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Comment jeter une sérigraphie en édition limitée sur panneau de bois encadré, prête à être accrochée, par l'artiste de rue graffiti de Skewville, art pop moderne. 11,5 x 18 cm, signé, édition limitée 2021 à 15 exemplaires

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Marilyn Monroe - Bogart & Becall Édition limitée Peinture à l'huile embellie à la main HPM Sérigraphie sur toile par Steve Kaufman SAK Artiste de rue graffiti Art pop moderne. Toile non tendue, l'image est en parfait état. Rare reproduction de Marilyn Monroe avec la star du cinéma rétro Humphrey Bogart et l'actrice Lauren Bacall .

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Estampe d'art en édition limitée Raspberry Swirl Archival Pigment sur papier photo Hahnemühle 308 g/m² par l'artiste de graffiti pop moderne Sheefy McFly-Tashif Turner. Édition limitée à 10 exemplaires, signée et numérotée, 2021. Format de l'œuvre : 17 x 17 pouces. Artiste : Tashif « Sheefy Mcfly » Turner Description : Tourbillon de framboise Tirage en édition limitée : Impression pigmentaire d'archives Papier : Hahnemühle Photo Rag® 308 Dimensions : 43,2 x 43,2 cm (17 x 17 pouces) Tirage limité à 10 exemplaires Signé et numéroté à la main par l'artiste

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Masque Kitsune - Kurayami Édition Limitée Jouet d'Art en Polystone et Vinyle Œuvre d'Art de l'Artiste de la Culture Pop Moderne Jos Ros. Édition limitée 2022 à 300 exemplaires de 28 cm (11 pouces). Socle en polystone pouvant être posé sur une table ou fixé au mur. Fasciné par les masques, Jor Ros les intègre à son art dès qu'il le peut. S'inspirant des masques de renard japonais, il leur apporte sa propre touche avec le Masque Kitsune. De retour dans une seconde version, il arbore l'emblématique bleu marine foncé, omniprésent dans son œuvre, magnifiquement contrasté par des accents de rouge profond et d'orange. Rendez hommage à la créature légendaire avec le Masque Kitsune (Édition Kurayami) et donnez à votre collection une allure mystique grâce à cette pièce captivante !

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Achetez TITLE Edition Limitée sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Archival Pigment Fine Art INFO

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Dessin miniature original à l'encre Skully, réalisé à la main sur papier d'art par Nicole Gustafsson, artiste de street art contemporaine très en vogue. Dessin original signé de 2013, format 5x5

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Achetez TITLE Édition limitée Fine Art Archival Pigment Print Art sur papier buvard perforé. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XX Tirage pigmentaire d'archivage sur papier buvard perforé Taille : 7,5 x 7,5 pouces Sortie : 19 avril 2022 Les éditions limitées de buvard sont perforées à la main par Zane Kesey.

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Mad Max : Fury Road, édition limitée, sérigraphie artisanale en 4 couleurs sur papier beaux-arts, par Ken Taylor, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Sérigraphie. Numérotée à la main.

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Nébuleuse. Sérigraphie artisanale en édition limitée 11 couleurs sur papier coton Guarro par Violeta Hernandez, artiste de street art et pop art. Édition limitée à 35 exemplaires, signée et imprimée à la feuille d'or (2022), format 29x29. Impression sérigraphique manuelle à onze encres, papier Guarro 60 % coton. Format : 74 x 74 cm (29 x 29 po). Imprimé par Taller 75 grados (Mexico). Chaque exemplaire est signé et numéroté par V. Édition très limitée à 30 exemplaires. De légères variations peuvent exister d’une pièce à l’autre, chaque exemplaire étant réalisé artisanalement.

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« Into The Forest », une œuvre originale unique en son genre, peinture acrylique sur toile tendue sur châssis, par la célèbre artiste de graffiti de rue Mandy Tsung. 2013. Acrylique originale sur toile de Mandy Tsung, 12 x 9 pouces.

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Viva Yalitza ! Édition limitée, sérigraphie artisanale en 4 couleurs sur papier beaux-arts par Ernesto Yerena, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée 2020, signée et numérotée, à 450 exemplaires . Œuvre d'art 18x24. Yalitza Aparicio, actrice de téléfilm. Sérigraphie 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces), édition limitée à 450 exemplaires, signée et numérotée par Ernesto Yerena Montejano. Les bénéfices ont été reversés à l'association CIELO afin de soutenir les populations autochtones sans papiers touchées par la crise de la Covid-19 dans la région de Los Angeles.

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« J'ai faim », sérigraphie de Ravi Amar Zupa, tirée à la main sur papier d'art, édition limitée. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2025. Œuvre d'art au format 18x24. Sérigraphie. Sérigraphie « J'ai faim » de Ravi Zupa La sérigraphie « I'm Hungry » de Ravi Zupa présente une scène narrative minutieusement illustrée, puisant son inspiration dans les traditions de la gravure médiévale tout en affirmant une sensibilité contemporaine issue du Street Pop Art et du graffiti. La composition s'articule autour d'un raton laveur en armure, chevauchant un chien aux longues pattes, surplombant une ville fortifiée rendue avec une précision architecturale remarquable. L'inscription « I'm Hungry » sonne comme une affirmation plutôt que comme une plaisanterie, renforçant les thèmes du désir, de la survie et de l'appétit moral qui traversent l'œuvre de Zupa. La palette de couleurs restreinte et le trait précis soulignent le savoir-faire et la sobriété, laissant la place au symbolisme et à la structure narrative pour porter le poids visuel. Cette approche reflète l'intérêt constant de Zupa pour la fusion des langages visuels historiques et du commentaire culturel moderne. Symbolisme, allégorie et structure narrative Ravi Zupa utilise fréquemment les animaux, les armures, les bannières et les décors architecturaux comme outils d'allégorie, et cette œuvre ne fait pas exception. Le raton laveur, animal souvent associé au charognage et à l'adaptabilité, est élevé au rang de chevalier, suggérant l'ambition, la soif de statut ou la poursuite d'un but au sein de systèmes de pouvoir structurés. Le chien imposant, à la fois compagnon et instrument, renforce la hiérarchie et le mouvement dans le paysage en contrebas. Le paysage urbain environnant évoque l'Europe médiévale, ancrant la scène dans un contexte visuel historique qui souligne la continuité entre les luttes passées et présentes. Dans le domaine du street art et du graffiti, ce type de narration à plusieurs niveaux remet en question l'attente d'immédiateté, invitant les spectateurs à s'immerger lentement dans l'œuvre et à interpréter le sens à travers les symboles plutôt que par le spectacle. Ravi Zupa : Parcours et pratique artistique Né en 1974 aux États-Unis, Ravi Zupa vit et travaille toujours activement. Il est reconnu pour son attachement aux techniques traditionnelles d'estampe, notamment la gravure en relief et la sérigraphie, qu'il maîtrise avec la précision d'un savoir-faire ancestral. Son œuvre explore souvent les thèmes de la moralité, du pouvoir, du travail, de la consommation, des héros en devenir et des structures sociales, à travers un humour noir et une imagerie allégorique. Son positionnement au sein du Street Pop Art et du graffiti se caractérise par son refus de dissocier la culture urbaine du travail artisanal, démontrant ainsi que rigueur conceptuelle et discipline technique peuvent coexister avec accessibilité et influence subculturelle. Procédé de gravure et importance pour les collectionneurs Cette sérigraphie artisanale témoigne d'un profond respect pour le processus de création et l'intégrité des matériaux. Chaque couche d'encre est appliquée avec soin, renforçant la qualité tactile de l'image et soulignant l'importance de la répétition, du travail et de la précision. L'édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, souligne le caractère précieux de l'œuvre tout en préservant son lien avec la culture de l'estampe traditionnelle, loin de la reproduction de masse. Le format de l'œuvre permet d'apprécier à la fois le récit global et la finesse des détails qui la composent. Œuvre de street art et de graffiti, « I'm Hungry » se présente comme une allégorie contemporaine ancrée dans l'histoire de l'art, offrant une profondeur culturelle, visuelle et conceptuelle qui séduira les collectionneurs sensibles à la narration, au symbolisme et au savoir-faire artisanal.

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Dab Devil - Édition surdimensionnée, impression d'art pigmentaire d'archives en édition limitée sur papier d'art Somerset Hot Press 290 g/m² par l'artiste de graffiti pop moderne Ben Frost. Édition limitée 2021, signée et numérotée à 25 exemplaires. Œuvre de 20 x 20 pouces représentant le Diable de Tasmanie (Loony Toons). Impression pigmentaire d'archives sur papier d'art Somerset Hot Press 290 g/m². L'œuvre « Dab Devil - Oversized Edition » incarne la confluence de la culture pop et de l'esprit audacieux du street art, incarnée par le célèbre artiste de street art moderne Ben Frost. À travers cette œuvre, Frost intègre avec brio l'emblématique Diable de Tasmanie des Looney Tunes dans un contexte contemporain, suscitant un dialogue sur les normes sociales, les juxtapositions et la nature évolutive de l'art. Réalisée avec des pigments d'archivage, cette pièce met en valeur non seulement la brillance du thème, mais aussi une approche méticuleuse visant à garantir la longévité et l'éclat de chaque détail. Imprimée sur papier d'art Somerset Hot Press 290 g/m², elle sublime la qualité de l'œuvre, rehaussant la richesse des couleurs et la netteté des détails. Ce support est réputé pour donner vie aux œuvres, assurant à chacune une résonance optimale avec son message et son attrait. Le choix du Diable de Tasmanie sur fond de tests de dépistage de marijuana constitue un commentaire audacieux, voire impertinent, sur la culture populaire et son intersection avec les problématiques contemporaines. En 2021, ce chef-d'œuvre a été réédité en édition signée et numérotée, limitée à seulement 25 exemplaires. Cette rareté renforce son exclusivité et sa valeur auprès des collectionneurs et amateurs d'art. Avec Dab Devil - Oversized Edition, Ben Frost invite le spectateur à plonger dans un univers où la nostalgie des dessins animés traditionnels rencontre des thèmes contemporains. Cette œuvre témoigne de la capacité de l'artiste à bousculer les perceptions, à susciter l'introspection et à célébrer le dynamisme du pop art, du street art et du graffiti.

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Kachamukku - Figurine de collection en vinyle vert et rouge, édition limitée, œuvre d'art de l'artiste pop moderne Kaws. Édition ouverte 2022, hors production, 12,6 x 8 x 6 pouces / 32 x 20,3 x 15,2 cm, neuve en boîte. Kachamukku-Green Red de KAWS : une intersection vibrante entre art et jeu La figurine Kachamukku-Green Red de KAWS est une manifestation saisissante de la vision unique de l'artiste au sein du pop art moderne. Sortie en édition ouverte en 2022, cette figurine de collection en vinyle mesure 32 x 20 x 15 cm, témoignant de l'approche novatrice de KAWS, qui fusionne l'esthétique urbaine et les références à la culture pop. Cette figurine, aux couleurs vibrantes vertes et rouges, est un hybride créatif inspiré de la célèbre série télévisée japonaise Hirake! Ponkikki, mettant en scène Gachapin et Mukku, connus pour leurs pitreries et leur compétition amicale. La figurine Kachamukku se caractérise par le style signature de KAWS : des yeux et des oreilles marqués d'un X formant un motif d'os croisés, un détail devenu emblématique de l'œuvre de l'artiste. Le choix de couleurs de cette édition, qui diffère de la version entièrement noire sortie précédemment, ajoute une touche de vivacité et rend hommage aux teintes originales des personnages qui ont inspiré cette pièce. L'intégration de la culture pop dans le street art : la série Kachamukku de KAWS Avec la figurine Kachamukku-Green Red, KAWS repousse les limites du Street Pop Art et du graffiti. Cette pièce, la cinquième de sa série de 2021, incarne l'essence même de sa philosophie artistique : créer des œuvres ludiques, culturellement pertinentes et visuellement percutantes. S'inspirant de Hirake! Ponkikki, KAWS rend hommage à un pan de la culture pop japonaise et démontre son talent pour fusionner différents éléments artistiques et culturels afin de créer une œuvre inédite et captivante. L'esprit ludique de la figurine Kachamukku, avec sa posture dynamique et ses couleurs vives, traduit l'émerveillement et la joie enfantins inhérents à toutes les créations de KAWS. Elle se dresse comme un phare coloré dans l'univers des figurines de collection, invitant collectionneurs et fans à appréhender l'œuvre autant comme un jouet que comme une sculpture. Cette figurine est à la fois un objet et un récit qui transcende les barrières linguistiques et culturelles. L'impact mondial de l'édition Kachamukku-Green Red de KAWS L'impact mondial de la figurine Kachamukku-Green Red témoigne de la place prépondérante de KAWS dans l'univers des art toys et de son influence sur la perception du street art. Puisant ses racines dans une émission jeunesse japonaise culte, cette édition illustre le langage universel de l'art et sa capacité à relier des cultures diverses grâce à des esthétiques et des thèmes partagés. La figurine Kachamukku-Green Red, avec ses couleurs éclatantes et son design iconique, célèbre la joie et la simplicité des programmes pour enfants, réinterprétées à travers le prisme sophistiqué du street art. Désormais épuisée, la figurine Kachamukku-Green Red est devenue une pièce de collection très recherchée. Sa distribution via KAWSONE l'a rendue accessible à un large public, confirmant ainsi sa place parmi les œuvres majeures de KAWS. Alors que le street art continue de gagner en popularité et en reconnaissance, l'édition Kachamukku-Green Red de KAWS illustre parfaitement l'évolution du genre, faisant le lien entre les origines ludiques du graffiti et les récits complexes de l'art contemporain.

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Sérigraphie artisanale en édition limitée, 4 couleurs, style Dirty French, sur papier beaux-arts, par 123Klan, artiste pop art célèbre et rare. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2011. Dimensions de l'œuvre : 18 x 24 pouces. Sérigraphie 4 couleurs sur papier 100 lb sans acide. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée. Imprimée par Ben LaFond.

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Kim Jong's Supreme Barber AP Artwork Giclée en édition limitée, imprimée sur papier Photographique Rag par l'artiste de graffiti pop culture Marwan Shahin. Épreuve d'artiste AP « Kim Jong's Supreme Barber » de Marwan Shahin, une œuvre emblématique de la série Black Pop, parue pour la première fois en 2015. Tirage d'art limité à 20 exemplaires, issu des archives et produit par Shahin Studios. « Kim Jong's Supreme Barber », 2015, 50,8 x 68,6 cm, impression giclée sur papier Photographique Rag, signée, numérotée, estampillée et marquée. Le coiffeur suprême de Kim Jong par Marwan Shahin – Satire pop noire sur Full Clip « Le Barbier Suprême de Kim Jong » est l'une des œuvres les plus provocatrices et visuellement saisissantes de la série Black Pop de Marwan Shahin. Sortie en 2015 et éditée en édition limitée à seulement 20 exemplaires (épreuve d'artiste), cette giclée de 51 x 69 cm sur papier Photographique Rag illustre le style caractéristique de Shahin, mélangeant satire, symbolisme et art urbain pop, avec une critique culturelle incisive. Signée, estampillée et marquée par l'artiste, l'œuvre reflète la fusion de l'iconographie autoritaire et du consumérisme mondial, à travers le prisme du graffiti contemporain. Au centre de l'œuvre figure une représentation hyper-stylisée de Kim Jong-un assis chez le barbier, son visage jaune marqué de lignes concentriques qui reflètent le style hypnotique propre à l'univers visuel de Shahin. Vêtu d'une blouse de barbier estampillée du logo rouge vif de Supreme, le dirigeant nord-coréen devient le sujet involontaire d'une transformation. Derrière lui se tient un barbier au style très marqué, arborant dreadlocks, grillz, tatouages, bijoux en or et une tondeuse rutilante. Ses gestes expressifs, son allure assurée et le poteau de barbier accroché à sa chaîne confèrent à la scène une assurance qui contraste fortement avec le regard figé et impassible de son client. Ironie mondiale tissée dans les détails Ce qui distingue « Le Barbier Suprême de Kim Jong » dans le panthéon du street art, c'est la richesse de son message. La juxtaposition de Supreme, empire mondial du streetwear ancré dans la contre-culture occidentale, avec l'une des figures autoritaires les plus controversées au monde, souligne l'absurdité et l'ironie de la création d'icônes modernes. Le barbier, figure stéréotypée de la culture hip-hop et de l'excellence noire, devient un acteur du changement de pouvoir, remodelant l'image du dictateur dans un renversement visuel des rôles sociaux. L'œuvre bouleverse subtilement la dynamique d'influence et de pouvoir d'agir dans un monde consumériste. Le savoir-faire de Shahin transparaît non seulement dans la précision du trait, mais aussi dans le symbolisme omniprésent. Le logo Supreme symbolise le culte de la personnalité. Les accessoires dorés et l'assurance du barbier remettent en question la hiérarchie culturelle qui définit la mode et l'influence à l'échelle mondiale. Le fond rouge vibre de mouvement et de tension, tandis que le regard fixe et inexpressif de Kim ancre l'absurdité de la situation dans un calme inquiétant. Black Pop à son apogée Faisant partie de la série Black Pop, cette œuvre s'inscrit dans un ensemble qui réapproprie les récits visuels habituellement monopolisés par les artistes blancs ou occidentaux et les institutions commerciales. À travers cette estampe satirique, Marwan Shahin interroge les rapports de force entre mode, race, médias et propagande. Sa représentation du barbier comme une figure culturelle influente – qui façonne littéralement la tête d'un dictateur – témoigne de l'influence croissante des communautés marginalisées sur l'air du temps mondial. « Le Barbier Suprême de Kim Jong » est à la fois absurde et profond. Il dissèque la politique mondiale, le pouvoir et le culte de la consommation avec un humour mordant. Comme souvent dans l'œuvre de Shahin, elle n'hésite pas à provoquer, à redéfinir la domination et à repousser les limites de l'imagerie pop culture. Pour les collectionneurs et les amateurs d'art urbain et de graffiti authentiques, cette épreuve d'artiste en édition limitée est un coup de maître en matière de commentaire visuel et de subversion culturelle.

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Achetez The Sacrifice of Color... Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print sur 290gsm Moab Entrada Paper par l'artiste Adrian Cox, Street Pop Art Graffiti Legend. 2022 Édition signée et numérotée de 100 - 13x24

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CRASH 100% & 400% BE@RBRICK Édition Limitée Medicom Vinyle Illustration Jouet Figurine de Collection Art. Crash x Bearbrick Crossover 2020 en boîte

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Achetez TITLE Sérigraphie 4 couleurs tirée à la main sur une œuvre d'art Pop Street Art en édition limitée MEDIUM. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Impression d'art en édition limitée, épreuve d'artiste, pigment d'archivage, sur papier Moab Entrada 290 g/m², par l'artiste Amy Sol, œuvre d'art moderne. Épreuve d'artiste AP 2016, signée et marquée, édition limitée, format 18x24 La Coupe Mioras : un chef-d'œuvre de pop art urbain moderne par Amy Sol « Mioras Cup Artist Proof » est une œuvre d'art envoûtante créée par Amy Sol, artiste américaine reconnue pour son style doux et surréaliste, souvent imprégné de nature et de thèmes oniriques. Connue pour son esthétique contemporaine, l'œuvre de Sol trouve un écho auprès des amateurs de Street Pop Art et d'éléments de graffiti, notamment grâce à sa modernité et à son lien avec les thèmes de la nature et de l'humanité. L'estampe « Mioras Cup », réalisée en 2016 en tant qu'épreuve d'artiste, est une pièce majeure de son portfolio, une création en édition limitée qui allie valeur et mystère. Imprimée sur papier Moab Entrada 290 g/m², réputé pour sa haute qualité et ses propriétés d'archivage, cette estampe préserve l'éclat et la finesse des détails de l'œuvre originale. L'approche artistique unique d'Amy Sol L'approche artistique d'Amy Sol se distingue par son atmosphère onirique, privilégiant une palette de couleurs pastel douces et des formes organiques. Ses œuvres regorgent d'éléments inspirés par la nature, tels que des fleurs, des oiseaux et des feuilles, entrelacés de figures féminines qui expriment une profonde introspection et un lien intime avec l'environnement. « Mioras Cup » illustre parfaitement ce style : une figure féminine centrale est entourée d'une végétation luxuriante et éthérée, et des oiseaux semblent émerger naturellement de son environnement. Cette harmonie visuelle entre l'humain et la nature est un motif récurrent dans l'œuvre de Sol, conférant à ses créations une profondeur émotionnelle qui touche le spectateur. L'épreuve d'artiste de « Mioras Cup », au format 45,7 x 61 cm, est réalisée avec le plus grand soin afin de restituer chaque détail de la technique de Sol. Le papier Moab Entrada, un choix haut de gamme pour l'impression d'art, sublime les textures délicates et les couleurs subtiles, préservant ainsi la fidélité de l'œuvre originale et permettant aux collectionneurs de l'apprécier telle que l'artiste l'a conçue. Ce papier est privilégié pour sa qualité d'archivage, garantissant que les nuances subtiles et les détails complexes de l'œuvre d'art restent intacts au fil du temps. L'attrait moderne du pop art urbain dans l'œuvre de Sol Bien que l'œuvre d'Amy Sol ne relève pas du graffiti au sens traditionnel du terme, son approche des tirages en édition limitée s'inscrit dans l'esprit du Street Pop Art, qui vise à intégrer des pièces de collection de grande qualité au monde des beaux-arts. Dans le Street Pop Art et le graffiti, le lien entre l'artiste et son public est primordial, et les tirages limités sont souvent privilégiés pour préserver l'authenticité et l'exclusivité de l'œuvre. En créant la Coupe Mioras comme une épreuve d'artiste signée et marquée, Sol préserve ce sentiment de rareté, faisant de chaque exemplaire une pièce de collection. Cette démarche reflète l'influence du passage du street art de l'espace public à l'univers privé des collectionneurs, alliant accessibilité et exclusivité. Dans la Coupe Mioras, la combinaison de formes humaines et naturelles peut être perçue comme une réflexion moderne sur les thèmes de l'identité et de l'environnement. Sa capacité à communiquer ces thèmes à travers des visuels doux et surréalistes inscrit Sol dans un mouvement contemporain qui apprécie le savoir-faire des beaux-arts et l'accessibilité, inspirée par l'art urbain, du Street Pop Art. La Coupe Mioras d'Amy Sol continue de captiver les spectateurs et les collectionneurs, ce qui en fait une pièce précieuse de toute collection d'art moderne.

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Achetez The Masked Pharaoh 3-Color Hand-Pulled Diamond Dust Limited Edition Sérigraphie sur papier de papyrus égyptien par Marwan Shahin Rare Street Art Famous Pop Artwork Artist. 2022 Signé & Numéroté Edition Limitée de 20 Taille 14x17.5 & "NFT" "Shahin Studios est ravi de présenter The Masked Pharaoh Papyrus de Marwan Shahin, The Artwork a été créé pour la première fois en lock-out pendant la pandémie de Covid-19, imaginant TutAnkhAmoun restant en sécurité et se protégeant contre la peste des temps modernes. cette édition de l'œuvre est interprété avec une sérigraphie tirée à la main sur du papyrus égyptien authentique, et chaque impression est arrangée de manière complexe avec un filigrane de poussière de diamant noir, pour produire des effets de kaléidoscope visuellement enivrants. contient une puce cryptographique NFT par le Fine Art Ledger. est authentifié et enregistré sur la blockchain par The Fine Art Ledger est livré avec un certificat d'authenticité numérique contenant son tampon cryptographique. -Marwan Shahin

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Oxycontin The Prisoner Drug Bear Art Toy par Luke Chueh, œuvre d'art en vinyle en édition limitée, réalisée par un artiste de graffiti de rue. Œuvre d'art en édition limitée 2017 à 300 exemplaires, accompagnée d'un emballage en coton, d'un sac et d'un tube. Inspirée de la peinture originale de Luke Chueh, « Le Prisonnier » explore la captivité sous toutes ses formes : physique, mentale ou médicamenteuse. Le trouble de stress post-traumatique (TSPT) est un problème de santé mentale qui peut se développer après avoir vécu ou été témoin d'un événement potentiellement mortel tel qu'un combat, une catastrophe naturelle, un accident de voiture ou une agression sexuelle. Par ailleurs, la dépendance aux médicaments sur ordonnance comme le Percocet a engendré de nombreux problèmes d'addiction. Oxycontin, l'ours prisonnier de la drogue, par Luke Chueh : sculpter le poids de la dépendance dans l'art urbain pop et le graffiti. « Oxycontin The Prisoner » est une figurine en vinyle en édition limitée, créée en 2017 par l'artiste Luke Chueh, basé à Los Angeles. Tirée à 300 exemplaires, chaque figurine est présentée dans un tube rappelant un flacon de pilules, orné d'une étiquette personnalisée, rembourré de coton et accompagné d'un sachet. Cette pièce appartient à la série « The Prisoner » de Chueh, une œuvre à la fois poignante et conceptuellement provocatrice qui explore la captivité psychologique et chimique engendrée par les traumatismes et la dépendance aux médicaments. La figurine, assise, les bras enlacés autour des genoux fléchis et la tête inclinée en signe de reddition, est réalisée en vinyle rose pâle, une teinte volontairement vulnérable évoquant la fragilité et l'exposition. Cette édition arbore la marque pharmaceutique de l'Oxycontin, l'un des analgésiques les plus controversés, associé à la fois au soulagement et à la dépendance. S'inscrivant dans le champ visuel du street art et du graffiti, cette œuvre constitue une protestation sculpturale contre la médicalisation de la santé mentale et la marchandisation du confort. Captivité pharmaceutique encapsulée dans un design minimaliste L'utilisation du flacon de pilules comme emballage et point d'ancrage contextuel est essentielle à la portée conceptuelle d'Oxycontin, le prisonnier. Plus qu'un simple élément décoratif, il fait office de cellule métaphorique. Le flacon en plastique orange, objet familier des armoires à pharmacie américaines, devient une prison de souffrance sourde. La silhouette d'ours à l'intérieur, aux tons doux mais à la posture rigide, exhale une angoisse et une immobilité silencieuses. Ses traits simplifiés font partie intégrante du style visuel caractéristique de Luke Chueh : épuré, anthropomorphique et chargé d'émotion. Cette approche minimaliste permet aux spectateurs de projeter leurs propres expériences et réactions émotionnelles sur le personnage, qu'il s'agisse d'isolement, d'anxiété, d'engourdissement ou de résignation. Dans la lignée du street art et du graffiti, cette œuvre se réapproprie l'iconographie de la consommation et la transforme en un manifeste sur les luttes liées à la santé mentale, tant individuelles que collectives. Luke Chueh et la voix de la vulnérabilité émotionnelle dans l'art contemporain Luke Chueh, artiste américain de naissance et de résidence, s'est imposé comme une figure majeure de la culture du vinyle et du récit visuel émotionnel. Son œuvre utilise systématiquement des personnages – notamment son ours emblématique – comme symboles d'un réalisme psychologique masqué par l'iconographie pop. « Oxycontin The Prisoner » approfondit cette approche en faisant explicitement référence à l'épidémie d'addiction aux opioïdes et au recours aux solutions pharmacologiques pour traiter des troubles mentaux tels que le syndrome de stress post-traumatique, la dépression et l'anxiété chronique. L'œuvre de Chueh ne cherche pas à apporter de solution ; elle offre plutôt une prise de conscience. L'ours n'est pas représenté dans une posture de résistance ou d'espoir, mais dans l'immobilité, reflétant la sédation physique et émotionnelle souvent ressentie par les personnes dépendantes de médicaments comme l'Oxycontin. Son utilisation de la sculpture au sein du Street Pop Art et du graffiti élargit le potentiel de cette catégorie en y intégrant des récits introspectifs, sincères et à forte charge thérapeutique. Une œuvre de collection témoignant de la douleur et de la prise de conscience à travers le street art pop et le graffiti. Oxycontin The Prisoner n'est pas qu'un simple jouet ou une figurine de collection : c'est une œuvre contemporaine qui témoigne d'une époque de souffrance psychologique généralisée et de la réaction de la société face à celle-ci. En associant un vinyle de collection à des références pharmaceutiques bien réelles, Luke Chueh révèle la fragilité qui se cache souvent derrière un soulagement artificiel. L'emballage, dont les détails rappellent les informations d'une ordonnance, renforce le contrôle institutionnel exercé sur les soins de santé mentale. Tirée à seulement 300 exemplaires, cette édition est très recherchée, non seulement pour sa rareté, mais aussi pour son rôle dans l'exploration de thèmes importants à travers une œuvre d'art tangible et expressive. Au sein de la série The Prisoner, elle confirme la place de Luke Chueh dans le mouvement du Street Pop Art et du graffiti, en tant que conteur de l'expérience humaine intérieure, exprimée par la forme, la posture et le silence.

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Quasiconformal Resting Face (Kaczynski's Grin) Papier buvard Édition limitée Impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Pat Riot œuvre d'art LSD de la culture pop. « Deux de ces modèles de buvards ont été créés spécifiquement pour ce projet. Ce sont deux variations d'œuvres que j'ai réalisées au cours de l'année écoulée pour un ensemble de travaux portant sur les similitudes thématiques entre le livre pour enfants de Ted Geisel (Dr. Seuss), LE LORAX, et le manifeste de Ted Kaczynski (Unabomber), « La société industrielle et son avenir ». »

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Papier buvard Last Angel LSD, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par MAD, œuvre d'art LSD de la culture pop. 202 1 Édition limitée signée et numérotée à 35 exemplaires . Dimensions de l'œuvre : 7,5 x 7,5 Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 7,5 x 7,5 pouces. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey et peuvent légèrement différer de l'exemple présenté.

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« Salvage Can 3 », peinture originale sur bombe de peinture, sculpture technique mixte, œuvre d'art du légendaire artiste de rue et graffeur Eddie Colla. Œuvre originale signée de 2018, réalisée à la peinture acrylique en aérosol (technique mixte), format 3 x 8 pouces. « J’ai réalisé cette série de bombes en Chine en 2018. J’attendais de recevoir du matériel pour commencer à travailler sur des pièces plus grandes. La résidence où j’étais conservait toutes ses bombes aérosol vides. J’ai donc commencé à créer ces petites pièces à partir de ces bombes usagées. Ce n’était pas prémédité ; j’avais simplement beaucoup de temps libre en attendant l’arrivée de mes matériaux, alors j’ai travaillé avec ce que j’avais sous la main. Chaque bombe est signée et datée au fond. » – Eddie Colla. La philosophie créative d'Eddie Colla « Salvage Can 3 » d'Eddie Colla est une sculpture saisissante, réalisée en techniques mixtes, qui illustre le caractère novateur du street art et du graffiti. Créée en 2018 lors d'une résidence en Chine, cette œuvre représente une fusion unique de spontanéité et de réflexion, caractéristique de la démarche artistique de Colla. Utilisant des bombes de peinture usagées comme support, Colla a transformé ces objets en œuvres d'art stimulantes, chacune signée et datée, témoignant de son style unique et de son regard sur les problématiques contemporaines. Dans la série « Salvage Can », Eddie Colla a su tirer parti de l'imprévu qui a émaillé son processus créatif pour produire une série reflétant un principe fondamental du street art : la capacité à créer avec n'importe quel matériau. « Salvage Can 3 » manifeste l'ingéniosité et l'agilité artistique de Colla. Cette série exprime l'essence même de l'improvisation dans le street art, Colla réutilisant les bombes de peinture récupérées lors de sa résidence pour créer des pièces qui témoignent du pouvoir transformateur de l'art. Expression artistique dans « Salvage Can 3 » Le langage visuel de « Salvage Can 3 » transmet un récit poignant. La figure représentée sur la canette, partiellement dissimulée par ce qui semble être un masque, invite le spectateur à s'interroger sur les thèmes de l'identité, de la dissimulation et de la condition humaine dans le monde moderne. L'utilisation de la peinture en aérosol et de l'acrylique, médiums traditionnels du graffiti, sur un support non conventionnel met en lumière la maîtrise des techniques mixtes de Colla et sa capacité à repousser les limites du pop art urbain. Impact culturel de l'œuvre d'Eddie Colla Eddie Colla n'est pas seulement un artiste de rue, mais un observateur culturel dont les œuvres trouvent un écho auprès d'un public international. « Salvage Can 3 », à l'instar des autres œuvres de la série, est bien plus qu'un objet d'intérêt visuel ; c'est un commentaire sur notre époque et une expression d'individualité au sein de récits collectifs. L'œuvre de Colla est reconnue pour son analyse critique des thèmes socio-politiques, et cette pièce ne fait pas exception. Véritable artefact culturel, elle invite le spectateur à s'interroger et à réfléchir, incarnant l'esprit de rébellion qui caractérise souvent l'art du graffiti. Importance sur le marché de l'art Le caractère exceptionnel de « Salvage Can 3 » tient à son histoire unique et à la réputation d'Eddie Colla, légende du graffiti. Chaque exemplaire est unique, marqué de la main et de la signature de Colla, et porte en lui l'histoire de sa création, ce qui en fait une pièce convoitée par les collectionneurs d'art urbain. Ces œuvres occupent une place particulière sur le marché de l'art, faisant le lien entre les fresques éphémères et les objets de collection. « Salvage Can 3 » n'est pas qu'une simple sculpture en techniques mixtes ; elle s'inscrit dans l'histoire du pop art urbain et son évolution sur la scène artistique contemporaine. « Salvage Can 3 » reflète profondément la capacité d'Eddie Colla à capturer l'essence du pop art urbain et du graffiti dans un seul objet. Par son utilisation novatrice des matériaux et sa narration visuelle poignante, Colla continue d'influencer et de définir le genre du street art. Cette œuvre témoigne du pouvoir de l'art de s'adapter et de prospérer, même dans des lieux et sous des formes inattendus, trouvant un écho auprès d'un public universel et confirmant le statut de Colla comme figure incontournable du monde de l'art.

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Impression par transfert de pigments d'archives en édition limitée McDonald sur planche de skate naturelle pressée à froid, œuvre de l'artiste de la culture pop urbaine Denial. Édition limitée 2019 à 50 exemplaires En 2000, il a adopté le pseudonyme « DENIAL » pour tourner en dérision la publicité, la politique et les messages médiatiques que la société contemporaine refuse souvent de voir. Depuis, il mène une campagne de rue mondiale permanente, composée de plus de 500 000 autocollants, pancartes et fresques murales, utilisant les caractères alphanumériques « D3N!@L ». Denial est un artiste canadien qui expérimente avec l'aérosol et le pochoir. Ses principaux centres d'intérêt sont la société de consommation, la politique et la condition humaine dans la société contemporaine. Face à la popularité croissante du graffiti aux États-Unis et en Europe, les graffeurs devaient faire preuve d'une originalité toujours plus grande pour se démarquer. Leurs signatures sont devenues plus grandes, plus stylisées et plus colorées.

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Convergence des réalités alternatives - Tirages d'art en édition limitée, rehaussés à la main, avec pigments d'archivage, sur papier d'art blanc brillant de qualité musée 300 g/m² par l'artiste de la culture pop Ana Bagayan. Tirage d'art n° 35/35, rehaussé à la main, sur papier d'art blanc brillant de qualité musée (300 g/m²). Format : 43 x 56 cm. Sortie : 6 mai 2016. Tirage limité à 35 exemplaires. « J'ai créé cette œuvre en partie à l'envers, afin que la figure d'extraterrestre évoque un rêve familier. Je souhaitais recréer la sensation de se réveiller d'un rêve captivant, mais de n'en saisir que des bribes incohérentes, l'esprit conscient étant incapable de déchiffrer la chronologie non linéaire et déformée des événements. Le concept s'est développé organiquement, d'une simple esquisse à la version finale. Je ne savais pas précisément de quoi ce rêve allait parler avant que l'image ne commence à prendre forme en couleur. Elle a subi de nombreuses transformations durant la phase de peinture, au fur et à mesure que l'histoire se dévoilait. Bien que je pense que la relation entre les personnages soit ouverte à l'interprétation, l'idée est qu'il s'agit d'un lieu existant dans le subconscient, où l'on peut accéder et expérimenter simultanément de multiples dimensions parallèles. J'ai nommé ce lieu Germia, un mot qui revenait sans cesse à l'esprit pendant la création de l'œuvre. » - Ana Bagayan

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Pretence - Édition limitée verte, sérigraphie artisanale 4 couleurs sur papier beaux-arts 315 g/m² par MAD Graffiti Street Artist, art pop moderne. Édition limitée à 20 exemplaires, signée et numérotée, 2020. Dimensions de l'œuvre : 19,7 x 27,5 pouces. MAD (né en 1987) est un artiste de rue originaire de Tabriz, en Iran, actif depuis 2008. Ses principaux centres d'intérêt incluent la combinaison de commentaires sociaux et culturels critiques avec une dose d'humour et de métaphore, la guerre, la paix, la liberté, l'humanité, etc.

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À manipuler avec précaution. AJ1c, figurine de collection en résine, édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de rue Mr Flower Fantastic. Le pot Handle With Care AJ1c est un pot décoratif spécialement conçu pour la culture de plantes à fleurs et de succulentes. Chaque pot est fabriqué en résine translucide moulée, laissant passer la lumière. Le Handle With Care AJ1c comprend un étui de protection sur mesure avec mousse découpée, des instructions de plantation trilingues (anglais, français et japonais) et un certificat d'authenticité signé à la main par M. Flower Fantastic. * Plante non incluse Outre ses sculptures réalisées à partir de baskets, Mr. Flower Fantastic a collaboré avec diverses marques et entreprises pour créer des installations et des scénographies événementielles. Son travail a été présenté dans des expositions d'art, des galeries et autres lieux de rencontre, et a séduit les passionnés de baskets, les amateurs d'art et les férus d'art floral.

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Orange Umber #2 Peinture originale MTN Acrylique Spray sur papier aquarelle par Dvate Artiste de rue graffiti Pop Art moderne. « Cette estampe est inspirée d'une œuvre originale créée il y a quelques années pour une exposition collective à notre ancienne galerie, PerSquareMetre. J'explorais alors la dégradation et la superposition, et je peignais aussi sur des objets trouvés. L'original appartient à ma femme et elle y tient beaucoup ! Il a été réalisé avec un mélange de peinture acrylique et d'émail en aérosol. L'œuvre est peinte sur une vieille estampe ayant appartenu à ma mère. J'aimais beaucoup la texture et l'aspect vieilli du bois au verso, c'est donc cette face que j'ai choisie. L'estampe kitsch des années 50 est toujours de l'autre côté. À l'époque, je travaillais beaucoup avec des objets trouvés et j'adaptais mon style d'écriture à ces derniers. J'ai toujours utilisé la superposition dans mon travail pour créer de la profondeur et faire écho aux murs de la rue, qui étaient ma toile d'origine. » – Dvate

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Estampe « Nouvelle Révolution Mondiale » sur panneau de bois encadrée, prête à accrocher, par Mear One, artiste de rue graffiti, art pop moderne. 34,29 x 45,72 cm (13,5 x 18 po). Tirage d'art exclusif sur bois de bouleau durable de 1,27 cm (1/2 po), finition blanc éclatant, signé et numéroté à la main par Mear One. Édition limitée à 20 exemplaires « Pour la fête des Mères ». « Son halo doré nous enveloppe d'une chaleur empreinte de sagesse spirituelle, de positivité et de liberté de choix. Le poing levé vers le ciel, non pas en signe de colère, mais de solidarité et de force universelles, il nous rappelle peut-être à tous qu'une ère révolutionnaire s'annonce, mettant en lumière le rôle courageux que jouent les femmes et les enfants dans cette période politiquement tendue. » - Mear One

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Achetez PEINTURE Oeuvre de peinture originale unique en son genre MEDIA sur MEDIUM par l'artiste populaire Street Art Pop Culture ARTIST. 2022 Signé Original Peinture Taille XXXX INFO

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Covid No 19 - Tirage pigmentaire d'archive en édition limitée mauve sur papier d'art MOAB 290 g/m² par Graffiti Pop Art et Street Artist Denial. Édition limitée 2021, signée et numérotée à 19 exemplaires. Gel hydroalcoolique Chanel, variante mauve Covid-19. Tirage pigmentaire d'archives sur papier MOAB Fine Art 290 g/m², numéroté, signé et estampillé au verso. Format : 45,7 x 61 cm. Le déni face à la COVID-19 : Le marketing de luxe à l’ère des crises mondiales « COVID No. 19 » de Denial est une saisissante estampe pigmentaire d'archives, éditée en 2021 à seulement 19 exemplaires, chacun signé, numéroté et estampillé à la main sur papier d'art MOAB 290 g/m². L'œuvre s'approprie la forme d'un flacon de parfum Chanel N° 5, remplaçant son étiquette iconique par un nom de produit fictif : Gel hydroalcoolique COVID No. 19. D'une précision numérique extrême, l'image reconfigure l'esthétique de la haute couture pour commenter les absurdités du consumérisme à l'ère de la pandémie. Le flacon de gel hydroalcoolique est présenté avec toute l'autorité visuelle d'un produit de luxe, transformant un objet de première nécessité en une parodie de statut et de désir. Au cœur de cette œuvre se trouve une observation culturelle brutale : lors d'une crise sanitaire mondiale, les outils de survie du quotidien – comme le gel hydroalcoolique et les masques – ont été érigés en symboles d'identité, de mode et d'accès économique. La réinterprétation par Denial du parfum Chanel en un produit de consommation à l'ère du virus confronte de front cette transformation. Cette œuvre ne se contente pas de parodier le luxe ; elle révèle comment les systèmes marketing peuvent absorber les traumatismes, les reconditionner et les revendre au public. L’étiquetage, à la manière de Chanel, est à la fois clinique et élégant, un clin d’œil à la façon dont le minimalisme visuel masque souvent la manipulation des entreprises. L'esthétique commerciale comme arme subversive La stratégie artistique de Denial repose sur le vol et la recontextualisation du langage commercial. Avec COVID No. 19, l'utilisation de lignes vectorielles nettes, de reflets lumineux réalistes et d'un design de produit précis imite la publicité jusqu'à la tromperie. Cette imitation est intentionnelle. Le spectateur est d'abord censé percevoir l'image comme authentique – tirée d'un magazine de mode ou d'une campagne de cosmétiques – avant que l'ironie du slogan ne lui apparaisse clairement. La dissonance entre la forme et le contenu invite à une critique de la tendance capitaliste à esthétiser la souffrance. Cette méthodologie visuelle s'inscrit pleinement dans l'esprit du Street Pop Art et du graffiti. Les racines de Denial dans la communication publique non autorisée et la subversion des images subculturelles demeurent présentes, même si l'œuvre se présente sous une forme d'art contemporain. L'absence de coulures de peinture ou de textures rugueuses n'atténue en rien la rébellion. Au contraire, elle réinterprète le langage graphique de la persuasion commerciale pour le subvertir de l'intérieur. Ce qui ressemble à une présentation de produit est, en réalité, une accusation visuelle. Ce n'est pas la pandémie en elle-même qui est critiquée, mais la manière dont elle est présentée. Le pop art urbain comme documentation de la pandémie COVID No. 19 fonctionne à la fois comme une satire et un témoignage historique. L'œuvre saisit un moment culturel où les outils de survie sont devenus des symboles de luxe, où la rareté était synonyme d'exclusivité et où le marketing s'étendait jusqu'aux fournitures médicales. L'œuvre de Denial illustre la manière dont les crises modernes sont non seulement vécues, mais aussi commercialisées : comment la peur de la maladie a été filtrée par les mêmes systèmes qui vendent beauté, mode et art de vivre. Le flacon de gel hydroalcoolique devient un symbole non de protection, mais de consommation. En fusionnant l'iconographie de la mode avec la réalité d'une pandémie mondiale, Denial oblige le spectateur à repenser les frontières entre design et éthique, entre marketing et survie. La simplicité visuelle de COVID No. 19 dissimule une critique subtile de la rapidité avec laquelle l'esthétique commerciale peut vider les événements de leur sens. Dans la lignée du street art et du graffiti, cette œuvre retourne les symboles familiers contre eux-mêmes, révélant la fragilité des apparences face à l'urgence humaine.

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Figurine de collection SuperKranky Janky SuperPlastic x Sket One en vinyle, édition limitée, style street art, jaune ananas Sket illumine la gamme SuperKranky avec sa nouvelle teinte vintage ! Ouvrez le bouchon pour une dose de saveur unique en édition limitée ! 20 cm de vinyle souple et juteux. Ça cliquette quand on le secoue ! Seulement 700 exemplaires !

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Styles AP Artist Proof Artwork Giclee Limited Edition Print on 290gsm Fine Art Paper by Pop Culture Graffiti Artist Low Bros. Épreuve d'artiste AP 2015 Signée et marquée AP Édition limitée Œuvre d'art Format 6x20 Impression giclée par SerioPress. Épreuves d'artiste dans le domaine du street art pop et du graffiti Les épreuves d'artiste (EA) occupent une place de choix dans le monde de l'art, souvent considérées comme la référence absolue pour les collectionneurs et les connaisseurs d'estampes. L'épreuve giclée « Styles » des Low Bros témoigne de cette tradition, notamment au sein des univers dynamiques du street art, du pop art et du graffiti. En tant qu'EA, cette édition limitée bénéficie d'une aura d'exclusivité, faisant partie d'un groupe restreint d'estampes mises de côté par rapport à l'édition principale, souvent utilisées à des fins promotionnelles ou comme souvenirs personnels pour les artistes. La création des « Styles » par Low Bros « Styles » est né du milieu créatif de 2015, année où Low Bros a consolidé sa position de figures de proue du graffiti pop culture. L'œuvre, imprimée en giclée sur papier beaux-arts 290 g/m², reflète leur esthétique caractéristique, à la croisée de la spontanéité du street art et de la finesse des œuvres d'art. Le papier 290 g/m², support épais de qualité muséale, a été choisi pour sa surface lisse qui garantit l'éclat des impressions giclées. Cette technique d'impression à jet d'encre permet d'atteindre une précision des couleurs et des détails impossible à obtenir avec les méthodes giclées traditionnelles. L'exclusivité et la valeur de collection des tirages AP Cette épreuve d'artiste (EA) de « Styles » est signée par les Low Bros et clairement identifiée comme telle, ce qui souligne son importance et sa rareté. Les collectionneurs et amateurs de street art et de graffiti recherchent souvent les EA en raison de leur tirage limité et de leur lien direct avec la vision de l'artiste. De plus, ses dimensions généreuses (40,6 x 50,8 cm) permettent d'apprécier pleinement les détails complexes et les couleurs vives caractéristiques des créations des Low Bros. Le rôle de SerioPress dans l'impression des « styles » La réalisation de « Styles » a été confiée à SerioPress, une maison d'édition réputée pour son excellence dans le domaine de l'estampe d'art. Reconnue pour sa précision et son souci constant de préserver l'intégrité de l'œuvre originale, SerioPress a mis son expertise en impression giclée au service de la qualité exceptionnelle de cette édition limitée. Sa collaboration avec Low Bros pour la création de « Styles » a permis de garantir que chaque tirage réponde aux exigences rigoureuses des artistes et de leurs fans. L'impact artistique des "styles" de Low Bros L'œuvre « Styles » des Low Bros est bien plus qu'une simple estampe ; elle incarne l'esprit de son temps, capturant le dynamisme et l'innovation du street art et du graffiti. Les images, souvent composées de motifs animaliers stylisés et anguleux sur fond d'iconographie urbaine, interpellent le spectateur à plusieurs niveaux, questionnant ses perceptions et invitant au dialogue. Par la profondeur de son concept et de son exécution, cette œuvre illustre la contribution des Low Bros à l'art contemporain. L'épreuve d'artiste « Styles » des Low Bros occupe une place de choix dans le street art et le graffiti, alliant maîtrise technique et analyse culturelle pertinente. En tant qu'épreuve d'artiste, c'est une pièce précieuse qui symbolise la rencontre entre l'esprit urbain et la sophistication de l'estampe d'art. Pour les collectionneurs, posséder une telle estampe représente bien plus qu'une simple acquisition : c'est un investissement dans la riche histoire de l'évolution du street art et son dialogue permanent avec le monde de l'art contemporain.

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Edition limitée sur papier Moab Entrada 290gsm par Urban Pop Artist ARTIST Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Sérigraphie en édition limitée Molotov 4 couleurs tirée à la main sur papier beaux-arts par SSUR- Ruslan Karablin, artiste pop art célèbre et rare. Tirage sérigraphié limité à 50 exemplaires. Signé et numéroté, avec logo en relief dans le coin inférieur.

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Estampe giclée « Candy » de Bec Winnel, œuvre d'art en édition limitée sur papier beaux-arts, artiste graffiti pop de rue. Édition limitée signée et numérotée de 2014 (25 exemplaires). Dimensions de l'œuvre : 11,75 x 16,25 pouces. Jeune femme blonde tatouée et colorée, pensive. Exploration de la fusion entre féminité et art urbain pop dans l'estampe giclée Candy de Bec Winnel Bec Winnel est une figure incontournable de l'art contemporain, notamment du Street Pop Art et du graffiti. Cette artiste australienne est reconnue pour son approche méticuleuse et délicate du portrait, qui allie le dessin traditionnel à des thèmes contemporains et à l'esthétique du street art. Parmi ses œuvres phares figure « Candy Giclee Print », une édition limitée illustrant son style unique, fruit de la fusion de ces influences artistiques. Tirée à seulement 25 exemplaires, chaque pièce est signée et numérotée à la main par l'artiste, ce qui en fait un objet de collection très prisé des amateurs de Street Pop Art. L'attrait de l'art en édition limitée L'estampe « Candy Giclée » mesure 29,8 x 41,3 cm, un format à la fois intime et imposant. Le choix d'un papier d'art de qualité supérieure pour son impression renforce son charme et lui confère une dimension tactile qui sublime l'expérience visuelle. Les tirages en édition limitée comme celui-ci offrent un sentiment d'exclusivité et d'investissement, garantissant à quelques privilégiés seulement l'accès à cette œuvre d'art. La rareté de l'édition suscite souvent une appréciation plus profonde et un lien plus intime avec l'œuvre, lien encore renforcé par la signature de l'artiste. Symbolisme et style dans l'impression giclée Candy L'œuvre est un portrait saisissant d'une jeune femme blonde tatouée, plongée dans ses pensées. Les couleurs sont vibrantes et les motifs des tatouages ​​évoquent l'art du graffiti. Ce mélange de styles parvient avec une grande efficacité à exprimer la personnalité et la vie intérieure du sujet. Les tatouages, que l'on pourrait considérer comme une forme d'art urbain, ornent sa peau comme une toile, suggérant une histoire personnelle et intime. L'expression pensive du sujet invite le spectateur à contempler ses pensées et ses émotions, ainsi que la signification culturelle du tatouage comme forme d'expression de soi et d'affirmation identitaire. Impact du street art pop et des graffitis Le pop art et le graffiti sont depuis longtemps à l'avant-garde du défi aux frontières traditionnelles du monde de l'art. Ils insufflent la vitalité de la culture urbaine dans les espaces généralement plus conventionnels des galeries. L'œuvre « Candy Giclee Print » de Bec Winnel illustre la fusion du délicat et de l'audacieux, du privé et du public, du contrôlé et du libre. Elle témoigne du pouvoir de l'art inspiré de la rue à infiltrer et enrichir le discours artistique dominant, tout en conservant son caractère subversif et authentique. Dans le contexte plus large de l'histoire de l'art, des œuvres comme « Candy Giclee Print » constituent d'importants artefacts culturels qui reflètent leur époque et les mentalités sociales. Elles soulignent également l'importance du street art dans les débats contemporains sur l'art et sa place dans la société. L'œuvre de Winnel, avec sa précision et sa profondeur émotionnelle, démontre que le street art peut être un médium aussi puissant et profond que n'importe quelle forme d'art traditionnelle, capable de transmettre des thèmes complexes et de toucher profondément les spectateurs. Par son travail, Bec Winnel contribue à la reconnaissance croissante du Street Pop Art comme une forme d'expression artistique légitime et essentielle. Ses œuvres ne se contentent pas d'orner les murs de leurs acquéreurs ; elles s'inscrivent dans la conscience collective d'une société qui prend de plus en plus conscience de la frontière floue entre art savant et art urbain, entre galerie et ruelle. L'estampe « Candy Giclee Print » de Winnel n'est pas seulement une belle œuvre d'art ; c'est un vecteur de dialogue culturel, un fragment de vie contemporaine et le reflet de l'évolution du paysage artistique et de l'expression.

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DMT Mountain Fine Art, impression pigmentaire d'archives en édition limitée sur planche de skateboard naturelle pressée à froid, par l'artiste de street art et de graffiti Mear One. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et accompagnée d'un certificat d'authenticité (2020). Dimensions de l'œuvre : 8 x 31,875 pouces. Impression par transfert pigmentaire d'archives sur planche de skate en bois naturel pressé à froid. Dimensions : 8 x 31,875 pouces. Sortie : 21 juin 2021.

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Figurine de collection Ramona Red SuperKranky Janky SuperPlastic x Sket One, édition limitée, en vinyle, style street art. Édition limitée 2021 à 1444 exemplaires Embout, capuchon amovible et ce cliquetis original, 1444 exemplaires fabriqués en 2021

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Up Pop, œuvre d'art moderne du film, tirage giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure par l'artiste graffiti moderne Pixar Raid71. Tirage officiel Pixar 2022, édition giclée 18 x 24, signée et numérotée à la main.

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Warm Thoughts - Statue en polystone Golden Touch, édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de rue graffiti Death and Milk, artiste pop moderne. Statue Mighty Jaxx en polystone de 20 cm de haut, édition limitée 2021, par Death and Milk. La douce geisha revient dotée d'un don particulier : celui de transformer tout ce qu'elle touche en or. Célèbre pour ce nouveau pouvoir, elle attire tous ceux qui souhaitent devenir son compagnon. Assise au bord du crâne, elle joue avec son pouvoir, trempant son doigt dans la source d'or et le métamorphosant instantanément, tout en réfléchissant à qui sera sa prochaine victime.

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Peinture murale originale de style métro, réalisée à la bombe aérosol par l'artiste de rue Rek Santiago. Sculpture de train style urbain, signée et réalisée au marqueur aérosol original en 2010. Œuvre unique. Dimensions : 20,25 x 5 x 1,75 pouces. Signé, titré et daté au dos, tagué Rek & NSA au recto. Graffiti original peint à la main, à fixer au mur, style métro. Présenté avec sa boîte. La boîte présente des marques de peinture réalisées par l'artiste. Quelques salissures et imperfections dues à l'âge, en très bon état.

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Cacophonie, une impression pigmentaire d'archives multiple peinte à la main sur 3 niveaux de panneau acrylique découpé au laser, prête à être accrochée, par Eddie Colla, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée 2020, signée et numérotée à 25 exemplaires. Œuvre d'art en acrylique découpée au laser, format 18 x 18 pouces. « La Fille aux Poissons Rouges a été créée il y a près de dix ans. J'y reviens souvent, et c'est le personnage que j'ai créé depuis le plus longtemps. J'écris souvent des histoires pour ces personnages afin de m'aider dans la création de mes œuvres, mais elles ne sont généralement jamais partagées avec le public. La Fille aux Poissons Rouges est née en Chine continentale et a été élevée principalement par son père. Sa mère est décédée d'un cancer lorsqu'elle avait 18 mois. Enfant, elle était souvent très malade et on lui a finalement diagnostiqué une déficience du système immunitaire, bien qu'aucun diagnostic précis n'ait jamais été établi. C'est pourquoi elle porte toujours un masque et des gants. Son père élevait des poissons rouges pour gagner sa vie et lui a appris le métier dès son plus jeune âge. Ils travaillaient côte à côte et recevaient rarement des visites en raison de sa maladie. Être souvent très malade et avoir perdu sa mère ont rendu son enfance difficile. Comme la plupart des enfants, elle a cherché une explication à son malheur, une raison pour laquelle tout cela lui était arrivé, à elle et à son père. Finalement, elle a cru que sa maladie et le cancer de sa mère étaient une punition de la nature. Une malédiction pour avoir joué avec la nature en élevant des poissons rouges. » Finalement, son père décéda lui aussi. Contrainte de gagner sa vie et, par défi au destin, elle immigra clandestinement à Hong Kong. Il existe un célèbre marché aux poissons rouges à Mong Kok, rue Tung Choi, plus communément appelée « rue aux poissons rouges ». Son système immunitaire étant affaibli, le plus grand danger pour elle était les autres. En guise de défi au destin, elle s'installa dans l'une des villes les plus densément peuplées du monde. Elle obtint un étal rue Tung Choi. C'est là son défi : défier le destin et triompher, devenir maîtresse de son propre destin. Ces images sont des vignettes de sa vie à Hong Kong. Je n'ai jamais donné de nom à ce personnage. On la voit parfois avec un ghetto-blaster, car la musique devient une compagne essentielle de sa vie principalement solitaire. Dans l'œuvre « Cacophonie », je voulais qu'elle soit littéralement entourée par la ville. D'une certaine manière, je pense avoir essayé de créer un personnage qui incarne nombre de qualités auxquelles j'aspire. Pour me les rappeler. – Eddie Colla

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Xlarge Gorilla Dcon Cartoon OG 2019 - Figurine en vinyle édition limitée or avec chaîne en métal doré, œuvre d'art de collection créée par l'artiste de graffiti de rue D*Face x Medicom. Jouet d'art en édition limitée 2019 avec pendentif XL en métal véritable et logo, dimensions 6 x 9,5. Emballage d'origine inclus. L'intersection entre culture urbaine et expression artistique s'incarne dans la figurine Xlarge Gorilla DCon Cartoon OG 2019, une pièce de collection en vinyle en édition limitée. Fruit de la collaboration remarquable de D*Face avec Medicom, elle illustre la synergie entre le street art et le design d'objets de collection haut de gamme. Avec ses dimensions impressionnantes de 15 x 24 cm, cette œuvre d'art ne passe pas inaperçue. D*Face, alias Dean Stockton, s'est imposé comme une figure incontournable du street art. Originaire de Londres, son travail critique souvent les normes sociétales contemporaines, le consumérisme et l'influence de la culture pop, fortement inspirée par la culture streetwear à la fois brute et vibrante de Los Angeles, et plus particulièrement par la marque XLARGE. Cette pièce, agrémentée d'un pendentif en métal véritable orné du logo XL, est bien plus qu'un simple jouet : c'est une fresque portable, un fragment de street art destiné aux collectionneurs. Créée en 2019, cette pièce s'inscrit pleinement dans l'esprit du street art, où chaque objet est bien plus qu'un simple produit : c'est une histoire, un récit figé dans le temps, reflet de son environnement. L'éclat doré du vinyle et le poids de la chaîne métallique confèrent une touche de luxe tangible à la nature traditionnellement éphémère du street art. Elle capture l'essence du style iconique de D*Face, visible sur les murs du monde entier, des rues animées de Londres aux ruelles ensoleillées de Los Angeles. Les collectionneurs du Xlarge Gorilla DCon Cartoon OG n'acquièrent pas seulement une œuvre de street art ; ils héritent d'un fragment du dialogue entre culture urbaine et art contemporain. La disponibilité limitée de cette figurine en fait un objet de collection très recherché, séduisant non seulement les fans de D*Face, mais aussi tous ceux qui apprécient le croisement des formes artistiques. Pour ceux qui ont suivi l'ascension du street art vers la notoriété, cet objet de collection est une reconnaissance tangible de sa place légitime au panthéon de l'histoire de l'art.

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Bert & Ernie Art Toy par Sesame Street x Kaws - Sculpture en vinyle en édition limitée de Brian Donnelly, œuvre d'art de collection de l'artiste Pop Street. Œuvre d'art en édition limitée épuisée de 2025, format 8x12,5, neuve dans sa boîte, estampillée/imprimée, représentant Bert et Ernie riant ensemble, tirée de l'émission télévisée pour enfants Sesame Street diffusée sur PBS, par l'artiste Kaws-Brian Donnelly. Collaboration entre KAWS, Brian Donnelly, Bert et Ernie Art Toy La figurine Bert et Ernie, fruit de la collaboration entre Sesame Street et KAWS, illustre parfaitement comment le street art et le graffiti réinterprètent les icônes culturelles mondiales à travers des formes contemporaines. Créée par Brian Donnelly, alias KAWS, cette sculpture en vinyle en édition limitée de 2025 met en scène deux des personnages les plus emblématiques de la série télévisée Sesame Street, diffusée sur PBS, dans l'univers visuel qui caractérise la carrière de Donnelly. Réalisée sous licence officielle de Sesame Workshop, la sculpture mesure environ 32 cm de haut et 25 cm de large. Sortie initialement en édition limitée et désormais épuisée, elle est devenue une pièce de collection très recherchée. Réinventer Bert et Ernie à travers le Street Pop Art Bert et Ernie symbolisent depuis longtemps l'amitié, l'humour et le contraste dans la culture populaire, ce qui en fait des sujets idéaux pour une réinterprétation dans le domaine du street art et du graffiti. KAWS préserve leurs silhouettes, leurs palettes de couleurs et leurs expressions immédiatement reconnaissables, tout en y ajoutant sa signature : les yeux barrés et des proportions sculpturales raffinées. Les personnages sont représentés debout, bras dessus bras dessous, soulignant la chaleur et la camaraderie. Cette pose confère une profondeur émotionnelle à la sculpture, mêlant la nostalgie de l'enfance à la tonalité introspective qui imprègne souvent l'œuvre de Donnelly centrée sur des personnages. Les chemises à rayures vives, les chaussures audacieuses et les surfaces en vinyle lisse créent un impact visuel fort tout en restant fidèles aux dessins originaux. Qualité des matériaux et détails de l'édition Fabriquée en vinyle de haute qualité, la figurine Bert et Ernie Art Toy présente un moulage précis, une peinture impeccable et une finition de surface soignée. Les semelles des figurines sont estampillées et imprimées avec les mentions officielles, notamment les noms des personnages, les informations relatives aux droits d'auteur de Sesame Workshop et les détails de production. Vendue neuve en boîte, cette pièce reflète les standards d'excellence propres aux créations KAWS, conçues pour les collectionneurs et non pour la grande distribution. Comme pour nombre de collaborations de Donnelly, la production limitée et les ruptures de stock rapides ont propulsé cette pièce sur le marché de l'occasion, la plaçant aux côtés d'autres réinterprétations emblématiques de personnages de son catalogue. Brian Donnelly et l'héritage de la sculpture basée sur les personnages Né en 1974 aux États-Unis, Brian Donnelly s'est imposé sur la scène graffiti new-yorkaise des années 1990. Ses premières interventions consistaient à détourner des images publicitaires dans l'espace public, une pratique qui a jeté les bases de son intérêt ultérieur pour des personnages familiers issus de l'animation, du divertissement et de la culture commerciale. Au fil du temps, Donnelly s'est tourné vers la sculpture, la peinture et les installations de grande envergure, devenant l'une des figures les plus influentes du street art et du graffiti contemporains. La figurine Bert et Ernie témoigne de son exploration continue du lien émotionnel, de la nostalgie et de l'imagerie des médias de masse, transformant des figures emblématiques de l'enfance en objets qui trouvent un écho auprès des collectionneurs adultes et des amateurs d'art. Culture pop, nostalgie et collection contemporaine La sculpture Bert et Ernie se situe au carrefour de l'histoire de la culture pop et de la pratique artistique contemporaine. En collaborant avec Sesame Street, KAWS crée un pont entre les générations, invitant les spectateurs à redécouvrir des personnages familiers sous un angle artistique inédit. Cette sculpture est à la fois un objet de collection design et une réflexion sur l'évolution des souvenirs culturels partagés au fil du temps. S'inscrivant dans le vaste univers du Street Pop Art et du graffiti, cette œuvre confirme le pouvoir de l'art centré sur les personnages à transcender l'âge, le support et le contexte, et s'affirme comme une œuvre significative et culturellement pertinente au sein du monde en pleine expansion des art toys et de l'expression pop contemporaine.

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Breakdown Pop Street Artwork, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure par un artiste de graffiti urbain moderne (droits d'auteur). 2022. Signée. 23,62 x 23,62 cm. Édition limitée à 50 exemplaires. « Breakdown » est une œuvre d'art initialement conçue comme une fresque peinte à Bristol, ville natale de l'artiste. Elle présente un motif graphique représentant un mur de briques, un visage féminin imposant et des motifs symboliques qui incarnent le titre de l'œuvre. « Breakdown » est rehaussée à la main de feuilles d'argent et possède des bords frangés. Tirée d'une édition limitée à 50 exemplaires, cette pièce est signée et numérotée par l'artiste.

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