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District N 34°- II Rare 9-Color Hand-Pulled Limited Edition Silkscreen Print on 300gsm Bristol Paper by MAD Rare Street Art Famous Pop Artwork Artist. 202 1 Édition limitée signée et numérotée à 2 exemplaires 5 Dimensions de l'œuvre : 19,7 x 23,6 Sérigraphie 9 couleurs sur papier Bristol 300 g/m² Format : 50 x 60 cm (19,7 x 23,6 pouces) Sortie : 9 juin 2021 Tirage : 25 exemplaires

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Ultra Trisauras vs. Ōkami Alpha Édition limitée 4 couleurs Sérigraphie tirée à la main sur papier d'art par l'artiste Robert Wilson IV. Édition limitée à 75 exemplaires, signée et numérotée, 2012. Dimensions de l'œuvre : 18 x 24 pouces. Cette estampe a été initialement réalisée pour l'exposition STRANGE BEASTS à la galerie Guzu. Elle mesure 45,7 x 61 cm et est signée et numérotée par l'artiste. Tirée à 75 exemplaires, elle est éditée à 75 exemplaires.

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Axiom AP Artist Proof Giclée Print de Brian Mashburn, œuvre d'art en édition limitée, imprimée sur papier beaux-arts, artiste graffiti pop de rue. Épreuve d'artiste (EA) 2017 Signée et marquée EA Édition limitée Format 16x20 Analyse du langage visuel de Brian Mashburn dans « Axiom AP » L'estampe giclée « Axiom AP Artist Proof » de Brian Mashburn est une représentation exquise du street art et du graffiti, qui se distingue par le dialogue entre nature et urbanité. Créée en 2017, cette œuvre d'art en édition limitée, signée et numérotée AP, mesure 40,6 x 50,8 cm et témoigne de la maîtrise de Mashburn dans le travail du papier d'art. L'estampe illustre parfaitement la capacité de l'artiste à saisir de vastes paysages complexes avec un niveau de détail sublime, offrant un récit poignant, intime et grandiose. L'alchimie artistique de Brian Mashburn L'alchimie artistique de Mashburn réside dans sa capacité à imprégner les paysages de mystère et d'une beauté éthérée. Son œuvre, notamment dans « Axiom AP », se caractérise par l'intégration harmonieuse d'effets atmosphériques et de sujets finement rendus. Ce style lui a valu une reconnaissance dans le pop art et le street art. Ses paysages sont souvent enveloppés de brume ou de nuages, les éléments naturels s'affirmant avec audace sur un fond évoquant l'industrialisation et l'empiètement humain. « Axiom AP » dans le spectre du pop art urbain Bien qu'ancrée dans la tradition des beaux-arts, l'estampe « Axiom AP » communique la puissance brute et émotionnelle propre au graffiti. L'utilisation subtile par Mashburn de palettes monochromes, ponctuées d'éclats de couleurs, fait écho au langage visuel des artistes de rue qui investissent l'espace public pour exprimer des messages forts. Cependant, son art transcende les limites habituelles du street art en transposant ces sensibilités dans l'espace de la galerie, invitant ainsi les spectateurs à repenser les frontières entre art savant et formes d'art urbain. Résonance culturelle de l'œuvre de Mashburn La résonance culturelle de Mashburn est palpable, tant ses œuvres, dont « Axiom AP », résonnent profondément avec les thématiques sociétales contemporaines. Ses estampes ne se contentent pas de capturer des paysages ; elles saisissent un instant, reflétant les enjeux environnementaux et sociaux qui imprègnent le discours moderne. Ces scènes brumeuses, presque apocalyptiques, invitent à la réflexion sur l’interaction entre progrès humain et responsabilité environnementale, suscitant un dialogue aussi pertinent qu’intemporel. La valeur de collection des épreuves d'artiste Les épreuves d'artiste, telles que « Axiom AP », exercent une fascination particulière sur les collectionneurs. Ces épreuves font partie d'une série exclusive qui précède l'édition générale et sont souvent utilisées par l'artiste pour finaliser les aspects esthétiques et techniques de l'estampe. De ce fait, elles portent l'empreinte de la main de l'artiste et témoignent de l'immédiateté du processus créatif. Les collectionneurs et les amateurs de l'œuvre de Mashburn reconnaissent la valeur intrinsèque de ces estampes en édition limitée, qui capturent l'essence même de la vision de l'artiste avant qu'elle ne soit dévoilée au grand public.

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Sérigraphie « Bienvenue au Paradis » de Buff Monster, tirée à la main sur papier d'art, édition limitée. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2008. Œuvre d'art au format 18 x 24 pouces. Sérigraphie. La sérigraphie « Welcome to Paradise » de Buff Monster est un exemple vibrant de Street Pop Art et de graffiti, fusionnant l'énergie du street art et la fantaisie du pop art. Créée en 2008, cette œuvre fait partie d'une édition limitée à seulement 100 exemplaires signés et numérotés, ce qui en fait une pièce de collection recherchée par les amateurs. Mesurant 45,7 x 61 cm, sa taille imposante lui permet d'habiller n'importe quel mur. Buff Monster est une figure emblématique de la scène street art, dont le travail se caractérise souvent par des couleurs vives, des lignes audacieuses et des personnages fantaisistes, autant d'éléments présents dans cette sérigraphie. Son style unique intègre des influences variées, notamment la culture japonaise et le graffiti classique. Cette diversité lui a valu un public fidèle et place son œuvre dans une place à part dans l'art contemporain. La sérigraphie artisanale est une technique traditionnelle et méticuleuse, garantissant l'unicité de chaque pièce avec de légères variations qui contribuent à son caractère et à son authenticité. Cette estampe sur papier d'art capture l'essence même de la vision artistique de Buff Monster. Ses couleurs et textures, minutieusement superposées, confèrent à l'œuvre une profondeur et une qualité tactile que les reproductions industrielles ne peuvent égaler. Œuvre de street art et de graffiti, « Welcome to Paradise » incarne l'esprit de la créativité urbaine et le brouillage des frontières entre art savant et art populaire. Elle témoigne de la capacité de l'artiste à transposer la spontanéité et la rébellion du street art dans le contexte des beaux-arts, préservant ainsi l'attrait brut du graffiti tout en l'élevant par un processus de création plus formalisé. Pour les collectionneurs et les amateurs, acquérir une telle pièce est un véritable plaisir visuel et un aperçu de l'histoire dynamique et en constante évolution de l'influence du street art sur la culture contemporaine.

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Triptyque Kinsey Bluefin, édition limitée, sérigraphie à l'encre métallique 6 couleurs tirée à la main sur papier blanc Cougar Cover 100 lb par Dave Kinsey, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Épreuve d'artiste (EA). Kinsey Bluefin par Dave Kinsey. Édition limitée à 100 exemplaires (signés et numérotés). Sérigraphie 6 couleurs avec encres métalliques sur papier blanc Cougar Cover 100 lb. Deux tirages 20 x 25 cm. Né à Pittsburgh en 1971, Dave Kinsey a étudié à l'Art Institute of Pittsburgh et à l'Art Institute of Atlanta avant de s'installer en Californie en 1994 pour se consacrer à une carrière de designer et d'artiste plasticien. Printed Oceans est le programme d'estampes d'art de la Fondation PangeaSeed. Il sensibilise le public aux enjeux environnementaux marins les plus urgents grâce au regard d'artistes parmi les plus reconnus d'aujourd'hui. Depuis 2012, nous avons publié plus de 100 éditions originales d'estampes d'art mettant en lumière des espèces marines menacées et des habitats océaniques. Ces magnifiques éditions contribuent à diffuser des récits importants sur la conservation dans les foyers et les espaces de travail du monde entier, suscitant un dialogue essentiel et inspirant des actions concrètes. En acquérant ces œuvres d'art en édition limitée, réalisées artisanalement avec soin, vous soutenez non seulement le travail novateur de la Fondation PangeaSeed dans les communautés du monde entier, mais vous contribuez également aux moyens de subsistance de nos artistes engagés. Ensemble, par l'art et l'activisme, nous pouvons sauver nos océans.

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Endian Redux PP Sérigraphie Giclée par Fin DAC Printers Épreuve Sérigraphie 12 Couleurs Tirée à la Main sur Papier d'Art Vernis Somerset 330 g/m² Édition Limitée Pop Street Artwork & Graffiti. Épreuve d'imprimeur PP Findac 2021 Signée et marquée PP Tirage limité Taille de l'œuvre 24,61x34,65 Impression giclée à gauche Sérigraphie à droite. Technique et composition d'Endian Redux PP « Endian Redux PP », une sérigraphie giclée de l'artiste renommé Fin DAC, illustre la fusion harmonieuse des techniques traditionnelles et contemporaines, s'imposant comme une œuvre marquante dans le domaine de l'art urbain pop en édition limitée. Cette pièce, intitulée « Épreuve d'imprimeur » (PP) et faisant partie d'une édition limitée, révèle le style caractéristique de Fin DAC : un mélange de photoréalisme et d'éléments graphiques inspirés du graffiti. L'œuvre juxtapose une impression giclée à gauche et une sérigraphie à droite, chacune apportant sa texture et son impact visuel distincts. La technique giclée, reconnue pour sa reproduction de haute précision, permet une représentation photoréaliste du sujet. Parallèlement, la sérigraphie, clin d'œil aux racines street art de l'artiste, insuffle des couleurs vives et des éléments graphiques, créant un contraste dynamique au sein de la même œuvre. Cette sérigraphie artisanale en 12 couleurs sur vernis est superposée à un papier d'art Somerset de 330 g/m², choisi pour sa capacité à retenir des couleurs éclatantes et des détails complexes, garantissant ainsi que chaque nuance de l'œuvre d'art soit capturée avec clarté. Pertinence culturelle dans l'art contemporain « Endian Redux PP » reflète l’exploration par l’artiste des thèmes de l’identité et de la féminité, fréquemment abordés dans son œuvre. Le sujet de l’estampe, une femme au regard évocateur ornée de motifs évoquant des tatouages, illustre la rencontre entre beauté traditionnelle et esthétique moderne. L’utilisation du vernis confère à l’œuvre une dimension texturée et joue avec la lumière et les reflets, invitant le spectateur à l’appréhender sous de multiples angles. Influence artistique de Fin DAC Fin DAC s'est forgé une solide réputation en créant des œuvres qui transcendent les frontières conventionnelles du street art et du graffiti. Son approche de la sérigraphie, souvent caractérisée par un mélange unique de pochoirs et de techniques à main levée, donne naissance à des œuvres d'une grande minutie, empreintes de spontanéité. « Endian Redux PP », qui combine giclée et sérigraphie, illustre la volonté de l'artiste de repousser les limites de ces médiums, offrant aux collectionneurs une pièce qui n'est pas qu'une simple estampe : un véritable témoignage du potentiel de la sérigraphie comme art à part entière. Importance des épreuves d'imprimeur dans les collections d'art L'appellation « Épreuve d'imprimeur » indique une rareté et une exclusivité très recherchées par les collectionneurs. Ces épreuves sont généralement les premiers tirages sortis de presse et servent à vérifier la qualité de l'impression avant la production de l'édition complète. De ce fait, elles sont souvent considérées comme les plus prisées des collectionneurs en raison de leur place dans le processus d'impression et de leur nombre limité. Le choix de Fin DAC de signer et de marquer ces épreuves authentifie davantage leur statut d'œuvres d'art en édition limitée. « Endian Redux PP » de Fin DAC est une incarnation saisissante de la capacité du pop art urbain à intégrer les techniques traditionnelles des beaux-arts à l'énergie et à la spontanéité du street art et du graffiti. L'œuvre témoigne avec éclat de l'évolution du pop art, faisant écho aux racines historiques du genre tout en le propulsant vers l'avenir grâce à des méthodes innovantes et une exploration thématique. Elle capture un moment de l'art contemporain où les frontières entre les différentes formes d'art s'estompent et s'entremêlent harmonieusement.

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Robot #1 Édition limitée Sérigraphie artisanale 5 couleurs sur papier beaux-arts par Zane Thomas, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2013. Format : 8,5 x 11 pouces. La vision artistique derrière la sérigraphie Robot de Zane Thomas « Robot », une sérigraphie artisanale en cinq couleurs, réalisée en édition limitée par Zane Thomas, est un exemple saisissant d'art urbain et de graffiti. Créée en 2013 et éditée à 50 exemplaires numérotés et signés, cette œuvre illustre la capacité de Thomas à fusionner des éléments graphiques structurés avec l'énergie brute de l'art urbain. Mesurant 21,6 x 27,9 cm, elle témoigne de sa précision dans la superposition des couleurs grâce à la sérigraphie, un procédé qui accentue la profondeur, la texture et l'éclat des couleurs. Le thème robotique évoque les notions contemporaines de technologie, d'automatisation et de relation évolutive entre l'humain et la machine, conférant à cette œuvre une force visuelle indéniable et une pertinence conceptuelle indéniable. Le rôle de la robotique dans le street art et le graffiti La représentation des robots dans le street art et le graffiti reflète souvent les débats culturels autour de l'innovation, de l'intelligence artificielle et de l'industrialisation. Dans le cas de « Robot » de Zane Thomas, la composition fait probablement référence à ces thèmes tout en intégrant des éléments graphiques audacieux qui la distinguent au sein du mouvement street art. L'esthétique mécanique, combinée à une utilisation dynamique de la couleur, inscrit l'œuvre dans un récit plus vaste explorant l'intersection entre technologie et créativité. Le trait, à la fois net et expressif, suggère un goût pour la précision et la spontanéité, un équilibre essentiel dans l'art urbain contemporain. La sérigraphie et son impact sur l'œuvre d'art La sérigraphie est une composante essentielle du processus artistique de Robot, permettant une application à la fois maîtrisée et expérimentale de la couleur et de la forme. La technique de superposition de cinq couleurs accentue le contraste et la profondeur, conférant à l'estampe une riche présence visuelle. Les sérigraphies réalisées à la main sont depuis longtemps associées au pop art urbain et au graffiti, en raison de leur capacité à produire de multiples variations distinctes d'une même image. Chaque estampe de cette édition présente de légères variations qui la rendent unique, renforçant l'idée que l'art urbain privilégie le savoir-faire et l'authenticité à la production de masse. La signification culturelle du robot par Zane Thomas L'œuvre « Robot » reflète les angoisses et la fascination contemporaines pour l'intelligence artificielle et la mécanisation. En intégrant des images robotiques à une technique artisanale comme la sérigraphie, Zane Thomas crée un pont entre progrès technologique et techniques artistiques traditionnelles. Ce contraste met en lumière le dialogue permanent entre processus numériques et analogiques dans l'art, à l'image des mutations sociétales plus larges. L'œuvre reste pertinente dans les débats sur le rôle de la technologie dans la vie quotidienne, tout en conservant l'attrait esthétique du pop art urbain et du graffiti. Tirée en édition limitée, elle revêt une valeur particulière pour les collectionneurs sensibles à la fusion de thèmes futuristes et de l'énergie brute des techniques d'impression artisanales.

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Estampe d'art en édition limitée Bloom Hand Deckled Archival Pigment Fine Edition sur papier Moab Entrada 290 g/m² par l'artiste Victoria Cassinova. Édition limitée à 40 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Format de l'œuvre : 20 x 25 cm.

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Roid - Black Édition Limitée Rare Bombe de Peinture Aérosol Œuvre d'Art Croisement du célèbre fabricant de peinture graffiti Montana MTN. Né en 1982, l'artiste londonien Roid a commencé à peindre à la fin des années 1990 et s'est forgé ces dix dernières années une solide réputation internationale pour son innovation et sa maîtrise technique. Son évolution constante des codes du graffiti du métro new-yorkais, à l'image de sa démarche artistique, est remarquable. Après le succès de sa première exposition solo à l'été 2012, qui a affiché complet, il travaille désormais comme artiste plasticien et directeur artistique depuis son atelier du sud de Londres, continuant d'influencer et de transformer la perception du graffiti.

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Achetez TITLE Édition limitée Fine Art Blotter Paper Archival Pigment Print Art sur papier buvard perforé par Modern Pop Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XX Tirage pigmentaire d'archivage sur papier buvard perforé Taille : 7,5 x 7,5 pouces Sortie : 19 avril 2022 Les éditions limitées de buvard sont perforées à la main par Zane Kesey.

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Edition limitée sur papier Moab Entrada 290gsm par Urban Pop Artist ARTIST Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Jacob et l'Homme en Noir, sérigraphie artisanale en édition limitée 4 couleurs sur papier beaux-arts par Jeff Soto, artiste pop art célèbre et rare. Épreuve d'artiste (EA). 2010. 18x24. Signée et numérotée. Hommage à la série télévisée Lost.

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Retour vers le futur 3, tirage giclée en édition limitée sur papier d'art par Andy Fairhurst, artiste de rue de la contre-culture. Épreuve d'artiste signée et marquée AP, édition limitée, format 12x24 Tirages d'artiste (épreuves AP) sous licence officielle « Retour vers le futur 3 », réalisés pour Bottleneck Gallery et Vice Press. Numérotés et signés à la main par l'artiste. 30,5 x 61 cm.

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Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Œuvre d'art Transitions, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti de la culture pop Nimit Malavia.

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Tous les animaux sortent la nuit - Sérigraphie en édition limitée, tirée à la main en 3 couleurs noires sur papier d'art de qualité supérieure, par Oliver Barrett, artiste rare de street art et de pop art. Tirage limité à 50 exemplaires. Dimensions : 18 x 24 cm. Signature et numérotation incluses. Année de parution : 2013. Technique : Sérigraphie. Thèmes : Taxi, Film, Homme, Punk, Meurtre, Crime, New York, Ville de New York, Robert De Niro.

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Tripping Devil est un dessin original réalisé à la main sur du papier d'art vieilli, encadré et à bords frangés, par l'artiste surréaliste Naoto Hattori. Dessin original unique au crayon/graphite, signé en 2012. Œuvre encadrée. Dimensions du cadre : 8,5 x 8,5. Dimensions de l’image : 3 x 5. Encadrement et passe-partout personnalisés par l’artiste. La fusion du street art et du graffiti dans l'œuvre de Naoto Hattori Le croisement entre le pop art urbain et le graffiti donne naissance à une forme d'art vibrante et souvent subversive, qui remet en question l'esthétique traditionnelle, propose un commentaire social et investit l'espace public comme une toile d'expression. « Tripping Devil » de Naoto Hattori illustre parfaitement ce point de convergence artistique, tout en se démarquant des fresques murales classiques réalisées à la bombe. Ce dessin original au crayon et au graphite, datant de 2012, témoigne de la diversité des techniques et des matériaux employés au sein du genre, unissant l'énergie brute du street art à la précision du dessin classique. L'œuvre d'Hattori est délicatement encadrée (21,6 x 21,6 cm), l'image mesurant 7,6 x 12,7 cm. L'artiste a réalisé lui-même le cadre et le passe-partout, soulignant ainsi la touche personnelle et le souci du détail qui caractérisent son travail. Le papier, frangé et vieilli à la main, confère à l'œuvre une texture supplémentaire et une profondeur historique. Ce choix de matériaux est particulièrement significatif, car il confère à l'œuvre une qualité ancienne qui contraste fortement avec la nature généralement éphémère de l'art urbain et du graffiti. L'esthétique unique de Naoto Hattori au sein du pop art urbain L'œuvre de Naoto Hattori se caractérise souvent par un surréalisme onirique, où des créatures fantastiques et des figures métamorphosées interrogent la perception de la réalité par le spectateur. « Tripping Devil » ne fait pas exception. Le dessin représente une créature au visage humain et au corps se transformant en une forme de pieuvre. Ce mélange d'humain et de surréel est une marque de fabrique du style Hattori et témoigne du potentiel transformateur du street art et du graffiti. La palette monochrome et épurée du graphite met en valeur les détails et les ombres complexes qui donnent vie au « Tripping Devil ». Bien que contenue dans un cadre, l'œuvre porte l'esprit du street art, souvent caractérisé par une audacieuse transgression des frontières et une acceptation de l'inconventionnel. La démarche systématique de Hattori dans le dessin fait écho aux techniques réfléchies et minutieuses employées par les artistes de rue et les graffeurs pour créer leurs œuvres, bien qu'à une échelle et avec un médium différents. Naoto Hattori et la collectionnabilité du Street Pop Art Les collectionneurs et amateurs d'art urbain et de graffiti recherchent de plus en plus des œuvres à exposer chez eux, transformant ainsi des spectacles publics en trésors personnels. « Tripping Devil » d'Hattori illustre parfaitement cette tendance, offrant au marché de l'art une pièce unique qui capture l'essence même de l'art urbain sous une forme à la fois collectionnable et idéale pour une exposition privée. La signature de l'artiste est un gage d'authenticité et un lien privilégié entre l'artiste et le collectionneur. L'originalité de « Tripping Devil » est primordiale. Dans un domaine où la production de masse et la reproduction sont monnaie courante, l'engagement d'Hattori à créer une œuvre originale et singulière rehausse sa valeur et son attrait. La minutie avec laquelle l'œuvre est réalisée, associée à sa présentation unique sur papier d'art vieilli, instaure un dialogue entre la nature éphémère de l'art urbain et la pérennité de la collection d'art. La pertinence culturelle de l'art d'Hattori Dans le contexte plus large du street art et du graffiti, « Tripping Devil » de Hattori se distingue comme une œuvre culturelle emblématique, incarnant l'esprit novateur de ces formes artistiques. Si le street art véhicule souvent des messages sur la culture populaire et les problématiques sociétales, l'œuvre de Hattori explore la psyché, abordant les thèmes de l'identité, de la conscience et de la condition humaine à travers un prisme surréaliste. Bien que non exposée dans l'espace public, cette pièce s'inscrit dans la tradition du street art et du graffiti, visant à susciter la réflexion et à éveiller l'émotion. Ses éléments surréalistes invitent à l'interprétation et à la réflexion, à l'instar des fresques et tags monumentaux qui ornent les environnements urbains. « Tripping Devil » de Hattori nous rappelle que l'essence du street art réside non seulement dans son emplacement, mais aussi dans sa capacité à toucher profondément le public, à remettre en question les perceptions et à encourager une immersion plus intense dans le récit visuel. « Tripping Devil » de Naoto Hattori est un exemple remarquable du potentiel de synergie entre le street art, le graffiti et les techniques de dessin traditionnelles. Cette œuvre témoigne du talent de l'artiste et de la versatilité de l'art urbain. Comme le démontre cette pièce, la valeur du pop art et du graffiti dépasse les murs de la ville et trouve sa place dans les collections d'amateurs d'art qui apprécient le subtil mélange de rébellion, de savoir-faire et de profondeur narrative propre à ces genres.

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Tirages d'art en édition limitée Jackie's Skyview Drive In, réalisés à partir de pigments d'archives sur papier d'art Hahnemühle William Turner 310 g/m² par Robert Mars, artiste de graffiti, de street art et de culture pop. Tirage pigmentaire d'archives « Jackie's Skyview Drive In » sur papier Hahnemühle William Turner Matte Fine Art, 310 g/m² • Vernis à la main • 61 x 61 cm • Signé et numéroté à la main par l'artiste Robert Mars

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Pandemonium, estampe sérigraphique couleur à bords frangés tirée à la main sur papier beaux-arts, par l'artiste recherché Hijack, œuvre d'art pop en édition limitée. Édition limitée à 100 exemplaires numérotés à la main et estampillés par l'artiste (2020). Œuvre d'art découpée à la main, format 22x22. Estampe caritative pour la Banque alimentaire mondiale contre la Covid-19 par Hijack. Présentation de « Pandémonium » par Hijack : une réflexion de street art pop sur la crise mondiale Créée en pleine période de crise sanitaire liée à la COVID-19, l'œuvre « Pandemonium » de l'artiste de rue Hijack capte l'esprit collectif d'un monde en proie à l'incertitude et aux bouleversements. Cette sérigraphie couleur, réalisée à la main sur papier d'art, est une impression en sérigraphie aux couleurs franches, incarnant la réponse poignante de l'artiste à l'impact de la pandémie sur la société. Hijack, dont le véritable nom contribue à son image énigmatique, est devenu une figure incontournable de la scène street art et graffiti contemporaine, avec des œuvres qui explorent souvent l'actualité et les problématiques sociales. Cette œuvre en édition limitée, de format 56 x 56 cm, est à la fois une déclaration visuelle et une initiative philanthropique : les bénéfices de sa vente seront reversés aux banques alimentaires internationales pendant la pandémie. Tirée à seulement 100 exemplaires, chacun numéroté à la main et estampillé par l'artiste, « Pandemonium » devient une pièce de collection historique, immortalisant l'esprit du début des années 2020. Symbolisme et technique dans « Pandémonium » de Hijack « Pandémonium » offre un équilibre saisissant entre l'immédiateté du graffiti et la précision calculée de la sérigraphie pop art. L'image représente une silhouette en tenue de protection, dont la posture évoque un soignant et un agent de décontamination. Cette dualité souligne la réalité de première ligne face à la pandémie. L'utilisation de couleurs vives sur fond monochrome attire l'attention sur le sujet et insuffle à l'œuvre une vitalité inattendue au cœur de l'obscurité, caractéristique du street art et de sa capacité à révéler beauté et sens dans le sombre et le quotidien. Le papier beaux-arts sert de toile urbaine à Hijack, à l'instar des murs et des ruelles qui servent de support à d'autres graffeurs. Les bords irréguliers du papier font écho au caractère souvent brut et éphémère du street art, contrastant avec la permanence que symbolise cette édition limitée. C’est cette interaction entre le bref et le durable que Hijack explore dans « Pandemonium », réfléchissant à la nature éphémère de la pandémie tout en capturant un moment qui restera à jamais gravé dans l’histoire. La résonance culturelle du « pandémonium » dans le discours sur l'art urbain Dans le vaste discours du street art et du graffiti, « Pandemonium » résonne comme un artefact culturel, un phare de notre époque. L'œuvre illustre la manière dont les artistes de rue ont historiquement utilisé l'espace public et les supports accessibles pour refléter les sentiments de la société, susciter la réflexion et inspirer l'action. Le choix de Hijack de contribuer à une organisation caritative internationale par le biais de son art s'inscrit dans une tradition du street art qui consiste non seulement à commenter les problèmes sociaux, mais aussi à participer activement au changement sociétal. La représentation du personnage avec un flacon pulvérisateur portant l'inscription « COVID-19 » évoque un sentiment d'action et de responsabilité, une reconnaissance des efforts collectifs pour « purifier » le monde de la menace virale. Cette représentation dépasse la simple esthétique ; c'est un cri de ralliement, un hommage à la résilience de l'humanité face à une crise mondiale et un témoignage du rôle de l'art pour documenter, répondre et guérir les traumatismes collectifs. En tant qu'œuvre de street art, « Pandemonium » se distingue par sa capacité à saisir l'essence d'un événement mondial sans précédent, tout en conservant les éléments stylistiques et thématiques qui définissent le genre. L'œuvre de Hijack n'est pas seulement une réponse artistique à une pandémie ; c'est un témoignage historique et un commentaire sur la condition humaine, un rappel des bouleversements et des triomphes qui caractérisent notre époque. Dans l'histoire du street art, « Pandemonium » restera comme une réflexion poignante de l'ère de sa création, un témoignage du pouvoir de l'art à exprimer des émotions et des récits complexes. C'est un dialogue visuel entre l'artiste et le monde, une œuvre qui exprime la peur, l'espoir et l'esprit indomptable qui ont défini la réponse humaine à la pandémie de COVID-19. Avec « Pandemonium », Hijack contribue à la riche tapisserie du street art et du graffiti, qui continue d'évoluer et de résonner comme une voix du peuple dans l'espace public.

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« Up In Flames », estampe d'art en édition limitée Giclée sur papier d'art de l'artiste pop moderne Alexis Price. Édition limitée à 20 exemplaires, signée et numérotée, format 11x14 pouces (2020).

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Le jouet de collection en vinyle Lil' Qwiky Canbot Canz Limited Edition 94 Lil' Qwiky, œuvre d'art de rue par Czee13 x QUICCS. Édition limitée 2021 de 140 g (5,5 pouces) à 299 exemplaires, neuve en boîte Les canettes Lil' Qwiky Canbot de 1994 : un symbole du street art sous forme d'objet de collection Le Canbot Canz « 94 Lil' Qwiky » est un symbole saisissant de la rencontre dynamique entre la culture des objets de collection et le street art. Cette figurine en vinyle en édition limitée, fruit de la collaboration entre les artistes de rue Czee13 et QUICCS, capture l'essence même du pop art et du graffiti sous une forme tangible. Sortie en 2021, chaque pièce de cette série limitée à 299 exemplaires illustre un mélange d'esthétique urbaine et de culture des objets de collection. D'une hauteur de 14 cm (5,5 pouces), cette figurine fait référence à la bombe aérosol classique de 148 ml (5 onces), outil indispensable du graffeur. La série Canbot Canz célèbre l'omniprésence de la bombe aérosol dans la communauté graffiti, la transformant d'un simple récipient de peinture en une icône de rébellion et d'identité artistiques. Cette édition particulière, le « 94 Lil' Qwiky », est neuve dans sa boîte d'origine, conservant ainsi l'état impeccable tant recherché par les collectionneurs. Il est prêt à rejoindre le panthéon des objets de collection d'art urbain. Le nombre 94 revêt une signification particulière dans l'univers du graffiti, souvent associé à la marque d'une peinture en aérosol populaire utilisée par les artistes de rue. En l'intégrant au nom et au design, Czee13 et QUICCS rendent hommage à l'histoire et à la culture du street art, reconnaissant l'importance de ce médium et de ses outils. Avec ses détails et finitions artisanaux, cette figurine en vinyle témoigne du savoir-faire et de la créativité qui animent la communauté du street art. En créant le 94 Lil' Qwiky Canbot Canz, les artistes font le lien entre la rue et la maison, permettant aux passionnés de posséder un fragment de l'esprit du street art. C'est une célébration de cet art, traduite en un objet 3D porteur d'une profonde signification culturelle et d'une passion artistique intense. Alors que le street art continue de gagner en reconnaissance et en légitimité au sein du monde de l'art en général, The 94 Lil' Qwiky Canbot Canz témoigne des origines et de l'essence de ce mouvement, ainsi que de l'évolution constante du graffiti en tant que forme d'art et phénomène culturel.

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Papier buvard Cosmic Vacation, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Bunnie Reiss, œuvre d'art pop culture LSD. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey et peuvent légèrement différer de l'exemple présenté.

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Limite de crédit - Jusqu'à ce que les dettes nous séparent. Tirage d'art en édition limitée, pigmentaire et d'archives, sur papier d'art MOAB 290 g/m² par Legend Street Art et Modern Pop Culture Artist Denial. 2020 Credit Limit - Jusqu'à ce que les dettes nous séparent. Œuvre d'art sur le thème de la carte de crédit. Numérotée, signée, tamponnée au verso, édition de 25 exemplaires, 24 x 18 pouces, impression pigmentaire d'archives sur papier d'art MOAB 290 g/m². Limite de crédit : Jusqu’à ce que la dette nous sépare (refus) « Credit Limit : Until Debt Do Us Part » est une estampe d'art pigmentaire de qualité archivistique, une œuvre qui invite à la réflexion. Créée par l'artiste canadien de street art et de graffiti Daniel Bombardier, alias Denial, cette pièce, parue en 2020, fait partie de sa série emblématique « Credit Limit », qui critique le consumérisme et le lien profondément ancré entre amour, mariage et dépendance financière. Mesurant 61 x 46 cm et imprimée sur papier d'art MOAB 290 g/m², cette édition limitée est signée, numérotée et estampillée au verso. Seulement 25 exemplaires sont disponibles. L'œuvre allie un visuel saisissant à un commentaire social incisif, ce qui en fait un exemple remarquable du style caractéristique de Denial. Explorer l'amour et le consumérisme à travers le pop art « Jusqu'à ce que les dettes nous séparent » présente une étreinte romantique entre un couple, sur fond d'un motif inspiré d'une carte de crédit American Express. La juxtaposition de l'amour et de l'engagement financier met en lumière la dimension monétaire, souvent négligée, des relations. La pose intime du couple, rendue dans des couleurs vibrantes et un style graphique rappelant la bande dessinée, traduit la passion et la tendresse. Cependant, la carte de crédit en arrière-plan rappelle brutalement les réalités financières qui peuvent influencer et compliquer les relations. Cette dualité entre émotion et matérialisme invite les spectateurs à réfléchir aux implications culturelles et personnelles de l'amalgame entre amour et obligations économiques. L'approche artistique unique du déni L'œuvre de Daniel Bombardier est reconnue pour sa fusion d'imagerie pop et de critique sociale. « Until Debt Do Us Part » illustre sa capacité à réinterpréter des symboles du quotidien en œuvres artistiques percutantes. Le design, inspiré d'American Express, souligne l'omniprésence des institutions financières dans la vie moderne, tandis que l'imagerie romantique confère une profondeur émotionnelle qui touche le public. L'utilisation d'une impression pigmentaire d'archivage garantit la préservation des couleurs éclatantes et des détails précis, tandis que le papier MOAB 290 g/m² sublime la qualité visuelle et tactile de l'œuvre. En combinant des éléments de street art et de graffiti, « Until Debt Do Us Part » crée une œuvre à la fois captivante visuellement et intellectuellement stimulante. La pertinence culturelle de « Jusqu'à ce que la dette nous sépare » Cette œuvre explore les liens complexes entre amour, mariage et société de consommation. En inscrivant un moment romantique dans le contexte de la dépendance financière, Denial critique les pressions sociales qui mêlent souvent engagements émotionnels et économiques. Son édition limitée renforce son importance et en fait une pièce recherchée par les collectionneurs et les amateurs de street art et de graffiti. « Until Debt Do Us Part » est un poignant rappel de l'influence des systèmes financiers sur nos relations les plus intimes, confirmant ainsi le statut de Denial comme figure majeure de l'art contemporain. Par son esthétique audacieuse et ses thèmes provocateurs, cette œuvre invite le spectateur à repenser la dynamique de l'amour et de la dette dans un monde matérialiste.

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Dessin original au crayon graphite de Vincent Price, réalisé à la main sur papier beaux-arts par Joe King, artiste de street art contemporain très en vogue. Dessin original au graphite signé, 2010, format 8x11, encadré dans un cadre orné avec passe-partout.

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Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée LivEvil sur papier beaux-arts 310 g/m² par Van Saro & John Park, artistes de rue graffiti, art pop moderne. « Cette œuvre était notre quatrième ou cinquième collaboration. Les thèmes variaient, mais la composition restait assez constante : les magnifiques figures peintes par Van servaient de point d’ancrage à mes couleurs de fond et à mes personnages secondaires. La citation de Van est tirée du Bouddha. Nous avions conservé une certaine constance dans la composition de nos collaborations : généralement, une des figures à l’huile de Van, légèrement décentrée, servait de point d’ancrage, tandis que je m’occupais de la composition des couleurs de fond et ajoutais les personnages secondaires. Je ne crois pas que nous ayons discuté de quoi que ce soit avant de commencer. » – John Park

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Le Parrain, édition limitée, sérigraphie HPM rehaussée à la main sur toile, encadrée par Steve Kaufman, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Prêt à accrocher. Toile montée sur châssis. Technique : Sérigraphie sur toile rehaussée à la main. Titre : Le Parrain. Dimensions : 95,25 x 78,7 cm. Année : 2000. Tirage : 100 exemplaires. Signature : Signée à la main par Kaufman au verso. Il finit par installer son atelier à Los Angeles et, fidèle à son style, engagea plus d'une centaine d'anciens membres de gangs pour l'assister. Durant cette période, il créa un nouveau style, le « Pop Art façon bande dessinée », utilisant des peintures originales de super-héros comme icônes. Il collabora également avec la galerie Martin Lawrence, pour laquelle il réalisa des éditions limitées d'icônes telles que Beethoven et Marilyn Monroe, battant des records de vente pour un artiste débutant.

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Big Ben Ripped Deck Fine Art Limited Edition Archival Pigment Print Transfer on Cold Pressed Steep Natural Skateboard Deck by Street Artwork Graffiti Artist Prefab77. 2022 - Impression par transfert pigmentaire d'archives signée sur planche de skate naturelle pressée à froid - Dimensions : 8 x 31,875 pouces - Sortie : 5 avril 2022 - Tirage : 75 exemplaires

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Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

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Saboteur, édition limitée, sérigraphie artisanale en 3 couleurs sur papier d'archivage 100 % coton, par Dave Kinsey, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Épreuve d'artiste (EA) 2010 Signée et marquée EA Édition limitée Format 24x18 L'essence de la rébellion dans le saboteur de Kinsey Dave Kinsey, artiste de rue ayant marqué de son empreinte le pop art contemporain, présente une œuvre saisissante : l’estampe en édition limitée « Saboteur ». Cette sérigraphie artisanale en trois couleurs, imprimée sur papier d’archivage 100 % coton, reflète l’essence même du pop art urbain et du graffiti : un mélange d’esthétique et de message fort. Créée en 2010, « Saboteur » est une œuvre non seulement visuellement saisissante, mais aussi riche de symbolisme et de sens. Elle témoigne du talent de Kinsey pour créer profondeur et narration à partir d’une palette de couleurs restreinte. Le contraste saisissant entre le fond orange et l’image en noir et blanc de la Statue de la Liberté captive immédiatement le regard. Le choix de la Statue de la Liberté comme figure centrale est particulièrement évocateur, symbolisant la liberté et l’esprit américain. Cependant, la représentation de Kinsey n’est pas un triomphe patriotique, mais plutôt une critique nuancée, peut-être un commentaire sur l’état de la liberté dans la société contemporaine. Une pièce en édition limitée au message intemporel Cette œuvre, désignée comme épreuve d'artiste (EA), atteste de son appartenance à une série exclusive d'estampes, souvent conservées par l'artiste pour son usage personnel ou vendues comme pièces de collection précieuses. L'estampe, de 61 x 46 cm (24 x 18 pouces), est remarquable non seulement par sa taille, mais aussi par son exclusivité et la signature personnelle de l'artiste. Les collectionneurs et les admirateurs de l'œuvre de Kinsey reconnaissent la valeur d'une telle pièce, tant pour sa qualité esthétique que pour son potentiel d'investissement et de témoignage historique. « Le Saboteur » témoigne de la maîtrise de Kinsey en matière de sérigraphie, une technique qui exige précision et savoir-faire. La méthode artisanale employée par Kinsey garantit l'unicité de chaque estampe, avec de légères variations qui rendent chaque pièce unique. L'utilisation d'un papier d'archivage 100 % coton assure la qualité et la durabilité de l'estampe, conçue pour résister à l'épreuve du temps sans altérer ses couleurs ni son intégrité. L'impact du « saboteur » dans l'art urbain pop et le graffiti Dans le contexte plus large du street art et du graffiti, « Le Saboteur » se distingue comme un symbole du style de Kinsey et de la dimension politique souvent présente dans ce genre. Le street art, connu pour sa nature éphémère, est peint sur les murs et les surfaces de l'espace public. En transformant une telle œuvre en sérigraphie, Kinsey établit un pont entre le caractère éphémère du street art et la pérennité des beaux-arts. Cette œuvre permet à l'esprit rebelle du street art d'investir les foyers et les galeries, préservant ainsi son message et son esthétique pour les générations futures. « Le Saboteur » n'est pas qu'une simple œuvre d'art ; c'est un sujet de conversation, une prise de position, un témoignage historique. Il incarne les émotions tumultueuses et le discours critique de l'époque de sa création, tout en conservant un message intemporel. En tant qu'œuvre de pop art moderne, il reflète l'atmosphère culturelle et politique du début du XXIe siècle, et la perception qu'avait l'artiste de la liberté et des structures sociales qui la régissent. L'héritage continu de Dave Kinsey et la place du « saboteur » en son sein L'influence durable de Dave Kinsey sur le street art et le graffiti est encore renforcée par des œuvres telles que « Saboteur ». Il a toujours su transmettre des messages forts à travers son art, et cette estampe ne fait pas exception. À l'instar de nombreuses œuvres majeures du street art, « Saboteur » invite le spectateur à une réflexion critique sur les symboles et les institutions qu'il tient souvent pour acquis. Pour les collectionneurs, les amateurs et les étudiants de street art et de graffiti, « Saboteur » représente un sommet dans la démarche artistique de Kinsey, incarnant à la perfection son message, son médium et sa méthode. Des œuvres comme celle-ci assurent à Kinsey une place incontestable et respectée dans l'histoire de l'art moderne. Au fil du temps, « Saboteur » continuera de résonner et d'inspirer, à l'image de l'esprit intemporel du mouvement street art dont il est issu.

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Œuvre unique de l'artiste : CFYW Portrait, tirages d'art en édition limitée à base de pigments d'archives sur papier d'art brillant Moab Entrada Rag 290 g/m² par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop CFYW x KJ Shows. Œuvre unique de l'artiste : Portrait CFYW • Tirage pigmentaire d'archive autographié • Imprimé sur papier d'archive Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² • 35,5 x 43 cm (14 x 17 pouces) • Signé, daté, numéroté et estampillé à la main par KJ Shows • Signé également par Geoff Hargadon (Cash For Your Warhol) • Édition limitée à 25 exemplaires

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Danse avec le diable, édition limitée, série ICON, sérigraphie artisanale 4 couleurs sur papier beaux-arts par DKNG, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Référence au film Batman Batmobile Chaque film en possède une. Un accessoire, un décor ou un lieu emblématique. Quelque chose qui, en une seule image, peut représenter tout le film. L'équipe de designers Dan Kuhlken et Nathan Goldman, alias DKNG, nomme ces images « Icônes », et elles sont au cœur de leur toute première exposition personnelle à la Gallery 1988 West de Los Angeles. Intitulée simplement ICON, l'exposition présente 50 œuvres mettant en scène des lieux et des objets iconiques issus de vos films et séries préférés de tous les temps. Chaque œuvre, de petit format (30 cm de côté), représente un élément qui résume un film entier. Et bien sûr, chacune est réalisée dans le style distinctif de DKNG : lumineux, géométrique et pourtant riche en détails.

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Sous un ciel étoilé, nous avons confessé nos rêves. Sérigraphie en édition limitée, tirée à la main en 3 couleurs sur papier d'art de Russell Moore. Œuvre rare de street art, célèbre artiste pop. Eh bien, ma femme et moi avions l'habitude de prendre la voiture et d'aller quelque part loin des lumières de la ville pour contempler le ciel nocturne pendant des heures. Il n'y a rien de tel que de voir la Voie lactée en plein été, à la campagne, par une nuit noire. - Russ Moore

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Aimez le monde dans lequel vous vivez. Sérigraphie de Kunstrasen, imprimée à la main en 16 couleurs sur papier d'art Somerset, édition limitée. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2023. Œuvre d'art de format 24x24. Sérigraphie Aime le monde dans lequel tu vis, par Kunstrasen – Sérigraphie 16 couleurs dans le style pop art et graffiti. « Love The World You Live In » est une sérigraphie artisanale 16 couleurs de 2023, réalisée par l’artiste allemande Kunstrasen et éditée à 50 exemplaires numérotés et signés. Mesurant 61 x 61 cm et imprimée sur papier d’art Somerset, cette œuvre illustre la maîtrise de Kunstrasen, qui associe narration visuelle et authenticité tactile. Elle représente une jeune fille assise, en niveaux de gris, rendue avec une précision délicate, à la manière d’un pochoir, serrant contre elle un cœur rouge vif orné d’une carte des continents. La figure se détache sur un fond hyperréaliste de carton ondulé déchiré, opposant fragilité et résilience, tant visuellement que conceptuellement. Chaque couche de cette estampe multicolore a été appliquée à la main, garantissant une riche profondeur de tons et un équilibre saisissant entre qualité artistique et sensibilité urbaine brute. Récit visuel et commentaire social Le message de Kunstrasen dans « Aime le monde dans lequel tu vis » est à la fois intime et universel. La jeune fille qui examine avec douceur le cœur en forme de globe terrestre évoque les thèmes de la bienveillance, de l'empathie et de la réflexion sur l'état du monde. Le détail des continents peints à l'intérieur du cœur symbolise la responsabilité de l'humanité d'aimer et de protéger notre planète. Le choix d'une esthétique du carton, exécuté avec une maîtrise illusionniste remarquable, attire l'attention sur les problèmes de précarité et d'abandon social, notamment face à la multiplication des crises environnementales et humanitaires. Le contraste saisissant entre les tons feutrés de la silhouette et le rouge vif du cœur capte immédiatement le regard, guidant le spectateur vers le cœur émotionnel de l'œuvre. L'approche minimaliste et pourtant chargée d'émotion de Kunstrasen permet au spectateur d'entrer en contact direct avec le thème, sans distraction. Le rôle de Kunstrasen dans le street art, le pop art et le graffiti Reconnu pour sa fusion de compositions au pochoir et d'iconographie engagée, Kunstrasen est devenu une figure majeure du paysage en constante évolution du street art et du graffiti. Son nom, qui signifie « herbe artificielle », est une critique de la superficialité de la culture moderne. Ses œuvres, souvent subversives ou à forte connotation sociale, utilisent la clarté visuelle et l'ironie pour toucher un large public. « Love The World You Live In » se distingue de certaines de ses œuvres plus satiriques par son ton doux et compatissant. Ici, la critique n'est pas criée, mais ressentie : elle est transmise par une imagerie symbolique qui invite à l'introspection. En faisant référence à des matériaux urbains comme le carton tout en utilisant des techniques d'impression traditionnelles des beaux-arts, Kunstrasen brouille les frontières entre art public et art exposé en galerie, renforçant ainsi l'accessibilité et la pertinence de son message. Valeur de production et importance pour les collectionneurs Imprimée sur papier d'art Somerset, réputé pour sa qualité d'archivage et sa texture riche, cette sérigraphie 16 couleurs est une prouesse technique impressionnante. La superposition minutieuse et la parfaite synchronisation des couleurs témoignent de l'engagement de Kunstrasen envers le savoir-faire artisanal et la profondeur conceptuelle. Chaque tirage est réalisé à la main, signé et numéroté, et fait partie d'une édition limitée à 50 exemplaires, ce qui en fait un objet de collection alliant rareté et portée sociale. « Love The World You Live In » illustre comment le street art, le pop art et le graffiti peuvent dépasser le simple cadre de la protestation pour devenir un espace de guérison et de responsabilité. Pour les collectionneurs, cette œuvre offre non seulement une force esthétique, mais aussi un récit profondément actuel et pertinent sur la bienveillance, la communauté et la dimension émotionnelle du monde moderne.

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One Rose - Édition limitée noire 2 couleurs, sérigraphie artisanale, technique mixte, impression à la bombe sur papier aquarelle Fabriano 300 g/m² par Copyright Graffiti Street Artist Modern Pop Art. « L'année dernière, j'ai fait une exposition qui a débuté le jour de la Saint-Valentin et qui s'intitulait « Une rose rouge pour toujours ». C'est une vieille phrase tirée d'un tatouage de Sailor Jerry. J'aime toujours revisiter et réinterpréter mes archives visuelles personnelles. Cette image est une réinterprétation d'une œuvre beaucoup plus grande que j'ai peinte il y a quelques années. Je me demande souvent : si mes peintures étaient des chansons, à quoi ressembleraient-elles ? Il m'arrive souvent d'écouter une chanson qui m'inspire une idée de tableau. Il suffit d'une phrase, ou parfois d'une émotion profonde que j'essaie de retranscrire en image, comme un musicien le ferait dans une chanson. » - Copyright

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The Kiss - Foil AP 3 couleurs, sérigraphie en édition limitée tirée à la main sur feuille holographique par Brian Ewing, artiste de la culture pop moderne. Épreuve d'artiste signée 2017, 24 x 18 pouces, coloris rare et unique

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Masques de mimes - Hohokum, édition limitée, impression giclée sur papier d'art de qualité supérieure par Richard Hogg, artiste de rue de la contre-culture. Estampe originale de la série d'illustrations du jeu vidéo Hohokum de Richard Hogg.

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Achetez Space Monkey - Blue Edition limitée Vinyl Art Toy Oeuvre de collection par l'artiste de la culture pop moderne Dalek. 2022 6,5" de haut Le nouveau jouet d'art en vinyle Space Monkey de James 'Dalek' Marshall de 3DRetro fait ses débuts dans une édition bleu clair. La figurine présente le personnage emblématique de Dalek avec un short vert, un couteau tueur et un énorme maillet. La nouvelle figurine présente un profil compact avec des bras, des jambes et des pieds nus courts.

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Achetez Alphabet découpé à la main - Sérigraphie bicolore bleue tirée à la main sur papier d'art par l'artiste Nate Duval en édition limitée Pop Art. 2014 Signé et Numéroté Édition Limitée de 35 Oeuvres Taille 7.75x10

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Achetez DRAWING Original One of a Kind MEDIA Drawing Artwork sur MEDIUM par Urban Street Artist ARTIST. 2022 Signé Original XXXX Dessin Taille XXXX INFO

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Sérigraphie anaglyphique Pride en édition limitée, 9 couleurs, tirée à la main, avec vernis sélectif sur papier Somerset Satin 310 g/m², format baignoire, par l'artiste Insane51. Œuvre d'art rare et célèbre du pop art. Édition limitée signée 2021, sérigraphie 9 couleurs avec vernis sélectif sur papier Somerset Satin 310 g/m², format baignoire, dimensions : 23,62 x 23,62 pouces (60 x 60 cm), sortie : 10 avril 2021, tirage de 125 exemplaires. Chaque estampe, réalisée en neuf couleurs, est une sérigraphie multicouche avec vernis sélectif et bords frangés à la main. L'édition spéciale limitée présente un fond à effet de dégradé orné d'encre dorée métallisée. Insane51 est un muraliste grec de 26 ans, installé à Athènes, et l'un des pionniers des fresques murales 3D de grande envergure. Il a débuté en 2007 comme graffeur et, depuis, il n'a jamais cessé de vivre de sa passion.

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Recharge Fashion Addict - Tirage d'art pigmentaire d'archive en édition limitée Burberry sur papier Canon Fine Art 330 g/m² par Legend Street Art et Modern Pop Culture Artist Denial. Épreuve d'artiste AP 2019, signée, édition limitée à 100 exemplaires, format 18 x 24 pouces Burberry Designer Fashion Drug Pill. Épreuve d'artiste numérotée, signée et tamponnée au verso. Tirage d'art de 18 x 24 pouces (45,7 x 61 cm) sur papier Canon Fine Art 330 g/m², édition normale limitée à 100 exemplaires. Dans l'univers de Denial, la mémoire est essentielle, car elle constitue le fondement de son œuvre. Elle invite le public, par une approche nostalgique, à s'y intéresser. De ce fait, son art est à la fois familier et troublant, car il révèle les aspects les plus dérangeants de la société, ceux que nous refusons d'admettre. Malgré son histoire controversée, le graffiti est de moins en moins perçu comme une forme de vandalisme.

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Tirage giclée en édition limitée « Retour vers le futur » sur papier d'art de qualité supérieure, par Andy Fairhurst, artiste de rue et de contre-culture. Épreuve d'artiste signée et signée Marqué AP Œuvre d'art en édition limitée, format 12x24 Tirages d'artiste (épreuves AP) sous licence officielle « Retour vers le futur », réalisés pour Bottleneck Gallery et Vice Press. Numérotés et signés à la main par l'artiste. 30,5 x 61 cm.

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Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée Star Wars Guernica sur papier d'art Moab 290 g/m² par Ron English - POPaganda Graffiti Street Artist Modern Pop Art. Édition limitée 2020, signée et numérotée à 200 exemplaires. Œuvre de 27,5 x 15 cm. Tirage d'archive Star Wars Guernica par Ron English - POPaganda L'estampe d'archive Star Wars Guernica de Ron English-POPoganda est une œuvre d'art qui associe l'imagerie emblématique de l'univers Star Wars au célèbre tableau « Guernica » de Pablo Picasso. Ron English-POPoganda est un artiste contemporain reconnu pour sa fusion unique de culture pop et d'œuvres d'art classiques, souvent teintée de satire. Dans cette œuvre, English rend hommage au chef-d'œuvre antimilitariste de Picasso en intégrant des personnages et des éléments de la franchise Star Wars, tels que Dark Vador, les Stormtroopers et l'Étoile de la Mort. En mêlant ces deux univers distincts, English propose une réflexion profonde sur la guerre, le pouvoir et la condition humaine. Cette estampe d'archive garantit une reproduction de haute qualité de l'œuvre originale, grâce à une technologie d'impression avancée et un papier d'archivage sans acide, assurant ainsi la longévité et la préservation de l'image. Elle constitue un excellent choix pour les collectionneurs d'art et les passionnés de Star Wars.

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Achetez TITLE Sérigraphie 4 couleurs tirée à la main sur une œuvre d'art Pop Street Art en édition limitée MEDIUM. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Achetez TITLE Édition limitée Fine Art Blotter Paper Archival Pigment Print Art sur papier buvard perforé par Modern Pop Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XX Tirage pigmentaire d'archivage sur papier buvard perforé Taille : 7,5 x 7,5 pouces Sortie : 19 avril 2022 Les éditions limitées de buvard sont perforées à la main par Zane Kesey.

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Achetez TITLE Édition limitée Fine Art Archival Pigment Print Art sur papier buvard perforé. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XX Tirage pigmentaire d'archivage sur papier buvard perforé Taille : 7,5 x 7,5 pouces Sortie : 19 avril 2022 Les éditions limitées de buvard sont perforées à la main par Zane Kesey.

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Championnat des porteurs de moustaches et de barbes du Midwest 2014, édition limitée, sérigraphie artisanale en 3 couleurs sur papier beaux-arts par John Vogl, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Épreuve d'artiste, Midwest, Moustache, Barbe, Compétition, Guerrier, Homme, Wisconsin, Middleton

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