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JJ Hardy/Soldat de la Seconde Guerre mondiale - Orioles. Collage unique, embelli à la main, technique mixte sur carte de baseball vintage par Pat Riot. Carte vintage Topps MLB authentique, estampillée en 2014, technique mixte superposée, avec un style pop art inspiré de JJ Hardy/soldat de la Seconde Guerre mondiale (Orioles).

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« Les Dieux au-delà des ténèbres », estampe giclée en édition limitée sur papier chiffon de coton velours, par Skinner, artiste de rue de la contre-culture. Skinner est un artiste autodidacte installé à Oakland, en Californie, qui a su créer un équilibre subtil entre des fresques murales exceptionnelles, des installations étranges et provocatrices, et une carrière commerciale florissante. Influencé par la culture pop des années 80, la lutte humaine, les mythes et la violence, les jeux de rôle et les légendes du heavy metal, l'univers de Skinner est un chaos psychosocial savamment orchestré.

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Fern Goldfinch HPM Édition limitée, rehaussée à la main, impressions pigmentaires HPM d'archives sur papier Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² par Caia Koopman, artiste de rue graffiti, art pop moderne. 2020 Fougère Chardonneret signée • Tirage pigmentaire d'archive autographié • Rehaussements à la main sur papier d'archive Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² • 35,5 x 43 cm. Rehaussée à la main, signée et numérotée par l'artiste Caia Koopman, cette édition limitée rehaussée est composée de 15 exemplaires.

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Sérigraphie « The Van Man » de Jeremy Fish, imprimée à la main en 3 couleurs sur papier beaux-arts crème 298 g/m², édition limitée. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2017. Sérigraphie au format 16 x 20 pouces. Sérigraphie « The Van Man » de Jeremy Fish : une fusion de fantaisie et de savoir-faire « The Van Man » de Jeremy Fish est une sérigraphie en édition limitée qui incarne à la perfection la rencontre entre le pop art urbain et le savoir-faire artisanal. Sortie en 2017, cette estampe tirée à la main témoigne du langage visuel unique de Fish, qui mêle l'absurde à une précision méticuleuse. Tirée à cinquante exemplaires, cette œuvre signée et numérotée est imprimée sur un papier beaux-arts crème de 298 g/m², preuve de l'engagement de l'artiste envers la qualité et l'exclusivité. Mesurant 40,6 x 50,8 cm, « The Van Man » présente un motif complexe caractéristique de Fish, connu pour son style illustratif mettant souvent en scène des animaux, des figures mythiques et des scènes anthropomorphiques. L'œuvre représente un homme barbu coiffé d'une camionnette et un chat fumant la pipe niché dans sa barbe, créant une narration à la fois surréaliste et captivante. L'utilisation de trois couleurs dans la sérigraphie souligne le talent de Fish pour créer profondeur et texture, tout en rendant hommage au style pop art urbain classique. Le caractère ludique et imaginatif de « The Van Man » s'inscrit dans l'esprit du street art, qui invite souvent le spectateur à porter son regard au-delà du quotidien. L'œuvre de Fish se prête à l'interprétation et célèbre le plaisir de raconter des histoires par l'image. À l'instar de nombreuses œuvres de street art et de pop art, cette pièce est empreinte d'accessibilité et rejette l'exclusivité qui caractérise souvent le monde des beaux-arts. Résonance culturelle du « Van Man » dans l’art urbain « The Van Man » reflète l'esprit du temps, souvent présent dans le street art et le graffiti. La camionnette, symbole de voyage et de liberté, fusionnée à la figure humaine, suggère un récit d'aventure et met l'accent sur l'importance du voyage par rapport à la destination. La présence du chat ajoute une touche de camaraderie et de fantaisie, des traits qui font écho aux nuances affectueuses et souvent humoristiques du street art. En mêlant imagerie iconique et fantaisie, Jeremy Fish instaure un dialogue avec le spectateur, caractéristique du street art. L'estampe offre un plaisir visuel et sert de support narratif, une toile vierge sur laquelle chacun peut projeter ses propres expériences et interprétations. En ce sens, « The Van Man » n'est pas qu'une simple image : c'est un sujet de conversation, témoignant du pouvoir du street art à fédérer les communautés autour de l'imaginaire collectif. Le tirage limité et la fabrication artisanale de l'estampe reflètent également le caractère éphémère du graffiti et du street art, où chaque œuvre est unique et impossible à reproduire à l'identique. Cette rareté et cette individualité font écho à la nature éphémère du street art, qui peut être modifié ou effacé à tout moment, rendant chaque vision potentiellement unique. Contributions artistiques et impact de Jeremy Fish Les contributions de Jeremy Fish au pop art et au graffiti sont majeures par leur fusion des techniques des beaux-arts et de l'esthétique urbaine. Son œuvre « The Van Man » illustre sa capacité à naviguer entre ces deux univers, créant des pièces prisées des collectionneurs et admirées des amateurs de street art. Le procédé complexe de sérigraphie artisanale employé par Fish rappelle le pochoir méticuleux que l'on retrouve dans certaines des œuvres de street art les plus respectées, témoignant d'un respect pour la technique au sein d'un genre qui valorise la spontanéité et l'authenticité. De plus, l'œuvre de Fish incarne la tradition du pop art de manière contemporaine, avec son humour référentiel et son intégration de symboles culturels. « The Van Man », avec ses lignes audacieuses et sa palette de couleurs épurée, évoque une certaine nostalgie tout en restant résolument ancré dans le présent. Cette dualité est une caractéristique essentielle du pop art, qui puise souvent dans le passé pour commenter l'état actuel de la société. « The Van Man » de Jeremy Fish est une œuvre fascinante qui fait le lien entre la nature éphémère du street art et la qualité durable des estampes d'art. À travers cette œuvre, Fish contribue à définir le street art et le graffiti comme un espace d'expression visuelle novateur, accessible et captivant. Tirée à seulement cinquante exemplaires, « The Van Man » est une œuvre d'art unique et un commentaire culturel, incarnant l'esprit d'aventure et de camaraderie au cœur de l'expérience humaine.

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Warhol 82 Large Face Peinture à l'huile originale de Peter Keil Œuvre unique sur panneau de Masonite par The Wild Man of Berlin, un artiste contemporain célèbre. Peinture à l'huile sur panneau de masonite, signée et datée de 1982. Œuvre originale de 61 x 61 cm (24 x 24 pouces). Peter Keil utilise une peinture épaisse, ce qui explique la présence possible de quelques écaillures, compte tenu de l'âge et de la nature de son travail. Portrait d'Andy Warhol. Le grand visage de Warhol '82 de Peter Keil : un exemple de pop art urbain La peinture à l'huile originale « Warhol '82 Large Face » de Peter Keil représente une profonde rencontre entre la spontanéité du street art et la sensibilité stylisée du pop art. Réalisée sur un panneau de Masonite, cette œuvre de 61 x 61 cm, signée par le « Wild Man of Berlin », capture la vigueur artistique de l'époque et rend hommage à l'une des figures les plus emblématiques du pop art : Andy Warhol. Peter Keil, figure majeure du mouvement, est reconnu pour sa palette vibrante et sa touche vigoureuse, caractéristiques de cette pièce unique. Créée en 1982 et signée par Keil, la peinture témoigne de son approche dynamique du portrait et de son lien avec le récit plus large de l'art contemporain. L'utilisation d'une peinture épaisse est une signature du style de Keil, conférant à l'image une texture presque sculpturale. Tout en contribuant à l'impact visuel de l'œuvre, cette technique a également entraîné un écaillage de la peinture au fil du temps – une caractéristique fréquente des œuvres de Keil de cette période. Malgré cela, ou peut-être grâce à cela, la peinture dégage une impression d'histoire et d'authenticité. Elle témoigne non seulement de la longévité de l'art de Keil, mais aussi de la nature organique du pop art urbain, un genre qui célèbre souvent la beauté de l'imperfection et le passage du temps. La signification culturelle du portrait de Warhol par Keil L'importance culturelle du portrait de Warhol par Keil est indéniable. En représentant Warhol, Keil s'inscrit dans une tradition artistique profondément ancrée dans l'exploration de la culture des célébrités, des médias de masse et de la société de consommation. Warhol, figure emblématique du pop art, est un sujet idéal pour le style expressif de Keil, souvent caractérisé par un rejet des canons de beauté conventionnels et une célébration de l'expression individuelle. Ce portrait n'est pas seulement une ressemblance avec Warhol, mais un dialogue avec son héritage, rendu par les couleurs vives et les lignes fluides devenues la signature de l'œuvre de Keil. De plus, le choix du Masonite comme support est particulièrement pertinent dans le contexte du street art et du graffiti. En tant que matériau, le Masonite fait le lien entre la toile traditionnelle et le paysage urbain, faisant entrer l'esprit de la rue dans la galerie. Ses qualités robustes et sans prétention reflètent l'esprit d'accessibilité du street art et la remise en question des canons esthétiques par le pop art. Cette œuvre d'art est un morceau d'histoire culturelle, qui incarne l'esprit de son époque et le dialogue permanent entre la culture urbaine et le monde de l'art. L'héritage et l'impact durable de l'approche artistique de Keil L'héritage et l'influence durable de la démarche artistique de Keil sont manifestes dans des œuvres telles que « Warhol '82 Large Face ». Sa technique, qui consiste à appliquer d'épaisses couches de peinture à l'huile, confère à l'œuvre sa texture et sa profondeur si particulières, et l'inscrit dans la longue histoire de la peinture. À l'instar du graffiti, le travail de Keil possède une immédiateté et une intensité amplifiées par la matérialité même de la peinture. Cette matérialité, combinée à la portée culturelle de ses sujets, crée une fusion saisissante qui a influencé aussi bien le street art que le pop art. Les portraits de Keil transcendent la simple représentation ; ils incarnent l'esprit de ses sujets, capturant leur essence par la vigueur de ses coups de pinceau et l'audace de son utilisation de la couleur. « Warhol '82 Large Face » illustre parfaitement comment l'œuvre de Keil résonne avec la vitalité et la profondeur émotionnelle de l'expérience urbaine. C’est grâce à des œuvres comme celle-ci que Peter Keil trouve sa place au panthéon des artistes ayant réussi à fusionner le street art et la peinture traditionnelle, créant ainsi un langage visuel à la fois familier et révolutionnaire. « Warhol '82 Large Face » de Peter Keil est une pièce majeure de l’histoire de l’art et un témoignage vibrant de l’histoire visuelle du street art et du graffiti. Son importance réside dans sa capacité à traverser le temps, portant les marques de sa création et la vision de son auteur. En tant que document historique, elle offre un aperçu des préoccupations esthétiques et thématiques de la scène artistique du début des années 1980. En tant qu’œuvre d’art, elle constitue une puissante expression d’identité, de culture et de la nature pérenne de la communication visuelle.

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Estampe d'archive Symbiosis de Beau Stanton, édition limitée sur papier d'art en coton, œuvre d'art moderne de style pop graffiti street art. Tirage d'art signé et numéroté, édition limitée à 75 exemplaires, 2022. Format : 18x24. Impression pigmentaire d'archives. L'intersection des styles dans l'estampe d'archives Symbiosis de Beau Stanton Dans le paysage foisonnant de l'art contemporain, « Symbiosis » de Beau Stanton s'impose comme un exemple saisissant de street art, de pop art et de graffiti. Cette édition limitée, imprimée sur papier d'art en coton de qualité supérieure, témoigne de la maîtrise de Stanton dans l'art de fusionner l'art classique et les sensibilités modernes, le tout dans un format de 45,7 x 61 cm. Créée en 2022, cette œuvre fait partie d'une série très exclusive, limitée à 75 exemplaires signés et numérotés, chacun portant la signature unique de l'artiste. « Symbiosis » de Stanton est bien plus qu'une simple œuvre d'art : c'est une exploration visuelle de l'harmonieuse relation entre l'iconographie historique et la palette de couleurs explosive propre au street art et au pop art. L'utilisation de pigments d'archivage confère à l'œuvre une dimension intemporelle, garantissant ainsi la pérennité de son éclat et un hommage durable à la fusion des styles artistiques. Création de récits visuels dans le pop art urbain moderne Stanton est reconnu pour son talent à créer des récits visuels complexes qui communiquent des thèmes subtils par la superposition d'images. « Symbiose » illustre parfaitement cette technique narrative. L'œuvre présente un visage serein et classique qui émerge d'une végétation luxuriante, instaurant un dialogue entre le monde naturel et l'histoire humaine. La juxtaposition d'un visage rendu de façon classique avec des éléments floraux modernes et stylisés illustre la relation symbiotique entre passé et présent, un thème récurrent dans le travail de Stanton. Le papier beaux-arts sert de support à cette danse symbiotique, où les contrastes de textures soulignent la profondeur de la narration visuelle de Stanton. Le choix du médium est délibéré, jetant un pont entre l'art traditionnel et les méthodes contemporaines. Il témoigne du respect de l'artiste pour les techniques classiques tout en embrassant la nature dynamique et accessible du street art. La place de Beau Stanton dans l'art contemporain La contribution de Beau Stanton au monde de l'art, à travers des œuvres comme « Symbiosis », confirme son statut de visionnaire moderne capable de transcender les frontières du Street Pop Art et du graffiti. Son travail ne se limite pas aux rues dont le genre tire son nom, mais s'étend aux galeries et aux collections privées, témoignant d'une évolution dans la perception et la valorisation de l'art urbain. La disponibilité limitée de « Symbiosis » renforce encore son prestige au sein de la communauté artistique. Collectionneurs et amateurs d'art moderne se disputent l'opportunité de posséder une œuvre de la vision de Stanton, à la fois objet de collection et commentaire culturel. La rareté de l'œuvre reflète également l'essor du marché de l'art urbain, où l'exclusivité et l'originalité sont des qualités très recherchées. Dans l'art moderne, le tirage d'archive de « Symbiosis » s'impose comme un symbole de l'évolution du Street Pop Art et du graffiti. La fusion fluide d'expressions artistiques historiques et contemporaines opérée par Beau Stanton dans cette estampe remet en question et élargit les frontières du street art. Elle démontre que cet art n'est pas figé, mais constamment redéfini par des artistes comme Stanton, qui osent imaginer et créer au-delà des cadres conventionnels.

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José Uribe/ Robot Futurama - Collage unique de techniques mixtes, réalisé à la main par Pat Riot, sur une carte de baseball vintage. Œuvre originale de 2014, technique mixte superposée sur une véritable carte vintage MLB Topps, avec un style pop art inspiré de : José Uribe/Robot Futurama - Giants

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Redefine Beauty 3 A1 Impression giclée par Jay Kaes Œuvre d'art en édition limitée Impression sur papier d'art Photorag Giclée Hahnemühle Artiste de rue graffiti pop. Édition limitée à 5 exemplaires, signée et numérotée, format A1, 2023. Dimensions de l'œuvre : 23,4 x 33,1 cm. La vision derrière « Redéfinir la beauté 3 » Le street art et le graffiti forment une fusion fascinante d'expressions artistiques, reflet de l'évolution constante du paysage urbain. L'estampe giclée « Redefine Beauty 3 » (format A1) de Jay Kaes illustre parfaitement cette fusion des genres. Tirée à seulement cinq exemplaires numérotés et signés, cette œuvre exclusive capture l'essence du discours visuel contemporain, repoussant les limites de l'esthétique traditionnelle. Le travail de Jay Kaes suscite souvent un dialogue sur la nature de la beauté et les normes sociales qui façonnent notre perception. Dans « Redefine Beauty 3 », ce dialogue prend vie grâce à un collage vibrant d'images et de couleurs, incitant le spectateur à remettre en question ses idées préconçues sur l'attractivité. L'œuvre, de format 59,4 x 84 cm, offre à Kaes un support généreux pour explorer la beauté à travers un mélange d'éléments abstraits et figuratifs. Il en résulte une œuvre stimulante, une déclaration audacieuse au sein du street art et du graffiti. Impression giclée sur Photorag : Fusion de la tradition et de l'innovation L'utilisation du papier beaux-arts Photorag Giclée Hahnemühle souligne l'engagement de l'artiste envers la qualité et la pérennité. Ce procédé d'impression, reconnu pour sa grande fidélité à l'œuvre originale, utilise un jet d'encre sophistiqué pour atteindre un niveau de détail et une richesse de couleurs inégalés. Apprécié des artistes pour sa texture lisse et son fini mat, ce papier sublime l'impact visuel de « Redefine Beauty 3 », conférant à chaque tirage en édition limitée un caractère exclusif et une intégrité artistique exemplaire. La place du street art, du pop art et du graffiti dans le monde de l'art Le caractère exclusif de l'édition limitée de « Redefine Beauty 3 » s'inscrit dans une tendance plus large du street art et du graffiti, où les artistes proposent souvent leurs œuvres en tirages restreints et exclusifs afin de préserver leur rareté et leur valeur. L'exclusivité de l'estampe de Kaes, combinée à son grand format A1, en fait une pièce très recherchée par les collectionneurs et les amateurs. Elle capture l'énergie et la spontanéité du street art tout en offrant la minutie et la précision que les collectionneurs d'art apprécient. L'impact de Jay Kaes et sa contribution artistique Jay Kaes est un artiste qui capture le dynamisme de la culture urbaine et l'énergie des rues. Ses œuvres, dont « Redefine Beauty 3 », sont reconnues pour la richesse de leurs superpositions, la complexité de leurs compositions et l'audace de leurs couleurs. Son approche du street art et du graffiti rend hommage à la nature brute et expressive de ce dernier, tout en l'enrichissant de la sensibilité pop propre au street art. Grâce à sa vision unique, il s'est taillé une place de choix dans le monde de l'art, un espace qui fait le lien entre différents domaines artistiques. Valeur et importance de « Redefine Beauty 3 » Les collectionneurs d'art urbain et de graffiti recherchent souvent des œuvres visuellement marquantes, porteuses d'un message en résonance avec les problématiques sociétales contemporaines. « Redefine Beauty 3 » de Jay Kaes incarne cette quête : son récit visuel saisissant invite à une réflexion sur les normes de beauté. Avec son format A1 et son édition limitée, cette œuvre témoigne de l'évolution constante de l'art urbain, qui trouve toujours sa place dans les collections des amateurs d'art. « Redefine Beauty 3 » de Jay Kaes illustre avec force la capacité de l'art urbain et du graffiti à interpeller et à questionner le public. Son édition limitée, l'impression giclée de haute qualité sur papier d'art Hahnemühle et sa composition stimulante contribuent à son importance en tant qu'œuvre d'art transcendant les frontières entre la rue et la galerie. Alors que l'art urbain gagne en reconnaissance et en respect dans le monde de l'art, des œuvres comme « Redefine Beauty 3 » marquent des étapes importantes qui attestent de la pertinence et de l'impact durables de ce genre.

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Twenty One AP Sérigraphie par SNO x Shepard Fairey - OBEY Épreuve d'artiste Sérigraphie tirée à la main sur papier beaux-arts Édition limitée Œuvre d'art pop street art. Épreuve d'artiste (EA) 2017, signée et marquée EA, tirage original en édition limitée, format 18 x 24 pouces, sérigraphie « J'avais initialement conçu cette affiche pour la toute première exposition de ma galerie Subliminal Projects en 1995, et ils en sortent aujourd'hui une sérigraphie en édition limitée, remixée par mon agence créative Studio Number One. » – Shepard Fairey L'estampe sérigraphique « Twenty One AP » est une œuvre captivante qui immortalise une période marquante de l'art contemporain. Fruit de la collaboration entre SNO et l'icône Shepard Fairey, plus connu sous le nom d'OBEY, cette épreuve d'artiste (AP), tirée à la main sur papier beaux-arts, témoigne de la brillante évolution du street art en une forme d'expression reconnue et prestigieuse. Plus qu'une simple démonstration de virtuosité artistique, cette œuvre rend hommage à ses origines. Shepard Fairey lui-même a levé le voile sur sa création, révélant que le motif avait été initialement conçu pour l'exposition inaugurale de sa galerie, Subliminal Projects, en 1995. En 2017, ce même motif a été réinterprété et revisité à travers une sérigraphie en édition limitée. Cette approche novatrice a été rendue possible grâce à l'agence créative de Fairey, Studio Number One, qui a su fusionner l'esthétique originale avec des influences modernes. L'estampe se dresse comme une fusion d'ancien et de nouveau, à l'image des artistes qu'elle représente. Sa sortie a coïncidé avec le lancement de « Twenty-One », une exposition collective commémorant les 21 ans d'existence de Subliminal Projects. Organisée en juin 2017, l'exposition visait à recréer l'esprit des premières expositions DIY qui ont façonné l'identité de Subliminal. Intitulée à juste titre « TWENTY-ONE », elle rendait hommage aux artistes qui ont marqué l'histoire de la galerie, célébrant ceux qui ont contribué à son passé et ceux qui promettent un avenir dynamique. L'estampe et l'exposition, intimement liées, offrent un aperçu de l'esprit intemporel et de l'évolution du street art au fil des décennies.

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Œuvre d'art en attente, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti de la culture pop Oneq.

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Beethoven - Fidelio, édition limitée, sérigraphie artisanale en 3 couleurs sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² par John Van Hamersveld, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition 2020, signée et numérotée sur 100 exemplaires. Le travail de John dépasse largement le cadre du surf. Il a réalisé des affiches pour des artistes tels que Jimi Hendrix, Cream et Jefferson Airplane, pour n'en citer que quelques-uns. Il a également travaillé dans le secteur privé, créant le logo emblématique, les concepts de franchises et la signalétique de la chaîne de restaurants Fatburger, présente dans plus de 200 pays.

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Sérigraphie en édition limitée multicolore double face noire SP 13 couleurs tirée à la main sur papier d'art de Takashi Murakami TM/KK Rare Street Art Artiste Pop Artiste célèbre. Épreuve d'artiste SP State 2020, signée et numérotée, édition limitée à 25 exemplaires. Dimensions de l'œuvre : 23,3 x 19,68 cm. Sérigraphie représentant deux fleurs noires jumelles fusionnant au centre, des visages souriants sur fond blanc et des fleurs multicolores arc-en-ciel. Takashi Murakami, figure emblématique de la fusion entre art savant et culture pop, n'a cessé de repousser les limites de l'art contemporain. L'une de ses créations les plus captivantes, « Multicolor Double Face Black SP », témoigne de sa maîtrise des médiums du street art, du pop art et du graffiti. Cette sérigraphie artisanale en édition limitée, réalisée en 13 couleurs sur papier d'art de haute qualité, incarne la vitalité et la complexité qui font la renommée de Murakami. Sortie en 2020, elle révèle une attention méticuleuse aux détails et une interprétation avant-gardiste des symboles pop, ce qui en fait une pièce très recherchée par les amateurs d'art. Mesurant 23,3 x 19,68 cm, l'œuvre représente une scène visuellement saisissante : des figures jumelles fusionnent au centre, entourées d'un spectre de couleurs exubérantes créant un effet arc-en-ciel. La dualité des images et le jeu subtil des couleurs et des motifs illustrent le charme énigmatique de l'art de Murakami. La juxtaposition de fleurs noires aux visages souriants sur un fond blanc immaculé accentue le contraste, insufflant vie et dynamisme à l'œuvre. Cette création envoûtante, une épreuve d'artiste, est éditée à seulement 25 exemplaires (SP25), ce qui en fait une pièce de collection précieuse. Chaque estampe est signée et numérotée, gage d'authenticité et d'exclusivité. Dans le domaine du pop art et du street art, « Multicolor Double Face Black SP » de Murakami est un véritable phare d'innovation artistique. Elle témoigne de la capacité de l'artiste à fusionner l'art traditionnel japonais avec des motifs urbains contemporains, créant ainsi un dialogue visuel universel qui parle à un public intergénérationnel et interculturel.

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Impression giclée en édition limitée Immortan Joe sur papier d'art de qualité supérieure par Mike Mitchell, artiste de rue de la contre-culture. Impression giclée 30,5 x 40,5 cm (12 x 16 pouces), 2015. Numérotée à la main. Estampe giclée Immortan Joe par Mike Mitchell.

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Beethoven - Pour Élise, édition limitée, sérigraphie artisanale en 3 couleurs sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² par John Van Hamersveld, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Le travail de John ne se limite pas à l'industrie du surf. Il a réalisé des affiches pour des artistes tels que Jimi Hendrix, Cream et Jefferson Airplane, pour n'en citer que quelques-uns. Il a également travaillé dans des secteurs plus commerciaux, en créant le logo emblématique, les concepts de franchises et la signalétique de la chaîne de restaurants Fatburger, présente dans plus de 200 pays à travers le monde.

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« You Complete Me », estampe giclée de Bec Winnel, œuvre d'art en édition limitée sur papier beaux-arts, artiste graffiti pop de rue. Édition limitée à 25 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Œuvre de 11 x 16,5 pouces représentant une jeune femme blonde stylisée, les yeux fermés, vêtue d'une veste, dans les montagnes Rocheuses. L'entrelacement de la nature et de la féminité dans « Tu me complètes » de Bec Winnel L'estampe giclée « You Complete Me » de Bec Winnel est une œuvre d'art captivante qui incarne l'esprit du pop art urbain et du graffiti tout en explorant un univers plus introspectif et organique. Cette édition limitée à 25 exemplaires, signée et numérotée, mesure 28 x 42 cm. Elle présente un portrait éthéré d'une jeune femme blonde stylisée, les yeux clos, dont la silhouette se fond harmonieusement dans la majesté sauvage des montagnes Rocheuses. Bec Winnel : Un maître de la poésie visuelle L'artiste australienne Bec Winnel instaure dans son œuvre un subtil équilibre entre l'émotion humaine et la puissance sublime de la nature. Son travail ne se contente pas d'être vu ; il se ressent. Dans « You Complete Me », la symbiose entre la femme et les montagnes suggère un récit d'unité et de plénitude. En intégrant à son art urbain pop des éléments traditionnellement étrangers à ce style, tels que des paysages et des motifs naturels, Winnel crée une esthétique unique et captivante. La juxtaposition de la douceur onirique du visage de la femme et de la force brute et immuable des montagnes évoque un sentiment de paix et un lien profond avec la terre. Le pop art urbain et son évolution Le Street Pop Art, genre reconnu pour son énergie vibrante et souvent rebelle, est généralement associé aux environnements urbains et à la culture graffiti. Cependant, des artistes comme Bec Winnel élargissent cette définition, intégrant des éléments naturels et des images plus douces au sein du Street Pop Art. Ce faisant, ils redéfinissent ce que peut être l'art du graffiti. « You Complete Me » invite le spectateur à regarder au-delà des murs de béton et à percevoir le lien entre l'organique et l'artificiel. L'œuvre de Winnel témoigne de la polyvalence et de la nature en constante évolution du Street Pop Art, démontrant qu'il ne se limite pas aux paysages urbains et peut en effet englober un éventail beaucoup plus large de thèmes et de sujets. L'importance de l'art en édition limitée dans la culture moderne Le concept d'édition limitée joue un rôle crucial dans la diffusion et l'appréciation de l'art au sein de la culture contemporaine. « You Complete Me », à l'instar des autres éditions limitées de Bec Winnel, offre un lien intime avec la vision de l'artiste. L'exclusivité de posséder l'un des 25 exemplaires seulement confère à l'œuvre une valeur monétaire et une signification personnelle exceptionnelles. Les collectionneurs d'œuvres de Winnel n'acquièrent pas simplement une œuvre d'art ; ils s'imprègnent d'une part de l'âme de l'artiste et rejoignent un cercle restreint qui détient les clés de ce récit visuel. Cette rareté souligne également l'impact du Street Pop Art et du graffiti sur l'art moderne, prouvant que ces genres ont une importance considérable dans le monde de l'art et peuvent posséder la même gravité que les formes d'art classiques. En définitive, l'estampe giclée « You Complete Me » est une expression profonde de la philosophie artistique de Bec Winnel, mêlant l'humain à la grandeur du monde naturel. Cette œuvre est un exemple éclatant de la manière dont le Street Pop Art peut transcender ses racines urbaines et explorer des thèmes plus profonds et universels. Elle témoigne non seulement du talent de Winnel, mais aussi du paysage dynamique et évolutif de l'art contemporain. Par son travail, Winnel contribue au débat sur les frontières et les intersections des genres artistiques, s'assurant ainsi une place de choix dans l'histoire de l'art moderne.

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Achetez VINYLTOY Édition Limitée Vinyl Art Toy Sculpture Oeuvre de Collection par Pop Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée de XXX Taille de l'œuvre XXX Nouveau dans la boîte Estampillé/Imprimé/COA INFO

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Circa 98 - Édition limitée bleue, sérigraphie artisanale bicolore sur papier épais d'archivage sans acide, par Mike Giant et Dave Kinsey, artistes de rue graffiti, art pop moderne. 2014. Signée et numérotée par Dave Kinsey et Mike Giant. Édition limitée à 100 exemplaires. Œuvre d'art de 18 x 24 pouces (45,7 x 61 cm). Sérigraphie .

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Here We Go, édition limitée, sérigraphie artisanale 4 couleurs sur papier beaux-arts par Gats - Graffiti Against The System, artiste de rue graffiti, art pop moderne.

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Œuvre d'art Biosphère, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure par l'artiste de graffiti pop culture Jason Levesque. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Format de l'œuvre : 12 x 18 pouces.

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Souris gothique macabre, sculpture originale en papier mâché peinte à l'acrylique, œuvre de l'artiste low-brow Justin Aerni. Sculpture originale signée de 2011 représentant une souris en papier mâché, ruban adhésif et acrylique, 7x5

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Shuiro Emotions, sérigraphie en édition limitée 5 couleurs tirée à la main sur papier Stonehenge blanc 250 g/m² par Shishidomia, artiste pop art célèbre et rare. 2021. Ces sérigraphies de haute qualité, imprimées à la main en 5 couleurs sur papier blanc Stonehenge 250 g/m², présentent des motifs japonais rehaussés d'un effet translucide qui varie selon la lumière et l'environnement. Caractéristiques/Informations complémentaires : Dimensions : 45,7 x 61 cm. Chaque exemplaire est signé et numéroté à la main. Tirage limité à 20 exemplaires. « J’aime l’idée de création et la beauté de l’imagination pure. Je vois mon travail comme une fenêtre ouverte sur un monde parallèle, un monde où chacun peut trouver sa place. Un monde où la beauté de l’époque Edo au Japon se heurte à la puissance des symboles actuels de la culture occidentale et de la modernité. En tant que femme métisse japonaise, ayant grandi dans l’un des pays les plus homogènes au monde (le Japon), j’ai passé la majeure partie de ma vie à la recherche d’un sentiment d’appartenance. Cela m’a poussée à créer ma propre réalité, une réalité faite d’émotions Shuiro. » – Shishidomia

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Circa 98 - Édition limitée orange, sérigraphie artisanale bicolore sur papier épais d'archivage sans acide, par Mike Giant et Dave Kinsey, artistes de rue graffiti, art pop moderne. 2014. Signée et numérotée par Dave Kinsey et Mike Giant. Édition limitée à 100 exemplaires. Œuvre d'art de 18 x 24 pouces (45,7 x 61 cm). Sérigraphie.

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Frida La Muerte AP Artist Proof, œuvre d'art pop street, édition limitée, impression giclée sur papier beaux-arts par l'artiste moderne de graffiti urbain Brian Viveros. Épreuve d'artiste AP 2013 Signée et marquée AP Édition limitée Œuvre d'art giclée 16x20 Frida La Muerte Frida Mort. Brian Viveros et le concept d'épreuve d'artiste dans le pop art urbain Dans le street art et le graffiti, la notion d'épreuve d'artiste revêt une importance particulière. Elle désigne un tirage distinct de l'édition courante et est souvent considérée comme plus précieuse en raison de sa rareté et de l'implication directe de l'artiste. L'épreuve d'artiste « Frida La Muerte » de Brian Viveros illustre parfaitement ce concept. Publiée en 2013, cette édition limitée, imprimée en giclée sur papier d'art, témoigne du talent de Viveros et de son influence sur le monde de l'art. "Frida La Muerte" de Viveros : une intersection culturelle « Frida La Muerte » illustre de façon saisissante la manière dont Viveros explore l'iconographie culturelle et l'expression artistique personnelle. L'œuvre rend hommage à la légendaire Frida Kahlo, célèbre pour ses autoportraits qui intégraient souvent des représentations symboliques de blessures physiques et psychologiques. L'interprétation de Viveros est une relecture moderne qui fusionne l'image iconique de Kahlo avec des éléments du Jour des Morts, créant une juxtaposition captivante de la vie, de la mort et de l'identité. L'importance de la technique giclée dans la reproduction d'art moderne L'impression giclée, réputée pour sa grande fidélité à l'œuvre originale, est une méthode de reproduction privilégiée sur le marché de l'art, notamment pour les éditions limitées. L'épreuve d'artiste « Frida La Muerte AP » bénéficie de cette technologie, présentant l'œuvre de Viveros avec une clarté et une précision chromatique au plus proche de l'original. Mesurant 40 x 50 cm, cette œuvre offre un format idéal permettant d'apprécier la finesse des détails et les qualités texturales du style unique de Viveros. L'attrait de l'édition limitée de l'œuvre de Viveros L'attrait des estampes en édition limitée comme « Frida La Muerte AP Artist Proof » réside dans leur exclusivité et leur lien avec la vision originale de l'artiste. Chaque estampe est signée et estampillée « Artist Proof » par Viveros, créant ainsi un lien privilégié entre l'artiste et le collectionneur. Cette pratique transcende la simple reproduction, transformant l'estampe en une œuvre d'art porteuse d'une histoire et d'une valeur de collection uniques. L'impact de « Frida La Muerte » sur le street art et le graffiti L'œuvre « Frida La Muerte AP Artist Proof » de Brian Viveros occupe une place unique dans le paysage du street art et du graffiti. Elle reflète la tendance croissante du street art à investir les galeries, remettant en question les notions traditionnelles des beaux-arts. L'audace de son imagerie et la profondeur de son thème témoignent de l'influence de Viveros sur le genre, illustrant son talent pour intégrer des récits culturels à son art. « Frida La Muerte AP Artist Proof » est une œuvre majeure dans la carrière de Brian Viveros et s'inscrit pleinement dans le contexte plus large du street art et du graffiti. Elle constitue un exemple parfait de la manière dont les tirages en édition limitée peuvent incarner l'esprit d'une œuvre originale, offrant à la fois un plaisir esthétique et un lien tangible avec l'univers du créateur. L'interprétation de Frida Kahlo par Viveros à travers le prisme du street art contemporain continue de captiver le public et les collectionneurs, confirmant sa place dans l'histoire de l'art moderne.

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Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée Infinity Skull sur papier beaux-arts blanc brillant 310 g/m² par Sobekcis, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2015. Dimensions de l'œuvre : 11,7 x 16,5 pouces. « Ces deux œuvres s'inscrivent dans l'esthétique que nous développons depuis un an. Pour chacune d'elles, nous avons opté pour une approche hybride, travaillant à moitié à la main et finalisant les éléments géométriques et les couleurs sur ordinateur. Concernant « Infinity Skull », nous souhaitions explorer une forme asymétrique, comme nous l'avions déjà fait. Bien que cela n'ait pas été prévu au départ, l'œuvre a fini par évoquer une carte de tarot. Nous l'avons donc finalisée dans cette direction. Pour « Crystalpecker », l'idée était de reprendre le contour de l'oiseau, simplement inversé, et de jouer sur différentes combinaisons de couleurs afin de recréer cette symétrie, à l'instar du crâne. Nous avons ensuite cassé cette symétrie grâce au fond. » – Sobekcis

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Protégeons nos océans. Œuvre d'art pop street en édition limitée, impression giclée sur papier d'art aquarelle Canson 310 g/m² par l'artiste moderne de graffiti urbain Dragon76. Édition limitée 2022, signée et numérotée, à 76 exemplaires. Format de l'œuvre : 30 x 18 pouces. Fondation PangeaSeed, impression giclée d'art 30 x 18 pouces sur papier Canson Aquarelle 310 g/m², édition limitée à 76 exemplaires signés et numérotés. Imprimé avec ♥ par Static Medium.

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Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée, style pop traditionnel, sur papier beaux-arts 310 g/m², par Sen2, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Le Pop Art a exercé une influence majeure sur mon travail ces dernières années. Le Pop Art traditionnel rend hommage à Roy Lichtenstein en particulier. Utilisant le style caractéristique de Lichtenstein comme toile de fond, je laisse mes propres techniques de graffiti abstrait s'infiltrer dans la toile à chaque nouvelle couche. Le résultat final est à la fois un retour aux sources d'un maître et ma propre interprétation du mouvement. » - Sen2

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Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée « Truth Automaton » sur papier beaux-arts 310 g/m² par Nathan Spoor, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Cette œuvre est un exercice ludique où je me suis inspiré des idées, des mots et des images de penseurs créatifs assez radicaux. La plupart des personnages sont des manifestations des réactions de Ralph Steadman face à l'image déjantée et gonzo de Hunter S. Thompson, et de mon imagination quant à la façon dont ils se rassembleraient autour d'une valeur fondamentale de l'œuvre de Hunter : la quête éternelle de la vérité. Pour créer cette œuvre, j'ai été inspiré par les deux articles que j'écrivais pour Juxtapoz l'année dernière : un article de couverture sur Steadman et un article sur Hunter. J'ai fait des recherches pendant environ trois mois, lisant tout ce que je pouvais trouver, regardant toutes les images, articles, documentaires et interviews possibles. J'ai collectionné les éditions des livres des deux artistes, cherchant des éditions originales ou des livres rares de Steadman pour pouvoir tenir entre mes mains quelque chose imprégné de cette énergie originelle – cela peut paraître naïf, mais je suis un peu vieux jeu. Ainsi, tout en faisant mes recherches et en lisant, je développais aussi des idées et je… « Un article d'une taille respectable sur la folie collaborative qui unissait Steadman et Hunter. » – Nathan Spoor

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Le Phase Train MTA Subway Train Car Art Toy de Sket One est une sculpture en métal de collection en édition limitée, créée par un artiste pop de rue. 2023, certificat d'authenticité signé, édition limitée à 100 exemplaires, format 7 x 1, neuf sous blister. Le wagon de métro Beast Train de Cope2 - Jouet pop art graffiti new-yorkais de Fernando Carlo La rame de métro « The Beast Train » de la MTA, œuvre du légendaire graffeur Cope2 (Fernando Carlo Jr., né en 1968 à New York), est une pièce de collection unique qui rend hommage à des décennies de culture street art et graffiti. Cette sculpture en métal, en édition limitée à seulement 100 exemplaires, est signée et accompagnée d'un certificat d'authenticité. Présentée dans un emballage coloré reprenant le style typographique caractéristique de Cope2, cette rame miniature capture l'énergie et l'impact visuel de l'âge d'or du graffiti dans le métro new-yorkais. Mesurant environ 18 cm de long sur 2,5 cm de haut, cette pièce compacte et puissante est un hommage vibrant à l'héritage de l'artiste. Fernando Carlo Jr. Cope2 et l'héritage des graffitis du métro new-yorkais Fernando Carlo Jr., plus connu sous le nom de Cope2, a débuté dans le graffiti dans le South Bronx en 1978, apposant sa signature sur les murs et les rames de métro new-yorkaises. Sa notoriété s'est construite au fil des décennies grâce à une production prolifique sur les réseaux du métro et les infrastructures urbaines des cinq arrondissements de New York. Cope2 a développé un langage visuel unique, caractérisé par des throw-ups dynamiques et des lettres bulles devenues emblématiques de la scène graffiti new-yorkaise. Son style brut et authentique a joué un rôle déterminant dans la définition du graffiti moderne, aux États-Unis comme à l'étranger. Son œuvre a évolué des murs de la rue aux galeries, faisant de Cope2 l'un des rares artistes à avoir réussi à naviguer avec succès entre le monde de l'art underground et celui de l'art mainstream sans renier ses racines urbaines. L'art urbain pop et le graffiti rencontrent le design de collection Le Beast Train est bien plus qu'un jouet ; c'est un hommage sculptural au lien fondateur du graffiti avec les rames de métro new-yorkaises. Cette œuvre d'art urbain, mélange de pop art et de graffiti, célèbre le support originel du mouvement : l'acier roulant. Conçu par Cope2 et distribué par Hip Hop Toyz, ce modèle est entièrement peint, lumineux et sonore, recréant l'atmosphère d'une installation artistique mobile et vivante. Chaque côté du train miniature arbore le style vibrant de Cope2, reproduit avec une précision authentique sur un socle métallique, faisant écho aux couleurs et aux tags qui sillonnaient autrefois les rues de New York. Le wagon de métro The Beast : quand l'art, la culture et les objets de collection se rencontrent Cette sortie de 2023 marque un tournant où l'histoire du street art prend forme grâce à l'art de collection. « The Beast Train » se situe au carrefour de l'histoire urbaine, de l'œuvre d'art et de la nostalgie. Elle témoigne d'un engagement à préserver le patrimoine du graffiti à travers de nouveaux formats accessibles aux collectionneurs et aux amateurs d'art. Certifiée édition limitée, cette pièce rappelle la transformation du graffiti, d'un mouvement public d'expression anonyme à un genre respecté au sein de l'art contemporain. L'engagement de Cope2 envers la culture graffiti, qui s'étend sur plusieurs décennies, continue de résonner à travers des œuvres comme celle-ci, rappelant au monde que le train n'est pas qu'un simple moyen de transport, mais une galerie ambulante de rébellion, d'énergie et d'identité.

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Beethoven - Sonate au clair de lune, édition limitée, sérigraphie artisanale 3 couleurs sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² par John Van Hamersveld, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Le travail de John ne se limite pas à l'industrie du surf. Il a réalisé des affiches pour des artistes tels que Jimi Hendrix, Cream et Jefferson Airplane, pour n'en citer que quelques-uns. Il a également travaillé dans des secteurs plus commerciaux, en créant le logo emblématique, les concepts de franchises et la signalétique de la chaîne de restaurants Fatburger, présente dans plus de 200 pays à travers le monde.

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Papier buvard DockLSD (No Hitter) Édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Pat Riot, œuvre d'art LSD de la culture pop. « J’ai créé le portrait DockLSD en 2018. L’original mesure 122 x 91 cm et est réalisé avec du chewing-gum mâché. Dock Ellis était un joueur de la MLB qui a lancé un match sans coup sûr pour les Pirates de Pittsburgh le 12 juin 1970 sous l’influence du LSD. »

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OxyCookie Blotter Paper, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Ben Frost, œuvre d'art LSD de la culture pop. L'artiste contemporain australien Ben Frost est surtout connu pour son Pop Art audacieux et irrévérencieux. Son approche immédiatement reconnaissable de la culture populaire détourne l'iconographie quotidienne des plus grandes marques mondiales. Subvertissant le sens et les messages des médias traditionnels, le commentaire incisif de Frost sur la publicité, le divertissement et la politique est à la fois provocateur et controversé. Ben Frost utilise l'imagerie familière de la culture occidentale pour formuler une critique de cette culture, notamment à travers le prisme du consumérisme, des icônes modernes et des grandes entreprises. Personnages de dessins animés, icônes de la pop culture, logos de marques et bien d'autres éléments sont transformés en œuvres d'art vibrantes et trouvent leur place dans les galeries. Dans cette optique, et dans le cas de Ben Frost, il est vain de tenter de tracer une frontière nette entre art populaire et art savant. En réalité, l'artiste souhaite que le public s'interroge sur les notions de haute et de basse valeur et, par extension, sur leur signification profonde. Au fil des années, les artistes de rue ont su s'imposer comme des créateurs respectés, certains acquérant même une renommée internationale, transformant le graffiti, autrefois art marginal servant parfois à marquer le territoire des gangs, en un secteur économique florissant.

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Tapis Rainbow Chill Reaper, édition limitée, objet d'art de créateur, œuvre d'art de collection par les artistes punk Mishka NYC - МИШКА. Tapis d'art Rainbow Chill Reaper 30x36, édition limitée 2021, par Mishka NYC - МИШКА. En excellent état, légèrement utilisé. Dévoilement du tapis Rainbow Chill Reaper de Mishka NYC Le tapis Rainbow Chill Reaper de Mishka NYC est un exemple saisissant de la façon dont l'art punk peut s'infiltrer dans les objets du quotidien, les transformant en pièces d'art design à collectionner. Sorti en édition limitée en 2021, ce tapis de 76 x 91 cm (30 x 36 pouces) capture l'essence même du style unique de Mishka, mélange d'influences street art, pop art et punk. L'esthétique punk de Mishka NYC en décoration intérieure Mishka NYC est une figure influente de la culture streetwear, proposant sans cesse des produits imprégnés d'un esprit punk distinctif. Son incursion dans la décoration intérieure avec le tapis Rainbow Chill Reaper ne fait pas exception. Les couleurs vibrantes et l'image audacieuse de la faucheuse – un motif récurrent dans leurs créations – incarnent l'engagement de la marque à bousculer les codes esthétiques conventionnels. La juxtaposition d'un symbole traditionnellement macabre et d'une palette de couleurs arc-en-ciel illustre le goût de Mishka pour la subversion et sa capacité à fusionner des éléments ludiques avec des thèmes plus sombres. Ce tapis représente une incarnation physique de l'éthique qui définit l'art punk depuis ses origines : la rébellion contre les normes et la création d'objets aussi expressifs que fonctionnels. Avec ses bords finis pour une durabilité accrue, le tapis Rainbow Chill Reaper est à la fois une pièce maîtresse et un témoignage de l'engagement de Mishka envers la qualité et le design. Le pop art urbain et la nature collectionnable des créations de Mishka Le caractère collector des créations de Mishka NYC, à l'instar du tapis Rainbow Chill Reaper, s'inscrit dans la tradition du pop art urbain et du graffiti. Ces disciplines transforment souvent des paysages urbains ordinaires en spectacles extraordinaires de couleurs et de vie. De même, Mishka NYC sublime un objet du quotidien – le tapis – en une œuvre d'art digne d'admiration et de collection. Chaque tapis est soigneusement usé et conserve son excellent état, témoignant de sa vocation non seulement utilitaire, mais aussi artistique et durable, conçue pour résister à l'épreuve du temps et de l'usage. Son édition limitée garantit son exclusivité, faisant de ce tapis une pièce recherchée par les collectionneurs et les passionnés d'art punk et de culture urbaine. Le tapis Rainbow Chill Reaper de Mishka NYC incarne parfaitement la vision artistique de la marque, insufflant l'esprit rebelle du punk et la force visuelle du street art dans les intérieurs et les espaces de vie. C'est une œuvre d'art qui sert de pièce maîtresse audacieuse, un point d'ancrage dans tout espace nécessitant une touche d'audace, et un rappel du pouvoir transformateur du pop art urbain et du graffiti dans le design contemporain.

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Stuck 02 Œuvre d'art Giclée en édition limitée, impression surréaliste sur papier d'art 100% coton, par l'artiste de graffiti pop culture Naoto Hattori.

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Sérigraphie métallique UV « Never Half Hearted Gold HPM » par Prefab77, impression 11 couleurs sur papier beaux-arts métallisé or 290 g/m², édition limitée, œuvre d'art pop street art. Œuvre d'art en édition limitée, signée et numérotée, imprimée à la main avec des encres métalliques brillantes UV et rehaussée d'embellissements HPM. Dimensions : 29,53 x 20,08 pouces. Exploration de la fusion entre le street art pop et le graffiti dans « Never Half Hearted Gold HPM » de Prefab77 L'œuvre « Never Half Hearted Gold HPM » de Prefab77 illustre à merveille la fusion élégante entre le pop art urbain et le graffiti dans le domaine des beaux-arts. Cette pièce luxueuse, une sérigraphie en édition limitée à 11 couleurs sur papier d'art métallisé or 290 g/m², témoigne du dévouement du collectif à la précision et à la qualité. Mesurant 75 cm sur 51 cm, l'œuvre allie harmonieusement les techniques traditionnelles de la sérigraphie à une esthétique moderne, créant ainsi une œuvre à la fois contemporaine et intemporelle. Elle se distingue notamment par l'utilisation d'encres métalliques et d'un vernis UV brillant, conférant une dimension tactile qui invite à une interaction autant visuelle que physique. La coiffe finie à la main du personnage représenté illustre le savoir-faire du collectif, qui combine artisanat et reproduction mécanique, abolissant ainsi la frontière entre production de masse et création sur mesure. Le papier spécial doré sert de support, reflétant la lumière et conférant à l'estampe une dynamique vibrante qui se modifie selon le point de vue du spectateur. La sous-couche d'encre peinte à la main, appliquée sous la sérigraphie, confère à chaque tirage une touche unique, faisant de chaque pièce de l'édition une œuvre d'art singulière. L'application soignée du vernis UV protège l'œuvre et met en valeur certains éléments du motif, créant un subtil jeu entre les finitions mates et brillantes. Ce niveau de détail témoigne de l'engagement de Prefab77 envers la qualité et sa maîtrise des matériaux et des techniques les plus variés. La signification artistique et le commentaire culturel de « Never Half-Hearted Gold HPM » « Never Half Hearted Gold HPM » n'est pas qu'une simple démonstration de prouesse technique ; l'œuvre est imprégnée de commentaires culturels, une caractéristique de la démarche artistique de Prefab77. Son titre suggère un thème d'engagement et de passion, en écho à l'éthique du groupe qui consiste à se consacrer pleinement à son art. Le profil de l'œuvre, orné d'une coiffe élaborée, peut susciter des réflexions sur l'identité, le statut social et les parures que nous utilisons pour nous présenter au monde. L'influence du street art sur le collectif transparaît dans le choix d'images audacieuses et percutantes, ainsi que dans l'atmosphère urbaine des graphismes superposés à la coiffe. Cela reflète l'intérêt du groupe pour l'énergie vibrante et souvent chaotique du street art. Pourtant, l'œuvre reste ancrée dans la tradition du pop art grâce à ses lignes claires et saisissantes et à l'utilisation d'images iconiques. L'interaction entre les techniques du graffiti et la finition soignée de la sérigraphie brouille les frontières entre art savant et expression urbaine. Cette œuvre de Prefab77 incarne le concept du Street Pop Art et du graffiti, où la rébellion du street art et l'esthétique calculée du pop art fusionnent. Ce faisant, elle invite les spectateurs à repenser les frontières et les intersections des formes artistiques. Impact sur les collectionneurs et la communauté artistique Le caractère limité de l'édition « Never Half Hearted Gold HPM » a des implications majeures pour le marché de l'art et la communauté artistique au sens large. Pour les collectionneurs, l'exclusivité de l'œuvre est un atout majeur, offrant non seulement une expérience visuelle unique, mais aussi un investissement dans un pan de l'histoire de l'art contemporain. Pour la communauté artistique, elle représente un changement de paradigme où l'art urbain bénéficie du même respect et de la même valeur que les beaux-arts traditionnels. L'utilisation de papier doré et d'encre métallique confère à l'œuvre une dimension luxueuse, élevant la perception du street art à un niveau qui dépasse son statut autrefois marginal. La capacité de Prefab77 à créer une œuvre aussi transcendante témoigne de l'évolution du paysage artistique, où les frontières entre les genres s'estompent et où l'appréciation artistique repose davantage sur l'impact que sur l'origine. « Never Half Hearted Gold HPM » s'impose ainsi comme un phare d'innovation et de synthèse intergenre, annonçant un avenir où le pop art urbain et le graffiti continuent de redéfinir les paramètres du monde de l'art.

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Estampe d'archives Chief Mini par Emek Golan, édition limitée sur papier d'art d'archives, style Pop Graffiti et œuvre d'art moderne d'artiste de rue. Estampe signée et numérotée de 2015, édition limitée à 500 exemplaires, format 20 x 25 cm, impression pigmentaire d'art d'archives. Profondeur culturelle dans l'œuvre d'Emek Golan Cette œuvre présente un portrait saisissant d'un chef, riche en détails symboliques et exécuté avec la précision du trait caractéristique du style de Golan. La coiffe du chef, ornée de motifs complexes et de circuits électroniques, propose une réflexion sur la fusion de la tradition et de la modernité. Elle aborde les thèmes de l'identité, du progrès et de la perte de culture face aux avancées technologiques – un récit profondément ancré dans l'esprit du street art. « Chief Mini Archival Print » d'Emek Golan incarne avec force la rencontre entre le pop art urbain, le graffiti et l'art contemporain. Tirée à 500 exemplaires seulement, cette estampe signée et numérotée témoigne de la vision unique et de la technique impeccable de Golan sur un papier d'art de qualité archive. Technique artistique et qualité Le choix par Golan de pigments d'archivage pour le « Chief Mini Archival Print » témoigne de son souci de la qualité et de la pérennité, garantissant ainsi la profondeur des couleurs et la finesse des détails. Le format 20 x 25 cm de l'estampe la rend accessible à un large public, permettant à celui-ci d'apprécier la complexité de l'œuvre dans divers contextes. Le tirage limité de cette estampe souligne sa valeur en tant qu'objet de collection, chaque exemplaire faisant partie d'une série exclusive supervisée personnellement par Golan. La place d'Emek Golan dans l'art contemporain L'œuvre de Golan se distingue sur la scène artistique contemporaine par sa capacité à fusionner la force brute et expressive du street art et l'esthétique raffinée de la gravure d'art. Recherchée pour son impact visuel et sa capacité à susciter la réflexion et le débat, elle est la marque des plus grandes œuvres de street art et de graffiti. La « Chief Mini Archival Print » d'Emek Golan témoigne de son talent pour traduire des thèmes culturels et technologiques complexes en une œuvre d'art visuellement saisissante. Contribution majeure à l'art moderne, elle capture l'esprit du street art et du graffiti dans une forme à la fois accessible et profonde.

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Beautiful Dreamer 5, édition limitée, sérigraphie artisanale bicolore sur papier beaux-arts, par Aelhra, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 10 exemplaires , signée et numérotée , 2012. Dimensions de l'œuvre : 18 x 24 pouces.

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Le printemps reviendra - Impression giclée en édition limitée XXL Pop Street Artwork sur papier d'art de l'artiste moderne Alex Garant. Édition limitée à 50 exemplaires, signée, format 24x36, finition mate et gaufrée, 2021

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Hiéroglyphes modernes, graffiti, cuivre, PP, épreuve d'imprimerie, impression sur bloc de feuille d'aluminium par Mike Giant, édition limitée 1 couleur sur papier d'art Classic Crest Eggshell Neenah. Œuvre d'art pop graffiti bleu patriotique. Épreuve d'imprimeur PP 2019 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 18x24 Impression sur bloc de feuille de cuivre. « Épreuve d'impression de graffiti hiéroglyphique moderne en cuivre PP de Mike Giant » L'œuvre « Modern Hieroglyphics Graffiti Copper PP Printers Proof » de Mike Giant est une exploration introspective de la culture urbaine à travers la technique de la gravure sur feuille métallique. Cette épreuve d'artiste signée et numérotée de 2019 capture l'essence du street art et du graffiti dans une dimension qui saura séduire les collectionneurs d'art et les amateurs d'art urbain. Cette pièce en édition limitée, mesurant 45,7 x 61 cm, est une représentation unique de la vision de l'artiste, réalisée à la feuille de cuivre sur papier d'art Classic Crest Eggshell Neenah Solar White. La composition témoigne du talent reconnu de Giant pour synthétiser de nombreux symboles et icônes profondément ancrés dans la culture urbaine. La feuille de cuivre utilisée confère à l'œuvre une qualité métallique luxueuse, soulignant chaque élément d'un chatoiement qui contraste magnifiquement avec le fond bleu profond. L'utilisation d'une seule couleur met en valeur les détails complexes de l'estampe, permettant à chaque icône de se distinguer tout en contribuant à une narration cohérente. Célébrer la culture urbaine à travers l'iconographie Dans « Hiéroglyphes modernes », Mike Giant crée un véritable lexique visuel qui traduit le langage complexe de la culture urbaine en une série de symboles universellement reconnaissables. L'œuvre rappelle les hiéroglyphes anciens dans sa volonté de documenter et de communiquer par l'image ; cependant, les icônes choisies sont résolument contemporaines, reflétant l'immersion de l'artiste dans l'iconographie du skateboard, du tatouage et du graffiti. La mention « Épreuve d'imprimerie » indique un tirage utilisé pour vérifier la qualité avant le lancement de la production. Pièce rare, elle est souvent très prisée en raison de sa proximité avec l'intention originale de l'artiste. La signature et le marquage manuscrits de Giant authentifient l'originalité du tirage et son implication directe dans sa création, établissant un lien entre l'artiste et le collectionneur. L'œuvre de Mike Giant s'impose comme une affirmation audacieuse au sein du Street Pop Art, où les éléments esthétiques et thématiques du graffiti sont préservés et célébrés. Son utilisation de la technique de la gravure sur feuille métallique introduit une méthode traditionnelle dans une forme d'art moderne, faisant le lien entre les pratiques artistiques passées et présentes. L’œuvre « Hiéroglyphes modernes Graffiti Cuivre PP Épreuve d’impression » reflète la vitalité des rues et illustre le potentiel du street art à transcender ses origines et à trouver sa place au sein du récit plus large de l’art contemporain. À travers cette pièce, Giant contribue au dialogue permanent sur la place du graffiti et de la culture urbaine dans le monde de l’art, garantissant ainsi que ces voix soient non seulement entendues, mais aussi immortalisées visuellement.

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Protégeons nos océans - Œuvre d'art pop street en feuille holographique, impression giclée en édition limitée sur papier d'art en feuille holographique par l'artiste moderne de graffiti urbain Dragon76. Édition limitée à 36 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Format de l'œuvre : 24 x 12 pouces. Fondation PangeaSeed, impression giclée d'art 61 x 36 cm sur papier métallisé holographique. Édition limitée à 36 exemplaires signés et numérotés. Imprimé avec amour par Spirit Printing Services.

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Ahsoka Tano - Dots - Sérigraphie en édition limitée, 8 couleurs, tirée à la main, sur papier d'art à feuille holographique, par Joshua Budich, artiste pop moderne. Édition limitée à 25 exemplaires, signée et numérotée, format 18x18 pouces, illustration Star Wars, édition Dots 2022.

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Papier buvard Xanax, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé, par Ben Frost, œuvre d'art sur le LSD et la culture pop. L'artiste contemporain australien Ben Frost est surtout connu pour son Pop Art audacieux et irrévérencieux. Son approche immédiatement reconnaissable de la culture populaire détourne l'iconographie quotidienne des plus grandes marques mondiales. Subvertissant le sens et les messages des médias traditionnels, le commentaire incisif de Frost sur la publicité, le divertissement et la politique est à la fois provocateur et controversé. Il expose actuellement à l'échelle locale et internationale, et son travail a été présenté dans de nombreuses expositions aux États-Unis, en Europe et en Asie. Ce qui frappe d'emblée dans l'art de Frost, c'est l'utilisation non conventionnelle de supports et de techniques variés : de la traditionnelle toile carrée aux boîtes en carton, de la peinture acrylique à la bombe aérosol. Ce n'est pas un hasard si une grande partie de son œuvre est constituée d'images de dessins animés détournées, comme celles des Simpson, des Looney Tunes, des Schtroumpfs, de Winnie l'Ourson, etc., qu'il réinterprète dans un nouveau contexte artistique sans en altérer le sens originel.

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