Visage & Tête

Trippinfrog, œuvre d'art giclée en édition limitée, impression surréaliste sur papier d'art 100 % coton, encadrée dans un cadre bronze, par l'artiste de graffiti pop culture Naoto Hattori. 2014 Signée par Naoto Hattori & Édition limitée numérotée à 50 exemplaires. Dimensions de l'œuvre : 6x8 pouces. Dimensions du cadre en bronze : 8x10 pouces. Exploration du monde surréaliste des œuvres de Trippinfrog de Naoto Hattori Le monde de l'art contemporain est en perpétuelle évolution, fusionnant genres et formes pour créer des expressions inédites qui interpellent et ravissent les sens. Dans cette riche mosaïque, Naoto Hattori se distingue comme un artiste de graffiti pop culture dont l'œuvre mêle les éléments fantastiques du surréalisme à l'énergie vibrante et rebelle du street art et du graffiti. Parmi ses créations remarquables figure « Trippinfrog », une estampe giclée en édition limitée qui a captivé le public par la finesse de ses détails, sa composition imaginative et son esthétique saisissante. Plus qu'un simple régal pour les yeux, cette œuvre est une véritable expédition dans une dimension onirique où les lois conventionnelles de la nature et de la physique s'effacent. Lancée en 2014, l'édition limitée « Trippinfrog » témoigne de la maîtrise de son art par Hattori et de son talent pour traduire l'inconscient en une forme tangible. Chacune des cinquante estampes de cette série limitée est signée par Naoto Hattori, une touche personnelle très appréciée des collectionneurs et des amateurs de street art. Le format de l'œuvre, 15 x 20 cm, est modeste, mais son impact visuel est saisissant et invite à une contemplation plus attentive. À l'inverse, le cadre en bronze de 20 x 25 cm met en valeur l'œuvre sans en masquer la complexité. Les tirages en édition limitée sont réalisés sur papier beaux-arts 100 % coton, un choix de matériau qui témoigne de la qualité et de la durabilité de l'œuvre. Ce type de papier est réputé pour sa capacité à restituer les couleurs et les détails, garantissant ainsi la préservation de chaque nuance de la vision d'Hattori. L'utilisation d'un cadre en bronze enrichit davantage l'expérience visuelle, ajoutant une touche classique qui contraste avec le caractère moderne et avant-gardiste de l'œuvre elle-même. Le style emblématique de Naoto Hattori Le style de Naoto Hattori est un mélange unique, à la frontière entre le fantaisiste et le grotesque, une caractéristique de sa vision artistique. « Trippinfrog » en est un parfait exemple : le surréel et le réel s'y entrechoquent dans une danse de couleurs, de formes et de volumes. L'œuvre présente un amalgame d'éléments – yeux, tentacules et formes amorphes – qui s'enroulent autour d'une créature centrale, semblable à une grenouille, semblant se désintégrer et se reconstituer simultanément. Cette imagerie paradoxale est un élément essentiel du street art et du graffiti, où l'inattendu devient la norme et où les spectateurs sont invités à interpréter l'œuvre à leur manière. Les couleurs choisies par Hattori, à la fois terreuses et éthérées, créent un contraste saisissant. L'arrière-plan de « Trippinfrog » évoque un paysage serein, un contraste saisissant avec le chaos que la figure centrale incarne. Cette dualité peut être perçue comme un commentaire sur la nature de l'existence : harmonieuse et chaotique, ordonnée et imprévisible. L'œuvre d'Hattori invite le spectateur à considérer ces dualités non comme des opposés mais comme des compléments. L'impact culturel du street art et du graffiti Des œuvres comme « Trippinfrog » sont des pièces maîtresses du récit du street art et du graffiti, genres qui ont acquis une notoriété et une reconnaissance considérables dans le monde de l'art. Ces formes artistiques puisent leur expression dans l'identité culturelle, le commentaire social et une volonté de s'affranchir des modes de présentation artistique traditionnels. On les retrouve souvent sur les murs, dans les galeries et au sein de collections privées, où elles donnent la parole aux marginalisés et offrent un espace d'expression aux exclus. L'œuvre de Naoto Hattori, et plus particulièrement « Trippinfrog », s'inscrit parfaitement dans ce récit. Elle offre une évasion visuelle et un voyage introspectif à ceux qui la contemplent. Le tirage en édition limitée en fait une pièce exclusive du street art et du graffiti contemporains, un véritable jalon culturel de notre époque. Les collectionneurs et les amateurs de l'œuvre d'Hattori n'acquièrent pas seulement une œuvre d'art ; ils préservent un fragment de l'esprit culturel de leur temps. L'œuvre « Trippinfrog » de Naoto Hattori est une pièce captivante qui témoigne du pouvoir novateur et transformateur du street art et du graffiti. Son édition limitée sur papier d'art, la signature de l'artiste et sa présentation dans un cadre en bronze contribuent à son attrait et à son importance. La capacité d'Hattori à mêler le surréalisme à la rue, l'onirisme au concret, place « Trippinfrog » parmi les œuvres marquantes qui continuent de façonner et d'inspirer l'art moderne.

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Peinture originale Bardot, technique mixte aquarelle et aérosol sur papier d'art, par Aelhra, artiste de rue graffiti, art pop moderne. 2014 Œuvre originale signée, technique mixte, peinture aérosol et aquarelle, format 15 x 22

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East Meets West - Sculpture de jouet d'art en vinyle orange en édition limitée, œuvre d'art de collection de l'artiste pop moderne Ron English - POPaganda x MINDstyle. Édition limitée 2017, format 4 pouces, neuve en boîte, estampillée/imprimée Boîte non ouverte, neuve

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Impression giclée à la peinture en aérosol HPM découpée à la main Rita Gold par Kevin Stanton. Œuvre d'art en édition limitée sur papier d'art à paillettes superposées. Impression embellie à la main. Artiste de rue graffiti pop. 2013. Œuvre d'art en édition limitée à 4 exemplaires, signée et numérotée, réalisée à la peinture en aérosol, sur papier pailleté et ornée de paillettes. Découpée à la main. Impression giclée HPM. Collage sur papier doré représentant la femme Amara Karan (Inde) et le film « The Darjeeling Limited ». Style stylisé. « Rita Gold » de Kevin Stanton : une harmonie entre tradition et innovation L'œuvre « Rita Gold » de Kevin Stanton est une expression profonde de créativité et un hommage culturel à la scène artistique moderne, notamment aux genres du Street Pop Art et du graffiti. Il s'agit d'une impression giclée HPM (multiple peint à la main) découpée à la main. Cette édition limitée fusionne les techniques traditionnelles de découpage de papier avec la modernité de la peinture aérosol et le luxe d'un collage de papier doré. Lancée en 2013, « Rita Gold » est une série exclusive de seulement quatre exemplaires signés et numérotés. Chaque pièce mesure 29,8 x 40 cm et est présentée sur un papier d'art pailleté multicouche, rehaussé à la main par l'artiste. L'œuvre reflète la maîtrise du découpage de papier de Stanton, un aspect fondamental de son parcours artistique qui influence son approche systématique de la composition : la forme et la silhouette priment sur le détail du trait. Capturer l'essence culturelle à travers l'art du papier découpé « Rita Gold » célèbre l’esthétique indienne à travers le portrait stylisé d’une femme dont le regard et la posture dégagent une sérénité contemplative. L’utilisation par Stanton de collages de papier doré, rehaussés d’embellissements à la main, sublime l’œuvre et lui confère une profondeur tactile impossible à reproduire par le seul biais numérique. Le contraste entre les éléments dorés réfléchissants et les textures mates du fond peint à la bombe crée une expérience visuelle dynamique qui invite le spectateur à une contemplation plus profonde. La composition en couches de l’œuvre rend hommage à la complexité de la culture indienne et à la richesse de sa palette de symboles, de couleurs et de références historiques. L’œuvre de Stanton explore la narration par le biais d’indices visuels, où chaque découpe et chaque nuance sont des choix délibérés visant à transmettre du sens et à susciter la réflexion. Fusion des beaux-arts et de la sensibilité du street art Le street art et le graffiti se caractérisent souvent par leur accessibilité et leur immédiateté vibrante, qualités que Kevin Stanton intègre avec brio dans « Rita Gold ». En choisissant un format réduit et une série en édition limitée, Stanton fait le lien entre l'univers généralement vaste et ouvert du street art et l'exclusivité et l'intimité des beaux-arts. Cette œuvre incarne la polyvalence et l'adaptabilité des influences du street art lorsqu'elles sont mises en valeur par un artiste qui respecte l'histoire du médium tout en repoussant ses limites. Les éléments découpés à la main et l'application de la peinture en aérosol rappellent les techniques de pochoir et de bombe aérosol des graffeurs, mais le résultat final est plus délicat et raffiné. Kevin Stanton : Un artiste de précision et de passion L'engagement de Kevin Stanton envers son art transparaît dans l'exécution méticuleuse et la présentation soignée de « Rita Gold ». Son attachement à fusionner les formes artistiques traditionnelles et les techniques modernes confère à son œuvre une singularité remarquable dans le paysage foisonnant de l'art contemporain. Le tirage limité de cette série d'estampes souligne l'exclusivité et le caractère unique de son travail, faisant de chaque pièce non seulement un spectacle visuel, mais aussi un objet de collection. « Rita Gold » de Stanton est bien plus qu'une simple estampe ; elle témoigne du pouvoir de l'art à transcender les barrières culturelles et à toucher un public universel. Cette estampe demeure une œuvre captivante au sein du travail de Stanton, saisissant l'essence du street art et du graffiti à travers un regard unique, à la fois novateur et respectueux de ses diverses influences.

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Duality II, sérigraphie artisanale 6 couleurs sur papier chiffon de coton, par l'artiste Dave Kinsey, œuvre d'art pop en édition limitée. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2009. Dimensions de l'œuvre : 19 x 21,75 pouces. Publiée par BLK/MRKT Editions. « Duality II » est une sérigraphie de l'artiste contemporain américain Dave Kinsey. Reconnu pour son style unique, mélange d'art urbain, de graphisme et de beaux-arts, Kinsey se caractérise par des couleurs vives, des lignes affirmées et des images qui invitent à la réflexion. « Duality II » illustre parfaitement cette approche singulière, mettant en lumière le contraste entre deux éléments ou idées opposés. Cette dualité se manifeste tant dans la palette de couleurs que dans le sujet de l'estampe. L'œuvre présente généralement un jeu saisissant entre l'ombre et la lumière, souvent grâce à une palette de couleurs vibrantes et dynamiques, créant ainsi une impression de tension et d'équilibre. Au-delà des aspects visuels, le travail de Kinsey aborde fréquemment des thèmes liés à la société, à la politique et à la condition humaine. « Duality II » pourrait explorer la notion de dualité de l'humanité ou les contradictions inhérentes à la société. Réalisée en sérigraphie, « Duality II » utilise une technique d'impression où l'encre est pressée à travers un écran de sérigraphie sur un support, tel que du papier ou une toile. Cette méthode permet la création de plusieurs tirages identiques, constituant une édition, chaque exemplaire étant considéré comme une œuvre d'art originale. La sérigraphie « Duality II » de Dave Kinsey, à l'instar de nombreuses autres œuvres de cet artiste, est très recherchée par les collectionneurs et les amateurs d'art contemporain.

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« I Am A Man », tirages d'art en édition limitée sur papier Hahnemühle William Turner 310 g/m², réalisés par Robert Mars, artiste de graffiti, de street art et de pop culture. « Je suis un homme » (Martin Luther King Jr.) - Tirage pigmentaire d'archive sur papier Hahnemühle William Turner Matte Fine Art, 310 g/m² - Vernis à la main - 45,7 x 61 cm - Signé et numéroté à la main par l'artiste Robert Mars - 2019 Légère décoloration jaune sur la marge blanche supérieure, sans incidence sur l'image. Voir photos.

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Achetez TITLE Edition Limitée sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Archival Pigment Fine Art INFO

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Papier buvard Fade Into The Dark Stars, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Camille Rose Garcia, œuvre d'art inspirée de la culture pop et du LSD. Tirage d'art signé et numéroté 2021 avec certificat d'authenticité, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Dimensions : 7,5 x 7,5 pouces. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées sur papier buvard sont perforées à la main par Zane Kesey. « Fade Into The Dark Stars » de Camille Rose Garcia – Œuvre d’art urbain pop et graffiti sur papier buvard « Fade Into The Dark Stars » est une saisissante estampe pigmentaire d'archives de 2021, réalisée sur papier buvard perforé par l'artiste pop surréaliste Camille Rose Garcia. Mesurant 19 x 19 cm et sortie le 19 avril 2021, cette œuvre en édition limitée est signée, numérotée et accompagnée d'un certificat d'authenticité. Perforée à la main par Zane Kesey, fils de l'écrivain Ken Kesey, l'estampe rend hommage à l'histoire contre-culturelle des buvards de LSD tout en s'inspirant du style visuellement explosif de Garcia. Cette édition transforme des matériaux éphémères en objets de collection, reliant l'héritage psychédélique à l'art urbain pop et au graffiti contemporains. Surréalisme et symbolisme dans une fantaisie en Technicolor criarde L'œuvre présente une composition surréaliste et électrisante, baignée de violets lumineux, de roses acides et de bleus spectraux. En son centre se dresse une figure obsédante aux crocs acérés, coiffée d'un cache-œil en forme d'éclair, inspiré du glamour, et dont la chevelure s'embrase de néons. Des bois ramifiés et une végétation ruisselante la couronnent, évoquant la mythologie, le fantastique et la décrépitude. Un papillon de nuit inquiétant plane au-dessus, tel un gardien ou un observateur spectral. La composition vibre d'une tension visuelle intense – entre rêve et cauchemar, beauté et grotesque – rendue avec la précision et la fluidité caractéristiques de l'esthétique de Garcia. Chaque élément fait écho aux thèmes de la transformation, de la vulnérabilité et de la résistance. Camille Rose Garcia et le côté obscur de la pop Née en 1970 en Californie, Camille Rose Garcia est une figure fondatrice des mouvements artistiques lowbrow et pop surréaliste. Son œuvre puise ses racines dans un mélange de culture urbaine, de contes de fées, de punk et de commentaire politique. Connue pour sa dénonciation des systèmes de contrôle et de la destruction de l'environnement, elle utilise souvent des archétypes féminins pour subvertir les structures de pouvoir. L'exposition « Fade Into The Dark Stars » révèle la capacité de Garcia à fusionner des formes audacieuses, presque caricaturales, avec des récits troublants. Son vocabulaire stylistique emprunte à l'animation Disney, aux bandes dessinées d'horreur et à l'esthétique psychédélique fluorescente, l'inscrivant pleinement dans la lignée du street art et du graffiti américains. L'art du buvard comme médium et message L'utilisation de buvards rattache cette édition à la culture underground de la distribution de LSD, particulièrement présente dans les années 1960 et 1970. En imprimant sur des feuilles perforées et en collaborant avec Zane Kesey, Garcia instaure un dialogue entre hallucination personnelle et protestation collective. L'art du buvard, autrefois purement fonctionnel, devient un support d'expression transgressive et subversive. Le format physique favorise l'intimité et l'iconoclasme, distillant les œuvres plus vastes de Garcia en instants tactiles de rébellion visionnaire. « Fade Into The Dark Stars » devient un portail – petit mais symboliquement puissant – où les beaux-arts rencontrent la rébellion, la mythologie se mêle à la modernité et la culture urbaine se heurte à la transcendance psychédélique.

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Édition limitée « Les Frères Grimm », sérigraphie artisanale en deux couleurs sur papier beaux-arts, par John Vogl, artiste de rue graffiti, art pop moderne.

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Écoutez, bande de cons ! - Sérigraphie en édition limitée, blanche, bicolore, tirée à la main, sur papier Coventry Rag 290 g/m², par Cleon Peterson, artiste de street art et pop. 2022. 43 x 43 cm. Sérigraphie artisanale. Imprimée sur papier Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés. Chaque exemplaire est signé et numéroté. Édition limitée à 125 exemplaires.

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Achetez WOODCRADLED Panneau multiple peint à la main prêt à accrocher par ARTIST Graffiti Street Artist Modern Pop Art. 2022 Édition signée et numérotée de XXX HPM MEDIA Print Artwork Taille XXX INFO

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Monroe POPfolio - Photo Tear, sérigraphie artisanale 11 couleurs sur papier d'archivage par l'artiste pop moderne Mr Brainwash - Thierry Guetta. Œuvre d'art rare en édition limitée de Marilyn Monroe. Édition limitée 2022, signée et numérotée, à 75 exemplaires. Format de l'œuvre : 24 x 24 pouces. Straight Edges, sérigraphie 11 couleurs, signée et estampillée du pouce par l'artiste.

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Victor Martinez/Beaten Up - Tigers - Collage unique orné à la main, technique mixte sur carte de baseball vintage par Pat Riot. Œuvre originale de 2014, technique mixte superposée sur une véritable carte vintage MLB Topps, avec un style pop art similaire à : Victor Martinez/Beaten Up- Tigers

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Frida La Muerte, œuvre d'art pop street, tirage giclée en édition limitée sur papier beaux-arts, par l'artiste moderne de graffiti urbain Brian Viveros. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2013. Impression giclée 40 x 50 cm (16 x 20 pouces). Frida La Muerte (Frida la Mort). Synthèse culturelle dans "Frida La Muerte" Brian Viveros, artiste urbain contemporain de graffiti reconnu pour sa fusion unique de street art et de graffiti, a profondément marqué les esprits avec ses tirages giclée en édition limitée. Parmi ses œuvres les plus acclamées figure le tirage « Frida La Muerte », une pièce qui se distingue non seulement par sa puissance visuelle, mais aussi par sa portée culturelle. Cette œuvre fait partie d'une série limitée, signée et numérotée par Viveros, ce qui souligne sa valeur et son potentiel de collection sur le marché de l'art. Dans « Frida La Muerte », Viveros rend hommage à Frida Kahlo, l'une des figures les plus emblématiques de l'histoire de l'art, tout en insufflant à l'œuvre sa touche d'audace caractéristique. Le tirage présente un portrait évocateur d'une figure rappelant Kahlo, ornée d'une couronne de roses et d'un maquillage de calavera (crâne), traditionnellement associé au Jour des Morts mexicain. La combinaison de ces éléments crée un puissant récit visuel qui unit la vie et la mort, un thème souvent exploré par Kahlo dans son œuvre. L'estampe giclée en édition limitée Cette estampe en édition limitée a été réalisée selon la technique de la giclée, qui consiste à projeter des micro-points d'encre pigmentée sur du papier ou une toile de haute qualité. Cette méthode est réputée pour ses couleurs éclatantes, la netteté de ses détails et sa durabilité, rivalisant avec les procédés d'impression argentiques et gélatino-bromure traditionnels. Mesurant 40 x 50 cm, « Frida La Muerte » offre un format idéal pour une contemplation intime, tout en étant suffisamment imposant pour habiller avec impact n'importe quel mur. Importance artistique et potentiel de collection Avec une édition limitée à seulement 100 exemplaires, « Frida La Muerte » jouit d'un attrait exclusif. Les collectionneurs et les admirateurs de l'œuvre de Viveros sont souvent séduits par sa rareté et la touche personnelle de l'artiste : chaque estampe est directement liée à sa vision créative. L'exclusivité de ces estampes les transforme de simples reproductions en objets de collection très recherchés au sein du monde de l'art. L'influence de Viveros sur le pop art urbain moderne L'influence de Viveros sur le paysage du street art et du graffiti est indéniable. Ses œuvres, dont « Frida La Muerte », se caractérisent par leur imagerie audacieuse, leurs détails minutieux et leur profondeur thématique. Ces qualités lui ont valu un public fidèle et ont suscité des débats sur l'évolution du street art et sa place dans le contexte plus large de l'art contemporain. « Frida La Muerte » de Brian Viveros incarne l'essence même du street art et du graffiti, mêlant iconographie culturelle et techniques artistiques modernes pour créer une œuvre unique. Le tirage en édition limitée renforce son attrait, en faisant une pièce recherchée par les collectionneurs et les amateurs de l'œuvre de Viveros. En tant qu'artiste, Viveros continue de repousser les limites du street art, bousculant les idées reçues et inspirant une nouvelle génération d'artistes et d'amateurs d'art.

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Sérigraphie artisanale bicolore sur papier chiffon de coton, par l'artiste Dave Kinsey. Édition limitée, œuvre d'art pop. Édition limitée à 200 exemplaires, signée et numérotée, 2007. Format : 18 x 24 pouces. Publiée par BLK/MRKT Editions Visual Communication. L'estampe sérigraphique « Knowledge » de Dave Kinsey est une œuvre en édition limitée, créée par l'artiste Dave Kinsey en collaboration avec la galerie BLK/MRKT. Dave Kinsey est un artiste contemporain américain reconnu pour son style unique, mélange d'art urbain, de graphisme et de beaux-arts. Il est largement reconnu pour ses œuvres qui invitent à la réflexion et qui abordent souvent des questions sociales, politiques et environnementales. BLK/MRKT est une galerie d'art et une agence créative fondée en 1997 par Kinsey et son épouse, Amanda Fairey. Ils représentent divers artistes contemporains et travaillent en étroite collaboration avec eux pour produire des estampes en édition limitée, des œuvres originales et d'autres projets créatifs. La galerie s'engage à promouvoir et à soutenir les artistes émergents qui repoussent les frontières artistiques traditionnelles. L'estampe sérigraphique « Knowledge » présente une composition audacieuse et colorée, caractéristique du style de Kinsey. L'œuvre explore le concept de connaissance, son importance et son influence sur notre compréhension du monde. Elle combine formes abstraites, motifs et textures, lui conférant une apparence vibrante et dynamique. Cette édition limitée est généralement signée et numérotée par Dave Kinsey, ce qui en fait un objet de collection très recherché par les amateurs d'art et les fans de son travail.

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Sculpture en vinyle Lincoln Obama 15 President Barrack par Ron English - POPaganda, édition limitée, figurine de collection, œuvre d'art de rue graffeuse pop. Édition limitée 2008 à 50 exemplaires. Œuvre d'art de 10 x 15 cm, neuve en boîte. Figurine/sculpture en vinyle estampé, style jouet. Ron English - POPaganda - Sculpture en vinyle d'Abraham Obama dans le cadre d'une œuvre d'art pop et graffiti de rue La sculpture en vinyle Abraham Obama de Ron English-POPAganda est l'une des œuvres les plus audacieuses et conceptuellement riches de l'évolution du Street Pop Art et du graffiti. Créée en 2008, au plus fort de la première campagne présidentielle de Barack Obama, cette pièce de collection en édition limitée (50 exemplaires) fusionne deux des présidents américains les plus marquants culturellement – ​​Abraham Lincoln et Barack Obama – en un buste hybride unique. Mesurant 25,4 cm de haut sur 38,1 cm avec son emballage, et produite en vinyle par MINDstyle, cette figurine incarne la signature de Ron English-POPAganda : collision visuelle, parodie politique et remix culturel, le tout filtré par le prisme du surréalisme pop et des beaux-arts inspirés du graffiti. La sculpture présente Obama avec la barbe et la tenue historiques emblématiques de Lincoln, invitant le spectateur à réexaminer non seulement l'héritage du leadership, mais aussi les symboles collectifs de l'espoir et du progrès américains. L'emballage renforce cette fusion par une palette de couleurs jaune et verte vives et saturées, ainsi que par la calligraphie d'English dans le style graffiti. À la fois objet de la culture urbaine et satire artistique, cette œuvre transforme l'idéalisme de l'époque électorale en une pièce de collection emblématique. Elle brouille les frontières temporelles et crée une nouvelle icône destinée à provoquer, amuser et déstabiliser. Satire visuelle et remix politique en 3D Cette sculpture est bien plus qu'un simple assemblage : c'est un commentaire sculptural sur la manière dont l'Amérique construit ses héros. En fusionnant Lincoln, le président qui a aboli l'esclavage, avec Obama, le premier président noir des États-Unis, Ron English-POPoganda utilise la culture du remix propre au Street Pop Art pour aborder de front les questions de race, d'héritage et de mythologie du leadership. La fusion est visuellement fluide, mais conceptuellement dérangeante, obligeant les spectateurs à se demander si les rêves de progrès de l'Amérique sont authentiques ou simplement une opération de communication superficielle. English utilise depuis longtemps des icônes de la culture populaire dans son travail – Mickey Mouse, Ronald McDonald, les super-héros – les manipulant jusqu'à en faire des versions grotesques ou exagérées. Dans Abraham Obama, cependant, la satire est plus subtile, frôlant la révérence tout en critiquant l'idéalisation des figures politiques. Elle interroge la possibilité que l'image d'Obama ait été mythifiée en temps réel, le transformant en icône avant même que l'histoire puisse juger le fond de sa présidence. Cette complexité est au cœur du graffiti et de l'art imprégné de pop : utiliser l'imagerie populaire non pas pour la vénérer, mais pour la disséquer. Quand la culture urbaine rencontre l'esthétique des jouets design S'inscrivant dans le mouvement des objets de collection d'art, Abraham Obama fait le lien entre l'art urbain et le monde des galeries. Cette œuvre s'inscrit dans la lignée des sculptures en vinyle puisant leurs racines dans l'esthétique du graffiti, l'art populaire et les éditions limitées. À l'instar des stickers et des fresques murales, ces figurines incarnent l'urgence de l'éphémère et de la rébellion, mais sont réalisées avec des matériaux de haute qualité et un savoir-faire digne des plus grandes galeries. L'utilisation du vinyle rend l'œuvre accessible, tant par sa matière que par son esthétique, une évolution tactile de l'esprit visuel du street art. Ces sculptures sont les cousines tridimensionnelles des affiches au pochoir et des satires collées, conçues pour occuper le même espace culturel tout en intégrant des collections privées. À l'image d'une œuvre de Banksy décrochée d'un mur, Abraham Obama est conçu pour être transporté sans rien perdre de son impact urbain. L'héritage du pop politique dans la culture visuelle urbaine L'œuvre « Abraham Obama » de Ron English (POPaganda) est l'une des expressions les plus marquantes du remix politique dans le paysage artistique contemporain. Elle appartient à un genre qui non seulement remet en question les récits politiques traditionnels, mais aussi redéfinit la manière dont la culture visuelle mythifie le leadership. Entre les mains d'un vétéran du graffiti pop comme English, la sculpture devient bien plus qu'une simple curiosité : elle se transforme en une archive des espoirs, des contradictions et du spectacle médiatique américains. Au sein du lexique en constante expansion du Street Pop Art et du graffiti, « Abraham Obama » s'impose comme une icône hybride – à la fois jouet, buste, satire et prière. Elle incarne le pouvoir de l'esthétique urbaine à façonner et refléter les tensions culturelles les plus profondes du pays, tout en permettant de tenir entre ses mains un fragment de révolution visuelle.

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Estampe giclée en édition limitée McGregor sur papier d'art de qualité supérieure, par Robert Bruno, artiste de rue issu de la contre-culture. Épreuve d'artiste AP. Estampe d'art sur le thème de la boxe : McGregor contre Mayweather.

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Psychedelic Andre - Classic Red Obey Giant Blotter Paper Limited Edition Archival Pigment Print Art on Perfored Blotter Paper by Shepard Fairey X John Van Hamersveld pop culture LSD artwork. « J'ai créé cette image pour la première fois en 1967, puis l'affiche est sortie en 1968. Un jour, je me suis assis et j'ai commencé ce dessin, dans mon style habituel. J'étais directeur artistique chez Capitol Records et je ne dessinais plus beaucoup. C'était une toute nouvelle étape pour moi. Mais c'était l'occasion de tester mon dessin, de le transposer sur une affiche et de la faire publier. Le résultat a été excellent. Le concert a été un succès retentissant. Il y avait des publicités partout et le public adorait l'affiche. Elle est tout de suite entrée dans l'histoire, un peu comme l'affiche de The Endless Summer. » - John Van Hamersveld « Je suis devenu fan d'Hendrix après avoir quitté ma période punk rock orthodoxe. J'ai fini par être attiré par l'image de John car elle comportait un clin d'œil au psychédélisme, sans tomber dans l'excès de détails baroques, ce qui lui a permis de devenir iconique. Cette image d'Hendrix elle-même — ainsi que quelques autres influences, comme Barbara Kruger et le constructivisme russe — a eu une influence considérable sur ma façon de créer des œuvres capables de se démarquer dans le brouhaha de la rue tout en conservant un style reconnaissable. Lorsque je réalisais des variations d'André sur différents fonds, je m'intéressais beaucoup à l'art psychédélique, mais l'œuvre de John m'a vraiment inspiré à créer quelque chose qui s'écarte de la simple reproduction de l'image originale d'André. Ainsi, le Pinnacle Hendrix de John a en quelque sorte été la porte d'entrée vers l'évolution de tout mon projet André le Géant. Je ne saurais trop insister sur l'importance de cette image pour moi. » - Shepard Fairey

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Mad Happy Monk Grin - Figurine de collection en vinyle noir fluorescent, édition limitée orange, œuvre d'art de l'artiste de graffiti de rue Ron English - POPaganda. Figurine Mad Happy Monk de 2019, édition limitée signée, neuve dans sa boîte. Couleur orange fluo, 20 cm de haut. Signée à la main par Ron.

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Kelly Shoppach/Masked Villain - Rays - Collage unique orné à la main, technique mixte sur carte de baseball vintage par Pat Riot. Œuvre originale de 2014, technique mixte superposée sur une véritable carte vintage MLB Topps, avec un style pop art inspiré de : Kelly Shoppach/Masked Villain - Rays

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Achetez SCULPTURE Edition Limitée Modern Pop Graffiti Street Art Artwork. 2022 SIGNÉ? & Edition Limitée Numérotée de XXX Artwork Sculpture Taille XXXX INFO

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Casa Grande, tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier Somerset Enhanced Velvet 100 % coton 330 g/m² par Dave Kinsey, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Tirage numérique d'archive sur papier Somerset Enhanced Velvet 100 % coton 330 g/m². Imprimé avec des encres HDX Ultrachrome résistantes à la décoloration. Signé : KINSEY / Édition limitée numérotée à 100 exemplaires. Dimensions : 40,6 x 50,8 cm (16 x 20 pouces). Année : 2012.

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Rick Austin/Mad Magazine - Collage unique des Brewers, embelli à la main, technique mixte sur une carte de baseball vintage par Pat Riot. Carte vintage Topps MLB authentique, estampillée en 2014, technique mixte superposée, avec un style pop art rappelant Rick Austin/Mad Magazine - Brewers

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Impression typographique manuelle bicolore en édition limitée Upper Face Flip sur papier d'art Lenox 250 g/m² par Gats - Graffiti Against The System, art pop, graffiti, artiste célèbre. « Cette œuvre fait partie d'une série de quatorze illustrations de 28 x 43 cm (11 x 17 pouces) présentant toutes une bordure textuelle similaire. J'ai ensuite réutilisé cette même bordure dans une illustration de 46 x 61 cm (18 x 24 pouces) et une fresque de 18,3 x 4,6 m (60 x 15 pieds). Je prévois d'exposer l'ensemble des originaux dans une galerie, mais je souhaite d'abord proposer les estampes. J'aime utiliser le texte comme un hachurage dans mes œuvres : de loin, il apparaît comme un jeu d'ombres et de formes plus marquées, mais de près, on peut y déchiffrer un symbolisme plus complexe. » – Gats – Graffiti Against The System

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Spider Andy - Costume blanc - Sérigraphie en édition limitée 5 couleurs tirée à la main sur papier aquarelle Fabriano 300 g/m² par Copyright Rare Street Art Famous Pop Artwork Artist. Andy Warhol x Spider-Man Marvel Comics. Sérigraphies techniques mixtes sur papier aquarelle Fabriano 300 g/m². Format : 35 x 50 cm. Sortie : 14 avril 2021. Tirage : 7 exemplaires. Cette édition est unique, peinte à la main. Copyright : Depuis des années, Copyright orne les rues du Royaume-Uni de ses roses roses emblématiques. Fusionnant art urbain, graffiti et styles plus traditionnels, il utilise un mélange de techniques picturales classiques et de peinture à la bombe. Il crée des effets d’impression au pochoir, de la profondeur à la peinture en aérosol et de la texture au pinceau.

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Ahsoka Tano - Cosmos - Sérigraphie en édition limitée, 8 couleurs, tirée à la main, sur papier d'art à feuille holographique, par Joshua Budich, artiste pop moderne. Édition Cosmos 2022, signée et numérotée, édition limitée à 25 exemplaires, format 18x18, illustration Star Wars

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The Gipper Ultra-Violence - Figurine de collection en vinyle édition limitée phosphorescente, œuvre d'art de l'artiste de rue Frank Kozik. Édition limitée 2019 à 50 exemplaires. Œuvre d'art de 6x18 pouces, phosphorescente, présentée dans une boîte. Buste en vinyle de Ronald Reagan, sculpture « Destroy ». Nous savions ce qui se cachait réellement derrière le sourire bienveillant et le regard pétillant de Reagan… Aujourd'hui, Frank Kozik incarne l'esprit du 40e président des États-Unis avec son buste Gipper exceptionnel. Haut de 40 cm, le buste Gipper de Kozik est fourni avec un panneau « DESTROY » amovible, vous permettant ainsi de fixer le mal en face. De plus, sa couleur phosphorescente projette une lueur sinistre dans l'obscurité. L'esprit des années 80 s'invite sur votre étagère, de jour comme de nuit. Le buste Gipper phosphorescent de Kozik a été produit en édition limitée à 50 exemplaires. Le Gipper Ultra-Violence Phosphorescent de Frank Kozik La figurine en vinyle phosphorescente « Gipper Ultra-Violence » est une création captivante et satirique de Frank Kozik, figure emblématique du street art et du graffiti. Sortie en 2019 en édition limitée à 50 exemplaires, cette figurine de 40 cm (16 pouces) réinterprète Ronald Reagan dans le style caractéristique de Kozik, mêlant critique acerbe et esthétique pop culture. Un panneau « Destroy » amovible accompagne la figurine, offrant une dimension interactive et permettant aux collectionneurs d'explorer directement le thème provocateur. Une déclaration phosphorescente Cette version unique du buste de Gipper, grâce à sa finition phosphorescente, impressionne par sa présence, qu'il soit exposé à la lumière ou dans l'obscurité. L'effet lumineux crée une aura étrange, amplifiant la dimension sinistre du buste. La représentation de Reagan par Kozik, avec son sourire caractéristique, offre un commentaire incisif sur la dualité du charme et du pouvoir. Le panneau « Destroy » amovible, placé au-dessus des yeux, renforce le message, invitant les spectateurs à s'interroger sur leur perception de l'autorité et sur l'héritage du paysage politique des années 1980. La vision de Frank Kozik Frank Kozik, né en Espagne en 1962 et installé plus tard aux États-Unis, était un artiste révolutionnaire qui a bousculé les normes artistiques traditionnelles par ses créations audacieuses et subversives. Ses œuvres exploraient souvent des thèmes politiques et culturels, utilisant l'humour et un commentaire incisif pour susciter la réflexion. L'art de Kozik s'étend aux affiches, aux sculptures et aux jouets design, tous marqués par son esthétique singulière. La série Gipper Ultra-Violence illustre parfaitement son talent pour allier satire et savoir-faire d'exception. Kozik s'est éteint en 2023, laissant derrière lui un héritage qui continue d'inspirer artistes et collectionneurs du monde entier. Un chef-d'œuvre rare et de collection Produit à seulement 50 exemplaires, le buste phosphorescent de Gipper est une pièce de collection très recherchée. Chaque buste est minutieusement réalisé en vinyle résistant et présenté dans un coffret exclusif orné de l'œuvre emblématique de Kozik. Sa grande taille et son design interactif en font une pièce maîtresse pour toute collection d'art urbain pop ou d'art engagé. Son effet phosphorescent ajoute une touche de mystère et ne manquera pas de susciter la conversation. L'œuvre « The Gipper Ultra-Violence Glow In The Dark » de Frank Kozik est bien plus qu'un simple objet de collection ; c'est une œuvre d'art provocatrice qui invite à réfléchir aux liens entre politique, pouvoir et culture. Sa disponibilité limitée, son design audacieux et sa finition phosphorescente en font une pièce incontournable pour les amateurs de street art et de graffiti. Cette sculpture témoigne une fois de plus de l'esprit indomptable de Kozik et de son talent pour transformer des symboles familiers en messages percutants.

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Edition limitée sur papier Moab Entrada 290gsm par Urban Pop Artist ARTIST Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Papier buvard papillon, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par John Van Hamersveld, œuvre d'art pop culture LSD. « Le papillon provient du groupe West Coast Pop Art Experimental Band de 1968. C'était un dessin en noir et blanc. Puis, en 2013, j'en ai fait une autre version, car je comptais en faire une affiche. Ensuite, il est devenu une fresque murale, puis le buvard que nous voyons aujourd'hui. » – John Van Hamersveld

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Achetez TITLE Edition Limitée sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Archival Pigment Fine Art INFO

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Habibi - Demon HPM Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print With Acrylic & Diamond Dust on Photographique Rag Paper by Urban Graffiti Modern Artist Marwan Shahin. Édition limitée signée et numérotée de 33 exemplaires (2022) de la série « HABIBI » de Marwan Shahin, un portrait iconique de la chanteuse libanaise Fairuz interprété à travers différentes étapes de l'expérience amoureuse. Cette édition très limitée à 33 exemplaires, dont chaque tirage est agencé avec une délicatesse extrême grâce à un filigrane de poussière de diamant, produit des effets kaléidoscopiques visuellement enivrants. Habibi : Démon de Marwan Shahin – Le miroir le plus sombre de l'amour Habibi : Démon, de Marwan Shahin, s'impose comme l'œuvre la plus provocatrice de sa série HABIBI – un portrait brut et sans concession de l'amour dans ce qu'il a de plus perverti et de plus destructeur. Signée et numérotée dans une édition limitée à seulement 33 exemplaires, cette giclée de 2022, rehaussée à la main sur papier Photographique Rag, combine acrylique et poudre de diamant avec un vocabulaire visuel violent qui la distingue du reste de la collection. Par un contraste chromatique saisissant, un tracé hallucinatoire et une iconographie surréaliste inspirée de l'horreur, Shahin capture un amour qui a sombré dans l'obsession, la vengeance ou la déchéance émotionnelle. Au centre de l'œuvre, le visage de la légendaire chanteuse libanaise Fairuz est transfiguré en un crâne rougeoyant – yeux perçants, lèvres effilochées en une grimace squelettique, et couronné de cornes menaçantes. L'utilisation symbolique du rouge et du noir évoque le danger, la rage et un pouvoir interdit, tandis que le fond cyan tourbillonnant entraîne le spectateur dans un tourbillon émotionnel désorientant. Cette composition capte l'attention, non seulement par sa force esthétique, mais aussi par sa portée thématique : la séduction et la toxicité de l'amour lorsqu'il bascule dans l'autodestruction. Violence symbolique et répercussions culturelles Marwan Shahin métamorphose Fairuz – icône de mélancolie romantique et de nostalgie poétique – en une muse démoniaque, incarnant la façon dont l'amour peut se muer en folie, en emprise ou en fragmentation spirituelle. Cette transformation n'est pas fortuite. Dans la série HABIBI, Demon représente l'étape terminale du cycle romantique cartographié par Shahin : du désir à la révélation, puis à l'effondrement émotionnel. Ici, le visage de Fairuz est rongé par un trouble intérieur, faisant écho visuellement aux cicatrices émotionnelles dissimulées derrière les apparences et les conventions sociales. L'agressivité visuelle est à peine atténuée par la présence scintillante de poussière de diamant, qui orne l'arrière-plan de reflets hypnotiques. Cette superposition de glamour et de déclin fait écho à la dualité présente dans toute l'œuvre de Shahin : la beauté masquant la souffrance, l'intimité corrompue par l'ego et la mémoire cristallisée par le traumatisme. L'utilisation par Shahin de motifs optiques et de textures stylisées transforme ce portrait en un kaléidoscope de chaos — l'amour moderne peint avec une pulsation gothique. Un coup de maître mêlant art urbain pop et brutalisme émotionnel Habibi : Demon n'est pas qu'un simple remix de la culture pop ou une œuvre de graffiti expérimentale. C'est une expression émotionnelle brute, traduite dans le langage du street art, exécutée avec une technique irréprochable et une profonde perspicacité psychologique. La maîtrise graphique de Shahin – un mélange d'héritage visuel du Moyen-Orient, de symbolisme révolutionnaire et d'iconographie pop occidentale – fait de cette estampe à la fois une œuvre visuelle captivante et une arme émotionnelle. Dans le street art, les artistes immortalisent souvent des héros, satirisent des leaders ou réinterprètent l'histoire. Mais dans cette œuvre, Shahin érige la douleur émotionnelle elle-même en sujet. Fairuz, squelettique, n'est ni une caricature ni une méchante. Elle est un archétype – le démon auquel nous sommes tous confrontés lorsque nous faisons face à la part d'ombre de nos propres désirs, trahisons et chagrins d'amour. Cette œuvre ose dire ce que les autres n'osent pas : que l'amour, lorsqu'il est perverti, peut devenir monstrueux – et qu'il y a une beauté étrange et terrifiante dans cette vérité. Habibi : Demon est une œuvre provocatrice qui s'intègre parfaitement à toute collection sérieuse d'art pop ou de graffiti, et une réflexion sur les extrêmes émotionnels qui définissent à la fois les relations humaines et l'iconographie moderne.

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Bias by Numbers - Tirage sérigraphique grand format 30X42 4 couleurs, édition limitée, réalisé à la main sur papier d'art Speckletone fin par Shepard Fairey. Œuvre d'art urbain rare, artiste pop OBEY. Signé et numéroté, tirage en biais numéroté 76 x 107 cm, édition limitée à 89 exemplaires, 3 juin 2019 « Bias by Numbers » aborde la question des préjugés raciaux dans les forces de l'ordre, le système judiciaire et les médias. Ces préjugés ont une longue histoire, comme en témoignent des statistiques alarmantes : les personnes noires ont cinq fois plus de chances d'être contrôlées et fouillées que les personnes blanches, quatre fois plus de chances de subir un usage excessif de la force, ou quatre fois plus de chances d'être tuées par la police lorsqu'elles sont désarmées. Les statistiques révélant les préjugés raciaux dans les poursuites et les condamnations sont tout aussi éloquentes. Bien que la consommation de drogues récréatives soit aussi répandue dans les communautés majoritairement noires que dans les communautés majoritairement blanches, les condamnations pour possession de drogue sont près de six fois plus fréquentes chez les personnes noires. Ces dernières écopent souvent de peines de prison plus longues que les personnes blanches, ce qui explique que les Afro-Américains soient incarcérés à un taux plus de cinq fois supérieur à celui des Blancs.

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Jessica Print x Stages NYC 1 couleur, sérigraphie en édition limitée tirée à la main sur papier d'art fin Speckletone par Shepard Fairey, art de rue rare, artiste pop OBEY. Encadrement sur mesure, passe-partout flottant, signé et numéroté, Shepard Fairey (né en 1970), Portrait de Jessica, 2009. Sérigraphie en couleurs sur papier crème moucheté, 61 x 45,7 cm (feuille). Édition 272/475. Signée, numérotée et datée au crayon en bas. Publiée par Obey Giant, Los Angeles. Je regrette que le nom de Dina Douglass, auteure de la photo originale, n'ait pas été mentionné dans le making-of de cette œuvre, ni sur le site web et dans la documentation de l'exposition Stages 09. Ayant vaincu le cancer, elle aurait dû être créditée, et je présente mes excuses. – Shepard. D'après une photographie de Dina Douglass, survivante du cancer / Andrena Photography Quelques légères éraflures et rayures sur le cadre.

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Œuvre d'art « Goddess In Us », impression giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure par l'artiste de graffiti pop culture Handiedan. Édition limitée 2020 signée et numérotée à 55 exemplaires, tirage giclée signé et numéroté par l'artiste. « La création de ces collages multicouches en techniques mixtes me permet d'explorer les différentes strates de la vie et de l'énergie. J'espère toujours susciter une belle interaction entre le regard et le cœur du spectateur. » - Handiedan

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Grey Emotions - Printers Select - Tirage sérigraphique en édition limitée, 3 couleurs, réalisé à la main, avec une couche de vernis sélectif et un rouleau arc-en-ciel sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² par Sheefy McFly. Art urbain rare, artiste pop célèbre. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2021. Format de l'œuvre : 18 x 24 pouces. Signée et numérotée. Sérigraphie 3 couleurs avec effet arc-en-ciel et vernis sélectif sur papier beaux-arts Coventry Rag 290 g/m². Format : 45,7 x 61 cm. Sortie : 4 juin 2021. Tirage : 50 exemplaires.

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Planche de skateboard Supreme Scarface Split Deck Limited Edition, conçue par la marque Supreme. Planche de skateboard Supreme x Scarface édition limitée imprimée 2017 représentant Al Pacino dans le rôle de Tony Montana, tiré du film culte Scarface, qui traite du trafic de drogue. La planche de skateboard Supreme Scarface Split Deck symbolise le point de rencontre entre la culture urbaine, le cinéma et le design, créant une œuvre d'art urbain et de graffiti qui parle à un large public. Cette planche en édition limitée, sortie dans le cadre de la collection Automne/Hiver 2017 de la marque Supreme, arbore des images emblématiques du film culte « Scarface ». Son design en deux parties, mettant en scène Al Pacino dans le rôle de Tony Montana, capture l'un des moments les plus intenses du film. Supreme, marque profondément ancrée dans l'univers du streetwear, a toujours su fusionner la culture populaire avec son style distinctif. La collaboration avec « Scarface » confirme cette approche, offrant bien plus qu'une simple planche de skateboard : une véritable toile qui reflète l'atmosphère crue et réaliste du film. Cette planche rend hommage au personnage de Tony Montana, dont la quête du rêve américain à travers les bas-fonds du crime a marqué durablement le cinéma et la culture populaire. La planche « Shower », en particulier, attire l'attention avec une image tirée de la scène culte où une transaction de drogue dégénère en violence, plaçant Montana dans une situation périlleuse. Cette image percutante est complétée par le slogan emblématique du film, imprimé sur le dessus de la planche, ancrant ainsi la planche dans l'univers de « Scarface ». Cette fusion d'art, de cinéma et de culture skate transforme la planche, d'un simple objet fonctionnel, en une pièce de collection incontournable du pop art et du street art. Le choix de Supreme de présenter ce visuel dans sa collection Automne/Hiver 2017 était une stratégie audacieuse, misant sur la nostalgie et l'esthétique des années 80, période où le skateboard et le film « Scarface » ont connu leur apogée. Le design de la planche capture l'essence de cette époque tout en restant en phase avec le paysage actuel du street art et de la mode. Véritable œuvre d'art urbain et graffiti, la planche Supreme Scarface Split Deck transcende les frontières traditionnelles, alliant fonctionnalité et expression artistique forte. Sa création témoigne d'une culture qui valorise l'esprit contestataire du street art et la force du récit visuel. Pour les passionnés et les collectionneurs, ce jeu de cartes représente un morceau d'histoire culturelle, incarnant l'esprit de rébellion et la poursuite acharnée de l'ambition, des thèmes toujours aussi pertinents aujourd'hui qu'à la sortie du film.

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Impression giclée en édition limitée sur papier d'art de Daniel Plainview par Robert Bruno, artiste de rue de la contre-culture. Inspiré du personnage de Daniel Plainview, interprété par Daniel Day-Lewis dans le film « There Will Be Blood ». « J'ai la compétition dans la peau. Je ne veux voir personne réussir. Je déteste la plupart des gens… Parfois, je les regarde et je ne vois rien d'intéressant chez eux. Je veux gagner assez d'argent pour pouvoir m'éloigner de tout le monde. » – Daniel Plainview

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Œuvre d'art RiRi, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti pop culture Charmaine Olivia. Édition limitée à 350 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Format de l'œuvre : 8,5 x 11 pouces. RiRi, œuvre d'art originale en édition limitée signée par l'artiste Charmaine Olivia, avec certificat d'authenticité. Tirage d'art de qualité archive, format 21,6 x 27,9 cm (8,5 x 11 pouces), imprimé sur papier épais de qualité archive. Circa 2014.

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Achetez TITLE Édition limitée Fine Art Archival Pigment Print Art sur papier buvard perforé. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XX Tirage pigmentaire d'archivage sur papier buvard perforé Taille : 7,5 x 7,5 pouces Sortie : 19 avril 2022 Les éditions limitées de buvard sont perforées à la main par Zane Kesey.

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Randy ONeal/Monopoly Man - Tigers - Collage unique orné à la main, technique mixte sur carte de baseball vintage par Pat Riot. Œuvre originale de 2014, technique mixte superposée sur une véritable carte vintage MLB Topps, avec un style pop art inspiré de Randy O'Neal/Monopoly Man et des Tigres.

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Jardins suspendus, pochoir HPM, peinture en aérosol, aquarelle par Miss Bugs, peinture unique peinte à la main, techniques mixtes sur papier d'art vergé, graffiti, artiste de rue, pop art moderne. Édition mixte unique de 5 exemplaires, signée, datée et numérotée, 2017. Œuvre d'art en techniques mixtes, rehaussée à la main, à l'encre, au crayon, à la peinture en aérosol et à l'aquarelle. Dimensions : 20,38 x 35,38 cm. Légers plis autour des bords de la couche supérieure découpée. La complexité à plusieurs niveaux des « Jardins suspendus » de Miss Bugs Miss « Bugs », artiste de rue reconnue pour sa fusion unique d'esthétique pop art moderne, a marqué les esprits avec sa série « Hanging Gardens » en 2017. Cette collection, limitée à une édition mixte de seulement cinq pièces, révèle le savoir-faire minutieux et complexe que Miss Bugs déploie sur la toile, ou plutôt, dans ce cas précis, sur le papier d'art vergé de qualité. Chaque œuvre de la série « Hanging Gardens » témoigne de l'engagement de l'artiste à repousser les limites du street art et du graffiti. Les pièces de « Hanging Gardens » explorent la texture et la forme, utilisant une variété de médiums tels que le pochoir, la peinture aérosol, l'encre rehaussée à la main, le crayon et la peinture de couleur propre à Miss Bugs. Les dimensions de chaque œuvre, 51,7 x 89,9 cm, offrent à Miss Bugs un espace privilégié pour explorer un récit complexe, exprimé à travers le langage de l'art visuel. Ces tableaux uniques, peints à la main, forment une symphonie de techniques mixtes, chaque couche contribuant à l'impact global de l'œuvre. La série se caractérise par l'esthétique signature de Miss Bugs, où des éléments abstraits se mêlent à la figuration pour créer une œuvre à la fois familière et onirique. Techniques caractéristiques des illustrations de MissBugs Chaque tableau de la collection « Hanging Gardens » est une expression unique de la vision de Miss Bugs, combinant la technique du pochoir pour la précision et la liberté, et la fluidité et la grâce. Le pochoir confère aux œuvres des structures nettes et définies, tandis que la peinture en aérosol apporte dynamisme et une touche urbaine. L'aquarelle introduit douceur et profondeur, brouillant les frontières entre l'univers brut du graffiti et le domaine plus délicat de la peinture à l'aquarelle. Ce jeu de médiums est une marque de fabrique du style de Miss Bugs et permet un riche dialogue entre les différents éléments du street art et des beaux-arts. Dans la série « Hanging Gardens », on observe un thème récurrent de la juxtaposition, une des composantes de l'approche artistique de Miss Bugs. La série présente un langage visuel qui exprime la dualité de la nature humaine et la complexité du monde qui nous entoure. En combinant des éléments disparates au sein de chaque œuvre, Miss Bugs invite le spectateur à trouver cohérence et sens dans le chaos apparent. L'utilisation de couleurs vives et pop art contrastant avec des tons plus sobres, et de motifs de pochoirs complexes contrastant avec la fluidité des aquarelles, crée un Bugs'on dynamique, à la fois stimulant et esthétiquement plaisant. Édition limitée de l'œuvre de Miss Bugs Le caractère exclusif de la série « Hanging Gardens », limitée à cinq exemplaires, renforce l'attrait des œuvres. Chaque pièce est signée, datée et numérotée par l'artiste, établissant un lien direct entre elle et le collectionneur. Les embellissements réalisés à la main sur chaque tableau garantissent que, même si la série peut être perçue comme un ensemble cohérent, chaque œuvre se distingue comme une pièce unique. Les collectionneurs d'œuvres de Miss Bugs acquièrent une œuvre de street art pop et un fragment du récit personnel de l'artiste, chaque coup de pinceau, chaque choix de couleur et chaque élément de composition étant un acte de création délibéré. ​​La série « Hanging Gardens » de Miss Bugs illustre avec brio la capacité de l'artiste à naviguer entre le street art pop et le graffiti, créant des œuvres visuellement saisissantes et riches de sens. Cette série affirme avec force la polyvalence et la profondeur du street art, transcendant ses origines pour devenir une forme sophistiquée et recherchée de pop art moderne. À travers ses « Jardins suspendus », Miss Bugs invite les spectateurs à découvrir un monde où la beauté du monde naturel rencontre la rudesse de la vie urbaine, tout en remettant en question les notions conventionnelles de ce que peut être l'art du graffiti.

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Estampe giclée Stevie par Bec Winnel, œuvre d'art en édition limitée sur papier beaux-arts, artiste graffiti pop de rue. Édition limitée à 25 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Œuvre d'art de format 8,25 x 11 pouces représentant un crâne orné de cristaux et de champignons. L'estampe giclée symbolique de Stevie par Bec Winnel L'expression artistique de Bec Winnel, à travers ses tirages giclée, offre un mélange captivant d'éléments naturels et mystiques, magnifiquement illustré dans l'édition limitée « Stevie ». Composée de seulement 25 exemplaires signés et numérotés, cette œuvre incarne une rare fusion entre le street art et les beaux-arts, présentée sur papier d'art. Le tirage « Stevie », mesurant 20,3 x 27,3 cm, juxtapose l'image saisissante d'un crâne à la croissance organique de cristaux et de champignons, créant un dialogue entre la vie, la mort et la renaissance. Approfondir le dialogue esthétique et conceptuel « Stevie » de Winnel est un récit profond, capturé par une imagerie à la fois délicate et puissante. Le crâne, symbole universellement reconnu de la mortalité, contraste avec des éléments qui évoquent la vie et la beauté de la nature. Souvent associés à des vertus curatives et spirituelles, les cristaux côtoient les champignons, symbolisant la résilience de la nature et le cycle de la vie. Ce paradoxe visuel est caractéristique du Street Pop Art et de sa capacité à susciter des échanges riches et variés. Il témoigne du talent de Winnel pour marier différents éléments thématiques et provoquer réflexion et émotion. Le tirage limité de « Stevie » renforce sa valeur, tant par sa rareté que par son statut d'œuvre d'art contemporain majeure, à posséder et à apprécier dans un espace personnel. Les impressions giclées offrent une reproduction haute résolution du travail minutieux de Winnel, garantissant une reproduction fidèle de chaque trait et de chaque dégradé de couleur. Ainsi, l'estampe devient une œuvre intemporelle, capturant la nature éphémère du Street Pop Art tout en offrant un aperçu durable de la vision de l'artiste. Bec Winnel et le paysage du pop art urbain Bien que Bec Winnel ne soit pas une artiste de rue au sens traditionnel du terme, son œuvre partage une affinité avec le mouvement Street Pop Art par son accessibilité et la représentation de motifs communs d'une manière unique et stimulante. Le Street Pop Art se caractérise par sa capacité à captiver l'attention du spectateur grâce à des visuels ancrés dans un commentaire culturel et social. « Stevie » de Winnel s'inscrit dans ce paradigme, invitant les spectateurs à réfléchir à des thèmes existentiels à travers le prisme du symbolisme naturel. Le choix d'un crâne, de cristaux et de champignons s'adresse à un public universel, transcendant les barrières culturelles et ouvrant la voie à des interprétations qui embrassent différentes visions du monde. De ce fait, Winnel contribue au dialogue qui caractérise le Street Pop Art et le graffiti : un dialogue inclusif, diversifié et profondément ancré dans l'expérience humaine. Le choix du papier beaux-arts sublime la texture de l'œuvre, lui conférant profondeur et une dimension tactile souvent inhérente à la physicalité du street art. L'héritage continu de « Stevie » dans le discours artistique L'héritage de « Stevie » dépasse largement le cadre de son édition limitée. Il s'inscrit dans un débat plus large sur le rôle de l'art dans la société et sur la manière dont le street art et le graffiti contribuent aux récits culturels. En intégrant des éléments typiques du street art dans les intérieurs, l'estampe de Winnel abolit la frontière entre l'appréciation de l'art public et privé, permettant une relation personnelle avec des thèmes souvent déployés à plus grande échelle sur les murs des villes. L'importance de « Stevie » réside également dans sa capacité à rester pertinente et poignante. Comme dans une grande partie du street art et du graffiti, les thèmes de la vie, de la mort et du monde naturel sont omniprésents dans la psyché humaine. Les choix artistiques de Winnel invitent à une méditation sur le cycle de l'existence et la beauté présente à chacune de ses étapes. Entre les mains des collectionneurs, « Stevie » rappelle le pouvoir de l'art à encapsuler des idées complexes dans des formes simples. L'œuvre de Winnel, par sa finesse technique et sa profondeur conceptuelle, témoigne de la nature évolutive du street art et du graffiti. Dans de telles œuvres, le dialogue entre l'ancien et le contemporain, le transitoire et le permanent, continue de s'épanouir, enrichissant la tapisserie de l'art moderne.

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Forsake PP, épreuve d'imprimerie, tirage d'archives par Eddie Colla, édition limitée sur papier beaux-arts 290 g/m², œuvre d'art moderne d'un artiste pop. Épreuve d'imprimerie PP 2020 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 16x20,5 cm Pigments d'archivage Analyse de « Forsake » d'Eddie Colla « Forsake » est une épreuve d'artiste (PP) saisissante, signée Eddie Colla, figure emblématique du pop art, du street art et du graffiti. Créée en 2020, cette œuvre fait partie d'une édition limitée, chaque exemplaire étant signé et marqué par Colla, gage d'authenticité et d'exclusivité. Imprimée sur papier d'art 290 g/m², elle offre une longévité et une qualité d'impression exceptionnelles, un critère essentiel pour les collectionneurs et les amateurs de street art. Ses dimensions généreuses (40,6 x 52 cm) permettent d'apprécier pleinement la finesse des détails et la profondeur du message. La convergence de l'art urbain et des beaux-arts selon Eddie Colla Eddie Colla est reconnu pour sa capacité à fusionner l'énergie brute et expressive du street art avec les techniques raffinées des beaux-arts. « Forsake » témoigne de son talent pour naviguer entre ces deux univers, créant des œuvres à la fois accessibles et profondément stimulantes. L'utilisation de pigments d'archivage garantit la préservation des riches textures et des nuances subtiles, capturant ainsi la nature éphémère du street art dans une forme qui se savoure au fil du temps. L'image d'une figure masquée dans « Forsake » fait écho à l'expérience mondiale contemporaine et aborde les thèmes de l'identité, de la résistance et de la condition humaine. Symbolisme et récit dans l'œuvre de Colla Dans cette œuvre, le regard du sujet est direct et inflexible, un point focal puissant au milieu d'encre estompée et de formes abstraites. Le masque, symbole désormais indissociable de l'ère de la pandémie de COVID-19, évoque le silence, l'anonymat et la difficulté de communiquer dans un monde où une grande partie de notre expression est occultée. Le texte choisi par Colla – « Après t'avoir oublié, ils t'appelleront maintenant avec leurs ruses » – introduit un récit de redécouverte et la nature cyclique de la mémoire et de l'attention collectives. L'approche mixte employée par Colla, mêlant photographie et éléments graphiques, est une marque de fabrique de son style. Cette méthode permet une superposition de significations, à l'image des affiches et des graffitis qui s'accumulent sur les murs des villes, chacun racontant une histoire différente. « Forsake » invite le spectateur à lever le voile sur ces strates et à explorer la profondeur du récit de Colla. Cette profondeur distingue l'œuvre d'Eddie Colla, lui conférant un sentiment d'urgence et de pertinence, qui est la force du street art. Le message et le support de l'œuvre reflètent l'engagement de Colla envers le street art comme commentaire social. En transposant les formes artistiques éphémères de la rue dans la pérennité des estampes d'art, Colla abolit la frontière entre art savant et art public. Son œuvre nous rappelle que les messages véhiculés par le street art ont toute leur place dans le débat culturel actuel et méritent d'être préservés et analysés. « Forsake » est une pièce marquante du travail d'Eddie Colla, incarnant sa vision du street art et du graffiti comme forme d'impact visuel et moyen de communication et de connexion. C'est un exemple éloquent de la façon dont le street art peut accéder à une dimension qui transcende les frontières des formes artistiques traditionnelles. À travers des œuvres comme « Forsake », Eddie Colla continue de questionner les perceptions, de susciter le dialogue et de favoriser une compréhension plus profonde de nos expériences collectives.

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« Salvage Can 3 », peinture originale sur bombe de peinture, sculpture technique mixte, œuvre d'art du légendaire artiste de rue et graffeur Eddie Colla. Œuvre originale signée de 2018, réalisée à la peinture acrylique en aérosol (technique mixte), format 3 x 8 pouces. « J’ai réalisé cette série de bombes en Chine en 2018. J’attendais de recevoir du matériel pour commencer à travailler sur des pièces plus grandes. La résidence où j’étais conservait toutes ses bombes aérosol vides. J’ai donc commencé à créer ces petites pièces à partir de ces bombes usagées. Ce n’était pas prémédité ; j’avais simplement beaucoup de temps libre en attendant l’arrivée de mes matériaux, alors j’ai travaillé avec ce que j’avais sous la main. Chaque bombe est signée et datée au fond. » – Eddie Colla. La philosophie créative d'Eddie Colla « Salvage Can 3 » d'Eddie Colla est une sculpture saisissante, réalisée en techniques mixtes, qui illustre le caractère novateur du street art et du graffiti. Créée en 2018 lors d'une résidence en Chine, cette œuvre représente une fusion unique de spontanéité et de réflexion, caractéristique de la démarche artistique de Colla. Utilisant des bombes de peinture usagées comme support, Colla a transformé ces objets en œuvres d'art stimulantes, chacune signée et datée, témoignant de son style unique et de son regard sur les problématiques contemporaines. Dans la série « Salvage Can », Eddie Colla a su tirer parti de l'imprévu qui a émaillé son processus créatif pour produire une série reflétant un principe fondamental du street art : la capacité à créer avec n'importe quel matériau. « Salvage Can 3 » manifeste l'ingéniosité et l'agilité artistique de Colla. Cette série exprime l'essence même de l'improvisation dans le street art, Colla réutilisant les bombes de peinture récupérées lors de sa résidence pour créer des pièces qui témoignent du pouvoir transformateur de l'art. Expression artistique dans « Salvage Can 3 » Le langage visuel de « Salvage Can 3 » transmet un récit poignant. La figure représentée sur la canette, partiellement dissimulée par ce qui semble être un masque, invite le spectateur à s'interroger sur les thèmes de l'identité, de la dissimulation et de la condition humaine dans le monde moderne. L'utilisation de la peinture en aérosol et de l'acrylique, médiums traditionnels du graffiti, sur un support non conventionnel met en lumière la maîtrise des techniques mixtes de Colla et sa capacité à repousser les limites du pop art urbain. Impact culturel de l'œuvre d'Eddie Colla Eddie Colla n'est pas seulement un artiste de rue, mais un observateur culturel dont les œuvres trouvent un écho auprès d'un public international. « Salvage Can 3 », à l'instar des autres œuvres de la série, est bien plus qu'un objet d'intérêt visuel ; c'est un commentaire sur notre époque et une expression d'individualité au sein de récits collectifs. L'œuvre de Colla est reconnue pour son analyse critique des thèmes socio-politiques, et cette pièce ne fait pas exception. Véritable artefact culturel, elle invite le spectateur à s'interroger et à réfléchir, incarnant l'esprit de rébellion qui caractérise souvent l'art du graffiti. Importance sur le marché de l'art Le caractère exceptionnel de « Salvage Can 3 » tient à son histoire unique et à la réputation d'Eddie Colla, légende du graffiti. Chaque exemplaire est unique, marqué de la main et de la signature de Colla, et porte en lui l'histoire de sa création, ce qui en fait une pièce convoitée par les collectionneurs d'art urbain. Ces œuvres occupent une place particulière sur le marché de l'art, faisant le lien entre les fresques éphémères et les objets de collection. « Salvage Can 3 » n'est pas qu'une simple sculpture en techniques mixtes ; elle s'inscrit dans l'histoire du pop art urbain et son évolution sur la scène artistique contemporaine. « Salvage Can 3 » reflète profondément la capacité d'Eddie Colla à capturer l'essence du pop art urbain et du graffiti dans un seul objet. Par son utilisation novatrice des matériaux et sa narration visuelle poignante, Colla continue d'influencer et de définir le genre du street art. Cette œuvre témoigne du pouvoir de l'art de s'adapter et de prospérer, même dans des lieux et sous des formes inattendus, trouvant un écho auprès d'un public universel et confirmant le statut de Colla comme figure incontournable du monde de l'art.

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Sérigraphie en édition limitée 6 couleurs tirée à la main sur papier d'art de Ron English, représentant Dylansteen, par Ron English - POPaganda. Artiste de street art rare et célèbre du pop art. Édition limitée signée 18x21, tirée à 30 exemplaires, 2019

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Happiness Overdose Azul Mariano_P Lithographie offset par Madsaki Impression sur papier d'art vélin Édition limitée Tirée à la main Œuvre d'art pop de rue Graffiti. 2020. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée. Lithographie offset. Format : 19,75 x 19,75 pouces. Motif : visage souriant avec nez ensanglanté, en bleu. Kaikai Kiki Co. Ltd, Tokyo. L'alliance de l'iconographie et de la critique contemporaine « Happiness Overdose Azul Mariano_P » est une œuvre captivante de Madsaki, illustrant l'essence du Street Pop Art et du graffiti par sa simplicité graphique et son symbolisme poignant. Cette lithographie offset de 2020 sur papier d'art vergé, signée et numérotée en édition limitée à 100 exemplaires, présente un mélange unique entre la brutalité du street art et l'attrait universel du pop art. L'œuvre, mesurant 50 x 50 cm, représente un smiley stylisé aux teintes bleutées, agrémenté d'un détail notable : un nez ensanglanté. Ce détournement visuel joue avec le symbole universellement reconnu du bonheur, le smiley, pour transmettre un message plus profond et complexe. Le choix de Madsaki de représenter le smiley avec un nez ensanglanté peut être interprété comme un commentaire sur les excès de la société contemporaine, où la quête du bonheur peut parfois mener à des comportements autodestructeurs. L'utilisation d'une couleur vive et unique, Azul Mariano, confère à l'œuvre une présence visuelle saisissante, le bleu servant à la fois de toile de fond et d'élément essentiel. Ce choix chromatique peut susciter diverses émotions, du calme à la mélancolie, enrichissant ainsi les multiples niveaux d'interprétation de l'œuvre. Expression artistique dans le street art pop et le graffiti L'œuvre de Madsaki, « Happiness Overdose Azul Mariano_P », témoigne du pouvoir du street art et du graffiti à communiquer des idées complexes à travers une imagerie d'apparence simple. La force expressive de l'œuvre est amplifiée par son approche minimaliste : l'absence de détails complexes oblige le spectateur à se confronter à la juxtaposition troublante des connotations joyeuses du smiley et de la représentation graphique de la détresse. Comme souvent dans le street art et le graffiti, la lithographie de Madsaki possède une accessibilité intrinsèque. Le smiley, icône omniprésente de la communication numérique moderne, devient un support de commentaire social, permettant à l'œuvre de toucher un large public. Le tirage limité de « Happiness Overdose Azul Mariano_P » la transforme d'une œuvre de street art en un objet de collection recherché, comblant le fossé entre la nature éphémère du graffiti et la permanence des beaux-arts. En conclusion, cette œuvre se présente à la fois comme une création artistique et une critique culturelle, illustrant les dualités de la quête du bonheur à l'ère moderne. Le choix d'une édition limitée garantit que chaque exemplaire demeure une contribution unique et précieuse au discours sur l'art contemporain. « Happiness Overdose Azul Mariano_P » de Madsaki constitue un point de rencontre fascinant entre l'iconographie pop et l'esthétique du street art, une exploration visuelle des joies et des peines de la condition humaine.

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Halftone Jesus - Néon 5 couleurs, sérigraphie en édition limitée tirée à la main sur papier beaux-arts par SSUR - Ruslan Karablin, artiste pop art célèbre et rare.

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