Visage & Tête

Estampe d'archive Symbiosis de Beau Stanton, édition limitée sur papier d'art en coton, œuvre d'art moderne de style pop graffiti street art. Tirage d'art signé et numéroté, édition limitée à 75 exemplaires, 2022. Format : 18x24. Impression pigmentaire d'archives. L'intersection des styles dans l'estampe d'archives Symbiosis de Beau Stanton Dans le paysage foisonnant de l'art contemporain, « Symbiosis » de Beau Stanton s'impose comme un exemple saisissant de street art, de pop art et de graffiti. Cette édition limitée, imprimée sur papier d'art en coton de qualité supérieure, témoigne de la maîtrise de Stanton dans l'art de fusionner l'art classique et les sensibilités modernes, le tout dans un format de 45,7 x 61 cm. Créée en 2022, cette œuvre fait partie d'une série très exclusive, limitée à 75 exemplaires signés et numérotés, chacun portant la signature unique de l'artiste. « Symbiosis » de Stanton est bien plus qu'une simple œuvre d'art : c'est une exploration visuelle de l'harmonieuse relation entre l'iconographie historique et la palette de couleurs explosive propre au street art et au pop art. L'utilisation de pigments d'archivage confère à l'œuvre une dimension intemporelle, garantissant ainsi la pérennité de son éclat et un hommage durable à la fusion des styles artistiques. Création de récits visuels dans le pop art urbain moderne Stanton est reconnu pour son talent à créer des récits visuels complexes qui communiquent des thèmes subtils par la superposition d'images. « Symbiose » illustre parfaitement cette technique narrative. L'œuvre présente un visage serein et classique qui émerge d'une végétation luxuriante, instaurant un dialogue entre le monde naturel et l'histoire humaine. La juxtaposition d'un visage rendu de façon classique avec des éléments floraux modernes et stylisés illustre la relation symbiotique entre passé et présent, un thème récurrent dans le travail de Stanton. Le papier beaux-arts sert de support à cette danse symbiotique, où les contrastes de textures soulignent la profondeur de la narration visuelle de Stanton. Le choix du médium est délibéré, jetant un pont entre l'art traditionnel et les méthodes contemporaines. Il témoigne du respect de l'artiste pour les techniques classiques tout en embrassant la nature dynamique et accessible du street art. La place de Beau Stanton dans l'art contemporain La contribution de Beau Stanton au monde de l'art, à travers des œuvres comme « Symbiosis », confirme son statut de visionnaire moderne capable de transcender les frontières du Street Pop Art et du graffiti. Son travail ne se limite pas aux rues dont le genre tire son nom, mais s'étend aux galeries et aux collections privées, témoignant d'une évolution dans la perception et la valorisation de l'art urbain. La disponibilité limitée de « Symbiosis » renforce encore son prestige au sein de la communauté artistique. Collectionneurs et amateurs d'art moderne se disputent l'opportunité de posséder une œuvre de la vision de Stanton, à la fois objet de collection et commentaire culturel. La rareté de l'œuvre reflète également l'essor du marché de l'art urbain, où l'exclusivité et l'originalité sont des qualités très recherchées. Dans l'art moderne, le tirage d'archive de « Symbiosis » s'impose comme un symbole de l'évolution du Street Pop Art et du graffiti. La fusion fluide d'expressions artistiques historiques et contemporaines opérée par Beau Stanton dans cette estampe remet en question et élargit les frontières du street art. Elle démontre que cet art n'est pas figé, mais constamment redéfini par des artistes comme Stanton, qui osent imaginer et créer au-delà des cadres conventionnels.

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Le Phase Train MTA Subway Train Car Art Toy de Sket One est une sculpture en métal de collection en édition limitée, créée par un artiste pop de rue. 2023, certificat d'authenticité signé, édition limitée à 100 exemplaires, format 7 x 1, neuf sous blister. Le wagon de métro Beast Train de Cope2 - Jouet pop art graffiti new-yorkais de Fernando Carlo La rame de métro « The Beast Train » de la MTA, œuvre du légendaire graffeur Cope2 (Fernando Carlo Jr., né en 1968 à New York), est une pièce de collection unique qui rend hommage à des décennies de culture street art et graffiti. Cette sculpture en métal, en édition limitée à seulement 100 exemplaires, est signée et accompagnée d'un certificat d'authenticité. Présentée dans un emballage coloré reprenant le style typographique caractéristique de Cope2, cette rame miniature capture l'énergie et l'impact visuel de l'âge d'or du graffiti dans le métro new-yorkais. Mesurant environ 18 cm de long sur 2,5 cm de haut, cette pièce compacte et puissante est un hommage vibrant à l'héritage de l'artiste. Fernando Carlo Jr. Cope2 et l'héritage des graffitis du métro new-yorkais Fernando Carlo Jr., plus connu sous le nom de Cope2, a débuté dans le graffiti dans le South Bronx en 1978, apposant sa signature sur les murs et les rames de métro new-yorkaises. Sa notoriété s'est construite au fil des décennies grâce à une production prolifique sur les réseaux du métro et les infrastructures urbaines des cinq arrondissements de New York. Cope2 a développé un langage visuel unique, caractérisé par des throw-ups dynamiques et des lettres bulles devenues emblématiques de la scène graffiti new-yorkaise. Son style brut et authentique a joué un rôle déterminant dans la définition du graffiti moderne, aux États-Unis comme à l'étranger. Son œuvre a évolué des murs de la rue aux galeries, faisant de Cope2 l'un des rares artistes à avoir réussi à naviguer avec succès entre le monde de l'art underground et celui de l'art mainstream sans renier ses racines urbaines. L'art urbain pop et le graffiti rencontrent le design de collection Le Beast Train est bien plus qu'un jouet ; c'est un hommage sculptural au lien fondateur du graffiti avec les rames de métro new-yorkaises. Cette œuvre d'art urbain, mélange de pop art et de graffiti, célèbre le support originel du mouvement : l'acier roulant. Conçu par Cope2 et distribué par Hip Hop Toyz, ce modèle est entièrement peint, lumineux et sonore, recréant l'atmosphère d'une installation artistique mobile et vivante. Chaque côté du train miniature arbore le style vibrant de Cope2, reproduit avec une précision authentique sur un socle métallique, faisant écho aux couleurs et aux tags qui sillonnaient autrefois les rues de New York. Le wagon de métro The Beast : quand l'art, la culture et les objets de collection se rencontrent Cette sortie de 2023 marque un tournant où l'histoire du street art prend forme grâce à l'art de collection. « The Beast Train » se situe au carrefour de l'histoire urbaine, de l'œuvre d'art et de la nostalgie. Elle témoigne d'un engagement à préserver le patrimoine du graffiti à travers de nouveaux formats accessibles aux collectionneurs et aux amateurs d'art. Certifiée édition limitée, cette pièce rappelle la transformation du graffiti, d'un mouvement public d'expression anonyme à un genre respecté au sein de l'art contemporain. L'engagement de Cope2 envers la culture graffiti, qui s'étend sur plusieurs décennies, continue de résonner à travers des œuvres comme celle-ci, rappelant au monde que le train n'est pas qu'un simple moyen de transport, mais une galerie ambulante de rébellion, d'énergie et d'identité.

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Downshift 14 Peinture acrylique originale de Rich Pellegrino Œuvre unique sur panneau de gesso par un artiste pop art de rue. Peinture acrylique originale signée de 2014, format 4x4, représentant le robot de science-fiction du film Transformers Downshift, bande dessinée et série télévisée. Ralentissement dans l'art pop et graffiti La représentation des personnages de Transformers dans l'art pop et le graffiti a toujours été une exploration fascinante de la nostalgie, de la technologie et de la créativité. La peinture Downshift (2014) de Rich Pellegrino illustre parfaitement comment les icônes de la culture populaire peuvent transcender leurs supports d'origine et devenir des sujets d'exploration artistique. Réalisée sur un panneau de 10 x 10 cm enduit de gesso, cette œuvre acrylique rend hommage à l'univers Transformers tout en le réinventant. Downshift y apparaît non seulement comme un robot, mais aussi comme un emblème visuel de l'art urbain et du graffiti. L'impact culturel des Transformers dans le pop art urbain Depuis leur apparition dans les années 1980, les Transformers font le lien entre divertissement et art, captivant l'imagination. Le street art et le graffiti, avec leurs couleurs vibrantes, leurs lignes audacieuses et leurs commentaires culturels, offrent un support idéal pour réinterpréter ces icônes. Dans la peinture « Downshift » de Pellegrino, l'alliance de pastels doux et de détails mécaniques précis capture l'essence du personnage tout en l'inscrivant dans un contexte artistique contemporain. L'œuvre trouve un écho auprès des spectateurs qui perçoivent les Transformers à la fois comme un phénomène culturel et comme une source de nostalgie personnelle. L'approche de Rich Pellegrino vis-à-vis du pop art moderne L'œuvre de Rich Pellegrino explore souvent les intersections entre les beaux-arts et la culture populaire. Son utilisation de l'acrylique sur un panneau enduit de gesso confère texture et profondeur, créant une qualité tactile qui élève le sujet au-delà du simple fan art. Dans Downshift, le style caractéristique de Pellegrino est évident dans les coups de pinceau dynamiques et l'utilisation délibérée des ombres, qui donnent au personnage une présence vivante tout en conservant l'esthétique robotique emblématique des Transformers. Cet équilibre entre réalisme et abstraction est une marque de fabrique du street art pop de Pellegrino, plongeant le spectateur au cœur du récit de l'œuvre. Transformers comme muse dans le graffiti et le pop art La franchise Transformers est un thème récurrent dans le street art et le graffiti, grâce à sa complexité visuelle et son importance culturelle. Des personnages comme Downshift, souvent négligés dans les représentations grand public, trouvent une nouvelle vie dans des œuvres telles que celles de Pellegrino. Ces créations célèbrent non seulement l'héritage des Transformers, mais invitent aussi les spectateurs à redécouvrir ces personnages sous un jour nouveau, révélant leur potentiel artistique. En intégrant Downshift au langage du graffiti et du street art, Pellegrino abolit les frontières générationnelles, fusionnant la nostalgie des années 80 avec l'esprit vibrant et rebelle de l'art moderne. L'œuvre Downshift de Rich Pellegrino constitue à la fois un chef-d'œuvre à part entière et une contribution majeure au récit plus large de la culture pop dans l'art. À travers cette œuvre, Downshift transcende ses origines de personnage de dessin animé pour devenir un symbole de réinvention artistique et de dialogue culturel.

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Sérigraphie en édition limitée multicolore double face noire SP 13 couleurs tirée à la main sur papier d'art de Takashi Murakami TM/KK Rare Street Art Artiste Pop Artiste célèbre. Épreuve d'artiste SP State 2020, signée et numérotée, édition limitée à 25 exemplaires. Dimensions de l'œuvre : 23,3 x 19,68 cm. Sérigraphie représentant deux fleurs noires jumelles fusionnant au centre, des visages souriants sur fond blanc et des fleurs multicolores arc-en-ciel. Takashi Murakami, figure emblématique de la fusion entre art savant et culture pop, n'a cessé de repousser les limites de l'art contemporain. L'une de ses créations les plus captivantes, « Multicolor Double Face Black SP », témoigne de sa maîtrise des médiums du street art, du pop art et du graffiti. Cette sérigraphie artisanale en édition limitée, réalisée en 13 couleurs sur papier d'art de haute qualité, incarne la vitalité et la complexité qui font la renommée de Murakami. Sortie en 2020, elle révèle une attention méticuleuse aux détails et une interprétation avant-gardiste des symboles pop, ce qui en fait une pièce très recherchée par les amateurs d'art. Mesurant 23,3 x 19,68 cm, l'œuvre représente une scène visuellement saisissante : des figures jumelles fusionnent au centre, entourées d'un spectre de couleurs exubérantes créant un effet arc-en-ciel. La dualité des images et le jeu subtil des couleurs et des motifs illustrent le charme énigmatique de l'art de Murakami. La juxtaposition de fleurs noires aux visages souriants sur un fond blanc immaculé accentue le contraste, insufflant vie et dynamisme à l'œuvre. Cette création envoûtante, une épreuve d'artiste, est éditée à seulement 25 exemplaires (SP25), ce qui en fait une pièce de collection précieuse. Chaque estampe est signée et numérotée, gage d'authenticité et d'exclusivité. Dans le domaine du pop art et du street art, « Multicolor Double Face Black SP » de Murakami est un véritable phare d'innovation artistique. Elle témoigne de la capacité de l'artiste à fusionner l'art traditionnel japonais avec des motifs urbains contemporains, créant ainsi un dialogue visuel universel qui parle à un public intergénérationnel et interculturel.

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Royyal Dog - Peinture aérosol noir mat en édition limitée, fruit d'une collaboration entre le célèbre fabricant de peinture graffiti Montana MTN et Royyal Dog - Chris Chanyang Shim . Bombe de peinture et coffret en bois, édition limitée à 500 exemplaires (2022). Illustration de 3 x 8 pouces. Bombe de 400 ml. Royyal Dog Chris Chanyang Shim est un graffeur et muraliste originaire de Séoul, en Corée. Il est surtout connu pour ses fresques photoréalistes représentant des femmes afro-américaines en hanbok, le costume traditionnel coréen. Ses peintures véhiculent un message d'harmonie universelle et sont reconnues pour leur multiculturalisme. On peut admirer son travail dans le monde entier. - Montana MTN

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Shuiro Emotions, sérigraphie en édition limitée 5 couleurs tirée à la main sur papier Stonehenge blanc 250 g/m² par Shishidomia, artiste pop art célèbre et rare. 2021. Ces sérigraphies de haute qualité, imprimées à la main en 5 couleurs sur papier blanc Stonehenge 250 g/m², présentent des motifs japonais rehaussés d'un effet translucide qui varie selon la lumière et l'environnement. Caractéristiques/Informations complémentaires : Dimensions : 45,7 x 61 cm. Chaque exemplaire est signé et numéroté à la main. Tirage limité à 20 exemplaires. « J’aime l’idée de création et la beauté de l’imagination pure. Je vois mon travail comme une fenêtre ouverte sur un monde parallèle, un monde où chacun peut trouver sa place. Un monde où la beauté de l’époque Edo au Japon se heurte à la puissance des symboles actuels de la culture occidentale et de la modernité. En tant que femme métisse japonaise, ayant grandi dans l’un des pays les plus homogènes au monde (le Japon), j’ai passé la majeure partie de ma vie à la recherche d’un sentiment d’appartenance. Cela m’a poussée à créer ma propre réalité, une réalité faite d’émotions Shuiro. » – Shishidomia

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Le printemps reviendra - Impression giclée en édition limitée XXL Pop Street Artwork sur papier d'art de l'artiste moderne Alex Garant. Édition limitée à 50 exemplaires, signée, format 24x36, finition mate et gaufrée, 2021

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Soundwave 14 Peinture acrylique originale de Rich Pellegrino Œuvre unique sur panneau de gesso par un artiste pop art de rue. Peinture acrylique originale signée de 2014, format 4x4, représentant Soundwave, le robot de science-fiction du film Transformers, de la bande dessinée et de la série télévisée. Soundwave 14 de Rich Pellegrino : Une fusion de science-fiction et de pop art urbain « Soundwave 14 », une peinture acrylique originale de Rich Pellegrino, est une fusion magistrale de culture pop et de street art. Réalisée en 2014, cette œuvre unique capture le visage iconique de Soundwave, personnage emblématique de l'univers Transformers. Mesurant 10 x 10 cm sur un panneau enduit de gesso, l'œuvre, bien que compacte, est percutante et témoigne du talent de Pellegrino pour évoquer l'essence de son sujet dans un espace minimal. Transformers et l'attrait des ondes sonores Soundwave est l'un des personnages les plus emblématiques de la franchise Transformers, présent dans les bandes dessinées, les séries télévisées d'animation et les films à succès. Reconnu pour son impassibilité et son design unique de lecteur de cassettes, Soundwave occupe une place de choix dans la science-fiction et la culture populaire. L'interprétation de Pellegrino met en valeur les traits anguleux et mécaniques du personnage, rendus par des coups de pinceau audacieux et dynamiques qui soulignent sa double nature de machine et de personnalité. La palette de couleurs, à la fois sobre et éclatante, de la peinture capture l'équilibre entre la nature froide et robotique de Soundwave et son rôle énigmatique de figure loyale mais calculatrice. Le style artistique de Rich Pellegrino Rich Pellegrino est reconnu pour ses portraits vibrants et expressifs de personnages iconiques, mêlant l'esthétique du Street Pop Art aux techniques des beaux-arts contemporains. Son approche se caractérise souvent par des coups de pinceau audacieux, des textures superposées et un sens aigu du détail qui donne vie à ses sujets. Dans Soundwave 14, Pellegrino démontre son talent pour condenser la complexité d'un personnage dans un cadre unique et intimiste, le rendant accessible aux fans de Transformers et d'art moderne. L'utilisation de l'acrylique sur un panneau apprêté crée une surface texturée qui accentue l'aspect mécanique du design de Soundwave. Le format compact de la toile invite le spectateur à une observation attentive, mettant en valeur ses détails minutieux et sa composition dynamique. Cette démarche reflète l'essence même du Street Pop Art, qui cherche souvent à captiver le public par des visuels percutants et immédiats, tout en intégrant des éléments de commentaire culturel. Ondes sonores dans le pop art et le graffiti urbains Personnage emblématique de la science-fiction et de la culture populaire, Soundwave est devenu un motif récurrent du Street Pop Art et du graffiti. Son design géométrique et son identité visuelle forte en font un sujet de prédilection pour les artistes urbains explorant les thèmes de la technologie, de l'individualité et de la nostalgie. La peinture de Pellegrino s'inscrit dans cette tradition, réinventant Soundwave à travers le prisme de l'art contemporain tout en préservant son essence iconique. « Soundwave 14 » rend hommage aux Transformers et témoigne du pouvoir du Street Pop Art à réinterpréter des symboles familiers. En combinant son style artistique singulier à l'attrait intemporel d'un personnage culte, Pellegrino crée une œuvre qui touche autant les fans que les amateurs d'art, faisant le lien entre la culture populaire et les beaux-arts.

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Estampe d'archives Chief Mini par Emek Golan, édition limitée sur papier d'art d'archives, style Pop Graffiti et œuvre d'art moderne d'artiste de rue. Estampe signée et numérotée de 2015, édition limitée à 500 exemplaires, format 20 x 25 cm, impression pigmentaire d'art d'archives. Profondeur culturelle dans l'œuvre d'Emek Golan Cette œuvre présente un portrait saisissant d'un chef, riche en détails symboliques et exécuté avec la précision du trait caractéristique du style de Golan. La coiffe du chef, ornée de motifs complexes et de circuits électroniques, propose une réflexion sur la fusion de la tradition et de la modernité. Elle aborde les thèmes de l'identité, du progrès et de la perte de culture face aux avancées technologiques – un récit profondément ancré dans l'esprit du street art. « Chief Mini Archival Print » d'Emek Golan incarne avec force la rencontre entre le pop art urbain, le graffiti et l'art contemporain. Tirée à 500 exemplaires seulement, cette estampe signée et numérotée témoigne de la vision unique et de la technique impeccable de Golan sur un papier d'art de qualité archive. Technique artistique et qualité Le choix par Golan de pigments d'archivage pour le « Chief Mini Archival Print » témoigne de son souci de la qualité et de la pérennité, garantissant ainsi la profondeur des couleurs et la finesse des détails. Le format 20 x 25 cm de l'estampe la rend accessible à un large public, permettant à celui-ci d'apprécier la complexité de l'œuvre dans divers contextes. Le tirage limité de cette estampe souligne sa valeur en tant qu'objet de collection, chaque exemplaire faisant partie d'une série exclusive supervisée personnellement par Golan. La place d'Emek Golan dans l'art contemporain L'œuvre de Golan se distingue sur la scène artistique contemporaine par sa capacité à fusionner la force brute et expressive du street art et l'esthétique raffinée de la gravure d'art. Recherchée pour son impact visuel et sa capacité à susciter la réflexion et le débat, elle est la marque des plus grandes œuvres de street art et de graffiti. La « Chief Mini Archival Print » d'Emek Golan témoigne de son talent pour traduire des thèmes culturels et technologiques complexes en une œuvre d'art visuellement saisissante. Contribution majeure à l'art moderne, elle capture l'esprit du street art et du graffiti dans une forme à la fois accessible et profonde.

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Beethoven - Fidelio, édition limitée, sérigraphie artisanale en 3 couleurs sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² par John Van Hamersveld, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition 2020, signée et numérotée sur 100 exemplaires. Le travail de John dépasse largement le cadre du surf. Il a réalisé des affiches pour des artistes tels que Jimi Hendrix, Cream et Jefferson Airplane, pour n'en citer que quelques-uns. Il a également travaillé dans le secteur privé, créant le logo emblématique, les concepts de franchises et la signalétique de la chaîne de restaurants Fatburger, présente dans plus de 200 pays.

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Œuvre d'art Bird Oysho, impression giclée en édition limitée sur papier 330 g/m² par l'artiste de graffiti de la culture pop Conrad Roset.

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Abe Sapien 14 Peinture acrylique originale de Rich Pellegrino Œuvre unique sur panneau de gesso par un artiste pop art de rue. Peinture acrylique originale signée de 2014, format 4x4, représentant le super-héros de bande dessinée Abe Sapien du film, de la bande dessinée et de la série télévisée de science-fiction Hellboy. Abe Sapien 14 : Un hommage à l'allié aquatique de Hellboy par Rich Pellegrino L'œuvre « Abe Sapien 14 » de Rich Pellegrino rend un vibrant hommage au personnage amphibien emblématique de l'univers Hellboy. Reconnu pour la précision de ses détails et la force émotionnelle de ses représentations, Pellegrino donne vie à cette figure énigmatique, mêlant avec brio les codes de la bande dessinée et l'esthétique du pop art urbain. Le tableau capture l'essence même d'Abe Sapien, un personnage réputé pour son intelligence, sa sensibilité et sa présence éthérée. Technique artistique et médium Réalisée en 2014, cette peinture de 10 x 10 cm est minutieusement exécutée sur un panneau enduit de gesso à l'aide de peinture acrylique. Ce format compact mais percutant souligne la maîtrise de Pellegrino dans l'art de saisir des émotions et des textures complexes au sein d'un espace restreint. La palette vibrante de verts et de bleus utilisée pour représenter les traits aquatiques d'Abe contraste fortement avec le fond rose, créant une juxtaposition saisissante qui fait écho à la fusion d'éléments naturels et fantastiques inhérente au personnage. Ce contraste renforce encore sa place dans le domaine du pop art urbain, où les couleurs vives et les compositions audacieuses règnent en maître. Quand le pop art rencontre la culture de la bande dessinée Abe Sapien, personnage apparu pour la première fois dans les comics Hellboy de Mike Mignola, incarne un mélange de mysticisme et d'héroïsme qui a captivé le public à travers de nombreux médias, dont le cinéma et la télévision. L'interprétation de Pellegrino s'inspire de cet héritage iconique tout en y insufflant sa propre voix artistique. Les traits exagérés et les contrastes marqués rendent hommage à l'esthétique graphique de la bande dessinée, tandis que les coups de pinceau picturaux et les couleurs vibrantes l'inscrivent résolument dans le domaine du pop art. Cette synthèse de styles souligne la capacité de Pellegrino à faire le lien entre l'esthétique du street art et l'univers narratif plus vaste de la bande dessinée. La contribution de Rich Pellegrino à l'art moderne Figure majeure du pop art et du street art contemporains, Pellegrino réinvente sans cesse des personnages iconiques à travers son regard unique. Sa capacité à condenser l'essence de figures culturelles importantes comme Abe Sapien en une seule image illustre le pouvoir de l'art visuel à susciter la nostalgie tout en repoussant les limites de la créativité. Le format intimiste de l'œuvre invite le spectateur à une observation attentive, favorisant un lien personnel avec le personnage et l'œuvre elle-même. « Abe Sapien 14 » témoigne de l'influence durable de l'allié aquatique de Hellboy, rendu avec la sensibilité et l'audace qui caractérisent l'œuvre de Rich Pellegrino. Cette œuvre célèbre non seulement l'héritage du personnage, mais reflète également le dialogue en constante évolution entre la culture de la bande dessinée et les mouvements artistiques contemporains.

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Beethoven - Ode à la joie, édition limitée, sérigraphie artisanale en 3 couleurs sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² par John Van Hamersveld, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Le travail de John ne se limite pas à l'industrie du surf. Il a réalisé des affiches pour des artistes tels que Jimi Hendrix, Cream et Jefferson Airplane, pour n'en citer que quelques-uns. Il a également travaillé dans des secteurs plus commerciaux, en créant le logo emblématique, les concepts de franchises et la signalétique de la chaîne de restaurants Fatburger, présente dans plus de 200 pays à travers le monde.

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Frida La Muerte AP Artist Proof, œuvre d'art pop street, édition limitée, impression giclée sur papier beaux-arts par l'artiste moderne de graffiti urbain Brian Viveros. Épreuve d'artiste AP 2013 Signée et marquée AP Édition limitée Œuvre d'art giclée 16x20 Frida La Muerte Frida Mort. Brian Viveros et le concept d'épreuve d'artiste dans le pop art urbain Dans le street art et le graffiti, la notion d'épreuve d'artiste revêt une importance particulière. Elle désigne un tirage distinct de l'édition courante et est souvent considérée comme plus précieuse en raison de sa rareté et de l'implication directe de l'artiste. L'épreuve d'artiste « Frida La Muerte » de Brian Viveros illustre parfaitement ce concept. Publiée en 2013, cette édition limitée, imprimée en giclée sur papier d'art, témoigne du talent de Viveros et de son influence sur le monde de l'art. "Frida La Muerte" de Viveros : une intersection culturelle « Frida La Muerte » illustre de façon saisissante la manière dont Viveros explore l'iconographie culturelle et l'expression artistique personnelle. L'œuvre rend hommage à la légendaire Frida Kahlo, célèbre pour ses autoportraits qui intégraient souvent des représentations symboliques de blessures physiques et psychologiques. L'interprétation de Viveros est une relecture moderne qui fusionne l'image iconique de Kahlo avec des éléments du Jour des Morts, créant une juxtaposition captivante de la vie, de la mort et de l'identité. L'importance de la technique giclée dans la reproduction d'art moderne L'impression giclée, réputée pour sa grande fidélité à l'œuvre originale, est une méthode de reproduction privilégiée sur le marché de l'art, notamment pour les éditions limitées. L'épreuve d'artiste « Frida La Muerte AP » bénéficie de cette technologie, présentant l'œuvre de Viveros avec une clarté et une précision chromatique au plus proche de l'original. Mesurant 40 x 50 cm, cette œuvre offre un format idéal permettant d'apprécier la finesse des détails et les qualités texturales du style unique de Viveros. L'attrait de l'édition limitée de l'œuvre de Viveros L'attrait des estampes en édition limitée comme « Frida La Muerte AP Artist Proof » réside dans leur exclusivité et leur lien avec la vision originale de l'artiste. Chaque estampe est signée et estampillée « Artist Proof » par Viveros, créant ainsi un lien privilégié entre l'artiste et le collectionneur. Cette pratique transcende la simple reproduction, transformant l'estampe en une œuvre d'art porteuse d'une histoire et d'une valeur de collection uniques. L'impact de « Frida La Muerte » sur le street art et le graffiti L'œuvre « Frida La Muerte AP Artist Proof » de Brian Viveros occupe une place unique dans le paysage du street art et du graffiti. Elle reflète la tendance croissante du street art à investir les galeries, remettant en question les notions traditionnelles des beaux-arts. L'audace de son imagerie et la profondeur de son thème témoignent de l'influence de Viveros sur le genre, illustrant son talent pour intégrer des récits culturels à son art. « Frida La Muerte AP Artist Proof » est une œuvre majeure dans la carrière de Brian Viveros et s'inscrit pleinement dans le contexte plus large du street art et du graffiti. Elle constitue un exemple parfait de la manière dont les tirages en édition limitée peuvent incarner l'esprit d'une œuvre originale, offrant à la fois un plaisir esthétique et un lien tangible avec l'univers du créateur. L'interprétation de Frida Kahlo par Viveros à travers le prisme du street art contemporain continue de captiver le public et les collectionneurs, confirmant sa place dans l'histoire de l'art moderne.

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Hiéroglyphes modernes, graffiti, cuivre, PP, épreuve d'imprimerie, impression sur bloc de feuille d'aluminium par Mike Giant, édition limitée 1 couleur sur papier d'art Classic Crest Eggshell Neenah. Œuvre d'art pop graffiti bleu patriotique. Épreuve d'imprimeur PP 2019 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 18x24 Impression sur bloc de feuille de cuivre. « Épreuve d'impression de graffiti hiéroglyphique moderne en cuivre PP de Mike Giant » L'œuvre « Modern Hieroglyphics Graffiti Copper PP Printers Proof » de Mike Giant est une exploration introspective de la culture urbaine à travers la technique de la gravure sur feuille métallique. Cette épreuve d'artiste signée et numérotée de 2019 capture l'essence du street art et du graffiti dans une dimension qui saura séduire les collectionneurs d'art et les amateurs d'art urbain. Cette pièce en édition limitée, mesurant 45,7 x 61 cm, est une représentation unique de la vision de l'artiste, réalisée à la feuille de cuivre sur papier d'art Classic Crest Eggshell Neenah Solar White. La composition témoigne du talent reconnu de Giant pour synthétiser de nombreux symboles et icônes profondément ancrés dans la culture urbaine. La feuille de cuivre utilisée confère à l'œuvre une qualité métallique luxueuse, soulignant chaque élément d'un chatoiement qui contraste magnifiquement avec le fond bleu profond. L'utilisation d'une seule couleur met en valeur les détails complexes de l'estampe, permettant à chaque icône de se distinguer tout en contribuant à une narration cohérente. Célébrer la culture urbaine à travers l'iconographie Dans « Hiéroglyphes modernes », Mike Giant crée un véritable lexique visuel qui traduit le langage complexe de la culture urbaine en une série de symboles universellement reconnaissables. L'œuvre rappelle les hiéroglyphes anciens dans sa volonté de documenter et de communiquer par l'image ; cependant, les icônes choisies sont résolument contemporaines, reflétant l'immersion de l'artiste dans l'iconographie du skateboard, du tatouage et du graffiti. La mention « Épreuve d'imprimerie » indique un tirage utilisé pour vérifier la qualité avant le lancement de la production. Pièce rare, elle est souvent très prisée en raison de sa proximité avec l'intention originale de l'artiste. La signature et le marquage manuscrits de Giant authentifient l'originalité du tirage et son implication directe dans sa création, établissant un lien entre l'artiste et le collectionneur. L'œuvre de Mike Giant s'impose comme une affirmation audacieuse au sein du Street Pop Art, où les éléments esthétiques et thématiques du graffiti sont préservés et célébrés. Son utilisation de la technique de la gravure sur feuille métallique introduit une méthode traditionnelle dans une forme d'art moderne, faisant le lien entre les pratiques artistiques passées et présentes. L’œuvre « Hiéroglyphes modernes Graffiti Cuivre PP Épreuve d’impression » reflète la vitalité des rues et illustre le potentiel du street art à transcender ses origines et à trouver sa place au sein du récit plus large de l’art contemporain. À travers cette pièce, Giant contribue au dialogue permanent sur la place du graffiti et de la culture urbaine dans le monde de l’art, garantissant ainsi que ces voix soient non seulement entendues, mais aussi immortalisées visuellement.

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Vampire USA Company of Thieves Peinture originale Peinture à la bombe, acrylique et techniques mixtes sur panneau de bois par Ben Frost Artiste de rue graffiti Art pop moderne. Peinture originale signée de 2013, réalisée à la bombe aérosol et à l'acrylique, encadrée sur bois et prête à être accrochée. Dimensions : 24 x 32 pouces. Vampire USA de Ben Frost : Un audacieux croisement entre culture et critique « Vampire USA » de Ben Frost, issue de la série « Company of Thieves », illustre parfaitement la fusion harmonieuse entre le pop art moderne et l'esthétique urbaine. Cette composition saisissante, réalisée à la bombe aérosol, à l'acrylique et en techniques mixtes sur un panneau de bois, incarne l'esprit rebelle qui anime une grande partie du pop art urbain et du graffiti contemporains. Créée en 2013, cette œuvre originale signée mesure 61 x 81 cm et est prête à être accrochée. Elle offre un regard critique sur la culture américaine à travers l'esthétique du street art. L'artiste australien Ben Frost est reconnu pour son travail visuellement percutant, qui détourne souvent l'iconographie de la société de consommation et de la culture populaire pour créer des récits inédits et provocateurs. « Vampire USA » illustre parfaitement cette approche, utilisant des symboles familiers et les subvertissant pour critiquer la société américaine. Le motif du vampire superposé aux étoiles et aux rayures du drapeau américain crée une juxtaposition immédiate et troublante. Le vampire, symbole traditionnel de parasitisme et de prédation, devient une allégorie des aspects les plus sombres du rêve américain, suggérant une nation qui se nourrit des autres, voire d'elle-même. L'intensité de l'œuvre est renforcée par le choix du médium et de la technique de Frost. La qualité brute et viscérale de la peinture en aérosol, souvent associée à la scène graffiti underground, contraste avec la précision de l'acrylique pour créer une œuvre à la fois anarchique et méticuleuse. Cette dualité reflète la complexité de la culture américaine, où ordre et chaos coexistent fréquemment. Décryptage du symbolisme dans « Vampire USA » Dans « Vampire USA », le drapeau n'est pas un simple décor, mais une partie intégrante du récit. Les étoiles et les rayures deviennent la peau du vampire, l'essence même de son être, suggérant que l'entité et la nation sont indissociables. L'utilisation du rouge, du blanc et du bleu – couleurs qui évoquent le patriotisme – se transforme en un cri visuel qui invite le spectateur à repenser sa conception de l'identité et des valeurs nationales. Le choix de peindre sur des panneaux de bois contribue également à l'impact de l'œuvre. La texture organique du bois ancre la pièce dans une réalité tangible, contrastant avec la nature éthérée et souvent éphémère du graffiti. C'est une affirmation de permanence, une déclaration que les questions et les problématiques soulevées par la peinture ne disparaîtront pas avec la lumière du jour. « Vampire USA » est une œuvre puissante de street art qui incarne la capacité du genre à refléter et à critiquer la société. L'œuvre de Ben Frost capte l'esprit de la culture contemporaine, utilisant le langage de la rue pour aborder des thèmes profonds tels que l'identité, la consommation et la psyché américaine. Prête à être exposée, elle rappelle avec force le pouvoir de l'art de provoquer, de déstabiliser et d'inspirer le dialogue.

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Sérigraphie « The Van Man » de Jeremy Fish, imprimée à la main en 3 couleurs sur papier beaux-arts crème 298 g/m², édition limitée. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2017. Sérigraphie au format 16 x 20 pouces. Sérigraphie « The Van Man » de Jeremy Fish : une fusion de fantaisie et de savoir-faire « The Van Man » de Jeremy Fish est une sérigraphie en édition limitée qui incarne à la perfection la rencontre entre le pop art urbain et le savoir-faire artisanal. Sortie en 2017, cette estampe tirée à la main témoigne du langage visuel unique de Fish, qui mêle l'absurde à une précision méticuleuse. Tirée à cinquante exemplaires, cette œuvre signée et numérotée est imprimée sur un papier beaux-arts crème de 298 g/m², preuve de l'engagement de l'artiste envers la qualité et l'exclusivité. Mesurant 40,6 x 50,8 cm, « The Van Man » présente un motif complexe caractéristique de Fish, connu pour son style illustratif mettant souvent en scène des animaux, des figures mythiques et des scènes anthropomorphiques. L'œuvre représente un homme barbu coiffé d'une camionnette et un chat fumant la pipe niché dans sa barbe, créant une narration à la fois surréaliste et captivante. L'utilisation de trois couleurs dans la sérigraphie souligne le talent de Fish pour créer profondeur et texture, tout en rendant hommage au style pop art urbain classique. Le caractère ludique et imaginatif de « The Van Man » s'inscrit dans l'esprit du street art, qui invite souvent le spectateur à porter son regard au-delà du quotidien. L'œuvre de Fish se prête à l'interprétation et célèbre le plaisir de raconter des histoires par l'image. À l'instar de nombreuses œuvres de street art et de pop art, cette pièce est empreinte d'accessibilité et rejette l'exclusivité qui caractérise souvent le monde des beaux-arts. Résonance culturelle du « Van Man » dans l’art urbain « The Van Man » reflète l'esprit du temps, souvent présent dans le street art et le graffiti. La camionnette, symbole de voyage et de liberté, fusionnée à la figure humaine, suggère un récit d'aventure et met l'accent sur l'importance du voyage par rapport à la destination. La présence du chat ajoute une touche de camaraderie et de fantaisie, des traits qui font écho aux nuances affectueuses et souvent humoristiques du street art. En mêlant imagerie iconique et fantaisie, Jeremy Fish instaure un dialogue avec le spectateur, caractéristique du street art. L'estampe offre un plaisir visuel et sert de support narratif, une toile vierge sur laquelle chacun peut projeter ses propres expériences et interprétations. En ce sens, « The Van Man » n'est pas qu'une simple image : c'est un sujet de conversation, témoignant du pouvoir du street art à fédérer les communautés autour de l'imaginaire collectif. Le tirage limité et la fabrication artisanale de l'estampe reflètent également le caractère éphémère du graffiti et du street art, où chaque œuvre est unique et impossible à reproduire à l'identique. Cette rareté et cette individualité font écho à la nature éphémère du street art, qui peut être modifié ou effacé à tout moment, rendant chaque vision potentiellement unique. Contributions artistiques et impact de Jeremy Fish Les contributions de Jeremy Fish au pop art et au graffiti sont majeures par leur fusion des techniques des beaux-arts et de l'esthétique urbaine. Son œuvre « The Van Man » illustre sa capacité à naviguer entre ces deux univers, créant des pièces prisées des collectionneurs et admirées des amateurs de street art. Le procédé complexe de sérigraphie artisanale employé par Fish rappelle le pochoir méticuleux que l'on retrouve dans certaines des œuvres de street art les plus respectées, témoignant d'un respect pour la technique au sein d'un genre qui valorise la spontanéité et l'authenticité. De plus, l'œuvre de Fish incarne la tradition du pop art de manière contemporaine, avec son humour référentiel et son intégration de symboles culturels. « The Van Man », avec ses lignes audacieuses et sa palette de couleurs épurée, évoque une certaine nostalgie tout en restant résolument ancré dans le présent. Cette dualité est une caractéristique essentielle du pop art, qui puise souvent dans le passé pour commenter l'état actuel de la société. « The Van Man » de Jeremy Fish est une œuvre fascinante qui fait le lien entre la nature éphémère du street art et la qualité durable des estampes d'art. À travers cette œuvre, Fish contribue à définir le street art et le graffiti comme un espace d'expression visuelle novateur, accessible et captivant. Tirée à seulement cinquante exemplaires, « The Van Man » est une œuvre d'art unique et un commentaire culturel, incarnant l'esprit d'aventure et de camaraderie au cœur de l'expérience humaine.

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José Uribe/ Robot Futurama - Collage unique de techniques mixtes, réalisé à la main par Pat Riot, sur une carte de baseball vintage. Œuvre originale de 2014, technique mixte superposée sur une véritable carte vintage MLB Topps, avec un style pop art inspiré de : José Uribe/Robot Futurama - Giants

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JJ Hardy/Soldat de la Seconde Guerre mondiale - Orioles. Collage unique, embelli à la main, technique mixte sur carte de baseball vintage par Pat Riot. Carte vintage Topps MLB authentique, estampillée en 2014, technique mixte superposée, avec un style pop art inspiré de JJ Hardy/soldat de la Seconde Guerre mondiale (Orioles).

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Toxoplasmose 1 Estampe d'art en édition limitée avec pigments d'archives sur papier Moab Entrada 290 g/m² par l'artiste pop Casey Weldon, œuvre d'art moderne. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2017. Format : 12x12 pouces.

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Batman 14 Peinture acrylique originale de Rich Pellegrino Œuvre unique sur panneau de gesso par un artiste pop art de rue. Peinture acrylique originale signée de 2014, format 4x4, représentant Batman, super-héros de DC Comics tiré des films, bandes dessinées et séries télévisées de science-fiction. Batman 14 par Rich Pellegrino : Une icône moderne du pop art urbain « Batman 14 » de Rich Pellegrino est une remarquable peinture acrylique qui incarne l'essence du légendaire super-héros de DC Comics. Cette œuvre unique, créée en 2014, capture l'intensité sombre du Chevalier Noir. Mesurant 10 x 10 cm, la peinture utilise l'approche distinctive de Pellegrino, combinant des coups de pinceau audacieux et expressifs avec une palette de couleurs vives pour réinventer Batman comme un symbole de la culture pop moderne à travers le prisme du street art et de l'esthétique du graffiti. L'approche artistique de Rich Pellegrino Rich Pellegrino est reconnu pour son talent à mêler réalisme et abstraction stylisée, une qualité pleinement mise en valeur dans Batman 14. Utilisant de l'acrylique sur un panneau enduit de gesso, Pellegrino crée profondeur et texture dans son œuvre, en mélangeant des couches de teintes sourdes et vives pour souligner les traits emblématiques de Batman. Le regard perçant et la mâchoire carrée du personnage attirent le regard, contrastant avec le fond rose tendre qui remet en question l'imagerie sombre traditionnellement associée au héros. Cette juxtaposition reflète la vision novatrice de Pellegrino sur le pop art, fusionnant des éléments du graffiti urbain et des techniques des beaux-arts pour offrir une perspective inédite sur une figure classique. Batman en tant qu'icône de la culture populaire L'attrait intemporel de Batman en fait un sujet de prédilection pour le street art. Symbole de justice, de résilience et de mystère, Batman trouve un écho auprès d'un public intergénérationnel. L'interprétation de Pellegrino transcende le simple fan art, explorant la portée symbolique du personnage. La peinture saisit la dualité de Batman, à la fois sauveur et symbole de peur, grâce à une touche expressive qui traduit son conflit intérieur. En inscrivant le Chevalier Noir dans le contexte de l'art moderne, Pellegrino établit un lien entre l'univers de la bande dessinée et la portée culturelle plus large du personnage. L'influence du street art dans Batman 14 Le pop art urbain s'épanouit souvent en réinterprétant des icônes familières, et le Batman 14 de Pellegrino illustre parfaitement cette pratique. L'utilisation de traits audacieux et gestuels, ainsi qu'une palette de couleurs restreinte mais saisissante, rattache l'œuvre aux mouvements du graffiti et du street art. Le travail de Pellegrino brouille les frontières entre l'art savant et l'expression urbaine, rendant Batman accessible aussi bien aux amateurs de bandes dessinées qu'aux collectionneurs d'art. Le format compact de la toile souligne encore davantage son lien étroit avec le street art, évoquant ces petits tags percutants qui laissent une empreinte indélébile dans l'espace public. Batman 14 de Rich Pellegrino témoigne de la rencontre entre la mythologie des super-héros et l'art contemporain. En réinterprétant Batman à travers le prisme du pop art urbain, Pellegrino célèbre non seulement l'héritage du personnage, mais redéfinit également son statut d'icône culturelle et artistique. Cette œuvre est un incontournable pour les collectionneurs sensibles à la fusion de la nostalgie des comics et de l'énergie dynamique de l'art moderne.

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Hello Lukey, tirages d'art pigmentaires en édition limitée sur papier Moab Fine Art 290 g/m² par Luke Chueh, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2020. Format de l'œuvre : 12 x 12 pouces. Les œuvres de Chueh ont été exposées dans des galeries du monde entier, et certaines de ses peintures ont également été réinterprétées en figurines en vinyle.

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Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

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Phillies Leaders/Space Virus Bucket Collage unique orné à la main, technique mixte sur carte de baseball vintage par Pat Riot. Œuvre originale de 2014, estampée et réalisée en techniques mixtes superposées sur une véritable carte vintage Topps de la MLB, avec un style pop art rappelant : Phillies Leaders/Space Virus Bucket

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« Les Dieux au-delà des ténèbres », estampe giclée en édition limitée sur papier chiffon de coton velours, par Skinner, artiste de rue de la contre-culture. Skinner est un artiste autodidacte installé à Oakland, en Californie, qui a su créer un équilibre subtil entre des fresques murales exceptionnelles, des installations étranges et provocatrices, et une carrière commerciale florissante. Influencé par la culture pop des années 80, la lutte humaine, les mythes et la violence, les jeux de rôle et les légendes du heavy metal, l'univers de Skinner est un chaos psychosocial savamment orchestré.

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« 20 Sided Guy », édition limitée, impression giclée sur papier d'art de Mike Mitchell, artiste de rue de la contre-culture. Édition limitée à 125 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Œuvre de 20 x 25 cm représentant un homme avec un dé à 20 faces de Donjons et Dragons en guise de tête. Impression giclée par Mike Mitchell. Homme à 20 côtés, œuvre d'art pop art et graffiti de rue « 20 Sided Guy » de Mike Mitchell est une œuvre imaginative et humoristique qui mêle culture pop et surréalisme. Publiée en 2014 sous forme d'une édition limitée numérotée et signée, cette impression giclée mesure 20 x 25 cm et fait partie d'un tirage de 125 exemplaires. Reconnu pour son talent à fusionner des éléments de la culture pop avec des thèmes conceptuels profonds, Mitchell donne vie dans cette œuvre à un sujet à la fois original et universel. En fusionnant la forme humaine avec un élément emblématique des jeux de société, il crée une image qui parle autant aux amateurs de jeux de rôle fantastiques qu'aux passionnés de street art et de graffiti. Le concept derrière 20 Sided Guy L'œuvre représente une figure assise sur un simple tabouret, sa tête remplacée par un grand dé rouge à 20 faces. Elle évoque immédiatement les amateurs de jeux de rôle sur table, notamment Donjons et Dragons, où le dé joue un rôle crucial dans le destin. La face du dé est ornée de diverses expressions, chacune exprimant une émotion différente, de l'excitation à la tristesse, renforçant ainsi le thème de l'imprévisibilité. Le choix de Mitchell de remplacer une tête humaine par un dé suggère le caractère aléatoire de l'existence. Il joue avec l'idée que l'identité est laissée au hasard, où chaque décision peut changer le cours des choses, à l'image d'un lancer de dé. L'œuvre invite à réfléchir à l'imprévisibilité de la vie, incitant le spectateur à s'interroger sur la part de hasard et de contrôle dans son propre destin. Cette exploration du hasard s'inscrit dans l'esprit du pop art urbain et du graffiti, qui commentent souvent le chaos, l'incertitude et l'expérience humaine dans un monde en perpétuelle mutation. Le style emblématique de Mike Mitchell dans le street pop art L'approche artistique de Mitchell est profondément ancrée dans la culture populaire. Il s'approprie souvent des icônes connues et leur insuffle une dimension inattendue, introspective ou humoristique. Sa série « Just Like Us » humanise des personnages de fiction populaires, les rendant plus accessibles et ordinaires. Cependant, avec « 20 Sided Guy », il explore le surréalisme, conférant au sujet une présence quasi existentielle. Contrairement au graffiti traditionnel, souvent caractérisé par des images dynamiques et percutantes, l'œuvre de Mitchell est épurée, soignée et d'une grande précision numérique. L'utilisation d'ombrages doux et de fonds flous permet au sujet d'occuper le devant de la scène, rendant son travail à la fois ludique et stimulant. Ce contraste entre un sujet surréaliste et une exécution raffinée distingue son œuvre dans le paysage du street art et du graffiti. Les sous-entendus émotionnels de 20 Sided Guy Malgré son apparence fantaisiste, l'œuvre recèle une subtile mélancolie. La posture du personnage, jambes croisées et mains posées sur les genoux, inspire la contemplation. Le fond blanc et la disposition des dés sur le corps évoquent l'isolement, renforçant le thème de l'introspection et de l'incertitude. Le personnage semble attendre, comme s'il méditait sur son avenir. Ce mélange d'humour et de réflexion existentielle confère à l'œuvre de Mitchell toute sa force. « 20 Sided Guy » est bien plus qu'un hommage ludique aux jeux de rôle : c'est une réflexion sur le destin, la prise de décision et l'imprévisibilité de l'existence. Les amateurs de jeux vidéo y trouvent une pointe de nostalgie, tandis que les collectionneurs d'art apprécient la profondeur de son sens. Pourquoi « 20 Sided Guy » est une œuvre remarquable L'estampe « 20 Sided Guy » demeure très recherchée par les collectionneurs d'art urbain et de graffiti. Sa capacité à parler aussi bien aux passionnés de culture pop qu'aux amateurs d'art en fait une œuvre mémorable et unique. L'alliance du symbolisme vidéoludique, de l'humour et de l'introspection en fait une œuvre captivante qui continue de toucher ceux qui la découvrent. Le talent de Mike Mitchell pour mêler références culturelles et thèmes profonds garantit à cette œuvre une contribution durable au monde de l'art urbain contemporain.

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Here We Go, édition limitée, sérigraphie artisanale 4 couleurs sur papier beaux-arts par Gats - Graffiti Against The System, artiste de rue graffiti, art pop moderne.

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Chris Tillman/Frankenstein - Collage unique orné à la main des Orioles, technique mixte sur carte de baseball vintage par Pat Riot. Œuvre originale de 2014, réalisée en techniques mixtes superposées sur une véritable carte vintage Topps de la MLB, avec un style pop art inspiré de : Chris Tillman/Frankenstein - Orioles

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Circa 98 - Édition limitée bleue, sérigraphie artisanale bicolore sur papier épais d'archivage sans acide, par Mike Giant et Dave Kinsey, artistes de rue graffiti, art pop moderne. 2014. Signée et numérotée par Dave Kinsey et Mike Giant. Édition limitée à 100 exemplaires. Œuvre d'art de 18 x 24 pouces (45,7 x 61 cm). Sérigraphie .

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Papier buvard LSD Face, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Denial, œuvre d'art LSD de la culture pop. Édition limitée signée de 50 exemplaires, 2019. Dimensions de l'œuvre : 7,5 x 7,5 pouces. DENIAL est une artiste canadienne dont l'œuvre critique le consumérisme et la condition humaine. Basée à Windsor, en Ontario, DENIAL passe une grande partie de l'année à voyager et à exposer au Canada et aux États-Unis. Denial s'est imposé comme l'une des figures les plus marquantes de la pop art contemporaine. Toujours aussi pertinent, il s'attache à susciter la réflexion. Son travail explore depuis longtemps les limites de l'appropriation culturelle, qu'il utilise pour subvertir la valeur des produits culturels inscrits dans la mémoire collective occidentale. En d'autres termes, son œuvre invite le spectateur à réinventer notre société dystopique afin de la confronter, l'humour et l'ironie étant ses principaux outils.

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Souris gothique macabre, sculpture originale en papier mâché peinte à l'acrylique, œuvre de l'artiste low-brow Justin Aerni. Sculpture originale signée de 2011 représentant une souris en papier mâché, ruban adhésif et acrylique, 7x5

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Twenty One AP Sérigraphie par SNO x Shepard Fairey - OBEY Épreuve d'artiste Sérigraphie tirée à la main sur papier beaux-arts Édition limitée Œuvre d'art pop street art. Épreuve d'artiste (EA) 2017, signée et marquée EA, tirage original en édition limitée, format 18 x 24 pouces, sérigraphie « J'avais initialement conçu cette affiche pour la toute première exposition de ma galerie Subliminal Projects en 1995, et ils en sortent aujourd'hui une sérigraphie en édition limitée, remixée par mon agence créative Studio Number One. » – Shepard Fairey L'estampe sérigraphique « Twenty One AP » est une œuvre captivante qui immortalise une période marquante de l'art contemporain. Fruit de la collaboration entre SNO et l'icône Shepard Fairey, plus connu sous le nom d'OBEY, cette épreuve d'artiste (AP), tirée à la main sur papier beaux-arts, témoigne de la brillante évolution du street art en une forme d'expression reconnue et prestigieuse. Plus qu'une simple démonstration de virtuosité artistique, cette œuvre rend hommage à ses origines. Shepard Fairey lui-même a levé le voile sur sa création, révélant que le motif avait été initialement conçu pour l'exposition inaugurale de sa galerie, Subliminal Projects, en 1995. En 2017, ce même motif a été réinterprété et revisité à travers une sérigraphie en édition limitée. Cette approche novatrice a été rendue possible grâce à l'agence créative de Fairey, Studio Number One, qui a su fusionner l'esthétique originale avec des influences modernes. L'estampe se dresse comme une fusion d'ancien et de nouveau, à l'image des artistes qu'elle représente. Sa sortie a coïncidé avec le lancement de « Twenty-One », une exposition collective commémorant les 21 ans d'existence de Subliminal Projects. Organisée en juin 2017, l'exposition visait à recréer l'esprit des premières expositions DIY qui ont façonné l'identité de Subliminal. Intitulée à juste titre « TWENTY-ONE », elle rendait hommage aux artistes qui ont marqué l'histoire de la galerie, célébrant ceux qui ont contribué à son passé et ceux qui promettent un avenir dynamique. L'estampe et l'exposition, intimement liées, offrent un aperçu de l'esprit intemporel et de l'évolution du street art au fil des décennies.

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Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée « Truth Automaton » sur papier beaux-arts 310 g/m² par Nathan Spoor, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Cette œuvre est un exercice ludique où je me suis inspiré des idées, des mots et des images de penseurs créatifs assez radicaux. La plupart des personnages sont des manifestations des réactions de Ralph Steadman face à l'image déjantée et gonzo de Hunter S. Thompson, et de mon imagination quant à la façon dont ils se rassembleraient autour d'une valeur fondamentale de l'œuvre de Hunter : la quête éternelle de la vérité. Pour créer cette œuvre, j'ai été inspiré par les deux articles que j'écrivais pour Juxtapoz l'année dernière : un article de couverture sur Steadman et un article sur Hunter. J'ai fait des recherches pendant environ trois mois, lisant tout ce que je pouvais trouver, regardant toutes les images, articles, documentaires et interviews possibles. J'ai collectionné les éditions des livres des deux artistes, cherchant des éditions originales ou des livres rares de Steadman pour pouvoir tenir entre mes mains quelque chose imprégné de cette énergie originelle – cela peut paraître naïf, mais je suis un peu vieux jeu. Ainsi, tout en faisant mes recherches et en lisant, je développais aussi des idées et je… « Un article d'une taille respectable sur la folie collaborative qui unissait Steadman et Hunter. » – Nathan Spoor

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Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée Infinity Skull sur papier beaux-arts blanc brillant 310 g/m² par Sobekcis, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2015. Dimensions de l'œuvre : 11,7 x 16,5 pouces. « Ces deux œuvres s'inscrivent dans l'esthétique que nous développons depuis un an. Pour chacune d'elles, nous avons opté pour une approche hybride, travaillant à moitié à la main et finalisant les éléments géométriques et les couleurs sur ordinateur. Concernant « Infinity Skull », nous souhaitions explorer une forme asymétrique, comme nous l'avions déjà fait. Bien que cela n'ait pas été prévu au départ, l'œuvre a fini par évoquer une carte de tarot. Nous l'avons donc finalisée dans cette direction. Pour « Crystalpecker », l'idée était de reprendre le contour de l'oiseau, simplement inversé, et de jouer sur différentes combinaisons de couleurs afin de recréer cette symétrie, à l'instar du crâne. Nous avons ensuite cassé cette symétrie grâce au fond. » – Sobekcis

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Œuvre d'art en attente, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti de la culture pop Oneq.

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Impression giclée en édition limitée Immortan Joe sur papier d'art de qualité supérieure par Mike Mitchell, artiste de rue de la contre-culture. Impression giclée 30,5 x 40,5 cm (12 x 16 pouces), 2015. Numérotée à la main. Estampe giclée Immortan Joe par Mike Mitchell.

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Stuck 02 Œuvre d'art Giclée en édition limitée, impression surréaliste sur papier d'art 100% coton, par l'artiste de graffiti pop culture Naoto Hattori.

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Beautiful Dreamer 5, édition limitée, sérigraphie artisanale bicolore sur papier beaux-arts, par Aelhra, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 10 exemplaires , signée et numérotée , 2012. Dimensions de l'œuvre : 18 x 24 pouces.

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Papier buvard DockLSD (No Hitter) Édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Pat Riot, œuvre d'art LSD de la culture pop. « J’ai créé le portrait DockLSD en 2018. L’original mesure 122 x 91 cm et est réalisé avec du chewing-gum mâché. Dock Ellis était un joueur de la MLB qui a lancé un match sans coup sûr pour les Pirates de Pittsburgh le 12 juin 1970 sous l’influence du LSD. »

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