Visage & Tête

Bonjour Picasso, œuvre surréaliste, impression giclée en édition limitée sur papier d'art 100% coton par l'artiste populaire Naoto Hattori. Édition limitée à 25 exemplaires, signée et numérotée à la main, 2013. Format de l'œuvre : 6 x 8 pouces. Impression originale

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Femme 84 Vert Orange Peinture à l'huile originale de Peter Keil Œuvre unique sur panneau de Masonite encadré par The Wild Man of Berlin, un artiste contemporain célèbre. 1984. Signée et datée par Peter Keil. Peinture à l'huile sur panneau de masonite. Œuvre originale de 16,5 x 24,5 cm. Toutes les œuvres de Peter Keil utilisent une peinture épaisse ; quelques écaillures peuvent être présentes en raison de l'âge et de la nature de son travail. Buste de femme stylisée aux longs cheveux verts et orange. Embrasser l'essence vibrante des portraits de Peter Keil « Femme 84 Vert Orange » est une huile sur toile originale de Peter Keil, artiste réputé pour son style énergique et dynamique, souvent surnommé « l'Homme Sauvage de Berlin ». Cette œuvre de 1984, unique en son genre, est présentée sur un panneau de Masonite encadré et révèle sa signature expressionniste. Mesurant 42 x 62 cm, elle offre une représentation vibrante du buste d'une femme, caractérisée par un jeu intense de nuances vertes et orangées. La signature de Keil et la date, clairement visibles, attestent de l'authenticité et de la période de cette œuvre unique. Le travail de Peter Keil est reconnu pour son utilisation audacieuse de la couleur et la technique de l'impasto, qui consiste à appliquer une couche épaisse de peinture pour créer une surface texturée d'une grande profondeur et d'une grande intensité. Cette toile, avec ses contrastes de couleurs saisissants et sa représentation stylisée, témoigne de la capacité de Keil à saisir bien plus que la simple ressemblance physique de ses sujets. Il transmet plutôt une impression de la vie intérieure du sujet, évoquant l'émotion et le récit à travers la forme abstraite. L'influence dynamique du pop art et du graffiti sur l'œuvre de Keil L'influence du pop art et du graffiti est manifeste dans la manière directe et percutante dont l'œuvre « Woman 84 Green Orange » de Keil communique. L'œuvre est imprégnée d'une immédiateté propre au street art, où le spectateur est confronté à des images fortes dans l'espace public. À l'instar de nombreuses œuvres de street art, la peinture de Keil est un spectacle visuel et une expérience interactive qui invite le spectateur à une immersion plus profonde. Comme pour beaucoup de ses œuvres, les épaisses couches de peinture se sont écaillées au fil des ans, ajoutant au caractère et à l'histoire de la pièce. Ce vieillissement naturel témoigne du parcours de l'œuvre à travers le temps et s'apparente à l'altération des fresques et graffitis extérieurs, qui se transforment et se dégradent souvent au cours de leur cycle de vie. « Woman 84 Green Orange » de Peter Keil incarne avec force sa vision artistique, fusionnant l'expression brute du street art et la sophistication de la peinture à l'huile. Avec son style distinctif et sa résonance émotionnelle, l'œuvre de Keil continue de captiver les collectionneurs et les amateurs d'art, assurant ainsi sa place parmi les figures marquantes de l'art contemporain.

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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L'Orient rencontre l'Occident - Sculpture de jouet d'art en vinyle jaune en édition limitée, œuvre d'art de collection de l'artiste pop moderne Ron English - POPaganda x MINDstyle. Édition limitée 2017, format 4 pouces, neuve en boîte, estampillée/imprimée Boîte non ouverte, neuve

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Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

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Let Love In HPM Unique Collage Print par MCXT - Monica Canilao x Xara Thustra 8 Color Screen Print on Recycled Paper & Fabric Textile Limited Edition Pop Street Art Artwork. 2023 Sérigraphie signée et numérotée, collage, gouache, tissu et fil, édition limitée HPM ornée de 30 exemplaires. Dimensions de l'œuvre : 9,5 x 25 sur papier recyclé, techniques mixtes et textile. L'essence des techniques mixtes dans le pop art urbain Monica Canilao et Xara Thustra, reconnues pour leurs contributions dynamiques au street art et à la culture pop, explorent pleinement l'éclectisme des techniques mixtes. Leur œuvre est une fusion de papiers recyclés, de fils, de galons, de tissus, de vinyle rose, de peinture acrylique, d'encre sérigraphique, de gouache et d'autres matériaux, créant une symphonie de textures où le médium est aussi important que le message. « Let Love In HPM Unique Collage Print », du duo artistique MCXT (Monica Canilao et Xara Thustra), est une œuvre captivante à la croisée du pop art, du street art et du graffiti. Cette œuvre unique fait partie d'une édition limitée à seulement 30 exemplaires, chacun présentant des caractéristiques distinctes dues à sa fabrication artisanale. Exclusivité et technique Chaque estampe de la série a été réalisée par sérigraphie en huit couleurs, servant de base à un travail de collage complexe. Après l'impression initiale, les artistes ont procédé au collage, à la couture et à la peinture à la main sur chaque estampe, garantissant ainsi son caractère unique. Cette technique souligne non seulement l'exclusivité de chaque pièce, mais reflète également l'esprit du street art, qui prône la création d'œuvres uniques et personnelles, en rupture avec les images produites en masse qui caractérisent souvent la société de consommation critiquée par le pop art. Dimensions et physicalité L'aspect tangible de l'œuvre est remarquable, avec ses dimensions de 24 x 63,5 cm. L'utilisation de matériaux recyclés et upcyclés n'est pas seulement un choix artistique, mais aussi une affirmation en faveur du développement durable et de la réutilisation de matériaux souvent jetés. L'incorporation de tissu et de fil ajoute une dimension domestique et artisanale, qui contraste avec les connotations traditionnellement masculines et urbaines du graffiti, offrant ainsi une réflexion sur les rôles de genre dans le monde de l'art et au-delà. Synergie collaborative La collaboration entre Monica Canilao et Xara Thustra fusionne leurs esprits et leurs styles, ce qui transparaît clairement dans leur œuvre. L'expérience de Canilao dans la création d'univers détaillés et complexes, riches en symbolisme personnel, complète l'approche graphique et audacieuse de Thustra, qui intègre souvent des éléments textuels et un message clair et percutant. La synthèse de ces deux approches donne naissance à une œuvre d'une grande richesse, tant dans sa composition visuelle que dans sa profondeur conceptuelle. Importance culturelle et artistique « Let Love In HPM Unique Collage Print » témoigne du pouvoir du street art et du graffiti à commenter et interagir avec le discours culturel dominant. Par son caractère artisanal et unique, cette œuvre remet en question la notion d'art comme marchandise et le réaffirme comme moyen d'expression personnelle et de critique sociale. Elle célèbre l'esprit du « faire soi-même » et l'importance culturelle du street art comme forme de dialogue et de résistance publics. Cette œuvre en édition limitée de MCXT est une pièce puissante qui capture l'essence du street art et du graffiti grâce à l'utilisation de techniques mixtes, sa fabrication artisanale et son esprit collaboratif. L'œuvre offre à la fois un régal pour les yeux et un commentaire socioculturel, faisant le lien entre les beaux-arts, l'esthétique urbaine et la conscience environnementale.

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Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Impression typographique manuelle bicolore en édition limitée Upper Face Flip sur papier d'art Lenox 250 g/m² par Gats - Graffiti Against The System, art pop, graffiti, artiste célèbre. « Cette œuvre fait partie d'une série de quatorze illustrations de 28 x 43 cm (11 x 17 pouces) présentant toutes une bordure textuelle similaire. J'ai ensuite réutilisé cette même bordure dans une illustration de 46 x 61 cm (18 x 24 pouces) et une fresque de 18,3 x 4,6 m (60 x 15 pieds). Je prévois d'exposer l'ensemble des originaux dans une galerie, mais je souhaite d'abord proposer les estampes. J'aime utiliser le texte comme un hachurage dans mes œuvres : de loin, il apparaît comme un jeu d'ombres et de formes plus marquées, mais de près, on peut y déchiffrer un symbolisme plus complexe. » – Gats – Graffiti Against The System

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Occupy Protester AP 2-Color Hand-Pull Limited Edition Silkscreen Print on Fine Speckletone Art Paper by Shepard Fairey, Rare Street Art OBEY Pop Artwork Artist. Épreuve d'artiste (EA) 2012 Signée et numérotée Manifestant Occupy, 2012 Sérigraphie en couleurs sur papier crème moucheté 61 x 45,7 cm (feuille) EA (hors édition de 450 exemplaires) Signée, numérotée et datée au crayon en bas de page Publiée par Obey Giant, Los Angeles. Occupy Wall Street « Manifestant d’Occupy » de Shepard Fairey : un phare du pop art urbain et de l’activisme « Manifestant d'Occupy » de Shepard Fairey est une représentation poignante de l'engagement de l'artiste dans le mouvement Occupy Wall Street et de son influence constante sur le pop art urbain et le graffiti. Tirage d'artiste (EA) de 2012, cette sérigraphie en couleurs sur papier crème moucheté était distincte de l'édition principale de 450 exemplaires, ce qui renforce sa rareté et son attrait auprès des collectionneurs et des amateurs du genre. Mesurant 61 x 46 cm, l'estampe est remarquable non seulement pour sa valeur artistique, mais aussi pour son puissant message politique. « Manifestant d'Occupy » représente une silhouette enveloppée dans une écharpe, dont seuls les yeux sont visibles, se détachant sur un fond de larges rayures rouges et noires. Cette image saisissante et chargée d'émotion reflète l'intensité et l'urgence du mouvement Occupy. Le chiffre « 99 % », mis en évidence dans l'œuvre, fait écho au message du mouvement, qui protestait contre les inégalités économiques et le pouvoir disproportionné des 1 % les plus riches de la population. Le choix par Fairey d'un papier à tons mouchetés confère à l'œuvre un aspect organique, suggérant le caractère populaire des manifestations. Impact culturel et politique de l'œuvre de Fairey Shepard Fairey est depuis longtemps un artiste qui utilise son œuvre pour commenter les enjeux sociaux et politiques. « Occupy Protester » s'inscrit dans cette tradition, incarnant l'esprit de résistance et l'appel au changement qui ont marqué le début des années 2010. Publiée par Obey Giant à Los Angeles, cette estampe constitue un document historique de l'époque, reflétant les sentiments et les émotions largement partagés par les participants du mouvement Occupy Wall Street. La capacité de Fairey à transmettre des messages forts à travers son art a consolidé sa position de figure incontournable du mouvement pop art urbain. L'héritage d'« Occupy Protester » dépasse largement sa date de sortie initiale. En tant qu'œuvre de pop art urbain, elle a joué un rôle déterminant en démontrant le potentiel de l'art à influencer le débat public et à catalyser le changement social. La signature de l'artiste et la numérotation figurant en bas de l'estampe rappellent l'engagement personnel et la voix de l'artiste à l'origine de cette œuvre. Cela témoigne du dévouement de Fairey à son art et de son soutien indéfectible aux mouvements qui cherchent à remettre en question le statu quo. L'héritage des manifestants d'Occupy dans l'art urbain « Occupy Protester » de Shepard Fairey est bien plus qu'une simple œuvre d'art ; elle symbolise un moment charnière de l'histoire contemporaine. Elle représente la synergie entre l'art et l'activisme, et la manière dont le pop art urbain peut transcender les supports traditionnels pour s'ancrer dans la conscience collective. En tant que sérigraphie d'artiste, elle occupe une place particulière dans l'histoire du street art, marquant un tournant où l'art et l'artiste sont sortis de l'ombre pour investir l'arène de l'activisme politique. Cette estampe demeure une puissante expression visuelle, reflétant l'esprit d'un mouvement qui cherchait à redéfinir le pouvoir et les privilèges dans le monde moderne.

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Jonathan Papelbon/Big Face - Collage unique des Phillies, embelli à la main, technique mixte sur carte de baseball vintage par Pat Riot. Œuvre originale de 2014, technique mixte superposée sur une véritable carte vintage Topps de la MLB, avec un style pop art similaire à : Jonathan Papelbon/Big Face - Phillies

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Œuvre d'art « Sleepless », impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti de la culture pop Cezar Brandao.

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Impression giclée Fever Break Artist Proof AP de Sarah Joncas, œuvre d'art en édition limitée sur papier d'art, artiste graffiti pop de rue. Épreuve d'artiste (EA) 2018 Signée et marquée EA Édition limitée Format 16x20 Fever Break de Sarah Joncas : une fusion captivante d'art urbain et de portrait Le talent de Sarah Joncas dans Fever Break « Fever Break » de Sarah Joncas témoigne du pouvoir évocateur du portrait contemporain, imprégné de l'esprit du Street Pop Art et du graffiti. Cette épreuve d'artiste (EA), tirée en giclée et publiée en 2018, révèle le talent de Joncas pour fusionner réalisme et éléments surréalistes. Signée et estampillée EA, cette édition limitée mesure 40,6 x 50,8 cm et offre un récit aussi captivant qu'esthétiquement riche. L'œuvre s'inscrit dans la tradition des tirages d'art sur papier, préservant avec minutie l'équilibre subtil entre couleur et détail qui caractérise le travail de Joncas. Symbolisme et profondeur émotionnelle dans Fever Break « Fever Break » est imprégnée d'une intimité caractéristique de l'œuvre de Joncas, où le regard direct du sujet et l'entrelacement des éléments floraux instaurent un dialogue avec le spectateur. L'œuvre est riche en symbolisme ; les fleurs, fanées ou épanouies, peuvent être interprétées comme des métaphores du paysage émotionnel intérieur du sujet. Ce jeu entre la figure et la flore confère une profondeur qui transcende la force visuelle déjà saisissante de l'image. Résonance culturelle dans l'œuvre de Joncas L'œuvre de Joncas, notamment « Fever Break », trouve un écho culturel en puisant dans des thèmes communs au Street Pop Art et au graffiti – tels que l'identité, l'émotion et l'expérience humaine – tout en les présentant dans le cadre du portrait classique. Cette œuvre établit un pont subtil entre différentes traditions artistiques, séduisant un large public d'amateurs d'art et de collectionneurs. Le tirage en édition limitée renforce son attrait, garantissant une exclusivité au-delà de sa valeur artistique intrinsèque. Technique et médium dans Fever Break La technique d'impression giclée employée par Joncas dans « Fever Break » témoigne de son attachement aux médiums artistiques traditionnels et de son ouverture aux techniques modernes. Reconnue pour produire des tirages de haute qualité et durables, l'impression giclée met en valeur la palette nuancée et le trait précis de Joncas. Le papier beaux-arts choisi pour ce tirage constitue le support idéal pour une reproduction fidèle de son œuvre originale, garantissant ainsi que chaque tirage transmette le même impact émotionnel et visuel que l'original. L'héritage de Fever Break dans le pop art et le street art L'héritage de « Fever Break » au sein du pop art et du street art réside dans sa position unique, à la croisée de l'art urbain et du portrait intimiste. Par sa force dynamique et son souci du détail, l'œuvre de Sarah Joncas repousse les limites de l'interprétation et de l'appréciation du street art. Ses tirages en édition limitée, notamment les épreuves d'artiste comme « Fever Break », sont non seulement des œuvres d'art, mais aussi des témoins culturels qui marquent une étape dans l'évolution constante du pop art et du graffiti.

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Visage d'enfant 84 Œuvre originale unique en son genre, peinture à l'huile et technique mixte sur carton, par le célèbre artiste impressionniste moderne Peter Keil. Peinture originale signée de Peter Keil, datant de 1984, format 30 x 40 cm, représentant le visage d'un grand garçon. Quelques éclats de peinture sont visibles sur la joue, un défaut fréquent chez les œuvres originales de Peter Keil. Le visage d'enfant de Peter Keil en 1984 : une fusion entre l'expressionnisme et le pop art urbain « Visage d'enfant '84 » de Peter Keil illustre avec éclat la rencontre entre les techniques impressionnistes modernes et l'esprit du street art et du graffiti. Cette œuvre originale, une peinture à l'huile sur carton, mesure 30 x 40 cm et révèle le style singulier de Keil, souvent reconnu pour son approche spontanée et audacieuse de l'art moderne. Représentant un visage d'enfant géant, le tableau capture l'innocence et l'expressivité propres à l'enfance, à travers le prisme du style impressionniste et vibrant de Keil. Caractéristique des œuvres originales de Peter Keil, cette pièce présente quelques écaillures de peinture sur la joue, conséquence naturelle de la technique de l'empâtement et de la fragilité du carton. Ces écaillures n'altèrent en rien l'impact de l'œuvre ; au contraire, elles enrichissent son récit, reflétant le passage du temps et l'histoire tactile du processus créatif de Keil. Cet élément de texture, fréquent dans les œuvres originales de Keil, souligne l'émotion brute et sans filtre qu'il cherche à capturer chez ses sujets. Interprétation du langage artistique de Keil dans Child's Face '84 Interpréter « Visage d'enfant '84 » de Keil exige de comprendre son langage artistique, qui fusionne les formes abstraites de l'impressionnisme avec les couleurs vibrantes et l'immédiateté émotionnelle du street art. Le portrait qu'il dresse dépasse la simple représentation des traits d'un enfant ; il explore le caractère et les émotions transmis par des formes exagérées et une riche palette de couleurs. Les grands yeux lumineux dominent la composition, véritables fenêtres sur l'âme de l'enfant, et font écho à la profondeur de l'expérience humaine que Keil cherche à explorer à travers son art. Le choix du carton comme support témoigne de la volonté de Keil de combler le fossé entre les beaux-arts conventionnels et les matériaux plus accessibles et quotidiens souvent utilisés dans le street art, le pop art et le graffiti. Ce choix non conventionnel reflète une démocratisation de l'art, thème central du street art, qui vise à rendre l'art accessible et compréhensible par un large public. En utilisant le carton, Keil remet en question les normes artistiques traditionnelles et s'inscrit dans une forme d'expression artistique ancrée dans les réalités de la vie urbaine. L'influence durable de l'approche de Keil en matière de portrait L'influence durable de l'approche de Peter Keil en matière de portrait est manifeste dans « Visage d'enfant '84 ». Son œuvre, souvent rattachée à l'impressionnisme moderne, trouve un écho dans un large éventail de formes artistiques, notamment le pop art urbain et le graffiti. La contribution de Keil à ces genres réside dans sa capacité à insuffler à la peinture de portrait traditionnelle une immédiateté et une authenticité brute, caractéristiques de l'art urbain. Ce tableau, avec ses contours audacieux et ses couleurs éclatantes, témoigne de l'esprit novateur de Keil et de son impact sur l'art contemporain. De plus, la vivacité de l'œuvre, une signature de Keil, souligne le potentiel expressif du pop art urbain et du graffiti. « Visage d'enfant '84 » illustre comment ces genres peuvent transmettre des récits émotionnels complexes, remettant en question l'idée reçue selon laquelle le street art se limite au commentaire public ou à la critique sociale. Le portrait de Keil est une célébration de l'individualité et de l'esprit humain, capturées dans le regard d'un enfant et exprimées par la peinture. « Visage d'enfant '84 » de Peter Keil est une œuvre majeure qui illustre la rencontre entre l'impressionnisme moderne et l'univers dynamique du street art et du graffiti. La spontanéité de son exécution, l'éclat de ses couleurs et la richesse de ses textures contribuent à son attrait intemporel et à son statut de témoignage éloquent de la vision artistique de Keil. Portant les marques de sa création, cette œuvre continue de fasciner et d'inspirer, offrant un aperçu de la profondeur et de la diversité de son travail.

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Estampe d'archives Elysian Voyage de Beau Stanton, édition limitée sur papier d'art en coton, style pop graffiti, œuvre d'art moderne d'artiste de rue. Estampe signée et numérotée de 2018, édition limitée à 100 exemplaires, format 30 x 20 cm, impression pigmentaire d'archives. Explorer les profondeurs du « Voyage élyséen » de Beau Stanton L'estampe d'archives « Elysian Voyage » de Beau Stanton reflète profondément l'engagement de l'artiste envers le Street Pop Art et le graffiti, capturant le voyage énigmatique vers un paradis d'un autre monde. Sortie en 2018, cette œuvre en édition limitée à 100 exemplaires signés et numérotés témoigne de l'attachement de Stanton à l'exclusivité et à la qualité. L'œuvre, de format 76 x 51 cm, utilise des pigments d'archives sur un papier d'art en coton. Ce choix souligne la nature pérenne de l'œuvre, ainsi que le dévouement de l'artiste à préserver l'intégrité de sa vision. « Elysian Voyage » est une tapisserie visuelle qui entremêle des éléments historiques et spectraux. En son cœur, l'estampe représente un vaisseau fantomatique, un bateau à vapeur qui semble naviguer sur les eaux mystiques entre la réalité et l'au-delà. Cette image centrale est entourée de rayons de soleil rayonnants et nichée au cœur de vagues ondulantes, suggérant le mouvement et la transcendance. L'utilisation de couleurs éclatantes et de motifs complexes, caractéristiques du style de Stanton, confère à la scène une qualité onirique à la fois envoûtante et magnifique. La contribution de Beau Stanton à l'évolution de l'art moderne La contribution de Stanton à l'évolution de l'art moderne, notamment dans les domaines du street art et du graffiti, est mise en lumière par des œuvres telles que « Elysian Voyage ». Son talent pour harmoniser les thèmes classiques et les formes d'art urbain contemporaines crée un dialogue entre différentes époques et styles, conférant à son travail une résonance et une pertinence indéniables. La profondeur de ses estampes dépasse leur simple attrait esthétique, offrant un récit qui invite à l'introspection et à l'interprétation. Dans « Elysian Voyage », le voyage se déroule à travers l'espace et le temps, retraçant une histoire d'exploration maritime qui captive l'humanité depuis des siècles. L'intégration de motifs évoquant des mandalas à la base de l'estampe ajoute une dimension spirituelle, suggérant la nature cyclique de la vie et l'interconnexion de toute chose. Cette superposition de significations témoigne du talent de Stanton en tant qu'artiste et conteur, capable de susciter des réactions profondes chez son public. La rareté des estampes de Stanton, notamment « Elysian Voyage », les rend particulièrement prisées des collectionneurs et des amateurs d'art. Chaque œuvre est un fragment de l'imagination débordante de l'artiste, rendu avec précision et passion. Alors que le street art, le pop art et le graffiti continuent de s'imposer dans le monde de l'art, les estampes de Stanton se dressent comme des phares d'innovation et de créativité. Elles ne se contentent pas d'être contemplées, elles se vivent pleinement, offrant chacune un voyage au cœur de l'univers artistique de Stanton. À travers ses estampes, Stanton continue de redéfinir les possibilités du street art, assurant ainsi sa place intemporelle dans l'histoire de l'art.

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Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Impression pigmentaire d'archives en édition limitée, ornée à la main et rehaussée de dorures, sur papier beaux-arts 300 g/m² par Craww, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée HPM signée et numérotée de 2016 (30 exemplaires), format 15x20 pouces. La maîtrise complexe de Craww dans Verdant : une estampe ornée à la main « Verdant » de Craww illustre parfaitement comment le street art et le graffiti transcendent leurs racines urbaines pour accéder au domaine des beaux-arts grâce à une technique sophistiquée et une imagerie évocatrice. Sortie en 2016 sous forme d'impression pigmentaire d'archive rehaussée à la main, cette édition limitée, signée et numérotée à 30 exemplaires, témoigne de la maîtrise de Craww dans l'art de fusionner différentes disciplines pour créer une œuvre unique. Le format 15 x 20 pouces offre un espace généreux permettant à la vision de Craww de s'épanouir pleinement, chaque élément s'exprimant et interagissant sur le papier beaux-arts de 300 g/m². L'impression est rehaussée d'embellissements métallisés qui captent la lumière et attirent le regard, créant un jeu dynamique entre la matière et les éléments visuels. Ces embellissements ne sont pas de simples ornements : ils sont intégrés à l'œuvre pour sublimer la composition et souligner les aspects clés du design. Ce procédé d'embellissement à la main garantit que, bien que chaque estampe fasse partie d'une série, elle présente également des nuances, rendant chaque pièce de l'édition unique. L'esthétique et le symbolisme dans Verdant de Craww « Verdant » est une œuvre riche en symbolisme, où une profusion de fleurs s'entrelace avec la figure centrale qui domine la composition. Le titre évoque la luxuriance et la vitalité que Craww insuffle à l'œuvre, le monde naturel émergeant de la figure et l'enveloppant. Cette harmonie entre l'humain et la nature est un thème récurrent dans le travail de Craww, servant souvent de métaphore pour la croissance, le déclin et le cycle de la vie. La palette monochrome, ponctuée de feuilles d'or, confère à « Verdant » une impression d'intemporalité, comme si l'œuvre pouvait appartenir à n'importe quelle époque tout en étant indéniablement moderne. La fusion opérée par Craww entre symbolisme traditionnel et sensibilité contemporaine crée un dialogue entre passé et présent, une caractéristique du street art et du graffiti qui cherchent à être pertinents et à trouver un écho dans différents contextes. Valeur de collection et résonance culturelle de l'œuvre de Craww L'œuvre « Verdant » de Craww occupe une place à part dans le monde de l'art de collection. Cette édition limitée d'estampes rehaussées à la main garantit à chaque collectionneur une exclusivité, un fragment de l'univers de Craww qui lui est propre. La signature et la numérotation de ces estampes constituent un rituel qui renforce le lien entre l'artiste et le collectionneur, conférant à la transaction une dimension personnelle souvent absente des productions de masse. La portée culturelle de « Verdant » réside dans sa capacité à communiquer des émotions et des idées complexes à travers le langage visuel du street art et du graffiti. Elle témoigne du talent de Craww pour créer des images saisissantes et raconter des histoires qui invitent à l'introspection et à une compréhension plus profonde de la relation complexe entre l'humain et le monde qui l'entoure. « Verdant » de Craww est bien plus qu'une simple estampe ; c'est une œuvre d'art qui incarne l'essence même du street art et du graffiti, alliant technique et symbolisme et instaurant un dialogue avec le spectateur qui transcende le simple visuel. Son statut d'estampe en édition limitée, rehaussée à la main, la place au-dessus des autres sur le marché de l'art, offrant aux collectionneurs la possibilité de posséder une pièce de l'exploration poétique de la condition humaine par Craww.

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Pochoir Cold Tenderness, papier cartonné découpé au laser à la feuille d'or, par Snik. Œuvre d'art encadrée unique, réalisée par un artiste pop art de rue. Œuvre originale signée à la feuille d'or sur papier cartonné découpé au laser, 2019. Dimensions : 13,75 x 20 pouces (encadrée : 16 x 23 pouces). Cold Tenderness de Snik – Fragile et précision avec feuille d'or dans l'art urbain pop et graffiti « Cold Tenderness » est une œuvre originale de 2019 du duo britannique Snik, spécialisée dans le pochoir. Minutieusement réalisée à la feuille d'or sur un carton noir découpé au laser, cette pièce unique mesure 35 x 51 cm (encadrée à 41 x 58 cm). Elle illustre à merveille l'équilibre caractéristique des artistes entre maîtrise et émotion, savoir-faire et atmosphère. Le portrait d'une femme, rendu par d'innombrables incisions diagonales fines, scintille d'une subtilité et d'une élégance discrètes. Au gré de la lumière qui caresse la surface métallique, son regard apparaît et disparaît, révélant la tension entre permanence et éphémère. S'inscrivant dans le champ plus vaste du street art et du graffiti, « Cold Tenderness » se présente comme une exploration poétique de la fragilité des surfaces. Elle utilise des matériaux luxueux et des procédés industriels pour interroger la vulnérabilité, la mémoire et l'identité. Découpe laser artisanale et feuille d'or : une émotion Ce qui distingue cette œuvre, c'est la précision de sa construction. Snik a utilisé la découpe laser pour créer un réseau complexe de lignes au pochoir, chaque trait étant soigneusement étudié pour offrir des variations de tons et de profondeur d'ombre. Sur cette grille, des feuilles d'or ont été appliquées, créant une surface qui se transforme selon la lumière et le point de vue du spectateur. Cette technique métamorphose le carton en un écran réfléchissant où le portrait oscille entre image et abstraction. Alors que le street art est généralement rapide, brut et éphémère, cette œuvre est méthodique, réfléchie et d'une grande durabilité. La feuille d'or lui confère à la fois opulence et une impression de vétusté – fragile au toucher, toujours au bord de la dégradation. Ce paradoxe renforce la dimension émotionnelle de « Cold Tenderness », en faisant une contribution majeure au Street Pop Art et au graffiti. Le Visage et le Vide Au cœur de la composition se trouve la figure féminine, son visage se fondant doucement dans l'ombre. Le fond est absent. Le champ d'un noir profond, à la fois silence et espace, crée un vide qui encadre le regard introspectif du personnage. Chaque ligne de coupe, chaque trait doré, est significatif ; le visage n'est ni peint ni esquissé, mais gravé par l'absence. Le sujet apparaît non comme une actrice, mais comme une témoin – observant sans explication, présente sans certitude. Cette approche épurée du portrait met l'accent non sur le récit, mais sur la présence. Dans le langage du street art et du graffiti, cette réduction amplifie le sens, permettant aux petits gestes et aux subtiles variations de devenir le cœur émotionnel. Snik et l'alchimie du silence « Cold Tenderness » est emblématique de l'évolution de Snik, artistes qui ont redéfini le pochoir comme un outil de révolte silencieuse et d'affirmation poétique. En fusionnant artisanat et précision numérique, méthodes industrielles et sujets organiques, ils explorent sans cesse l'espace liminal entre design et émotion. Le choix de la feuille d'or dans cette œuvre n'est pas décoratif, il est symbolique. Il évoque la valeur, l'érosion, le temps et la façon dont la lumière peut à la fois révéler et dissimuler. Cette œuvre n'est pas ostentatoire, mais elle est profonde. Elle exige un regard attentif, une réflexion lente et une immersion patiente. Dans le Street Pop Art et le Graffiti, rares sont les œuvres qui communiquent la fragilité et la discipline avec autant de délicatesse. « Cold Tenderness » n'offre pas de réponses faciles, seulement la lueur d'une présence et la vérité poignante que la beauté, comme la mémoire, peut être à la fois solide et éphémère.

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Obey Black Widows AP Dance Floor Riot Silkscreen Print by Shepard Fairey- OBEY Artist Proof Hand-Pull 1-Color Screen Print on Fine Art Paper Limited Edition Graffiti Pop Street Artwork. Épreuve d'artiste AP 2011, signée et marquée AP, édition limitée, format 13x13 Bien avant de connaître les galeries d'art ou même le street art, j'étais fasciné par les pochettes d'albums, ne serait-ce que parce qu'elles représentaient visuellement la musique des disques que j'adorais. Les pochettes d'albums évoquaient une association euphorique avec l'écoute. La plupart de mes premiers t-shirts faits maison étaient des pochoirs inspirés des pochettes d'albums punk… J'ai beau adorer l'art et essayer de me convaincre de son importance dans la société, force est de constater que la musique est bien plus captivante et touche bien plus profondément les cœurs et les esprits… Mais je suis un populiste et je vois les choses ainsi : même si je ne joue pas d'instrument, je vais m'éclater ! Avec mon art, j'essaie de capturer cette même énergie et cet esprit qui rendent la musique si puissante et démocratique. REVOLUTIONS est un hommage à toute la musique et aux œuvres d'art qui m'ont inspiré au fil des ans. – Shepard Fairey Le pop art, le street art et le graffiti ont toujours été des médiums offrant un reflet brut et authentique de la société, de la culture et des sentiments personnels de l'artiste. Parmi les figures emblématiques de ce domaine, Shepard Fairey se distingue, ses créations uniques trouvant un écho aussi bien auprès des amateurs d'art que du grand public. La sérigraphie « Obey Black Widows AP Dance Floor Riot » témoigne de sa profonde admiration pour la musique et son lien indissociable avec les arts visuels. Réalisée avec minutie en 2011, cette épreuve d'artiste, tirée à la main en une couleur sur papier beaux-arts, est bien plus qu'une simple œuvre d'art : c'est un fragment de l'âme de Fairey, vibrant de sa passion pour la musique. Shepard Fairey a fait ses premiers pas dans le monde de l'art non pas par les galeries traditionnelles, mais par le biais de pochettes d'albums qui constituaient une véritable symphonie visuelle pour la musique qu'il vénérait. Tout comme les pochettes d'albums inspiraient des émotions, des souvenirs et un lien viscéral avec la musique, le street art de Fairey s'efforçait de créer un lien similaire avec son public. La sérigraphie en question, de 13 x 13 pouces, incarne la volonté de Fairey de canaliser l'immense puissance et la portée universelle de la musique. Son texte exprime ce sentiment avec éloquence, soulignant que, malgré la valeur intrinsèque de l'art, la musique possède une capacité supérieure à toucher les âmes. Son utilisation du terme « RÉVOLUTIONS » est double : elle fait allusion à la fois aux révolutions du disque vinyle et aux révolutions socioculturelles que la musique suscite souvent. Une analyse approfondie de « Obey Black Widows AP Dance Floor Riot » offre aux spectateurs l'opportunité de découvrir les inspirations de Fairey. La fusion de l'esprit rebelle du punk, de l'énergie vivifiante de la musique et de la force démocratisante du street art se cristallise dans cette œuvre. Pour celles et ceux qui perçoivent l'art non seulement comme une expression esthétique, mais aussi comme une représentation vibrante de la société et des émotions individuelles, cette sérigraphie est à la fois un hommage et une source d'inspiration. À travers de telles créations, Shepard Fairey défend l'idée qu'il n'est pas nécessaire de jouer d'un instrument pour marquer le monde : parfois, une toile et une vision suffisent.

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« I Am A Man », tirages d'art en édition limitée sur papier Hahnemühle William Turner 310 g/m², réalisés par Robert Mars, artiste de graffiti, de street art et de pop culture. « Je suis un homme » (Martin Luther King Jr.) - Tirage pigmentaire d'archive sur papier Hahnemühle William Turner Matte Fine Art, 310 g/m² - Vernis à la main - 45,7 x 61 cm - Signé et numéroté à la main par l'artiste Robert Mars - 2019 Légère décoloration jaune sur la marge blanche supérieure, sans incidence sur l'image. Voir photos.

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Papier buvard Get Off My Cloud, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Niagara, œuvre d'art LSD de la culture pop. « Get Off My Cloud » a été réalisée pour une grande exposition à Art Basel. La toile mesurait 3 mètres carrés. Un camion a été affrété pour la livrer à la toute nouvelle galerie de Miami. Le vernissage fut un triomphe. Après minuit, une tempête éclata. L'immense ballon publicitaire s'envola et heurta les projecteurs et les lignes électriques. Explosion instantanée… l'incendie réduisit la galerie en cendres. Personne ne fut tué, mais « Get Off My Cloud » fut une victime collatérale.

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Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

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Achetez TITLE Édition limitée Fine Art Archival Pigment Print Art sur papier buvard perforé. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XX Tirage pigmentaire d'archivage sur papier buvard perforé Taille : 7,5 x 7,5 pouces Sortie : 19 avril 2022 Les éditions limitées de buvard sont perforées à la main par Zane Kesey.

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Achetez PEINTURE Oeuvre de peinture originale unique en son genre MEDIA sur MEDIUM par l'artiste populaire Street Art Pop Culture ARTIST. 2022 Signé Original Peinture Taille XXXX INFO

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Sérigraphie Vertigo San Francisco de Justin Van Genderen, tirée à la main sur papier d'art, édition limitée. 2014 Signée et numérotée au dos Édition limitée à 100 exemplaires Dimensions de l'œuvre 18x24 Série Location, Location, Location Sérigraphie d'une femme dans la spirale de la ville de San Francisco tirée du film Vertigo. Sérigraphie Vertigo San Francisco par Justin Van Genderen L'estampe sérigraphique « Vertigo San Francisco » de Justin Van Genderen, réalisée à la main en 2014, fusionne la tension atmosphérique du film « Vertigo » d'Alfred Hitchcock avec l'esthétique stylisée du street art et du graffiti. Mesurant 45,7 x 61 cm et produite en édition limitée à 100 exemplaires, signés et numérotés, cette œuvre capture l'essence du suspense cinématographique et le charme envoûtant de la ville. Le motif en spirale saisissant, la silhouette d'une femme solitaire et l'incontournable skyline de San Francisco créent une expérience visuelle hypnotique qui fait écho aux thèmes psychologiques du film culte. Un chef-d'œuvre cinématographique et graphique Cette sérigraphie est un modèle de composition, utilisant la simplicité et le contraste pour créer une scène à la fois troublante et fascinante. Le fond est composé d'un motif en spirale audacieux qui s'étend depuis le centre, évoquant le célèbre effet Vertigo du film d'Hitchcock. La spirale domine la composition, attirant le regard du spectateur dans ses profondeurs tout en suscitant une sensation de mouvement et de désorientation. La figure centrale, une femme en silhouette marchant le long d'une rambarde, est écrasée par l'imposante spirale, renforçant les thèmes du film : l'obsession, le destin et le malaise psychologique. Les tons chauds de rouge et de beige confèrent à l'œuvre une allure à la fois vintage et moderne, faisant écho à l'affiche originale du film tout en la modernisant par une approche minimaliste. Dans la partie inférieure, des éléments reconnaissables de la silhouette de San Francisco, dont le Golden Gate Bridge, offrent une subtile mais efficace ancrage dans le lieu. Cet équilibre entre abstraction et réalisme rend l'œuvre visuellement captivante, établissant des liens entre la ville, son histoire cinématographique et sa réputation de lieu de mystère et de fascination. Influence du street art, du pop art et du graffiti Le style de Justin Van Genderen puise son inspiration dans l'esthétique du street art et du graffiti, et cette estampe illustre parfaitement son talent pour transformer des images familières en créations graphiques audacieuses. L'utilisation de silhouettes contrastées, d'abstractions géométriques et d'une palette de couleurs restreinte s'inscrit dans les techniques des fresques murales, du pochoir et de l'affiche urbaine. La spirale, référence directe à Vertigo, évoque également les motifs du street art : symboles du temps, de l'hypnose et de la perception. La texture en demi-teintes, présente sur l'ensemble de l'œuvre, imite les surfaces vieillies caractéristiques de l'art urbain, renforçant la dimension tactile de la sérigraphie. La typographie, utilisée avec sobriété dans la partie inférieure, avec ses lignes épurées et sa mise en page structurée, contribue à l'équilibre entre l'esthétique des affiches de cinéma et les influences de l'art urbain contemporain. Le jeu des espaces positifs et négatifs crée un rythme visuel saisissant, faisant de cette œuvre un hommage au cinéma classique et une interprétation novatrice du design moderne. Le rôle de San Francisco dans l'art et le cinéma urbains San Francisco inspire depuis longtemps cinéastes et artistes de rue. Ses paysages spectaculaires, ses rues escarpées et son brouillard épais créent une atmosphère unique, immortalisée dans d'innombrables films, dont Vertigo. La scène artistique urbaine, vibrante et dynamique, s'épanouit également grâce à ces contrastes visuels, avec des fresques, des affiches collées et des installations monumentales qui témoignent de la richesse culturelle et artistique de la ville. Cette sérigraphie capture la double nature de San Francisco, à la fois lieu réel et paysage onirique cinématographique, où réalité et illusion se confondent sans cesse. Tirage limité réalisé à la main, cette œuvre est très recherchée par les collectionneurs d'art urbain, de pop art et de graffiti, ainsi que par les cinéphiles. L'alliance d'un design audacieux, d'une profondeur psychologique et d'un hommage à l'un des films les plus marquants visuellement du cinéma fait de cette sérigraphie une pièce maîtresse. Qu'elle soit exposée en galerie ou intégrée à une collection privée, cette œuvre saisit l'essence même de Vertigo et de San Francisco : une ville d'une beauté mystérieuse et d'une source d'inspiration artistique inépuisable.

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Lance Dickson/Enfant garçon - Cubs Collage unique orné à la main, technique mixte sur carte de baseball vintage par Pat Riot. Œuvre originale de 2014, technique mixte superposée sur une véritable carte vintage Topps de la MLB, avec un style pop art inspiré de : Lance Dickson/Garçon - Cubs

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Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

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Sérigraphie Save Your Cromie par Faile, imprimée à la main en 6 couleurs sur papier d'art en coton, édition limitée. Édition limitée signée et numérotée de 2023 (20 exemplaires). Œuvre d'art de 27,56 x 39,37 pouces. Sérigraphie représentant une femme punk avec un couteau à cran d'arrêt. Dans le monde en constante évolution de l'art contemporain, « Save Your Cromie » témoigne avec éclat de la fusion entre pop art et street art. Cette sérigraphie de la talentueuse Faile émerge du contexte tumultueux de 2023 et capture l'esprit de l'époque grâce à son imagerie saisissante et rebelle. L'œuvre aborde avec force les normes sociales, la résistance et l'émancipation féminine, illustrées par la représentation iconique d'une punk brandissant un couteau à cran d'arrêt. Tirée à la main avec six couleurs distinctes sur un papier d'art en coton de haute qualité, cette pièce est d'une qualité indéniable. Chaque teinte contribue à raconter une histoire, fusionnant l'esthétique du pop art avec l'énergie brute du graffiti. Les motifs complexes qui ornent l'arrière-plan enrichissent l'image centrale, faisant de la composition non seulement un spectacle visuel, mais un véritable voyage narratif. Tirée en édition limitée à seulement 20 exemplaires, cette estampe est méticuleusement signée et numérotée par les artistes eux-mêmes. Mesurant 70 x 100 cm, elle offre un espace généreux permettant aux détails de s'exprimer pleinement, invitant le spectateur à s'y plonger avec délice, encore et encore. Pour les collectionneurs et les amateurs d'art, « Save Your Cromie » est bien plus qu'une simple œuvre d'art. C'est un morceau d'histoire, le reflet des sentiments de la société et, surtout, une illustration de la façon dont le pop art et le street art, deux genres en apparence si différents, peuvent converger pour créer une œuvre véritablement fascinante. Avec cette pièce, Faile invite les spectateurs non seulement à regarder, mais aussi à ressentir, à réfléchir et à s'interroger, faisant d'elle une pièce incontournable pour toute collection.

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Impression giclée Black Sky par Young Lee Artwork, édition limitée sur papier d'art vélin, artiste graffiti pop de rue. Édition limitée 2021, signée et numérotée à 25 exemplaires. Format de l'œuvre : 20 x 30 cm. Black Sky de Young Lee – Saturation des couleurs et fantaisie chaotique dans l'art urbain pop et le graffiti « Black Sky » est une estampe giclée signée et numérotée de 2021, réalisée par l'artiste sud-coréenne Young Lee. Tirée à seulement 25 exemplaires, elle mesure 50,8 x 76,2 cm et est imprimée sur papier d'art vergé. Reconnue pour sa fusion entre distorsion cartoon et narration en couches successives, Young Lee crée une œuvre visuelle dense et exaltante, peuplée d'animaux anthropomorphes, d'enfants aux traits exagérés et d'éléments surréalistes en arrière-plan, transformant les codes familiers de la pop culture en paysages oniriques personnels. L'estampe capture une cascade chaotique de personnages, serrés les uns contre les autres sous un ciel noir où tension, humour et affection se côtoient. Avec ses teintes éclatantes, ses contours nets et ses contrastes riches, la composition se déploie avec un volume visuel saisissant, vibrant de formes, de couleurs et d'expressions expressives. Cette œuvre s'impose comme une référence du Street Pop Art et du graffiti, brouillant la frontière entre absurdité comique et narration subtile et émouvante. Expression dans le désordre et la frénésie contrôlée L'imagerie de Black Sky offre un chaos narratif complexe : un cochon aux yeux cernés, un tigre souriant malgré la fatigue, et une multitude de têtes d'animaux aux proportions exagérées qui envahissent la partie supérieure de l'estampe, surplombant deux personnages chaleureux et aux joues roses, figés dans une étreinte fraternelle. Ces personnages portent la marque du style inimitable de Lee : des formes douces et arrondies, des dégradés de carnation, de minuscules larmes et des mains stylisées, soit enlacées, soit pressées anxieusement contre leurs visages. Malgré le brouhaha de la foule en haut, les figures en bas semblent isolées, baignées de chaleur et de calme, créant un contraste émotionnel au sein de la composition. Les nuages ​​de pluie et les formes de larmes éparses accentuent une étrange atmosphère de malaise, contredisant visuellement la palette colorée par des nuances de tristesse ou de désespoir. Cette tension entre l'ambiance et la surface est au cœur du langage du Street Pop Art et du Graffiti, où la contradiction aiguise le sens. Précision et énergie de surface de la giclée Le format giclée restitue avec une précision remarquable l'équilibre subtil entre texture et netteté propre à Young Lee. Chaque nuance, des dégradés de violet foncé aux rouges fluorescents et aux jaunes moutarde, est fidèlement restituée, soulignant le rythme émotionnel de l'œuvre. Le papier d'art vergé met en valeur la superposition dense et les dégradés subtils sans altérer la netteté et la précision graphique du trait dessiné à la main par Lee. La surface évoque un tissu sérigraphié ou une œuvre d'art numérique revisitée grâce à une maîtrise méticuleuse du pinceau, offrant une énergie tactile qui reflète l'intensité de l'instant. Avec « Black Sky », Lee crée une scène vibrante d'un silence vibrant, foisonnante de couleurs et de sens, tout en restant ancrée dans l'immobilité. Cette maîtrise technique confirme sa place de maître dans le paysage du street art et du graffiti, en tant que créateur d'atmosphères empreintes de forme. Le jeune Lee et la géométrie des sentiments « Black Sky » illustre le talent de Young Lee pour créer une intensité émotionnelle par la symétrie visuelle, la superposition et l'abstraction. Son œuvre suggère souvent le conflit sans agressivité, la célébration sans certitude. Elle présente les personnages comme des fragments de culture et de mémoire, aplatis en vecteurs de tension, de joie ou de détachement surréaliste. Dans cette estampe, Lee communique la pression de la proximité, l'anxiété dissimulée sous des apparences joyeuses et l'intimité protectrice entre deux figures centrales au milieu du chaos. La narration visuelle ne résout ni n'explique. Elle enveloppe. Elle confronte. Elle invite à être ressentie plus qu'à être décodée. Figure contemporaine du Street Pop Art et du graffiti, Young Lee prouve que l'équilibre peut émerger du désordre et que l'émotion peut s'exprimer dans le design. « Black Sky » devient plus qu'une simple estampe : c'est un portrait de la collision entre proximité, couleur et silence.

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Edition limitée sur papier Moab Entrada 290gsm par Urban Pop Artist ARTIST Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Mind Tricks S1 Blind Box Portfolio Sérigraphie par Joshua Budich Tirage à la main sur papier beaux-arts + Feuilles rares Édition limitée Sérigraphie Œuvre d'art. Collection Portfolio d'Art Fine Art 2021 : 4 œuvres d'art signées en édition limitée, format 15 x 15 cm, sérigraphies. Tirage d'art Star Wars (science-fiction), sélection aléatoire, sous blister scellé. Coffret neuf, non ouvert, avec possibilité de nombreuses éditions rares. Saison 1 sous enveloppe personnalisée scellée. Le coffret inaugural, Série Un, présente une douzaine de portraits sérigraphiés explorant toute la palette morale de cette célèbre saga spatiale, des héros aux méchants. Chaque portrait est une sérigraphie de 15 x 15 cm, signée à la main par Joshua Budich, et livrée dans une enveloppe en lin noir spécialement conçue pour la Série Un. Vous trouverez quatre sérigraphies de 15 x 15 cm sélectionnées aléatoirement dans chaque enveloppe. Voici les probabilités de trouver chaque type d'impression : Or : 1 sur 1 ; Argent : 1 sur 1 ; Blanc : 1 sur 1 ; Magma : 1 sur 4 ; Iceberg : 1 sur 4 ; Aloès : 1 sur 4 ; Rose : 1 sur 4 ; Métallisé : 1 sur 5. Concernant les très recherchées impressions métallisées « Chase » : la Série Un de Mind Tricks est sublimée par douze papiers métallisés uniques, chaque variante scintillante étant limitée à seulement 3 ou 4 exemplaires dans le monde. Les films métallisés utilisés sont les suivants : Arc-en-ciel, Cosmos, Cubique, Pois, Escher, Lune et Lave, Jardin de Roses, Carreaux Écossais, Tourbillon O Rama, Pansements, 420, Bulles 3D et Mousse. Compte tenu de leur extrême rareté, la probabilité d’obtenir un film métallisé particulier est d’environ 1 sur 600. L'attrait artistique des tours de passe-passe mentaux de Joshua Budich S1 Dans le domaine de l'art visuel contemporain, la série Mind Tricks 1 de Joshua Budich s'impose comme un ensemble captivant qui séduira les amateurs de pop art et de street art. Cet artiste américain s'est fait connaître grâce à des œuvres profondément ancrées dans l'esprit de la culture populaire, notamment la science-fiction. Son portfolio Mind Tricks S1 Blind Box témoigne de sa maîtrise de la sérigraphie, qui confère à ses œuvres une grande vivacité et une profondeur remarquable. Le choix de Budich pour ce médium, la sérigraphie artisanale sur papier beaux-arts, révèle son souci du détail. La sérigraphie, technique prisée des icônes du pop art, permet d'atteindre un niveau de détail et une saturation des couleurs rarement égalés par d'autres techniques d'impression. Chaque estampe de la collection Mind Tricks S1 mesure 15 x 15 cm, un format qui invite à une observation attentive et offre au spectateur une expérience immersive de l'œuvre. Réalisée en 2021, cette série se compose d'œuvres en édition limitée, chacune signée par Budich, garantissant leur authenticité et l'implication directe de l'artiste dans leur création. La signature n'est pas simplement un geste d'achèvement, mais une inscription de la présence de l'artiste et une garantie de l'originalité de l'œuvre. Objets de collection en édition limitée : une nouvelle forme d'art pop urbain Ce portfolio incarne un mélange unique de pop art urbain et de graffiti, genres qui s'expriment généralement dans l'espace public et qui sont désormais ingénieusement encapsulés dans ces objets de collection. L'art de Budich transcende les murs des galeries traditionnelles et invite les collectionneurs à s'immerger dans l'esthétique et les thématiques du street art depuis le confort de leur propre intérieur. L'emballage scellé et personnalisé de la série Mind Tricks S1 renforce le mystère et l'anticipation, à l'image de l'imprévisibilité et de la spontanéité du street art. La possibilité d'acquérir des cartes rares dans chaque boîte surprise ajoute une part de hasard, rappelant la nature éphémère du graffiti, où la découverte et le timing sont essentiels. Avec ses coffrets aléatoires, non ouverts et jamais consultés, cette collection offre une vision inédite de la collection d'art. Elle démocratise l'accès à l'art en édition limitée, permettant aux collectionneurs de posséder un fragment du vaste univers Star Wars à travers la vision artistique de Budich. C'est une célébration de la passion, de l'art et du plaisir de la recherche, le tout réuni en un seul objet. L'attrait de la série Mind Tricks S1 réside non seulement dans l'imagerie emblématique de la saga Star Wars, mais aussi dans la qualité tactile des estampes. Le choix du papier beaux-arts comme support contribue à l'impact visuel de chaque pièce, offrant une texture qui sublime la complexité du procédé de sérigraphie. Il en résulte une collection qui est à la fois un régal pour les yeux et un voyage sensoriel, invitant tous les sens à apprécier l'œuvre. Joshua Budich continue de vivre et de créer, enrichissant la riche palette de l'art contemporain. Ses œuvres, dont la série Mind Tricks S1, sont bien plus que de simples représentations de la culture populaire ; elles tissent des liens entre l'art traditionnel de la gravure et les récits modernes du pop art et du street art. Chaque pièce de cette collection témoigne de l'engagement indéfectible de l'artiste envers son art et les récits qui inspirent un public diversifié. Dans un monde où l'art et la culture s'entremêlent, Mind Tricks S1 de Joshua Budich s'impose comme une œuvre formidable de street art pop et de graffiti, invitant les spectateurs à plonger dans un monde où le fantastique et le réel convergent à travers le médium des estampes d'art.

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Rubus - Vert - Sérigraphie en édition limitée 6 couleurs tirée à la main sur papier d'art Canson Guarro Superalfa 250 g/m² par Violeta Hernández, artiste de street art rare et célèbre du pop art. Sérigraphie 6 couleurs signée et numérotée, 2022, sur papier d'art Canson Guarro Superalfa 250 g/m². Format : 45 x 45 cm. Sortie : 17 janvier 2022. Tirage : 50 exemplaires.

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Four Tablets Daily, impression d'archives par Ben Frost, édition limitée sur papier Canson Cotton Rag Photographique Fine Art 310 g/m², style pop graffiti, art urbain moderne. Tirage signé et numéroté de 2024, édition limitée à 15 exemplaires, format 11,7 x 11,7 pouces, pigments d'archivage, beaux-arts, femme sur un emballage pharmaceutique pour Ritalin 10. L'emballage pharmaceutique comme support dans l'art urbain pop et le graffiti « Four Tablets Daily », de l’artiste australien Ben Frost, est une œuvre saisissante et percutante, à la croisée du street art, du pop art et du graffiti. Tirage pigmentaire d’archive sur papier Canson Cotton Rag Photographique 310 g/m², cette édition limitée de 2024 fusionne avec audace l’esthétique des médicaments et l’imagerie pop classique. Le style distinctif de Frost mêle des visuels épurés, inspirés de la publicité, aux thèmes de la consommation, de l’identité et des effets anesthésiants de la médecine moderne. L’artiste utilise ici une véritable boîte de Ritalin 10 comme support, la transformant en un portrait ironique et troublant de la dépendance et des idéaux de beauté contemporains. La fusion de la culture de consommation et du commentaire artistique Ben Frost, connu pour son détournement d'emballages, de logos et de symboles culturels, utilise cette œuvre pour interroger le rapport de la société aux médicaments sur ordonnance et aux médias de masse. L'estampe présente le visage stylisé d'une femme, dont les yeux bleus et les lèvres rouges évoquent les héroïnes de bandes dessinées du milieu du XXe siècle, se détachant sur les contraintes géométriques d'un emballage pharmaceutique. La juxtaposition entre son regard sensuel et construit et le langage clinique de l'étiquetage du Ritalin suggère une tension entre plaisir artificiel et contrôle médical. En conservant la majeure partie du texte de l'emballage original, Frost permet à l'œuvre de préserver son contexte initial, rendant le spectateur mal à l'aise face à l'idée qu'il ne s'agit pas seulement d'art, mais aussi d'un artefact issu d'une utilisation réelle. Édition limitée : l'art rencontre le graffiti et la satire pop Tirée en édition très exclusive à seulement 15 exemplaires, chaque estampe est signée et numérotée par l'artiste. Ses dimensions de 29,7 x 29,7 cm en font une œuvre compacte et percutante, qui condense le commentaire visuel de Frost en un carré incisif et satirique. Réalisée sur papier coton de qualité muséale, avec des pigments d'archivage, cette estampe transforme la nature éphémère du consumérisme et le commentaire social en une œuvre d'art durable. À la croisée de l'art contemporain de collection et de la contestation, cette estampe puise son énergie aussi bien dans les galeries que dans la rue. Le rôle particulier de Ben Frost dans l'art pop et graffiti moderne Ben Frost est un artiste de street art basé à Sydney, reconnu internationalement pour sa critique acerbe de la culture populaire, de l'industrie pharmaceutique et du marketing de consommation. Ses œuvres ont été exposées dans des villes comme Londres, New York et Tokyo, et sont devenues emblématiques de la critique post-pop. Dans « Four Tablets Daily », Frost confirme sa place dans le graffiti pop contemporain en détournant des formats familiers et en les transformant en réflexions sociétales incisives. Cette œuvre, à l'instar de nombre de ses travaux, brouille la frontière entre présentation en galerie et confrontation dans la rue, incitant les spectateurs à s'interroger sur leurs habitudes, leurs dépendances et les images soigneusement conditionnées qu'ils consomment quotidiennement.

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Ian Curtis Heart and Soul Sérigraphie par Shepard Fairey - OBEY Tirage à la main 3 couleurs sur papier beaux-arts crème moucheté Œuvre d'art en édition limitée Obey Pop Culture Artiste. Édition limitée à 500 exemplaires, signée et numérotée, 2023. Format : 18 x 24 pouces. Sérigraphie. J'ai découvert Joy Division grâce à mon ami Jay Haley en 1985-86. Jay était un peu plus ouvert d'esprit que moi ; il écoutait du punk et du hardcore agressifs, mais aussi des groupes plus sombres comme The Smiths, The Cure, les premiers albums de Cult et Joy Division. Au début, j'aimais certaines mélodies de Joy Division, mais je trouvais généralement leur musique un peu froide, dépouillée et envoûtante, presque déprimante. Cependant, avec le temps, j'ai fini par apprécier leur musique et ce que je considérais comme des défauts est devenu un atout. En sortant de ma phase punk rock orthodoxe, j'ai réalisé qu'aucun groupe ne sonnait comme Joy Division. Mon amour pour Joy Division n'a fait que grandir au fil des ans, tout comme mon appréciation de leur imagerie. L'image d'une élégante austérité propre à Joy Division est souvent associée aux illustrations de Peter Saville, mais il faut aussi rendre hommage à Kevin Cummins pour ses portraits noirs du groupe. J'adore la photographie de Cummins depuis des années, j'étais donc ravi lorsqu'il a accepté de collaborer à un portrait d'Ian. Curtis, le chanteur de Joy Division, qui s'est suicidé en 1980 à l'âge de 23 ans. Chanteur unique et parolier de talent, Curtis a inspiré l'œuvre d'art qui intègre les paroles de la chanson « Heart and Soul », ainsi qu'une séparation angulaire dans sa silhouette, symbolisant la tension entre le cœur et l'âme. « Kevin connaissait personnellement Ian, et j'ai été très touché qu'il me permette d'interpréter sa photo emblématique ! » – Shepard Fairey – OBEY La sérigraphie « Ian Curtis Heart and Soul » de Shepard Fairey est un vibrant hommage à l'énigmatique leader de Joy Division et à son influence profonde sur la musique et la culture visuelle. Sortie en 2023, cette édition limitée témoigne du lien personnel fort qui unit Fairey à Curtis et à l'héritage intemporel du groupe. L'œuvre, de format 45,7 x 61 cm et limitée à 500 exemplaires, est réalisée à la main avec une minutie extrême. Imprimée en trois couleurs sur un papier d'art crème moucheté, elle souligne l'essence brute et texturée du sujet. L'intérêt de Fairey pour l'œuvre de Joy Division remonte au milieu des années 1980, période marquée par une prise de conscience musicale et un passage d'une vision punk stricte à une appréciation plus large des sonorités envoûtantes et mélancoliques qui caractérisent la discographie de Joy Division. Fairey évoque avec franchise comment sa perception initiale de la musique, « froide et envoûtante », s'est muée en une compréhension de sa profondeur et de son caractère unique, révélant un parcours de croissance personnelle et artistique. Au cœur de cette estampe se trouve la collaboration de Fairey avec Kevin Cummins, photographe renommé pour ses portraits saisissants de Joy Division, qui ont profondément marqué l'identité visuelle du groupe. L'intégration des paroles de « Heart and Soul » au sein du portrait illustre, au sens propre comme au figuré, l'entrelacement du génie lyrique de Curtis et de sa représentation visuelle. Ce choix artistique suggère également la complexité des tourments intérieurs de Curtis, illustrée par le contraste saisissant qui traverse sa silhouette dans l'œuvre – un rappel poignant du conflit intérieur entre passion et raison, émotion et intellect. L'estampe de Fairey n'est pas qu'une simple œuvre visuelle, mais un collage narratif qui rend hommage à l'influence artistique et à l'héritage d'Ian Curtis. En intégrant les paroles bouleversantes de « Heart and Soul » à son œuvre, Fairey invite le spectateur à une exploration multidimensionnelle : esthétique, émotionnelle et intellectuelle. L’estampe transcende la simple représentation, devenant le vecteur de l’admiration de l’artiste pour le talent de Curtis en tant que chanteur et parolier, ainsi que pour l’influence durable de Joy Division sur la musique et la culture populaire. Ainsi, l’âme et le cœur de l’art d’Ian Curtis continuent de résonner à travers le temps.

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Margot Silver Hand Cut HPM Spray Paint Giclée Print par Kevin Stanton, œuvre d'art en édition limitée, impression sur papier beaux-arts à paillettes superposées, embellie à la main, artiste graffiti pop de rue. 2013. Œuvre d'art signée et numérotée, réalisée à la main avec de la peinture en aérosol pailletée et des embellissements. Papier découpé et orné. Édition limitée n° 1 sur 4. Dimensions : 11,75 x 15,75 pouces. Impression giclée HPM. Collage sur papier argenté représentant Gwyneth Paltrow dans le rôle de Margot Tenenbaum, stylisée d'après le film « La Famille Tenenbaum ». « Margot Silver » de Kevin Stanton : une ode à l'iconographie cinématographique L'estampe giclée HPM (multiple peint à la main) « Margot Silver », découpée à la main, est une création magistrale de Kevin Stanton, figure emblématique du graffiti pop street art. Cette pièce exceptionnelle, en édition limitée, est la première d'une série de quatre, chacune méticuleusement signée et numérotée par l'artiste. L'œuvre, mesurant 29,8 x 40 cm, est un collage de papier argenté sur papier beaux-arts pailleté, rehaussé à la main pour un effet visuel saisissant. Cette création de Stanton rend hommage au personnage de Margot Tenenbaum, interprété par Gwyneth Paltrow, dans le film culte de Wes Anderson, « La Famille Tenenbaum ». Interaction entre l'esthétique du cinéma et celle du street art L'œuvre « Margot Silver » de Stanton illustre parfaitement la manière dont la culture pop et le street art peuvent s'entremêler pour donner naissance à une œuvre à la fois référentielle et originale. Stanton réinterprète un personnage rendu célèbre par le cinéma à travers le prisme du street art, en employant des techniques comme la peinture aérosol, traditionnellement associées au graffiti. Il en résulte un portrait graphique audacieux qui capture l'essence de Margot Tenenbaum grâce à des formes et des couleurs stylisées, en résonance avec la vitalité et l'immédiateté propres au Street Pop Art. Cette estampe est plus qu'une simple représentation d'un personnage de film ; c'est un dialogue avec le public, l'invitant à redécouvrir un personnage familier sous un jour nouveau. À l'instar du street art qui réinvestit souvent l'espace public pour créer une œuvre qui capte l'attention et suscite la conversation, l'œuvre de Stanton réinterprète l'image d'une figure emblématique, encourageant les spectateurs à s'immerger dans le personnage et l'œuvre avec une profondeur nouvelle. Le savoir-faire dans l'art contemporain Dans « Margot Silver », le savoir-faire transparaît dans la précision des découpes et l'application réfléchie des ornements, qui donnent vie à l'œuvre. L'utilisation de papier pailleté ajoute une dimension texturée qui contraste avec la planéité souvent associée à la peinture aérosol, démontrant ainsi le talent de Stanton pour marier des éléments disparates et créer une harmonie sur la toile. L'œuvre s'inscrit dans un mouvement plus large de l'art contemporain, où les artistes intègrent les techniques traditionnelles au dialogue avec les thèmes et les médiums modernes. La démarche de Stanton, notamment sa technique complexe de découpage du papier, fait écho à la méticulosité des artistes de rue qui consacrent des heures à perfectionner leurs fresques et leurs pochoirs. Son estampe en édition limitée, à l'instar d'une fresque soigneusement conçue, devient une œuvre marquante du paysage artistique contemporain, un symbole de créativité et d'ingéniosité. L'impact durable de « Margot Silver » L'œuvre « Margot Silver » de Kevin Stanton symbolise l'engagement de l'artiste à repousser les limites de l'art urbain. En choisissant d'immortaliser un personnage de cinéma à travers les méthodes et les médiums du street art, Stanton rend hommage non seulement au personnage et à la puissance du récit visuel, mais rappelle également que l'essence du street art et du graffiti réside dans sa capacité à transformer le familier en extraordinaire, à imprégner le quotidien de sens et de beauté. Cette estampe demeure une pièce captivante au sein de l'œuvre de Stanton, témoignant de son aptitude à naviguer et à transcender les frontières du street art et du pop art. Alors que le monde de l'art continue d'évoluer, des œuvres comme « Margot Silver » prouvent la persistance de cet esprit d'innovation qui anime des artistes comme Kevin Stanton, les poussant à créer des œuvres à la fois ancrées dans leur époque et intemporelles.

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La beauté de la liberté et de l'égalité PP Épreuve d'imprimerie Fresque d'Austin par Jon Furlong Lithographie offset Édition limitée sur papier beaux-arts par Shepard Fairey X Sandra Chevrier, artiste de rue pop graffiti urbain. Épreuve d'artiste AP 2020 Signée par Shepard Fairey et Sandra Chevrier & Marquée AP Tirage lithographique offset Taille de l'œuvre 18x24 Beauté de la liberté Égalité PP Impression murale Austin par Shepard Fairey x Sandra Chevrier x Jon Furlong. Shepard Fairey, Sandra Chevrier et la synergie artistique dans les paysages urbains Le pop art urbain et le graffiti sont des chroniques vibrantes de la culture contemporaine, souvent capables de saisir l'esprit socio-politique du temps à travers leurs tableaux saisissants. La fresque « Beauty of Liberty & Equality » à Austin, minutieusement reproduite par Jon Furlong, est une illustration magistrale de ce genre. Cette œuvre, fruit d'une collaboration entre Shepard Fairey et Sandra Chevrier, est une lithographie qui capture l'essence même de l'interaction du pop art avec les paysages urbains. Créée initialement dans le bouillonnement d'Austin, la fresque se veut une installation d'art public et un dialogue avec les passants, les invitant à réfléchir aux thèmes de la liberté et de l'égalité. Shepard Fairey, célèbre pour sa campagne « OBEY » et son affiche emblématique « HOPE » pour Obama, apporte à cette œuvre son style distinctif basé sur le pochoir et son engagement politique. Sandra Chevrier, quant à elle, est reconnue pour sa série « Cages », où elle représente souvent des visages de femmes dissimulés par des images de bande dessinée, explorant ainsi les « cages » que la société érige autour des individus. L’œuvre, de dimensions généreuses (45,7 x 61 cm), attire immédiatement le regard tout en invitant à une réflexion intime. « La Beauté de la Liberté et de l’Égalité » est une épreuve d’artiste (EA) 2020, signée par Fairey et Chevrier. Cette signature témoigne de la touche personnelle des artistes et du lien direct qu’ils tissent avec les créateurs, un élément souvent recherché par les collectionneurs et les amateurs de street art. Héritage et valeur de collection des estampes d'art pop urbain en édition limitée L'art urbain, intrinsèquement lié au graffiti, se nourrit d'accessibilité et d'interaction avec le public. Cette estampe murale, conçue dans cet esprit, transforme un mur urbain en une toile qui interroge les idéaux de société et la quête permanente d'égalité. C'est cette interaction entre art et idéologie, puissamment rendue par les styles distincts de Fairey et Chevrier, qui confère à l'œuvre sa profonde résonance. Tirée en édition limitée sur papier d'art, l'estampe « La Beauté de la Liberté et de l'Égalité » est non seulement un discours visuel, mais aussi un artefact d'une grande importance culturelle. Les éditions limitées rehaussent souvent la valeur de l'art urbain, qui est, par nature, éphémère. Grâce à la technique de la lithographie offset, le transitoire devient permanent et l'instant fugace d'une expression artistique est préservé pour la postérité. Dans le domaine de l'art urbain et du graffiti, cette estampe témoigne du pouvoir durable de l'art visuel à questionner, célébrer et méditer les grands idéaux de liberté et d'égalité. La collaboration entre Shepard Fairey, Sandra Chevrier et Jon Furlong pour immortaliser et partager ce moment constitue un chapitre important de l'histoire du street art contemporain.

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Happiness Overdose Azul Mariano_P Lithographie offset par Madsaki Impression sur papier d'art vélin Édition limitée Tirée à la main Œuvre d'art pop de rue Graffiti. 2020. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée. Lithographie offset. Format : 19,75 x 19,75 pouces. Motif : visage souriant avec nez ensanglanté, en bleu. Kaikai Kiki Co. Ltd, Tokyo. L'alliance de l'iconographie et de la critique contemporaine « Happiness Overdose Azul Mariano_P » est une œuvre captivante de Madsaki, illustrant l'essence du Street Pop Art et du graffiti par sa simplicité graphique et son symbolisme poignant. Cette lithographie offset de 2020 sur papier d'art vergé, signée et numérotée en édition limitée à 100 exemplaires, présente un mélange unique entre la brutalité du street art et l'attrait universel du pop art. L'œuvre, mesurant 50 x 50 cm, représente un smiley stylisé aux teintes bleutées, agrémenté d'un détail notable : un nez ensanglanté. Ce détournement visuel joue avec le symbole universellement reconnu du bonheur, le smiley, pour transmettre un message plus profond et complexe. Le choix de Madsaki de représenter le smiley avec un nez ensanglanté peut être interprété comme un commentaire sur les excès de la société contemporaine, où la quête du bonheur peut parfois mener à des comportements autodestructeurs. L'utilisation d'une couleur vive et unique, Azul Mariano, confère à l'œuvre une présence visuelle saisissante, le bleu servant à la fois de toile de fond et d'élément essentiel. Ce choix chromatique peut susciter diverses émotions, du calme à la mélancolie, enrichissant ainsi les multiples niveaux d'interprétation de l'œuvre. Expression artistique dans le street art pop et le graffiti L'œuvre de Madsaki, « Happiness Overdose Azul Mariano_P », témoigne du pouvoir du street art et du graffiti à communiquer des idées complexes à travers une imagerie d'apparence simple. La force expressive de l'œuvre est amplifiée par son approche minimaliste : l'absence de détails complexes oblige le spectateur à se confronter à la juxtaposition troublante des connotations joyeuses du smiley et de la représentation graphique de la détresse. Comme souvent dans le street art et le graffiti, la lithographie de Madsaki possède une accessibilité intrinsèque. Le smiley, icône omniprésente de la communication numérique moderne, devient un support de commentaire social, permettant à l'œuvre de toucher un large public. Le tirage limité de « Happiness Overdose Azul Mariano_P » la transforme d'une œuvre de street art en un objet de collection recherché, comblant le fossé entre la nature éphémère du graffiti et la permanence des beaux-arts. En conclusion, cette œuvre se présente à la fois comme une création artistique et une critique culturelle, illustrant les dualités de la quête du bonheur à l'ère moderne. Le choix d'une édition limitée garantit que chaque exemplaire demeure une contribution unique et précieuse au discours sur l'art contemporain. « Happiness Overdose Azul Mariano_P » de Madsaki constitue un point de rencontre fascinant entre l'iconographie pop et l'esthétique du street art, une exploration visuelle des joies et des peines de la condition humaine.

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Duality Fox Mulder X Files Sérigraphie de Jeremy VanCleef Tirage à la main sur papier d'art Édition limitée 2013 Signée et numérotée au dos Édition limitée à 25 exemplaires Format de l'œuvre 18x24 Sérigraphie de Fox Mulder X Files. Duality Fox Mulder X-Files Sérigraphie de Jeremy VanCleef « Duality Fox Mulder » est une sérigraphie en édition limitée créée par Jeremy VanCleef en 2013, offrant une interprétation saisissante du personnage emblématique de la série « X-Files ». Tirée à la main, cette sérigraphie de 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces) a été produite à seulement 25 exemplaires signés et numérotés, ce qui en fait une pièce rare et très recherchée. L'œuvre capture la complexité psychologique de Fox Mulder grâce à une composition minimaliste et audacieuse, combinée à des textures en demi-teintes à fort contraste et à des touches de vert néon. Cette estampe reflète la fusion caractéristique de VanCleef entre le street art, le pop art et le graffiti, où les thèmes de la culture populaire sont réinterprétés à travers un prisme urbain et contemporain. Concept et symbolisme visuel La composition de Duality Fox Mulder explore les thèmes de la vérité, de la paranoïa et de la perception, essentiels à l'intrigue de X-Files. Le portrait de Mulder est partiellement fragmenté : des parties de son visage sont manquantes, remplacées par un espace négatif saisissant. Cette déconstruction renforce le conflit intérieur du personnage entre croyance et scepticisme, réalité et illusion. Les yeux vides ajoutent une touche fantomatique, suggérant que sa quête incessante de réponses l'a à la fois éclairé et consumé par l'obsession. La typographie environnante comprend des phrases telles que « Ne faites confiance à personne » et « La vérité est ailleurs », emblématiques de la série, renforçant le mystère et l'intrigue. La texture granuleuse et vieillie du fond imite des photocopies de dossiers conspirationnistes, accentuant l'idée de secret et de dissimulation gouvernementale. La palette de couleurs restreinte, dominée par le vert et le noir, fait directement référence à la lueur étrange souvent associée aux thèmes extraterrestres en science-fiction, conférant à l'œuvre un aspect à la fois vintage et futuriste. Influence du street art, du pop art et du graffiti L'œuvre de Jeremy VanCleef puise souvent son inspiration dans l'esthétique du street art et du graffiti, et cette estampe ne fait pas exception. L'utilisation de la technique d'impression en demi-teintes, des portraits inspirés du pochoir et des éléments textuels à l'aspect vieilli rappelle les affiches collées que l'on trouve dans les milieux urbains. Les touches de vert fluo confèrent à l'œuvre une dimension cyberpunk et underground, renforçant l'esprit DIY de la culture street art. La superposition de textes et d'images, ainsi que l'utilisation calculée de l'espace négatif, permettent une interaction entre une conception structurée et une expression brute et spontanée. Cette technique reflète la manière dont les graffeurs utilisent les murs comme toiles, superposant différents éléments visuels pour créer un récit évolutif. Les imperfections délibérées de l'application de l'encre rattachent davantage l'œuvre aux procédés artisanaux et analogiques qui caractérisent le mouvement de la sérigraphie dans le street art. Collectibilité et impact culturel Avec seulement 25 exemplaires existants, « Duality Fox Mulder » est une pièce de collection exclusive dans l'univers du street art et du graffiti. La capacité de Jeremy VanCleef à réinterpréter les figures de la culture populaire à travers une approche subversive et inspirée du street art fait de cette estampe un objet très recherché par les collectionneurs d'estampes contemporaines et d'objets de science-fiction. « X-Files » demeure une référence culturelle, ses thèmes – secret d'État, vie extraterrestre et quête de vérité – restant d'actualité. Cette estampe capture cette pertinence, utilisant les techniques du street art pour élever le personnage de Mulder au rang d'icône visuelle. Le savoir-faire artisanal de la sérigraphie garantit à chaque exemplaire un caractère unique, renforçant son statut de pièce majeure à la croisée de l'art urbain et de la mythologie télévisuelle culte.

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Monroe POPfolio - Sérigraphie fragile 11 couleurs tirée à la main sur papier d'archivage par l'artiste pop moderne Mr Brainwash - Thierry Guetta. Œuvre d'art rare en édition limitée de Marilyn Monroe. Édition limitée 2022, signée et numérotée, à 75 exemplaires. Format de l'œuvre : 24 x 24 pouces. Straight Edges, sérigraphie 11 couleurs, signée et estampillée du pouce par l'artiste.

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Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

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Impression giclée à la peinture en aérosol HPM découpée à la main par Patricia Silver, œuvre de Kevin Stanton, édition limitée sur papier d'art à paillettes superposées, embellie à la main, artiste graffiti pop de rue. 2013. Œuvre signée et numérotée, réalisée à la main avec des paillettes et du papier pailleté. Découpée et embellie à la main. Édition limitée à 4 exemplaires. Dimensions : 11,75 x 15,75 pouces. Impression giclée HPM. Collage sur papier argenté représentant une femme stylisée par Anjelica Huston, inspirée du film « The Darjeeling Limited ». « Patricia Silver » de Kevin Stanton : un hommage d'une précision artisanale L'œuvre « Patricia Silver » de Kevin Stanton est une estampe en édition limitée qui témoigne du talent de l'artiste pour allier la technique traditionnelle du découpage de papier à des techniques modernes comme la peinture aérosol, créant ainsi des pièces résolument ancrées dans le Street Pop Art et le graffiti. Cette œuvre de 2013, signée et numérotée, est une pièce rare, éditée à seulement quatre exemplaires, chacun mesurant 29,8 x 40 cm et réalisé avec minutie sur un papier d'art pailleté multicouche. Cette estampe giclée HPM (multiple peint à la main), rehaussée à la main, présente un collage de papier argenté représentant une femme, offrant une représentation stylisée inspirée du personnage d'Anjelica Huston dans le film « À bord du Darjeeling Limited » de Wes Anderson. Fusion artistique : Esthétique urbaine et influence cinématographique L'œuvre de Stanton, « Patricia Silver », capture l'essence du personnage et du récit grâce à un jeu subtil de lumière, d'ombre et de texture. Elle s'inscrit pleinement dans l'esprit du street art, où des images du quotidien se transforment en icônes saisissantes et mémorables. La ressemblance avec Anjelica Huston est symbolique et évocatrice de la profondeur du personnage, reflétant la manière dont le street art parvient souvent à condenser des histoires complexes en images simples mais puissantes. Le choix du papier argenté évoque une impression d'évanescence, contrastant avec la solidité affirmée de la peinture aérosol – deux médiums qui soulignent la dualité souvent présente dans le street art entre l'éphémère et le permanent. La technique de découpe manuelle méticuleuse de Stanton ajoute une dimension supplémentaire à l'œuvre, témoignant du même soin et de la même attention aux détails que les artistes de rue apportent à leurs fresques monumentales. Célébrer le caractère : un carrefour de formes artistiques La confluence des sensibilités du street art et de l'inspiration cinématographique dans « Patricia Silver » illustre une tendance plus large de l'art contemporain, où les influences interdisciplinaires sont de plus en plus fréquentes. La transposition par Stanton d'un personnage de film en une œuvre découpée à la main témoigne de la perméabilité des disciplines artistiques. Elle célèbre le caractère et la personnalité, à l'instar du graffiti, souvent comme un hommage ou une prise de position socio-politique dans l'espace public. Dans cette œuvre, le personnage de Patricia du « Darjeeling Limited » n'est pas seulement commémoré, mais réinventé à travers le regard artistique unique de Stanton. Cette représentation témoigne de la capacité de l'artiste à distiller l'essence d'un sujet en une forme visuelle à la fois accessible et profonde, à l'image des figures iconiques représentées dans les fresques murales et les installations de street art. Kevin Stanton : Un visionnaire contemporain de l'art du papier découpé Kevin Stanton est une figure visionnaire de l'art contemporain, où les techniques traditionnelles sont réinterprétées avec une perspective résolument moderne. « Patricia Silver » témoigne de son approche novatrice, où l'ancien et le nouveau s'entremêlent harmonieusement en un récit unique et cohérent. Ses estampes en édition limitée ne sont pas de simples œuvres d'art ; ce sont des histoires racontées à travers le papier et la peinture, conçues pour captiver et toucher le public avec autant de force qu'une œuvre de rue. « Patricia Silver » demeure une étape essentielle du parcours artistique de Stanton, illustrant son dévouement à son art et son talent pour la communication visuelle. À l'instar du street art, devenu une composante respectée et incontournable du débat artistique, le travail de Stanton continue de repousser les limites de l'art traditionnel du papier découpé, en le reliant à l'énergie vibrante du pop art et du graffiti.

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Hesit VI AP Épreuve d'artiste Impression giclée unique par Prefab77 Œuvre d'art en édition limitée sur papier d'art Somerset 300 g/m² Artiste graffiti pop de rue. Épreuve d'artiste AP 2023 Signée et marquée AP Édition unique « Coupable par association » Dimensions de l'œuvre : 22,05 x 35,43 Les épreuves d'artiste dans le monde de la gravure Les épreuves d'artiste ont une histoire riche dans la tradition de l'estampe. Contrairement aux tirages classiques d'une édition limitée, les épreuves d'artiste sont un petit nombre d'exemplaires mis de côté pour l'usage personnel de l'artiste. Historiquement, ces épreuves servaient à contrôler l'avancement d'une estampe, permettant à l'artiste d'apporter des modifications avant le tirage final. Dans le cas de « Heist VI AP », Prefab77 a signé et marqué l'œuvre comme une AP, soulignant son caractère unique. Ces épreuves sont souvent plus précieuses en raison de leur rareté et de l'implication directe de l'artiste. Le street art, le pop art et le graffiti font désormais partie intégrante de la culture visuelle contemporaine, mêlant des éléments de divers mouvements artistiques et le dynamisme brut des espaces urbains. Un exemple frappant de cette fusion est « Heist VI AP (Artist Proof) » de l'artiste connu sous le nom de Prefab77. Cette estampe giclée unique témoigne de la relation complexe entre les techniques artistiques traditionnelles et l'univers subversif, souvent provocateur, du street art. La technique giclée et son impact sur la reproduction d'art Le procédé d'impression giclée utilisé pour « Heist VI AP » est réputé pour reproduire avec une fidélité remarquable les couleurs et les détails des œuvres originales. Les tirages giclée sont réalisés grâce à une méthode d'impression jet d'encre sophistiquée, qui projette des millions de gouttelettes d'encre sur un papier de haute qualité, tel que le papier beaux-arts Somerset 300 g/m² choisi par Prefab77. Ce type de papier est particulièrement apprécié pour sa durabilité et sa capacité à conserver les couleurs sans altération, garantissant ainsi que l'œuvre reste aussi éclatante qu'au jour de son impression. Art urbain pop et graffiti : un phénomène culturel Comme en témoigne « Heist VI AP » de Prefab77, le street art et le graffiti se caractérisent par leur mélange de références à la culture populaire, un graphisme audacieux et, souvent, un commentaire sur les enjeux sociaux et politiques. La conception complexe de « Heist VI AP », avec ses images superposées et ses couleurs vibrantes, reflète la complexité de la vie moderne et le tumulte des rues où ce genre d'art est fréquemment rencontré. Mesurant 56 x 90 cm, la taille imposante de l'estampe attire immédiatement le regard et invite le spectateur à s'immerger dans son récit détaillé. Prefab77 : Une voix dans l’art urbain pop et le graffiti modernes Prefab77, créateur de « Heist VI AP », s'impose comme une voix incontournable du street art contemporain. Son œuvre incarne souvent l'esprit de rébellion propre à cet art, mêlant imagerie iconographique issue de la pop culture et références historiques. Cette estampe, une épreuve giclée de la série emblématique « Heist », a servi de test de mise en page et de couleur pour l'élaboration d'une œuvre originale, lui conférant une dimension expérimentale et transitoire qui témoigne d'une étape du processus créatif de l'artiste. La signification de « Heist VI AP » dans l'art contemporain « Heist VI AP » n'est pas qu'une simple œuvre d'art ; c'est un instantané du parcours artistique de l'artiste. Édition unique, elle occupe une place particulière dans l'œuvre de Prefab77, marquant un moment de réflexion et d'attente. Avec son souci du détail et sa texture riche, cette estampe illustre parfaitement comment la technique de la giclée peut faire le lien entre la vision de l'artiste et l'expérience du public. « Heist VI AP » de Prefab77 est une illustration remarquable du Street Pop Art et du graffiti, capturant l'essence d'un genre qui ne cesse de repousser les limites de l'art. L'utilisation d'une épreuve d'artiste, la méthode d'impression giclée sur papier Somerset de haute qualité et son format en font une pièce majeure dans l'œuvre de l'artiste et au sein du mouvement artistique. Alors que le street art gagne en reconnaissance dans les galeries et les institutions autrefois réfractaires à son charme, des œuvres comme « Heist VI AP » soulignent l'impact indéniable et la pertinence culturelle de cette forme d'art.

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Tirage pigmentaire d'archive en édition limitée DJ Qbert sur papier beaux-arts 310 g/m² par Ben Frost, Denial, DJ Qbert, artiste de rue graffiti, art pop moderne. L'artiste canadien Denial et l'Australien Ben Frost unissent leurs forces pour une exposition audacieuse d'œuvres inédites explorant les limites de l'appropriation culturelle et proposant des réinterprétations de notre société dystopique actuelle. « Company of Thieves » est présentée à la Inner State Gallery de Detroit, avec la participation exceptionnelle de DJ Qbert. Ces « voleurs visuels », comme ils se définissent eux-mêmes, ont une longue tradition de détournement et de subversion des icônes culturelles que la publicité et la société de consommation nous imposent, créant ainsi des interprétations nouvelles et pertinentes, aussi dérangeantes qu'humoristiques. Cette collaboration avec DJ Qbert s'inscrit dans la continuité de cette démarche : les trois artistes se réunissent sous le nom de « Company of Thieves », échantillonnant et remixant pour créer une œuvre totalement nouvelle. Ben Frost utilise l'imagerie familière de la culture occidentale pour formuler une critique de cette culture, notamment à travers le prisme du consumérisme, des icônes modernes et des grandes entreprises. Personnages de dessins animés, icônes de la pop culture, logos de marques et bien d'autres éléments sont transformés en œuvres d'art vibrantes et trouvent leur place dans les galeries. Dans cette optique, et dans le cas de Ben Frost, il est vain de tenter de tracer une frontière nette entre art populaire et art savant. En réalité, l'artiste souhaite que le public s'interroge sur les notions de haute et de basse valeur et, par extension, sur leur signification profonde. Au fil des années, les artistes de rue ont su s'imposer comme des créateurs respectés, certains acquérant même une renommée internationale, transformant le graffiti, autrefois art marginal servant parfois à marquer le territoire des gangs, en un secteur économique florissant.

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Achetez TITLE Edition Limitée sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Archival Pigment Fine Art INFO

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Planche de skateboard Supreme Sekintani La Norihiro - Édition limitée jaune. Illustration de la marque Supreme. L'artiste japonais Sekintani La Norihiro, dont l'œuvre a été lancée au printemps/été 2019, est réputé pour son imagerie provocatrice. Il représente souvent des images déformées, des organes et des combinaisons de couleurs vives, créant ainsi des motifs presque écœurants. La planche de skateboard Supreme Sekantani La Norihiro Pink met en valeur cette œuvre. On y voit une femme partiellement dénudée et une figure diabolique qui la surplombe. Des motifs déformés, caractéristiques du style de La Norihiro, sont visibles sur toute la face inférieure de la planche. La planche de skateboard Supreme Sekantani La Norihiro Pink est sortie au printemps/été 2019.

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Estampe d'archive Naga Biru Purple par Mateo, édition limitée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², style pop graffiti, art de rue moderne. Tirage d'art signé et numéroté, édition limitée à 50 exemplaires (2025), format 17 x 24 pouces, impression pigmentaire d'archives. Impression d'archives violette Naga Biru par Mateo Mateo, artiste français également connu sous le nom de Mathieu Bories, crée des œuvres de street art et de graffiti saisissantes qui explorent l'identité culturelle, le symbolisme et les motifs textiles historiques à travers des portraits contemporains captivants. L'estampe de 2025 intitulée Naga Biru Purple illustre la technique reconnue de Mateo, qui consiste à fusionner des visages hyperréalistes avec des motifs ornementaux de tapis persans pour produire des visuels riches et complexes, chargés de sens. Cette édition limitée, imprimée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², est signée et numérotée par l'artiste. Elle mesure 43 x 61 cm (17 x 24 pouces) et fait partie d'une édition rare de seulement 50 exemplaires. Entre tapisserie culturelle et portraitisme Naga Biru Purple met en scène une figure féminine digne, dont la peau, d'un pourpre profond, évoque mystère, force et élégance. Mateo recouvre son visage et l'ensemble de la composition de motifs en filigrane doré, inspirés des textiles indo-persans et de la géométrie sacrée. La symétrie de ces motifs agit non seulement comme un ornement, mais aussi comme une armure symbolique – une protection puisée dans l'héritage, la beauté et la foi. Le regard intense et immobile du sujet contraste avec le mouvement complexe des motifs qui ondulent sur son visage et son corps, la fondant finalement dans le décor textile élaboré. Les portraits de Mateo ne se contentent pas de placer le sujet sur un fond orné ; ils l'absorbent et le subliment. Technique et symbolisme dans le pop art urbain La démarche de Mateo puise à la fois dans les traditions du graffiti urbain et dans les beaux-arts. Son œuvre se situe au croisement du muralisme, de l'intervention urbaine et de la gravure d'art. Avec Naga Biru Purple, il fait preuve de la même maîtrise et de la même précision graphique que l'on retrouve souvent dans ses fresques murales à travers l'Europe, l'Afrique du Nord et l'Asie. En utilisant des pigments d'archivage sur Moab Entrada, Mateo élève l'estampe au rang d'œuvre d'art digne d'un musée, tout en préservant l'esprit rebelle de la rue. Les riches nuances de violet et d'or de l'œuvre évoquent la royauté et la spiritualité dans diverses traditions, invitant à un dialogue sur l'héritage, la diaspora et la représentation. Une icône moderne à travers des motifs mondiaux Naga Biru Purple est bien plus qu'un portrait : c'est une synthèse visuelle de puissance, d'héritage et de motifs. Mateo transforme ses sujets en icônes qui transcendent l'individu, en faisant des symboles d'identité et de résilience collectives. Son œuvre, à la fois profondément contemporaine et intemporelle, fusionne l'esprit urbain et le respect de l'ornement. Il en résulte une œuvre de street art et de graffiti à la résonance universelle, abordant les thèmes de la féminité, de la visibilité culturelle et de la richesse du langage ornemental comme forme de narration. Tirée à seulement 50 exemplaires, Naga Biru Purple est une pièce de collection incontournable pour les amateurs d'art urbain narratif contemporain.

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