Visage & Tête

& Œuvre d'art imprimée en édition limitée Giclée sur papier Hahnemühle Fine Art Rag par l'artiste de graffiti pop culture Nimit Malavia. Portrait surréaliste du visage d'un homme en vêtements vintage. Nimit Malavia est un artiste visuel et illustrateur canadien reconnu pour ses œuvres complexes et imaginatives. Son style allie souvent la finesse du trait à une forte dimension narrative, puisant son inspiration dans diverses sources telles que la mythologie, les contes de fées et la culture contemporaine. L'œuvre de Malavia intègre généralement un mélange de techniques traditionnelles et numériques, notamment l'encre, l'aquarelle et Photoshop.

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Frida - Lakers - Sérigraphie en édition limitée, 4 couleurs, tirée à la main sur papier beaux-arts, par Brian Ewing. Rare œuvre de street art, célèbre artiste pop. Édition limitée Lakers 2021 à 50 exemplaires signés et numérotés

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Stack - Pink Deck Fine Art Limited Edition Archival Pigment Print Transfer on Cold Pressed Steep Natural Skateboard Deck by Street Artwork Graffiti Artist Supremex Weirdo Dave. Weirdo Dave a créé une illustration pour les planches de skateboard Supreme Stack. Sorties en jaune, noir et rose, ces planches faisaient partie de la première semaine de la collection automne/hiver 2021 de Supreme. La planche jaune est ornée d'un collage de photos abstraites et du logo Supreme horizontal qui la traverse en son centre. La planche de skateboard Supreme Stack (jaune) est sortie le 21 août 2021.

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The Gipper Ultra-Violence - Figurine de collection en vinyle jaune édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de rue Frank Kozik. Édition limitée signée de 50 exemplaires (2019), présentée dans sa boîte, vinyle jaune, illustration du buste de Ronald Reagan « Destroy ». Le jouet d'art Gipper Ultra-Violence Jaune Édition Limitée par Frank Kozik La figurine Gipper Ultra-Violence en vinyle jaune est une création exceptionnelle de Frank Kozik, figure pionnière du street art et du graffiti. Sortie en 2019 en édition limitée et signée à seulement 50 exemplaires, cette sculpture illustre la capacité de Kozik à fusionner un commentaire politique incisif avec des créations visuellement saisissantes. Le buste, réalisé en vinyle jaune vif, rend hommage à Ronald Reagan tout en invitant le spectateur à s'interroger sur les notions d'autorité, de culture et d'histoire. Une fusion audacieuse entre art et critique La série Gipper Ultra-Violence de Frank Kozik se distingue par son approche audacieuse des figures politiques, et la version jaune ne fait pas exception. Cette œuvre réinterprète le portrait de Reagan sous la forme d'un buste exagéré, presque caricatural, mêlant humour et critique acerbe. Le panneau vert DESTROY, amovible, ajoute une dimension interactive, invitant les collectionneurs à réfléchir aux thèmes du pouvoir et de la destruction. La finition jaune vif amplifie l'esthétique pop art de l'œuvre, en faisant une pièce maîtresse dans toute collection. La capacité de Kozik à fusionner des visuels percutants avec un message provocateur témoigne de sa maîtrise du street art et des œuvres inspirées du graffiti. La vision de Frank Kozik Frank Kozik, né en 1962 en Espagne et installé plus tard aux États-Unis, était un artiste visionnaire dont l'œuvre a repoussé les limites à travers de multiples médiums. Reconnu pour ses contributions à l'affiche musicale, aux jouets design et aux créations inspirées du graffiti, Kozik imprégnait son travail d'un esprit rebelle et d'un humour mordant. Décédé en 2023, il laisse derrière lui un héritage qui continue d'influencer le monde de l'art contemporain. La série Gipper Ultra-Violence témoigne de son talent unique pour transformer des images familières en déclarations culturelles percutantes, mêlant satire et esthétique pop art inimitable. Un objet de collection rare et convoité Le buste jaune « Gipper Ultra-Violence » témoigne de l'engagement de Kozik envers les créations de haute qualité en édition limitée. Produit à seulement 50 exemplaires, chaque buste est signé à la main par l'artiste, soulignant son exclusivité et sa valeur pour les collectionneurs. Le coffret qui l'accompagne, conçu dans le style graphique caractéristique de Kozik, sublime la présentation de l'œuvre. D'une taille imposante, le buste attire tous les regards et captive les amateurs d'art et les collectionneurs de street art. Ce buste en vinyle jaune n'est pas qu'un simple objet de collection : c'est une œuvre d'art qui bouscule les conventions et suscite le dialogue. Par son design audacieux, ses éléments interactifs et sa critique culturelle, il incarne l'esprit du pop art urbain et du graffiti. Le buste jaune « Gipper Ultra-Violence » témoigne avec force du talent de Kozik pour utiliser l'art comme un moyen d'expression à la fois divertissant et introspectif.

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Jardins suspendus, pochoir HPM, peinture en aérosol, aquarelle par Miss Bugs, peinture unique peinte à la main, techniques mixtes sur papier d'art vergé, graffiti, artiste de rue, pop art moderne. Édition mixte unique de 5 exemplaires, signée, datée et numérotée, 2017. Œuvre d'art en techniques mixtes, rehaussée à la main, à l'encre, au crayon, à la peinture en aérosol et à l'aquarelle. Dimensions : 20,38 x 35,38 cm. Légers plis autour des bords de la couche supérieure découpée. La complexité à plusieurs niveaux des « Jardins suspendus » de Miss Bugs Miss « Bugs », artiste de rue reconnue pour sa fusion unique d'esthétique pop art moderne, a marqué les esprits avec sa série « Hanging Gardens » en 2017. Cette collection, limitée à une édition mixte de seulement cinq pièces, révèle le savoir-faire minutieux et complexe que Miss Bugs déploie sur la toile, ou plutôt, dans ce cas précis, sur le papier d'art vergé de qualité. Chaque œuvre de la série « Hanging Gardens » témoigne de l'engagement de l'artiste à repousser les limites du street art et du graffiti. Les pièces de « Hanging Gardens » explorent la texture et la forme, utilisant une variété de médiums tels que le pochoir, la peinture aérosol, l'encre rehaussée à la main, le crayon et la peinture de couleur propre à Miss Bugs. Les dimensions de chaque œuvre, 51,7 x 89,9 cm, offrent à Miss Bugs un espace privilégié pour explorer un récit complexe, exprimé à travers le langage de l'art visuel. Ces tableaux uniques, peints à la main, forment une symphonie de techniques mixtes, chaque couche contribuant à l'impact global de l'œuvre. La série se caractérise par l'esthétique signature de Miss Bugs, où des éléments abstraits se mêlent à la figuration pour créer une œuvre à la fois familière et onirique. Techniques caractéristiques des illustrations de MissBugs Chaque tableau de la collection « Hanging Gardens » est une expression unique de la vision de Miss Bugs, combinant la technique du pochoir pour la précision et la liberté, et la fluidité et la grâce. Le pochoir confère aux œuvres des structures nettes et définies, tandis que la peinture en aérosol apporte dynamisme et une touche urbaine. L'aquarelle introduit douceur et profondeur, brouillant les frontières entre l'univers brut du graffiti et le domaine plus délicat de la peinture à l'aquarelle. Ce jeu de médiums est une marque de fabrique du style de Miss Bugs et permet un riche dialogue entre les différents éléments du street art et des beaux-arts. Dans la série « Hanging Gardens », on observe un thème récurrent de la juxtaposition, une des composantes de l'approche artistique de Miss Bugs. La série présente un langage visuel qui exprime la dualité de la nature humaine et la complexité du monde qui nous entoure. En combinant des éléments disparates au sein de chaque œuvre, Miss Bugs invite le spectateur à trouver cohérence et sens dans le chaos apparent. L'utilisation de couleurs vives et pop art contrastant avec des tons plus sobres, et de motifs de pochoirs complexes contrastant avec la fluidité des aquarelles, crée un Bugs'on dynamique, à la fois stimulant et esthétiquement plaisant. Édition limitée de l'œuvre de Miss Bugs Le caractère exclusif de la série « Hanging Gardens », limitée à cinq exemplaires, renforce l'attrait des œuvres. Chaque pièce est signée, datée et numérotée par l'artiste, établissant un lien direct entre elle et le collectionneur. Les embellissements réalisés à la main sur chaque tableau garantissent que, même si la série peut être perçue comme un ensemble cohérent, chaque œuvre se distingue comme une pièce unique. Les collectionneurs d'œuvres de Miss Bugs acquièrent une œuvre de street art pop et un fragment du récit personnel de l'artiste, chaque coup de pinceau, chaque choix de couleur et chaque élément de composition étant un acte de création délibéré. ​​La série « Hanging Gardens » de Miss Bugs illustre avec brio la capacité de l'artiste à naviguer entre le street art pop et le graffiti, créant des œuvres visuellement saisissantes et riches de sens. Cette série affirme avec force la polyvalence et la profondeur du street art, transcendant ses origines pour devenir une forme sophistiquée et recherchée de pop art moderne. À travers ses « Jardins suspendus », Miss Bugs invite les spectateurs à découvrir un monde où la beauté du monde naturel rencontre la rudesse de la vie urbaine, tout en remettant en question les notions conventionnelles de ce que peut être l'art du graffiti.

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Impression giclée en édition limitée « Magnolia Artwork » sur papier aquarelle pressé à froid 300 g/m² par l'artiste de graffiti pop culture Alex Kirzhner.

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Œuvre d'art Flor Azul, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti de la culture pop Cezar Brandao.

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Nasty Nas - Cut The Record Original One of Kind Mixed Media on Laser Cut Wood Panel With Industrial Resin Painting Artwork by Popular Street Graffiti Artist Tavar Zawacki (Ci-dessus). Technique mixte sur panneau de bois découpé au laser avec résine industrielle. Dimensions : 22 x 22 pouces (56 x 56 cm). Sortie : 6 mai 2016. Cut the Record (Nas), 2014. Technique mixte sur panneau de bois découpé au laser avec résine industrielle. Diamètre : 22 pouces (55,9 cm). Édition 1/1. Signée au verso. La série « Cut The Record » a été créée exclusivement pour cette sortie et faisait partie de ma plus récente exposition, Remix. C'était une série très personnelle, car j'ai sélectionné dix de mes musiciens préférés à représenter et à remixer. Ces dix musiciens font partie de mes favoris, des artistes que j'écoute quotidiennement. Pour mon exposition, j'ai quelque peu détourné le sens du terme « remix » pour l'adapter à l'échange et à l'échantillonnage de différentes gravures sur bois, similaires mais présentes sur les œuvres. Chacun des dix musiciens sélectionnés pour la série « Cut The Record » a soit vu sa musique remixée, soit réalisé ses propres remixes. Depuis la sortie de l'album Illmatic en 1994, je crois que je ne me suis pas arrêté une semaine sans l'écouter. C'est l'un de mes albums préférés.

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Édition limitée Houston, sérigraphie artisanale en 4 couleurs sur papier d'archivage 100% coton, par Dave Kinsey, artiste de rue graffiti, art pop moderne. BLK/MARKT

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What Party 7 - Impression sérigraphique 3 couleurs jaune tirée à la main sur papier Saunders Waterford Hi-White par l'artiste de graffiti pop Kaws. Œuvre d'art de rue rare en édition limitée. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2020. Œuvre de 55,9 x 55,9 cm (22 x 22 pouces), encadrée avec un grand cadre et un passe-partout sur mesure. KAWS (né en 1974) What Party (Jaune), 2020. Sérigraphie en couleurs sur papier Saunders Waterford HP Hi-White, 55,9 x 55,9 cm (22 x 22 pouces). Éd. 41/100. Signée, numérotée et datée au crayon en bas de l'œuvre. Publiée par l'artiste. KAWS' What Party 7 - Yellow : Un chef-d'œuvre du street art pop et du graffiti KAWS, né Brian Donnelly en 1974, est devenu une figure emblématique à la croisée de l'art et de la culture populaire, mêlant art urbain, graffiti et pop art dans une œuvre dynamique. Parmi ses créations les plus marquantes figure « What Party 7 - Yellow », une sérigraphie trois couleurs réalisée à la main, illustrant sa démarche artistique singulière. Créée en 2020, cette œuvre est imprimée sur papier Saunders Waterford Hi-White, un papier haut de gamme reconnu pour sa durabilité et son grain exceptionnel, permettant une application vibrante des encres et une reproduction des détails minutieux, caractéristiques du style de KAWS. Savoir-faire et exclusivité de What Party 7 - Jaune L'œuvre « What Party 7 - Yellow » témoigne du savoir-faire exceptionnel de la sérigraphie, technique exigeant précision et patience. La superposition de trois couleurs pour créer l'image finale est un travail complexe qui reflète le dévouement de l'artiste à son art. Cette estampe, éditée à seulement 100 exemplaires, est une pièce rare qui illustre l'exclusivité des œuvres de KAWS. Chaque estampe est signée, numérotée et datée en bas, attestant de son authenticité et de l'implication directe de l'artiste dans sa création. Le langage visuel de KAWS dans What Party 7 - Jaune Le langage visuel de KAWS est immédiatement reconnaissable dans « What Party 7 - Yellow », grâce à ses lignes graphiques audacieuses et à l'utilisation de ses personnages emblématiques qui, malgré leurs expressions faciales simplistes, transmettent toute une gamme d'émotions. Le jaune, dans cette œuvre, est saisissant, créant une impression d'énergie et de vitalité souvent associée à cette couleur. Le format de l'œuvre, 56 x 56 cm, offre à KAWS un espace généreux pour exprimer sa vision, trouvant un équilibre parfait entre accessibilité et grandeur. Le cadrage de quel parti 7- Jaune La présentation de « What Party 7 - Yellow » est sublimée par le cadre et le passe-partout sur mesure qui accompagnent l'estampe. Le choix de l'encadrement est essentiel à la perception et à l'appréciation de l'œuvre. Il la protège tout en mettant en valeur ses caractéristiques et en renforçant ses thèmes. Le choix du cadre et du passe-partout est indissociable de l'esthétique générale et est souvent considéré par les collectionneurs comme faisant partie intégrante de l'œuvre. L'impact de What Party 7 - Jaune sur le pop art urbain « What Party 7 - Yellow » est un exemple saisissant de pop art urbain et d'art graffiti. KAWS parvient à transcender les frontières traditionnelles du street art et du graffiti, inscrivant son œuvre dans un contexte historique artistique plus large tout en préservant l'énergie et l'authenticité qui caractérisent la culture urbaine. À l'instar de nombre de ses créations, cette œuvre fait le lien entre subversion et courant dominant, introduisant des éléments de street art dans l'espace raffiné des galeries d'art et remettant en question les idées préconçues sur la valeur et le potentiel du graffiti. En résumé, « What Party 7 - Yellow » de KAWS est un exemple lumineux de pop art urbain et d'art graffiti. Sa technique de sérigraphie artisanale, son édition limitée, la signature de l'artiste et son encadrement distinctif contribuent tous à son importance en tant qu'œuvre d'art. En tant qu'objet de collection, il représente un moment charnière dans l'évolution du street art, servant de pont entre les mouvements artistiques underground et le monde prestigieux des galeries d'art. Pour les amateurs et les collectionneurs, « What Party 7 - Yellow » est bien plus qu'une simple pièce à posséder ; Il s'agit d'un artefact d'une grande importance culturelle qui incarne l'esprit et la transformation de l'art contemporain.

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Stargate - Sérigraphie artisanale en édition limitée à 8 couleurs, encre métallique, sur papier beaux-arts, par Todd Slater. Artiste de street art rare et célèbre du pop art. 24 x 36 pouces /// 8 écrans (4 encres métalliques et une couche de carte du ciel en vernis noir) /// édition signée et numérotée de 165 exemplaires (édition AP de 75 exemplaires) « Le personnage de Râ, la divinité solaire égyptienne, est celui qui m'a le plus marqué toutes ces années. Je voulais donner au colonel Jack O'Neil et au docteur Daniel Jackson un aperçu de ce qui les attendait de l'autre côté du vortex. Leurs visions du voyage diffèrent. Le docteur Jackson est empli d'un émerveillement enfantin face à un spectacle magnifique et impressionnant, tandis que le colonel O'Neil porte une bombe atomique capable de provoquer des cataclysmes. On apprend plus tard dans le film que Râ est une forme de vie extraterrestre qui a pris possession du corps d'un jeune garçon. Je souhaitais aborder cet aspect et ajouter une certaine tension à l'image en montrant ses yeux bleus brillants. L'impression est en huit couleurs et utilise quatre nuances d'encres métallisées or et cuivre. On y trouve également une carte du ciel cachée en arrière-plan, imprimée avec un vernis noir brillant. » - Todd Slater

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27 Club - Hendrix 4 couleurs, sérigraphie en édition limitée tirée à la main sur papier beaux-arts par DKNG, artiste pop art célèbre et rare. Édition 2012 signée et numérotée, limitée à 200 exemplaires. La galerie Blunt Graffix, en Oregon, nous a invités à participer à leur exposition collective « Dead Rockstars : A Tribute to the Mortal Gods of Sound ». Nous avons choisi d'explorer le concept du « Club des 27 », un phénomène qui désigne les musiciens célèbres décédés à l'âge de 27 ans. Chaque estampe est une mini-sérigraphie quatre couleurs de 11,7 cm x 13,7 cm, tirée à 200 exemplaires.

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Just Like Us AP Modok Marvel Édition Limitée Impression Giclée sur Papier Beaux-Arts par Mike Mitchell, artiste de rue de la contre-culture. Épreuve d'artiste 2014 Signée et marquée AP Œuvre de format 8x10 Modok Flying Ninja Kick Tirage giclée Mondo x Marvel par Mike Mitchell Comme nous AP Modok Marvel dans l'art de rue pop art et graffiti « Just Like Us AP Modok Marvel » de Mike Mitchell est une interprétation vibrante et humoristique de l'un des méchants les plus excentriques de Marvel. Sortie en 2014 sous forme d'épreuve d'artiste, cette édition limitée, imprimée en giclée, fait partie de la série « Just Like Us » de Mitchell, où il réinvente des personnages de la pop culture avec une touche satirique. Ce tirage de 20 x 25 cm (8 x 10 pouces) représente Modok dans un style caricatural et exagéré, mêlant l'esthétique du street art et du graffiti à l'humour caractéristique de Mitchell. La représentation ludique de Modok Modok, personnage créé par Marvel Comics, est connu pour sa tête disproportionnée, ses implants cybernétiques et son allure menaçante. Cependant, dans cette version, Mitchell dépouille le personnage de son côté intimidant et le remplace par un charme presque comique. Avec son air renfrogné exagéré, ses membres minuscules qui s'agitent et ses réacteurs qui le propulsent, Modok ressemble davantage à un enfant frustré qu'à un conquérant surdoué. L'œuvre de Mitchell excelle à sortir ses personnages de leur contexte habituel et à les présenter dans des situations quotidiennes ou absurdes. En représentant Modok dans un mouvement exagéré, il transforme ce personnage généralement sinistre en une figure amusante et attachante. Les contours nets et précis, ainsi que l'application de couleurs plates, rappellent l'esthétique des bandes dessinées classiques, renforçant la dimension nostalgique, thème récurrent du street art et du graffiti. Influence stylistique et commentaire culturel L'œuvre « Just Like Us » d'AP Modok Marvel témoigne de la manière dont le street art réinterprète les icônes culturelles. Son style visuel évoque les dessins animés d'antan, mêlant des éléments de la bande dessinée à une sensibilité design moderne. Le fond aux tons chauds sépia renforce l'effet rétro, faisant ressortir le personnage et ancrant l'ensemble dans une atmosphère nostalgique. La capacité de Mitchell à réduire un personnage à ses traits essentiels tout en y insufflant de l'humour témoigne de la nature du pop art et de son lien avec la culture de consommation. Le street art remet souvent en question notre perception des images familières en les présentant de manière inattendue. Ici, l'aura de puissance habituelle de Modok est contrebalancée par son expression grotesque et ses mouvements frénétiques, le rendant plus humain que machine. Cette transformation, outre son aspect comique, invite le public à repenser son rapport aux figures de la culture populaire. La série Just Like Us et son impact La série « Just Like Us » de Mike Mitchell est largement reconnue pour ses réinterprétations ludiques de personnages cultes. Cette collection met en scène de nombreuses icônes du cinéma, de la bande dessinée et de la télévision, chacune dépeinte de manière à la rendre plus accessible ou, au contraire, absurdement banale. En plaçant des personnages extraordinaires dans des situations humoristiques ou quotidiennes, Mitchell les dépouille de leur aura surhumaine et rappelle aux lecteurs l'absurdité inhérente à de nombreux récits de fiction. Dans l'univers du street art et du graffiti, où la parodie et la satire sont monnaie courante, la démarche de Mitchell séduit autant les collectionneurs que les fans occasionnels. Son œuvre capture l'enthousiasme des fans tout en se moquant des traits exagérés qui caractérisent ces personnages. « Just Like Us » d'AP Modok Marvel s'inscrit parfaitement dans cette esthétique, prouvant que même les super-vilains les plus redoutables peuvent être réduits à des caricatures amusantes. Pourquoi, tout comme nous, AP Modok Marvel se démarque Cette estampe en édition limitée reste très recherchée par les amateurs de street art et de Marvel Comics. L'alliance d'une illustration numérique nette, de couleurs audacieuses et d'une réinterprétation humoristique d'un méchant emblématique en fait une pièce captivante et originale qui enrichira toute collection. La capacité de Mitchell à révéler l'absurdité de personnages célèbres tout en conservant une grande maîtrise artistique est ce qui rend son œuvre si captivante. Elle fait le lien entre la culture de la bande dessinée et le monde des beaux-arts, démontrant comment le pop art urbain peut être à la fois ludique et stimulant. « Just Like Us » d'AP Modok (Marvel) illustre comment des artistes comme Mike Mitchell continuent de redéfinir les frontières de l'art contemporain en transformant la culture populaire en quelque chose de frais, d'inattendu et d'indéniablement divertissant.

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Affiche de concert en édition limitée de Metric Synthetic Event, impression sérigraphique artisanale en 3 couleurs sur papier d'art par Ron Guyatt pour le prix de musique Polaris 2013. Épreuve d'artiste AP

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Planche de skateboard Big Slick Aloha Art par OG Slick x The Beautiful Losers, impression en édition limitée de l'artiste sur bois, style pop street graffiti, œuvre d'art sportive. Édition limitée 2024 à 99 exemplaires. Œuvre d'art sportive pour skateboard, format 8x31. Objet d'art imprimé représentant un visage souriant avec des mains peignant une fleur hawaïenne à la bombe. Planche de skateboard Big Slick Aloha : une fusion dynamique de la culture hawaïenne et de l'art urbain La planche de skateboard Big Slick Aloha, fruit de la collaboration entre OG Slick et The Beautiful Losers, est une pièce audacieuse et captivante qui fusionne les motifs culturels hawaïens avec l'énergie du street art et du graffiti. Sortie en 2024 en édition limitée à 99 exemplaires, cette planche de 8 x 31 pouces transforme un objet sportif fonctionnel en une véritable œuvre d'art urbain. Ornée du motif Smiley Face emblématique d'OG Slick, associé à des mains peignant une fleur hawaïenne éclatante, cette planche incarne une fusion à la fois ludique et profondément symbolique entre la culture graffiti et un design inspiré des îles. La vision du pop art de rue hawaïen selon OG Slick OG Slick, artiste originaire d'Hawaï, est reconnu pour son talent à fusionner l'art urbain et l'identité culturelle des îles. Sur la planche de skateboard Big Slick Aloha Art Deck, il donne vie à son style unique grâce à son emblématique Smiley Face, réinterprété avec des influences hawaïennes. L'ajout de mains peignant une fleur d'hibiscus à la bombe – symbole de la beauté et de la résilience des îles – confère profondeur et signification à l'œuvre. En collaborant avec The Beautiful Losers, un collectif qui promeut le croisement entre la culture urbaine contemporaine et les beaux-arts, Slick fait rayonner l'esthétique hawaïenne à l'international. Conception et symbolisme du deck Big Slick Aloha Le design de la planche de skateboard Big Slick Aloha Art Deck est visuellement saisissant, alliant des teintes jaune vif à des éléments noirs et blancs épurés. Le smiley espiègle au centre rayonne de positivité, tandis que la fleur d'hibiscus peinte à la bombe met en valeur la riche beauté naturelle d'Hawaï. Cette juxtaposition de techniques de graffiti urbain et de motifs hawaïens organiques crée une composition dynamique qui résonne auprès du public à différents niveaux. Les mains en train de peindre à la bombe symbolisent le processus créatif et le rôle de l'artiste dans la transformation d'objets du quotidien en œuvres d'art. La planche de skateboard elle-même devient un support de narration, célébrant à la fois l'individualité et le patrimoine culturel. Art fonctionnel pour collectionneurs et passionnés La planche de skateboard Big Slick Aloha illustre parfaitement le concept d'art fonctionnel, alliant équipement sportif et pièce de collection. Fabriquée en bois de haute qualité et imprimée avec précision, elle est idéale pour le skate, mais aussi comme objet de décoration. Édition limitée à 99 exemplaires, chacun signé et numéroté, elle est particulièrement exclusive et recherchée par les collectionneurs de street art et de graffiti. Fruit de la collaboration entre OG Slick et The Beautiful Losers, cette planche met en lumière l'évolution des liens entre street art, sport et identité culturelle, faisant de la Big Slick Aloha une pièce maîtresse de l'art urbain contemporain.

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Ali Canvas 2-Color Hand-Tiped Limited Edition Silkscreen Print on Cream Speckletone Paper by Shepard Fairey Rare Street Art Famous Pop Artwork Artist. Shepard Fairey (né en 1970) Ali Canvas, 2010 Sérigraphie en couleurs sur papier crème moucheté 61 x 45,7 cm (feuille) Édition 227/450 Signée, numérotée et datée au crayon en bas de l'œuvre Publiée par Obey Giant, Los Angeles

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Danny Gladden/Clone Trooper Star Wars - Collage unique embelli à la main par Pat Riot sur une carte de baseball vintage. Carte vintage originale MLB Topps de 2014, estampée et réalisée en techniques mixtes superposées, avec un style pop art inspiré de Danny Gladden/Clone Trooper (Star Wars - Giants).

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Papier buvard Pink Eyes, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé, œuvre de Luke Chueh inspirée de la culture pop et du LSD. « Les substances psychédéliques ont indéniablement joué un rôle majeur dans la création de mon personnage d'ours. À l'époque où j'étais à la fac, mon meilleur ami et moi avons vécu une expérience qui nous a inspirés : on courait partout dans la maison en se prenant pour des Bisounours. On m'a surnommé « Luke l'Ours » et mon ami, « Jaime l'Ours ». Des surnoms qui me sont restés. Quelques années plus tard, quand j'ai déménagé à Los Angeles, je voulais créer un personnage qui me représente vraiment. Même après plus de dix ans, l'ours était une évidence. » – Luke Chueh

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Estampe Stagger en édition limitée, imprimée à la main en deux couleurs sur papier d'art classique lisse blanc naturel Neenah 13,5 PT, par Smithe, artiste célèbre de pop art et de graffiti. Estampe signée 2022, impression typographique bicolore sur papier d'art Neenah Natural White Smooth Classic Crest 13,5 pt. Format : 50,8 x 53,3 cm. Sortie : 17 janvier 2022. Tirage : 35 exemplaires.

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Impression giclée « Carrousel en feutre » par Bec Winnel, œuvre d'art en édition limitée sur papier beaux-arts, artiste graffiti pop de rue. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2012. Œuvre d'art de 12 x 16 pouces représentant une jeune femme en pleurs, clown de mode stylisé. La poésie visuelle de « Felt Carousel » de Bec Winnel « Felt Carousel », une estampe giclée de la célèbre artiste australienne Bec Winnel, est une œuvre visuelle saisissante qui incarne l'essence même du street art et du graffiti. Sortie en 2012, cette édition limitée est un véritable trésor d'émotion, signée et numérotée pour garantir son exclusivité aux collectionneurs. Seulement 50 exemplaires existent dans le monde, chacun mesurant 30 x 40 cm et imprimé sur papier d'art de haute qualité, témoignant de l'attrait intemporel de l'art tactile et physique dans un monde de plus en plus numérique. L'acceptation de la vulnérabilité dans le pop art urbain « Felt Carousel » représente une jeune femme, vêtue comme un clown de la mode, une larme solitaire marquant son visage. Cette image tranche avec les tonalités souvent vibrantes et agressives associées au graffiti, offrant un moment de vulnérabilité et d'introspection. Winnel mêle avec brio la fantaisie d'un carrousel, symbole traditionnel de l'innocence de l'enfance, à l'état émotionnel complexe de la femme, créant une œuvre riche et nuancée qui invite à la contemplation. Le contraste entre l'expression mélancolique de la femme et le motif léger du chapeau de carrousel suggère une complexité au sein de la simplicité. Cette approche est emblématique de l'évolution du Street Pop Art, capable d'exprimer des commentaires sociaux et les profondes luttes et joies personnelles qui définissent l'expérience humaine. Contempler les subtilités de l'art et de l'expression de rue L'estampe « Felt Carousel » de Bec Winnel nous rappelle avec force que le Street Pop Art n'est pas monolithique ; c'est une expression diverse et dynamique qui transcende les frontières traditionnelles. Le choix d'une impression giclée pour cette œuvre souligne l'importance de la qualité et de la pérennité en art, garantissant la préservation des subtiles nuances de la palette pastel de Winnel et de la profondeur émotionnelle de la pièce. Plus largement, « Felt Carousel » contribue à l'idée que le Street Pop Art et le graffiti ne se limitent pas aux murs des villes, mais trouvent également leur place dans les collections privées, où ils peuvent être contemplés dans un espace personnel. Par son jeu subtil entre innocence et mélancolie, cette estampe démontre la capacité du genre à explorer les profondeurs de la psyché, prouvant que le street art peut être aussi contemplatif et émouvant qu'un portrait classique. Un témoignage de la pérennité de l'esprit d'expression artistique Enfin, « Carrousel de feutrine » témoigne du talent de Bec Winnel pour susciter l'émotion et raconter une histoire à travers son art. Le motif du clown de la mode et l'authenticité des sentiments exprimés par le sujet tissent un récit unique, ouvert à l'interprétation et pourtant universellement compréhensible. Faisant partie des 50 acquéreurs de cette estampe, les collectionneurs sont invités à un dialogue silencieux avec l'œuvre, à contempler la myriade d'émotions qu'elle éveille. Par sa représentation sensible et évocatrice de la condition humaine, Bec Winnel continue de marquer durablement le monde de l'art contemporain. « Carrousel de feutrine » n'est pas qu'une simple estampe ; c'est une part de l'âme de Winnel, partagée avec le monde, et un rappel que le véritable art réside dans la capacité à susciter émotion et réflexion par le langage silencieux de l'image.

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Scream Provocateurs, édition limitée, sérigraphie monochrome tirée à la main sur papier d'archivage 100 % coton à bords frangés, par Gary Panter, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Estampe de l'événement The Provocateurs (Chicago). Sérigraphie 24 x 36 pouces, signée et numérotée, édition limitée à 200 exemplaires. Cachet de l'éditeur ART ALLIANCE en bas à gauche.

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Ron Robinson/King-Reds Collage unique orné à la main, technique mixte sur carte de baseball vintage par Pat Riot. Œuvre originale estampillée de 2014, technique mixte superposée sur une véritable carte vintage Topps de la MLB, avec un style pop art inspiré de : Ron Robinson/King - Reds

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East Meets West - Sculpture de jouet d'art en vinyle orange en édition limitée, œuvre d'art de collection de l'artiste pop moderne Ron English - POPaganda x MINDstyle. Édition limitée 2017, format 4 pouces, neuve en boîte, estampillée/imprimée Boîte non ouverte, neuve

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Ryon Healy/OLY Man - Collage unique orné à la main, technique mixte sur carte de baseball vintage par Pat Riot. Œuvre originale de 2014, technique mixte superposée sur une véritable carte vintage Topps de la MLB, avec un style pop art inspiré de Ryon Healy/OLY Man - Athletics

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Achetez Universal Dignity 4-Color Hand-Pulled Limited Edition Silkscreen Print on Cream Speckle Tone Paper par Shepard Fairey Rare Street Art OBEY Pop Artwork Artist. Édition limitée signée 2022. 18 pouces x 24 pouces Edition de 600 3 juin 2022 "L'imprimé "Dignité universelle" vise à promouvoir la paix, l'égalité et l'humanité. J'aimerais voir une hypothèse fondamentale selon laquelle TOUTES les personnes méritent le respect et la dignité humaine. Cela s'applique à la signification universelle de la dignité, à valoriser et à respecter. pour ce que vous êtes, ce en quoi vous croyez et comment vous vivez votre vie. Je me considère comme un citoyen du monde, et bien que je pense que les nations remplissent une fonction structurelle, tous les gens devraient être égaux, et la vie de chacun compte de la même façon, peu importe où ils vivent." -Shepard Fairey

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Œuvre d'art Katydid, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti de la culture pop Jason Levesque. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Format de l'œuvre : 16 x 12 pouces.

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Face Invader - Sugar High Original Hand-Painted Multiple (HPM) on Wood Cradled Panel ready to hang by Bask Graffiti Street Artist Modern Pop Art. « Je voulais faire quelque chose de spécial pour la série qui coïnciderait avec l'exposition. L'idée m'est venue de ne pas me contenter d'une simple estampe rehaussée à la main, mais de créer une série de pièces peintes à la main. Pas de pochoirs ni de sérigraphies : je souhaitais proposer des pièces authentiquement peintes, accessibles à tous. Malgré mon enthousiasme, il me fallait trouver comment réaliser ce projet dans un délai raisonnable. Sans oublier la difficulté de trouver 10 images que je pourrais reproduire presque à l'identique 20 fois. J'ai également eu l'idée de faire revenir certains visages apparus dans mes œuvres précédentes, des personnages que Detroit m'a inspirés. Je dois ajouter que ce projet a été l'un des plus laborieux que j'aie entrepris. Mon assistant et moi y avons consacré plus de 500 heures. Chaque panneau a été travaillé avec une minutie extrême. » - BASK

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Sérigraphie El Trooper Star Wars par JC Rivera, tirée à la main sur papier d'art, édition limitée. Édition limitée signée et numérotée de 50 exemplaires, 2013. Œuvre d'art de taille 18x24, sérigraphie représentant un masque de Stormtrooper stylisé, film de science-fiction Star Wars. Sérigraphie El Trooper Star Wars par JC Rivera La sérigraphie « El Trooper Star Wars » de JC Rivera est une fusion saisissante d'iconographie de science-fiction et d'art urbain pop/graffiti. Réalisée à la main en 2013, cette sérigraphie transforme le casque classique de stormtrooper en une composition stylisée et complexe, aux couleurs vives et aux motifs élaborés. Signée et numérotée dans une édition limitée à 50 exemplaires, cette œuvre de 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces) fusionne l'esthétique reconnaissable de Star Wars avec l'énergie brute et les influences culturelles de l'art urbain contemporain. La signature artistique de Rivera est manifeste dans la conception, faisant de cette pièce une œuvre marquante au sein des communautés Star Wars et street art. La composition artistique et les influences culturelles L'interprétation du casque de stormtrooper par Rivera s'éloigne de son aspect traditionnel, lisse et monochrome, pour l'imprégner de motifs organiques et tourbillonnants évoquant les masques sculptés à la main et l'art populaire. La palette de couleurs vives, composée de rouges profonds, de jaunes, de verts et de noirs, confère à l'œuvre une énergie dynamique, presque tribale. Les détails complexes à l'intérieur des contours du casque imitent les motifs ornementaux souvent présents dans l'art du tatouage et l'art indigène, créant ainsi une œuvre à la fois familière et totalement réinventée. L'utilisation de contours noirs marqués et d'encres superposées confère à l'estampe une texture qui reflète la matérialité de la sérigraphie artisanale. Cette méthode renforce l'impact de l'œuvre, assurant ainsi que chaque ligne et chaque motif se détachent nettement sur le papier beaux-arts. Il en résulte un casque de stormtrooper qui s'apparente moins à une armure de science-fiction qu'à une entité vivante, un emblème de rébellion, de culture et d'évolution artistique. Le choix de Rivera de réinterpréter ce personnage iconique à travers le prisme du street art et du graffiti le transcende en tant que simple fan art, l'inscrivant dans un mouvement artistique plus vaste qui prône la réinvention et le récit culturel. Le pop art urbain et le graffiti rencontrent Star Wars Star Wars inspire depuis longtemps le street art et le graffiti, ses thèmes de résistance, d'autoritarisme et d'individualisme trouvant un écho profond dans la culture artistique urbaine. Le stormtrooper, symbole d'un conformisme impersonnel, est fréquemment réinterprété par les artistes de rue qui cherchent à subvertir sa signification originelle. La version du casque proposée par Rivera pousse cette idée plus loin en la transformant en une œuvre profondément personnelle et expressive. Les motifs ornementaux qui recouvrent la visière rejettent l'uniformité, suggérant une rupture avec le contrôle et une affirmation de la liberté artistique. L'utilisation de techniques issues du pop art urbain, notamment le contraste marqué des couleurs et le tracé stylisé, inscrit cette œuvre dans la tradition plus large du graffiti et du street art. Le casque de stormtrooper, conçu à l'origine comme un objet inexpressif, est désormais animé d'une personnalité forte, reflétant l'esprit de rébellion présent à la fois dans l'univers Star Wars et dans le mouvement de l'art urbain. La réinterprétation de Rivera permet au spectateur de percevoir le stormtrooper non comme un soldat anonyme, mais comme un être à part entière, doté d'une identité et d'une mission. La valeur de collection et l'impact de l'édition limitée imprimée Tirée à seulement 50 exemplaires, la sérigraphie El Trooper Star Wars est une pièce très recherchée par les collectionneurs d'objets Star Wars et d'art urbain contemporain (pop art et graffiti). Son format 45,7 x 61 cm permet d'apprécier pleinement la finesse des détails de Rivera, tandis que la technique artisanale de la sérigraphie confère à chaque exemplaire un caractère unique et tactile. La rareté de cette estampe renforce son attrait, en faisant une œuvre d'art à part entière, un véritable manifeste qui fait le lien entre culture populaire et beaux-arts. La capacité de JC Rivera à fusionner l'iconographie de la science-fiction avec l'esthétique du street art témoigne de son talent pour repousser les limites artistiques. En transformant un symbole universellement reconnu en une œuvre profondément personnelle et culturellement pertinente, il invite le spectateur à repenser le rôle de la culture populaire dans l'art urbain contemporain. Cette estampe n'est pas seulement un hommage à Star Wars ; elle est un témoignage du pouvoir de la réinvention artistique, prouvant que même les images les plus emblématiques peuvent être réinterprétées à travers le prisme du street art.

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Estampe giclée en édition limitée McGregor sur papier d'art de qualité supérieure, par Robert Bruno, artiste de rue issu de la contre-culture. Épreuve d'artiste AP. Estampe d'art sur le thème de la boxe : McGregor contre Mayweather.

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Crystal Cranium 9-Color Hand-Pull Limited Edition Silkscreen Print on Citrine 290gsm Colorplan Fine Art Paper by Sheefy McFly- Tashif Turner Rare Street Art Famous Pop Artwork Artist. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2021. Format de l'œuvre : 18 x 24 pouces. Sérigraphie signée en 9 couleurs sur papier d'art Colorplan Citrine 290 g/m² ; format : 45,7 x 61 cm ; sortie : 6 août 2021 ; tirage : 100 exemplaires

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Sans titre de Blame Game - #3 Visage à l'envers, impression sérigraphique 11 couleurs tirée à la main sur papier Saunders Waterford Hi-White par l'artiste Kaws - Brian Donnelly Street Art, œuvre d'art en édition limitée. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Œuvre de 23 x 35 pouces (88,9 x 58,4 cm), encadrée avec un grand cadre et un passe-partout sur mesure. KAWS (né en 1974) Sans titre, extrait de Blame Game, 2014. Sérigraphie en couleurs sur papier Saunders Waterford Hi-White. Édition limitée à 100 exemplaires, signée, numérotée et datée au crayon en bas. Publiée par Pace Prints, New York. Dévoilement de « Untitled from Blame Game - #3 Upside Down Face » de KAWS À la croisée dynamique du street art et du graffiti, peu de noms résonnent autant que celui de KAWS, pseudonyme de l'artiste américain Brian Donnelly. Né en 1974, KAWS est devenu une icône de l'art contemporain, faisant le lien entre l'art et la culture populaire. Son œuvre, « Untitled from Blame Game - #3 Upside Down Face », témoigne avec force de sa maîtrise artistique. Créée en 2014, cette œuvre fait partie d'une édition limitée à 100 exemplaires, sérigraphiés à la main en 11 couleurs sur papier Saunders Waterford Hi-White. Chaque exemplaire porte la signature, le numéro et la date de l'artiste en bas de l'affiche. Publiée par Pace Prints (New York), cette pièce illustre parfaitement la fusion harmonieuse entre art commercial et beaux-arts qui caractérise le travail de KAWS. L'œuvre est une expression audacieuse de l'esthétique unique de KAWS, avec un personnage emblématique dont chaque œil est remplacé par un « X », un motif qui l'a rendu célèbre. Cette estampe de 89 x 58 cm est encadrée d'un grand cadre sur mesure avec passe-partout, ce qui renforce son impact visuel. La technique d'impression sérigraphique à 11 couleurs témoigne du savoir-faire et de l'exigence de qualité de KAWS, garantissant à chaque tirage une palette riche et vibrante ainsi qu'une précision méticuleuse. Le choix du papier Saunders Waterford Hi-White, réputé pour sa qualité supérieure, contribue à l'aspect haut de gamme et à la longévité de l'œuvre. KAWS et l'évolution du pop art urbain Le parcours de KAWS dans le monde de l'art est marqué par sa transition d'artiste de graffiti dans les rues de New York à figure incontournable de la scène artistique internationale. Son œuvre est reconnue pour sa capacité à naviguer avec fluidité entre différentes sous-cultures, dont le street art, le pop art et l'imagerie commerciale. La série « Untitled from Blame Game » illustre parfaitement comment KAWS a transformé l'esthétique du street art en une forme d'art accessible aussi bien dans l'effervescence des ruelles new-yorkaises que dans le calme feutré des galeries d'art contemporain. Ses personnages, d'une simplicité formelle remarquable, suscitent une profonde émotion chez le spectateur, incarnant souvent les thèmes de l'humanité, de la vulnérabilité et de l'isolement. La capacité de KAWS à évoquer de telles émotions tout en conservant une esthétique ludique et accessible est la marque de fabrique de son travail. Cette dualité lui a valu l'affection d'un public varié, allant des amateurs de street art aux collectionneurs avertis. La signification culturelle des œuvres de KAWS Au-delà de son attrait visuel, l'œuvre de KAWS est profondément ancrée dans l'air du temps. Son art capture l'essence de la vie contemporaine, reflétant ses complexités et ses simplicités. « Untitled from Blame Game - #3 Upside Down Face », à l'instar de la plupart de ses créations, est empreinte d'introspection, invitant le spectateur à dépasser les apparences. Les thèmes récurrents de déconstruction et de recontextualisation qui caractérisent ses œuvres suscitent un dialogue sur la nature de l'identité et de la reconnaissance dans un environnement médiatique saturé. De plus, l'influence de KAWS s'étend bien au-delà de la toile, touchant le paysage plus large du design, de la mode et du marketing. Ses collaborations avec de grandes marques ont repoussé les limites de ce qui est considéré comme de l'art, rendant sa vision accessible à un public plus vaste et redéfinissant le concept même du street art. « Untitled from Blame Game - #3 Upside Down Face » témoigne non seulement du talent technique et de la vision artistique de KAWS, mais symbolise également l'évolution du street art et du graffiti. Œuvre en édition limitée, elle occupe une place particulière dans les annales de l'art contemporain, représentant un moment où les frontières entre l'art savant et la culture urbaine sont non seulement floues, mais aussi magnifiquement entrelacées.

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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L'innocence triomphe, estampe giclée de Bec Winnel, œuvre d'art en édition limitée sur papier beaux-arts, artiste graffiti pop de rue. Édition limitée signée et numérotée de 25 exemplaires, 2014. Œuvre de 16 x 12 pouces représentant une jeune femme pensive dans un style tribal amérindien stylisé. Dévoilement de « L'innocence triomphe » de Bec Winnel « L’innocence triomphe » de Bec Winnel est une saisissante estampe giclée en édition limitée qui capture la beauté contemplative d’une jeune femme, évoquant les thèmes de la spiritualité autochtone et de l’introspection. Artiste de street art, de pop art et de graffiti, Winnel propose avec cette édition limitée de 25 estampes signées et numérotées, de format 40,6 x 30,5 cm, une exploration intime des subtilités de l’expression humaine, réalisée sur papier d’art de haute qualité pour une impression durable. Introspection et identité dans le pop art urbain « L’innocence triomphe » témoigne du talent de Winnel pour fusionner le langage visuel du street art avec des explorations identitaires plus nuancées et personnelles. Le sujet, orné de plumes d’inspiration tribale, suggère un lien avec l’héritage amérindien, un thème à la fois puissant et délicat. Cette représentation tranche avec l’énergie brute et urbaine généralement associée au graffiti, invitant plutôt le spectateur à un moment de recueillement. Le regard de la jeune femme, détourné du spectateur, ainsi que les plumes symboliques, évoquent un cheminement de découverte de soi et la force des racines culturelles. L’œuvre de Winnel se caractérise souvent par cette intersection entre l’esthétique du street art et des éléments à forte connotation personnelle et culturelle, créant un pont entre l’art public et les récits intimes. Résonance culturelle dans l'art moderne Les éléments culturels d’« Innocence Prevails » sont significatifs, car ils offrent un aperçu du respect et de la vénération pour les cultures autochtones, souvent présents dans l’art contemporain. L’expression pensive de la femme, associée au motif tribal, évoque un sentiment d’innocence intemporelle et un lien profond avec la tradition et l’histoire. Cette œuvre célèbre le patrimoine et invite à le préserver dans le contexte moderne. Le choix de Winnel d’explorer ces thèmes à travers le prisme du Street Pop Art est particulièrement pertinent, démontrant la flexibilité et la richesse du genre. Le tirage limité de cette estampe souligne l’importance de préserver et de chérir les récits culturels, chaque exemplaire devenant le gardien de l’histoire qu’il raconte. L'héritage artistique de Bec Winnel L'artiste australienne Bec Winnel a marqué de son empreinte le monde du Street Pop Art grâce à son style unique et à ses portraits expressifs. « L'Innocence prévaut » illustre parfaitement sa philosophie artistique, où l'essence du sujet est saisie dans un instant de recueillement silencieux. L'œuvre de Winnel est reconnue pour sa capacité à transmettre des émotions et des concepts profonds, invitant le spectateur à un dialogue qui transcende les mots. Au sein de la communauté artistique, la contribution de Winnel dépasse le cadre de la toile ; ses œuvres repoussent les limites du Street Pop Art, y introduisant des éléments d'identité personnelle et culturelle, dans un espace souvent dominé par des commentaires sociétaux plus généraux. « L'Innocence prévaut » est une pièce maîtresse de la collection de Winnel, une impression giclée qui insuffle l'esprit de la tradition à la scène artistique contemporaine, faisant ainsi résonner les murmures du passé au milieu du tumulte de la vie moderne.

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27 Club - Morrison, sérigraphie en édition limitée 4 couleurs tirée à la main sur papier beaux-arts par DKNG, artiste pop art célèbre et rare. Édition 2012 signée et numérotée, limitée à 200 exemplaires. La galerie Blunt Graffix, en Oregon, nous a invités à participer à leur exposition collective « Dead Rockstars : A Tribute to the Mortal Gods of Sound ». Nous avons choisi d'explorer le concept du « Club des 27 », un phénomène qui désigne les musiciens célèbres décédés à l'âge de 27 ans. Chaque estampe est une mini-sérigraphie quatre couleurs de 11,7 cm x 13,7 cm, tirée à 200 exemplaires.

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Loud Mouth Soup 1 Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier beaux-arts 310 g/m² par Nekoes, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Cette œuvre est inspirée par mon impatience et mon incompréhension face à la maladie mentale de mon frère, qui associe schizophrénie et trouble bipolaire. Pour la créer, je l'ai observée fumer énormément de cigarettes et je lui ai posé une multitude de questions sur les voix qu'elle entend et sur ses hallucinations. Puis, j'ai simplement commencé à peindre sur la toile. Cette œuvre (ainsi que quatre autres) a été créée en janvier 2014, juste après mon déménagement en Floride. De la première à la dernière, je dirais qu'il m'a fallu environ deux semaines. J'ai tendance à travailler sur une peinture jusqu'à ce qu'elle soit terminée. Je déteste commencer quelque chose, l'interrompre, puis y revenir. » – Nekoes

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Divinations et Papillons, œuvre d'art, impression giclée en édition limitée sur papier Hahnemühle Fine Art Rag, par l'artiste de graffiti pop culture Nimit Malavia. Nimit Malavia est un artiste visuel et illustrateur canadien reconnu pour ses œuvres complexes et imaginatives. Son style allie souvent la finesse du trait à une forte dimension narrative, puisant son inspiration dans diverses sources telles que la mythologie, les contes de fées et la culture contemporaine. L'œuvre de Malavia intègre généralement un mélange de techniques traditionnelles et numériques, notamment l'encre, l'aquarelle et Photoshop.

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Planche de skateboard Blind Faith, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur planche naturelle pressée à froid, par l'artiste de street art Prefab77. 2022 - Impression par transfert pigmentaire d'archives signée sur planche de skate naturelle pressée à froid - Dimensions : 8 x 31,875 pouces - Sortie : 21 janvier 2022 - Tirage : 75 exemplaires

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Estampe d'art en édition limitée Nefertiti, réalisée à partir de pigments d'archives sur papier d'art en velours de coton par l'artiste Nychos, légende du street art pop et du graffiti. Estampe d'art signée et numérotée de 2021 par NYCHOS. Édition limitée à 111 exemplaires. Dimensions : 18,5 x 24 pouces. Nychos, figure emblématique du street art et du graffiti, nous offre une représentation fascinante de Néfertiti dans cette estampe d'art de haute qualité, réalisée à partir de pigments d'archives. Artiste de renommée internationale, il est reconnu pour son style unique, où il explore avec minutie l'anatomie complexe de ses sujets, alliant une précision scientifique rigoureuse à une esthétique vibrante, presque surréaliste. Cette œuvre, intitulée « Néfertiti », ne fait pas exception. Sur un fond de cercle rouge vif, elle dévoile l'anatomie interne de la reine de l'Égypte antique, juxtaposant la magnificence de sa beauté extérieure au labyrinthe complexe de sa physiologie interne. Les détails, du réseau veineux et artériel à la structure osseuse complexe, sont méticuleusement agencés, captivant instantanément le regard. L'utilisation de couleurs éclatantes sur le fond sombre accentue encore les détails, offrant une expérience visuelle saisissante. Créée en 2021, cette œuvre témoigne du talent exceptionnel de Nychos et de son approche unique du street art. L'impression est réalisée avec des pigments d'archivage de haute qualité, garantissant sa longévité et la préservation de l'éclat des couleurs. Imprimée sur un papier d'art en coton velours, sa texture sublime la profondeur et la finesse de l'œuvre. Tirée en édition limitée à seulement 111 exemplaires, chaque tirage mesure 47 x 61 cm. Chaque exemplaire est signé et numéroté par Nychos, gage de son authenticité et en faisant une pièce recherchée par les collectionneurs et les amateurs de street art. Le mariage d'iconographie ancienne et de techniques artistiques contemporaines donne naissance à une œuvre qui transcende les époques et invite le spectateur à une profonde réflexion.

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Psychedelic Andre - Pinnacle Blue Blotter Paper Limited Edition Archival Pigment Print Art on Perfored Blotter Paper by Shepard Fairey X John Van Hamersveld pop culture LSD artwork. « J'ai créé cette image pour la première fois en 1967, puis l'affiche est sortie en 1968. Un jour, je me suis assis et j'ai commencé ce dessin, dans mon style habituel. J'étais directeur artistique chez Capitol Records et je ne dessinais plus beaucoup. C'était une toute nouvelle étape pour moi. Mais c'était l'occasion de tester mon dessin, de le transposer sur une affiche et de la faire publier. Le résultat a été excellent. Le concert a été un succès retentissant. Il y avait des publicités partout et le public adorait l'affiche. Elle est tout de suite entrée dans l'histoire, un peu comme l'affiche de The Endless Summer. » - John Van Hamersveld « Je suis devenu fan d'Hendrix après avoir quitté ma période punk rock orthodoxe. J'ai fini par être attiré par l'image de John car elle comportait un clin d'œil au psychédélisme, sans tomber dans l'excès de détails baroques, ce qui lui a permis de devenir iconique. Cette image d'Hendrix elle-même — ainsi que quelques autres influences, comme Barbara Kruger et le constructivisme russe — a eu une influence considérable sur ma façon de créer des œuvres capables de se démarquer dans le brouhaha de la rue tout en conservant un style reconnaissable. Lorsque je réalisais des variations d'André sur différents fonds, je m'intéressais beaucoup à l'art psychédélique, mais l'œuvre de John m'a vraiment inspiré à créer quelque chose qui s'écarte de la simple reproduction de l'image originale d'André. Ainsi, le Pinnacle Hendrix de John a en quelque sorte été la porte d'entrée vers l'évolution de tout mon projet André le Géant. Je ne saurais trop insister sur l'importance de cette image pour moi. » - Shepard Fairey

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Sérigraphie Happy Endings par OG Slick x The Beautiful Losers, tirée à la main sur un cercle de 30 pouces, papier d'art à bords frangés à la main, édition limitée. Édition limitée signée et numérotée de 99 exemplaires (2024). Œuvre d'art circulaire de 30 pouces de diamètre, sérigraphie représentant des mains souriantes tenant une bombe de peinture et pulvérisant une ligne sur les visages et les yeux. Happy Endings : une déclaration audacieuse dans le Street Pop Art « Happy Endings », une œuvre provocatrice d'OG Slick, créée en collaboration avec The Beautiful Losers, mêle art urbain, pop art et graffiti. Cette sérigraphie artisanale est réalisée avec minutie sur un disque de 76 cm de diamètre, en papier beaux-arts à bords frangés, capturant l'essence même d'une narration visuelle audacieuse. Sortie en 2024, cette édition limitée à 99 exemplaires, signée et numérotée par l'artiste, offre une représentation saisissante du motif iconique du Smiley Face d'OG Slick. Une bombe de peinture à la main, le personnage perturbe son propre visage en traçant une simple ligne rouge sur les yeux, proposant une réflexion incisive sur la perception, l'expression et la rébellion. OG Slick et le pouvoir subversif des fins heureuses OG Slick, figure emblématique du graffiti et du street art, est reconnu pour son mélange de réalisme urbain et de références à la pop culture. Dans « Happy Endings », son smiley signature se métamorphose en un emblème provocateur du malaise contemporain. Le geste à la fois ludique et subversif du personnage se traçant un trait sur les yeux invite le spectateur à réfléchir à l'autocensure, à l'identité et aux normes sociales. En collaborant avec The Beautiful Losers, collectif réputé pour sublimer les récits inspirés de la rue, OG Slick amplifie la portée culturelle de l'œuvre. Celle-ci juxtapose innocence et rébellion, utilisant des couleurs vibrantes et une imagerie audacieuse pour un impact visuel saisissant. Symbolisme et techniques dans les fins heureuses « Happy Endings » incarne l'interaction dynamique entre simplicité et complexité, caractéristique du Street Pop Art. Le Smiley jaune vif, symbole universel de joie, est perturbé par une ligne rouge carmin qui lui coupe les yeux, créant un contraste visuel saisissant. Cet acte de défiguration sert de métaphore pour remettre en question les attentes traditionnelles et interroger la nature du bonheur. L'utilisation de la sérigraphie accentue la profondeur de l'œuvre, faisant ressortir les couleurs éclatantes et la netteté des lignes. Les bords frangés à la main du papier beaux-arts ajoutent une dimension tactile, ancrant l'œuvre dans l'authenticité brute du street art. Collectionnabilité et impact des fins heureuses « Happy Endings » témoigne du talent d'OG Slick pour fusionner le symbolisme de la pop culture et l'énergie brute du graffiti. Chaque estampe, tirée à la main avec une précision méticuleuse et limitée à 99 exemplaires, est une pièce de collection très recherchée. La collaboration avec The Beautiful Losers renforce sa place dans l'histoire de l'art contemporain, fusionnant les univers de l'art contemporain et de la culture urbaine. L'œuvre célèbre non seulement l'esprit rebelle du graffiti, mais invite également le spectateur à repenser sa vision de la joie, de l'identité et de l'expression artistique. « Happy Endings » s'impose comme une contribution audacieuse et stimulante au panthéon du street art et du graffiti.

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Cut The Record - MF Doom Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier beaux-arts 310 g/m² par Tavar Zawacki - Ci-dessus Artiste de rue graffiti Art pop moderne. La série « Cut The Record » a été créée exclusivement pour cette sortie et faisait partie de ma plus récente exposition, Remix. C'était une série très personnelle, car j'ai sélectionné dix de mes musiciens préférés à représenter et à remixer. Ces dix musiciens font partie de mes favoris ; j'écoute leur musique au quotidien. Pour mon exposition, j'ai quelque peu détourné le sens du terme « remix » pour l'adapter à l'échange et à l'échantillonnage de différentes gravures sur bois, similaires mais présentes sur les œuvres. Les dix musiciens sélectionnés pour la série « Cut The Record » ont tous soit vu leur musique remixée, soit réalisé eux-mêmes des remixes.

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Sérigraphie Haiconca Or Jaune Métallique par Fin DAC Tirage à la main 8 couleurs sur papier d'art Somerset 410 g/m² à fond perdu et bordé à la main Édition limitée Œuvre d'art Findac . Édition limitée à 40 exemplaires, signée et numérotée, 2023. Œuvre d'art de format 20 x 31,5 cm. Sérigraphie. Sérigraphie Haiconca Or jaune métallisé par Fin DAC « Haiconca Metallic Yellow Gold » est une sérigraphie magistrale de 2023, signée Fin DAC, artiste renommé du street art pop. Imprimée sur papier d'art Somerset 410 g/m² à bords frangés, sans marges, cette œuvre de 50,8 x 80 cm (20 x 31,5 pouces) fait partie d'une édition strictement limitée à 40 exemplaires signés et numérotés. Réalisée selon un procédé de sérigraphie complexe en 8 couleurs, elle présente un portrait monochrome finement rendu, électrisé par un motif de masque audacieux en or jaune métallique. Cette juxtaposition d'hyperréalisme en niveaux de gris et de couleurs symboliques vibrantes est une signature du langage visuel de Fin DAC et contribue à son exploration constante de la beauté culturelle et du pouvoir féminin. Style et emblèmes culturels distinctifs de Fin DAC Fin DAC, artiste irlandais de renommée internationale, a redéfini le portrait féminin dans le street art et le graffiti grâce à un symbolisme visuel constant et délibéré. ​​Son esthétique signature se caractérise par des femmes masquées, ornées de motifs faciaux colorés évoquant des éléments cérémoniels traditionnels asiatiques, sud-américains ou tribaux. « Haiconca Metallic Yellow Gold » illustre parfaitement cette approche thématique. La femme représentée fixe le spectateur, à la fois digne et sur la défensive, son regard perçant contrastant avec le masque doré qui recouvre le haut de son visage. Son anneau de nez, sa bague texturée et ses ongles vernis contribuent à la narration complexe qui caractérise souvent les sujets de Fin DAC : puissants et introspectifs, parés et pourtant intacts. Processus, matériaux et exécution artistique L'utilisation du papier Somerset 410 g/m² est un choix délibéré, qui accentue la profondeur tactile de l'œuvre et permet au pigment métallique de refléter la lumière en différentes nuances selon l'angle de vue. La sérigraphie artisanale en huit couleurs offre un contrôle et une superposition extrêmes, donnant naissance à une estampe à l'aspect quasi photographique, tout en conservant son authenticité issue du street art. Les bords frangés à la main confèrent à l'estampe une qualité brute et sculpturale, en parfaite adéquation avec la démarche artistique de Fin DAC, qui fait le lien entre la rue et la galerie. Ces détails de production ne sont pas anodins : ils sont essentiels pour comprendre comment le pop art urbain est devenu un art à part entière, prisé des collectionneurs. Pertinence contemporaine de l'art urbain pop et du graffiti Haiconca Metallic Yellow Gold est une œuvre visuellement saisissante qui interroge l'identité, le pouvoir d'agir et la perception. Le masque jaune métallique est à la fois un bouclier et une affirmation, une métaphore visuelle des rôles que les femmes adoptent ou refusent dans la société contemporaine. Le travail de Fin DAC continue de mettre en lumière des femmes d'horizons culturels divers, non pas comme des symboles exotiques, mais comme des individus émancipés qui imposent leur présence dans les paysages urbains et artistiques. Dans le contexte du street art et du graffiti, cette œuvre fait le lien entre le portrait photoréaliste et une iconographie audacieuse, soulignant la place de Fin DAC comme figure incontournable du genre. Tirée à seulement 40 exemplaires, cette édition de 2023 offre aux collectionneurs une œuvre rare et puissante, résolument contemporaine tout en conservant une esthétique et une profondeur émotionnelle intemporelles.

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Peinture acrylique originale et unique « Pink Party » sur toile tendue, par l'artiste populaire Serge Gay Jr. Peinture acrylique originale signée, 2011, format 40 x 30 cm, prête à être accrochée sur toile tendue. « Pink Party » de Serge Gay Jr. : une fusion vibrante de culture pop et de beaux-arts « Pink Party », une peinture acrylique originale sur toile tendue du célèbre artiste pop culture Serge Gay Jr., illustre avec force la fusion entre l'art savant et la culture populaire. Cette œuvre originale signée, réalisée en 2011 et mesurant 101,6 x 76,2 cm, témoigne de la capacité de Gay à saisir l'esprit de son époque à travers un tableau vibrant, à la fois ludique, provocateur et poignant. Prête à être accrochée, la toile offre un aperçu de la vision de l'artiste, où les frontières entre art urbain, pop art et graffiti s'estompent, créant un récit qui résonne tant sur le plan esthétique que conceptuel. Le vocabulaire visuel de l'œuvre est riche en symbolisme et en iconographie, caractéristiques du style de Gay, qui mêle souvent des éléments de street art et de graffiti. « Pink Party » ne fait pas exception, avec ses couleurs vives, sa composition dynamique et la juxtaposition d'images qui font écho aux récits de société et aux références de la culture populaire. La scène représentée est un véritable carnaval de motifs qui abordent les thèmes de l'identité, de la célébration et des sous-entendus de critique sociale, invitant les spectateurs à un dialogue avec l'œuvre qui dépasse sa simple beauté superficielle. Exploration des strates de l'expression artistique de Serge Gay Jr. La richesse des significations de « Pink Party » de Serge Gay Jr. témoigne de la profondeur de son expression artistique. Chaque élément de la toile s'harmonise avec les autres pour créer un récit cohérent, à la fois profondément personnel et universellement pertinent. L'œuvre de Gay explore souvent l'intersectionnalité de l'identité, de la culture et de l'énergie vibrante de la vie urbaine, et cette peinture célèbre ces thèmes avec le talent et la finesse propres à un maître de son art. Son approche de la culture pop est nuancée et complexe, puisant souvent dans le passé tout en commentant le présent. L'imagerie de « Pink Party » s'inspire d'une vaste palette de références culturelles, de la musique et la mode aux mouvements sociaux et à la vie quotidienne. Sa capacité à distiller ces éléments en une composition unique et harmonieuse est une marque de fabrique de son travail, faisant de chaque œuvre un sujet de réflexion riche et stimulant. L'utilisation de la peinture acrylique confère une texture tangible à l'œuvre, soulignant la matérialité de l'influence du street art dans sa pratique. La pertinence culturelle du « Pink Party » dans le paysage artistique « Pink Party » occupe une place prépondérante dans le paysage artistique contemporain. Elle reflète une époque où les frontières entre les différentes formes d'art s'estompent et où l'influence de la culture pop sur les pratiques artistiques traditionnelles est indéniable. L'œuvre de Serge Gay Jr. se situe au cœur de cette mutation culturelle, utilisant la toile pour explorer et subvertir les conventions de l'art contemporain. Cette œuvre originale de Gay illustre non seulement son talent de peintre, mais aussi sa perspicacité en tant qu'observateur culturel. À travers son art, Gay capture l'esprit de son temps, incarnant l'énergie, les défis et les triomphes de la société moderne. « Pink Party », avec son récit visuel captivant et ses significations multiples, continue de toucher le public, s'imposant comme une œuvre majeure du pop art du XXIe siècle. Dans le contexte plus large du street art et du graffiti, « Pink Party » représente l'évolution de ces genres, démontrant comment ils peuvent passer des murs de la ville à ceux d'une galerie sans rien perdre de leur impact ni de leur authenticité. Cette peinture célèbre l'esprit du street art : accessible, captivant et d'une audace assumée. La capacité de Serge Gay Jr. à faire le lien entre ces univers avec une telle aisance témoigne de son rôle de figure majeure de la scène artistique contemporaine. Œuvre unique, « Pink Party » est non seulement un régal pour les yeux, mais aussi un témoignage historique, capturant l'essence d'une époque où l'art devient un vecteur de changement social et d'expression personnelle. Elle illustre à merveille les possibilités créatives qui émergent de la rencontre entre la rue et l'atelier, et le résultat est une œuvre aussi stimulante que belle.

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Planche de skate Vote For Miles - Édition limitée blanche, sérigraphie réalisée par des artistes de la culture pop urbaine chez Huf. Planche de skate Vote For Miles - Blanche - Huf. Planche de skate Vote For Miles blanche de Huf Skateboards.

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Bob Mould AP Sérigraphie signée par Shepard Fairey - OBEY Tirée à la main sur papier beaux-arts crème moucheté Œuvre d'art en édition limitée Obey Pop Culture Artiste. Épreuve d'artiste AP 2008 signée par Bob Mould au feutre et Shepard Fairey - OBEY. Édition limitée numérotée à 500 exemplaires. Format : 18 x 24 pouces. Sérigraphie représentant Bob Mould des groupes Hüsker Dü, Sugar et The Jacks. District Line. Bob Mould était le guitariste et co-compositeur de Hüsker Dü, l'un des groupes hardcore/indie les plus novateurs des années 80. Comptant parmi les groupes les plus populaires du label SST Records, ils furent parmi les premiers groupes indé américains à signer avec une major. On leur attribue le mérite d'avoir ouvert la voie à des groupes comme Sonic Youth, The Pixies et Nirvana. J'ai emprunté l'album « Zen Arcade » de Hüsker Dü à un ami en seconde et j'ai rapidement collectionné le reste de leur discographie. Je recommande tout particulièrement leur album « Flip Your Wig ». Après la séparation de Hüsker Dü, Bob a formé Sugar et poursuit désormais une carrière solo. Son nouvel album, « District Line », est excellent. - Shepard Fairey - OBEY Hommage de Shepard Fairey à Bob Mould : fusion de la musique et de l'art urbain L'épreuve d'artiste signée Bob Mould par Shepard Fairey, une sérigraphie en édition limitée, rend hommage à l'influence profonde de Bob Mould sur la scène musicale. Figure emblématique d'OBEY et figure incontournable du street art, cette sérigraphie de 2008, tirée à 500 exemplaires, est une pièce unique. Elle est réalisée selon la technique signature de Fairey, utilisant cinq couleurs sur un papier d'art crème moucheté, et mesure 45,7 x 61 cm. La signature de Mould, apposée au feutre sur son visage, ajoute une touche personnelle, mêlant le récit visuel à la sensation tactile de la main du musicien. Cette sérigraphie capture les traits de Mould, connu pour son travail novateur avec des groupes comme Hüsker Dü, Sugar et The Jacks, et l'essence même de son impact sur les genres hardcore et indie. L'hommage rendu par Fairey à l'héritage de Mould, de l'album fondateur « Zen Arcade » à « Flip Your Wig » et au-delà, souligne l'importance de cette estampe en tant que témoignage de l'histoire culturelle. Fairey, dont l'art est depuis longtemps imprégné de commentaires sociaux et d'influences de l'industrie musicale, utilise cette estampe pour honorer un musicien qui a joué un rôle déterminant dans le développement de la scène indie américaine contemporaine. Bob Mould et l'évolution de la musique indépendante américaine dans les arts visuels Le parcours de Bob Mould à travers l'évolution de la musique indie américaine est intimement lié à cette sérigraphie. L'interprétation artistique de Shepard Fairey transcende le simple portrait ; elle est une représentation symbolique de l'époque où des groupes comme Sonic Youth, The Pixies et Nirvana ont redéfini le paysage musical, avec Mould et Hüsker Dü à leur tête. Fan inspiré par les bandes originales brutes et passionnées de sa jeunesse, Fairey puise son inspiration dans la musique de Mold, ce qui confère à l'œuvre une dimension intime et respectueuse. La sérigraphie témoigne de la pertinence toujours actuelle de Mould, Fairey mettant en lumière ses œuvres solo telles que « District Line ». L'œuvre symbolise la confluence entre le street art et l'énergie viscérale de la musique qui en constitue souvent la bande-son. La capacité de Fairey à insuffler à son travail l'esprit de la musique qu'il admire confère une profondeur particulière à la sérigraphie, la transformant d'un simple objet de collection en un témoignage narratif majeur au sein du street art et du graffiti. L'estampe sérigraphique signée Bob Mould AP de Shepard Fairey est bien plus qu'une simple rencontre entre art visuel et musique : c'est un hommage à l'héritage durable d'un artiste qui a contribué à façonner le son d'une génération. Œuvre de street art pop, elle incarne l'esprit rebelle du mouvement indie. Elle témoigne du pouvoir de l'art à transcender les médiums et à devenir un vecteur d'unité pour la réflexion et l'appréciation culturelles. Le tirage limité, associé aux signatures personnelles de Mould et de Fairey, en fait une pièce de collection qui immortalise un moment charnière dans l'interaction entre musique et art visuel.

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Coiffe imaginaire n° 18, œuvre d'art en édition limitée Giclée sur papier d'art épais, par l'artiste de graffiti pop culture Akira Beard.

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