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Crâne intemporel métallisé - Édition limitée Ombre dorée. Encre métallisée or sur papier métallisé ombre, par Katsu, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée signée et numérotée de 75 exemplaires, œuvre de Katsu, 2015, format 25x39. J'ai constaté des éraflures sur le bas et le milieu du papier. « Le crâne est l'image universelle de la rébellion ; les drapeaux pirates l'utilisent comme ultime offense, les cannibales décorent leurs camps avec, et le crâne représente ma façon de vivre. Le crâne en un seul trait est né de mon désir de taguer plus vite. Jeune graffeur, j'étais fasciné par la praticité de réaliser différents motifs et formes. Je voulais concevoir un design attrayant, tant d'un point de vue artistique que par souci d'efficacité. Le crâne est ma façon de condamner les surfaces, les structures, l'espace public. » – KATSU L'affinité de Katsu pour le motif du crâne Le crâne est depuis longtemps un symbole de rébellion et de non-conformisme dans diverses sous-cultures, et dans le domaine du street art, il revêt une signification particulièrement forte. Le crâne n'est pas qu'une simple fascination morbide ; c'est une affirmation, une forme de résistance. Pour l'artiste de rue Katsu, il est à la fois un support de condamnation et une marque d'efficacité. Cet article explore la signification de l'œuvre en édition limitée de Katsu, réalisée à l'encre métallique dorée sur papier métallisé ombré, et sa place dans le street art contemporain. Cette œuvre en petite série, une fusion saisissante d'encre métallique dorée sur papier métallisé ombré, présente un crâne d'une manière visuellement captivante et thématiquement riche. Avec seulement 75 exemplaires produits, l'exclusivité de l'œuvre amplifie son impact sur le pop art moderne. L'approche de Katsu vis-à-vis du crâne est profondément ancrée dans son identité d'artiste de rue. Il perçoit le crâne comme un emblème universel de défi, évoquant les drapeaux de pirates et les décorations tribales. Son interprétation, cependant, est unique par sa simplicité et sa rapidité. Le crâne dessiné d'un seul trait, caractéristique de l'œuvre de Katsu, est né d'une fascination de jeunesse pour l'efficacité du graffiti. Ce désir de créer rapidement sans sacrifier l'esthétique a abouti à une représentation minimaliste mais puissante du crâne. L'impact de l'œuvre de Katsu sur les espaces publics Pour Katsu, ses crânes dépassent le simple cadre de l'art ; ils constituent une dénonciation des structures et des surfaces qu'ils ornent. En exposant ses œuvres dans l'espace public, Katsu engage un dialogue avec le spectateur, souvent sans son consentement. Cet acte de « condamnation » des espaces publics est une forme de commentaire social et une remise en question des normes qui régissent notre paysage visuel. Ce faisant, Katsu s'inscrit dans les principes fondamentaux du street art : accessibilité, anonymat et caractère éphémère. Ses crânes ne sont pas destinés à être conservés dans des galeries, mais à être vécus dans la nature, où ils peuvent interpeller et susciter la réflexion. Les aspects techniques du travail de Katsu sont aussi fascinants que ses dimensions idéologiques. L'utilisation d'encre métallique dorée sur un papier métallisé ombré est un choix délibéré qui joue avec la lumière et la perspective. La qualité réfléchissante de l'encre dorée capte le regard, tandis que le fond ombré ajoute de la profondeur, donnant l'impression que le crâne émerge des ténèbres. Ce contraste symbolise l'interaction entre la vie et la mort, la présence et l'absence. Les œuvres en édition limitée de Katsu témoignent de sa maîtrise des matériaux et de sa capacité à insuffler à une image statique un sentiment de vie et de mouvement. L'héritage et l'influence de Katsu sur le pop art moderne Les crânes de Katsu sont bien plus qu'une simple signature personnelle ; ils s'inscrivent dans la grande histoire de l'évolution du street art. En s'appropriant un symbole chargé d'histoire et en lui insufflant une touche de modernité, Katsu se positionne dans la lignée des artistes qui font du paysage urbain leur toile. Son œuvre fait le lien entre les origines brutes et authentiques du graffiti et les installations soignées et stimulantes du street art contemporain. Ainsi, les crânes de Katsu ne sont pas de simples œuvres d'art ; ce sont des artefacts culturels qui capturent l'esprit d'un mouvement qui ne cesse de remettre en question et de redéfinir les frontières de l'art public. Dans l'univers en perpétuelle évolution du street art, les crânes métalliques de Katsu témoignent de la puissance de la simplicité et de l'attrait intemporel de la rébellion. D'un seul trait, Katsu transmet un message de défi et interpelle le spectateur, faisant de sa série en édition limitée une pièce convoitée par les collectionneurs et les amateurs de pop art moderne. Son œuvre demeure une référence essentielle pour comprendre la dynamique du street art et sa quête inlassable de transformer le banal en extraordinaire.

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God Save The Queen Collage Artwork Giclée en édition limitée sur papier Hahnemühle Bamboo 290 g/m² par l'artiste de graffiti pop culture Jamie Reid. Édition limitée à 300 exemplaires, signée et numérotée, 2019. Dimensions de l'œuvre : 32,3 x 22,8 cm. Mêlant art urbain, culture pop et contestation politique, « God Save The Queen » de Jamie Reid offre un poignant reflet de l'énergie brute et de la rébellion de l'ère punk. Créée en 2019, cette œuvre magistrale capture l'essence même de la rébellion, avec un portrait saisissant de la reine d'Angleterre, dont les yeux sont obscurcis par la phrase « God Save The Queen ». Bien plus qu'un simple spectacle visuel, c'est une véritable déclaration, incarnant l'esprit du mouvement punk et défiant les symboles et l'autorité du pouvoir établi. Cette imagerie, familière à beaucoup, est devenue emblématique du mouvement punk rock à la fin des années 1970. Sa résonance dépasse le cadre de l'art pour s'étendre à la musique, car elle est fortement associée au titre controversé « God Save the Queen » des Sex Pistols, sorti en 1977. L'audace de l'image, combinée aux paroles provocatrices de la chanson, a provoqué un véritable séisme social, faisant d'elle une œuvre iconique de l'histoire culturelle. Cette œuvre est une édition limitée de tirage giclée, produite à seulement 300 exemplaires. Chaque tirage est réalisé avec le plus grand soin sur un papier Hahnemühle Bamboo de qualité supérieure (290 g/m²), réputé pour son exceptionnelle qualité et sa capacité à révéler les moindres détails de l'œuvre. Mesurant 82 x 58 cm, chaque exemplaire est signé et numéroté à la main par Reid, garantissant ainsi son authenticité. Pour les collectionneurs et les amateurs d'art, posséder une pièce de cette édition limitée représente non seulement un plaisir visuel, mais aussi un témoignage historique, un moment où l'art, la musique et l'activisme se sont conjugués pour façonner une génération.

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Impression d'art en édition limitée, épreuve d'artiste, pigment d'archivage, sur papier Moab Entrada 290 g/m², par l'artiste Amy Sol, œuvre d'art moderne. Épreuve d'artiste AP 2016, signée et marquée, édition limitée, format 18x24 La Coupe Mioras : un chef-d'œuvre de pop art urbain moderne par Amy Sol « Mioras Cup Artist Proof » est une œuvre d'art envoûtante créée par Amy Sol, artiste américaine reconnue pour son style doux et surréaliste, souvent imprégné de nature et de thèmes oniriques. Connue pour son esthétique contemporaine, l'œuvre de Sol trouve un écho auprès des amateurs de Street Pop Art et d'éléments de graffiti, notamment grâce à sa modernité et à son lien avec les thèmes de la nature et de l'humanité. L'estampe « Mioras Cup », réalisée en 2016 en tant qu'épreuve d'artiste, est une pièce majeure de son portfolio, une création en édition limitée qui allie valeur et mystère. Imprimée sur papier Moab Entrada 290 g/m², réputé pour sa haute qualité et ses propriétés d'archivage, cette estampe préserve l'éclat et la finesse des détails de l'œuvre originale. L'approche artistique unique d'Amy Sol L'approche artistique d'Amy Sol se distingue par son atmosphère onirique, privilégiant une palette de couleurs pastel douces et des formes organiques. Ses œuvres regorgent d'éléments inspirés par la nature, tels que des fleurs, des oiseaux et des feuilles, entrelacés de figures féminines qui expriment une profonde introspection et un lien intime avec l'environnement. « Mioras Cup » illustre parfaitement ce style : une figure féminine centrale est entourée d'une végétation luxuriante et éthérée, et des oiseaux semblent émerger naturellement de son environnement. Cette harmonie visuelle entre l'humain et la nature est un motif récurrent dans l'œuvre de Sol, conférant à ses créations une profondeur émotionnelle qui touche le spectateur. L'épreuve d'artiste de « Mioras Cup », au format 45,7 x 61 cm, est réalisée avec le plus grand soin afin de restituer chaque détail de la technique de Sol. Le papier Moab Entrada, un choix haut de gamme pour l'impression d'art, sublime les textures délicates et les couleurs subtiles, préservant ainsi la fidélité de l'œuvre originale et permettant aux collectionneurs de l'apprécier telle que l'artiste l'a conçue. Ce papier est privilégié pour sa qualité d'archivage, garantissant que les nuances subtiles et les détails complexes de l'œuvre d'art restent intacts au fil du temps. L'attrait moderne du pop art urbain dans l'œuvre de Sol Bien que l'œuvre d'Amy Sol ne relève pas du graffiti au sens traditionnel du terme, son approche des tirages en édition limitée s'inscrit dans l'esprit du Street Pop Art, qui vise à intégrer des pièces de collection de grande qualité au monde des beaux-arts. Dans le Street Pop Art et le graffiti, le lien entre l'artiste et son public est primordial, et les tirages limités sont souvent privilégiés pour préserver l'authenticité et l'exclusivité de l'œuvre. En créant la Coupe Mioras comme une épreuve d'artiste signée et marquée, Sol préserve ce sentiment de rareté, faisant de chaque exemplaire une pièce de collection. Cette démarche reflète l'influence du passage du street art de l'espace public à l'univers privé des collectionneurs, alliant accessibilité et exclusivité. Dans la Coupe Mioras, la combinaison de formes humaines et naturelles peut être perçue comme une réflexion moderne sur les thèmes de l'identité et de l'environnement. Sa capacité à communiquer ces thèmes à travers des visuels doux et surréalistes inscrit Sol dans un mouvement contemporain qui apprécie le savoir-faire des beaux-arts et l'accessibilité, inspirée par l'art urbain, du Street Pop Art. La Coupe Mioras d'Amy Sol continue de captiver les spectateurs et les collectionneurs, ce qui en fait une pièce précieuse de toute collection d'art moderne.

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Rick Grimes Chillin, dessin original au crayon graphite réalisé à la main sur papier d'art fin par Mark Hammermeister, artiste de street art contemporain très en vogue. Dessin original au graphite signé de 2014 représentant Rick Grimes de la série télévisée Walking Dead en uniforme de police. Walking Dead comme sujet dans l'art urbain pop et le graffiti La série The Walking Dead est devenue une influence majeure du street art et du graffiti, inspirant les artistes à réinterpréter ses personnages, ses thèmes et son imagerie dystopique à travers une esthétique urbaine audacieuse. Comptant parmi les séries télévisées et les franchises de bandes dessinées les plus marquantes de l'ère moderne, son univers sombre et post-apocalyptique se prête naturellement au langage visuel du street art. Les thèmes de survie, de moralité et de chaos qui y sont abordés font écho à l'esprit rebelle du graffiti et des estampes urbaines d'inspiration pop, faisant de la série un sujet de prédilection pour les fresques, les sérigraphies et les œuvres au pochoir. Qu'il s'agisse de représenter ses personnages emblématiques ou de faire référence à ses thèmes obsédants de destruction et de résilience, les artistes se sont approprié la série comme un symbole de défi et de persévérance dans le paysage artistique contemporain. Personnages emblématiques et symbolisme visuel La série The Walking Dead est réputée pour ses personnages complexes et attachants, dont beaucoup sont devenus des icônes du street art et du graffiti. Des figures comme Rick Grimes, Daryl Dixon et Michonne sont fréquemment représentées sur des fresques murales de grande envergure et des sérigraphies en édition limitée, leurs visages étant réinterprétés grâce à des techniques de pochoir, des textures en demi-teintes et des aplats de couleurs audacieux. La violence de leur lutte pour la survie s'inscrit dans l'esthétique du street art urbain, où des visuels bruts et contrastés véhiculent une forte charge émotionnelle. De nombreux artistes intègrent des symboles religieux à leurs œuvres, faisant des personnages des saints ou des figures mythologiques, renforçant ainsi les thèmes du sacrifice et de la rédemption propres à la série. L'imagerie récurrente de crânes, de paysages dévastés et d'une typographie inquiétante accentue l'esthétique apocalyptique, conférant à chaque œuvre l'aspect d'un vestige d'un monde englouti par le chaos. Techniques artistiques du street art, du pop art et du graffiti De nombreux artistes du Street Pop Art et du graffiti utilisent la superposition de pochoirs, le collage d'affiches et la sérigraphie pour donner vie à l'univers de The Walking Dead dans les espaces urbains. Le contraste saisissant entre la vie et la mort dans la série se reflète dans des compositions en noir et blanc percutantes, des touches de rouge sang et des textures vieillies évoquant des affiches délabrées sur les murs des villes. L'utilisation d'encres métalliques et de vernis brillants apporte une touche contemporaine, élevant ces œuvres au-delà du graffiti traditionnel pour en faire des estampes d'art. Certaines fresques mêlent portraits réalistes et éléments de bande dessinée exagérés, reflétant les origines graphiques de la franchise tout en préservant la liberté d'expression du street art. L'intégration de textes tirés de la série, souvent en caractères gras et vieillis, rappelle les luttes existentielles des personnages et les angoisses du monde réel qui font écho aux thèmes dystopiques de la série. Impact culturel et pertinence artistique La série The Walking Dead a marqué durablement le street art et le graffiti en devenant une puissante métaphore de la survie, de l'effondrement de la société et de la résilience humaine. Sa présence dans les fresques murales, les sérigraphies et les œuvres multimédias témoigne de sa capacité à toucher un public bien au-delà du petit écran, influençant une culture visuelle nourrie par la rébellion et la réinvention. Les artistes continuent de réinterpréter son imagerie, utilisant ses thèmes pour commenter des problématiques contemporaines telles que l'isolement, la peur et la lutte pour l'espoir dans un monde fracturé. L'impact visuel persistant de The Walking Dead dans le street art en fait une source d'inspiration inépuisable pour ceux qui cherchent à capturer l'émotion brute et viscérale qui caractérise à la fois la série et le mouvement artistique urbain.

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Œuvre d'art intemporelle Hello Kitty Pop Street, impression giclée en édition limitée sur papier Somerset Velvet par l'artiste moderne Joe Ledbetter. Estampe exclusive de la convention Hello Kitty de Los Angeles 2014. Impression giclée 40,6 x 50,8 cm sur papier Somerset Velvet. Signée, numérotée et marquée d'un filigrane en relief pour garantir son authenticité. Édition limitée à 75 exemplaires.

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Canbot Canz, édition acier 5oz, rare et limitée, en résine, objet de collection, œuvre d'art par Czee13 (graffiti de rue) Canette écrasée en résine de 142 g (5 oz), design créé par Czee13. Chaque pièce est fabriquée artisanalement avec soin à New York par Clutter Studios ! Édition limitée à 10 exemplaires. Cette édition est vendue sans coffret.

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Œuvre d'art en édition limitée, impression giclée sur papier beaux-arts 290 g/m², par Kevin Peterson, artiste de graffiti de la culture pop. Édition limitée signée et numérotée 2019 (100 exemplaires). Tirage d'art de qualité supérieure sur papier 290 g/m², 66 x 50,8 cm (26 x 20 pouces). Signé et numéroté à la main par l'artiste. L'ouvrage de Kevin Peterson, « Attendre : l'isolement urbain et le pouvoir discret de la camaraderie », L'œuvre « Await » de Kevin Peterson, sortie en 2019 en édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, imprimée en giclée, capture un instant d'une tendresse poignante au sein des vestiges d'une structure urbaine en ruine. Mesurant 66 x 51 cm et imprimée sur papier d'art de 290 g/m², l'œuvre mêle détails hyperréalistes et symbolisme narratif à travers le prisme du street art, du pop art et du graffiti. Un jeune garçon est assis sur le sol d'un bâtiment abandonné, son langage corporel calme et contemplatif. Il n'est pas seul : un renard se repose à ses côtés, et deux corbeaux rôdent près d'une fenêtre brisée. Derrière eux, des graffitis vibrants s'emparent du mur, affirmant leur présence dans un espace autrement oublié. Peterson poursuit son exploration thématique de la résilience de l'enfance dans des environnements fracturés. L'enfant, vêtu d'une chemise bleue et de baskets, devient le centre émotionnel de l'œuvre, le regard perdu au loin, comme dans l'attente de quelque chose d'incertain. Le renard – calme, attentif et familier – est assis près de lui, tel un compagnon vigilant. Les corbeaux planent à la frontière entre l'intérieur et l'extérieur, figés en plein vol. Ces animaux ne sont pas là pour faire joli : ce sont des symboles. Le renard symbolise souvent la ruse, l'adaptabilité et la confiance dans le folklore, tandis que les corbeaux évoquent l'observation, le changement et la mémoire. Ensemble, ils forment un trio qui brouille les frontières entre survie et immobilité. La décomposition comme toile de sens Le décor d'Await est rendu avec un souci du détail saisissant : béton fissuré, vitres brisées, herbes folles et carrelage poussiéreux racontent une histoire d'abandon. Pourtant, les murs ne sont pas silencieux. Derrière le garçon, le mot « UBRT » explose en graffitis aux couleurs saturées. L'audace des lettres contraste fortement avec les gris ternes et les surfaces délabrées. L'œuvre murale devient une voix – vive, expressive et vivante – affirmant que cet espace, bien qu'oublié du monde, recèle encore énergie et identité. Peterson traite le graffiti non pas comme un simple décor, mais comme un personnage à part entière. L'utilisation du street art dans la composition confirme l'appartenance de l'œuvre au Street Pop Art et au graffiti. Peterson ne se contente pas de documenter les environnements urbains ; il les mythifie. Ces ruines ne sont pas vides – ce sont des espaces sacrés où se déploie une vie intérieure, où l'émotion survit malgré l'absence. La couronne de papier du garçon, gisant à ses pieds, ajoute une dimension symbolique poétique supplémentaire. Elle évoque l'innocence perdue, la souveraineté imaginative ou l'autorité fragile que les enfants construisent dans des réalités instables. Calme, survie et allégorie de la pop urbaine Ce qui élève « Await » au-delà du réalisme, c'est son atmosphère de quiétude sacrée. Les personnages de Peterson ne posent pas ; ils existent. Le garçon et ses compagnons animaux ne dramatisent pas leur situation ; ils l'endurent avec grâce. L'absence de spectacle intensifie l'atmosphère. Le spectateur est invité non seulement à regarder, mais à s'imprégner de la scène, à habiter son silence. Le titre lui-même, « Await », suggère une attente, mais pour quelque chose qui demeure inconnu. La réponse est laissée au spectateur, suspendu comme des corbeaux dans les airs, voletant au bord d'une fenêtre ouverte. L'œuvre de Peterson appartient à un courant du Pop Art urbain qui remplace la grandiloquence de la rébellion par une intimité narrative. Il nous montre que la ville, même brisée, reste un lieu de rencontre, de symbolisme et de transformation intérieure. « Await » n'est pas une question de spectacle, mais de présence. Dans un monde qui va souvent trop vite pour remarquer de tels moments, Peterson ralentit le temps juste assez pour que nous puissions percevoir l'attente, l'observation et la beauté tranquille de l'immobilité.

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« State of Mind », œuvre d'art surréaliste en édition limitée, impression giclée sur papier d'art 100 % coton, par l'artiste populaire Naoto Hattori. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée à la main, 2012. Format de l'œuvre : 6 x 8 pouces. Impression originale

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Sérigraphie artisanale bicolore Spock en édition limitée sur feuille de papier métallisé, par Craig Drake, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Inspiré de Spock. Sérigraphie sur papier métallisé. Édition limitée à 25 exemplaires. Dimensions approximatives : 40 x 50 cm.

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« You Reaper You Sower » - Sérigraphie en édition limitée, blanche et bicolore, tirée à la main sur papier Coventry Rag 290 g/m² par Cleon Peterson, artiste de street art et de pop art. 2022. 43 x 43 cm. Sérigraphie artisanale. Imprimée sur papier Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés. Chaque exemplaire est signé et numéroté. Édition limitée à 125 exemplaires.

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67 Mustang, tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier beaux-arts 310 g/m² par Camilo Pardo, artiste de rue graffiti, art pop moderne. L'œuvre de Camilo Pardo, créée au fil des ans, est omniprésente à Détroit. On en croise une quantité considérable sur nos autoroutes à toute heure du jour et de la nuit. Surtout connu pour son travail de conception sur la Ford GT, Camilo a insufflé une énergie nouvelle aux courbes de l'acier et nous a rappelé que la première combustion interne d'une voiture prend naissance dans l'esprit d'un artiste.

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AK40Heaven Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur métal par Fil Fury, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Cette pièce s'inspire de la musique House et Garage britannique de la fin des années 90. J'avais créé une œuvre numérique originale à partir de photos prises il y a quelques années. Cette œuvre a ensuite été modifiée pour créer une édition spéciale pour 1xRUN. La crosse a été ajoutée au pistolet et imprimée sur métal. C'est incroyable ! Je suis ravi du résultat ; la tôle reflète les textures de la platine Technics originale. Ces platines ont bercé ma jeunesse. » – Fil Fury

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Lapins volants non identifiés, impression d'art en édition limitée avec transfert de pigments d'archives sur planche de skateboard naturelle pressée à froid par l'artiste de graffiti de rue Ron English - POPaganda. Édition limitée à 35 exemplaires, signée et accompagnée d'un certificat d'authenticité (2020). Dimensions de l'œuvre : 8 x 31,875 pouces. Impression par transfert pigmentaire d'archives sur planche de skate en bois naturel pressé à froid. Dimensions : 8 x 31,875 pouces. Sortie : 22 juillet 2020

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Sérigraphie artisanale 10 couleurs « Run Away » sur papier à dessin Lambeth 370 g/m² par l'artiste recherchée D*Face, œuvre d'art pop en édition limitée. Édition limitée à 150 exemplaires, signée et numérotée, 2020. Dimensions de l'œuvre : 27,25 x 39,5 pouces (encadrée avec un grand cadre et un passe-partout sur mesure). D*Face (né en 1978), Run Away, 2020. Sérigraphie en couleurs sur papier Lambeth Drawing Cartridge. 100,3 x 69,2 cm (feuille). Éd. 71/150. Signée et numérotée au crayon en bas. Publiée par la Stolen Space Gallery, Londres. La fusion du classique et du contemporain dans « Run Away » de D*Face D*Face, pseudonyme de l'artiste de rue britannique Dean Stockton, est depuis longtemps une figure incontournable du pop art urbain et du graffiti. Son œuvre « Run Away », une sérigraphie artisanale en dix couleurs sur le prestigieux papier Lambeth Drawing Cartridge, est une pièce remarquable de son répertoire. Cette édition limitée, signée et numérotée, de 2020, illustre la volonté de l'artiste de fusionner l'énergie contestataire du street art avec le savoir-faire traditionnel de la gravure. Brillance technique et profondeur thématique dans « Run Away » Mesurant 100 x 69 cm, « Run Away » impressionne par son ampleur et la finesse de ses détails. L'œuvre capture un instant d'étreinte passionnée, mais les figures sont représentées avec des signes de dissolution, suggérant peut-être la nature éphémère de l'amour ou le caractère fugace des relations. La narration de l'œuvre est magnifiée par sa complexité visuelle : l'utilisation d'une palette de 10 couleurs confère à l'image une profondeur vibrante. Le choix du papier Lambeth Drawing Cartridge est essentiel à l'attrait de l'estampe. Reconnu pour son grammage élevé et sa qualité supérieure, ce papier constitue un excellent support pour la sérigraphie. Il permet un transfert d'encre net et une intensité de couleur que des papiers de moindre qualité ne pourraient offrir. Le papier Lambeth sublime les lignes audacieuses et les contrastes marqués de D*Face, garantissant à chaque tirage de cette édition limitée à 150 exemplaires la clarté et l'impact du dessin original. La place de D*Face au panthéon du pop art L'œuvre « Run Away » de DFace reflète la place de l'artiste dans le paysage du pop art. Né en 1978, DFace a été témoin de l'évolution du street art, d'une sous-culture à une forme d'expression artistique mondialement reconnue. Son travail aborde souvent la société de consommation, la célébrité et les rouages ​​du monde de l'art, autant d'éléments habilement tissés dans « Run Away ». Le style caractéristique de l'artiste mêle une esthétique inspirée de la bande dessinée à un regard critique sur la société moderne, ce qui lui vaut une reconnaissance internationale et une présence dans les galeries du monde entier. « Run Away », éditée par la galerie Stolen Space à Londres, est une œuvre qui illustre la maîtrise de DFace sur son médium et son message. Elle invite à la réflexion sur la nature de l'amour moderne, les icônes de la culture pop et l'art de la sérigraphie. L'impact durable de « Fuir » dans l'art moderne L'œuvre « Run Away » de D*Face occupe une place de choix dans l'art moderne, faisant le lien entre l'expressivité brute du street art et la précision de la gravure d'art. Encadrée dans un grand cadre sur mesure avec passe-partout, elle est conçue pour marquer les esprits, qu'elle soit exposée en galerie ou dans une collection privée. L'utilisation du papier Lambeth Drawing Cartridge témoigne du respect de D*Face pour la qualité et la tradition, même s'il repousse les limites de l'art grâce à son style novateur et provocateur. Plus qu'un simple régal pour les yeux, cette œuvre est un véritable artefact culturel qui capture l'esprit de notre époque. Avec « Run Away », D*Face contribue au débat actuel sur la place et la valeur du street art pop au sein du récit artistique global. Son travail, et notamment cette estampe remarquable, continuera d'être étudié et apprécié par tous ceux qui cherchent à comprendre l'interaction complexe entre l'art et la société au XXIe siècle.

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Projet B Wall Street Bull Digital C Impression Giclée Photo par Olek- Agata Oleksiak Œuvre d'art en édition limitée sur papier beaux-arts Artiste de graffiti pop de rue. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2011. Format photo : 30 x 20 pouces. La fusion du street art et du graffiti dans le projet B d'Olek, Wall Street Bull L'intersection entre paysage urbain et expression artistique est palpable dans « Project B Wall Street Bull » d'Olek. Cette estampe giclée, un tirage numérique de type C, capture l'énergie dynamique du pop art urbain et du graffiti. Olek, nom d'artiste d'Agata Oleksiak, a tracé un chemin unique dans le monde de l'art, et cette œuvre témoigne de son approche novatrice. Le Taureau de Wall Street, symbole iconique de prospérité financière et d'optimisme des marchés, est réinventé par Olek, revêtu d'une peau aux motifs crochetés éclatants, contrastant avec la surface métallique et rigide habituellement associée à la sculpture. Cette estampe en édition limitée est non seulement un spectacle visuel, mais aussi une œuvre engagée, mêlant l'esprit rebelle du street art à la méticulosité de l'artisanat. Mesurant 76 x 51 cm, chaque exemplaire de cette édition de 100 est signé et numéroté par Olek elle-même, soulignant l'authenticité et l'exclusivité de la pièce. Créée en 2011, au moment où le street art s'imposait dans le monde de l'art contemporain, l'œuvre d'Olek capture l'esprit de cette époque, où la frontière entre la galerie et le caniveau était non seulement floue, mais souvent totalement effacée. Olek et la signification culturelle du taureau de Wall Street Le choix du taureau de Wall Street comme support pour son œuvre au crochet par Olek est loin d'être anodin. Situé au cœur du quartier financier de New York, ce taureau est un symbole puissant de la force financière et de la vitalité du capitalisme. En l'enveloppant d'une couverture crochetée à la main, Olek introduit un artisanat doux et traditionnellement domestique dans l'univers impitoyable de la finance et des marchés mondiaux. Cette démarche audacieuse reflète la propension de l'artiste à remettre en question les normes et les attentes sociales, notamment celles liées aux rôles de genre et à la perception sociétale de l'art et de ses valeurs. Le titre et l'impact visuel de l'œuvre suggèrent une dualité : « Projet B » pourrait évoquer une voie alternative, une voie secondaire, par rapport au discours financier dominant. Parallèlement, le taureau lui-même demeure un emblème de réussite et de pouvoir. L'œuvre d'Olek invite à contempler cette dualité, à questionner l'ordre établi et à reconnaître le potentiel de l'art à commenter et à interagir avec les structures socio-économiques. La technique artistique d'Olek et le procédé d'impression giclée La démarche artistique d'Olek puise ses racines dans l'art traditionnel du crochet, qu'elle a sublimé en une forme d'art contemporain. Ses œuvres au crochet, souvent de grande envergure, enveloppent personnages, objets, voire des pièces entières d'une seconde peau aux motifs complexes et aux couleurs vibrantes. La dimension tactile de son travail interpelle le spectateur sur le plan sensoriel, tandis que les motifs visuels invitent à une exploration plus approfondie des thèmes et des messages qui s'y entremêlent. La technique d'impression giclée utilisée pour réaliser les reproductions de « Project B Wall Street Bull » est un procédé sophistiqué qui garantit une fidélité optimale à l'œuvre originale. Grâce à l'utilisation de numérisations numériques haute résolution et d'encres de qualité archivistique, les impressions giclées sont reconnues pour leurs couleurs éclatantes, leur netteté et leur longévité. Cette méthode est particulièrement adaptée au travail d'Olek, car elle capture la complexité et les nuances de ses motifs au crochet, transposant la texture et la profondeur de l'original sur un papier d'art de haute qualité. L'impact de l'œuvre d'Olek sur le monde de l'art La contribution d'Olek à l'art est significative, notamment dans le domaine du street art et du graffiti. Ses œuvres ne se limitent pas aux murs des galeries ; elles interagissent avec l'environnement urbain, attirant l'attention sur des espaces et des objets souvent négligés. En utilisant l'espace public comme support, l'artiste démocratise l'accès à l'art, permettant à chacun, quel que soit son milieu, de découvrir ses créations. L'estampe « Project B Wall Street Bull » capture l'essence même de la démarche d'Olek : c'est une œuvre d'art, un manifeste sociopolitique et une remise en question des médiums et des messages artistiques conventionnels. Les collectionneurs et les amateurs de street art et de graffiti trouveront dans cette édition limitée une pièce qui célèbre son évolution et propose une réflexion critique sur les espaces physiques et symboliques qu'il occupe. En observant « Project B Wall Street Bull » d'Olek, on constate la convergence de l'innovation artistique, du commentaire culturel et de l'évolution du street art vers une forme d'expression créative reconnue et respectée. L'œuvre d'Olek, et en particulier cette estampe, affirme avec force le pouvoir de l'art de transformer et de questionner notre perception du familier.

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Marilyn Monroe - Bain de vapeur, édition limitée, peinture à l'huile rehaussée à la main, sérigraphie HPM sur toile par Steve Kaufman, artiste de rue graffiti SAK, art pop moderne. Toile non tendue, l'image est en parfait état, le cadre noir est en bon état également. Rare version de Marilyn sur une serviette.

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Impression giclée en édition limitée sur papier beaux-arts 290 g/m², inspirée de l'œuvre « Death Perception », par l'artiste de graffiti pop culture Casey Weldon. « Perception de la mort » Édition limitée à 50 exemplaires. Tirage d'art sur papier 290 g/m², format 40,6 x 50,8 cm (16 x 20 pouces). Signé et numéroté par l'artiste. Imprimé par Static Medium.

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Œuvre d'art intitulée « Isolation », impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti pop culture Meagan Magpie Rodgers. Tirage giclée 2021, format 20 x 25 cm, signé et numéroté, sur papier d'art. Édition limitée à 80 exemplaires.

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Œuvre d'art Vacancy, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti de la culture pop Meagan Magpie Rodgers. 80 tirages giclée 12”x20” signés et numérotés sur papier beaux-arts.

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Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

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SAMO©…DEPUIS 1978... Coffret collector de luxe : tirage d’art en édition limitée, photos, livre et marqueur sur papier beaux-arts, réalisé par l’artiste de street art pop moderne Ali Diaz. Portfolio Al Daiz 2018, signé et numéroté, comprenant des estampes, des objets d'art, des supports et des photographies. Le Samo©… Depuis 1978… Le coffret collector de luxe comprend les articles suivants : Un exemplaire de première édition signé, avec une dédicace exclusive d'Al Díaz et Mariah Fox. Tirage d'archive signé et numéroté de 8 x 8 pouces, photographie d'Al Díaz datant d'environ 2018. Un ensemble de 11 tirages d'archives de photographies vintage SAMO©, mesurant chacune 4 x 6 pouces, avec des photographies d'Al Díaz, Natalya Maystrenko et Jane Burrell Yadav datant d'environ 1978/79. Un marqueur de peinture signé, utilisé pour créer une œuvre d'art originale SAMO©. Un sac fourre-tout en toile sérigraphié à la main, imprimé sur chaque face, mesurant 15 x 20 pouces. Une broche en forme de croix émaillée. Un paquet d'autocollants. Un marque-page. Un marqueur bleu. Une lettre d'authenticité signée. Importance historique et composition du SAMO©…DEPUIS 1978… Coffret collector de luxe Sorti en 2018, ce portfolio en édition limitée d'Al Diaz est un ensemble complet regroupant divers objets, chacun imprégné de l'essence du street art pop. Un livre de première édition, signé et dédicacé, offre un aperçu de la genèse et de l'évolution du tag SAMO©, un récit co-créé avec Mariah Fox. Ce livre est accompagné d'un tirage d'archive signé et numéroté, une photographie de 20 x 20 cm prise par Diaz, offrant un complément visuel au texte. L'univers du street art pop et du graffiti est en constante évolution, brouillant souvent les frontières entre œuvre d'art et document historique. Le coffret collector de luxe « SAMO©…SINCE 1978… » illustre parfaitement cette intersection, offrant un lien tangible avec les racines du street art, vues à travers le regard de l'artiste influent Al Diaz. Ce coffret n'est pas qu'un simple assemblage d'objets d'art ; c'est une capsule de patrimoine culturel qui retrace l'ascension de l'un des tags les plus énigmatiques de l'histoire du graffiti. Pour approfondir le contexte historique, le coffret comprend onze tirages d'archives de 10 x 15 cm, présentant des photographies vintage de SAMO© signées Al Diaz, Natalya Maystrenko et Jane Burrell Yadav. Ces images capturent l'énergie brute de la fin des années 1970 et du début des années 1980 à New York, période où SAMO© est devenu un symbole reconnu de rébellion et de liberté artistique. L'inclusion d'un marqueur de peinture signé, utilisé pour la création d'une œuvre originale de SAMO©, atteste de l'authenticité du processus de création et fait le lien entre passé et présent. La valeur artistique et de collection de l'œuvre d'Al Diaz Le coffret collector de luxe rassemble des objets d'art allant au-delà des estampes et des photographies. Ce mélange éclectique comprend un sac fourre-tout en toile sérigraphiée à la main, une broche en forme de croix émaillée, une planche d'autocollants et un marque-page. Chaque objet est un souvenir précieux et un témoignage du parcours artistique d'Al Diaz. Le coffret contient notamment un marqueur bleu et une lettre d'authenticité signée, attestant de sa valeur en tant qu'objet de collection. La contribution d'Al Diaz à la scène du graffiti est profondément ancrée dans le patrimoine culturel de l'art urbain. Son œuvre, en particulier le tag SAMO©, co-créé avec le légendaire artiste Jean-Michel Basquiat, est devenu un symbole de l'esprit DIY et du caractère provocateur du street art. Ce coffret collector de luxe ne se contente pas de refléter l'empreinte artistique de Diaz ; il transmet les histoires, l'époque et le mouvement que représente SAMO©. Héritage de l'étiquette SAMO© L'héritage du tag SAMO©, immortalisé dans ce coffret collector de luxe, est multiple. Il témoigne du pouvoir des mots et des images dans l'espace public, et rappelle la nature éphémère mais aussi l'impact profond du street art. Les messages énigmatiques de ce tag ont jadis suscité la curiosité et les échanges entre les passants dans les rues de New York. Grâce à ce coffret, ils continuent d'inspirer la réflexion et l'appréciation des collectionneurs et des amateurs d'art. En somme, le coffret collector de luxe « SAMO©…SINCE 1978… » d'Al Diaz est bien plus qu'un simple objet de valeur ; c'est une pièce incontournable pour quiconque s'intéresse à l'histoire et à l'évolution du street art et du graffiti. À travers cette collection, Diaz inscrit son nom dans l'histoire de l'art et invite chacun à explorer et à comprendre l'impact profond du street art sur la société et la culture. Tirée à seulement 25 exemplaires, cette édition limitée occupe une place unique parmi les objets de collection d'art moderne, incarnant l'esprit d'une époque où l'art investissait la rue, bousculant les conventions et transformant à jamais l'expression urbaine.

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Estampe giclée en édition limitée McGregor sur papier d'art de qualité supérieure, par Robert Bruno, artiste de rue issu de la contre-culture. Épreuve d'artiste AP. Estampe d'art sur le thème de la boxe : McGregor contre Mayweather.

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Impression giclée en édition limitée sur papier d'art de Daniel Plainview par Robert Bruno, artiste de rue de la contre-culture. Inspiré du personnage de Daniel Plainview, interprété par Daniel Day-Lewis dans le film « There Will Be Blood ». « J'ai la compétition dans la peau. Je ne veux voir personne réussir. Je déteste la plupart des gens… Parfois, je les regarde et je ne vois rien d'intéressant chez eux. Je veux gagner assez d'argent pour pouvoir m'éloigner de tout le monde. » – Daniel Plainview

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Œuvre d'art Alien Crossing, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure par l'artiste de graffiti pop culture Scott Listfield .

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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En HDL We Trust PP Printers Épreuve Sérigraphie par Hygienic Dress League Tirage à la main 3 couleurs sur papier d'art vélin Coventry Rag 290 g/m² Édition limitée Œuvre d'art pop street art. Épreuve d'impression PP 2020 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 18x11 Impression sérigraphique Exploration des subtilités de « In HDL We Trust PP Printers Proof » par la Hygienic Dress League La sérigraphie « In HDL We Trust PP Printers Proof » est une œuvre captivante de pop art urbain, véritable concentré de commentaires socio-économiques contemporains. Créée par le duo Hygienic Dress League (HDL), reconnu pour son regard intelligent et satirique sur la culture d'entreprise et la société de consommation, cette œuvre se distingue par son tirage en édition limitée qui explore en profondeur les valeurs de la société moderne. Imprimée à la main selon un procédé trois couleurs sur papier d'art Coventry Rag Vellum 290 g/m², cette pièce témoigne de la qualité et du souci du détail que le HDL investit dans ses créations. Son édition limitée, marquée PP (Printer's Proof) et signée par les artistes, souligne son exclusivité et sa valeur de collection. Mesurant 45,7 x 27,9 cm, l'estampe met en valeur le langage visuel emblématique du HDL, souvent caractérisé par des personnages portant des masques à gaz. Ce motif anonymise les individus tout en abordant les thèmes de la dégradation et de la protection de l'environnement. La figure, immobile, présente un pigeon sur un fond circulaire doré et orné évoquant une pièce de monnaie — faisant directement référence au titre « In HDL We Trust ». Cette image détourne astucieusement la phrase « In God We Trust », que l’on retrouve traditionnellement sur la monnaie américaine, suggérant une critique de la déification des entreprises dans la culture moderne. Symbolisme et technique dans la sérigraphie HDL L'estampe « In HDL We Trust » de la Hygienic Dress League est bien plus qu'un simple régal pour les yeux : c'est un récit riche en symbolisme. La juxtaposition du pigeon, souvent perçu comme un animal ordinaire, voire importun, avec une iconographie sublime, presque religieuse, crée une dichotomie qui invite à l'interprétation. On pourrait y voir une réflexion sur la valeur accordée aux aspects quotidiens ou négligés de la vie, en opposition au grand récit de la confiance et du pouvoir des entreprises que la HDL critique. Le choix de la sérigraphie, une technique issue à la fois de l'art commercial et du street art, abolit la frontière entre l'art savant et les formes plus rebelles du pop art urbain. La sérigraphie, technique particulièrement significative dans le street art et le graffiti, est une méthode reconnue pour ses lignes nettes et précises et ses couleurs vibrantes, parfaitement adaptée au style graphique de la HDL. Le procédé trichromique utilisé pour « In HDL We Trust » permet un haut niveau de détail et une gamme de tonalités qui confèrent à l'œuvre profondeur et texture. L'utilisation du papier d'art Coventry Rag Vellum, un support épais et durable, garantit à l'œuvre une qualité perçue et une résistance à l'épreuve du temps. En résumé, « In HDL We Trust PP Printers Proof » est une œuvre de street pop qui invite à la réflexion et démontre le pouvoir de ce médium à interpeller et à critiquer. Son édition limitée, sa technique sophistiquée et son symbolisme profond en font une pièce majeure pour les collectionneurs d'art et pour quiconque s'intéresse aux interactions entre art, société et commentaire culturel. À travers cette estampe, la Hygienic Dress League continue d'interroger et de redéfinir les frontières du street pop et du graffiti, offrant une perspective inédite sur le rôle de l'art dans la formation et l'expression de la conscience collective.

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The Beatles Anthology 1000% BE@RBRICK Édition Limitée Vinyle Illustration Medicom Toy Figurine de Collection. Medicom Toys présente en 2021 une anthologie des Beatles. Medicom Toys célèbre les Beatles avec la Bearbrick « The Beatles A'nthology », une collection de photographies du célèbre groupe de rock. La technologie de transfert à l'eau garantit un placement unique des impressions. Cette Bearbrick 1000 % mesure 70 cm de haut.

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Impression par transfert de pigments d'archives en édition limitée Instagram Pill sur planche de skate naturelle pressée à froid, œuvre de l'artiste de la culture pop urbaine Denial. Édition limitée 2019 à 50 exemplaires En 2000, il a adopté le pseudonyme « DENIAL » pour tourner en dérision la publicité, la politique et les messages médiatiques que la société contemporaine refuse souvent de voir. Depuis, il mène une campagne de rue mondiale permanente, composée de plus de 500 000 autocollants, pancartes et fresques murales, utilisant les caractères alphanumériques « D3N!@L ». L'art de Denial est profondément politique et social, l'artiste prenant position contre des problématiques telles que le capitalisme, la société de consommation et la publicité. Plus important encore, il est conscient de ses choix et de ses motivations : « Je me considère comme un artiste pop engagé. Mon rapport aux dessins animés et aux illustrations est bien plus simple qu'avec le photoréalisme. » L'humour est un autre aspect essentiel du travail de Denial. Son œuvre est satirique, ce qui signifie, par définition, qu'elle utilise l'humour comme outil de confrontation.

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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« On a Heartbeat », une peinture originale en techniques mixtes, réalisée par Chris RWK, artiste de graffiti et artiste pop moderne sur un véritable panneau de rue en métal. Œuvre originale signée de 2022, technique mixte acrylique et peinture aérosol sur un véritable panneau d'arrêt de rue de 30 x 30 pouces. Immergé dans divers médiums, Chris a commencé à consigner les images issues de ces expériences quotidiennes dans ce qu'il appelle un « journal mental ». Ce journal était un refuge pour ses pensées, un lieu auquel il pouvait se référer à tout moment.

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Figurine de collection Janky 3 Holiday 2021 en vinyle SuperPlastic édition limitée, style street art, inspirée des fêtes de fin d'année. Édition limitée scellée en boîte 2021. Enfin un jouet qui célèbre la liste des vilains ? HOLIDAY JANKY, 9 cm, est un Noël cannibale prêt à semer la pagaille pendant les fêtes ! Avec sa bouteille de lait de poule alcoolisé cassée et sa barbe amovible pour se fondre parmi les oncles ivres, ce petit cadeau est prêt à vous gâter !

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The Doors Strange Days 1000% BE@RBRICK Figurine de collection en vinyle édition limitée Medicom Toy. 2021 The Doors Strange Days Music x Bearbrick 1000%

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Rua da Fábrica Édition limitée Tirages d'art pigmentaires d'archives sur papier d'art Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Stephanie Buer. Édition limitée signée 2020 Rua da Fábrica • Tirage pigmentaire d'archives autographié • Imprimé sur papier d'archives Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² • 30,5 x 30,5 cm (12 x 12 pouces) • Signé et numéroté à la main par l'artiste Stephanie Buer • Édition limitée à 20 exemplaires

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Œuvre d'art murale rouge, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure par l'artiste de graffiti de la culture pop Scott Listfield .

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Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Bugged Out - Édition surdimensionnée, impression d'art pigmentaire d'archives en édition limitée sur papier d'art Somerset Hot Press 290 g/m² par l'artiste de graffiti pop moderne Ben Frost. Warner Brothers Looney Tunes Bugs Bunny - Tirage pigmentaire d'archives signé et numéroté sur papier d'art Somerset Hot Press 290 g/m² - Format : 50,8 x 50,8 cm (20 x 20 pouces) - Sortie : 26 novembre 2021 - Tirage : 25 exemplaires Ce n'est pas un hasard si une grande partie de son œuvre consiste en des images de dessins animés détournées, comme celles des Looney Tunes, qu'elle transpose dans un nouveau contexte artistique sans en altérer les connotations originales. Cette réinterprétation visuelle, que Frost déploie dans son travail, est suffisamment nostalgique pour nous paraître immédiatement familière, mais aussi troublante, au point de capter notre attention et de nous empêcher de détourner le regard.

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Modern Living - Sérigraphie HPM en édition limitée, 6 couleurs, tirée à la main et ornée à la main, sur papier Coventry Cotton Rag 290 g/m² par Faile, artiste de street art rare et célèbre du pop art. Édition limitée à 250 exemplaires, peinte à la main, avec des motifs variés. Peinture acrylique et sérigraphie sur papier épais de qualité archive. Signée, estampillée et gaufrée. Dimensions approximatives : 50 x 63,5 cm (19,5 x 25 pouces). Signée au recto par Faile. Numérotée au verso, qui contient également une grande estampe de Faile. En raison de la nature artisanale et personnalisée de cette œuvre, de petits plis et des traces de transparence peuvent être présents.

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Œuvre d'art Wire Webs, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure, par l'artiste de graffiti pop culture Logan Hicks. Logan Hicks est un artiste américain spécialisé dans le pochoir, installé à Los Angeles, en Californie. Sa technique de création consiste à découper un pochoir pour chaque couleur, puis à superposer les couleurs jusqu'à l'obtention d'une œuvre finale, souvent des centaines d'heures plus tard, un chef-d'œuvre hyperréaliste. Ancien sérigraphe, Logan a vendu son matériel pour financer son déménagement de la côte Est à la côte Ouest et s'est tourné vers le pochoir pour redonner vie à son activité d'impression.

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Pop Bart - Bartman 4 couleurs, sérigraphie artisanale en édition limitée, technique mixte, sur papier aquarelle Fabriano 300 g/m², par un artiste de street art célèbre et reconnu, spécialiste du pop art. Sérigraphies techniques mixtes sur papier aquarelle Fabriano 300 g/m² Format : 35 cm x 50 cm (13,7 x 19,6 pouces) Sortie : 4 octobre 2021 Tirage : 7

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Bad Influences Show Print - Sérigraphie artisanale en édition limitée, noir et blanc, 2 couleurs, sur papier beaux-arts, par House33, artiste pop art célèbre et rare. 24x18 2021 Édition signée et numérotée de 33 exemplaires

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Groundhog Day 731 Tirage d'art en édition limitée à base de pigments d'archives sur papier Moab Entrada 290 g/m² par l'artiste Denial, légende du street art pop graffiti. Édition limitée signée 2022 à 25 exemplaires, format 18x24. 2 février 2020. Mensonges quotidiens liés au Covid avec Bill Murray dans le rôle d'un journaliste, d'après le film. Le Jour de la Marmotte 731 : Un chef-d’œuvre satirique du déni « Groundhog Day 731 » est une estampe d'art pigmentaire d'archives, provocatrice et visuellement saisissante, réalisée par Denial, l'artiste canadien de street art, pop art et graffiti Daniel Bombardier. Cette œuvre en édition limitée de 2022 s'inscrit dans l'exploration continue par Denial des thèmes de société, mêlant culture pop et critique. Imprimée sur papier Moab Entrada 290 g/m², l'œuvre mesure 45,7 x 61 cm et est limitée à 25 exemplaires signés et numérotés, ce qui en fait une pièce de collection très recherchée. L'œuvre combine l'absurdité du rôle de Bill Murray en présentateur météo dans le film culte « Un jour sans fin » avec la nature surréaliste et répétitive de la vie moderne pendant la pandémie de COVID-19. Un événement mondial revisité par la culture pop « Un jour sans fin 731 » utilise le visage familier de Bill Murray comme un prisme satirique pour examiner la monotonie et la désinformation qui ont caractérisé le début de la pandémie. Le calendrier en arrière-plan, affichant en boucle le 2 février 2020, évoque une impression de répétition interminable, à l'image du film auquel il fait référence. L'expression absente de Murray et le titre modifié renforcent les thèmes de la confusion, de la désinformation et de la distorsion médiatique. En reliant cette imagerie aux cycles répétitifs de désinformation et aux récits changeants durant la crise de la COVID-19, « Denial » critique l'impact sociétal de la désinformation et la manière dont elle a façonné le vécu collectif de la pandémie. L'art du commentaire social dans le pop art urbain Denial est reconnu pour son talent à insuffler humour et critique à son œuvre, et « Groundhog Day 731 » ne fait pas exception. L'utilisation du personnage de Murray comme métaphore souligne le caractère surréaliste de la consommation médiatique moderne, où chaque jour semble être une redite du précédent. L'œuvre de Denial transcende le simple attrait visuel en intégrant des niveaux de signification qui abordent des expériences à la fois personnelles et collectives. Le fond rouge vif et les éléments graphiques audacieux s'inspirent du graffiti, tandis que la technique d'impression pigmentaire haute résolution apporte une touche de raffinement. Ces éléments créent une œuvre à la fois accessible et profondément stimulante, incarnant l'esprit du pop art urbain. L'impact du déni sur l'art contemporain « Groundhog Day 731 » illustre l’approche unique de Denial en matière de street art pop, où humour, nostalgie et critique s’entremêlent pour former un commentaire social percutant. Son œuvre, puisant ses racines dans l’esthétique du graffiti et de la culture pop, offre une tribune pour examiner les problématiques contemporaines avec un esprit incisif et une créativité visuelle remarquable. Cette estampe en édition limitée n’est pas seulement un témoignage d’un moment précis, mais aussi une réflexion plus large sur la nature cyclique de l’expérience humaine dans un monde saturé de médias. En combinant des visuels audacieux à un commentaire pertinent, Denial confirme son statut de figure majeure de l’art urbain contemporain.

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Écouteurs Illinois Édition Limitée Impression Sérigraphique Manipulée à la Main 1 Couleur sur Papier Cougar Naturel 100 lb par Sean Mort Artiste de Rue Graffiti Art Pop Moderne.

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Sculpture en polystone Graffiti Crime, édition limitée, œuvre de l'artiste Brandalised, figure emblématique du pop art contemporain. Sculpture pop art en édition limitée 2021, 25 cm de haut. Livrée avec sa boîte. Animés par leur jeunesse et un esprit de rébellion, ces deux garçons espiègles, juchés l'un sur l'autre, sortent une bombe de peinture d'un panneau « Graffiti is a Crime » (Le graffiti est un crime). Cette figurine de collection de 25 cm en polystone, aux détails minutieux, arbore la peinture au pochoir caractéristique de nos collaborations Brandalised. « Graffiti Crime » se distingue également par un niveau de détail incroyable : chaque fissure, chaque brique… La bombe de peinture elle-même semble jaillir du panneau qui la retient prisonnière.

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Impression d'art d'archive « Amiable Surrender PP » par Sarah Joncas, édition limitée sur papier d'art Moab 290 g/m² avec film de protection d'archive, œuvre d'art moderne d'artiste pop. Épreuve d'imprimerie PP 2021 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 16x19 Pigments d'archivage « Amiable Surrender PP » de Sarah Joncas : une fusion d'émotion et d'élégance « Amiable Surrender PP » est une épreuve d'artiste d'une grande profondeur, signée Sarah Joncas, qui a su explorer avec brio les frontières du pop art et la sensibilité de l'esthétique moderne. Cette édition limitée de 2021, signée et portant la mention PP, témoigne du talent de Joncas pour créer des œuvres qui touchent profondément le spectateur. Imprimée sur papier d'art Moab 290 g/m², l'œuvre mesure 40,6 x 48,3 cm et illustre à merveille la technique d'impression pigmentaire d'archives, reconnue pour sa longévité et la fidélité de ses couleurs. Explorer les profondeurs de « Amiable Surrender PP » L'œuvre présente une figure féminine dans un état de recueillement, son regard direct et introspectif suggérant un récit à la fois personnel et universel. Les fleurs délicates et les vrilles qui l'ornent évoquent un lien avec la nature et la fragilité de la vie. Les couleurs douces de Joncas, juxtaposées à la force du regard perçant du sujet, créent un contraste saisissant, invitant le spectateur à contempler son monde intérieur. Dans « Amiable Surrender PP », l'épreuve d'imprimerie offre un aperçu du processus créatif de l'artiste ; souvent réservée à un usage personnel ou à la conservation d'archives, elle est prisée pour sa rareté et son authenticité. La méticulosité de Joncas transparaît dans la précision de l'estampe et la profondeur émotionnelle qui se dégage du portrait de son sujet. La signature artistique de Joncas dans l'art contemporain L'œuvre de Joncas a toujours mêlé le contemporain et l'intemporel, et « Amiable Surrender PP » reflète clairement sa signature artistique. Sa capacité à insuffler de l'émotion à ses sujets tout en capturant l'esprit du pop art la distingue sur la scène artistique moderne. Son travail se caractérise souvent par une exploration profonde de la condition humaine, abordée sous un angle résolument féminin. Dans le contexte du street art et du graffiti, les œuvres de Joncas, comme « Amiable Surrender PP », occupent une place unique. Si elles possèdent l'immédiateté émotionnelle propre au street art, elles sont également empreintes d'une qualité raffinée, caractéristique des estampes d'art. Son choix de sujets et de thèmes fait souvent écho à l'expression brute et spontanée du graffiti, tandis que son exécution est subtile et maîtrisée. L'impact durable de « la reddition amicale PP » L'impact d'« Amiable Surrender PP », comme de l'ensemble de l'œuvre de Joncas, dépasse largement le simple attrait visuel. Elle invite à un dialogue sur le rôle de la féminité et de la vulnérabilité dans l'univers souvent masculin du street art. Les créations de Joncas repoussent les limites du pop art urbain, offrant une vision nuancée et introspective d'un genre en constante évolution. « Amiable Surrender PP » est bien plus qu'une expérience visuelle : c'est un véritable voyage émotionnel. Sarah Joncas a créé une œuvre qui invite le spectateur à s'abandonner à l'instant présent et à s'immerger dans le sujet à un niveau qui transcende l'œuvre elle-même. Cette qualité assure à Joncas une place de choix dans l'histoire du pop art et du street art contemporains, comme une artiste dont l'œuvre continuera d'inspirer et de susciter la réflexion pour longtemps.

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Achetez Landfall Artwork Giclee Edition Limitée sur papier Fine Art 290GSM par l'artiste graffiti de la culture pop Josh Keyes. Edition de 175 18x26 pouces / 46x66cm Tirage d'art sur papier 290g Signé à la main et numéroté Le monde hybride que Keyes a créé emprunte au surréalisme et au photoréalisme, un mélange qui déstabilise les spectateurs, nous faisant nous sentir en danger et exposés à un avenir incertain et malicieux. Au cœur du travail se trouve le souci de notre survie et de l'avenir de la terre. Cette préoccupation est mise en évidence à travers la présentation d'animaux perdus et déplacés de leur milieu naturel. Ils sont en péril et éloignés de leur écosystème naturel, relocalisés dans des situations dioramiques fantastiques.

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Œuvre d'art « Love and Rockets », impression giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure, par l'artiste de graffiti pop culture Jason Levesque. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Format de l'œuvre : 12x12

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« Harbinger of Death », sérigraphie artisanale en édition limitée 4 couleurs sur papier beaux-arts, par Justin Anville, artiste pop art célèbre. Anville - « Messager de la mort », sérigraphie 4 couleurs sur papier White Cougar 100#, édition signée et numérotée de 130 exemplaires, 45,7 x 61 cm

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30 Perceptions d'un Tigre - 23 Gold Original Fait Main et Peint à la Main en Céramique Haute Température avec Lustre Or Blanc Sculpture Œuvre d'art de l'artiste de rue graffiti moderne Violeta Hernandez. Sculpture originale en céramique de 2022. Dimensions : 14,5 x 14,5 x 9,5 cm. Signée. Type : Figurine en céramique haute température, faite et peinte à la main, avec un lustre en or blanc. Sortie : 17 janvier 2022. 30 Perceptions d'un Tigre – Sculpture en céramique dorée de 23 cm par Violeta Hernández, dans la catégorie Street Pop Art et Graffiti. « 30 Perceptions d'un Tigre – 23 Or » est une sculpture en céramique originale créée par l'artiste mexicaine contemporaine Violeta Hernández. Lancée le 17 janvier 2022, cette œuvre constitue une exploration singulière de la forme et de l'émotion à travers une céramique entièrement façonnée et peinte à la main. Mesurant 14,5 x 14,5 x 9,5 cm, la pièce est cuite à haute température pour une durabilité optimale, puis recouverte d'un lustre en or blanc, un détail luxueux qui sublime sa surface de reflets scintillants. La figure d'Hernández incarne un félin féroce et expressif, le dos arqué et les crocs apparents traduisant un état émotionnel intense, entre défense et défi. À la fois animal et icône, cette figure mêle totem sacré et attitude urbaine, s'inscrivant ainsi dans le langage visuel du Street Pop Art et du graffiti. La pratique céramique et le symbolisme émotionnel de Violeta Hernández Reconnue pour son travail en illustration, sérigraphie et sculpture, Violeta Hernández insuffle à ses céramiques la même intensité délibérée qu'à ses estampes. « 30 Perceptions d'un Tigre – 23 Or » révèle son talent pour exprimer tension et vulnérabilité au sein d'un objet compact et tactile. Chaque tigre de la série est sculpté et peint à la main, ce qui garantit son caractère unique. Le visage de la sculpture est particulièrement saisissant : une expression stylisée et menaçante reflète la férocité intérieure que les humains portent en eux, mais qu'ils expriment rarement. La surface de la figurine est recouverte de textures peintes à la main qui évoquent les marques de l'animal, tout en suggérant des coups de pinceau, des griffures et des traces d'usure urbaine, symbolisant la résilience et la ténacité propres à l'identité moderne. L'éclat de l'or blanc ajoute de la profondeur et un contraste visuel aux tons gris et noirs, insufflant à l'œuvre une lueur de force divine. La céramique comme forme de rébellion dans l'art urbain pop et le graffiti Cette sculpture n'est pas qu'un simple objet décoratif : elle réinvente radicalement la céramique dans le contexte du pop art urbain et du graffiti. Traditionnellement perçue comme un artisanat, la céramique, sous la direction d'Hernández, devient un vecteur de protestation et de transformation. Petite mais puissante, cette sculpture bouleverse les attentes liées à la céramique et au street art, occupant un espace liminal entre la galerie et la rue. Sa taille invite à l'observation attentive, tandis que sa posture et son expression dégagent une présence affirmée. En intégrant un lustre en or blanc – matériau associé à l'opulence et aux reliques spirituelles – Hernández transcende la taille modeste de l'objet, lui conférant à la fois statut d'artefact et de message. La texture de l'argile, l'intensité de la forme et la finition lustrée contribuent à son empreinte de relique urbaine contemporaine. 30 perceptions d'un tigre – 23 L'or comme déclaration culturelle À travers cette œuvre, Violeta Hernández repousse les frontières du street art et du graffiti. Si le graffiti a historiquement investi les murs et la sérigraphie s'est épanouie sur les affiches, cette sculpture oriente le débat vers la sculpture et le rituel. Elle suggère que les états émotionnels, les instincts animaux et les enjeux identitaires peuvent être préservés dans la forme, et non seulement dans l'image. Le tigre menaçant devient un avatar de résilience et de confrontation, à la fois compact et résolu. Signée par l'artiste et éditée en édition originale limitée, « 30 Perceptions of a Tiger – 23 Gold » témoigne de l'engagement d'Hernández à intégrer l'émotion, la mythologie et le processus artistique en de puissants symboles de la vie contemporaine. L'œuvre se veut plus qu'un simple objet de collection : une déclaration sculpturale de férocité, de survie et de rébellion créative.

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