d'une vision punk stricte à une appréciation plus large des sonorités envoûtantes et mélancoliques qui caractérisent la discographie de Joy Division. Fairey évoque avec franchise comment sa perception initiale de la musique, « froide et envoûtante », s'est muée en une compréhension de sa profondeur et de son caractère unique, révélant un parcours de croissance personnelle et artistique. Au cœur de cette estampe se trouve la collaboration de Fairey avec Kevin Cummins, photographe renommé pour ses portraits saisissants de Joy Division, qui ont profondément marqué l'identité visuelle du groupe. L'intégration des paroles de « Heart and Soul » au sein du portrait illustre, au sens propre comme au figuré, l'entrelacement du génie lyrique de Curtis et de sa représentation visuelle. Ce choix artistique suggère également la complexité des tourments intérieurs de Curtis, illustrée par le contraste saisissant qui traverse sa silhouette dans l'œuvre – un rappel poignant du conflit intérieur entre passion et raison, émotion et intellect. L'estampe de Fairey n'est pas qu'une simple œuvre visuelle, mais un collage narratif qui rend hommage à l'influence artistique et à l'héritage d'Ian Curtis. En intégrant les paroles bouleversantes de « Heart and Soul » à son œuvre, Fairey invite le spectateur à une exploration multidimensionnelle : esthétique, émotionnelle et intellectuelle. L’estampe transcende la simple représentation, devenant le vecteur de l’admiration de l’artiste pour le talent de Curtis en tant que chanteur et parolier, ainsi que pour l’influence durable de Joy Division sur la musique et la culture populaire. Ainsi, l’âme et le cœur de l’art d’Ian Curtis continuent de résonner à travers le temps.

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Papier buvard Acid Pulse, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Tavar Zawacki - Illustration inspirée de la culture pop et du LSD. À 19 ans, Tavar s'installe à Paris, où il commence à peindre sa célèbre flèche pointant vers le haut. Au cours des 19 dernières années, Tavar Zawacki a réalisé des œuvres d'art dans les rues de plus de 100 villes, réparties dans 60 pays à travers le monde.

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Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

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Rue de Londres avec bus, édition limitée, sérigraphie technique mixte embellie à la main sur papier épais de 200 livres par Bobby Hill, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Chaque pièce est unique et les couleurs, la peinture et les effets de peinture au pistolet réalisés à la main par l'artiste sont aléatoires et variables ; vous pourriez donc ne pas recevoir l'article exact présenté sur la photo ! « J’utilise des images photographiques comme base pour mon art, mais il m’arrive de dessiner directement sur l’acétate avant de graver les écrans afin de faire ressortir des détails que je juge importants. Chaque pièce de cette série a été sérigraphiée individuellement et peinte à la main avec divers médiums acryliques et autres. Concentrez-vous sur les couleurs plutôt que sur l’image, même si cela peut parfois s’avérer difficile. Les couleurs représentent ce qui se passe dans ma vie à chaque instant. » – Bobby Hill

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Femme 84 Vert Orange Peinture à l'huile originale de Peter Keil Œuvre unique sur panneau de Masonite encadré par The Wild Man of Berlin, un artiste contemporain célèbre. 1984. Signée et datée par Peter Keil. Peinture à l'huile sur panneau de masonite. Œuvre originale de 16,5 x 24,5 cm. Toutes les œuvres de Peter Keil utilisent une peinture épaisse ; quelques écaillures peuvent être présentes en raison de l'âge et de la nature de son travail. Buste de femme stylisée aux longs cheveux verts et orange. Embrasser l'essence vibrante des portraits de Peter Keil « Femme 84 Vert Orange » est une huile sur toile originale de Peter Keil, artiste réputé pour son style énergique et dynamique, souvent surnommé « l'Homme Sauvage de Berlin ». Cette œuvre de 1984, unique en son genre, est présentée sur un panneau de Masonite encadré et révèle sa signature expressionniste. Mesurant 42 x 62 cm, elle offre une représentation vibrante du buste d'une femme, caractérisée par un jeu intense de nuances vertes et orangées. La signature de Keil et la date, clairement visibles, attestent de l'authenticité et de la période de cette œuvre unique. Le travail de Peter Keil est reconnu pour son utilisation audacieuse de la couleur et la technique de l'impasto, qui consiste à appliquer une couche épaisse de peinture pour créer une surface texturée d'une grande profondeur et d'une grande intensité. Cette toile, avec ses contrastes de couleurs saisissants et sa représentation stylisée, témoigne de la capacité de Keil à saisir bien plus que la simple ressemblance physique de ses sujets. Il transmet plutôt une impression de la vie intérieure du sujet, évoquant l'émotion et le récit à travers la forme abstraite. L'influence dynamique du pop art et du graffiti sur l'œuvre de Keil L'influence du pop art et du graffiti est manifeste dans la manière directe et percutante dont l'œuvre « Woman 84 Green Orange » de Keil communique. L'œuvre est imprégnée d'une immédiateté propre au street art, où le spectateur est confronté à des images fortes dans l'espace public. À l'instar de nombreuses œuvres de street art, la peinture de Keil est un spectacle visuel et une expérience interactive qui invite le spectateur à une immersion plus profonde. Comme pour beaucoup de ses œuvres, les épaisses couches de peinture se sont écaillées au fil des ans, ajoutant au caractère et à l'histoire de la pièce. Ce vieillissement naturel témoigne du parcours de l'œuvre à travers le temps et s'apparente à l'altération des fresques et graffitis extérieurs, qui se transforment et se dégradent souvent au cours de leur cycle de vie. « Woman 84 Green Orange » de Peter Keil incarne avec force sa vision artistique, fusionnant l'expression brute du street art et la sophistication de la peinture à l'huile. Avec son style distinctif et sa résonance émotionnelle, l'œuvre de Keil continue de captiver les collectionneurs et les amateurs d'art, assurant ainsi sa place parmi les figures marquantes de l'art contemporain.

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Photo d'archive Scale Up par Vhils - Alexandre Farto x Martha Cooper x 1UP Crew - One United Power x Nika Kramer x MOG Museum of Graffiti Édition limitée sur papier d'art Pop Graffiti Street Artiste moderne Œuvre d'art. 2023 Signé par Vhils- Alexandre Farto & Tirage numéroté Édition limitée à 40 exemplaires Taille de l'œuvre 19,75x24 Pigments d'archives Photo Polaroid stylisée agrandie Prise par Martha Cooper x Nika Kramer Fine Art Publié par 1UP Crew x MOG Museum of Graffiti. Visions croisées : Vhils et le tissu de l'art urbain « Scale Up », une estampe d'archives née de la collaboration créative de Vhils (Alexandre Farto), Martha Cooper, du collectif 1UP et de Nika Kramer, incarne l'esprit de collaboration qui anime le street art et le graffiti. Cette édition limitée, signée par Vhils et numérotée sur 40 exemplaires, témoigne de la richesse et de la profondeur narrative de l'art urbain. Mesurant 50 x 61 cm, l'œuvre est une fusion entre le talent artistique unique de Farto, fruit d'une technique soustractive, et le sens documentaire de Cooper et Kramer. Elle est présentée par le collectif 1UP et le MOG Museum of Graffiti. La contribution de chaque artiste à « Scale Up » tisse un fil distinct dans la riche tapisserie de l'estampe. La technique de Vhils, qui consiste à extraire des couches successives pour révéler un récit sous-jacent, est manifeste. De leur côté, Martha Cooper et Nika Kramer apportent leurs perspectives photographiques emblématiques, immortalisant l'essence de la rue en un seul cliché. Le collectif 1UP, synonyme d'unité et de puissance dans le street art, fait le lien entre ces visions, tandis que le MOG offre une plateforme pour leur convergence, ancrant ainsi l'œuvre dans le discours de l'art moderne. L'alchimie artistique d'Alexandre Farto Alexandre Farto, alias Vhils, a révolutionné la scène du street art avec ses portraits ciselés qui explorent les profondeurs des environnements urbains. Sa participation à « Scale Up » offre un portrait poignant de la condition humaine au cœur du chaos de la vie citadine. L’art de Farto est un dialogue entre création et destruction, où le retrait de matière est aussi significatif que l’image révélée. Sa technique est une métaphore de l’expérience humaine : chaque couche enlevée dévoile des histoires gravées dans les murs par le temps et l’histoire. L’approche de Vhils en matière de street art dépasse la simple esthétique. Elle interroge les thèmes de l’identité, de la mémoire et du rythme effréné du développement urbain. En signant « Scale Up », Farto imprègne l’œuvre de sa philosophie, mariant la nature éphémère du street art à la permanence des beaux-arts. L’œuvre est un régal pour les yeux et une réflexion philosophique sur les espaces que nous occupons et les traces que nous y laissons. Le pouls collectif de « Scale Up » « Scale Up » est un projet collaboratif qui vibre au rythme de la scène street art, faisant écho aux aspirations des artistes qui considèrent la ville comme une toile et une muse. La participation de Martha Cooper et Nika Kramer à ce projet unit les générations, associant l'esprit pionnier des photographies de street art emblématiques de Cooper au regard culturel contemporain de Kramer. Leur œil commun révèle la beauté brute du street art, capturant sa magie éphémère dans un support durable. Avec la publication de « Scale Up », le collectif 1UP Crew réaffirme son engagement envers l'action collective dans la création artistique. L'esprit du collectif est palpable dans cet ouvrage, offrant un récit plus vaste et unifié de résistance, de résilience et de liberté artistique. Soutenu par le MOG Museum of Graffiti, cet ouvrage devient un témoignage historique. Cette édition limitée illustre la force pérenne de la collaboration dans le monde du street art. Au sein de la communauté artistique, « Scale Up » est reconnu comme une convergence de figures majeures, une harmonieuse fusion de talents et de visions individuelles qui, ensemble, racontent une histoire plus remarquable que la somme de ses parties. Alors que le street art et le graffiti continuent de façonner le paysage culturel, les contributions de Vhils, Martha Cooper, Nika Kramer et du collectif 1UP seront saluées pour leur capacité à saisir l'esprit de l'art urbain et sa volonté inébranlable de remettre en question, de redéfinir et d'inspirer.

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Sérigraphie à la peinture en aérosol HPM pour le Nouvel An chinois par Kelsey Brookes. Impression sur papier d'art vélin. Édition limitée. Œuvre d'art pop urbain. 2006, signé et numéroté, technique mixte à la peinture aérosol, orné HPM, édition limitée à 50 exemplaires, format 20 x 20 pouces. Découvrir la richesse de « Nouvel An chinois HPM » de Kelsey Brookes. « Nouvel An chinois HPM » de Kelsey Brookes est une œuvre fascinante, témoignage éclatant de la fusion entre le pop art et le street art. Cette pièce en édition limitée, créée en 2006, fusionne les techniques de la peinture aérosol et de la sérigraphie sur un papier d'art tissé. L'œuvre, mesurant 50,8 x 50,8 cm, fait partie d'une série ornée, limitée à 50 exemplaires signés et numérotés. Pièce de collection importante, elle immortalise un moment précis du parcours artistique de Brookes. L'œuvre se caractérise par l'approche singulière de Brookes en matière de street art, de pop art et de graffiti, employant un langage visuel profondément ancré dans les structures scientifiques qu'il a étudiées en tant que biochimiste. « Nouvel An chinois HPM » illustre sa transition des motifs microscopiques des molécules à la complexité macroscopique de l'art visuel. Ses œuvres ne se limitent pas à l'exploration de la couleur et de la forme ; Ils explorent les domaines de la spiritualité et de la conscience, en résonance avec les schémas vibratoires de la vie elle-même. La synthèse artistique dans « Le Nouvel An chinois HPM » de Brookes L'œuvre « Nouvel An chinois HPM » de Brookes est une synthèse artistique qui capture l'essence de la célébration, de la réflexion et du début d'un nouveau cycle, symbolisés par le Nouvel An chinois. L'œuvre est imprégnée d'un sens du rythme et de l'énergie, grâce à une palette à la fois exubérante et harmonieuse. La peinture en aérosol ajoute une dimension texturée qui fait écho à la spontanéité du street art. Parallèlement, la technique de la sérigraphie offre une précision et une reproductibilité qui la rattachent aux traditions du pop art. L'imagerie superposée de l'estampe, présentant un collage de visages d'animaux féroces, témoigne de la puissance et du dynamisme souvent associés au nouvel an dans la culture chinoise. Les animaux, évoquant peut-être l'esprit du zodiaque chinois, sont représentés avec une intensité brute qui captive le regard. Chaque estampe de l'édition est embellie à la main, garantissant que chaque pièce, tout en faisant partie de la série, constitue également une œuvre d'art unique. Résonance culturelle du « Nouvel An chinois HPM » « Nouvel An chinois HPM » résonne de symbolisme culturel et célèbre les nouveaux départs, thèmes universellement compris et appréciés. La capacité de Brookes à intégrer ces éléments à son œuvre tout en conservant un style distinctif témoigne de sa place sur la scène artistique contemporaine. Le tirage en édition limitée et ses embellissements réalisés à la main avec soin suggèrent une touche personnelle de l'artiste, conférant une profondeur supplémentaire à la valeur collective de la série. L'œuvre est un véritable régal pour les yeux, qui interpelle le spectateur à plusieurs niveaux. Au premier abord, c'est une expression audacieuse et colorée qui captive le regard. Mais plus profondément, elle révèle une interaction subtile entre symboles culturels traditionnels et techniques artistiques modernes. Kelsey Brookes a créé une œuvre qui reflète sa vision artistique unique et s'inscrit dans un récit plus large de célébration et de réflexion culturelles. L'héritage du "Nouvel An chinois HPM" de Kelsey Brookes L'œuvre « Nouvel An chinois HPM » de Kelsey Brookes symbolise l'impact que peuvent avoir les artistes contemporains lorsqu'ils fusionnent techniques traditionnelles et thèmes d'aujourd'hui. Cette série d'estampes en édition limitée témoigne de l'engagement de l'artiste envers son art et de sa capacité à captiver son public grâce à des œuvres visuellement saisissantes et d'une grande richesse thématique. Le travail de Brookes, dont « Nouvel An chinois HPM », continue de repousser les limites du street art et du graffiti. En intégrant des éléments de sa formation scientifique à son art, Brookes établit un lien entre l'analyse et la création, offrant une perspective inédite sur les possibilités du monde de l'art. Chaque pièce de cette série limitée célèbre l'approche unique de l'artiste en matière de création, proposant un récit à la fois personnel et universel, un récit qui ne cesse de captiver et d'inspirer.

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Spirale psychédélique - 01 Œuvre originale peinte à la main, technique mixte à la bombe aérosol et à l'encre sur panneau de bois découpé au laser, prête à être accrochée, par Tavar Zawacki (ci-dessus), artiste de rue graffiti, art pop moderne. La série Psychédélique a été créée en lien avec ma récente exposition solo Remix. Chaque pièce de cette série a été conçue en mettant l'accent sur un contraste visuel saisissant. Elle s'apparente à l'Op art (art optique), qui provoque un véritable trip visuel. Cet effet altère la perception, comme sous l'effet de drogues psychédéliques. Certains motifs Psychédéliques ont été présentés dans Remix, tandis que d'autres ont été créés spécifiquement pour cette série. Le motif « Sunset Strip », en particulier, a été réalisé avec plus de complexité pour mon exposition Remix. Cette exposition consistait à intervertir et à remplacer différents motifs découpés d'un même dessin, dans différentes couleurs, pour obtenir l'œuvre finale. La série Psychédélique produit un effet similaire, mais dans un style plus épuré, en bloquant les couleurs et en laissant apparaître l'espace négatif.

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