Visage & Tête

Let Love In HPM Unique Collage Print par MCXT - Monica Canilao x Xara Thustra 8 Color Screen Print on Recycled Paper & Fabric Textile Limited Edition Pop Street Art Artwork. 2023 Sérigraphie signée et numérotée, collage, gouache, tissu et fil, édition limitée HPM ornée de 30 exemplaires. Dimensions de l'œuvre : 9,5 x 25 sur papier recyclé, techniques mixtes et textile. L'essence des techniques mixtes dans le pop art urbain Monica Canilao et Xara Thustra, reconnues pour leurs contributions dynamiques au street art et à la culture pop, explorent pleinement l'éclectisme des techniques mixtes. Leur œuvre est une fusion de papiers recyclés, de fils, de galons, de tissus, de vinyle rose, de peinture acrylique, d'encre sérigraphique, de gouache et d'autres matériaux, créant une symphonie de textures où le médium est aussi important que le message. « Let Love In HPM Unique Collage Print », du duo artistique MCXT (Monica Canilao et Xara Thustra), est une œuvre captivante à la croisée du pop art, du street art et du graffiti. Cette œuvre unique fait partie d'une édition limitée à seulement 30 exemplaires, chacun présentant des caractéristiques distinctes dues à sa fabrication artisanale. Exclusivité et technique Chaque estampe de la série a été réalisée par sérigraphie en huit couleurs, servant de base à un travail de collage complexe. Après l'impression initiale, les artistes ont procédé au collage, à la couture et à la peinture à la main sur chaque estampe, garantissant ainsi son caractère unique. Cette technique souligne non seulement l'exclusivité de chaque pièce, mais reflète également l'esprit du street art, qui prône la création d'œuvres uniques et personnelles, en rupture avec les images produites en masse qui caractérisent souvent la société de consommation critiquée par le pop art. Dimensions et physicalité L'aspect tangible de l'œuvre est remarquable, avec ses dimensions de 24 x 63,5 cm. L'utilisation de matériaux recyclés et upcyclés n'est pas seulement un choix artistique, mais aussi une affirmation en faveur du développement durable et de la réutilisation de matériaux souvent jetés. L'incorporation de tissu et de fil ajoute une dimension domestique et artisanale, qui contraste avec les connotations traditionnellement masculines et urbaines du graffiti, offrant ainsi une réflexion sur les rôles de genre dans le monde de l'art et au-delà. Synergie collaborative La collaboration entre Monica Canilao et Xara Thustra fusionne leurs esprits et leurs styles, ce qui transparaît clairement dans leur œuvre. L'expérience de Canilao dans la création d'univers détaillés et complexes, riches en symbolisme personnel, complète l'approche graphique et audacieuse de Thustra, qui intègre souvent des éléments textuels et un message clair et percutant. La synthèse de ces deux approches donne naissance à une œuvre d'une grande richesse, tant dans sa composition visuelle que dans sa profondeur conceptuelle. Importance culturelle et artistique « Let Love In HPM Unique Collage Print » témoigne du pouvoir du street art et du graffiti à commenter et interagir avec le discours culturel dominant. Par son caractère artisanal et unique, cette œuvre remet en question la notion d'art comme marchandise et le réaffirme comme moyen d'expression personnelle et de critique sociale. Elle célèbre l'esprit du « faire soi-même » et l'importance culturelle du street art comme forme de dialogue et de résistance publics. Cette œuvre en édition limitée de MCXT est une pièce puissante qui capture l'essence du street art et du graffiti grâce à l'utilisation de techniques mixtes, sa fabrication artisanale et son esprit collaboratif. L'œuvre offre à la fois un régal pour les yeux et un commentaire socioculturel, faisant le lien entre les beaux-arts, l'esthétique urbaine et la conscience environnementale.

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Signs Of The Crimes - Magenta Art, impression d'archives à séchage UV encadrée sur panneau d'aluminium HD verni, œuvre d'art de l'artiste de culture pop urbaine Ron English - POPaganda. Édition limitée signée de 100 exemplaires (2020). Œuvre de 61 x 61 cm encadrée et prête à accrocher. Ron English – POPaganda est largement considéré comme une figure majeure de l'évolution du street art, l'ayant éloigné du lettrage traditionnel et spontané pour se tourner vers des messages percutants et des trompe-l'œil magistraux. Depuis les années 1980, il crée des fresques et des panneaux d'affichage illégaux qui mêlent des visuels saisissants à des déclarations politiques, consuméristes et surréalistes incisives, s'appropriant l'espace public à travers le monde au service de l'art.

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Créativité, Équité, Justice - Sérigraphie de Shepard Fairey - OBEY - Tirage à la main sur papier beaux-arts crème moucheté - Édition limitée - Artiste de la culture pop Obey. Édition limitée à 450 exemplaires, signée et numérotée, 2019. Sérigraphie au format 18 x 24 pouces. « Cette estampe est un portrait d'Anjel Newmann, directrice des programmes et responsable jeunesse d'AS220, une association artistique communautaire à but non lucratif basée au centre-ville de Providence, avec laquelle je collabore depuis les années 90. AS220 me tient à cœur car elle a cultivé une communauté créative qui continue d'exercer une profonde transformation sur la ville. Je suis profondément inspiré par le dévouement d'Anjel envers cette association, dont elle est membre depuis l'âge de 13 ans. Elle y a appris au contact de diverses communautés et a œuvré pour faciliter l'accès aux opportunités pour les jeunes de Providence. Merci Anjel et AS220 pour tout ce que vous faites pour les habitants du Rhode Island ! » - Shepard Fairey - OBEY À la croisée vibrante de l'art et de l'activisme, la sérigraphie de Shepard Fairey témoigne du pouvoir de l'expression créative comme outil de transformation sociale. Sortie en 2019, cette œuvre en édition limitée, signée et numérotée à 450 exemplaires, incarne l'engagement de longue date de Fairey envers la communauté par le biais de l'art. Tirée à la main sur papier d'art Cream Speckletone, cette œuvre de 45,7 x 61 cm est un véritable régal pour les yeux et une source d'inspiration, incarnant les thèmes de la créativité, de l'équité et de la justice. Au cœur de cette estampe figure le portrait d'Anjel Newmann, figure emblématique de l'impact durable d'AS220, une association artistique communautaire à but non lucratif de Providence, dans le Rhode Island. L'engagement d'Anjel Newmann auprès d'AS220 a débuté dès l'âge de 13 ans, et son parcours jusqu'à devenir directrice des programmes et directrice jeunesse illustre le rôle essentiel de telles institutions dans le développement des talents artistiques et du leadership chez les jeunes. Collaborant avec AS220 depuis les années 1990, Fairey célèbre non seulement le parcours personnel d'Anjel Newmann, mais aussi l'esprit de l'organisation. Le rôle essentiel d'AS220 dans la promotion d'une communauté artistique inclusive et la mise en valeur des voix marginalisées est au cœur du propos de Fairey. L'œuvre elle-même est une fusion visuelle du style caractéristique de Fairey et d'un message poignant. Des mots comme « Créativité », « Équité » et « Justice » y figurent en évidence, rejoignant le message plus large que Fairey véhicule à travers son travail : l'art comme vecteur d'élévation sociale et de libération individuelle. Son utilisation de couleurs vives et contrastées et de motifs géométriques attire le regard, incitant le spectateur à contempler l'interconnexion des éléments artistiques avec les thèmes profonds abordés. Le choix d'Anjel Newmann comme sujet en dit long sur les modèles qui inspirent son œuvre. En mettant en lumière l'engagement de Newmann envers AS220, Fairey lui rend hommage, ainsi qu'à l'organisation, et souligne l'importance des communautés créatives pour impulser un changement social positif. Cette estampe transcende sa simple attrait esthétique ; elle se dresse comme un symbole d'espoir et un appel à l'action, incitant les spectateurs à surmonter les obstacles et à contribuer à la construction collective d'une société juste. Elle célèbre la relation indéfectible de Fairey avec AS220 et sa conviction profonde que l'art est un catalyseur de progrès.

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Planche de skateboard en édition limitée sérigraphiée par Roman Klonek, artiste de la culture pop urbaine. Édition limitée Kidrobot 2020 numérotée à 112 exemplaires. Mondialement connu pour son travail artistique du bois, Kidrobot transpose l'esthétique de l'artiste allemand Roman Klonek dans l'univers des skateboards design.

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Mono Taxali Livre d'art signé par Gary Taxali, édition limitée rare, référence aux œuvres d'art pop modernes. Édition limitée à 200 exemplaires, signée et numérotée, de « Mono Taxali », œuvre de l’artiste Gary Taxali, publiée en 2011, est un précieux ouvrage bilingue (anglais et italien). Ce livre de 304 pages, aux dimensions de 15 x 18 x 4,5 cm, présente 175 illustrations, dont 156 en couleurs. Imprimé en quadrichromie sur un papier vergé naturel de qualité supérieure, il offre une reproduction fidèle de chaque illustration. Relié sous une couverture rigide robuste et orné d’une élégante jaquette française, « Mono Taxali » est catalogué sous la référence DC 012. Son ISBN 978-88-95165-11-0 en fait un ouvrage de référence dans le domaine de l’édition d’art. Maîtrise curatoriale et perspicacité artistique Le livre d'art « Mono Taxali », une édition limitée signée et numérotée, est un recueil exceptionnel de l'œuvre novatrice de Gary Taxali, figure emblématique du pop art moderne. Publié en 2011 à 200 exemplaires, cet ouvrage de 15 x 18 x 4,5 cm (5,9 x 7 x 1,8 pouces) rassemble 304 pages de récits visuels de Taxali, profondément ancrés dans son héritage indo-canadien et témoignant de sa contribution unique au monde de l'art. Sous la direction artistique rigoureuse de Franco Cervi, « Mono Taxali » offre aux lecteurs un regard intime sur le langage visuel de Taxali, qui fusionne avec brio pop art, street art et graffiti. Ce recueil propose un voyage à travers l'évolution artistique de Taxali, mettant en lumière son style distinctif qui mêle fantaisie et satire dans une célébration de la couleur et de la forme. La conception du livre reflète le génie créatif qui caractérise Taxali : chaque chapitre est agencé avec soin pour refléter la profondeur et l'étendue de son œuvre. Pour enrichir l'ouvrage, Seymour Chwast, Steven Heller et Charles Hively, figures emblématiques de l'art et du design, signent des préfaces qui contextualisent l'œuvre de Taxali. Leurs perspectives invitent à une immersion totale dans son univers imaginaire. Les textes de Ferruccio Giromin, quant à eux, proposent une analyse approfondie de l'œuvre de Taxali, en disséquant les multiples strates de sens et les références culturelles qui la caractérisent. Impact culturel et héritage « Mono Taxali » n'est pas qu'une simple vitrine d'œuvres artistiques ; c'est un récit vibrant qui tisse les fils de la culture urbaine, du pop art et de l'identité personnelle. L'œuvre de Taxali, caractérisée par un commentaire à la fois ludique et poignant sur la vie contemporaine, résonne de l'énergie spontanée du street art. Parallèlement, sa maîtrise des techniques artistiques traditionnelles ancre son travail dans le domaine des objets de collection et de l'art intemporel. Dans la grande tapisserie du Street Pop Art et du graffiti, « Mono Taxali » s'impose comme une pièce majeure – un ouvrage qui non seulement encapsule la splendeur visuelle de l'art de Gary Taxali, mais capture aussi l'esprit d'une époque célébrant la fusion de la sensibilité urbaine et de l'art contemporain. Ce livre d'art en édition limitée est un incontournable pour les fans et les collectionneurs, promettant un plaisir visuel et un héritage durable dans l'histoire de l'art moderne.

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East Meets West - Sculpture de jouet d'art en vinyle orange en édition limitée, œuvre d'art de collection de l'artiste pop moderne Ron English - POPaganda x MINDstyle. Édition limitée 2017, format 4 pouces, neuve en boîte, estampillée/imprimée Boîte non ouverte, neuve

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Échos - Impression sérigraphique artisanale 14 couleurs sur papier satiné Somerset 300 g/m² par l'artiste urbain moderne Nafir - Œuvre d'art rare en édition limitée. Édition limitée 2022, signée et numérotée, à 90 exemplaires. Format : 19,29 x 29,52 cm.

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Achetez TITLE Edition Limitée sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Archival Pigment Fine Art INFO

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Ne jamais dire jamais ! Édition limitée, sérigraphie artisanale 12 couleurs sur papier beaux-arts par Denial Graffiti Street Artist, art pop moderne. Édition limitée signée de 100 exemplaires (2020), format 24 x 18 pouces. DENIAL est une artiste canadienne dont l'œuvre critique le consumérisme et la condition humaine. Basée à Windsor, en Ontario, DENIAL passe une grande partie de l'année à voyager et à exposer au Canada et aux États-Unis, ayant notamment présenté des expositions individuelles à Los Angeles, Chicago, Detroit, New York, Toronto et Vancouver. Denial est un artiste canadien qui expérimente avec l'aérosol et le pochoir. Ses principaux centres d'intérêt sont la société de consommation, la politique et la condition humaine dans la société contemporaine. Face à la popularité croissante du graffiti aux États-Unis et en Europe, les graffeurs devaient faire preuve d'une originalité toujours plus grande pour se démarquer. Leurs signatures sont devenues plus grandes, plus stylisées et plus colorées.

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Estampe Stagger en édition limitée, imprimée à la main en deux couleurs sur papier d'art classique lisse blanc naturel Neenah 13,5 PT, par Smithe, artiste célèbre de pop art et de graffiti. Estampe signée 2022, impression typographique bicolore sur papier d'art Neenah Natural White Smooth Classic Crest 13,5 pt. Format : 50,8 x 53,3 cm. Sortie : 17 janvier 2022. Tirage : 35 exemplaires.

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Stained Archival Print by Luke Chueh Limited Edition on 290gsm Cotton Moab Entrada Fine Art Paper Pop Graffiti Street Artist Modern Artwork. 2025 Signed & Numbered Print Limited Edition of 100 Artwork Size 16x20 Archival Pigment Fine Art  Luke Chueh Stained Archival Pigment Print Stained is a 2025 signed and numbered limited edition archival pigment print by pop surrealist Luke Chueh. Produced on 290gsm Moab Entrada cotton fine art paper, this 16 x 20 inch edition is limited to just 100 prints. Known for blending innocence with emotional darkness, Chueh delivers a haunting and intimate portrait that captures his signature balance of vulnerability and unease. Innocence Corrupted in Pop Surrealism The composition features one of Luke Chueh’s iconic bear-like characters rendered in muted grayscale tones. Thick black liquid drips from the character’s eyes and mouth, staining its soft white form and pooling downward in expressive streaks. The minimal background keeps focus on the figure’s solemn gaze and the stark contrast between purity and corruption. The work feels quiet yet confrontational, using restraint and negative space to amplify its psychological impact. Limited Edition Contemporary Street Pop Artwork Printed as a high-quality archival pigment edition, Stained preserves the subtle gradients, textural brushwork, and depth of Chueh’s original painting. The 290gsm Moab Entrada cotton paper enhances the richness of the blacks and the softness of the neutral tones. With only 100 signed and numbered prints available, this 2025 release stands as a powerful example of Luke Chueh’s ability to merge pop iconography, street art sensibility, and emotional storytelling into a striking collectible artwork.

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Noise & Lies - Cream 2-Color Hand-Pull Limited Edition Silkscreen Print on Fine Speckletone Art Paper by Shepard Fairey Rare Street Art OBEY Pop Artwork Artist. 2018 Signée et numérotée, Noise & Lies (Crème) Sérigraphie 45,7 x 61 cm Édition de 325 exemplaires 31 janvier 2018 Gimmie Some Truth, Reject These Damaged Goods Le monde du street art est constamment dynamisé par l'œuvre captivante de Shepard Fairey, artiste de renom surtout connu pour sa campagne emblématique OBEY et l'affiche « Hope » d'Obama. Parmi ses œuvres, celle qui illustre le mieux son style unique et son influence considérable est la sérigraphie « Noise & Lies - Cream 2-Color Hand-Pulled Limited Edition Silkscreen Print ». Imprimée sur papier d'art Fine Speckletone, cette pièce se distingue comme une démonstration exceptionnelle du savoir-faire de Fairey dans la création d'œuvres rares de street art et de pop art. Réalisée le 31 janvier 2018, cette œuvre témoigne non seulement de la vitalité du street art, mais offre également une réflexion sur les dynamiques socio-politiques. Cette sérigraphie de 45,7 x 61 cm, limitée à 325 exemplaires, est signée de la main de Shepard Fairey, gage de son authenticité et de sa valeur inestimable. De manière significative, les phrases « Gimmie Some Truth, Reject These Damaged Goods » intégrées à l'œuvre d'art amplifient sa critique des mensonges de la société et de la mentalité consumériste, faisant ainsi écho au discours contre-culturel de Fairey. Le fond crème de l'œuvre, associé à la technique signature de sérigraphie artisanale bicolore de Fairey, crée un contraste saisissant, rehaussant l'attrait visuel de l'œuvre. Ce subtil mélange de couleurs et de textures témoigne de la maîtrise de Fairey et de sa capacité à communiquer des messages puissants à travers son art. Cette composition, conjuguée à la renommée de Fairey dans les domaines du pop art, du street art et du graffiti, contribue à l'attrait et à la portée de l'œuvre. En définitive, « Noise & Lies - Cream 2-Color Hand-Pulled Limited Edition Silkscreen Print » de Shepard Fairey représente bien plus qu'une simple œuvre d'art. Elle incarne le style distinctif de Fairey, son commentaire socio-politique et sa contribution inégalée au monde du street art et du pop art, ce qui en fait une pièce inestimable dans le domaine de l'art contemporain.

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Pop Sub Final #4 Édition limitée 1 couleur, sérigraphie artisanale sur papier beaux-arts par Jacob Bannon, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée numérotée de 100 exemplaires, 2014. Format de l'œuvre : 7x7 pouces. Pop Sub Final #4 par Jacob Bannon : Un emblème sombre de l'expression pop urbaine Pop Sub Final #4 est une sérigraphie monochrome de 18 x 18 cm (7 x 7 pouces) de Jacob Bannon, publiée en 2014 en édition limitée numérotée à 100 exemplaires. Imprimée sur papier d'art, cette image envoûtante incarne le langage visuel caractéristique de Bannon : une écriture qui s'épanouit dans l'émotion brute, la superposition de textures et le symbolisme existentiel. Le motif apparaît comme une fusion spectrale d'un crâne et d'une surface céleste cratérisée, évoquant des images lunaires sur lesquelles se superpose un visage humain décomposé. Réalisée en demi-teintes grossières et en dégradés vieillis, l'estampe ne se contente pas de suggérer la décomposition, mais l'intègre pleinement à sa construction visuelle. La rugosité tactile et les traits estompés invitent le spectateur à une interprétation émotionnelle plutôt qu'analytique. Cette technique inscrit l'œuvre dans le courant du Street Pop Art et du graffiti, où l'instinct prime souvent sur la perfection lisse. Jacob Bannon : Un signal brut dans le silence urbain Jacob Bannon est un artiste américain multidisciplinaire reconnu pour son travail en arts visuels, graphisme et musique, notamment en tant que chanteur du groupe Converge. Sa pratique artistique fusionne abstraction viscérale et intensité thématique, abordant souvent la mortalité, la souffrance émotionnelle et le déracinement spirituel. Ses œuvres se caractérisent par une superposition visuelle dense, des surfaces altérées et une volonté de traduire le son en image. Pop Sub Final #4 illustre parfaitement cette approche : une œuvre qui résonne comme un larsen. Elle capture l’écho fantomatique de l’angoisse urbaine, une identité usée, fruit de trop de manipulations. Cette estampe ne crie pas, elle vibre. Ce n’est pas une illustration, mais un signal. La gravure comme annihilation et révélation Sérigraphie artisanale monochrome, Pop Sub Final #4 doit sa signification au procédé physique aussi essentiel que l'image elle-même. L'encre est irrégulière, les textures chaotiques, et la décomposition des formes en ombres et vides reflète les thèmes récurrents chez Bannon. Avec ses 18 x 18 cm, le petit format intensifie l'énergie oppressante de l'œuvre, incitant le spectateur à examiner de plus près ce qui évoque un artefact décomposé. Cette édition limitée s'inscrit pleinement dans l'esprit du Street Pop Art et du graffiti : accessible, brut et conçu pour un impact maximal sans dilution. Elle ne se contente pas d'être accrochée au mur, mais s'imprègne dans l'expérience du spectateur comme un badge usé ou un symbole underground. Symbolisme et dissonance dans le langage pop de rue Le format circulaire qui renferme un visage évoquant un crâne évoque les symboles universels de la mortalité et du temps. L'estampe de Bannon s'oppose aux tendances décoratives en refusant d'en expliciter le sens, suscitant plutôt un sentiment de malaise, de perte et de ruine intemporelle. À l'inverse des vecteurs épurés ou des graphismes numériques, cette œuvre semble enfouie dans un registre émotionnel plus profond. Pop Sub Final #4 communique par des tonalités d'érosion, de dégradation et de silence. Au sein de la culture du street art et du pop art, souvent dominée par les couleurs vives et les icônes reconnaissables, la démarche de Bannon offre un antidote : la preuve que le street art et le graffiti peuvent murmurer avec la même force qu'ils hurlent. Son estampe est à la fois une méditation, une relique et une confrontation, le tout dans un carré austère.

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Plateau en céramique Akira Syringe, objet d'art de la collection Supreme Limited Edition. Plateau/assiette en céramique Supreme, édition limitée estampillée 2017, dimensions 11,25 x 4,25 pouces, objet d'art de collection. Plateau en céramique Supreme AKIRA pour seringues : un classique culte revisité en porcelaine Le plateau en céramique Supreme AKIRA Seringue est un véritable objet culturel, fusionnant l'énergie brute du pop art urbain et la précision des illustrations manga. Sortie très attendue dans le cadre de la collection Automne/Hiver 2017, cette édition limitée incarne l'esprit avant-gardiste de la marque Supreme tout en rendant hommage au manga japonais culte AKIRA. Façonné avec précision, ce plateau en céramique blanche témoigne de l'influence durable de la série et de l'ingénieuse adaptabilité de l'esthétique streetwear de Supreme. Mesurant 28,6 cm sur 10,8 cm, le plateau est une toile qui donne vie à l'univers noir et blanc saisissant du néo-Tokyo d'AKIRA. Il présente une scène intense, directement tirée du manga, où Kaneda et Tetsuo, dans un moment de tension extrême, reçoivent une injection. Cette scène est un moment charnière de la série AKIRA et un aperçu de la narration complexe et pleine d'action qui captive les fans depuis des décennies. L'art de la céramique rencontre la narration graphique emblématique La synergie entre l'identité visuelle de Supreme et le graphisme d'AKIRA sur le plateau en céramique Supreme AKIRA Syringe illustre parfaitement comment le pop art urbain peut fusionner avec d'autres médias pour créer une œuvre à la fois inédite et familière. L'intégration subtile du nom de Supreme sur la seringue révèle une interaction ingénieuse entre identité de marque et imagerie narrative. Ce détail, bien que mineur, souligne la nature collaborative de la pièce et symbolise la fusion d'univers que les fans de Supreme et d'AKIRA apprécieront. Sous le plateau se trouve le logo iconique de Supreme, une signature qui atteste de l'authenticité de l'objet et le rattache à la lignée des précédents articles de collection de la marque. Cet emblème, juxtaposé au dessin manga, fait le lien entre l'esprit du temps du streetwear moderne et l'art classique du manga japonais. La présence du logo est un gage de qualité et un symbole qui trouve un écho auprès des collectionneurs conscients de la valeur des éditions limitées de pop art urbain. Impact et valeur de collection du plateau à seringues Supreme AKIRA Le plateau en céramique Supreme AKIRA Syringe est bien plus qu'un simple objet décoratif ; c'est un morceau d'histoire de la pop culture, moulé dans la céramique. Le choix d'immortaliser cette scène de manga sur un plateau de haute qualité témoigne d'une compréhension fine de la mentalité du collectionneur : ce n'est pas seulement l'objet qui a de la valeur, mais la convergence de l'art, du récit et de la marque qui en fait un trésor. En tant que pièce de collection, le plateau attire le regard, devenant un point de convergence qui suscite des discussions sur le street art, ses liens avec d'autres formes d'expression et la nature même des objets de collection contemporains. Dans le street art et le graffiti, des objets comme le plateau Supreme AKIRA Syringe soulignent le potentiel des objets du quotidien à devenir des supports pour la narration et l'expression artistique. La représentation saisissante de Kaneda et Tetsuo est un récit visuel figé dans la porcelaine, conférant au plateau un dynamisme souvent associé à l'immédiateté du street art et à la vitalité transgressive du graffiti. Pourtant, la permanence du matériau céramique et le charme intemporel de l'histoire d'AKIRA élèvent ce plateau au-delà de sa simple fonction, confirmant son statut d'œuvre d'art convoitée. Une fusion de formes artistiques pour le collectionneur contemporain Collectionneurs et amateurs de manga et de streetwear trouveront dans le plateau en céramique Supreme AKIRA l'objet qui incarne l'essence même de ces deux univers. La fusion harmonieuse du style urbain et percutant de Supreme et des visuels saisissants d'AKIRA fait de ce plateau une pièce emblématique pour les collectionneurs. À la fois fonctionnel et pratique, il invite à la contemplation en tant qu'œuvre d'art. Le plateau en céramique Supreme AKIRA témoigne de la puissance de la collaboration entre marques et artistes et reflète l'état actuel du street art et du graffiti : un domaine en constante évolution, toujours surprenant et résolument audacieux.

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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John Lennon 02 Édition limitée, sérigraphie technique mixte embellie à la main sur papier épais de 200 livres par Bobby Hill, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Chaque pièce est unique et les couleurs, la peinture et les effets de peinture au pistolet réalisés à la main par l'artiste sont aléatoires et variables ; vous pourriez donc ne pas recevoir l'article exact présenté sur la photo ! « J’utilise des images photographiques comme base pour mon art, mais il m’arrive de dessiner directement sur l’acétate avant de graver les écrans afin de faire ressortir des détails que je juge importants. Chaque pièce de cette série a été sérigraphiée individuellement et peinte à la main avec divers médiums acryliques et autres. Concentrez-vous sur les couleurs plutôt que sur l’image, même si cela peut parfois s’avérer difficile. Les couleurs représentent ce qui se passe dans ma vie à chaque instant. » – Bobby Hill

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Achetez Peacock 2 - Sérigraphie 5 couleurs rétro tirée à la main sur papier d'art par l'artiste Nate Duval en édition limitée Pop Art. 2014 Signé et numéroté édition limitée de 100 oeuvre taille 8 x 10

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Love Will Tear Us Apart, œuvre d'art pop street, impression giclée en édition limitée sur papier beaux-arts par un artiste de graffiti urbain moderne, © Artiste de graffiti urbain. 2022. Signée. 23,62 x 23,62 cm. Édition limitée à 33 exemplaires. Ici, Copyright déploie son style unique, mélange d'art urbain et de beaux-arts, pour nous offrir une œuvre inspirée du titre phare de Joy Division, « Love Will Tear Us Apart ». L'œuvre représente une femme entourée de motifs symboliques évoquant la sensation de tomber amoureux.

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Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée « Burnt Out » sur papier d'art naturel de musée 310 g/m² par Luke Chueh, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Depuis de nombreuses années, j'ai le plaisir de collaborer avec 1xRUN et j'ai été témoin de leur croissance et de leur diversification. Pour cette exposition, je souhaitais créer une œuvre que je n'aurais pu réaliser qu'avec Inner State et 1xRUN. J'ai donc pleinement exploité les outils et les technologies de leur studio. De la sérigraphie aux estampes rehaussées à la main, en passant par les éditions découpées au laser, cette exposition repoussera les limites de mon travail artistique et explorera la fusion de l'art et du commerce », a déclaré Chueh depuis ses ateliers de Los Angeles. Depuis 20 ans, Chueh est une figure incontournable de la scène artistique contemporaine, naviguant entre beaux-arts, art populaire, figurines en vinyle en édition limitée et estampes d'art, et fédérant un public tout aussi fidèle dans chaque segment. En plus de proposer des œuvres accessibles aux collectionneurs de tous les budgets, Damaged Goods présentera également 15 peintures et personnages emblématiques de Chueh. « En tant qu'artiste, je partage constamment mon temps entre le développement de mes œuvres d'atelier et la production de divers produits inspirés de celles-ci. Je cherche sans cesse à réinterpréter les histoires et les personnages de mes peintures et à tirer parti des tendances des collectionneurs, qu'il s'agisse d'estampes en édition limitée ou de figurines d'art. » Luke Chueh

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Papier buvard Starskull, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Ron English - POPaganda, œuvre d'art LSD de la culture pop. Ron English – POPaganda est largement considéré comme une figure majeure de l'évolution du street art, l'ayant éloigné du lettrage traditionnel et spontané pour se tourner vers des messages percutants et des trompe-l'œil magistraux. Depuis les années 1980, il crée des fresques et des panneaux d'affichage illégaux qui mêlent des visuels saisissants à des déclarations politiques, consuméristes et surréalistes incisives, s'appropriant l'espace public à travers le monde au service de l'art.

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Peinture acrylique originale Shadow de Richard Hambleton. Œuvre unique sur papier d'art de qualité supérieure, réalisée par un artiste pop art de rue. 1983 Non signé avec certificat d'authenticité De Robert Murphy Peinture acrylique et ruban adhésif Œuvre originale Dimensions 33 x 76 cm Encadrement 37,75 x 80 cm « Shadow » de Richard Hambleton : un phénomène de street art L'héritage de Richard Hambleton, figure pionnière du street art et du graffiti, est profondément ancré dans « Shadow Original Acrylic Painting », un puissant exemple de son esprit novateur. Reconnu pour ses figures sombres et austères qui semblent jaillir des surfaces urbaines, Hambleton a façonné le street art et marqué durablement la scène artistique contemporaine. Son œuvre « Shadow », réalisée en 1983 à l'acrylique et au ruban adhésif sur papier d'art (dimensions : environ 76 x 33 pouces), témoigne de cette influence. Encadrée (80 x 37,75 pouces), elle offre une expérience quasi grandeur nature, affirmant une présence imposante qui rappelle les figures que Hambleton peignait sur les façades des ruelles et des immeubles. L'absence de signature contribue au mystère que Hambleton a cultivé tout au long de sa carrière. La provenance est cruciale pour les œuvres d'art de cette qualité, et l'authenticité de cette pièce est attestée par un certificat d'authenticité (COA) manuscrit de Robert Murphy et un autre COA de Dirtypilot, l'ancrant fermement dans son contexte historique. Robert Murphy et la provenance d'un chef-d'œuvre Robert Murphy, ami proche et fervent défenseur de Richard Hambleton, joue un rôle crucial dans l'histoire de « Shadow ». Collectionneur le plus éminent des œuvres de Hambleton, Murphy entretient avec l'artiste une relation qui dépasse le simple cadre du collectionnisme : il est aussi un confident et un allié précieux. Sa relation avec l'artiste confère à l'œuvre une profondeur supplémentaire, mettant en lumière les liens personnels et les amitiés qui sous-tendent et définissent souvent la communauté du street art. Cette relation est immortalisée dans le film « Shadowman », où Hambleton et Murphy apparaissent tous deux, offrant un aperçu cinématographique de la vie et de l'œuvre de l'artiste. Ce lien enrichit le récit de « Shadow », l'inscrivant dans un réseau d'histoires personnelles qui dépassent le cadre de l'art visuel. Il nous rappelle avec force que la valeur du street art pop s'étend au-delà de l'œuvre matérielle pour s'inscrire dans le domaine des histoires personnelles et collectives. L'héritage de Hambleton et ses « ombres » dans le pop art urbain Au sein du panthéon du street art, les œuvres de Richard Hambleton se distinguent par leur simplicité troublante et leur profondeur émotionnelle. Né au Canada et disparu en 2017, Hambleton laisse un héritage qui perdure à travers des pièces telles que « Shadow », qui incarnent son approche singulière du street art. Ses figures d'ombre, apparues dans les années 1980, ont conféré au graffiti une dimension critique inédite, le transformant d'un acte de rébellion en une forme d'expression artistique profonde. « Shadow Original Acrylic Painting » est une œuvre originale de l'une des figures majeures du street art et un témoin de l'époque de sa création. Le début des années 1980 a été marqué par une croissance dynamique du graffiti, qui est passé du vandalisme à un médium respecté de discours socio-politique et d'exploration artistique. L'œuvre de Hambleton traverse cette période, offrant une critique à la fois spectrale et profonde de la société et de soi-même, invitant le spectateur à se confronter aux ombres qui persistent au sein de la vie urbaine et en lui-même. L'histoire de « Shadow » de Richard Hambleton est un récit tissé de génie créatif, de liens personnels et de l'évolution de l'éthique du street art. Cette œuvre demeure un élément essentiel du travail de Hambleton, un témoin silencieux mais éloquent du pouvoir du pop art et du graffiti dans la transformation des paysages urbains et des débats qui s'y rattachent.

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« Mes règles », sérigraphie de Glen E Friedman, tirée à la main sur papier d'art, édition limitée. Édition limitée à 200 exemplaires, signée et numérotée, 2004. Format : 16 x 20 pouces. Sérigraphie. Mes règles de Glen E. Friedman : un témoignage sur le pop art urbain et le graffiti La sérigraphie « My Rules » de Glen E. Friedman est un manifeste visuel qui incarne l'esprit du pop art urbain et du graffiti. Cette édition limitée 40 x 50 cm, faisant partie d'une série de 200 exemplaires signés et numérotés, capture l'énergie brute et l'éthique DIY des scènes punk et skate underground. Publiée en 2004 à l'occasion de l'exposition novatrice « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », cette œuvre témoigne de l'influence profonde des subcultures sur l'art et la société. Le format photozine de « My Rules », avec son collage de visages expressifs et son énergie anarchique, exprime l'esprit rebelle de la culture urbaine. Friedman, figure emblématique de la documentation des sous-cultures punk, skate et hip-hop, utilise la sérigraphie pour transcender la temporalité du support fanzine, inscrivant ainsi son contenu dans l'histoire de l'art. L'œuvre n'est pas seulement un objet à admirer, mais un document historique qui capture l'esprit d'une époque charnière de l'histoire culturelle. L'importance de « Mes règles » dans l'évolution du street art L'importance de « My Rules » dans l'évolution du street art est multiple. L'œuvre fait le lien entre la nature éphémère de la culture urbaine et la permanence des beaux-arts. En transposant l'imagerie dynamique de ses photographies en sérigraphie, Friedman élève les instants fugaces capturés au rang d'œuvre d'art à part entière. Cette élévation témoigne de la valeur de la culture urbaine et de son influence indéfectible sur l'esthétique contemporaine. Le travail de Friedman a toujours dépassé la simple documentation des sous-cultures ; il s'agit de comprendre et de transmettre les messages sous-jacents de contestation, de créativité et de liberté que ces mouvements incarnent. « My Rules » incarne cette compréhension, offrant au spectateur un regard brut et authentique sur les individus qui définissent ces mouvements. Les visages et les moments qu'il capture ne sont pas passifs ; ils sont chargés d'une énergie qui invite à l'interaction et à la reconnaissance. Provenance et impact culturel de « Mes règles » L'œuvre « My Rules » trouve son origine dans les collections Beautiful Losers Archive et Iconoclast Editions, qui célèbrent le travail d'artistes ayant profondément marqué le dialogue entre culture urbaine et beaux-arts. Ces institutions préservent une histoire qui, autrement, aurait pu tomber dans l'oubli, en conservant les vestiges de l'influence de la culture urbaine sur le monde de l'art. « My Rules », intégrée à ces collections, est une œuvre qui non seulement reflète l'histoire du street art, mais contribue également à son évolution. L'impact culturel de « My Rules » et du travail de Glen E. Friedman est considérable. L'estampe et son exposition ont joué un rôle crucial dans la perception du street art, révélant sa profondeur et sa complexité. Le pop art et le graffiti, souvent relégués à la périphérie du monde de l'art, sont mis en lumière par le regard de Friedman, affirmant leur place comme composantes essentielles du discours sur l'art contemporain. À travers « My Rules », Friedman interpelle le monde de l'art, questionne les frontières artistiques et célèbre l'esprit indomptable de la culture urbaine. Cette œuvre témoigne du pouvoir de la documentation visuelle pour saisir et préserver l'essence des mouvements culturels. Entre les mains de Glen E. Friedman, l'appareil photo est autant un outil de création qu'un instrument de documentation, et « My Rules » illustre avec éclat cette double fonction. Ce tirage n'est pas seulement le reflet d'une époque révolue, mais aussi un phare pour les générations futures, leur permettant de comprendre les courants culturels sous-jacents qui ont façonné et continueront de façonner le monde de l'art et de l'expression.

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Œuvre originale unique de 1987, réalisée à la peinture en aérosol et à partir d'objets récupérés sur bois recyclé par le célèbre artiste de graffiti de rue Eddie Colla. Peinture acrylique originale signée, réalisée en 2019 avec des éléments de récupération. Dimensions : 34 x 34 cm. « 1987 » 86 x 86 cm (34 x 34 pouces) Technique mixte sur bois 2019 Signé et titré au dos

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Achetez Universal Dignity 4-Color Hand-Pulled Limited Edition Silkscreen Print on Cream Speckle Tone Paper par Shepard Fairey Rare Street Art OBEY Pop Artwork Artist. Édition limitée signée 2022. 18 pouces x 24 pouces Edition de 600 3 juin 2022 "L'imprimé "Dignité universelle" vise à promouvoir la paix, l'égalité et l'humanité. J'aimerais voir une hypothèse fondamentale selon laquelle TOUTES les personnes méritent le respect et la dignité humaine. Cela s'applique à la signification universelle de la dignité, à valoriser et à respecter. pour ce que vous êtes, ce en quoi vous croyez et comment vous vivez votre vie. Je me considère comme un citoyen du monde, et bien que je pense que les nations remplissent une fonction structurelle, tous les gens devraient être égaux, et la vie de chacun compte de la même façon, peu importe où ils vivent." -Shepard Fairey

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MUSACK Terry Hall Tribute Silkscreen Print by Shepard Fairey- OBEY Hand-Tited 2 Color on True White Speckletone Fine Art Paper Limited Edition Artwork Obey Pop Culture Artist. Édition limitée à 300 exemplaires, signée et numérotée, 2023. Sérigraphie 18x24 pouces. Avec Lynval Golding & Team Specials, Billy Idol, Jane Wiedlin, Tim Armstrong, Tony Kanal, Tom Dumont, Adrian Young, Fishbone, Jerry Harrison, Tre Cool, Fred Armisen, Jesse Michaels, Donita Sparks, The Jg All-Stars et Bite Me Bambi. Affiche du concert Record Safari. Terry Hall, chanteur des Specials, un de mes groupes préférés, est décédé d'un cancer du pancréas il y a un peu moins d'un an. Samedi dernier, Musack lui a rendu un hommage incroyable avec une programmation exceptionnelle, incluant Horace Panter et Lynval Golding des Specials, Jane Wiedlin des Go-Go's, Fishbone, No Doubt (sauf Gwen), Tom Morello, Tim Armstrong et Jesse Michaels d'Operation Ivy, Donita Sparks de L7, et bien d'autres ! Je suis tombé amoureux des Specials durant l'été 1989, à peu près au moment où j'ai commencé à écouter Operation Ivy et Fishbone, alors voir les membres de tous ces groupes célébrer Terry était tout simplement incroyable ! J'ai également eu la chance de réaliser l'affiche de l'événement à partir d'une magnifique photo de Chalkie Davies. Il existe deux versions : l'une avec la programmation complète et l'autre, un hommage plus sobre à Terry. L'affiche en noir et blanc est tirée à 325 exemplaires, tandis que celle avec la programmation est plus limitée (édition de 325 exemplaires). 300 exemplaires, car beaucoup ont été vendus lors de l'événement, et tous les bénéfices ont été reversés à Musack, une excellente association caritative musicale pour enfants. À titre personnel, Terry est passé à mon studio à plusieurs reprises, et nous avons discuté pendant des heures. Il était gentil, attentionné et très ouvert sur les hauts et les bas de la vie. Nous avons parlé d'enfants, de santé mentale, d'insécurité, de relations, des bienfaits thérapeutiques de la créativité et de nombreux autres sujets importants. C'était une âme sœur, et je pensais que nous serions amis pour de nombreuses années. Cette estampe a été réalisée avec amour… merci pour la musique, Terry ! » - Shepard Fairey - OBEY L'hommage de MUSACK au légendaire Terry Hall, chanteur emblématique des Specials, se concrétise dans une sérigraphie saisissante signée Shepard Fairey, célèbre pour son mouvement artistique OBEY. Tirée à la main en deux couleurs sur papier d'art True White Speckletone, cette œuvre témoigne de l'influence profonde de Terry Hall sur l'industrie musicale et ses fans. Fusion exquise de pop art, de street art et de graffiti, elle incarne l'essence même de l'esprit et de l'impact de Terry Hall sur le monde. Sortie en 2023 en édition limitée, signée et numérotée à seulement 300 exemplaires, cette œuvre mesure 45,7 x 61 cm. D'une grande profondeur artistique, elle s'inspire d'une photographie poignante de Chalkie Davies. Deux versions existent : l'une présente la programmation d'un événement, l'autre rend un hommage plus épuré à Terry Hall. Alors que les tirages en noir et blanc sont disponibles en édition limitée à 325 exemplaires, celui reprenant la programmation de l'événement est plus exclusif, avec un tirage de 300 exemplaires, dont beaucoup ont déjà été acquis lors de l'événement. L'histoire de cette œuvre est tout aussi captivante. L'hommage émouvant rendu par MUSACK à la vie de Terry a réuni une impressionnante brochette de musiciens de renom, d'Horace Panter et Lynval Golding des Specials à Jane Wiedlin des Go-Go's, Fishbone et des membres de No Doubt, entre autres. Les échanges entre Shepard Fairey et Terry confèrent une profondeur particulière à l'œuvre. Lors de ses visites à l'atelier de Shepard, Terry a dévoilé différentes facettes de sa personnalité, abordant des sujets allant de la santé mentale à la dimension thérapeutique de la créativité. Shepard le considérait comme une âme sœur, et leurs échanges étaient empreints d'une profonde compréhension et d'un respect mutuel. Cette œuvre est donc non seulement un chef-d'œuvre esthétique, mais aussi un hommage vibrant, imprégné de l'essence même de la vie et de l'héritage de Terry Hall.

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27 Club - Hendrix 4 couleurs, sérigraphie en édition limitée tirée à la main sur papier beaux-arts par DKNG, artiste pop art célèbre et rare. Édition 2012 signée et numérotée, limitée à 200 exemplaires. La galerie Blunt Graffix, en Oregon, nous a invités à participer à leur exposition collective « Dead Rockstars : A Tribute to the Mortal Gods of Sound ». Nous avons choisi d'explorer le concept du « Club des 27 », un phénomène qui désigne les musiciens célèbres décédés à l'âge de 27 ans. Chaque estampe est une mini-sérigraphie quatre couleurs de 11,7 cm x 13,7 cm, tirée à 200 exemplaires.

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Gimme Shelter - Michigan Theater 2010 - Affiche de concert en édition limitée Pink Music, impression sérigraphique artisanale bicolore sur papier d'art rose par Jeremy Wheeler pour Rolling Stones. Pink Variant, les 11 et 13 juillet 2010, spectacle de musique rock 'n' roll au Michigan Theater avec les Rolling Stones, présenté par Hott Lava et Wazoo Records.

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C'est ton anniversaire, peinture rose, édition limitée, sérigraphie HPM 1 couleur et peinture acrylique rehaussée à la main sur papier d'art frangé à la main par Mr. Brainwash - Thierry Guetta, artiste de rue graffiti, pop art moderne. 2018 Encadré , signé et numéroté, peinture rose HPM, édition limitée de 30 exemplaires, embellie à la main, dimensions de l'œuvre : 50 x 38, sérigraphie monochrome avec finition à la main sur papier d'art d'archivage. Caractère unique des estampes embellies à la main par Mr. Brainwash Dans le pop art et le graffiti contemporains, rares sont les œuvres aussi marquantes que « It's Your Birthday » de l'artiste de rue Mr. Brainwash, alias Thierry Guetta. Cette pièce incarne l'esprit du street art grâce à son papier d'art de qualité supérieure, orné et frangé à la main, et à une touche de peinture acrylique rose qui bouscule les conventions. Cette édition limitée de 2018 témoigne du dévouement de l'artiste à son art et de sa volonté d'insuffler sa personnalité à chaque estampe. Sous le pseudonyme de Mr. Brainwash, Thierry Guetta est devenu une figure fascinante du street art. Son style, qui allie la brutalité du street art à la sophistication des œuvres d'art exposées en galerie, lui a valu autant de critiques que d'éloges. « It's Your Birthday » illustre son goût pour les déclarations audacieuses et l'utilisation d'images populaires réinterprétées à travers le prisme du street art. Le support sérigraphié monochrome est transformé par une finition manuelle, garantissant ainsi le caractère unique de chaque exemplaire. La série « C'est ton anniversaire » est une édition limitée à 30 exemplaires, chacun étant fini à la main par Mr. Brainwash en personne. Ce procédé d'embellissement manuel consiste en l'application de peinture acrylique rose, une signature qui ajoute dimension et texture, faisant de chaque estampe une œuvre d'art unique. Cette technique abolit la frontière entre la production de masse et l'objet unique, reflétant la philosophie de l'artiste selon laquelle l'art doit être à la fois accessible et exclusif. Importance de la sérigraphie dans l'œuvre de M. Brainwash La sérigraphie, technique emblématique du pop art, est utilisée par Mr. Brainwash avec un clin d'œil à la tradition, tout en repoussant ses limites. L'estampe « It's Your Birthday », aux dimensions impressionnantes de 50 x 38 pouces (127 x 97 cm), offre un support audacieux aux expérimentations de l'artiste avec la couleur et la forme. Le choix d'un papier d'art de qualité archive garantit la longévité de l'œuvre, alliant la nature éphémère du street art à la permanence recherchée par les collectionneurs. Depuis son apparition sur la scène artistique, Mr. Brainwash est une figure controversée, son authenticité et son style faisant débat. Pourtant, des œuvres comme « It's Your Birthday » consolident sa place sur le marché de l'art. Le format de cette édition limitée, la qualité des matériaux et la touche personnelle des embellissements réalisés à la main en font une pièce très prisée des collectionneurs. Elle célèbre l'influence du street art sur la culture contemporaine et la manière dont des artistes comme Mr. Brainwash continuent d'innover au sein du genre. L'apport de Mr. Brainwash au pop art, au street art et au graffiti est indéniable. Chaque estampe, rehaussée à la main, remet en question les idées reçues sur ce que peut être le street art et sur ses interactions avec le monde des beaux-arts. « It's Your Birthday » est un joyau coloré de l'art de Mr. Brainwash, une œuvre en édition limitée qui capture l'esprit exubérant et transformateur du pop art urbain.

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Visage noir ou blanc 92 Peinture à l'huile originale de Peter Keil : Œuvre unique sur panneau Masonite par l'Homme sauvage de Berlin, un artiste contemporain célèbre. Peinture à l'huile sur panneau de masonite, signée et datée de 1992. Œuvre originale de 24 x 24 pouces, signée et datée par Peter Keil. Toutes les œuvres de Peter Keil utilisent une peinture épaisse, et quelques écaillures peuvent être présentes en raison de l'âge et de la nature de son travail. Il s'agit d'une peinture représentant un visage en noir et blanc coiffé d'un chapeau. Plongée au cœur de « Black or White Face '92 » de Peter Keil « Visage noir ou blanc '92 » est une peinture à l'huile originale sur panneau de Masonite de Peter Keil, surnommé « L'Homme sauvage de Berlin », un surnom qui reflète son approche artistique intense et indomptée. Cette œuvre, créée en 1992 et signée par l'artiste, mesure 61 x 61 cm et est emblématique du style audacieux et expressif de Keil. Le tableau représente un visage rendu en noir et blanc contrastant, orné d'un chapeau coloré qui tranche avec la composition. L'utilisation d'une peinture épaisse par Keil est ici manifeste, une technique qui confère à l'œuvre sa riche texture et sa profondeur, et qui, avec le temps, a entraîné un léger écaillage de la peinture, une caractéristique qui donne une patine authentique à ses œuvres. La dichotomie du noir et blanc dans le tableau fait écho aux thèmes souvent explorés dans le Street Pop Art et le graffiti, où le contraste est utilisé pour transmettre des messages complexes et susciter un fort impact visuel. La représentation de Keil dépasse le littéralisme pour suggérer les dualités présentes au sein de la nature humaine et de la société. Avec ses couleurs éclatantes, le chapeau symbolise l'individualité et la créativité, éléments centraux de la philosophie artistique de Keil et de l'esprit des mouvements de street art et de pop art. Exploration de la signification de la technique et du médium de Keil Dans « Black or White Face '92 », la technique et le choix du médium de Peter Keil témoignent de son attachement à l'essence brute et immédiate du street art. L'application de peinture à l'huile sur des panneaux de Masonite, souvent en épaisses couches empâtées, crée une surface tactile qui invite le spectateur à une expérience immersive au-delà de son simple attrait visuel. Cette dimension sensorielle abolit la distance entre le spectateur et l'œuvre, la rendant plus accessible et captivante, à l'instar des graffitis qui ornent les paysages urbains. Le panneau de Masonite lui-même, en rupture avec la toile traditionnelle, souligne l'affinité de Keil avec le street art, qui privilégie les matériaux et les supports non conventionnels. La durabilité et la solidité du Masonite reflètent également l'impact durable de l'œuvre de Keil, à l'image de la permanence du graffiti, devenu partie intégrante du paysage urbain. Cette synergie entre le médium et le message est une caractéristique essentielle de l'art de Keil. Elle témoigne de son rôle de pionnier dans l'intégration de l'essence du street art aux pratiques artistiques reconnues. L'héritage artistique de Keil dans l'art moderne Comme en témoigne « Black or White Face '92 », l'héritage artistique de Peter Keil se caractérise par une représentation saisissante de la figure humaine et une utilisation débridée de la couleur et de la forme. Ses œuvres illustrent l'influence de la culture urbaine sur l'art contemporain, démontrant comment les expressions spontanées et brutes du Street Pop Art et du graffiti peuvent être transposées dans le langage des beaux-arts. Les peintures de Keil ne sont pas de simples représentations, mais de puissantes expressions d'émotion et d'identité, imprégnées des expériences et des observations de l'artiste. De plus, l'écaillage de la peinture dans ses œuvres leur confère une dimension temporelle et historique, suggérant un récit qui se prolonge au-delà de l'instant de la création. Cet aspect de son travail est particulièrement poignant dans le contexte du street art, où l'environnement et le passage du temps jouent un rôle crucial dans la vie de l'œuvre. Par ses explorations audacieuses et ses expressions authentiques, Keil a marqué durablement l'art moderne, inspirant artistes et amateurs d'art à embrasser l'inconventionnel et à apprécier la beauté inhérente aux imperfections du processus artistique. « Black or White Face '92 » n'est pas seulement une œuvre majeure de Peter Keil ; c'est un chapitre vibrant de l'histoire du street art et du graffiti. Elle incarne l'énergie, la diversité et la créativité de son art, tout en reflétant les grandes tendances et transformations de l'art contemporain. Cette œuvre, qui continue de captiver les spectateurs par son imagerie saisissante et ses textures riches, témoigne de l'influence durable de Keil sur le monde de l'art et de sa maîtrise de l'art de faire entrer la rue dans les galeries.

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Découvrez l'estampe d'archive Variant Archival Print de Dragon76 en édition limitée sur papier Canson Aquarelle Fine Art 310 g/m² à bords frangés, œuvre d'art moderne de style pop graffiti street artiste. Tirage signé et numéroté 2025, édition limitée à 25 exemplaires, format 24x36, pigments d'archivage, beaux-arts. Découvrez Variant : La fusion audacieuse de street art pop et de mythe moderne de Dragon76 Découvrez l'estampe Variant Archival Print de Dragon76, une œuvre emblématique du street art pop et du graffiti contemporains, qui mêle spectacle visuel et réflexion socio-environnementale. Imprimée sur papier d'art Canson Aquarelle 310 g/m² à bords frangés, cette estampe pigmentaire grand format (61 x 91 cm) est une édition 2025 signée et numérotée, limitée à 25 exemplaires. Le langage visuel immersif de Dragon76, qui mêle symbolisme futuriste, culture urbaine et mythologie de la nature, s'exprime pleinement dans cette édition collector signée à la main, transformant l'art en un vecteur de narration cinématographique. Iconographie des astronautes et paysage culturel Au cœur de Discover Variant se dresse une figure solitaire, coiffée d'un casque d'astronaute high-tech, dont l'expression est à la fois calme et résolue. Le casque est orné de graffitis, d'insignes et de références visuelles puisant dans l'iconographie orientale et occidentale. Cette fusion reflète l'hybridité culturelle de l'artiste, né à Shiga, au Japon, et actif à l'international depuis son domicile new-yorkais. Le visage dissimulé sous le casque est un avatar de l'humanité confrontée à l'inconnu, enveloppée non seulement d'une armure, mais aussi d'identité, d'histoire et de convictions. La combinaison est entourée de formes de vie aquatiques – un poisson ressemblant à une carpe koï, des coraux et des vagues – mêlant l'exploration spatiale aux mystères des profondeurs marines. Il en résulte une construction onirique qui se lit à la fois comme une fresque, une peinture et une image cinématographique. La couleur comme récit, la composition comme énergie Dragon76 est reconnu pour ses palettes de couleurs explosives et son utilisation des dégradés pour créer une ambiance et structurer l'espace narratif. « Discover Variant » utilise un fond bicolore, mêlant un rouge-orangé flamboyant et un bleu océan électrique. Ces tons complémentaires ne se contentent pas de s'équilibrer : ils dynamisent l'œuvre, rendant le mouvement palpable. L'intensité holographique des poissons, la tension ondulante de l'eau et les textures mécaniques de l'équipement de l'astronaute sont minutieusement superposés grâce à des techniques de dessin numérique et de peinture traditionnelle. L'impression sur papier Canson Aquarelle haut de gamme à bords frangés confère à l'œuvre une dimension tactile qui participe à sa narration. Elle élève l'énergie brute de l'œuvre au rang d'œuvre d'art digne d'un musée. Le rôle de Dragon76 dans le graffiti moderne et l'art de la culture pop La réputation internationale de Dragon76 repose sur sa fusion d'afrofuturisme, de cyberpunk, de manga et de calligraphie urbaine. Qu'il s'agisse de fresques monumentales ou de tirages d'art exclusifs, son œuvre aborde l'urgence climatique, l'unité interculturelle et les futurs possibles. « Discover Variant » se situe au carrefour de ces thèmes, faisant écho à la puissance du graffiti traditionnel tout en exploitant le potentiel narratif des technologies modernes et du folklore. L'artiste, dont le véritable nom n'est pas divulgué, demeure une figure incontournable de la diffusion de la culture graffiti dans les galeries, l'estampe et les collaborations internationales. Dans cette édition limitée à 25 exemplaires, chaque tirage « Discover Variant » devient une pièce rare d'art urbain pop et de graffiti, transcendant les genres, les frontières et les formats.

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Joba Chamberlain/Crâne-Cerveau - Collage unique embelli à la main des Yankees, technique mixte sur carte de baseball vintage par Pat Riot. Œuvre originale de 2014, technique mixte superposée sur une véritable carte vintage Topps de la MLB, avec un style pop art inspiré de Joba Chamberlain/Crâne-Cerveau - Yankees

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Nick Markakis/Old Man - Orioles - Collage unique orné à la main, technique mixte sur carte de baseball vintage par Pat Riot. Œuvre originale de 2014, estampée et réalisée en techniques mixtes superposées sur une véritable carte vintage Topps de la MLB, avec un style pop art inspiré de Nick Markakis/Old Man (Orioles).

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Muhammad Ali Andy Warhol 100% & 400% BE@RBRICK Figurines d'art en vinyle en édition limitée, objets de collection urbains Andy Warhol et Medicom Toy collaborent à nouveau pour le Bearbrick Muhammad Ali. Ce Bearbrick est orné d'une impression à l'eau intégrale, rendant chaque pièce unique.

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Planche de skateboard Supreme Scarface Shower Deck Limited Edition, conçue par la marque Supreme. Pour la collection Automne/Hiver 2017, Supreme a puisé son inspiration dans l'univers iconique de Scarface. Chaque planche arbore la célèbre réplique du film imprimée sur le dessus. La planche « Shower » reprend une image tirée de la scène culte où une transaction de drogue tourne mal et où Montana se retrouve sous la douche, un pistolet pointé sur la tempe.

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Réalisez une estampe d'art en édition limitée HPM Archival Pigment sur papier Moab Entrada 290 g/m² à bords frangés à la main, par l'artiste Reen Barrera, légende du street art pop graffiti. L'œuvre d'art que j'ai dit « LOLA... » Édition limitée à 50 exemplaires (2022). Tirage giclée rehaussé à la main. Chaque tirage comprend une bulle de dialogue peinte à la main (en blanc ou en noir) avec une phrase/un message exclusif, réalisé par Reen. Impression d'art sur papier Moab Entrada 290 g/m². Bords frangés à la main. 61 x 61 cm. Signé et numéroté à la main par l'artiste. Imprimé par Static Medium (Los Angeles). L'équipe de Static Medium a détouré la bulle de dialogue originale de « Realize » avant de l'envoyer à Reen aux Philippines pour qu'il y apporte sa touche personnelle. Nous sommes ravis du résultat. Reen a peint une bulle de dialogue blanche ou noire sur chaque tirage (un exemple est présenté ci-dessus et ci-dessous). Chaque bulle a une forme différente, et Reen a ensuite peint à la main une phrase unique sur chaque tirage.

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Imprégnez-vous d'art quand vous le pouvez. Impression sérigraphique CMJN PP par Kunstrasen Printers. Épreuve tirée à la main, 6 couleurs sur papier d'art Somerset 300 g/m². Œuvre d'art en édition limitée. Épreuve d'imprimeur PP 2018 Signée et marquée P/P Édition limitée Œuvre d'art Taille 19,68x27,56 Impression sérigraphique. « Soak Up Art When You Can CYMK PP » est une sérigraphie de Kunstrasen qui invite à la réflexion. Son œuvre fusionne avec fluidité l'esthétique du street art et du graffiti. Créée en 2018, cette épreuve d'artiste (E/A) est un exemplaire unique, généralement réservé à l'approbation de l'artiste avant le tirage final. Ce statut confère aux E/A une valeur particulière, de par leur rareté et leur importance dans l'art de l'estampe. Tirée à la main selon une technique traditionnelle, chaque exemplaire est unique. Sur un papier d'art Somerset 300 g/m², réputé pour sa qualité et sa texture exceptionnelles, l'œuvre arbore une palette vibrante de six couleurs, accentuant la profondeur visuelle. Le choix du modèle colorimétrique CMJN, pilier de l'impression, établit un lien subtil entre la technique de la gravure et l'expérience sensorielle de la contemplation artistique. Les dimensions de l'œuvre, 50 x 70 cm, offrent un support idéal à la vision de l'artiste. Le jeu saisissant des aplats de couleur et de la figure représentée invite à la réflexion sur le rôle de l'art dans les espaces publics et privés. Intitulée de façon significative « Soak Up Art When You Can » (S'imprégner d'art quand on le peut), cette estampe se veut à la fois un manifeste et une réflexion sur la nature éphémère du street art et sur l'importance de s'intéresser à l'art sous toutes ses formes. L'œuvre est une explosion de couleurs, au sens propre comme au figuré, sur un fond structuré en CMJN, suggérant le pouvoir transformateur de l'art à perturber et à dynamiser le quotidien. La silhouette de la figure se détachant sur les larges éclaboussures de peinture rappelle la spontanéité du graffiti, tandis que la composition structurée évoque la précision calculée du pop art. L'œuvre de Kunstrasen se situe souvent dans cette dualité, explorant les nuances entre artifice maîtrisé et créativité impulsive. Pour les amateurs et les collectionneurs, posséder une œuvre comme « Soak Up Art When You Can CYMK PP » revient à détenir un instantané de l'engagement critique de l'artiste envers le monde. Cette œuvre symbolise le dialogue permanent entre la rue et la galerie.

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Impression giclée Black Sky par Young Lee Artwork, édition limitée sur papier d'art vélin, artiste graffiti pop de rue. Édition limitée 2021, signée et numérotée à 25 exemplaires. Format de l'œuvre : 20 x 30 cm. Black Sky de Young Lee – Saturation des couleurs et fantaisie chaotique dans l'art urbain pop et le graffiti « Black Sky » est une estampe giclée signée et numérotée de 2021, réalisée par l'artiste sud-coréenne Young Lee. Tirée à seulement 25 exemplaires, elle mesure 50,8 x 76,2 cm et est imprimée sur papier d'art vergé. Reconnue pour sa fusion entre distorsion cartoon et narration en couches successives, Young Lee crée une œuvre visuelle dense et exaltante, peuplée d'animaux anthropomorphes, d'enfants aux traits exagérés et d'éléments surréalistes en arrière-plan, transformant les codes familiers de la pop culture en paysages oniriques personnels. L'estampe capture une cascade chaotique de personnages, serrés les uns contre les autres sous un ciel noir où tension, humour et affection se côtoient. Avec ses teintes éclatantes, ses contours nets et ses contrastes riches, la composition se déploie avec un volume visuel saisissant, vibrant de formes, de couleurs et d'expressions expressives. Cette œuvre s'impose comme une référence du Street Pop Art et du graffiti, brouillant la frontière entre absurdité comique et narration subtile et émouvante. Expression dans le désordre et la frénésie contrôlée L'imagerie de Black Sky offre un chaos narratif complexe : un cochon aux yeux cernés, un tigre souriant malgré la fatigue, et une multitude de têtes d'animaux aux proportions exagérées qui envahissent la partie supérieure de l'estampe, surplombant deux personnages chaleureux et aux joues roses, figés dans une étreinte fraternelle. Ces personnages portent la marque du style inimitable de Lee : des formes douces et arrondies, des dégradés de carnation, de minuscules larmes et des mains stylisées, soit enlacées, soit pressées anxieusement contre leurs visages. Malgré le brouhaha de la foule en haut, les figures en bas semblent isolées, baignées de chaleur et de calme, créant un contraste émotionnel au sein de la composition. Les nuages ​​de pluie et les formes de larmes éparses accentuent une étrange atmosphère de malaise, contredisant visuellement la palette colorée par des nuances de tristesse ou de désespoir. Cette tension entre l'ambiance et la surface est au cœur du langage du Street Pop Art et du Graffiti, où la contradiction aiguise le sens. Précision et énergie de surface de la giclée Le format giclée restitue avec une précision remarquable l'équilibre subtil entre texture et netteté propre à Young Lee. Chaque nuance, des dégradés de violet foncé aux rouges fluorescents et aux jaunes moutarde, est fidèlement restituée, soulignant le rythme émotionnel de l'œuvre. Le papier d'art vergé met en valeur la superposition dense et les dégradés subtils sans altérer la netteté et la précision graphique du trait dessiné à la main par Lee. La surface évoque un tissu sérigraphié ou une œuvre d'art numérique revisitée grâce à une maîtrise méticuleuse du pinceau, offrant une énergie tactile qui reflète l'intensité de l'instant. Avec « Black Sky », Lee crée une scène vibrante d'un silence vibrant, foisonnante de couleurs et de sens, tout en restant ancrée dans l'immobilité. Cette maîtrise technique confirme sa place de maître dans le paysage du street art et du graffiti, en tant que créateur d'atmosphères empreintes de forme. Le jeune Lee et la géométrie des sentiments « Black Sky » illustre le talent de Young Lee pour créer une intensité émotionnelle par la symétrie visuelle, la superposition et l'abstraction. Son œuvre suggère souvent le conflit sans agressivité, la célébration sans certitude. Elle présente les personnages comme des fragments de culture et de mémoire, aplatis en vecteurs de tension, de joie ou de détachement surréaliste. Dans cette estampe, Lee communique la pression de la proximité, l'anxiété dissimulée sous des apparences joyeuses et l'intimité protectrice entre deux figures centrales au milieu du chaos. La narration visuelle ne résout ni n'explique. Elle enveloppe. Elle confronte. Elle invite à être ressentie plus qu'à être décodée. Figure contemporaine du Street Pop Art et du graffiti, Young Lee prouve que l'équilibre peut émerger du désordre et que l'émotion peut s'exprimer dans le design. « Black Sky » devient plus qu'une simple estampe : c'est un portrait de la collision entre proximité, couleur et silence.

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Johnny Face - Flower Child, édition limitée, papier buvard d'art, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé, par l'artiste pop moderne John Van Hamersveld. Édition limitée à 35 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2022. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey.

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Ken Dayley/Retro Farmer - Cardinals Collage unique orné à la main, technique mixte sur carte de baseball vintage par Pat Riot. Œuvre originale de 2014, technique mixte superposée sur une véritable carte vintage Topps de la MLB, avec un style pop art inspiré de : Ken Dayley/Fermier rétro - Cardinals

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Achetez TITLE Edition Limitée sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Archival Pigment Fine Art INFO

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Bonjour, je m'appelle AP. Épreuve d'artiste, sérigraphie de Shepard Fairey - OBEY. Sérigraphie tirée à la main sur papier d'art crème moucheté. Édition limitée. Œuvre d'art pop street art. Épreuve d'artiste (EA) 2019, signée et marquée. Format : 18 x 24 pouces. Sérigraphie d'André le Géant. Étiquette nominative et graffiti. Shepard Fairey Bonjour, je m'appelle AP Sérigraphie « Hello My Name Is AP » de Shepard Fairey revisite l'une des images les plus emblématiques du street art et du graffiti : le visage d'André le Géant encadré par le format iconique d'une étiquette nominative. Cette sérigraphie d'artiste de 2019 conserve la force visuelle brute qui a lancé la campagne street art de Fairey, tout en intégrant des textures de collage superposées, des touches de peinture rouge et des éléments graphiques à l'aspect vieilli. La composition associe le portrait familier en noir et crème à des fragments de journaux, des marques de pochoir et des références à la dégradation urbaine, soulignant ainsi son origine dans l'espace public non officiel. Imprimée sur un papier beaux-arts crème moucheté, sa surface tactile évoque la qualité des affiches collées à la main, tout en conférant à l'œuvre un statut d'édition limitée. André le Géant et les origines d'OBEY L'image d'André le Géant est devenue la pierre angulaire des premières interventions urbaines de Shepard Fairey, qui ont donné naissance au projet OBEY. André René Roussimoff, né en 1946 en France et décédé en 1993, a inspiré Fairey, qui a transformé une photographie simplifiée du visage du catcheur en un emblème graphique percutant diffusé dans les villes grâce à des autocollants, des affiches et des graffitis. Le format « Hello My Name Is » a métamorphosé le portrait en un outil participatif, encourageant la répétition et la reconnaissance publique sans explication explicite. Au sein du Street Pop Art et du Graffiti, cette stratégie mettait l'accent sur la viralité, l'anonymat et le pouvoir de la répétition comme méthode artistique. La campagne s'est ensuite étendue à une réflexion plus large sur l'autorité, l'esthétique de la propagande et la communication de masse. Stratégie graphique et impact culturel Cette épreuve d'artiste conserve la simplicité percutante qui caractérise l'imagerie originale d'André, tout en l'intégrant dans un environnement visuel plus complexe. Les traces de peinture rouge qui sillonnent la surface évoquent l'urgence et la rupture. Les textures de journaux collés font référence à la saturation médiatique et à la construction des récits publics. Le badge nominatif, traditionnellement utilisé pour les présentations informelles, devient ironique lorsqu'il est associé à un visage monumental et anonyme, incitant le spectateur à s'interroger sur la reconnaissance, l'identité et l'obéissance. En tant qu'œuvre de Street Pop Art et de graffiti, « Hello My Name Is AP » démontre comment la réduction graphique et le placement stratégique peuvent générer une résonance culturelle durable, bien au-delà des contextes traditionnels des galeries. Importance et qualité d'impression des épreuves d'artiste Cette sérigraphie artisanale de 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces) porte la mention AP, indiquant qu'il s'agit d'une épreuve d'artiste distincte de l'édition numérotée standard. Les épreuves d'artiste sont généralement conservées par l'artiste et produites en plus petites quantités, ce qui accroît leur valeur auprès des collectionneurs. Le procédé de sérigraphie par superposition produit des noirs profonds, des rouges saturés et de subtiles variations de surface, caractéristiques du travail de Fairey en atelier. En tant qu'exemplaire AP signé et marqué, cette œuvre constitue à la fois une référence historique aux origines de la campagne OBEY et une pièce de collection raffinée s'inscrivant dans l'évolution plus large du Street Pop Art et du graffiti.

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Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Hopper Taos - Édition limitée à bords découpés à la main - Sérigraphie artisanale monochrome sur papier beaux-arts par Aelhra, artiste de rue graffiti, art pop moderne. 2014 Édition limitée signée et numérotée à 10 exemplaires . Format de l'œuvre : 18 x 24 pouces. Artiste : Aelhra Technique : Sérigraphie Dimensions : env. 45,7 cm x 61 cm Marques : Signée et numérotée à la main Édition à bords découpés

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Aroldis Chapman/Pirate-Yankees Collage unique orné à la main, technique mixte sur carte de baseball vintage par Pat Riot. Œuvre originale de 2014, technique mixte superposée sur une véritable carte vintage MLB Topps, avec un style pop art inspiré d'Aroldis Chapman/Pirate (Yankees).

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Lively Up Yourself - Bob Marley - Impression typographique en édition limitée, réalisée à la main en une couleur sur papier crème moucheté par Shepard Fairey - Rare Street Art OBEY Pop Artwork Artiste. 40,6 cm x 49,5 cm. Édition limitée à 450 exemplaires. 19 mai 2021. Cette série d'estampes, réalisée en collaboration avec le photographe Dennis Morris, commémore le 40e anniversaire de la disparition de Bob Marley. Elle illustre l'incroyable complexité de la personnalité de Marley : le philosophe, le militant engagé pour la justice et le messager d'amour et de fraternité. Bob

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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