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Buste en résine polystone édition limitée « Dog Save The Queen », œuvre d'art de l'artiste de rue graffiti moderne D*Face. Présenté avec boîte Pour célébrer le 95e anniversaire de Madge, StolenSpace est fier de présenter une édition très limitée de la toute dernière sculpture issue de la collaboration entre D*Face et Medicom Toys. Mesurant 38 cm (15 pouces), cette sculpture en polystone de haute qualité est une création de Perfect Studio. Chaque pièce est présentée dans un coffret spécialement conçu. « Dog Save The Queen » est une sculpture de l'artiste britannique contemporain Dean Stockton, plus connu sous le nom de DFace. DFace est reconnu pour ses graffitis, peintures et sculptures qui intègrent souvent des éléments de la culture pop et des commentaires sociaux. Fortement influencé par le street art, le punk et la culture du skateboard, son travail a été comparé à celui d'autres artistes de rue célèbres comme Banksy et Shepard Fairey. La sculpture « Dog Save The Queen » propose une interprétation originale du symbole britannique emblématique, l'Union Jack. L'œuvre met en scène un bouledogue, race couramment associée à l'identité britannique, symbolisant la reine d'Angleterre, Élisabeth II. Le titre de l'œuvre est un jeu de mots avec l'expression « God Save the Queen », hymne national britannique et cri de ralliement pour la monarchie. La sculpture « Dog Save The Queen » de DFace représente le commentaire de l'artiste sur l'identité britannique, le patriotisme et le rôle de la monarchie dans la société moderne. À travers l'utilisation du bouledogue, de l'Union Jack et de la couronne, DFace met en lumière l'imbrication de ces symboles dans la conscience collective britannique. Le titre ludique et la représentation du bouledogue suggèrent une approche ironique de ces thèmes, invitant les spectateurs à s'interroger sur leur propre conception de l'identité britannique et de la monarchie.

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« My Shadows Got My Back », œuvre originale et unique en son genre, technique mixte (peinture en aérosol et acrylique) sur toile, réalisée par Chris RWK, artiste de street art populaire. Peinture originale sur toile signée de 2022, format 24x30 pouces Enfant des années 80, Chris baignait dans un univers imprégné des images et des idées véhiculées par la télévision, les bandes dessinées, la musique et les films de l'époque. Immergé dans ces différents médias, il a commencé à consigner les images issues de ces expériences quotidiennes dans ce qu'il appelle un « journal mental ».

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Sérigraphie grise « Dissected Companion » de Kaws - Brian Donnelly, tirée à la main sur papier d'art vélin, édition limitée. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2006. Sérigraphie 20 x 20 pouces (50,8 x 50,8 cm), encadrée sous acrylique. Dimensions de l'encadrement : 20,25 x 20,25 pouces (51,4 x 51,4 cm). KAWS Brian Donnelly Dissected Companion Gris Sérigraphie 2006 La sérigraphie « Dissected Companion Grey » de Brian Donnelly, alias KAWS, réalisée en 2006, est une œuvre emblématique de l'évolution du street art et du graffiti. Tirée à la main sur papier d'art vergé, cette édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, mesure 50,8 x 50,8 cm. L'œuvre représente la figure iconique de Companion, coupée symétriquement en deux : une moitié conserve son apparence lisse et caricaturale, tandis que l'autre révèle une coupe anatomique complexe dévoilant muscles, organes et structure osseuse. Ce jeu entre apparence et anatomie interne est devenu l'un des motifs artistiques les plus célèbres de KAWS. Langage visuel et précision graphique L'œuvre « Dissected Companion Grey » utilise une palette de gris restreinte, accentuant le contraste saisissant entre la figure simplifiée, d'inspiration pop, à gauche, et le rendu anatomique hyper-détaillé à droite. La précision graphique de KAWS en sérigraphie garantit des lignes nettes et une application uniforme des couleurs, caractéristiques de son approche des estampes de collection à fort impact. La face anatomique confère une profondeur inattendue à l'œuvre, offrant une vision à la fois littérale et métaphorique sous-jacente, tandis que le traitement monochrome lui donne une présence élégante, digne d'un musée. Rareté et statut de collection Tirée à seulement 100 exemplaires, cette estampe est signée et numérotée au crayon par l'artiste, garantissant son authenticité et sa valeur de collection. L'exemplaire présenté est encadré sous verre acrylique, avec un passe-partout, pour des dimensions de 51,4 x 51,4 cm (20,25 x 20,25 pouces), ce qui met en valeur l'œuvre tout en préservant l'intégrité du papier d'art. Réalisée au début des années 2000, cette estampe marque une étape cruciale dans la carrière de KAWS, alors que sa transition du graffiti urbain à la reconnaissance internationale dans le monde de l'art contemporain s'accélérait. Les œuvres de cette période sont très recherchées en raison de leur rareté et de l'influence grandissante de l'artiste sur le marché de l'art contemporain. L'impact culturel et artistique de KAWS Brian Donnelly, né en 1974 à Jersey City, dans le New Jersey, a débuté comme graffeur dans les rues de New York avant de se tourner vers la peinture, la sculpture et les estampes en édition limitée. La figure du Companion, apparue à la fin des années 1990, est depuis devenue un élément central de sa pratique, incarnant les thèmes de la vulnérabilité, du consumérisme et de la condition humaine. En fusionnant l'esthétique du dessin animé avec la dissection anatomique, KAWS invite les spectateurs à reconsidérer les formes familières de la culture pop à travers le prisme de l'introspection et de la complexité. « The Dissected Companion Grey » est non seulement une œuvre visuelle saisissante, mais aussi un moment charnière dans le développement de la capacité de KAWS à fusionner la sensibilité urbaine et la production artistique classique, ce qui en fait un jalon indélébile dans l'histoire du street art et du graffiti.

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David with Machine Gun AP Artist Proof Silkscreen Print par Shepard Fairey- OBEY x Blek le Rat Hand-Tired on Fine Art Paper Limited Edition Pop Street Art Artwork. Épreuve d'artiste AP 2008 Signée par Shepard Fairey & Blek le Rat & Marquée AP, Œuvre d'art en édition limitée Format 18x24 Impression sérigraphique. Shepard Fairey x Blek le Rat David avec mitrailleuse AP Sérigraphie 2008 L'épreuve d'artiste (AP) sérigraphiée « David with Machine Gun », datant de 2008, est une œuvre collaborative rare créée par Shepard Fairey, plus connu sous le nom d'OBEY, et Blek le Rat, pionnier du pochoir. Tirée à la main sur papier d'art et mesurant 45,7 x 61 cm, cette épreuve d'artiste est signée par les deux artistes et porte la mention « AP », la distinguant ainsi de l'édition standard numérotée à 100 exemplaires. Les épreuves d'artiste revêtent une importance particulière dans le monde de l'art en raison de leur rareté et de leur lien direct avec le processus d'approbation des artistes, ce qui rend cette pièce particulièrement recherchée par les collectionneurs de street art, de pop art et de graffiti. Imagerie et tension symbolique Cette estampe revisite le David classique de Michel-Ange, symbole des idéaux de beauté, de jeunesse et d'héroïsme de la Renaissance, en lui insufflant une dimension contemporaine : il tient une mitrailleuse. La juxtaposition saisissante entre idéaux humanistes intemporels et instruments de guerre contemporains offre une critique puissante de la violence et de la manière dont les icônes culturelles sont détournées pour refléter les angoisses actuelles. Sur fond de graffitis, la figure incarne la confrontation entre les traditions artistiques savantes et le commentaire social de la rue. L'œuvre invite le spectateur à s'interroger sur la perversion des idéaux de force et de beauté lorsqu'ils sont réinterprétés dans le contexte de la militarisation. Collaboration intergénérationnelle Blek le Rat, né Xavier Prou ​​en France en 1951, est souvent considéré comme le père du graffiti au pochoir. Depuis les années 1980, ses interventions parisiennes ont influencé d'innombrables artistes. Shepard Fairey, né en 1970 à Charleston, en Caroline du Sud, s'est fait connaître grâce à sa campagne OBEY et à ses estampes à forte portée politique, avant d'acquérir une renommée internationale avec son affiche « Hope » de Barack Obama. Leur création commune, « David with Machine Gun », illustre comment deux générations d'artistes issus de cultures différentes peuvent fusionner leurs pratiques pour créer un message commun. L'œuvre rend hommage à l'art classique tout en proposant une critique du monde moderne. Rareté et importance pour les collectionneurs Les épreuves d'artiste, comme celle-ci, sont plus rares que les tirages courants et généralement réservées aux artistes eux-mêmes ou à leurs principaux collaborateurs. Marquée « AP » et signée par Fairey et Blek le Rat, cette estampe revêt une valeur historique et artistique indéniable. Au-delà de sa rareté, l'œuvre illustre de façon saisissante la manière dont les artistes de rue réinterprètent les symboles culturels pour aborder des problématiques urgentes telles que la guerre et la dégradation de la société. La sérigraphie « David with Machine Gun AP » constitue un exemple parfait de la fusion entre l'histoire des beaux-arts et la contestation contemporaine à travers le langage visuel du street art, du pop art et du graffiti.

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Presidents Day - Chaplin - Sérigraphie en édition limitée 6 couleurs tirée à la main sur papier d'art de qualité supérieure à bords frangés à la main par Mr Brainwash - Thierry Guetta - Œuvre rare de street art - Artiste pop célèbre. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2018. Format de l'œuvre : 18 x 22 pouces. À l'occasion de la Journée des présidents, Mr. Brainwash est fier d'annoncer la sortie d'une nouvelle sérigraphie rendant hommage au premier président des États-Unis, George Washington. Cette œuvre, conçue par Mr. Brainwash, présente une image dans quatre poses différentes. Il s'agit d'une sérigraphie en six couleurs sur papier d'art d'archive déchiré à la main. Des tirages individuels des quatre images composant la grande estampe seront également disponibles. Chaque sérigraphie, imprimée sur papier d'art d'archive déchiré à la main, est signée et numérotée, avec une empreinte digitale au dos. Dimensions d'un tirage : 56 x 46 cm (22 x 18 pouces).

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Sculpture en résine d'astronaute érodée par Daniel Arsham x Billionaire Boys Club, édition limitée, pop graffiti, art urbain. Édition limitée numérotée à 500 exemplaires (2023). Sculpture pop art de 21,6 x 30,5 cm représentant un astronaute stylisé américain moderne, avec des éléments érodés, en résine blanche et cristal concassé. Présentée dans sa boîte d'origine. Royaumes qui s'entrecroisent : la sculpture d'astronaute érodée de Daniel Arsham « L’Astronaute érodé » est une œuvre d’art moderne saisissante, à la croisée du pop art, du street art et de l’archéologie. Fruit d’une collaboration entre l’artiste renommé Daniel Arsham et la marque de mode et lifestyle Billionaire Boys Club, cette sculpture en édition limitée explore les notions de temps, d’espace et de matière. Tirée à 500 exemplaires numérotés, l’œuvre mesure 21,6 x 30,5 cm et est réalisée en résine blanche et en cristal concassé, incarnant un futurisme décrépit. Le travail de Daniel Arsham se caractérise par son concept fétiche d’« archéologie fictionnelle », dont « L’Astronaute érodé » est un exemple frappant. La figure, un astronaute stylisé à l’américaine, est réinterprétée à travers le prisme de l’érosion, suggérant le passage du temps et la fragilité des entreprises humaines. La résine blanche évoque la pureté et l’ambition de l’exploration spatiale. L'intégration de cristaux concassés confère à l'œuvre une profondeur supplémentaire, créant une texture qui évoque des siècles d'érosion. Cette pièce témoigne de la sensibilité esthétique partagée par Arsham et Billionaire Boys Club, unissant l'univers du pop art et du graffiti à la minutie artisanale de la sculpture. « L'Astronaute érodé » transcende les contraintes bidimensionnelles traditionnelles du street art, insufflant l'énergie brute et l'esprit de la rue dans une forme tridimensionnelle qui interpelle et captive le regard. Dans le contexte du pop graffiti et du street art, « L'Astronaute érodé » est une manifestation physique des thèmes récurrents dans ces genres : la remise en question des icônes culturelles, la déconstruction des mythes modernes et le dialogue entre passé et futur. La sculpture d'Arsham invite à réfléchir aux récits que nous construisons autour du progrès et à l'empreinte que nous laissons sur l'histoire. L'édition limitée « L'Astronaute érodé » n'est pas qu'un objet de collection ; c'est un sujet de conversation qui abolit la frontière entre art et objet, entre l'éphémère et l'éternel. Cette œuvre audacieuse reflète l'évolution du street art et du graffiti, capturant l'esprit d'exploration et l'esthétique de l'érosion qui caractérisent Daniel Arsham. Les collectionneurs et les amateurs des sculptures de Daniel Arsham et des créations novatrices du Billionaire Boys Club trouveront dans « Eroded Astronaut » une pièce maîtresse pour leurs collections. Chaque sculpture, numérotée individuellement, est un fragment d'un récit plus vaste qui évoque le passage du temps et la fascination intemporelle pour l'exploration spatiale. Cette œuvre témoigne du pouvoir de la collaboration pour repousser les limites du street art et du graffiti et explorer des territoires inexplorés.

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Figurine artistique Together Grey Companion de Kaws - Sculpture en vinyle en édition limitée de Brian Donnelly, œuvre d'art de collection de l'artiste pop street. Œuvre d'art en édition limitée épuisée de 2018, format 6x10x5,5, neuve dans sa boîte, estampillée/imprimée, Foot Grey Kaws Companion Friends Hugging par l'artiste Kaws - Brian Donnelly. Lorsqu'on considère l'évolution du pop art et du street art, on ne peut ignorer l'apport majeur de Brian Donnelly, plus connu sous son pseudonyme de Kaws. Parmi ses nombreuses œuvres emblématiques, la figurine « Together Companion Art Toy » témoigne de sa maîtrise et de son style unique. Sortie en 2018 en édition limitée, cette sculpture en vinyle a rapidement été épuisée, s'imposant comme une pièce de collection très recherchée. Mesurant 15,2 x 25,4 x 14 cm, elle dégage une émotion palpable, grâce à la représentation de deux personnages Companion, créations emblématiques de l'artiste, enlacés tendrement. Leur étreinte, symbole d'amitié et d'unité, illustre avec force l'interconnexion souvent présente dans les communautés urbaines où le street art s'épanouit. Chaque détail de la sculpture, jusqu'au pied estampillé ou imprimé, souligne l'engagement de Kaws envers l'authenticité. Présentée dans sa boîte d'origine, cette œuvre d'art est bien plus qu'un simple jouet ; C'est le reflet de la capacité du street art à saisir les émotions humaines brutes. Avec des œuvres comme le « Together Companion Art Toy », Kaws continue de valoriser le street art, lui assurant ainsi une place essentielle et respectée dans le discours artistique global.

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Lithographie offset POM & Me, édition limitée, sur papier vélin lisse rond, par l'artiste pop urbain Takashi Murakami TM/KK. Édition limitée signée et numérotée de 300 exemplaires (2013), format rond, 19,75 x 19,75 pouces. Takashi Murakami (né en 1962) POM & Moi, 2013 Lithographie offset en couleurs sur papier vélin lisse 49,8 cm de diamètre (feuille) Édition limitée à 300 exemplaires Signée et numérotée à l'encre en bas à droite Publiée par Kaikai Kiki Co. Ltd., Tokyo « POM & Moi » est une lithographie du célèbre artiste japonais Takashi Murakami. Reconnu pour son style unique qui mêle art traditionnel japonais et culture pop contemporaine, Murakami jouit d'une renommée internationale. Son style « Superflat », signature de l'artiste, se caractérise par des couleurs vives et audacieuses et des images aplaties en deux dimensions. L'estampe « POM & Moi » fait partie des nombreuses œuvres créées par Murakami au fil des ans, mettant souvent en scène ses personnages et motifs emblématiques. Cette pièce en particulier reprend des éléments récurrents de son œuvre, tels que ses célèbres fleurs, lui-même et son chien Pom. Artiste aux multiples talents, Murakami a exploré divers médiums, de la peinture et la sculpture à la mode et aux produits dérivés. Son travail a été exposé dans de grandes galeries et musées du monde entier, et il a collaboré avec des marques et des célébrités de renom.

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Achetez AK-47 Lotus - Grand format en édition limitée tirée à la main en sérigraphie 4 couleurs sur papier de coton Coventry Rag personnalisé par l'artiste de rue Graffiti Shepard Fairey. 2022 Édition limitée signée et numérotée de 100 exemplaires Taille 30x41 "Les sérigraphies grand format AK-47 Lotus et AR-15 Lily sont inspirées par les manifestants de la guerre du Vietnam qui mettaient des fleurs dans les canons des fusils de la Garde nationale amenés pour réprimer leurs manifestations pour la paix. Je suis un pacifiste, que ce soit cela signifie trouver des solutions diplomatiques pour prévenir et éviter la guerre au niveau international ou trouver des solutions diplomatiques pour prévenir et éviter la violence armée à la maison. Je ne suis pas contre le deuxième amendement, donc les trolls peuvent se calmer… Je ne suis pas intéressé par le bavardage macho, je viens Je veux que moins de gens meurent inutilement. Brady United fait du bon travail pour prévenir la violence armée, ils recevront donc une partie des bénéfices de ces deux tirages. Merci de votre attention.⁠" -Shepard Fairey

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Karimoku Baby Milo Horizon 400% BE@RBRICK Jouet d'art en bois fait main extrêmement rare Fabricant de meubles japonais Sculpture Bearbrick d'art raffiné BAPE A Bathing Ape. Œuvre d'art en édition limitée sur bois estampé, extrêmement rare (2022), présentée dans sa boîte d'origine en parfait état. BAPE A Bathing Ape Maître du travail du bois au Japon, Karimoku est une référence en matière de mobilier design et désormais aussi de figurines de luxe suite à ses collaborations avec Medicom. « BABY MILO, icône emblématique de BAPE, BE@RBRICK, figurine en forme d'ours à assembler, chef-d'œuvre de Medicom Toy, et le savoir-faire exceptionnel de Karimoku en matière de mobilier se rencontrent pour créer une édition limitée en bois, la « BE@RBRICK Karimoku BABY MILO HORIZON », à une taille agrandie de 400 % (environ 280 mm de hauteur). » - Bape

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Thriller, peinture originale acrylique, peinture pour bâtiment et aérosol sur bois encadré, par Shark Toof, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Œuvre originale signée de 2015, réalisée à la bombe aérosol et technique mixte, format 24 x 36 pouces. La fusion artistique du « Thriller » de Shark Toof « Thriller », une peinture originale de Shark Toof, est une exploration dynamique du graffiti et du pop art contemporain. Créée en 2015, cette œuvre en techniques mixtes – acrylique, peinture pour bâtiment et aérosol sur bois encadré – révèle le style caractéristique de Shark Toof, mélange d'influences urbaines et de rigueur artistique. Signée par l'artiste, cette pièce de 61 x 91 cm (24 x 36 pouces) atteste de l'authenticité de ce vibrant témoignage de son style protéiforme. Reconnu pour la force de ses créations visuelles dans le milieu du street art, Shark Toof met ici en avant ses racines graffiti. Son travail ne se cantonne pas aux codes traditionnels du pop art ; il explore un territoire où l'iconoclasme rencontre l'iconographie. Dans « Thriller », l'influence du street art est palpable, l'énergie brute du graffiti se traduisant par une composition structurée et dynamique sur bois. La démarche de Shark Toof témoigne d'une volonté délibérée de fusionner son style affirmé avec une irrévérence ludique, invitant le spectateur à s'interroger sur les icônes de notre époque et leur signification fluctuante. L'œuvre incarne la philosophie de Shark Toof selon laquelle l'art ne doit pas toujours être pris trop au sérieux, suggérant ainsi le pouvoir de la subversion de ses propres créations. Cette notion de « vandalisme » des icônes est une réflexion sur la nature éphémère de la célébrité et la fluidité des symboles culturels dans notre société. Ce mélange d'introspection et de critique extérieure confère à « Thriller » une place unique dans l'art contemporain. Shark Toof et l'éthique du « faites-le vous-même » du street art Le choix de Detroit comme toile de fond de son processus créatif par Shark Toof témoigne de son attachement à l'éthique du « fait maison » (ou DIY) souvent associée au street art. Son lien avec la ville, réputée pour son industrie florissante et son histoire d'innovation, fait écho à son parcours artistique. À Detroit, ville qui a connu la grandeur et la rudesse, Shark Toof trouve une âme sœur : un paysage qui est à la fois une toile et un catalyseur de créativité. « Thriller » incarne cet esprit DIY non seulement dans sa création, mais aussi dans sa présentation. L'utilisation de bois entoilé comme support est un clin d'œil aux surfaces improvisées souvent employées dans le street art, où tout espace ou matériau peut devenir le fondement de l'expression. Le choix des matériaux par Shark Toof – peinture pour bâtiment et aérosol – fait également écho au langage du street art, où l'immédiateté du médium correspond à l'urgence du message. « Thriller » de Shark Toof célèbre l'évolution du pop art et du graffiti. Son œuvre témoigne du pouvoir du street art à transcender ses origines urbaines et à trouver un écho dans l'espace des galeries. Par son utilisation audacieuse de la couleur, de la forme et des médiums, Shark Toof continue de questionner et de redéfinir ce que signifie être un artiste de rue dans le monde de l'art contemporain. Son travail est un dialogue avec le spectateur, une invitation à explorer les significations profondes qui se cachent derrière les images que nous voyons et les icônes que nous créons.

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Sérigraphie « La Tempête » de Cleon Peterson, imprimée à la main en une couleur sur papier d'art Legion Sirio Ultrablack 370 g/m², édition limitée. 2021. Signée par Cleon Peterson et numérotée. Édition limitée à 30 exemplaires. Œuvre d'art de 24 x 30 pouces. Sérigraphie publiée par Louis Buhl & Co. Signée, datée et numérotée au crayon sur le bord inférieur. L'essence provocatrice de La Tempête dans le pop art urbain Dans la riche palette du street art, rares sont les œuvres qui suscitent un commentaire social aussi percutant que « La Tempête » de Cleon Peterson. Cette sérigraphie artisanale, imprimée sur le somptueux papier d'art Legion Sirio Ultrablack 370 g/m², est une création en édition limitée qui explore en profondeur la dissonance de la nature humaine et les conflits de société. Réalisée en 2021, cette pièce fait partie d'une série limitée à seulement 30 exemplaires, chacun signé par Peterson et numéroté. Mesurant 61 x 76 cm, « La Tempête » impose sa présence, captivant le regard et l'esprit et invitant à un dialogue essentiel à l'esprit du street art et du graffiti. L'œuvre de Peterson n'est pas pour les âmes sensibles. C'est un véritable coup de poing visuel, direct et sans concession dans sa représentation des aspects les plus sombres de l'humanité. « La Tempête » témoigne de cette audace sans bornes, présentant une dichotomie du noir et blanc qui transcende la couleur, explorant les dualités du pouvoir et de la sujétion, de l'ordre et du chaos. La sobriété de la palette monochrome est un choix délibéré, reflétant la division tranchée des structures sociales que Peterson critique souvent à travers son art. L'absence de couleur est un silence stratégique, permettant au récit de domination et de résistance de résonner plus fortement auprès du public. Le pop art urbain et ses dialogues sur la toile de béton Le pop art urbain, genre sous lequel « La Tempête » trouve naturellement sa place, n'est pas qu'une simple expression artistique : c'est un dialogue gravé sur le béton de l'espace public. Peterson transpose ce dialogue sur le papier d'art de qualité supérieure, faisant entrer la brutalité de la rue dans les galeries et les collections des amateurs d'art. Cette transition n'est pas seulement physique ; c'est une migration d'idées, un mouvement qui amène les vérités brutes et souvent dérangeantes du graffiti dans un espace propice à la contemplation et au débat. L'attrait de « La Tempête » est amplifié par sa rareté. Dans le monde de l'art, la valeur d'une œuvre est souvent liée à sa rareté. Une édition limitée à 30 exemplaires garantit que seuls quelques privilégiés pourront acquérir ce fragment tangible de la vision de Peterson. Le processus méticuleux de tirage manuel de chaque estampe et le choix d'un papier haut de gamme transforment « La Tempête » d'une simple reproduction de street art en une pièce de collection d'une grande importance culturelle. La collaboration avec Louis Buhl & Co. pour la publication prolonge ce récit, lui conférant une aura de prestige et assurant la pérennité de l'œuvre d'art au sein des cercles du grand art. Le défi lancé par Cleon Peterson au téléspectateur « La Tempête » est un défi lancé par Cleon Peterson. C'est un gant jeté aux pieds de la société, invitant le spectateur non seulement à observer, mais aussi à s'interroger sur les thèmes sous-jacents de conflit et de contrôle. Le dialogue initié par cette œuvre est caractéristique du pop art urbain et du graffiti, médiums utilisés depuis longtemps pour exprimer des opinions sociales et politiques. L'engagement de Peterson envers ces thèmes est inébranlable, et sa capacité à les transmettre par la sérigraphie témoigne de son talent d'artiste et de sa compréhension de son rôle de provocateur dans le monde de l'art. En conclusion, « La Tempête » de Cleon Peterson est une œuvre marquante qui capture l'essence du pop art urbain et du graffiti par son audace thématique et son impact visuel. Cette sérigraphie artisanale sur papier d'art, limitée à trente exemplaires, transcende les frontières du street art traditionnel pour intégrer le monde des beaux-arts, tout en conservant la spontanéité et la force expressive qui définissent le genre. C'est une œuvre qui fait le lien entre la nature éphémère du graffiti et l'impact durable des beaux-arts, un pont que Peterson emprunte avec une habileté remarquable et une honnêteté audacieuse.

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Baby Milo X Hajime Sorayama - Silver 1000% BE@RBRICK Édition Limitée Vinyle Illustration Medicom Toy Figurine d'Art de Collection Bape - A Bathing Ape. 2022 A Bathing Ape Bearbrick Rare à collectionner , neuf en boîte

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Sweet Sins Brooklyn 27 couleurs, sérigraphie en édition limitée tirée à la main sur papier Coventry Rag 310 g/m² (bord frangé) par Faile Rare Street Art Famous Pop Artwork Artist. Une des estampes classiques de FAILE, imprimées au bloc de bois. 27 couleurs somptueuses, sérigraphiées sur un papier épais de qualité archive. Les collectionneurs de FAILE connaissent le travail minutieux que représente la fabrication de ces estampes. Nous sommes particulièrement fiers de celle-ci. Sweet Sins Brooklyn 71 x 102 cm (28 x 40 pouces) Sérigraphie 27 couleurs Édition limitée à 500 exemplaires Papier Coventry Rag 310 g/m² (bord frangé) Signée, tamponnée et datée FAILE 2015

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AK-47 Lotus - Sérigraphie grand format en édition limitée, tirée à la main en 4 couleurs sur papier chiffon de coton Coventry personnalisé, par l'artiste de rue Shepard Fairey. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Dimensions de l'œuvre : 30 x 41 cm. Dans la riche tapisserie de l'art moderne, la sérigraphie AR-15 Lily de Shepard Fairey occupe une place à part. Chef-d'œuvre contemporain, cette estampe grand format, aux dimensions impressionnantes de 30 x 41 pouces, témoigne du savoir-faire impeccable de Fairey et de sa profonde compréhension des enjeux sociaux. Créée en 2022, l'AR-15 Lily, tout comme son pendant, l'AK-47 Lotus, reflète l'inspiration que Fairey a puisée dans les manifestations emblématiques contre la guerre du Vietnam. Ces âmes courageuses, dans un geste symbolique de paix, glissaient des fleurs dans les canons des fusils de la Garde nationale, présente pour réprimer leurs appels passionnés au calme. Shepard Fairey, artiste de rue et graffeur de renom, est connu pour mêler culture pop, art urbain et problématiques sociales brûlantes dans ses œuvres, et cette pièce ne fait pas exception. Son choix d'une technique de sérigraphie en quatre couleurs pour cette édition limitée à 100 exemplaires lui confère une exclusivité et une élégance indéniables. Cette estampe, réalisée avec une minutie extrême sur papier Custom Cotton Coventry Rag, évoque la nostalgie et le conflit ancestral entre violence et paix. Fairey, comme il l'exprime lui-même, se dit profondément pacifiste. Son œuvre n'est pas seulement une expression artistique, mais un appel à la diplomatie et à l'harmonie, tant sur la scène internationale que nationale. Sans remettre en cause le Deuxième Amendement, il insiste sur la nécessité de réduire les morts inutiles dues à la violence armée. Dans un monde où la frontière entre art et militantisme est souvent floue, l'engagement de Fairey envers les causes qu'il soutient est manifeste. Une partie des bénéfices de cette œuvre, par exemple, est reversée à Brady United, une organisation qui lutte contre la violence armée. « AR-15 Lily » n'est pas qu'une simple œuvre d'art ; c'est une déclaration forte, une invitation à la réflexion et un témoignage de l'engagement indéfectible de Fairey en faveur de la paix. « Les sérigraphies grand format AK-47 Lotus et AR-15 Lily sont inspirées par les manifestants contre la guerre du Vietnam qui déposaient des fleurs dans les canons des fusils de la Garde nationale déployée pour réprimer leurs manifestations. Je suis pacifiste, que ce soit en trouvant des solutions diplomatiques pour prévenir et éviter les guerres à l'international ou pour prévenir et éviter la violence armée chez moi. Je ne suis pas contre le Deuxième Amendement, alors calmez-vous… Je ne suis pas intéressé par les discours machistes, je veux juste que moins de gens meurent inutilement. Brady United fait un excellent travail de prévention contre la violence armée et recevra donc une partie des bénéfices de ces deux estampes. Merci de votre soutien. » – Shepard Fairey

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Somewhere Over The Rainbow, œuvre originale unique en son genre, réalisée à l'encre et à la peinture en aérosol sur bois découpé à la main par le célèbre artiste de graffiti de rue Peter Van Flores. Gravure sur bois originale signée de 2022, intitulée « Somewhere Over The Rainbow ». Hommage à Money. Encre, peinture aérosol et colle de blé sur plusieurs couches de bois découpées à la main. Pièce unique.

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Carnet de graffitis Black Book, dessin, pratique de gribouillage, journal personnel par TC5 x Totem x Psycho x ZiNk x Delk x Comet x Kaws, tag, gribouillis, dessins, peintures et œuvres d'art de pensée de style street pop moderne. Carnet de croquis noir, format 21,9 x 21,6 x 2,5 cm (8,5 x 11 pouces), signé et tagué. Dessins originaux au marqueur, à la bombe, à l'acrylique et aux autocollants. Recueil de graffitis d'artistes variés, vers 1994. Ce carnet à couverture rigide présente les tags et signatures originaux de divers artistes, dont Kaws, ZiNk, Psycho Seen, TC5 et Totem du crew TC5. Il contient de nombreux dessins en couleur, une multitude de tags et de dessins au marqueur, ainsi que des notes personnelles, d'anciens numéros de téléphone, des adresses de lieux de rencontre, des idées et des informations privées sur le crew. 50 pages, couverture comprise (et de nombreuses pages blanches). On y trouve également les tags IBM, Squad One, Pilot et MPV. Carnet de graffitis Black Book par TC5 x Totem x Psycho x ZiNk x Kaws Ce carnet de croquis noir de 1994 immortalise un moment exceptionnel de l'histoire du graffiti, témoignant de la convergence des styles, de la rébellion et de l'expérimentation créative de certains des membres les plus influents du crew TC5. Ce livre relié de 21,6 x 27,9 cm est bien plus qu'un simple carnet de croquis : c'est une archive profondément personnelle de l'énergie brute de la rue. On y trouve des dessins vibrants au marqueur, des superpositions d'autocollants, des illustrations détaillées de personnages, des remplissages, des exercices de throw-up, des notes personnelles et des tags signés par des membres fondateurs comme Totem, Psycho, ZiNk, Delk, Comet, Seen et Kaws. Le carnet mentionne également des pseudonymes et des crews parallèles tels que IBM, MPV et Squad One, offrant un aperçu riche et complexe des sous-groupes de graffiti interconnectés qui ont sévi à New York durant l'âge d'or de la culture du carnet noir. Évolution des tags et art pop urbain et graffiti Les entrées de ce journal reflètent la fusion de l'esthétique wildstyle traditionnelle du graffiti avec les sensibilités graphiques qui influenceront plus tard le Street Pop Art. Chaque page révèle une combinaison de pratique et de performance : des contours de tags d'une précision chirurgicale, des remplissages psychédéliques, des collages de fragments de flyers et des croquis de personnages pleins d'humour et d'attitude. Des artistes comme ZiNk et Psycho ont démontré leur maîtrise technique des lettres en relief tout en les superposant à des personnages ludiques et des décors surréalistes. Le premier tag de Kaws, que l'on retrouve ici sous les noms FC et TC5, témoigne de l'influence naissante de son iconographie fusionnant le dessin animé et l'art contemporain, qui deviendra par la suite sa signature dans les beaux-arts et sur les plateformes commerciales. L'héritage du format Livre noir Bien avant les archives numériques, les carnets noirs étaient au cœur de la culture graffiti. Ils servaient de galeries itinérantes, de lieux d'entraînement et de plateformes de communication intimes entre les graffeurs. Ce carnet en particulier, avec ses tags personnels, ses adresses secrètes, ses numéros de téléphone et ses réflexions, révèle que le graffiti était bien plus qu'une simple expression extérieure : c'était une vie intérieure. Le style agressif de Totem, l'iconographie urbaine stylisée de Delk et les fragments de wildstyle classiques de Comet témoignent d'années d'expérimentation sur les voies ferrées, couchées sur le papier. MPV et IBM apparaissent fréquemment griffonnés sur les stickers et les bordures, et si la signification précise d'IBM dans ce contexte reste ambiguë, on le retrouve systématiquement à côté de tags respectés et il est synonyme de respect au sein du crew. Poids culturel et importance pour les collectionneurs Ce journal témoigne non seulement de l'âge d'or du graffiti à TC5, mais aussi d'une évolution culturelle vers un art urbain et un graffiti stylisés. La profusion de supports – lettrages manuscrits, collages d'affiches de concerts, références à des marques comme Richie Rich et Nervous Records, et stickers personnalisés – fait de ce carnet noir un objet culturel multidisciplinaire. Sur le marché de l'art actuel, ces journaux sont prisés pour leur authenticité, leur sincérité et les aperçus qu'ils offrent sur la vie privée des artistes de graffiti les plus médiatisés. Les signatures manuscrites de Kaws, Psycho, ZiNk et Totem, en particulier, en font un document digne d'être conservé dans un musée, témoignant de la transformation du graffiti, des trains aux murs des galeries.

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Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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AAVEI-2 Peinture en aérosol technique mixte originale, œuvre d'art sculpturale peinte à partir d'objets trouvés par l'artiste de rue graffiti et artiste pop moderne Eddie Colla x D Young V. 2014. Signée par D Young V et Eddie Colla. Technique mixte originale : peinture acrylique en aérosol sur objets recyclés et bois. Dimensions : 55 x 42 cm. Grande peinture technique mixte sur bois avec un pistolet jouet récupéré et 3 bombes de peinture vintage. AAVEI-2 Collaboration avec D Young V et Eddie Colla 55 x 42 x 15 pouces Technique mixte sur bois, bombes aérosol, pistolet à peinture 2014

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Heath Ledger Joker Construction Zone Original Street Sign Painting by RD-357 Real Deal One a Kind Artwork on Real Metal NYC New York Construction Zone No Trespassing Street Sign by Graffiti Art Pop Artist. Peinture originale signée, réalisée en 2012, technique mixte acrylique et peinture aérosol sur panneau de signalisation « Zone de construction – Défense d’entrer » de New York (24 x 24 pouces) . Le Joker, interprété par Heath Ledger dans le film Batman, regarde le spectateur. Étiquette RD rouge rouille. Le Joker d'Heath Ledger de RD-357 : une fusion de street art pop et d'iconographie L'œuvre originale de RD-357, alias Real Deal, intitulée « Heath Ledger Joker Construction Zone », une peinture de rue qui capture l'essence du pop art urbain. Elle utilise de manière provocatrice un panneau de signalisation public détourné à des fins artistiques. Créée en 2012, cette œuvre mixte, réalisée à l'acrylique et à la bombe aérosol, transforme un panneau « Défense d'entrer » de chantier new-yorkais en une toile représentant le célèbre ennemi de Batman, incarné par Heath Ledger. Cette performance interpelle et captive le spectateur. Contextualisation de l'approche artistique de RD-357 RD-357, artiste dont le véritable nom reste un mystère, fidèle à l'esprit d'anonymat propre au street art, est connu pour ses interprétations percutantes de figures de la pop culture sur des supports non conventionnels. Cette œuvre en particulier, mesurant 61 x 61 cm, témoigne de la versatilité du street art et de sa capacité à repousser les limites traditionnelles. RD-357 s'inspire de l'esprit anarchique du Joker, utilisant un symbole de loi et d'ordre – un panneau de chantier – pour dépeindre une image de chaos et de rébellion. L'ironie est frappante : le panneau, qui interdisait autrefois l'accès à une propriété privée, invite désormais le spectateur à une interaction personnelle, voire provocatrice, avec l'œuvre. Symbolisme et impact de l'illustration du Joker de RD-357 Cette œuvre n'est pas un simple portrait ; c'est une prise de position. En choisissant le Joker d'Heath Ledger, RD-357 puise dans la conscience collective d'une société fascinée par l'archétype de l'anti-héros. L'interprétation du Joker par Ledger a été célébrée à titre posthume, et sa mort en 2008 a laissé une empreinte culturelle que RD-357 exploite dans cette œuvre. La juxtaposition de la figure du Joker sur fond de panneau de chantier new-yorkais en dit long sur les courants chaotiques qui sous-tendent l'ordre apparent de la vie urbaine. L'utilisation de techniques mixtes, avec de l'acrylique et de la peinture aérosol, souligne la nature brute et viscérale du street art, tout en rendant hommage à la vitalité du pop art. Le regard du Joker, associé aux couleurs vives et alarmantes du panneau de chantier, crée une présence à la fois troublante et magnétique. Cette interaction oblige le public à réfléchir aux différentes strates de sens de l'œuvre – de la transformation d'un espace public en un moyen d'expression personnelle au dialogue entre l'art et le spectateur qui remet en question les normes sociétales et la définition même de l'espace public. En conclusion, le Joker d'Heath Ledger, réalisé par RD-357 sur un panneau de chantier new-yorkais, illustre de façon remarquable comment le street art peut fusionner iconographie culturelle et message subversif. À travers cette œuvre, l'artiste immortalise un personnage de film culte et interroge les notions d'autorité, de propriété et le rôle de l'art dans le débat public. Cette œuvre unique témoigne du pouvoir du graffiti à redéfinir les espaces et à susciter la réflexion, bien après que la peinture ait séché.

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Sérigraphie « David with Machine Gun » de Shepard Fairey - OBEY x Blek le Rat, tirée à la main sur papier d'art de qualité supérieure, édition limitée, œuvre d'art pop street art. 2008. Signée par Shepard Fairey et Blek le Rat. Édition limitée numérotée à 100 exemplaires. Format : 18 x 24 pouces. Sérigraphie. Shepard Fairey x Blek le Rat David avec mitrailleuse, sérigraphie, 2008 La sérigraphie « David with Machine Gun » de 2008 est une œuvre collaborative créée par Shepard Fairey, alias OBEY, et Blek le Rat, pionnier français du pochoir. Tirée à la main sur papier d'art et produite à 100 exemplaires signés et numérotés, cette estampe de 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces) fusionne le talent de deux artistes de rue emblématiques, à travers les générations. Les deux signatures apposées sur chaque exemplaire en font une pièce de collection majeure dans le domaine du street art, du pop art et du graffiti, soulignant non seulement la force de l'image, mais aussi l'importance historique de cette collaboration. Images et commentaires Cette estampe propose une réinterprétation de la sculpture classique de David de Michel-Ange, métamorphosée ici en une figure provocatrice brandissant une mitrailleuse. La juxtaposition de l'idéal de beauté et de forme humaine de la Renaissance avec la brutalité crue d'une arme moderne constitue une critique acerbe de la guerre, de la violence et de la perversion des idéaux culturels. En plaçant David dans un environnement urbain sordide, recouvert de graffitis, l'œuvre interroge la manière dont l'art et la société se réapproprient les symboles historiques pour répondre aux angoisses contemporaines. Cette puissante réinterprétation s'inscrit à la fois dans la tradition des interventions au pochoir de Blek le Rat dans l'espace public et dans le talent de Shepard Fairey pour transformer les icônes culturelles en outils de critique sociale. Importance de la collaboration Blek le Rat, né Xavier Prou ​​en France en 1951, est reconnu comme l'un des pionniers et des plus influents du graffiti au pochoir. Shepard Fairey, né à Charleston, en Caroline du Sud, en 1970, s'est fait connaître internationalement grâce à sa campagne OBEY et à ses œuvres politiques ultérieures, notamment l'affiche « Hope » de Barack Obama. Ensemble, ils font le lien entre les origines de l'art du pochoir européen et l'évolution graphique et politique du pop art urbain américain. Leurs œuvres communes, telles que « David with Machine Gun », instaurent un dialogue culturel entre deux époques, confirmant la continuité du street art comme plateforme d'expression et de débat public. Résonance politique et valeur de collection « David with Machine Gun » est une œuvre de protestation visuelle qui réinterprète une image de pureté, de jeunesse et de beauté pour dénoncer la corruption des idéaux par la militarisation et la violence. Cette collaboration souligne l'engagement commun des deux artistes à rendre l'art engagé accessible à un large public. Tirée à seulement 100 exemplaires, signée par les deux artistes et forte de son thème, cette estampe est devenue une œuvre majeure et recherchée par les collectionneurs. Elle illustre comment le street art et le graffiti peuvent s'approprier des images familières et les transformer en une critique acerbe du monde moderne, confirmant ainsi son statut d'artefact culturel et d'œuvre d'art à part entière.

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L'Homme qui traverse les murs AP Artist Proof Silkscreen Print par Shepard Fairey- OBEY x Blek le Rat Hand-Tired on Fine Art Paper Limited Edition Pop Street Art Artwork. Épreuve d'artiste AP 2008 Signée par Shepard Fairey & Blek le Rat & Marquée AP, Œuvre d'art en édition limitée Format 18x24 Impression sérigraphique. Shepard Fairey x Blek le Rat L'homme qui traverse les murs, sérigraphie d'artiste, 2008 L'épreuve d'artiste (AP) sérigraphiée « The Man Who Walks Through Walls » (2008) est une collaboration rare entre Shepard Fairey, alias OBEY, et Blek le Rat, pionnier du pochoir. Tirée à la main sur papier beaux-arts et mesurant 45,7 x 61 cm, cette épreuve d'artiste en édition limitée est signée par les deux artistes et porte la mention « AP », la distinguant ainsi de l'édition standard numérotée à 100 exemplaires. En tant qu'épreuve d'artiste, elle revêt une valeur particulière auprès des collectionneurs d'art urbain, de pop art et de graffiti, symbolisant à la fois l'expérimentation artistique et l'approbation directe des créateurs. Imagerie et contexte urbain La composition mêle un travail au pochoir épuré à un mur couvert de graffitis, inscrivant l'œuvre dans l'énergie brute de la vie urbaine. Au centre, un homme en costume porte des sacs étiquetés, aux côtés d'une chèvre, tandis qu'un policier passe au premier plan. À droite, une cabine téléphonique ponctue la scène, ancrant l'œuvre dans l'architecture quotidienne de la ville. La superposition de tags, de slogans politiques et la juxtaposition surréaliste des figures évoquent les thèmes du consumérisme, de l'autorité et de la rébellion. L'homme en costume, en particulier, suggère l'aliénation urbaine, tandis que la présence de la chèvre et de la cabine ajoute une touche d'absurdité, rendant la composition à la fois humoristique et incisivement critique. Collaboration entre Shepard Fairey et Blek le Rat Blek le Rat, né Xavier Prou ​​en 1951 en France, est largement considéré comme le père du graffiti au pochoir, ayant introduit le commentaire social directement dans les rues de Paris dès les années 1980. Shepard Fairey, né en 1970 à Charleston, en Caroline du Sud, s'est fait connaître grâce à sa campagne d'autocollants OBEY et à ses estampes engagées, notamment l'affiche Hope de Barack Obama. Leurs œuvres communes, telles que The Man Who Walks Through Walls, témoignent d'une conviction partagée quant au rôle de l'art public comme plateforme de protestation et de dialogue. La fusion de la sensibilité graphique de Fairey et de l'approche directe du pochoir de Blek souligne la continuité entre deux générations d'artistes de rue engagés. Rareté et importance de l'épreuve d'artiste L'épreuve d'artiste (AP) revêt une importance particulière dans le monde de l'estampe. Généralement produite en très petite quantité et souvent conservée par les artistes, cette épreuve est signée par Shepard Fairey et Blek le Rat et porte la mention AP. Elle bénéficie ainsi d'une valeur de collection et d'une authenticité accrues. Au-delà de sa rareté, son imagerie et sa nature collaborative soulignent la force du street art comme vecteur de critique politique et culturelle. L'épreuve d'artiste sérigraphique « The Man Who Walks Through Walls » est bien plus qu'une simple œuvre d'art : c'est un manifeste percutant sur la culture urbaine, la société de consommation et la résistance, ce qui en fait un exemple emblématique de l'histoire du street art et du graffiti.

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Attention ! Peinture originale technique mixte, graffiti, pop art moderne sur véritable panneau de rue en métal, par Chris RWK. Panneau de rue original signé, technique mixte acrylique et peinture aérosol, 2022 Ce recours à l'intertextualité procure également au spectateur une forme de réconfort ou de familiarité. Les œuvres de Chris révèlent souvent des réflexions quotidiennes et des personnes que l'on croiserait dans la rue sans même s'y attarder.

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Sérigraphie artisanale 29 couleurs « Voyage dans le temps » sur papier Coventry Rag 320 g par l'artiste recherché Futura 2000 - Leonard McGurr, édition limitée, œuvre d'art pop art. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Dimensions de l'œuvre : 30 x 22 cm. Titre : VOYAGE DANS LE TEMPS Technique : Sérigraphie 29 couleurs Papier : Papier chiffon Coventry 320 g Bord : Droit Édition : 100 exemplaires Année : 2022 Imprimeur : Gary Litchenstein Édition signée et numérotée Estampillée du sceau de l’imprimeur maître Certificat d’authenticité inclus

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Robert Lazzarini Companion - Figurine de collection en vinyle marron, édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de graffiti Kaws. 2010 Companion (Brown), 2010 Vinyle coulé peint 7 x 5-1/4 x 2-1/2 pouces (17,8 x 13,3 x 6,4 cm) Estampillé sous les pieds Produit par Medicom Toy et OriginalFake, Tokyo Présenté avec boîte. L'intersection des médiums artistiques : Robert Lazzarini Companion par KAWS Le Companion brun de Robert Lazzarini est un exemple emblématique de l'influence du mouvement art toy sur le street art et le graffiti. Sortie en 2010, cette pièce de collection en édition limitée est le fruit d'une collaboration entre KAWS et l'artiste Robert Lazzarini. Elle se distingue par ses dimensions déformées et ses géométries altérées, qui remettent en question les représentations et les perceptions traditionnelles de l'art. Créée par Medicom Toy et OriginalFake, cette sculpture en vinyle moulé et peint mesure 17,8 x 13,3 x 6,4 cm. Un tampon sous les pieds atteste de son authenticité. Elle est présentée dans sa boîte d'origine, ornée d'un croquis de la figurine qui reflète sa forme tridimensionnelle. Cette pièce de collection fusionne la forme ludique d'un jouet avec la gravité d'une sculpture, une approche caractéristique de KAWS qui consiste à fusionner différents aspects de la culture pop et des beaux-arts. OriginalFake et Medicom Toy : Création d'objets de collection emblématiques Le partenariat entre OriginalFake et Medicom Toy pour la production de la figurine Robert Lazzarini Companion souligne l'importance de la collaboration dans la création d'œuvres de street art. OriginalFake, la boutique et la marque officielles de KAWS, et Medicom Toy, leader des figurines de collection, apportent un savoir-faire et un talent artistique exceptionnels qui élèvent la série Companion au-delà du simple jouet, l'inscrivant dans le domaine de l'art. L'association de cette pièce de collection avec Tokyo, ville réputée pour sa scène artistique dynamique et ses sous-cultures innovantes, renforce son statut d'artefact culturel au sein du mouvement street art. Les collectionneurs sont souvent attirés par le point de rencontre entre l'art contemporain et la culture urbaine incarné par KAWS, ainsi que par le souci du détail et la qualité apportés par Medicom Toy. KAWS : Un visionnaire moderne du street art KAWS, de son vrai nom Brian Donnelly, est reconnu comme un visionnaire du street art. Ses œuvres, souvent caractérisées par des motifs tels que des yeux barrés et des formes corporelles exagérées, trouvent un écho profond dans le milieu de l'art urbain et au-delà. Avec sa teinte brune distinctive et sa perspective déformée unique, le Robert Lazzarini Companion témoigne de l'exploration constante des formes et de l'espace par KAWS. Le design de cette pièce de collection illustre la capacité de l'artiste à transcender les frontières traditionnelles du graffiti, la positionnant ainsi comme une pièce de collection très recherchée. Ses œuvres ornent non seulement les murs des villes, mais trouvent également leur place dans les collections d'amateurs d'art qui apprécient l'alliance entre art accessible et valeur de collection. Importance culturelle du Lazzarini Compagnon L'importance culturelle du Lazzarini Companion réside dans sa capacité à incarner l'esprit du street art pop sous une forme tangible. Il est la manifestation concrète du dialogue entre l'accessibilité du street art et l'exclusivité du monde des collectionneurs. En acquérant une œuvre comme le Lazzarini Companion, les collectionneurs n'acquièrent pas seulement un objet physique, mais un fragment de culture contemporaine qui porte en lui le récit de l'évolution du street art et son dialogue permanent avec le monde de l'art contemporain. Dans le contexte du graffiti, la série Companion remet en question la nature éphémère du street art, conférant permanence et valeur de collection à une forme d'art autrefois fugace. Ainsi, le Lazzarini Companion de KAWS devient non seulement un objet de collection, mais aussi un jalon culturel majeur du mouvement street art pop.

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M=bw² Collage 36x48 Sérigraphie grand format par Mr. Brainwash - Thierry Guetta Tirage à la main 13 couleurs sur papier beaux-arts à bords frangés Œuvre d'art sérigraphiée en édition limitée. Édition limitée signée et numérotée de 18 exemplaires (2024). Œuvre d'art de taille 48x36, sérigraphie d'Albert Enstine tenant le panneau « Love is the Answer » debout près d'un mur recouvert de graffitis très détaillés. Confluence du génie et du street art : le chef-d'œuvre de Thierry Guetta Dans l'univers vibrant du street art, rares sont les œuvres qui égalent la profondeur intellectuelle et l'impact visuel de « M=bw² », une imposante sérigraphie grand format signée par l'éminent artiste de rue Thierry Guetta, alias Mr. Brainwash. Cette édition limitée de 2024, signée et numérotée, se distingue par ses dimensions exceptionnelles de 122 x 91 cm. L'estampe capture le visage iconique d'Albert Einstein, se détachant sur un mur minutieusement détaillé, recouvert de graffitis, avec une pancarte proclamant « L'amour est la réponse ». Cette œuvre n'est pas seulement un hommage au physicien théoricien, mais une affirmation audacieuse dans le dialogue entre science et street art, fusionnant le domaine de la physique théorique avec l'univers viscéral et coloré du graffiti. Interprétation artistique de l'héritage d'Einstein Albert Einstein, figure emblématique du génie, est au cœur du récit visuel de Mr. Brainwash, où les fondements théoriques de l'univers rencontrent la liberté d'expression du street art. L'œuvre de Guetta condense la complexité des contributions d'Einstein à la science et son importance culturelle en une image aussi stimulante qu'esthétiquement saisissante. Chacune des 18 éditions limitées de « M=bw² » présente une palette de couleurs unique, savamment étirée à la main sur un papier d'art frangé, conférant à l'œuvre une dimension organique et une présence tactile qui évoquent la texture des graffitis sur un mur de briques. Le contraste entre la pose contemplative d'Einstein et le chaos vibrant des graffitis en arrière-plan invite le spectateur à réfléchir au rapport entre ordre et entropie, théorie et pratique, retenue et expression. Cette sérigraphie incarne un dialogue interdisciplinaire, encourageant des interprétations qui transcendent les frontières de l'art, de la science et de la philosophie. L'hommage visuel de Guetta au street art, au pop art et au graffiti Le choix de Mr. Brainwash de représenter Einstein dans le contexte du graffiti révèle l'appréciation de l'artiste pour la sagesse intrinsèque et le potentiel révolutionnaire de la science et du street art. Le collage « M=bw² » devient un geste symbolique, associant le pouvoir transformateur de l'amour, évoqué par le signe d'Einstein, à celui du street art. En superposant un message aussi profond sur un mur couvert de graffitis anonymes, Guetta rend hommage à l'esprit communautaire et souvent révolutionnaire de ce mouvement. L'œuvre s'inscrit ainsi dans le récit plus large du Street Pop Art et du Graffiti, affirmant la valeur de l'amour comme réponse fondamentale et universelle, à l'image des réponses qu'Einstein cherchait dans ses équations. Dans chaque couche de peinture et chaque ligne sérigraphiée avec précision, « M=bw² » reflète la nature multiforme de la connaissance et de la créativité humaines. L'œuvre de Guetta témoigne de l'influence persistante des figures historiques emblématiques et du pouvoir de l'art de réinterpréter et de réinventer leur héritage, en résonance avec la culture contemporaine et le discours social. Le street art, en tant que médium, a souvent constitué un langage visuel pour les marginalisés et les sans-voix, et dans « M=bw² », il articule un message qui mêle l'intellectuel et l'émotionnel, l'historique et l'immédiat. À travers « M=bw² », Thierry Guetta continue de façonner le pouls du street art, lui assurant non seulement son rôle de mode d'expression artistique, mais aussi celui de vecteur d'un commentaire social et intellectuel profond. L'œuvre nous rappelle que l'essence de figures marquantes comme Einstein peut renaître et acquérir une nouvelle pertinence entre les mains d'artistes visionnaires, et que les questions existentielles demeurent aussi pertinentes dans les ruelles ornées de graffitis que dans les annales de la science. Dans l'estampe de Guetta, le message « L'amour est la réponse » se dresse comme une vérité universelle qui transcende les domaines de l'art, de la science et de l'expérience humaine.

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Achetez Atlas - Sérigraphie 6 couleurs tirée à la main en édition limitée standard sur papier d'archive déchiré à la main par Mr Brainwash x Rubik graffiti street artiste pop art moderne. Chaque tirage est signé et numéroté par l'artiste, avec une empreinte de pouce au dos. Imprimé sur du papier d'archives déchiré à la main.

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Ensemble de sérigraphies Birdsong Project Portfolio par Shepard Fairey OBEY x Artistes divers sur papier d'art, édition limitée. 2023. Chaque exemplaire est signé par l'artiste. Coffret signé par Shepard Fairey et numéroté. Édition limitée à 250 exemplaires. Œuvre sérigraphiée 30,5 x 30,5 cm. Coffret de 20 estampes sérigraphiées issues du portfolio « Birdsong Project », composé de 20 estampes différentes réalisées par divers artistes. Artistes représentés : Brian Calvin, Danny Romeril, Deedee Cheriel, Duke Riley, Eggpicnic, Ernesto Yerena, Faith47, Isobel Harvey, Jim Houser, Joonbug, Kevin Earl Taylor, Keya Tama, Lovehawk, Mark Mothersbaugh, Monica Canilao, Ravi Zupa, Shepard Fairey, Sophie Wake, Tim Biskup et TOMO77. Oiseaux dans l'univers du pop art urbain et du graffiti Les oiseaux, en tant que motifs, possèdent une portée universelle et une signification symbolique qui transcendent les cultures, ce qui en fait un sujet récurrent dans le street art et le graffiti. Ils symbolisent souvent la liberté, la transcendance et la paix, des concepts en accord avec l'esprit libérateur du street art. La représentation des oiseaux dans ce genre peut aller de fresques réalistes célébrant la biodiversité à des icônes stylisées servant de métaphores pour des idéaux sociaux et politiques. La flexibilité de l'imagerie aviaire permet aux artistes de rue et pop d'explorer des thèmes allant de l'écologique au fantastique. En milieu urbain, où le béton étouffe souvent la verdure, la représentation des oiseaux peut être un rappel poignant du monde naturel qui persiste au cœur du paysage urbain. Ils peuvent contraster avec le décor urbain ou s'y intégrer harmonieusement, incarnant la tension et l'équilibre entre le naturel et l'artificiel. Symbolisme et technique dans l'art aviaire Dans le street art et le pop art, les oiseaux peuvent être représentés de multiples façons. Par exemple, une colombe peut symboliser la paix ou, au contraire, aborder les thèmes de la guerre et des violences urbaines. Les techniques artistiques employées varient considérablement : des rendus photoréalistes et élaborés, célébrant la beauté de ces créatures, aux interprétations abstraites et géométriques, réduisant leurs formes à l’essentiel. La diversité des espèces d’oiseaux offre une riche palette aux artistes, leurs couleurs et motifs étant une source d’inspiration inépuisable pour l’expérimentation visuelle. Dans le street art, le pop art et le graffiti, la représentation des oiseaux est à la fois une célébration de la biodiversité et un défi artistique, incitant les artistes à saisir l’essence de ces créatures de manière novatrice. L'impact culturel de l'art sur le thème des oiseaux L'art ornithologique a le potentiel d'avoir un impact culturel significatif, notamment dans le contexte de la sensibilisation à l'environnement et des efforts de conservation. Le street art et le graffiti mettant en scène des oiseaux peuvent attirer l'attention sur le sort des espèces menacées ou sur l'importance des espaces verts urbains. De plus, ces œuvres peuvent contribuer au bien-être esthétique et psychologique des citadins, en leur offrant des moments de beauté et de réflexion au cœur de l'agitation urbaine. La reconnaissance universelle des oiseaux signifie également que l'art aviaire possède un large attrait et peut transcender les barrières linguistiques et culturelles. Cela fait des oiseaux un sujet idéal pour l'art public destiné à impliquer des publics divers et à favoriser un sentiment d'appartenance à la communauté et une appréciation partagée de la nature. Les oiseaux sont un sujet dynamique et multiforme dans le street art et le graffiti, servant de symboles de liberté, d'agents de beauté et de rappels du monde naturel. Leur représentation artistique peut aller du littéral au symbolique, du réaliste à l'abstrait, chaque interprétation offrant une facette différente de sens et de valeur esthétique. Les œuvres représentées sur l'image que vous avez fournie englobent probablement un large éventail de ces approches artistiques, reflétant le riche potentiel de l'imagerie aviaire pour inspirer et susciter la réflexion à travers la toile vibrante du street art et du pop art.

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Jusqu'à ce que la dette nous sépare, œuvre originale peinte à la main (HPM) sur panneau en bois encadré, prête à être accrochée, par Denial Graffiti Street Artist Modern Pop Art. 2016 Œuvre d'art HPM en édition limitée, signée et numérotée, format 24x24 « Mon ami, mon cousin et moi avons réalisé ces œuvres en deux semaines dans mon atelier. Je me suis vraiment concentré sur des formes plus tactiles et animées pour mes supports. Travailler sur des supports non rectangulaires a été passionnant. » – Denial Denial est un artiste canadien qui expérimente avec l'aérosol et le pochoir. Ses principaux centres d'intérêt sont la société de consommation, la politique et la condition humaine dans la société contemporaine. Face à la popularité croissante du graffiti aux États-Unis et en Europe, les graffeurs devaient faire preuve d'une originalité toujours plus grande pour se démarquer. Leurs signatures sont devenues plus grandes, plus stylisées et plus colorées.

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FL-001 Marc Jacobs Pointman Monogram 40e anniversaire Vinyle par Futura 2000 - Leonard McGurr Figurine en vinyle Art Toy Sculpture Œuvre d'art de collection par l'artiste Pop Street. 2024 Marc Jacobs, édition limitée à 300 exemplaires, neuve en boîte. Monogramme Pointman, œuvre d'art célébrant le 40e anniversaire. Format : 9,5 x 30,5 cm. Graffiti noir et blanc. Logo Marc Jacobs : 5 points de mouvement. 24A124FUVF FUTURA (également connu sous le nom de FUTURA2000) est un artiste de renommée internationale, respecté non seulement pour ses créations contemporaines en peinture, sculpture et dessin, mais aussi pour son rôle pionnier dans le mouvement graffiti new-yorkais des années 1980, surnommé « SUBWAY SCHOOL ». FUTURA et MARC ont récemment collaboré sur un projet et une bourse d'études au profit de FREE ARTS NYC en 2022. Partageant une passion commune pour l'art et l'expression créative, MARC et FUTURA s'engagent à promouvoir l'esprit et les valeurs du centre-ville de New York à travers le monde. Cette collection capsule représente le design de MARC, interprété à travers l'univers de personnages, d'icônes et de gestes dynamiques de FUTURA. Il s'agit de la première figurine de collection en vinyle issue de la collaboration entre l'artiste FUTURA et l'icône de la mode MARC JACOBS. Cette édition spéciale limitée FL-001 « Pointman » a été créée pour célébrer le 40e anniversaire de MARC JACOBS. « La maison de couture éponyme, ornée du monogramme stylisé à la main de FUTURA. » - Marc Jacobs FL-001 Figurine vinyle Marc Jacobs Pointman Monogram 40e anniversaire par Futura 2000 La figurine vinyle FL-001 Marc Jacobs Pointman Monogram 40th Anniversary, créée par Futura 2000, est le fruit d'une collaboration inédite entre le légendaire graffeur Leonard McGurr, alias Futura 2000, et l'emblématique couturier Marc Jacobs. Sortie en 2024 pour célébrer le 40e anniversaire de la maison de couture éponyme de Marc Jacobs, cette figurine en vinyle en édition limitée est un véritable hommage à l'art, à la mode et à la culture urbaine. Tirée à seulement 300 exemplaires, cette sculpture Pointman en noir et blanc arbore le monogramme signature de Futura, inspiré du graffiti, ainsi que le logo audacieux de Marc Jacobs, ce qui en fait une pièce incontournable pour les collectionneurs et les passionnés. Fusion entre l'art du graffiti et la haute couture Cette figurine Pointman en édition spéciale incarne la fusion parfaite entre le pop art urbain et la haute couture. Haute de 30,5 cm et dotée d'une base de 9,5 cm, elle est ornée d'un monogramme noir et blanc complexe, symbole de l'énergie cinétique du style artistique de Futura. Le lettrage graffiti, appliqué avec une précision méticuleuse, crée un dialogue dynamique entre l'art contemporain et l'identité visuelle audacieuse de Marc Jacobs. Ses cinq points d'articulation ajoutent une dimension sculpturale et interactive à l'œuvre, renforçant sa polyvalence en tant qu'objet d'art et figurine de collection. La vision de Futura 2000 Futura 2000, pionnier du mouvement graffiti new-yorkais, est reconnu internationalement pour son approche novatrice de l'art abstrait et de l'expression urbaine. Reconnu pour son approche qui transcende les normes traditionnelles du graffiti, son œuvre fusionne souvent des designs audacieux et futuristes avec des formes organiques et fluides. La figurine FL-001 Pointman Monogram témoigne de sa capacité à adapter son art à de nouveaux supports tout en conservant son style unique. En collaborant avec Marc Jacobs, Futura continue d'étendre la portée du graffiti et d'affirmer sa place au sein de l'art et du design contemporains. Un monument à l'héritage de Marc Jacobs La figurine Pointman Monogram rend également hommage à l'héritage de Marc Jacobs, qui n'a cessé de repousser les limites de la mode et du design. Cette collaboration avec Futura témoigne de la volonté de Jacobs de fusionner les disciplines créatives et de célébrer l'énergie et l'esprit du centre-ville de New York. Cette figurine marque non seulement le 40e anniversaire de sa maison de couture, mais réaffirme aussi son engagement envers le soutien à l'art et à l'expression culturelle, comme en témoignent des projets antérieurs tels que l'initiative Free Arts NYC. Le rêve d'un collectionneur Limitée à seulement 300 exemplaires, la figurine en vinyle FL-001 Marc Jacobs Pointman Monogram 40e anniversaire est une pièce de collection très recherchée. Présentée dans un coffret exclusif au design unique, cette figurine au design saisissant est un incontournable pour les amateurs d'art et de mode. Son élégante palette de noir et blanc lui assure une présence remarquable dans tous les décors, tandis que sa portée culturelle renforce son attrait en tant qu'objet de collection iconique, à la croisée du graffiti, du pop art et de la haute couture. Fruit de la collaboration entre Futura 2000 et Marc Jacobs, cette figurine représente une fusion parfaite entre culture urbaine et design de luxe, faisant de la figurine FL-001 Pointman Monogram un véritable chef-d'œuvre d'art moderne.

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Frank Sinatra The Crooner Édition limitée Peinture à l'huile embellie à la main Sérigraphie HPM sur toile par Steve Kaufman SAK Artiste de rue graffiti Art pop moderne. Sérigraphie HPM signée Frank Sinatra « The Crooner » par Steve Kaufman SAK, 2005

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Protégez la Terre HPM 2 Édition limitée embellie à la main, sérigraphie 11 couleurs et peinture acrylique sur papier beaux-arts par l'artiste Hijack Graffiti Street Pop Artwork. 2022 Signée 1 sur 1 Unique HPM Embellie à la main Édition limitée à 10 exemplaires Sérigraphies uniques en leur genre Œuvre d'art Taille 22,5x30 Sérigraphie encadrée sur mesure d'un homme avec un parapluie cassé marchant devant un mur de graffitis. « Protect the eARTh HPM 2 », œuvre saisissante de l'art urbain contemporain, signée Hijack, offre aux spectateurs un regard pénétrant sur la conscience environnementale, harmonieusement intégrée au paysage urbain. Créée en 2022, cette œuvre témoigne non seulement de l'engagement de l'artiste à mettre en lumière les enjeux mondiaux les plus urgents, mais aussi de sa maîtrise du mélange des médiums artistiques. Au cœur de cette création se trouve une silhouette solitaire, tentant de se frayer un chemin dans l'immensité urbaine, protégée par un parapluie bleu vif et brisé. Ce parapluie, fragmenté mais dont la couleur se distingue nettement, symbolise la résilience de la Terre face aux épreuves. Le bleu profond, évoquant l'immensité des océans et du ciel, contraste fortement avec le fond monochrome de la ville. Ce décor, représentant un mur couvert de graffitis, offre une représentation crue de la dégradation urbaine, accentuée par la présence fantomatique de la silhouette. Au milieu de ce fouillis chaotique de graffitis et de gribouillis, certaines inscriptions comme « Protect eARTh » et « I LOVE EARTH » émergent avec force, rappelant avec émotion le thème central de l'œuvre. Avec « Protect the eARTh HPM 2 », Hijack entreprend de jeter un pont entre les mondes apparemment disparates de la dégradation urbaine et de la protection de l'environnement. Cette édition unique, rehaussée à la main et limitée à seulement dix sérigraphies, mesure 57 x 76 cm et invite le spectateur à la contemplation, à la réflexion et à une nouvelle conception de son rapport à l'environnement. Chaque coup de pinceau et chaque empreinte de sérigraphie témoignent du style caractéristique de Hijack, aboutissant à une œuvre aussi stimulante pour la réflexion que saisissante pour les yeux.

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Achetez TITLE Sérigraphie 4 couleurs tirée à la main sur une œuvre d'art Pop Street Art en édition limitée MEDIUM. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Rise Above, une œuvre d'art unique en son genre, mêlant collage, peinture en aérosol et sérigraphie sur papier beaux-arts, réalisée par les légendes du graffiti D*Face et Shepard Fairey. 2021. Signé en bas à droite au dos par les deux artistes. Collage original réalisé à partir de captures d'écran d'archives et de peinture aérosol. Encadré en hêtre teinté noir. 54 x 48 cm (21 1/4 x 18 7/8 po). Riot D*Face Ruined My Day L'essence collaborative de D*Face et Shepard Fairey L'œuvre intitulée « Rise Above » témoigne avec force de la synergie entre deux figures emblématiques du street art et du graffiti : DFace et Shepard Fairey. Ce collage original, composé de sérigraphies d'archives et de peinture aérosol sur papier d'art, exprime avec puissance le commentaire socio-politique qui caractérise le travail des deux artistes. Signée par DFace et Shepard Fairey en 2021, l'œuvre est encadrée dans un cadre en hêtre teinté noir, mesurant 54 x 48 cm, et porte l'esprit de rébellion et de résistance qui définit l'œuvre des deux artistes. La collaboration entre D*Face et Shepard Fairey pour « Rise Above » marque un tournant dans l'histoire du street art. Chacun a contribué de manière significative à l'évolution du graffiti et du street art, et leur collaboration sur cette œuvre est un dialogue entre deux voix distinctes partageant des intérêts thématiques communs. Le titre de l'œuvre, « S'élever au-dessus », résume l'essence même de la philosophie commune des artistes : un appel à transcender le statu quo et à remettre en question les normes sociales par l'art. « S'élever au-dessus » est une œuvre magistrale, fruit d'un subtil mélange de techniques. Chaque couche de collage, de peinture aérosol et de sérigraphie contribue à la profondeur et à la texture de la pièce. Les sérigraphies d'archives font écho aux œuvres passées des artistes, instaurant ainsi une continuité et un héritage au sein de leur travail. La peinture aérosol apporte une dimension brute et viscérale, rappelant leurs interventions dans la rue, tandis que la sérigraphie confère précision et complexité. Cette combinaison de méthodes aboutit à une œuvre d'une grande richesse visuelle et conceptuelle. Iconographie et message dans « S'élever au-dessus » L'iconographie de « Rise Above » est riche de sens. L'œuvre présente un portrait caractéristique du style de D*Face, évoquant l'esthétique des bandes dessinées et les motifs squelettiques qu'il emploie fréquemment. Ce personnage tient une pancarte où l'on peut lire « DFace Ruined My Day », une déclaration autoréférentielle jouant avec le nom de l'artiste et sa réputation de subversif. L'influence de Shepard Fairey est manifeste dans les éléments typographiques audacieux et l'imagerie de style propagandiste qui incitent les spectateurs à questionner l'autorité et les structures de pouvoir. L'impact socio-politique de « Rise Above » est à la fois actuel et intemporel. En fusionnant leurs styles respectifs, D*Face et Shepard Fairey ont créé une œuvre qui aborde les enjeux socio-politiques contemporains tout en restant pertinente pour les générations futures. L'appel à « s'élever au-dessus » lancé par l'œuvre est un message universel d'émancipation, encourageant les spectateurs à porter un regard critique sur le monde qui les entoure. La collaboration entre ces deux artistes nous rappelle le rôle puissant que l'art peut jouer pour susciter la réflexion et inspirer le changement. L'héritage de « S'élever au-dessus » dans l'art urbain « Rise Above » s'inscrit dans la lignée du street art en illustrant le potentiel de la collaboration au sein de ce genre. Le partenariat entre D*Face et Shepard Fairey démontre comment les artistes peuvent s'unir pour amplifier leur message et leur impact. Ces deux artistes ayant joué un rôle déterminant dans la reconnaissance du street art par le grand public, cette œuvre témoigne également de la maturité de cet art en tant que forme d'art à part entière, capable de transmettre des récits complexes et de susciter de fortes émotions. « Rise Above » est une œuvre saisissante qui incarne l'esprit rebelle du pop art et du graffiti. La collaboration entre D*Face et Shepard Fairey atteste du pouvoir de l'art à communiquer, à interpeller et à inspirer. La complexité de l'œuvre, tant sur le plan technique que symbolique, offre une expérience visuelle riche et un message poignant qui résonne avec les valeurs fondamentales du street art. L'exposition « Rise Above », toujours appréciée des amateurs d'art et des collectionneurs, constitue une contribution importante au discours sur l'art contemporain, nous rappelant le pouvoir transformateur de la collaboration artistique.

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Nous sommes le clan Jocular. Lithographie offset de Takashi Murakami TM/KK. Impression sur papier d'art lisse. Édition limitée. Œuvre d'art pop de rue tirée à la main. Graffiti. 2018 Édition limitée signée et numérotée à 300 exemplaires Lithographie offset Format d'impression 19,63x19,63 Kaikai Kiki Co. Ltd., Tokyo. Décryptage de la symphonie visuelle de « We Are the Jocular Clan » de Takashi Murakami La fusion de l'art contemporain et de la culture urbaine est magnifiquement illustrée dans la lithographie offset de Takashi Murakami, « We Are the Jocular Clan ». Cette œuvre en édition limitée, tirée à la main sur papier d'art lisse, est un exemple emblématique du street art et du graffiti. Murakami, figure incontournable de la scène artistique post-moderne, est reconnu pour brouiller les frontières entre culture populaire et culture savante, un thème qui résonne profondément dans cette création de 2018. Signée et numérotée, cette œuvre est tirée à 300 exemplaires, chacun mesurant 50 x 50 cm, et propose un récit visuel à la fois ludique et profond. L'héritage artistique de Takashi Murakami et l'art du street pop L'esthétique de Murakami, souvent rattachée au mouvement Superflat, témoigne de son profond attachement au langage visuel, tant historique que contemporain. « We Are the Jocular Clan » met en lumière les éléments graphiques emblématiques de Murakami, tels que les fleurs souriantes et les yeux fantasques, devenus sa signature. Ces motifs ne sont pas de simples thèmes visuels récurrents ; ils sont également chargés de sens culturel, puisant dans les traditions artistiques japonaises et l'influence mondiale des animés et des mangas. La juxtaposition de l'art traditionnel japonais et de l'énergie anarchique du street art et du graffiti tisse une tapisserie complexe et riche de significations, interrogeant la perception du spectateur sur l'art, la culture et la société. Matérialité et savoir-faire dans l'estampe de Murakami Le savoir-faire déployé dans la réalisation de « We Are the Jocular Clan » témoigne de la méticulosité des procédés propres à l'estampe d'art. Le choix de la lithographie offset s'inscrit dans une démarche de démocratisation de l'art, principe souvent mis en avant dans le pop art urbain. Cette méthode permet une diffusion plus large de l'œuvre de Murakami, la rendant accessible à un public plus vaste et non plus seulement aux cercles restreints des collectionneurs. Le papier d'art à reliure lisse offre un support idéal pour restituer les couleurs vibrantes et les détails complexes de l'œuvre originale, garantissant à chaque pièce, même au sein d'une série, un caractère unique et personnel. Dialogue culturel à travers le langage visuel de Murakami « We Are the Jocular Clan » n’est pas qu’un simple objet de plaisir visuel ; c’est un dialogue culturel articulé à travers le langage visuel singulier de Murakami. L’œuvre incarne l’essence même du pop art urbain : accessible et complexe, à la fois sérieuse et ludique, individuelle et universelle. Le travail de Murakami fait le lien entre la rue et la galerie, invitant à des interprétations à travers divers contextes culturels et sociaux. Il reflète les questionnements philosophiques de l’artiste sur la nature de la joie, la construction des communautés claniques et le rôle de l’art comme expérience collective. Dans l’art contemporain, l’œuvre de Murakami n’a cessé de repousser les limites de ce qui est considéré comme artistique, à l’instar du graffiti qui, jadis, s’opposait aux frontières de la légalité et de l’acceptation dans l’espace public. « We Are the Jocular Clan » renferme dans sa composition vibrante l’esprit révolutionnaire du street art, les plaisirs esthétiques du pop art et la profondeur conceptuelle des pratiques artistiques contemporaines. À l'instar de l'œuvre de Murakami, cette œuvre catalyse le discours actuel sur les intersections et les divergences au sein des formes artistiques et sur l'évolution du récit du street art pop et du graffiti.

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Astro Boy Rouge Original 1ère Édition Art Toy par Kaws - Sculpture en vinyle en édition limitée de Brian Donnelly, œuvre d'art de collection par un artiste pop street. Édition limitée 2012 à 500 exemplaires. Œuvre d'art de 6,5 x 15 pouces, neuve en boîte. Pied imprimé représentant Astro Boy avec son compagnon/ami tenant la tête, par l'artiste Kaws - Brian Donnelly. Exploration de l'œuvre Astro Boy de KAWS dans l'univers du pop art urbain L'influence des icônes de la culture pop sur l'art contemporain est devenue indéniable au XXIe siècle, notamment dans les domaines du street art et du graffiti. Rares sont les artistes qui ont su traduire cette influence en œuvres tangibles avec autant de brio que Brian Donnelly, alias KAWS. Parmi ses créations les plus célèbres, la figurine Astro Boy rouge originale de première édition témoigne de la fusion harmonieuse entre nostalgie de l'enfance et maîtrise artistique. Né à Jersey City, dans le New Jersey, KAWS s'est imposé en fusionnant les éléments du graffiti avec une sensibilité artistique raffinée. Son œuvre se caractérise par des couleurs vives, des lignes graphiques et l'utilisation récurrente de personnages aux yeux barrés, une signature visuelle qui imprègne tout son travail. Il a débuté comme graffeur, perfectionnant sa technique et son iconographie dans la rue avant d'investir les ateliers et les galeries, où il a depuis lors connu un succès fulgurant. KAWS tisse des liens entre le vécu personnel et les thèmes universels, puisant dans l'inconscient collectif grâce à des figures à la fois familières et métamorphosées. Astro Boy Red Original de KAWS : Un phénomène de street pop En 2012, KAWS a sorti Astro Boy Red Original 1st Edition, une édition qui capture l'essence du street art et rend hommage à la figure emblématique d'Astro Boy, personnage culte de l'animation japonaise. Cette édition limitée à 50 exemplaires illustre le talent de KAWS pour réinventer les icônes de la pop culture, préservant leur attrait originel tout en les projetant sous un jour nouveau, provocateur, introspectif et contemporain. La sculpture en vinyle mesure 16,5 x 38 cm, une taille à la fois accessible aux collectionneurs et suffisamment imposante pour marquer les esprits. Vêtue d'un noir et d'un rouge saisissants, la figurine captive le regard par sa simplicité et la juxtaposition d'un rouge vif et inflexible sur un teint naturel. La signature de KAWS – les yeux croisés et les mains gantées – transforme le personnage initialement optimiste d'Astro Boy en un commentaire poignant sur les complexités du monde moderne. Œuvre d'art de collection de KAWS : Plus qu'un jouet Le dialogue artistique qu'elle suscite fait de la figurine Astro Boy Red Original bien plus qu'un simple objet de collection. Les mains soutenant sa tête, la figurine dégage une impression d'introspection et de mélancolie, rompant avec l'image habituelle d'Astro Boy, symbole d'espoir et d'énergie juvénile. Cette dualité illustre parfaitement l'essence du street art, où l'humour et la fantaisie côtoient la gravité des réflexions sur le monde réel. Chaque pièce est neuve et présentée dans sa boîte, avec des pieds imprimés qui prolongent le récit de l'œuvre. Ce souci du détail garantit au collectionneur, dès le déballage, une expérience artistique minutieusement élaborée par KAWS. Posséder une telle pièce n'est pas un simple acte d'acquisition, mais une invitation à réfléchir à la pertinence et à la résonance des icônes pop dans la société contemporaine. L'Astro Boy Red Original 1ère édition marque une étape importante dans l'exploration des émotions humaines par KAWS à travers le prisme des personnages animés. Elle réaffirme sa capacité à distiller des thèmes complexes en formes immédiatement reconnaissables. Alors que le monde de l'art continue de reconnaître et d'intégrer le pop art urbain et le graffiti, KAWS demeure une figure emblématique grâce à son esthétique audacieuse et à sa critique culturelle incisive, dissimulée sous des formes d'apparence ludique. L'œuvre de Brian Donnelly, notamment des pièces comme Astro Boy Red Original, nous rappelle le pouvoir transformateur de l'art. Bien qu'elles puisent leurs sources dans des références familières, ces œuvres suscitent de nouvelles interprétations et émotions, nous incitant à questionner notre rapport aux icônes de notre enfance et de notre société. À travers cette œuvre et d'autres, KAWS continue d'influencer le débat autour du pop art urbain, affirmant sa place parmi les mouvements artistiques majeurs. L'héritage de ses créations, caractérisé par leur profondeur émotionnelle et leur impact visuel, confirme son rôle central dans l'évolution de l'art inspiré par la rue. Astro Boy Red par KAWS : Hommage à l'anime et effondrement émotionnel dans l'art urbain pop et graffiti Astro Boy Red est une sculpture en vinyle en édition limitée, créée en 2012 par Brian Donnelly, alias KAWS. Mesurant 16,5 x 38 cm et produite à 500 exemplaires, cette figurine fusionne l'emblématique personnage japonais Astro Boy avec le motif Companion, devenu la signature de KAWS. La sculpture représente Astro Boy dans un moment de vulnérabilité, les mains cachant son visage en signe de désespoir, avec les yeux barrés et les mains gantées caractéristiques du motif Companion. Vêtu de ses bottes rouges et de son slip noir, la figurine conserve la silhouette originale d'Osamu Tezuka tout en la transformant en un symbole contemporain mélancolique. Cet hybride est au cœur du langage narratif du Street Pop Art et du graffiti, où des personnages mythiques sont réinventés en êtres complexes sur le plan émotionnel, porteurs d'une résonance moderne. L'héritage de l'anime rencontre l'intervention sculpturale Astro Boy, la création légendaire du pionnier du manga Osamu Tezuka, est un personnage emblématique qui symbolise l'espoir, le progrès et l'idéalisme humains. KAWS réinterprète ce symbolisme en insufflant à la sculpture les traits caractéristiques et la profondeur émotionnelle de la série Companion. Il en résulte une icône qui pleure sa propre légende. La pose d'Astro Boy – la tête entre les mains – est inhabituelle pour le héros robot joyeux, mais elle résonne profondément avec la tristesse introspective qui imprègne toute la série KAWS Companion. La sculpture interroge les notions de célébrité, de pression et d'identité, transformant un héros d'enfance en une figure de détresse silencieuse. Dans l'univers du street art et du graffiti, de telles réinterprétations brisent la carapace narrative de personnages cultes pour révéler leur psyché. Matériaux, construction et format de collection Façonnée en vinyle lisse et brillant, la sculpture est présentée dans un coffret collector rouge orné d'un dessin au trait blanc représentant la figurine et d'une étiquette. Ses surfaces moulées avec précision et sa peinture impeccable témoignent de la collaboration constante de KAWS avec les professionnels de la fabrication de jouets, élevant ainsi cette pièce de collection au rang d'œuvre d'art. Le socle de la sculpture porte des inscriptions de l'artiste, confirmant son appartenance à la collection grandissante de sculptures en vinyle rares de KAWS. Chaque aspect du design, de l'échelle à l'emballage, renforce la double identité de la sculpture, à la fois jouet et objet d'art, l'inscrivant dans l'esprit tactile et accessible du Street Pop Art et du Graffiti, tout en soulignant l'exclusivité des objets de collection d'art. L'héritage du remix de Brian Donnelly dans la sculpture moderne Brian Donnelly, né aux États-Unis en 1974, est passé de la culture graffiti et des collaborations dans le monde de la mode à une figure emblématique du pop art et de la sculpture sur vinyle. Son personnage, Astro Boy Red, a été décliné sous de nombreuses formes sculpturales et numériques, exprimant souvent l'aliénation, la lassitude et le deuil. Avec Astro Boy Red, Donnelly applique ce même vocabulaire émotionnel à un personnage préexistant, l'enrichissant d'une réflexion culturelle sur la nostalgie, le fandom et la performance. La figure reflète le poids de l'héritage et de la visibilité dans un monde saturé de médias, où même les identités héroïques flanchent sous la pression existentielle. S'inscrivant dans le canon du Street Pop Art et du graffiti, Astro Boy Red est une étude de réinterprétation : il s'empare du mythe de l'innocence technologique et le transforme en une posture de souffrance humaine. C'est un objet de contrastes : héroïque et vaincu, iconique et fracturé, parfaitement modelé et pourtant émotionnellement vulnérable.

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Nouvelle peinture à l'huile originale et unique sur toile, intitulée « Bill Drizzle », de Steve Kaufman SAK, artiste pop moderne, pour un montant de 100 $. 1998 SAK - Toile originale signée « Billet de 100 dollars ». STEVE KAUFMAN. À vendre : « Billet de 100 dollars » est une peinture originale de l'artiste, une œuvre d'art RARE entièrement signée par le regretté et talentueux assistant d'Andy Warhol, STEVE KAUFMAN ! Rare et très recherchée par les collectionneurs. Absolument magnifique ! Dimensions : 60,4 x 36,3 cm.

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Exclamation - Sérigraphie bicolore grand format en édition limitée, tirée à la main sur papier Coventry Rag 100 % coton de qualité archive, avec bords frangés à la main, par Shepard Fairey, artiste de rue graffiti, art pop moderne. L'évolution d'André a donné naissance au visage simplifié de l'icône Obey, à l'étoile Obey et au logo Obey en forme de boîte rouge, inspiré par le travail de Barbara Kruger. Ces icônes, ainsi que divers éléments de l'autocollant original, sont devenus les fondements du répertoire visuel de Shepard Fairey. Leur intégration récurrente dans l'œuvre vise à imiter le mécanisme stratégique employé par les marques et la publicité. Sérigraphie sur papier Coventry Rag 100 % coton, qualité archive, bords frangés à la main. 76 x 104 cm. Signée par Shepard Fairey. Édition numérotée de 89 exemplaires.

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Œuvre originale unique de 1987, réalisée à la peinture en aérosol et à partir d'objets récupérés sur bois recyclé par le célèbre artiste de graffiti de rue Eddie Colla. Peinture acrylique originale signée, réalisée en 2019 avec des éléments de récupération. Dimensions : 34 x 34 cm. « 1987 » 86 x 86 cm (34 x 34 pouces) Technique mixte sur bois 2019 Signé et titré au dos

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Sweet Sins - Sérigraphie HOM ornée, édition limitée, bicolore bleue, tirée à la main, sur papier Lenox 100 par Faile, artiste de street art rare et célèbre du pop art. Édition limitée à 250 exemplaires. Acrylique et encre sérigraphique sur papier Lenox 100. Coloris bleu/rouge. Signé, tamponné et numéroté par Faile.

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« Peoples Power », une peinture originale réalisée avec des techniques mixtes (pochoir et peinture aérosol) sur un panneau de bois découpé, par Icy & Sot, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Œuvre originale signée de 2015, réalisée à la bombe aérosol et au pochoir sur bois découpé, format 21 x 46 pouces (taille réelle). « American Dream s’inspire d’un sans-abri tenant un gobelet Starbucks et demandant de l’argent. Il y a beaucoup de sans-abri à New York, mais ils sont invisibles entre les gratte-ciel. Nous l’avons peint plus grand que l’Empire State Building pour qu’il soit plus visible. » – Icy & Sot Décryptage du langage visuel du « pouvoir du peuple » L'œuvre intitulée « People's Power », réalisée par le duo d'artistes de rue Icy & Sot, est un exemple saisissant de pop art moderne qui mêle l'intensité brute du graffiti à l'attrait captivant du pochoir. Créée en 2015, cette pièce originale a été minutieusement réalisée à l'aide de techniques mixtes, principalement le pochoir et la peinture aérosol, sur un panneau de bois découpé. Le choix des matériaux et la technique employée par les artistes témoignent de leur profond ancrage dans les traditions du pop art urbain et du graffiti, où l'utilisation de la peinture aérosol est emblématique et où les pochoirs permettent de créer des images nettes et répétables, rapidement réalisables dans l'environnement souvent complexe des espaces publics. L'expression artistique des réalités sociales « People's Power » s'inscrit pleinement dans l'esprit du street art en abordant avec audace des thèmes socio-politiques. Le travail d'Icy & Sot témoigne souvent d'une profonde compréhension des enjeux contemporains, et cette œuvre ne fait pas exception. Le récit du « rêve américain », source d'inspiration de « People's Power », trouve son origine dans l'observation par l'artiste d'un sans-abri à New York, serrant contre lui un gobelet Starbucks tout en mendiant. Cette scène poignante, se détachant sur fond de gratte-ciel imposants, a donné naissance à une œuvre qui vise à mettre en lumière la présence souvent invisible et marginalisée des figures urbaines. L'imagerie symbolique du « pouvoir du peuple » Dans « Le Pouvoir du Peuple », le personnage central est représenté comme plus grand que nature, éclipsant l'emblématique Empire State Building. Ce choix artistique élève le sujet, au sens propre comme au figuré, lui conférant une visibilité habituellement refusée dans la réalité. La foule hétéroclite qui l'entoure semble solidaire, suggérant un soulèvement collectif ou une opposition unie aux problèmes de société. Les couleurs vives qui colorent son visage insufflent une impression de vitalité et peut-être une lueur d'espoir au milieu du noir et blanc austère de la foule. Technique et forme dans le processus créatif d'Icy & Sot La maîtrise technique d'Icy & Sot transparaît dans la précision du travail au pochoir et le chaos maîtrisé de la peinture en aérosol. En choisissant un panneau de bois comme support, les artistes s'affranchissent du caractère éphémère des murs de la rue, permettant à « People's Power » d'exister comme un manifeste portable de leur position artistique et idéologique. La forme découpée de l'œuvre rompt avec la toile rectangulaire conventionnelle, lui conférant une présence quasi sculpturale qui fait écho à l'expérience tridimensionnelle de la rencontre avec le street art dans la rue. Contextualiser le « pouvoir du peuple » au sein du pop art urbain « People's Power » est bien plus qu'une œuvre visuellement captivante ; c'est un véritable artefact culturel qui incarne l'esprit du street art. Icy & Sot ont su exploiter avec brio le potentiel expressif du graffiti pour communiquer avec un large public, transcendant les barrières linguistiques et culturelles. L'accessibilité de l'œuvre est essentielle à son impact, s'inscrivant dans la tradition du street art qui s'adresse directement au public, sans les filtres des galeries et musées traditionnels. Impact et héritage du « pouvoir du peuple » L'héritage de « People's Power » réside dans sa capacité à confronter et à dialoguer avec son public sur des vérités dérangeantes. À l'instar de nombreuses œuvres majeures du street art, sa valeur est amplifiée par sa pertinence au regard des débats de société contemporains. L'engagement d'Icy & Sot à aborder les aspects les plus tabous de la modernité confère à « People's Power » le statut non seulement d'objet d'admiration esthétique, mais aussi de symbole de conscience sociale dans le domaine de l'art moderne.

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Love is the Answer Estampe sérigraphique originale unique à la peinture en aérosol HPM par Mr. Brainwash - Thierry Guetta Estampe technique mixte sur papier d'art à bords frangés Édition limitée Œuvre d'art pop de rue. Œuvre originale unique, signée et accompagnée d'un certificat d'authenticité (COA), réalisée à la bombe aérosol et à l'acrylique, avec des techniques mixtes et embellie à la main par HPM. Dimensions : 16 x 21 pouces. Le célèbre physicien théoricien Albert Einstein tient une pancarte sur laquelle on peut lire « L'amour est la réponse », ornée de nombreuses touches de peinture en aérosol et de peinture colorée. L'amour est la réponse : une représentation du génie dans le pop art urbain Dans le monde éclectique et vibrant de l'art contemporain, « Love is the Answer » s'impose comme une œuvre marquante, fruit de la collaboration entre le célèbre artiste de rue Mr. Brainwash, alias Thierry Guetta. Cette sérigraphie en technique mixte sur papier d'art frangé est une édition limitée qui fusionne harmonieusement les univers du pop art et du street art avec l'image iconique d'Albert Einstein. Créée en 2015, « Love is the Answer » est une œuvre originale unique, peinte à la main (HPM), sur un support sérigraphié, rehaussé par Mr. Brainwash de peinture aérosol et acrylique. Ce travail artisanal confère à chaque pièce de la série un caractère unique et une personnalité propre. Ses dimensions imposantes (40,6 x 53,3 cm) lui donnent une présence captivante qui invite à la contemplation. L'œuvre représente le célèbre physicien théoricien Albert Einstein, tenant une pancarte où l'on peut lire « Love is the Answer ». Ce message, associé à la cacophonie visuelle des graffitis aux couleurs vives, crée une juxtaposition à la fois saisissante et stimulante. L'image d'Einstein, synonyme d'intelligence et de perspicacité, couplée à un message simple mais universel sur l'amour, invite à un dialogue sur la complexité de la condition humaine et la simplicité de sa résolution par l'amour. Style emblématique de M. Brainwash Mr. Brainwash joue un rôle essentiel dans l'introduction de l'esthétique du street art dans les galeries d'art. Son œuvre intègre souvent des figures historiques et culturelles importantes, les inscrivant dans un contexte contemporain à la fois accessible et stimulant. Dans « Love is the Answer », le style caractéristique de l'artiste est manifeste : une base monochrome rehaussée d'explosions de couleurs, symbolisant le chaos et la vitalité de la vie. À l'instar de nombreuses œuvres de Mr. Brainwash, cette pièce est bien plus qu'une simple représentation ; c'est une expérience interactive. Les éclaboussures et les coulures de peinture ne se contentent pas d'orner le papier ; elles perturbent et interagissent avec l'image d'Einstein, suggérant que même au sein de la précision rigoureuse de la science, il existe une place pour la spontanéité et la passion de l'art. L'amour est la réponse. Impact culturel et collection HPM unique. En tant qu'œuvre d'art de collection, « Love is the Answer » exerce une fascination particulière. Signée par Mr. Brainwash et accompagnée d'un certificat d'authenticité, elle est particulièrement recherchée comme pièce d'histoire de l'art. Ses techniques mixtes et son édition limitée en font un objet de convoitise pour les collectionneurs et les amateurs de street art et de graffiti. Son impact culturel est également considérable. Elle établit un pont entre différentes formes d'expression, du monde cérébral de la physique théorique à l'univers dynamique du street art. En plaçant Einstein dans un contexte aussi coloré et inattendu, Mr. Brainwash invite le spectateur à reconsidérer cette figure comme un scientifique et un messager de paix et d'amour. « Love is the Answer » de Mr. Brainwash illustre avec force comment le street art et le graffiti peuvent transcender les frontières de la rue et accéder au panthéon de l'art. L'œuvre ne se contente pas de représenter une figure célèbre ; elle confère à l'image une signification et une pertinence nouvelles. C'est une affirmation selon laquelle, au milieu des complexités et des défis de la vie, les vérités les plus simples peuvent résonner avec le plus de force. Pour les collectionneurs et les admirateurs, posséder « L'amour est la réponse » représente bien plus qu'un simple investissement artistique : c'est une adhésion à son message et au dialogue qu'il continue d'inspirer.

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Cash Monster, œuvre originale peinte à la main, technique mixte à la bombe aérosol sur panneau de bois découpé au laser, prête à être accrochée, par Denial Graffiti Street Artist, art pop moderne. « Mon œuvre évoque un désastre imminent et des thèmes sinistres et grossiers, mais cela ne signifie en aucun cas que je souhaite que cela se produise. J'espère au contraire qu'elle suggère l'absurdité de la situation et montre comment nous pouvons trouver de meilleures solutions pour l'avenir. » – Denial En substance, Denial satirise la réalité que lui et nous vivons à travers certains des symboles les plus emblématiques de la culture occidentale. Il utilise des produits culturels pour dénoncer le système qui les a engendrés. De ce fait, il les recontextualise et les transforme, de produits commerciaux, en un héritage culturel.

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Young Until I Die 1 Œuvre originale unique en son genre, technique mixte (peinture en aérosol, acrylique et pochoir) sur papier Royal Sundance 270 g/m² par le célèbre artiste de graffiti de rue Pez. 2021. Œuvre signée, technique mixte sur papier Royal Sundance 270 g/m², 50 × 70 cm (19,69 × 27,56 pouces), encadrée professionnellement en noir avec passe-partout flottant.

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« La Fin de la Fin », œuvre originale peinte à la main à l'aérosol sur un panneau de bois de bouleau encadré, prête à être accrochée, par Denial Graffiti Street Artist, art pop moderne. Édition limitée HPM de 10 exemplaires, signée et numérotée, 2016. Dimensions de l'œuvre : 24 x 36 pouces. DENIAL est une artiste canadienne dont l'œuvre critique le consumérisme et la condition humaine. Basée à Windsor, en Ontario, DENIAL passe une grande partie de l'année à voyager et à exposer au Canada et aux États-Unis. Elle a notamment présenté des expositions individuelles à Los Angeles, Chicago, Detroit, New York, Toronto et Vancouver. Denial s'est imposé comme l'une des figures les plus marquantes de la pop art contemporaine. Toujours aussi pertinent, il s'attache à susciter la réflexion. Son travail explore depuis longtemps les limites de l'appropriation culturelle, qu'il utilise pour subvertir la valeur des produits culturels inscrits dans la mémoire collective occidentale. En d'autres termes, son œuvre invite le spectateur à réinventer notre société dystopique afin de la confronter, l'humour et l'ironie étant ses principaux outils.

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Les Impératrices - H10-4 Suiko Pop Street Artwork Édition Limitée Giclée & Sérigraphie Givrée sur Feuille d'Aluminium par l'artiste moderne de graffiti urbain Damien Hirst. Édition limitée à 3310 exemplaires, signée et numérotée au verso sur l'étiquette (2022). Dimensions de l'œuvre : 39,37 x 39,37 cm. Impression giclée et sérigraphie à paillettes sur plaque d'aluminium. L'héritage de l'impératrice Suiko à travers la vision de Damien Hirst Suiko, une composition captivante, incarne l'essence de la vie de multiples façons et porte le nom de la première impératrice du Japon dont l'histoire est documentée. Bien que la tradition orale suggère que plusieurs femmes aient régné avant l'impératrice Suiko (554-628), son accession au pouvoir après l'assassinat de son frère Sushun en 592 a remis en question la tradition du pouvoir masculin. Suiko est reconnue pour les influences chinoises et coréennes qu'elle a introduites au Japon, telles que l'adoption du calendrier chinois, l'arrivée d'artisans chinois et coréens et, surtout, l'établissement du bouddhisme. Dans l'œuvre, des paires d'ailes de tailles variées rayonnent du centre, formant un cercle concentrique symétrique qui reflète le symbolisme bouddhiste et le cycle de la vie. Ce motif circulaire est magnifiquement accentué par des lignes diagonales rouges scintillantes qui s'étendent du centre à chaque coin. Sur un fond rouge, ces lignes croisent les paires d'ailes détachées, semblant passer par l'emplacement des corps. Comme pour chaque œuvre de cette série, Suiko présente une métamorphose continue : les papillons semblent s’animer et évoluer au fil du temps. Si les détails s’apprécient pleinement de près, la composition acquiert une vitalité nouvelle vue de loin. De ce point de vue, Suiko dévoile une configuration d’ailes déployées, organisées autour de cercles concentriques centraux et enrichies par des agencements d’ailes externes. Cette composition évoque des structures biologiques ou moléculaires, rappelant les organismes vivants qu’elle représente. « Les Impératrices - H10-4 Suiko » est une œuvre marquante de street art signée Damien Hirst, artiste britannique de renom dont les travaux explorent souvent les thèmes de la vie, de la mort et de l'au-delà. Cette œuvre, une sérigraphie giclée et pailletée sur plaque d'aluminium, capture l'importance historique et la profondeur spirituelle de l'impératrice Suiko, première impératrice du Japon dont l'existence est attestée. Signée et numérotée par Hirst, elle incarne l'influence transformatrice de l'impératrice Suiko sur la société japonaise, en intégrant des éléments culturels chinois et coréens et en faisant du bouddhisme une pratique spirituelle fondamentale. Symbolisme spirituel dans « Les Impératrices - H10-4 Suiko » L'œuvre fascine par ses cercles concentriques d'ailes de papillon, évoquant le symbolisme bouddhiste et la nature cyclique de la vie. Chaque paire d'ailes, placée avec précision, crée une impression d'harmonie et d'équilibre, reflétant l'univers ordonné que Suiko cherchait à instaurer par ses réformes. Les lignes diagonales scintillantes qui traversent la composition font écho aux voies bouddhistes de l'éveil, menant de l'expérience humaine tumultueuse à la sérénité du Nirvana. Hirst utilise ces lignes pour établir des liens entre le cheminement spirituel et le pouvoir temporel exercé par l'impératrice Suiko, qui sut naviguer dans les méandres de la politique de cour avec une vision de paix et de progrès. Sur un fond rouge vibrant, la disposition des ailes transcende la simple esthétique, invitant à la contemplation de la beauté éphémère de la vie et de la nature éternelle de l'esprit. Cette dualité s'accorde avec les principes du bouddhisme, dont Suiko était une fervente défenseure. Cette foi reconnaît la beauté fugace du monde physique tout en encourageant la recherche de vérités plus profondes et durables. Une métamorphose de l'art et de l'histoire En observant « Les Impératrices - H10-4 Suiko », on assiste à une métamorphose qui reflète l'ère transformatrice du règne de Suiko. L'évolution continue de l'œuvre, où les papillons symbolisent le changement et la renaissance, témoigne du rôle de l'impératrice dans la redéfinition du paysage culturel et religieux du Japon. De loin, la composition vibre de vie, les cercles concentriques s'étendant vers l'extérieur, évoquant l'effet d'entraînement des politiques de Suiko à travers son empire et le temps. Les ressemblances biologiques et moléculaires dans la disposition des ailes suggèrent l'interconnexion de tous les êtres vivants, un concept au cœur de l'enseignement bouddhiste. L'intégration magistrale par Hirst du récit historique à l'art contemporain invite le spectateur à s'interroger sur la manière dont le passé éclaire le présent et dont des figures telles que l'impératrice Suiko continuent d'influencer la pensée et l'art modernes. Dans « Les Impératrices - H10-4 Suiko », Damien Hirst offre bien plus qu'un simple spectacle visuel ; il présente une interrogation philosophique enveloppée dans le pop art urbain et le graffiti. Cette œuvre témoigne du talent de Hirst pour tisser ensemble les fils de l'histoire, de la spiritualité et de l'art contemporain en une tapisserie qui captive l'imagination et invite à l'introspection. L'héritage de l'impératrice Suiko, tel qu'interprété par la vision artistique de Hirst, devient un pont reliant l'ancien au moderne, le spirituel au profane et l'individuel à l'universel.

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Sérigraphie originale unique Pop Tart Yellow HPM Collage par D*Face - Dean Stockton, imprimée sur papier d'art vélin, édition limitée, œuvre d'art pop street art. Collage HPM unique, signé et numéroté, orné d'embellissements, 2007. Dimensions : 30 x 29 cm (encadré). Exploration de la convergence vibrante du street art pop et du graffiti La fusion du pop art urbain et du graffiti crée souvent un tableau saisissant qui non seulement captive le regard, mais suscite également la réflexion et un débat sur les problématiques de société. L'estampe « Pop Tart Yellow Unique HPM Original Collage Silkscreen Print » du célèbre artiste britannique D*Face, de son vrai nom Dean Stockton, illustre parfaitement cette dynamique. Réalisée en 2007, cette œuvre en édition limitée est une pièce fascinante, à la fois visuellement saisissante et thématiquement complexe. Dean Stockton et l'attrait de la sérigraphie Dean Stockton, plus connu sous le nom de D*Face, est devenu une figure incontournable du street art contemporain. Son œuvre critique souvent la société de consommation, la mécanisation de la vie moderne et l'omniprésence des médias qui façonnent notre réalité. Né à Londres, Stockton est toujours vivant et son travail continue d'influencer l'évolution du street art à l'échelle mondiale. L'œuvre « Pop Tart Yellow » illustre son approche singulière du street art pop, mêlant des éléments de graffiti à l'esthétique traditionnelle du pop art. La sérigraphie, technique emblématique du pop art depuis sa popularisation par des figures comme Andy Warhol, est essentielle à l'impact visuel de « Pop Tart Yellow ». Elle permet à Stockton de superposer couleurs et images, créant une texture presque tangible. Cette méthode, qui consiste à appliquer de l'encre à travers un écran pour transférer une image sur un support, contribue à l'unicité de chaque œuvre, notamment lorsqu'elle est rehaussée de détails à la main. Le commentaire culturel de « Pop Tart Yellow » En observant « Pop Tart Yellow », on est frappé par l'audace de la couleur et la juxtaposition d'une silhouette squelettique ornée de traits caricaturaux. L'œuvre est une véritable mine de commentaires sociaux, imprégnée du langage visuel du street art et du pop art. Le fond jaune attire l'attention et symbolise la prudence, faisant écho aux mises en garde souvent véhiculées par les artistes de rue sur le monde qui nous entoure. Les éléments de collage et les finitions à la main, indiquées par « HPM » (Hand Painted Multiple), soulignent le caractère unique de chaque estampe de cette série limitée. Le choix de Stockon d'embellir son œuvre à la main met en avant l'éthique du street art, fondée sur l'originalité et l'engagement direct avec l'œuvre. La silhouette squelettique, motif récurrent dans l'œuvre de D*Face, évoque la temporalité de l'existence humaine et la superposition souvent superficielle des attentes et des normes sociales. L'imagerie de « Pop Tart Yellow » reflète une désillusion face à l'« État policier » et au cycle perpétuel de violence, comme le suggèrent les fragments de texte qui accompagnent les éléments visuels. L'œuvre de Stockton est rarement dénuée de sa patte caractéristique, et cette pièce s'inscrit dans cette veine, incitant le spectateur à réfléchir aux structures de pouvoir et d'autorité qui régissent le quotidien. Ses dimensions, 76 x 74 cm, lui confèrent une présence imposante dans n'importe quel espace. Comme souvent dans le street art, l'échelle contribue à son impact, et même encadrée, « Pop Tart Yellow » conserve l'énergie brute typique des fresques murales plus monumentales de Stockton. Le street art de Stockton, une forme d'art traditionnellement ancrée dans l'espace restreint du paysage urbain, brouille davantage encore les frontières entre art savant et culture urbaine accessible. Héritage et influence dans l'art urbain moderne L'héritage du street art et des graffitis comme « Pop Tart Yellow » réside dans sa capacité à rester pertinent au fil des ans. Bien que créée en 2007, les thématiques abordées dans cette œuvre résonnent fortement dans le contexte social et politique actuel. L'art contemporain est depuis longtemps un moyen d'expression pour les voix marginalisées et une plateforme pour des récits alternatifs dans l'espace public. En tant qu'œuvre en édition limitée, « Pop Tart Yellow » permet aux collectionneurs de posséder un fragment de ce dialogue, un instant immortalisé par le regard de l'artiste. L'œuvre de D*Face, et notamment « Pop Tart Yellow », offre un regard critique sur notre monde contemporain. L'art de Stockton nous oblige à confronter d'un seul coup le quotidien et le politique. Son influence s'étend au-delà de la rue pour gagner les galeries, comblant le fossé entre ce que l'art peut être et ce qu'il a le potentiel de communiquer. L'interaction vibrante entre la couleur, le texte et l'image dans « Pop Tart Yellow » témoigne du talent de Tockton pour exploiter le pop art de Stockton afin de susciter le dialogue et de remettre en question nos perceptions. À l'instar du reste de son œuvre, cette pièce continuera de captiver et d'inspirer, invitant les spectateurs à un festin visuel qui est à la fois une réflexion et une critique du monde dans lequel nous vivons.

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Dissection de la lettre S, peinture originale technique mixte encadrée sur papier par Nychos, artiste de rue graffiti, art pop moderne. 201 3 Œuvre originale signée, technique mixte, peinture acrylique en aérosol, dimensions 40 x 48,5 « Mon père et mon grand-père étaient des chasseurs autrichiens traditionnels, alors je pense que c'est de là que me vient mon intérêt pour l'anatomie. Voir un cerf disséqué pour la première fois a été une véritable source d'inspiration. Voir tous les entrailles et les intestins se détacher, c'était un peu hallucinant au début », a confié Nychos à Hypebeast lors d'une performance artistique au Pow Wow Hawaii, le plus grand festival de street art au monde, plus tôt cette année. « En utilisant toutes ces connaissances en anatomie, je pense avoir trouvé un domaine que je peux explorer et développer pleinement. Cela reste une source d'inspiration constante car je trouve toujours de nouvelles façons de m'exprimer. » - Nychos

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