Galimatias AP Sérigraphie par Etam Cru x Sainer x Bezt Épreuve d'artiste Sérigraphie tirée à la main sur papier d'art Coventry Rag à bords frangés Édition limitée Œuvre d'art pop street et graffiti. Épreuve d'artiste AP 2015 Signée et marquée AP Tirage limité Dimensions de l'œuvre 29x30 Galimatias AP : Une collaboration sérigraphique unique d'Etam Cru, Sainer et Bezt Galimatias AP est une œuvre majeure du mouvement Street Pop Art et graffiti, née de la collaboration géniale du duo Etam Cru, composé de Sainer et Bezt. Cette sérigraphie d'artiste de 2015 révèle la fusion unique des styles distinctifs de chaque artiste. Tirée à la main sur papier d'art Coventry Rag, cette estampe de 74 x 76 cm (29 x 30 pouces) est une pièce imposante qui captive le regard par la finesse de ses détails et la force évocatrice de son imagerie, accentuée par le toucher du bord frangé du papier. Art et authenticité à Galimatias AP Chaque épreuve d'artiste atteste de l'authenticité et du caractère exclusif d'une estampe, et l'épreuve d'artiste de Galimatias ne fait pas exception. L'exemplaire est marqué « AP » et signé par Sainer et Bezt, ce qui indique qu'il fait partie d'une édition limitée. Ce marquage garantit l'authenticité de l'estampe et prouve qu'elle figure parmi les premières tirées de la série, souvent conservées par les artistes ou utilisées à des fins d'exposition. Savoir-faire en sérigraphie Le procédé de sérigraphie artisanale utilisé pour Galimatias AP est un art exigeant une minutie extrême. Cette technique traditionnelle, appliquée à une vision artistique contemporaine, produit une estampe d'une profondeur et d'une vivacité impossibles à obtenir par voie numérique. Le procédé sept couleurs employé pour Galimatias AP et l'utilisation d'un papier Coventry Rag de haute qualité garantissent la richesse des couleurs et la netteté de l'image, chaque couche contribuant à la narration et à l'esthétique d'ensemble. Symbolisme dans l'œuvre d'Etam Cru L'imagerie de Galimatias AP regorge de symbolisme, une caractéristique du travail d'Etam Cru. La juxtaposition d'éléments fantastiques et quotidiens crée une atmosphère surréaliste ouverte à l'interprétation, invitant le spectateur à découvrir le récit tissé dans la composition visuelle. Cette œuvre reflète l'approche du duo vis-à-vis du Street Pop Art et du graffiti, où la narration onirique et souvent introspective est au premier plan. Valeur de collection et impact des éditions limitées Le caractère limité des épreuves d'artiste, comme l'AP de Galimatias, contribue à leur valeur de collection et à leur impact au sein de la communauté artistique. Collectionneurs et amateurs recherchent ces estampes pour leur exclusivité et leur lien avec la vision originale de l'artiste. En tant qu'AP, celle de Galimatias est particulièrement convoitée, sa valeur étant accrue par sa rareté et la notoriété de ses créateurs dans le milieu du street art, du pop art et du graffiti. L'héritage d'Etam Cru dans le street art pop et le graffiti L'héritage d'Etam Cru au sein du mouvement Street Pop Art et du graffiti est incontestablement marqué par des œuvres telles que Galimatias AP. Sainer et Bezt, par leur collaboration, ont repoussé les limites du street art, bousculant les idées reçues et encourageant une appréciation plus profonde du genre. Leur influence est manifeste dans la manière dont leurs estampes, en éditions limitées, continuent de toucher et d'inspirer, leur assurant une place de choix dans l'histoire de l'art contemporain.

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Sérigraphie en édition limitée Basquiat Boxer Everlast 10 couleurs, tirée à la main, sur papier d'art satiné Somerset 410 g/m² à bords frangés, par Ron English - POPaganda Rare Street Art, artiste pop célèbre. Signée et numérotée. Sérigraphie 10 couleurs sur papier d'art satiné Somerset 410 g/m² à bords frangés. Format : 66 x 94 cm. Sortie : 11 juin 2021. Tirage : 150 exemplaires. « Mêlant imagerie, médiums et procédés empruntés à des maîtres qui m’ont inspiré, tels que Warhol, Pollock et Picasso, et y intégrant une sélection singulière de symboles populaires, du fast-food aux dessins animés, je construis des récits continus où mes multiples alter ego se heurtent de plein fouet à la Grande Illusion, où les normes culturelles sont questionnées et mises à nu. » – Ron English – POPaganda

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Presque l'extase - Série Savage Sacred Young Minds 23 couleurs, sérigraphie en édition limitée tirée à la main sur papier Coventry Rag 310 g/m² (bord frangé) par Faile Rare Street Art Famous Pop Artwork Artist. FAILE (Américain, fondé en 1999) Titre : ALMOST RAPTURE, 2016 Technique : Sérigraphie sur papier d'archivage 100 % coton à bords frangés Série Savage Sacred Young Minds

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Sérigraphie sans titre Pointman & Vick par Verdy x Futura 2000 - Leonard McGurr Tirée à la main sur papier d'art Mohawk à bords frangés, édition limitée. Édition limitée signée et numérotée de 40 exemplaires (2025). Œuvre d'art de 18 x 24 pouces, sérigraphie représentant un lapin panda stylisé Vick tenant une créature de science-fiction Pointman en rouge, noir et blanc. Verdy x Futura 2000 : Un dialogue dynamique entre l’art urbain pop et le graffiti L'estampe sérigraphique en édition limitée de 2025, intitulée « Untitled Pointman & Vick », est une collaboration très recherchée entre deux figures emblématiques du street art et du graffiti : Verdy et Leonard McGurr, alias Futura 2000. Tirée à la main au format 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces), cette œuvre est limitée à seulement 40 exemplaires signés et numérotés. Elle réunit deux personnages iconiques issus de traditions visuelles très différentes : Vick, de Verdy, un hybride panda-lapin débordant de mignonnerie urbaine et d'énergie punk, et Pointman, de Futura, une forme extraterrestre angulaire d'inspiration science-fiction, qui représente depuis les années 1980 l'évolution abstraite du graffiti chez l'artiste. La synergie de ces deux figures, disposées côte à côte sur une toile blanche immaculée, crée une œuvre visuelle saisissante et unique. Fusion de personnages : de la sous-culture tokyoïte au futurisme new-yorkais Vick, figure emblématique de la culture jeune et du streetwear japonais, est ici représenté avec des lignes audacieuses, un minimalisme affirmé et une forme de rébellion. Fréquemment présent dans ses œuvres liées à Girls Don't Cry et Wasted Youth, Vick incarne l'innocence mêlée de résistance, ici capturée par une posture expressive, sa chevelure hérissée et ses longues oreilles caractéristiques. Dans cette pièce, Vick se tient avec assurance, serrant contre lui Pointman de Futura, créature devenue emblématique de l'abstraction graffiti de l'ère spatiale. Souvent dépeint comme détaché et observateur, Pointman apparaît ici anthropomorphisé, mais dans une position de connexion, suggérant un contrôle créatif, une forme de révérence, voire une confrontation. Leonard McGurr, né aux États-Unis, a redéfini l'art du graffiti par son utilisation expérimentale des formes, de l'espace négatif et du récit conceptuel. Son personnage, Pointman, a rompu avec les lettrages et les tags traditionnels, optant pour un langage visuel combinant l'énergie de la bande dessinée, la théorie cosmique et la métaphore sociale. Ce personnage investit désormais l'univers minimaliste de Verdy, brouillant les frontières entre les époques et les esthétiques. Forme minimaliste à impact maximal Imprimée en rouge, noir et blanc, la sérigraphie, par son économie visuelle, amplifie la tension et l'harmonie entre les deux personnages. La palette restreinte confère à la composition une clarté saisissante, un clin d'œil visuel à la fois à l'animation vintage et aux graphismes des fanzines punk. Chaque trait est précis. Chaque forme est éloquente. Les proportions exagérées et le style surréaliste des personnages témoignent du talent des deux artistes pour mêler humour, symbolisme et subculture dans une expression visuelle. L'œuvre reflète le respect mutuel entre deux univers : la narration japonaise de Verdy, axée sur le design, et la rébellion avant-gardiste américaine de Futura. Une estampe de collection pour l'avant-garde artistique mondiale Tirée à seulement 40 exemplaires numérotés et signés, cette sérigraphie de 45,7 x 61 cm est une pièce rare qui unit deux forces artistiques internationales en une œuvre unique. Bien plus qu'une simple collaboration, elle incarne la dynamique intergénérationnelle du street art et du graffiti. Les fans et collectionneurs des deux artistes reconnaîtront immédiatement la portée culturelle et historique de cette composition. Verdy et Futura 2000 ont créé ensemble un moment qui célèbre l'iconographie figurative comme un art contemporain légitime, émotionnel et profondément marquant. Cette estampe n'est pas qu'une œuvre visuelle : elle témoigne de la rencontre de deux univers artistiques.

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Sérigraphie « The Return Gold » de Cleon Peterson sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés, édition limitée. Édition limitée signée et numérotée de Cleon Peterson (2025). Tirage sérigraphique 20x20 représentant un guerrier à cheval brandissant une épée ensanglantée. Sortie en janvier 2025, en pleine période des incendies en Californie. Sérigraphie dorée « Le Retour » : La vision du conflit et du pouvoir selon Cleon Peterson L'estampe sérigraphique « The Return Gold » de Cleon Peterson est une puissante représentation du conflit et de la résilience humaine, exprimée à travers le langage du street art et du graffiti. Cette œuvre en édition limitée, disponible en janvier 2025, est réalisée sur un papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés, offrant une richesse tactile qui complète son impact visuel saisissant. Mesurant 50,8 x 50,8 cm, l'œuvre représente un guerrier solitaire à cheval, brandissant une épée ensanglantée. Entièrement réalisée à l'encre dorée sur le fond blanc immaculé du papier, elle dégage une aura de grandeur et de violence, incarnant la dualité du triomphe et de la destruction. Cleon Peterson et son style emblématique Cleon Peterson est reconnu pour son approche graphique et minimaliste de la narration, explorant souvent les thèmes de la violence, du pouvoir et de la survie. Son œuvre est profondément ancrée dans la tension entre chaos et ordre, avec des compositions austères qui suscitent des émotions brutes. « The Return Gold » illustre parfaitement ce style, présentant une scène à la fois élégante et troublante. L'utilisation par Peterson de formes simplifiées et de silhouettes audacieuses permet aux spectateurs de se concentrer sur les éléments narratifs de l'œuvre, tandis que l'or y ajoute une dimension symbolique liée à la richesse, au pouvoir et à l'héritage. Publiée pendant les incendies de Californie de 2025, cette œuvre acquiert une pertinence accrue, faisant écho aux thèmes de la destruction et de la résilience. Symbolisme et impact visuel dans Le Retour de l'or La figure centrale de « The Return Gold » est un guerrier imposant à cheval, brandissant une épée encore dégoulinante de sang. Cette image évoque les thèmes de la conquête, de la survie et de la nature cyclique de la violence. Le cheval, symbole intemporel de puissance et de liberté, renforce l'intensité dramatique de l'œuvre. La palette monochrome dorée amplifie son impact, créant une luminosité qui contraste avec la gravité du sujet. Les bords frangés du papier soulignent le caractère brut de l'œuvre, ancrant son esthétique raffinée dans l'authenticité tactile de l'art urbain. Valeur de collection et contexte de The Return Gold Imprimée sur papier d'art haut de gamme Coventry Rag, « The Return Gold » témoigne du dévouement de Cleon Peterson à l'artisanat et à la profondeur narrative. Chaque tirage est signé et numéroté, garantissant son exclusivité au sein d'une édition limitée, non précisée mais très attendue. Sa sortie, en pleine crise des incendies en Californie, lui confère une signification particulière, établissant un lien entre les thèmes de l'œuvre et l'actualité. À la fois estampe d'art et œuvre de street art, « The Return Gold » brouille les frontières entre tradition et modernité, offrant aux collectionneurs une pièce riche de sens et d'une beauté saisissante. Elle reflète la maîtrise de Peterson dans l'art de condenser des expériences humaines complexes en formes minimalistes et audacieuses.

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The Crawler - Édition limitée blanche, sérigraphie artisanale bicolore sur papier Arches Rag 290 g/m² à bords frangés, par Cleon Peterson, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Sérigraphie artisanale 40,6 x 30,5 cm (16 x 12 pouces) en noir et blanc cassé. Imprimée sur papier Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés. Chaque exemplaire est signé et numéroté. Édition limitée à 125 exemplaires. L'art de Peterson se caractérise par un fort esprit contestataire, et la colère, en tant que force créatrice, imprègne la plupart de ses œuvres. L'artiste lui-même est le sujet de cette colère, et à travers son travail, il s'insurge contre le malaise et la lassitude les plus profonds de la société. Cet artiste basé à Los Angeles est le concepteur d'une série d'œuvres dystopiques – peintures, estampes, sculptures et fresques – exposées aux États-Unis, en Europe et en Asie.

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Love is the Answer Estampe sérigraphique originale unique à la peinture en aérosol HPM par Mr. Brainwash - Thierry Guetta Estampe technique mixte sur papier d'art à bords frangés Édition limitée Œuvre d'art pop de rue. Œuvre originale unique, signée et accompagnée d'un certificat d'authenticité (COA), réalisée à la bombe aérosol et à l'acrylique, avec des techniques mixtes et embellie à la main par HPM. Dimensions : 16 x 21 pouces. Le célèbre physicien théoricien Albert Einstein tient une pancarte sur laquelle on peut lire « L'amour est la réponse », ornée de nombreuses touches de peinture en aérosol et de peinture colorée. L'amour est la réponse : une représentation du génie dans le pop art urbain Dans le monde éclectique et vibrant de l'art contemporain, « Love is the Answer » s'impose comme une œuvre marquante, fruit de la collaboration entre le célèbre artiste de rue Mr. Brainwash, alias Thierry Guetta. Cette sérigraphie en technique mixte sur papier d'art frangé est une édition limitée qui fusionne harmonieusement les univers du pop art et du street art avec l'image iconique d'Albert Einstein. Créée en 2015, « Love is the Answer » est une œuvre originale unique, peinte à la main (HPM), sur un support sérigraphié, rehaussé par Mr. Brainwash de peinture aérosol et acrylique. Ce travail artisanal confère à chaque pièce de la série un caractère unique et une personnalité propre. Ses dimensions imposantes (40,6 x 53,3 cm) lui donnent une présence captivante qui invite à la contemplation. L'œuvre représente le célèbre physicien théoricien Albert Einstein, tenant une pancarte où l'on peut lire « Love is the Answer ». Ce message, associé à la cacophonie visuelle des graffitis aux couleurs vives, crée une juxtaposition à la fois saisissante et stimulante. L'image d'Einstein, synonyme d'intelligence et de perspicacité, couplée à un message simple mais universel sur l'amour, invite à un dialogue sur la complexité de la condition humaine et la simplicité de sa résolution par l'amour. Style emblématique de M. Brainwash Mr. Brainwash joue un rôle essentiel dans l'introduction de l'esthétique du street art dans les galeries d'art. Son œuvre intègre souvent des figures historiques et culturelles importantes, les inscrivant dans un contexte contemporain à la fois accessible et stimulant. Dans « Love is the Answer », le style caractéristique de l'artiste est manifeste : une base monochrome rehaussée d'explosions de couleurs, symbolisant le chaos et la vitalité de la vie. À l'instar de nombreuses œuvres de Mr. Brainwash, cette pièce est bien plus qu'une simple représentation ; c'est une expérience interactive. Les éclaboussures et les coulures de peinture ne se contentent pas d'orner le papier ; elles perturbent et interagissent avec l'image d'Einstein, suggérant que même au sein de la précision rigoureuse de la science, il existe une place pour la spontanéité et la passion de l'art. L'amour est la réponse. Impact culturel et collection HPM unique. En tant qu'œuvre d'art de collection, « Love is the Answer » exerce une fascination particulière. Signée par Mr. Brainwash et accompagnée d'un certificat d'authenticité, elle est particulièrement recherchée comme pièce d'histoire de l'art. Ses techniques mixtes et son édition limitée en font un objet de convoitise pour les collectionneurs et les amateurs de street art et de graffiti. Son impact culturel est également considérable. Elle établit un pont entre différentes formes d'expression, du monde cérébral de la physique théorique à l'univers dynamique du street art. En plaçant Einstein dans un contexte aussi coloré et inattendu, Mr. Brainwash invite le spectateur à reconsidérer cette figure comme un scientifique et un messager de paix et d'amour. « Love is the Answer » de Mr. Brainwash illustre avec force comment le street art et le graffiti peuvent transcender les frontières de la rue et accéder au panthéon de l'art. L'œuvre ne se contente pas de représenter une figure célèbre ; elle confère à l'image une signification et une pertinence nouvelles. C'est une affirmation selon laquelle, au milieu des complexités et des défis de la vie, les vérités les plus simples peuvent résonner avec le plus de force. Pour les collectionneurs et les admirateurs, posséder « L'amour est la réponse » représente bien plus qu'un simple investissement artistique : c'est une adhésion à son message et au dialogue qu'il continue d'inspirer.

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Collage d'icônes en bas - Tirage sérigraphique 3 couleurs grand format en édition limitée, réalisé à la main sur papier crème moucheté avec bords frangés à la main par Shepard Fairey, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Sérigraphie 76,2 x 97,8 cm (30 x 38,5 pouces). Édition limitée à 70 exemplaires numérotés. 31 octobre 2016. Papier d'archivage 100 % coton, bords frangés. Cachet de la maison d'édition OBEY en bas à gauche. Signée par Shepard Fairey.

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Estampe d'art en édition limitée « The Pride Heart » à pigments d'archivage, sur papier Moab Entrada 290 g/m² à bords frangés à la main, par l'artiste Jenna Morello, légende du street art pop et du graffiti. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Tirage pigmentaire d'archive sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m² à bords frangés à la main. Format : 16 x 20 pouces. « The Pride Heart » de Jenna Morello est une estampe d'art pigmentaire de qualité archivistique, capturant l'essence du street art contemporain avec une sensibilité pop art. Incarnant l'esprit vibrant du graffiti, cette édition limitée est une œuvre marquante, vibrante de couleurs et d'une grande profondeur émotionnelle. Limitée à 50 exemplaires signés et numérotés, chaque tirage, mesurant 40,6 x 50,8 cm, est unique et porte une touche personnelle. La signature de l'artiste authentifie chaque estampe et établit un lien direct entre la créatrice et le collectionneur. Le papier d'art Moab Entrada 290 g/m², choisi par Morello, est réputé pour sa durabilité et sa capacité à retenir des couleurs riches, garantissant ainsi la pérennité des teintes éclatantes de « The Pride Heart ». Les bords frangés à la main ajoutent une touche artisanale, rompant avec la précision mécanique souvent associée à la gravure. Cette technique confère une dimension organique, suggérant l'énergie brute et urbaine caractéristique du street art. L'œuvre est une métaphore visuelle de la passion et de la diversité, représentées par un cœur composé de roses multicolores aux teintes chatoyantes. Une flèche, symbole traditionnel des épreuves et des tribulations de l'amour, transperce le cœur, contrastant les couleurs vives avec sa palette monochrome. Cette juxtaposition illustre la capacité de Morello à fusionner l'iconographie classique avec une touche de modernité, une caractéristique de sa vision artistique. « The Pride Heart » de Jenna Morello témoigne de l'attrait intemporel du street art et de sa capacité à transmettre des messages profonds par l'expression publique. Cette œuvre, qui incarne une affirmation forte au sein du pop art et du graffiti, invite à la réflexion sur les thèmes de l'amour, de la diversité et de la résilience. C'est une pièce précieuse pour les collectionneurs et les amateurs de cette forme d'art unique.

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Inside Out en rouge scintillant/ Jerry B-Side HPM 2 couleurs, sérigraphie en édition limitée tirée à la main avec acrylique, encre de sérigraphie et peinture en aérosol sur papier Coventry Rag 310 g/m² (bord frangé) par Faile Rare Street Art, artiste pop célèbre. Une nouvelle estampe en édition limitée, peinte à la main par l'atelier. Celle-ci présente l'image « Inside Out ». Une édition classique de l'atelier, peinte et imprimée à la main, chaque exemplaire étant unique. Le papier est épais, richement travaillé et teinté. Inside Out en rouge scintillant / Jerry B-Side 38 x 25 Édition limitée à 24 exemplaires, peinte à la main Acrylique et encre sérigraphique sur papier d'archivage Estampillée, gaufrée et signée Faile 1986

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The Collaborator - Édition limitée rouge, sérigraphie bicolore tirée à la main sur papier Coventry Rag 290 g/m² avec bords frangés, par Cleon Peterson, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Signée en 2021. 66 x 81 cm. Sérigraphie artisanale sur papier Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés. Chaque exemplaire est signé et numéroté. Édition limitée à 125 exemplaires. L'art de Peterson se caractérise par un fort esprit contestataire, et la colère, en tant que force créatrice, imprègne la plupart de ses œuvres. L'artiste lui-même est le sujet de cette colère, et à travers son travail, il s'insurge contre le malaise et la lassitude les plus profonds de la société. Cet artiste basé à Los Angeles est le concepteur d'une série d'œuvres dystopiques – peintures, estampes, sculptures et fresques – exposées aux États-Unis, en Europe et en Asie.

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Achetez Into The Night MMXXI - Sérigraphie 2 couleurs tirée à la main en édition limitée or/noir sur papier Coventry Rag 290 g/m² avec bords frangés par Cleon Peterson Rare Street Art célèbre artiste pop. 32 x 32 pouces. Sérigraphie dorée et noire tirée à la main. imprimé sur du papier Coventry Rag 290 g/m² avec des bords frangés. Chaque tirage est signé et numéroté. Édition limitée de 125 La visualité du travail de Cleon Peterson est basée sur une variété d'influences, de la poterie grecque antique aux bandes dessinées, résultant en une monochromie et un fort symbolisme des couleurs. Plus en détail, les figures existent sur de multiples lignes droites, ce qui, par la suite, crée l'illusion que l'œuvre est divisée en niveaux. La perspective et l'impression de profondeur existent modérément dans l'art de Peterson et, tout comme dans les vases grecs, l'espace du fond est généralement laissé vide ou légèrement embelli.

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Estampe d'art en édition limitée, réalisée à partir de pigments d'archives de New York, sur papier beaux-arts 290 g/m², par l'artiste Stom500, artiste pop art. Édition limitée à 40 exemplaires, signée et numérotée à la main, 2022. Dimensions de l'œuvre : 18 x 22,5 pouces. #40 sur 40

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« Le Retour », sérigraphie noire de Cleon Peterson sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés, édition limitée. Édition limitée signée et numérotée de Cleon Peterson (2025). Tirage sérigraphique 20x20 représentant un guerrier à cheval brandissant une épée ensanglantée. Sortie en janvier 2025, en pleine période des incendies en Californie. Le Retour, sérigraphie noire : le commentaire audacieux de Cleon Peterson sur le pouvoir L'estampe sérigraphique « The Return Black » de Cleon Peterson est une œuvre visuellement saisissante qui incarne l'exploration par l'artiste des thèmes du pouvoir, du conflit et de la lutte humaine. Créée en 2025 et imprimée sur un papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés, cette œuvre de 50 x 50 cm témoigne de la maîtrise de Peterson dans l'art de raconter des histoires avec une sobriété et un minimalisme saisissants. La composition représente un guerrier à cheval, brandissant une épée ensanglantée, le tout réalisé à l'encre noire sur fond blanc. Cette œuvre en édition limitée, signée et numérotée par l'artiste, a été publiée pendant les incendies de Californie de janvier 2025, conférant une résonance particulièrement poignante à ses thèmes de destruction et de survie. Style et thèmes emblématiques de Cleon Peterson Cleon Peterson est réputé pour son approche graphique et monochrome, utilisant des contrastes saisissants pour créer des visuels percutants. « The Return Black » illustre parfaitement son style distinctif, où des formes audacieuses et épurées portent des récits complexes. La figure centrale – un guerrier musclé et sans visage – symbolise les thèmes de la conquête, du chaos et de la résilience, suscitant à la fois admiration et malaise. L’œuvre de Peterson explore souvent les aspects les plus sombres de la nature humaine, et cette pièce ne fait pas exception. L’association de l’imposant guerrier à l’élégance du cheval crée une dichotomie qui reflète la tension entre puissance et vulnérabilité, un thème récurrent dans son travail. Design et symbolisme dans Le Retour du Noir La conception de « The Return Black » est une étude de contrastes : l’encre noire profonde impose sa présence sur le fond blanc immaculé. L’épée levée du guerrier, dégoulinante de sang, attire le regard et souligne les thèmes de la violence et de la domination. Le cheval, rendu dans le style minimaliste caractéristique de Peterson, ajoute mouvement et grandeur à la composition, tandis que sa position traduit à la fois force et soumission. Les bords frangés à la main du papier beaux-arts confèrent à l’œuvre une qualité artisanale, ancrant son esthétique contemporaine dans le savoir-faire traditionnel. Cette juxtaposition reflète la tension narrative de l’œuvre, où triomphe et tourment coexistent. Contexte et collection Sortie en janvier 2025, en pleine période des incendies en Californie, « The Return Black » acquiert une résonance particulière, abordant les thèmes de la destruction et de la résilience face à l'adversité. Cette estampe en édition limitée, signée et numérotée par Peterson, est un objet de grande valeur pour les collectionneurs d'art urbain, de pop art et de graffiti. La sérigraphie lui confère une qualité tactile riche, renforçant son impact visuel. À la fois reflet des luttes sociétales contemporaines et commentaire intemporel sur la condition humaine, « The Return Black » enrichit considérablement l'œuvre de Peterson et captive les amateurs d'art contemporain.

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Scuba Horse Delights, sérigraphie en édition limitée tirée à la main en 13 couleurs sur papier Coventry Rag 325 g/m² par Faile, artiste de street art rare et célèbre du pop art. Nous sommes ravis de vous présenter cette nouvelle sérigraphie inspirée de nos petits blocs de puzzle en bois. Elle offre un mélange vibrant d'images et de textures, une création originale de notre atelier. « Scuba Horse Delights » est une sérigraphie artisanale en 13 couleurs, réalisée sur un papier Coventry Rag épais de 325 g/m² à bords frangés. Plongée sous-marine à cheval. Édition limitée à 350 exemplaires. Dimensions : 30,5 x 45,7 cm. Sérigraphie à l’encre sur papier Coventry Rag 325 g/m². Signée, estampillée et numérotée. FAILE 2020

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Achetez PEINTURE Oeuvre de peinture originale unique en son genre MEDIA sur MEDIUM par l'artiste populaire Street Art Pop Culture ARTIST. 2022 Signé Original Peinture Taille XXXX INFO

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Jimi Hendrix - Dark Gradient, édition limitée, sérigraphie artisanale 5 couleurs sur papier beaux-arts par Mr Brainwash - Thierry Guetta, artiste de rue, graffiti, pop art moderne. 2015 Édition limitée signée et numérotée à 70 exemplaires Dimensions de l'œuvre : 22,5 x 30 Variante unique n° 7 « Jimi », sérigraphie cinq couleurs sur papier d’art d’archive déchiré à la main. Tirage signé et numéroté n° 7 avec une empreinte digitale au dos. Dimensions : 57 cm x 76 cm.

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Estampe d'art en édition limitée Bloom Hand Deckled Archival Pigment Fine Edition sur papier Moab Entrada 290 g/m² par l'artiste Victoria Cassinova. Édition limitée à 40 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Format de l'œuvre : 20 x 25 cm.

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Night Bender - Série Savage Sacred Young Minds 23 couleurs, sérigraphie en édition limitée tirée à la main sur papier Coventry Rag 310 g/m² (bord frangé) par Faile Rare Street Art Famous Pop Artwork Artist. FAILE : Night Bender, sérigraphie 23 couleurs sur papier Coventry Rag 325 g/m², encre sérigraphique sur papier, édition limitée à 100 exemplaires, 58 cm x 89 cm, 2016

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« De longues files d’attente bloquent le chemin vers l’illumination », œuvre d’art imprimée en édition limitée par giclée sur papier aquarelle italien pressé à froid et frangé à la main, par l’artiste de graffiti de la culture pop Kozyndan. Édition très limitée à 40 exemplaires, tirages giclée d'archives sur papier aquarelle Somerset, bords frangés à la main. Chaque tirage est signé et numéroté. 50,8 x 61 cm. Printed Oceans est le programme d'estampes d'art de la Fondation PangeaSeed. Il sensibilise le public aux enjeux environnementaux marins les plus urgents grâce au regard d'artistes parmi les plus reconnus d'aujourd'hui. Depuis 2012, nous avons publié plus de 100 éditions originales d'estampes d'art mettant en lumière des espèces marines menacées et des habitats océaniques. Ces magnifiques éditions contribuent à diffuser des récits importants sur la conservation dans les foyers et les espaces de travail du monde entier, suscitant un dialogue essentiel et inspirant des actions concrètes. En acquérant ces œuvres d'art en édition limitée, réalisées artisanalement avec soin, vous soutenez non seulement le travail novateur de la Fondation PangeaSeed dans les communautés du monde entier, mais vous contribuez également aux moyens de subsistance de nos artistes engagés. Ensemble, par l'art et l'activisme, nous pouvons sauver nos océans.

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Achetez The Crawler - Black Limited Edition Hand Pulled 2-Color Screenprint Print on 290gsm Arches Rag Paper with Deckled Edges by Cleon Peterson graffiti street artist modern pop art. Les tirages de Cleon Peterson sont une édition de 150. Réalisés en juin 2017, ils sont signés et numérotés par l'artiste. Format : 20 x 26,75 pouces (50,8 x 66 cm). Le monde de Cleon Peterson est plein de cruauté sans merci, de débauche chaotique et d'une lutte sans fin pour renverser le pouvoir et l'oppression. Ses compositions simples impliquent des connotations complexes et une critique troublante de la privation, de l'isolement et du désespoir croissants de la société. En regardant son travail, on peut facilement comprendre que l'artiste ne prône pas la violence, qu'il arme au contraire dans la lutte contre l'apathie.

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Mark Twain Riskoleum Artwork Giclée en édition limitée, impression sur papier d'archivage Coventry Rag par l'artiste de graffiti de la culture pop Risk. Épreuve d'artiste (EA). Tirage giclée sur papier d'archivage Coventry Rag. Tirage réalisé sur commande spéciale pour la Fashion Week de Los Angeles 2017, daté de 2016. Signé et numéroté à la main. 45,7 x 35,6 cm

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Liberté pour l'humanité - Sérigraphie en édition limitée chromée avec feuille de chrome sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés à la main par Mear One, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 20 exemplaires, signée et numérotée, 2016. Dimensions de l'œuvre : 20 x 27 pouces. « Cette œuvre, « Liberté pour l'humanité », symbolise l'attitude que nous devrions adopter face à nos droits fondamentaux. Elle joue sur le concept de « novlangue » de George Orwell, tiré de son roman 1984, où il combine et condense les mots pour créer une nouvelle langue. Le langage est essentiel pour comprendre ce que signifie la véritable liberté. Pourtant, il est constamment érodé, redéfini et remplacé pour servir les intérêts des entreprises et les tendances superficielles de la culture populaire consumériste. Nous avons besoin de nous affranchir de notre langage actuel, fondé sur l'avidité, pour accéder à une existence plus riche de sens et de profondeur, en utilisant un langage qui repose sur notre humanité, le partage et la coopération. Je souhaite susciter une réflexion critique sur la mise en œuvre de la « novlangue » dans notre réalité orwellienne actuelle, saturée de médias. » – Mear One. Analyse de « La liberté pour l'humanité » par Mear One Mear One s'est imposé comme un artiste majeur du street art et du graffiti, avec « Freedom For Humanity » comme l'une de ses œuvres les plus marquantes. Cette sérigraphie chromée en édition limitée est bien plus qu'un simple plaisir esthétique : elle témoigne de l'engagement passionné de l'artiste pour la liberté linguistique et intellectuelle. Limitée à seulement vingt exemplaires signés et numérotés, cette œuvre de 2016, au format 50,8 x 68,6 cm, est imprimée sur un papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés. Ce choix souligne la qualité exceptionnelle et l'exclusivité de cette estampe. La révolution sémantique incarnée dans l'art L'œuvre de Mear One est une interaction entre les langages visuel et verbal, une réponse critique à la perversion des mots dans notre société contemporaine. Elle reflète non seulement le concept orwellien de « novlangue », mais aussi une réflexion plus large sur l'état du langage et son rôle dans la liberté humaine. L'utilisation par l'artiste d'une intensité chromatique et de contrastes saisissants sur le papier beaux-arts est un élément marquant du pop art moderne et sert de métaphore à la clarté et à la vitalité qui devraient accompagner la communication humaine. La figure centrale, une représentation saisissante de la défiance, brandit une pancarte qui proclame avec audace « Liberté pour l'humanité », symbolisant la lutte contre la manipulation du langage par les forces économiques et politiques. Le message de Mear One est clair : l'érosion du langage et la marchandisation des mots à des fins lucratives et de pouvoir menacent le tissu même de notre société. L'artiste cherche à inspirer une réévaluation de la manière dont le langage est utilisé et perçu à l'ère moderne. Son œuvre nous exhorte à transcender un lexique enraciné dans l'avidité et à en forger un autre, ancré dans notre humanité collective. Ce message est un appel à la coopération, au partage et à une réévaluation de nos valeurs en tant que civilisation. Adopter un nouveau lexique pour l'émancipation humaine L'œuvre fait le lien entre l'expressivité brute du street art et le discours sophistiqué sur les libertés individuelles. « Liberté pour l'humanité » n'est pas simplement un appel à l'action de Mear One ; c'est une invitation à réfléchir à la marchandisation de notre langage et, par extension, de nos pensées et de nos libertés. À travers sa sérigraphie, Mear One canalise la puissance du street art et du graffiti pour susciter le débat et impulser le changement. L'œuvre ne se contente pas d'être accrochée à un mur ; elle se place en première ligne du discours culturel, incitant le spectateur à se libérer des chaînes orwelliennes de la novlangue contemporaine. En définitive, « Liberté pour l'humanité » est un manifeste symbolique sous forme d'art. Elle nous rappelle la puissance des mots et l'importance de leur libération. Mear One a offert une œuvre visuellement saisissante au street art et au graffiti, porteuse d'un profond message de libération et d'unité. Son œuvre fait figure de phare pour ceux qui cherchent à comprendre le véritable sens de la liberté dans un monde où le langage est constamment menacé d'être récupéré par ceux qui détiennent le pouvoir.

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Scream Provocateurs, édition limitée, sérigraphie monochrome tirée à la main sur papier d'archivage 100 % coton à bords frangés, par Gary Panter, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Estampe de l'événement The Provocateurs (Chicago). Sérigraphie 24 x 36 pouces, signée et numérotée, édition limitée à 200 exemplaires. Cachet de l'éditeur ART ALLIANCE en bas à gauche.

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Edition limitée sur papier Moab Entrada 290gsm par Urban Pop Artist ARTIST Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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VÉRITÉ - Qu'avons-nous perdu ? Sérigraphie artisanale bicolore sur papier Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés, par l'artiste Cleon Peterson. Œuvre d'art pop en édition limitée. Édition limitée XXX signée et numérotée de 2022. Format de l'œuvre : 18 x 24 pouces. « L’image TRUTH a été publiée dans le New York Times juste avant l’élection, dans la rubrique Opinions intitulée « Qu’avons-nous perdu ? ». Les affiches « Le diable m’y a poussé » et « Divisés nous résistent, unis nous tombons » ont toutes deux été publiées le 6 janvier en réaction au pacte faustien conclu par Trump et ses complices lors du coup d’État. Aujourd’hui, nous sommes à la croisée des chemins ; plus que jamais, nous devons nous unir, prendre position, faire entendre notre voix et lutter pour la vérité et la démocratie. Espérons que la lumière du jour dissipe l’emprise de l’extrême droite autoritaire. Je vois ces affiches comme les témoins d’une époque historique et je me sens investi d’une mission : partager mon point de vue. Nous sommes tous épuisés par la politique, mais nous devons saisir cette opportunité et agir, car la menace est fondamentale ; notre démocratie pourrait disparaître en un clin d’œil. » – Cleon Peterson Le lien de Peterson avec le street art est un aspect de son travail qu'il convient de souligner. Bien qu'il ait réalisé de nombreuses fresques murales à travers le monde, l'artiste se considère lui-même comme un artiste de rue : « Je ne me vois pas comme un artiste de rue ni comme quelqu'un qui travaille dans ce style, mais j'aime l'idée de créer de grandes toiles qui interpellent le public. » Ceci révèle sa volonté de rendre son art aussi accessible que possible, afin d'inviter les spectateurs à interagir avec lui et à se confronter aux thèmes qu'il aborde. Cela soulève les questions suivantes concernant l'art de Peterson : « Quelle est sa signification ? A-t-il un sens, après tout ? Si oui, est-il prédéterminé par l'artiste ? » Afin de mieux comprendre la manière dont le sens se construit dans l'univers de Cleon Peterson, il est essentiel, avant tout, de comprendre sa perception des médias comme un terrain fertile pour les allégations, les rumeurs infondées, les suppositions et les mensonges éhontés. Dans le monde créé par l'artiste, et en résonance avec notre propre réalité, les médias sont un outil de manipulation aux mains des politiciens, nous laissant impuissants et à la merci d'un système autoritaire et exploiteur.

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Achat Calla | Terre – Sérigraphie 10 couleurs surdimensionnée tirée à la main sur papier d'art Somerset Satin Tub 410 g/m² par l'artiste Pop Graffiti Jet Martinez Rare Street Art en édition limitée. 2022 Signé et Numéroté Édition Limitée de 80 Oeuvres Taille 31x23 "Cette estampe, mettant en vedette le lys calla, fait partie d'un travail plus vaste que j'ai exploré tout au long de la pandémie. Les tons sourds de ces pièces reflètent un état d'esprit plus sombre, dans lequel je n'ai tout simplement pas jugé approprié de faire un travail brillant et coloré. Ces temps ont semblé incertains et indéfinis. Il a été difficile de faire des plans pour l'avenir, quand le présent a semblé si incertain. De même, faire un travail très coloré et "heureux", a semblé un peu sourd à la situation mondiale plus large. Je ressens toujours le besoin de créer et de faire de belles choses, mais j'explore un aspect plus calme de cette créativité." –Jet Martinez

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Estampe d'art en édition limitée Batard Romanee Archival Pigment sur papier d'art 290 g/m² à bords frangés à la main par l'artiste de graffiti pop moderne Campbell La Pun. 2021 Signé et numéroté - Bâtard Romanée • Tirage pigmentaire d'archives autographié • Imprimé sur papier d'archives Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² • Bords frangés à la main • 45,7 x 58,4 cm (18 x 23 pouces) Signé et numéroté à la main par l'artiste Campbell La Pun, édition limitée à 20 exemplaires

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Œuvre d'art Coco Chanel Riskoleum, impression giclée en édition limitée sur papier d'archivage Coventry Rag par l'artiste de graffiti pop culture Risk. Épreuve d'artiste (EA) signée et numérotée. Tirage giclée sur papier d'archivage Coventry Rag. Tirage réalisé sur commande spéciale pour la Fashion Week de Los Angeles 2017, daté de 2016. Signée et numérotée à la main. 45,7 x 35,6 cm Riskoleum : La mode rencontre le graffiti dans une édition limitée hommage L'estampe en édition limitée « Coco Chanel Riskoleum », créée par le pionnier du graffiti Kelly Graval, alias Risk, capture l'énergie de la mode et de la culture urbaine dans une composition saisissante. Réalisée sur commande spéciale pour la Fashion Week de Los Angeles 2017, cette œuvre fusionne l'élégance haute couture de Chanel avec l'authenticité brute de l'iconographie des bombes aérosol. Mesurant 45,7 x 35,6 cm et imprimée sur papier d'archivage Coventry Rag, cette épreuve d'artiste (giclée) est signée à la main et porte la mention « AP », témoignant du caractère exceptionnel de l'œuvre et du support. Dans le style caractéristique de Risk, elle transforme un objet utilitaire – la bombe aérosol – en un support d'expression pour la mode. Fusion emblématique de couleurs et de cultures chez Risk Risk a émergé de la scène graffiti de Los Angeles dans les années 1980 et est devenu une figure centrale de l'intégration du graffiti des rues aux galeries d'art. Son œuvre joue souvent avec l'esthétique du marketing, la théorie des couleurs et le symbolisme populaire. La série Riskoleum, parodie des marques de peinture commerciales, est l'une de ses contributions les plus emblématiques à la fusion du street art, du pop art et du graffiti avec le monde de l'art contemporain. Avec l'édition Coco Chanel, Risk insuffle le luxe à cet univers urbain, mêlant l'élégance iconique de Chanel à la spontanéité de la culture aérosol. La bombe aérosol devient une métaphore de l'expression de soi, de l'émancipation et de la redéfinition du style. Le dialogue entre la mode et le graffiti L'œuvre ne se contente pas d'afficher le nom Chanel. Elle illustre comment les graffeurs ont réinterprété les codes traditionnels de la mode à travers le prisme de la culture urbaine. La superposition de pochoirs, les aplats de couleur et les techniques de pulvérisation utilisées dans le format Riskoleum contrastent fortement avec l'héritage de la haute couture. Pourtant, c'est précisément cette tension qui confère à l'œuvre toute sa force. La superposition de l'influence de Coco Chanel sur un outil d'expression urbain invite à réfléchir à l'évolution du style, issu aussi bien de la rue que des podiums. Risk démontre que graffiti et haute couture ne sont pas des opposés, mais des collaborateurs dans une nouvelle ère visuelle. Une édition de référence pour les collectionneurs et les passionnés de culture Émission d'artiste en édition limitée, cette estampe Riskoleum Coco Chanel se veut à la fois critique et hommage. Commandée pour un événement de mode prestigieux, elle tisse un lien entre le monde du design et l'esprit rebelle du graffiti. Imprimée sur papier Coventry Rag avec des encres d'archivage, la technique giclée confère à l'œuvre profondeur et longévité, tout en préservant les couches vibrantes caractéristiques de Risk. Bien plus qu'un simple jeu visuel, cette œuvre est une affirmation de l'individualité, de la beauté et du pouvoir de l'art à transcender les frontières culturelles. Risk continue d'influencer le débat autour du Street Pop Art et du graffiti, prouvant une fois de plus que le style peut s'exprimer aussi bien par la peinture que par la couture.

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Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

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Vote Keep Hope & Freedom Alive Sérigraphie en noir et or de Cleon Peterson sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés, édition limitée. 2024 Signée et numérotée Édition limitée à 80 exemplaires par Cleon Peterson Œuvre d'art Format 18x24 Sérigraphie politique démocrate représentant une femme à cheval tenant un drapeau américain. Votez pour que l'espoir et la liberté perdurent - Sérigraphie noire et or L'estampe sérigraphique « Votez pour que l'espoir et la liberté perdurent » (Black & Gold) de Cleon Peterson est un exemple saisissant de street art pop et de graffiti, fusionnant activisme politique et esthétique percutante. Créée en 2024, cette œuvre est une édition limitée à seulement 80 exemplaires signés et numérotés, ce qui en fait une pièce de collection très recherchée. L'estampe mesure 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces) et est imprimée sur un papier d'art Coventry Rag de 290 g/m² aux bords frangés à la main, témoignant d'un savoir-faire exceptionnel. Le contraste entre le noir et l'or sublime son design audacieux, conférant élégance et force au puissant message d'espoir et de liberté véhiculé par l'œuvre. Le style emblématique de Cleon Peterson Cleon Peterson, né en 1973 aux États-Unis, est un artiste reconnu pour son langage visuel percutant et incisif. Son art explore les thèmes du conflit, de la résistance et du pouvoir social, souvent représentés par des compositions audacieuses et une palette restreinte. L'estampe « Vote Keep Hope & Freedom Alive Black & Gold » met en scène une femme à cheval brandissant le drapeau américain, symbole de résilience et de détermination. L'or, présent dans la composition, représente le triomphe et la gloire, tandis que le noir offre un contraste saisissant et ancré dans la réalité. Cette composition dynamique illustre la capacité de Peterson à fusionner commentaire politique et imagerie d'une grande force esthétique. Le rôle du pop art urbain et du graffiti dans l'activisme politique Le street art et le graffiti ont toujours été des vecteurs d'expression politique, ce qui leur confère une grande pertinence dans le paysage culturel et social actuel. Cette estampe capture l'esprit de l'engagement démocratique, invitant chacun à réfléchir à son rôle de citoyen actif dans la construction de l'avenir. La femme à cheval, symbole récurrent de pouvoir et de leadership, est représentée avec des lignes épurées et des détails minimalistes, mettant ainsi l'accent sur le symbolisme de l'action et du mouvement. Les touches dorées apportent une note festive, renforçant l'idée que voter est à la fois un privilège et un devoir. Savoir-faire et éditions limitées Le papier d'art Coventry Rag 290 g/m², à la finition frangée à la main, confère à l'estampe une qualité tangible, soulignant son statut d'objet de collection. Limitée à seulement 80 exemplaires signés et numérotés, cette œuvre dégage une impression d'exclusivité tout en amplifiant son message politique. En fusionnant l'esthétique des beaux-arts avec l'accessibilité des influences de la culture urbaine et pop, Peterson crée un pont entre les univers artistiques. Son utilisation de la sérigraphie rappelle les traditions du Pop Art tout en embrassant l'énergie brute et urbaine associée au graffiti et au street art, assurant ainsi à cette œuvre une résonance auprès du public contemporain. Cette édition limitée se veut à la fois une déclaration visuelle et un appel à l'action, incarnant l'espoir et la liberté à travers le prisme de l'art moderne.

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Couverture de la bande dessinée Joker n° 3, édition limitée, sérigraphie HPM 1 couleur rehaussée d'aquarelle sur papier beaux-arts par Mr Brainwash - Thierry Guetta. Édition limitée 2019, signée et numérotée, à 25 exemplaires. Dimensions de l'œuvre : 34 x 46 Mr. Brainwash est heureux d'annoncer une nouvelle illustration pour sa série de couvertures de bandes dessinées, mettant cette fois-ci en scène l'un des super-vilains les plus célèbres : le Joker, tiré de la couverture de Batman. Sérigraphie monochrome sur papier d'art d'archive déchiré à la main, rehaussée d'aquarelle. Chaque exemplaire de cette édition est unique et les couleurs peuvent varier. Dimensions : 86 x 117 cm. Tirage limité à 25 exemplaires.

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Miles Davis - Édition limitée rose/verte, sérigraphie artisanale 5 couleurs sur papier beaux-arts par Mr Brainwash - Thierry Guetta, artiste de rue, graffiti, pop art moderne. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2015. Dimensions de l'œuvre : 30 x 22,5 cm. Miles Davis (Rose/Vert), 2015. Sérigraphie en couleurs sur papier. 57,2 x 76,2 cm (feuille). Édition limitée à 50 exemplaires. Signée et numérotée au crayon sur les bords, avec l'empreinte digitale et la date de l'artiste au verso. Publiée par l'artiste.

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Estampe d'archives « The Gang » par Dulk - Antonio Segura Donat, édition limitée sur impression pigmentaire d'archives à bords frangés, art de rue pop graffiti, artiste moderne. Estampe signée et numérotée, édition limitée à 50 exemplaires (2023) - Format : 9,84 x 12,83 cm - Impression pigmentaire d'art « The Gang » de Dulk : une symphonie de couleurs et de personnages Dulk, pseudonyme artistique d'Antonio Segura Donat, présente « The Gang », une estampe d'archive en édition limitée, témoignant de son talent de conteur et de son imagination débordante. Chaque estampe, numérotée et bordée à la main, fait partie d'une série très exclusive limitée à seulement 50 exemplaires, au format 25 x 32,6 cm. Cette œuvre est une véritable explosion de couleurs, où la passion de Dulk pour la faune sauvage et sa maîtrise des couleurs se conjuguent en une image d'une joie communicative. Détail et savoir-faire dans les estampes d'archives de Dulk Le choix de pigments d'archivage pour « The Gang » garantit que chaque nuance est capturée avec la profondeur et l'intensité voulues par Dulk. Le papier beaux-arts, aux bords frangés à la main, confère une touche organique aux estampes, faisant écho aux thèmes naturels souvent explorés dans l'œuvre de Dulk. La précision du procédé d'impression aux pigments d'archivage s'accorde parfaitement avec la netteté des détails et la texture caractéristiques de Dulk, assurant ainsi une longue durée de vie à cette ménagerie éclectique. Narration visuelle à travers le graffiti pop « The Gang » présente une multitude de créatures, chacune débordante de personnalité, se détachant sur un fond chaleureux et ensoleillé. L'harmonie ludique de la composition témoigne du talent de Dulk pour mêler réalité et fantaisie, créant ainsi un univers à la fois familier et onirique. À l'instar de nombreuses œuvres de street art et de graffiti, « The Gang » recèle un récit qui dépasse la simple attrait visuel, invitant le spectateur à s'interroger sur les relations et les histoires qui s'entremêlent entre les personnages. Le subtil mélange de couleurs pop art et de design incisif propre au street art confère à « The Gang » une place à part dans l'œuvre de Dulk. Son travail séduit non seulement les amateurs de street art contemporain, mais aussi les connaisseurs des beaux-arts. L'estampe, empreinte de modernité, rend hommage aux traditions du street art et de la peinture animalière classique. Chaque estampe de « The Gang » de Dulk reflète son profond attachement au monde naturel et sa réflexion sur l'interdépendance du vivant. Cette pièce en édition limitée est bien plus qu'un objet de collection ; c'est une tranche d'expression artistique moderne qui capture l'esprit vif du pop art urbain et l'essence vibrante de l'art de Dulk.

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Impression giclée HPM embellie à la main Slick Hand Luke T30 par OG Slick x Luke Artwork, édition limitée sur papier beaux-arts 310 g/m² à bords frangés, impression embellie à la main, artiste graffiti pop de rue. 2025 Signé par Luke et OG Slick Numéroté HPM Rehaussé à la main par OG Slick Giclée et peinture aérosol Édition limitée à 25 exemplaires Format 30x30 cm Impression giclée HPM rehaussée à la main. Les motifs, les coups de pinceau et les couleurs de peinture utilisés pour les embellissements varient. CHAQUE HPM EST UNIQUE. VOUS RECEVREZ PEUT-ÊTRE UNIQUEMENT. L'EXPÉDITION EST CHOISIE ALÉATOIREMENT. Luke et Slick : d'assistant à collaborateur en 2024 À partir de 2018, Luke a commencé à collaborer avec OG Slick sur des projets de fresques murales caractérisées par des images graphiques, audacieuses et de grand format. Bien que sa pratique artistique personnelle soit davantage axée sur le réalisme et le rendu d'après références, il a saisi avec enthousiasme l'opportunité de contribuer aux compositions stylisées de Slick. Au cours des années suivantes, le duo a collaboré à des installations dans différentes villes, développant une relation de travail fondée sur le respect mutuel et une ambition créative partagée. Début 2024, cette confiance s'était muée en un partenariat artistique plus profond. Reconnaissant la progression et l'engagement de Luke, Slick lui a offert la possibilité de passer d'un rôle de soutien à celui de collaborateur créatif à part entière. Cette proposition s'est concrétisée par une réinterprétation de l'œuvre de Slick de 2016, « Hand to Hand », elle-même un hommage à l'œuvre emblématique de MC Escher, « Drawing Hands » (1948). Le concept mettait en scène deux mains s'illustrant mutuellement – ​​une image qui évoque la co-création et la dualité des compétences. Slick y vit l'opportunité de revisiter l'œuvre en mettant en valeur ses propres atouts et ceux de Luke : la fusion d'un design épuré et stylisé avec une technique réaliste et extrêmement détaillée. Il en résulterait une œuvre à deux voix, fusionnant deux langages visuels distincts en une seule composition. Cette version actualisée de « Hand to Hand » servirait non seulement d'hommage à un héritage artistique, mais aussi de témoignage d'une évolution : celle d'un assistant devenu collaborateur, et celle de deux styles se rencontrant dans un respect mutuel et un dialogue créatif. Slick Hand Luke T30 par OG Slick x Luke : Double technique dans le street art pop et le graffiti Slick Hand Luke T30 est une estampe giclée rehaussée à la main, créée en collaboration par OG Slick et Luke. Tirée en édition limitée à 25 exemplaires numérotés et signés, chaque estampe est réalisée sur papier beaux-arts 310 g/m² à grain frangé et embellie à la main par des effets personnalisés : éclaboussures de peinture, traces de spray et accents gestuels. Mesurant 76 x 76 cm, chaque œuvre de cette série est une expression unique de la double vision artistique des artistes, réalisée en giclée haute résolution avec des superpositions de textures et de couleurs spontanées. Chaque estampe est signée à la main par les deux artistes et présente des variations de détails, faisant de chaque pièce de collection une interprétation unique de leurs styles combinés. Fruit de deux approches distinctes – le langage graphique et audacieux d’OG Slick et le rendu photoréaliste raffiné de Luke – cette édition s’impose comme une collaboration marquante dans le domaine du street art et du graffiti. Dialogue visuel entre illustration et réalisme L'élément central de Slick Hand Luke T30 est un concept rendant hommage à l'œuvre de MC Escher, « Mains dessinant » (1948), réinterprétée à travers le prisme du graffiti contemporain et de l'estampe d'art. Une main, gantée et dessinée, brandit un marqueur, dans le style inimitable d'OG Slick, dégoulinant d'encre et pleine de vie. L'autre, une main humaine hyperréaliste, peinte avec une précision photographique, tient un marqueur identique. Ensemble, les mains s'enchaînent dans une boucle créative infinie : chacune donnant vie à l'autre. Cette double réalisation symbolise la collaboration, le respect et la transformation, deux artistes aux esthétiques opposées dialoguant visuellement. Le design est épuré, minimaliste dans sa composition et puissant dans son symbolisme. Sur un fond de papier blanc froissé, le contraste entre l'encre, la texture et la lumière confère une dimension supplémentaire à l'œuvre. OG Slick et Luke : La collaboration comme évolution OG Slick, légende du graffiti dont l'influence s'étend sur plusieurs décennies et puise ses racines dans la culture urbaine de la côte ouest américaine, est connu pour son style unique mêlant références à l'univers du dessin animé et critique culturelle incisive. Luke, artiste plasticien et muraliste émergent, apporte une maîtrise photoréaliste et une approche formelle réfléchie. Depuis qu'il a assisté OG Slick sur des fresques murales de grande envergure à partir de 2018, Luke est passé d'apprenti à collaborateur à part entière. « Slick Hand Luke T30 » marque leur première véritable collaboration, témoignant d'une relation fondée sur la confiance mutuelle, le contraste esthétique et une inspiration réciproque. Leur partenariat n'est pas seulement visuel ; il est philosophique, incarnant la fusion des disciplines et l'estompement des frontières traditionnelles entre art graphique et réalisme dans le Street Pop Art et le Graffiti. HPM Print comme collaboration vivante Chaque pièce de l'édition Slick Hand Luke T30 est rehaussée à la main par diverses applications de spray, coulures, éclaboussures et superpositions picturales, ce qui les rend toutes uniques. Certaines impressions sont dynamisées par des touches de rose ou de magenta, d'autres privilégient des variations monochromes plus subtiles, reflétant la tension et l'harmonie entre les deux créateurs. Les bords irréguliers confèrent à l'impression une dimension artistique tout en préservant l'esprit rebelle du graffiti. Comme pour toutes les éditions HPM d'OG Slick, l'unicité de chaque œuvre souligne la valeur de l'imprévisibilité et de l'intervention brute. Dans le domaine du Street Pop Art et du Graffiti, cette collaboration témoigne d'une évolution, d'un respect mutuel et d'une dualité créative : l'animé et l'anatomique co-créent, et le concept devient réalité grâce à la fusion de deux artistes qui s'inspirent l'un de l'autre.

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The Speeder - Tirage d'art en édition limitée grand format, réalisé à partir de pigments d'archives sur papier Moab Entrada 290 g/m² par l'artiste Adam Fujita, légende du street art pop et du graffiti. Édition limitée à 10 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Format 42 x 21 cm. Bordure à la main. Les œuvres récentes d'Adams, de style néon, explorent la protestation et la résistance à travers l'utilisation du street art et d'internet.

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Be Killer - Impression d'art à base de pigments d'archives avec un échantillon authentique de gant de bandage porté à la main par Muhammad Ali, œuvre de l'artiste de la culture pop urbaine Robert Mars. « Be Killer » de Muhammad Ali : tirage pigmentaire d'archive avec un échantillon de tissu authentique provenant des bandages d'entraînement originaux de Muhammad Ali, imprimé sur papier d'art mat Hahnemühle 310 g/m² William Turner, bordé à la main, 45,7 x 61 cm. Signé et numéroté à la main par l'artiste Robert Mars. Accompagné d'une copie de la lettre de provenance originale signée, datée du 4 avril 2012, de Daria Muhammad, fille de Wali Muhammad, assistant entraîneur et homme de coin d'Ali pendant de nombreuses années (JG Autographs).

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Off On A Fast One - Savage Sacred Young Minds Series 17-Color Hand-Pump Limited Edition Silkscreen Print on 310gsm Coventry Rag (Deckle Edge) by Faile Rare Street Art Famous Pop Artwork Artist. Série Savage Sacred Young Minds FAILE (Américain, établi en 1999) Titre : Off On A Fast One 2016 Technique : Sérigraphie sur papier d'archivage 100 % coton à bords frangés Série Savage Sacred Young Minds

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420 Warhol Style #1 Estampe en édition limitée, sérigraphie 6 couleurs tirée à la main sur papier vélin blanc Coventry Rag 300 g/m² par Risk, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Numéro 1 sur 20. Sérigraphie six couleurs en édition spéciale de Risk Rock Studios pour 420 € – Style Warhol ! Tirage limité à 20 exemplaires, signé et numéroté. Papier vélin blanc Coventry Rag 300 g/m². Format : 50,8 x 50,8 cm.

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Je danse Entre les anges/ Histoires d'amour Face B HPM 24 couleurs Tirage à la main Édition limitée Sérigraphie avec acrylique, encre de sérigraphie et peinture en aérosol sur papier Coventry Rag 310 g/m² à bords frangés par Faile Rare Street Art Artiste célèbre du Pop Art. Édition limitée 2020 signée et numérotée « Dancing Between Angels / Love Stories B-Side » 28 x 40 pouces, peinte à la main, édition limitée à 22 exemplaires, acrylique, encre sérigraphique et peinture aérosol, papier Coventry Rag 320 g/m², signée, estampillée et gaufrée. « Le titre de cette image est tiré d'un vers du poème : « Paysages peints me trompent – ​​Dansant entre anges et anges ». Il s'agit d'une référence à l'arrivée de Marie-Antoinette à Strasbourg, peu après son accession au trône, et aux faux paysages peints placés devant sa fenêtre pour l'accueillir chaleureusement. C'est aussi une allusion au mouvement De Stijl et à la salle de bal Aubette, avec ses lignes angulaires et rectilignes caractéristiques. Sans oublier la proximité de la cathédrale et des anges qui ornent ses murs. Des bulles semblent flotter librement et danser dans l'espace, une sorte d'antithèse à l'esprit de De Stijl, mais une belle référence au mouvement. Nous aimions l'idée de cette jeune fille qui se libère des perceptions construites autour d'elle tout en essayant de ne pas se perdre. » - Faile Récits artistiques en mouvement : L'histoire de « Dancing Between Angels/Love Stories B-Side » par Faile « Dancing Between Angels/Love Stories B-Side », une œuvre captivante du collectif d'artistes Faile, témoigne de la richesse des superpositions et de la narration propres au street art et au graffiti. Cette édition limitée à 22 exemplaires, peinte à la main, est une sérigraphie artisanale 24 couleurs rehaussée d'acrylique, d'encre sérigraphique et de peinture aérosol sur papier Coventry Rag 310 g/m² à grain frangé. Mesurant 71 x 102 cm, chaque estampe est signée, tamponnée et gaufrée, et porte un récit unique mêlant références historiques et vocabulaire artistique contemporain. « Le titre de cette image est tiré d'un vers du poème : « Paysages peints me trompent – ​​Dansant entre anges et anges ». Il s'agit d'une référence à l'arrivée de Marie-Antoinette à Strasbourg, peu après son accession au trône, et aux faux paysages peints placés devant sa fenêtre pour l'accueillir chaleureusement. On y trouve également une allusion au mouvement De Stijl et à la salle de bal Aubette, avec ses lignes angulaires et rectilignes caractéristiques. La proximité de la cathédrale et les anges qui ornent ses murs y contribuent également. Des bulles volent librement et dansent dans l'espace, une image en quelque sorte à l'opposé de l'esprit De Stijl, mais une belle référence au mouvement. Nous avons aimé l'idée de cette jeune fille qui se libère des perceptions construites autour d'elle tout en essayant de ne pas se perdre. » – Faile. Déconstruire les illusions historiques : la toile interprétative de Faile Le récit de « Dancing Between Angels/Love Stories B-Side » puise dans une riche tapisserie de références historiques et artistiques. Inspiré d'un poème, le titre fait allusion aux paysages pastoraux trompeurs présentés à Marie-Antoinette à son arrivée à Strasbourg, conçus pour créer une illusion de bienvenue et de grandeur. Faile prolonge cette métaphore pour explorer les concepts de perception et de soi dans le cadre du pop art et du street art. L'œuvre explore visuellement le déchirement des couches de prétention, une danse vibrante entre réalité et artifice. Elle rend également hommage à De Stijl, mouvement artistique néerlandais mettant l'accent sur l'abstraction et les formes géométriques. Les angles aigus et les lignes rectilignes caractéristiques de De Stijl sont présents dans l'œuvre, juxtaposés aux formes organiques des bulles et à la fluidité de la figure centrale. Ce contraste est un clin d'œil délibéré au mouvement et au dynamisme, remettant en question la rigidité de De Stijl par la danse éphémère des bulles dans l'espace. Mouvement et métaphore : la fusion de la danse et de l'art chez Faile Au cœur de la création de Faile se trouve la représentation d'une figure féminine déchirant les façades qui l'entourent. Cet acte, à la fois littéral et symbolique, est une danse de libération qui révèle les strates cachées sous la surface. L'élan ascendant de la figure et la grâce de ses jambes évoquent une allure de ballerine, suggérant que déchirer le mensonge est aussi élégant que puissant. Les anges et les éléments architecturaux présents dans l'œuvre l'ancrent dans un récit historique plus vaste, reliant la nature éphémère du street art à la permanence du patrimoine culturel. L'intégration de ces éléments crée un dialogue entre le passé et le présent, conférant à l'œuvre une dimension intemporelle. Poésie visuelle : l'attrait rythmique de l'œuvre de Faile « Dancing Between Angels/Love Stories B-Side » est, par essence, un poème visuel qui touche au cœur même du street art et du graffiti. C'est une danse de couleurs et de formes, une composition rythmique qui transcende les limites de son médium. L'œuvre de Faile capture l'esprit du dialogue entre le pop art et la culture populaire, le mêlant à la dimension subversive du street art pour créer une œuvre inédite et profondément marquante. Chaque tirage de cette édition limitée est un fragment narratif, invitant le spectateur à une exploration multiforme de l'œuvre. La danse représentée n'est pas seulement physique ; c'est un voyage émotionnel et psychologique, une danse de l'âme qui reflète la complexité et la richesse de l'expérience humaine. Dans l'univers foisonnant du street art et du graffiti, « Dancing Between Angels/Love Stories B-Side » de Faile est une puissante expression de la capacité narrative et de la profondeur émotionnelle du genre. Elle nous rappelle que l'art peut être un moyen d'examiner nos perceptions, de lever le voile qui obscurcit la vérité et de célébrer le pouvoir libérateur de la danse et du mouvement.

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Impression sérigraphique Relief AP Artist Proof par Pose- Jordan Nickel, tirée à la main, 12 couleurs sur papier Mohawk Superfine UltraWhite 160lb à couverture découpée à la main, édition limitée, œuvre d'art pop street art. Épreuve d'artiste AP 2023 Signée et marquée « AP » Édition limitée sérigraphiée Format 23x30 Naviguant dans l'univers complexe et fascinant du pop art et du street art, l'estampe sérigraphique « Relief AP Artist Proof » s'impose comme un exemple d'art contemporain. Imaginée par l'illustre artiste Jordan Nickel, alias « Pose », cette œuvre incarne son style unique : un mélange harmonieux de palettes de couleurs audacieuses et de motifs complexes. Réalisée avec une méticulosité extrême grâce à la technique de la sérigraphie artisanale à 12 couleurs, l'œuvre dégage une richesse sublimée par la texture impeccable du papier Cover Mohawk Superfine UltraWhite de 160 lb. Le frangipanier du papier souligne le caractère brut et tactile de l'œuvre, ajoutant une touche organique à son essence moderne. Désignée comme « Épreuve d'artiste » et marquée « AP », cette estampe revêt une importance particulière dans l'œuvre de l'artiste. Les épreuves d'artiste sont généralement réservées à la collection personnelle de l'artiste ou à des occasions spéciales, ce qui rend cette estampe particulièrement recherchée par les collectionneurs et les amateurs d'art. Cette création de 2023, mesurant 23 x 30 cm, est non seulement signée par Pose, mais porte également le prestigieux label « AP », gage de son exclusivité. Dans « Relief AP Artist Proof », l’imagination débordante de Pose se manifeste dans une symphonie de couleurs et de formes. L’entrelacement des éléments, des teintes éclatantes aux motifs rythmiques, reflète la convergence de l’énergie brute du street art et de la simplicité iconique du pop art. Témoignage de la contribution de Pose à la scène artistique contemporaine, cette œuvre fait office de phare, éclairant la voie de futures explorations artistiques.

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Œuvre originale unique de Turtle Island Ganas Collage, réalisée à la peinture au pochoir sur papier d'art en chiffon de coton par l'artiste de street art et de culture pop Ernesto Yerena Montejano - Hecho Con Ganas. Peinture originale signée à la bombe aérosol, 2022. Dimensions : 52 x 67 cm. Pochoirs peints à la main à la bombe sur papier chiffon 100 % coton. Bords frangés à la main. Signée et numérotée par Ernesto Yerena Montejano. Pièce unique. L'expression artistique du "Collage Ganas de l'Île aux Tortues" d'Ernesto Yerena Montejano Ernesto Yerena Montejano est un artiste profondément ancré au carrefour culturel du pop art urbain et du graffiti. Son œuvre, « Turtle Island Ganas Collage », est une vibrante célébration de l'identité culturelle, de la résilience et de l'esprit de résistance. Cette pièce unique, réalisée à la peinture aérosol au pochoir sur papier chiffon, incarne l'éthique de la vision artistique de Montejano : « Hecho Con Ganas », c'est-à-dire « fait avec effort et désir ». Signée par l'artiste, cette œuvre de 52 x 67 cm témoigne de son engagement à créer des pièces non seulement visuellement captivantes, mais aussi porteuses d'un commentaire social et politique. Symbolisme et technique dans l'œuvre de Montejano Dans « Turtle Island Ganas Collage », Montejano utilise la tortue, créature vénérée dans de nombreuses cultures autochtones pour porter le monde sur son dos, comme figure centrale symbolisant la terre et l'interdépendance du vivant. Le terme « Turtle Island » désigne le continent nord-américain, utilisé par plusieurs tribus amérindiennes, et son inclusion dans le titre ancre l'œuvre dans les thèmes du patrimoine et du territoire. Le choix des matériaux par Montejano – du papier chiffon 100 % coton aux bords frangés à la main – complète le sujet organique, ancrant l'œuvre dans la tradition et le savoir-faire. Les pochoirs appliqués à la main créent un contraste saisissant caractéristique du graffiti, tandis que les détails complexes et la superposition font écho à la richesse de l'imagerie pop art. La contribution d'Ernesto Yerena Montejano au Street Pop Art Montejano, artiste mexicano-américain, enrichit la riche palette du street art avec des œuvres telles que « Turtle Island Ganas Collage », qui abordent les thèmes de l'identité, de la communauté et de l'activisme. Son travail reflète souvent la réalité des zones frontalières entre les États-Unis et le Mexique, offrant un commentaire visuel sur le paysage socio-politique. En intégrant des motifs issus des cultures indigène et chicano, Montejano tisse un lien entre passé et présent, créant un dialogue entre récits historiques et enjeux contemporains. Son œuvre transcende les frontières traditionnelles du street art, proposant un récit à la fois universel et profondément personnel. À travers son art, Montejano invite les spectateurs à s'engager dans des discussions plus larges sur la justice sociale, le patrimoine et la condition humaine, confirmant ainsi sa place parmi les figures majeures du street art et du graffiti.

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Rowhouse - Tirage manuel - Sérigraphie ovale 24 couleurs sur papier Mohawk Superfine UltraWhite par l'artiste pop de rue Pose - Jordan Nickel - Édition limitée. Édition limitée 2022, signée et numérotée, à 75 exemplaires. Format : 18 x 30 cm, ovale, bords frangés à la main. « Rowhouse », une œuvre d'art d'une précision remarquable signée Pose, de son vrai nom Jordan Nickel, artiste pop street art de renom, témoigne du subtil mélange de pop art, de street art et de graffiti. Plus qu'un simple régal pour les yeux, cette œuvre est le fruit d'un travail artisanal méticuleux. Grâce à une technique d'impression sérigraphique ovale 24 couleurs réalisée à la main, la vivacité et la profondeur de chaque teinte prennent vie sur le papier Mohawk Superfine UltraWhite. Ce choix de papier n'est pas anodin : le Mohawk Superfine est réputé pour sa capacité à restituer la richesse des détails, offrant ainsi le support idéal à l'explosion de couleurs et de détails qui caractérise le travail de Pose. En observant l'œuvre de plus près, on est frappé par la richesse des éléments urbains, juxtaposés à des motifs et des dessins abstraits et colorés, emblématiques du street art et du pop art. Chaque recoin de « Rowhouse » raconte une histoire, offrant une fenêtre ouverte sur la vie urbaine, son chaos, sa beauté et son énergie brute. La forme ovale unique de cette œuvre, accentuée par un bord frangé à la main, lui confère un charme à la fois rustique et contemporain. Sortie en 2022, « Rowhouse » n'est pas une simple œuvre d'art ; c'est un chef-d'œuvre en édition limitée. Avec seulement 75 exemplaires disponibles, chacun signé et numéroté par Pose lui-même, elle est devenue une pièce de collection très recherchée par les amateurs d'art. Ses dimensions, un ovale de 18 x 30 cm, lui permettent d'attirer tous les regards tout en s'adaptant à différents espaces. « Rowhouse » de Pose est une illustration parfaite de l'évolution du street art et du pop art, mêlant techniques traditionnelles et esthétique moderne, ce qui en fait une pièce incontournable pour ceux qui apprécient le subtil équilibre entre tradition et modernité dans l'art.

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M=bw² Collage 36x48 Sérigraphie grand format par Mr. Brainwash - Thierry Guetta Tirage à la main 13 couleurs sur papier beaux-arts à bords frangés Œuvre d'art sérigraphiée en édition limitée. Édition limitée signée et numérotée de 18 exemplaires (2024). Œuvre d'art de taille 48x36, sérigraphie d'Albert Enstine tenant le panneau « Love is the Answer » debout près d'un mur recouvert de graffitis très détaillés. Confluence du génie et du street art : le chef-d'œuvre de Thierry Guetta Dans l'univers vibrant du street art, rares sont les œuvres qui égalent la profondeur intellectuelle et l'impact visuel de « M=bw² », une imposante sérigraphie grand format signée par l'éminent artiste de rue Thierry Guetta, alias Mr. Brainwash. Cette édition limitée de 2024, signée et numérotée, se distingue par ses dimensions exceptionnelles de 122 x 91 cm. L'estampe capture le visage iconique d'Albert Einstein, se détachant sur un mur minutieusement détaillé, recouvert de graffitis, avec une pancarte proclamant « L'amour est la réponse ». Cette œuvre n'est pas seulement un hommage au physicien théoricien, mais une affirmation audacieuse dans le dialogue entre science et street art, fusionnant le domaine de la physique théorique avec l'univers viscéral et coloré du graffiti. Interprétation artistique de l'héritage d'Einstein Albert Einstein, figure emblématique du génie, est au cœur du récit visuel de Mr. Brainwash, où les fondements théoriques de l'univers rencontrent la liberté d'expression du street art. L'œuvre de Guetta condense la complexité des contributions d'Einstein à la science et son importance culturelle en une image aussi stimulante qu'esthétiquement saisissante. Chacune des 18 éditions limitées de « M=bw² » présente une palette de couleurs unique, savamment étirée à la main sur un papier d'art frangé, conférant à l'œuvre une dimension organique et une présence tactile qui évoquent la texture des graffitis sur un mur de briques. Le contraste entre la pose contemplative d'Einstein et le chaos vibrant des graffitis en arrière-plan invite le spectateur à réfléchir au rapport entre ordre et entropie, théorie et pratique, retenue et expression. Cette sérigraphie incarne un dialogue interdisciplinaire, encourageant des interprétations qui transcendent les frontières de l'art, de la science et de la philosophie. L'hommage visuel de Guetta au street art, au pop art et au graffiti Le choix de Mr. Brainwash de représenter Einstein dans le contexte du graffiti révèle l'appréciation de l'artiste pour la sagesse intrinsèque et le potentiel révolutionnaire de la science et du street art. Le collage « M=bw² » devient un geste symbolique, associant le pouvoir transformateur de l'amour, évoqué par le signe d'Einstein, à celui du street art. En superposant un message aussi profond sur un mur couvert de graffitis anonymes, Guetta rend hommage à l'esprit communautaire et souvent révolutionnaire de ce mouvement. L'œuvre s'inscrit ainsi dans le récit plus large du Street Pop Art et du Graffiti, affirmant la valeur de l'amour comme réponse fondamentale et universelle, à l'image des réponses qu'Einstein cherchait dans ses équations. Dans chaque couche de peinture et chaque ligne sérigraphiée avec précision, « M=bw² » reflète la nature multiforme de la connaissance et de la créativité humaines. L'œuvre de Guetta témoigne de l'influence persistante des figures historiques emblématiques et du pouvoir de l'art de réinterpréter et de réinventer leur héritage, en résonance avec la culture contemporaine et le discours social. Le street art, en tant que médium, a souvent constitué un langage visuel pour les marginalisés et les sans-voix, et dans « M=bw² », il articule un message qui mêle l'intellectuel et l'émotionnel, l'historique et l'immédiat. À travers « M=bw² », Thierry Guetta continue de façonner le pouls du street art, lui assurant non seulement son rôle de mode d'expression artistique, mais aussi celui de vecteur d'un commentaire social et intellectuel profond. L'œuvre nous rappelle que l'essence de figures marquantes comme Einstein peut renaître et acquérir une nouvelle pertinence entre les mains d'artistes visionnaires, et que les questions existentielles demeurent aussi pertinentes dans les ruelles ornées de graffitis que dans les annales de la science. Dans l'estampe de Guetta, le message « L'amour est la réponse » se dresse comme une vérité universelle qui transcende les domaines de l'art, de la science et de l'expérience humaine.

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Invasion Dream Club - Série Savage Sacred Young Minds - Sérigraphie en édition limitée 25 couleurs tirée à la main sur papier Coventry Rag 310 g/m² (bord frangé) par Faile Rare Street Art Famous Pop Artwork Artist. FAILE (Américain, fondé en 1999) Titre : Invasion Dream Club 2016 Technique : Sérigraphie sur papier d’archivage 100 % coton à bords frangés Série Savage Sacred Young Minds

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Stubbed Toe - Sérigraphie en édition limitée, noire et bicolore, tirée à la main, sur papier Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés, par l'artiste de la culture pop Cleon Peterson. 2022. 43 x 43 cm. Sérigraphie artisanale. Imprimée sur papier Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés. Chaque exemplaire est signé et numéroté. Édition limitée à 100 exemplaires.

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Achetez The Crawler - Black Limited Edition Hand Pulled 2-Color Screenprint Print on 290gsm Arches Rag Paper with Deckled Edges by Cleon Peterson graffiti street artist modern pop art. Les tirages de Cleon Peterson sont une édition de 150. Réalisés en juin 2017, ils sont signés et numérotés par l'artiste. Format : 20 x 26,75 pouces (50,8 x 66 cm). Le monde de Cleon Peterson est plein de cruauté sans merci, de débauche chaotique et d'une lutte sans fin pour renverser le pouvoir et l'oppression. Ses compositions simples impliquent des connotations complexes et une critique troublante de la privation, de l'isolement et du désespoir croissants de la société. En regardant son travail, on peut facilement comprendre que l'artiste ne prône pas la violence, qu'il arme au contraire dans la lutte contre l'apathie.

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Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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