Monstre

Sans titre de Blame Game - #8 Main sur l'œil - Sérigraphie 11 couleurs tirée à la main sur papier Saunders Waterford Hi-White par l'artiste Kaws - Brian Donnelly Street Art - Œuvre d'art en édition limitée. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Dimensions de l'œuvre : 23 x 35 pouces (88,9 x 58,4 cm). Encadrée avec un grand cadre et un passe-partout sur mesure. KAWS (né en 1974) Sans titre, extrait de Blame Game, 2014. Sérigraphie en couleurs sur papier Saunders Waterford Hi-White. 35 x 23 pouces (88,9 x 58,4 cm) (feuille). Édition limitée à 100 exemplaires. Signée, numérotée et datée au crayon sur le bord inférieur. Publiée par Pace Prints, New York. « Sans titre de Blame Game - #8 Main sur l'œil » de KAWS : un symbole du pop art urbain Dans l'univers foisonnant et diversifié du street art, KAWS, pseudonyme de Brian Donnelly, est un nom synonyme d'innovation et de pertinence culturelle. Son œuvre « Untitled from Blame Game - #8 Hand on Eye » illustre parfaitement son talent, qui fusionne graffiti, pop art et imagerie commerciale. Cette sérigraphie artisanale en 11 couleurs, imprimée sur papier Saunders Waterford Hi-White, fait partie d'une édition limitée sortie en 2014. Chaque exemplaire de cette série exclusive, limitée à 100 exemplaires signés et numérotés, est une pièce de collection très recherchée. Ses dimensions (89 x 58 cm) offrent une expérience visuelle immersive, sublimée par un imposant cadre et un passe-partout sur mesure qui accentuent son impact visuel saisissant. Le style caractéristique de KAWS se manifeste dans le jeu des couleurs et l'imagerie iconique qui est devenue sa signature, notamment les yeux barrés, symbole puissant de l'art contemporain. Cette imagerie n'est pas seulement une marque de fabrique de son travail ; elle porte un regard plus profond sur la société, l'identité et l'expérience émotionnelle. Technique et commentaire culturel dans l'art de KAWS La maîtrise technique de KAWS est pleinement mise en valeur dans « Untitled from Blame Game - #8 Hand on Eye », où la précision de la sérigraphie souligne son souci du détail. Le format 11 couleurs révèle une superposition complexe qui confère de la profondeur à l'image, chaque teinte étant choisie pour contribuer à la narration globale de l'œuvre. L'utilisation du papier Saunders Waterford Hi-White est un choix délibéré qui garantit l'éclat des couleurs et la longévité de l'impression, des considérations qui reflètent le dévouement de l'artiste à son art. Plus que de simples œuvres visuellement saisissantes, les créations de KAWS véhiculent souvent un commentaire culturel profond. Les thèmes récurrents de ses œuvres reflètent souvent la saturation de la vie contemporaine par les médias et les images, offrant une critique de notre consommation et de notre interaction avec les stimuli visuels. Ses œuvres font le lien entre l'art savant et la culture populaire, affirmant des positions fortes qui trouvent un écho auprès d'un large public et assurant sa place de figure incontournable de l'évolution du street art. KAWS : Influencer la trajectoire du street art et au-delà L'influence de KAWS sur le monde de l'art dépasse largement le cadre de ses estampes et peintures. Elle imprègne divers secteurs, des collaborations commerciales grand public à la haute couture et au design, repoussant les limites traditionnelles et élargissant le champ du street art. La série « Untitled from Blame Game », et plus particulièrement « #8 Hand on Eye », illustre parfaitement cette fusion, alliant l'esthétique du street art à la finesse des beaux-arts. En signant, numérotant et datant chaque estampe sur le bord inférieur, KAWS personnalise chaque édition publiée par Pace Prints, à New York. Cette touche personnelle, combinée à la disponibilité limitée, renforce l'attrait et la valeur de l'œuvre. Ces éléments ont consolidé la position de KAWS dans le monde de l'art et ont fait de ses œuvres des pièces très recherchées. « Untitled from Blame Game - #8 Hand on Eye » témoigne de la capacité de l'artiste à élever le street art pop à un niveau qui transcende le graffiti traditionnel. Sa production, sa présentation et sa profonde résonance culturelle soulignent le pouvoir transformateur de l'art de KAWS. Alors que le street art continue d'évoluer et d'influencer la culture contemporaine, les œuvres de KAWS, comme celle-ci, demeureront essentielles pour façonner le récit et l'appréciation de cette forme d'art dynamique.

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Sérigraphie acrylique HPM peinte à l'icône Pink Mister Melty par Buff Monster Screen Print sur papier cartonné d'art de qualité supérieure, édition limitée, œuvre d'art pop street art. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, en acrylique HPM, ornée de coulures et peinte à la main. Format : 9x12 pouces. Icône Pink Mister Melty peinte sur acrylique HPM, sérigraphie par Buff Monster L'estampe sérigraphique acrylique HPM « Pink Mister Melty Icon » de Buff Monster, réalisée à partir d'une icône peinte à la main, est une œuvre visuellement saisissante qui fait partie de la série limitée 2023 d'œuvres d'art Street Pop Art et Graffiti. Imprimée sur un papier d'art de qualité supérieure et mesurant 23 x 30,5 cm, cette pièce fait partie d'une édition signée et numérotée de seulement 50 exemplaires, chacun étant minutieusement rehaussé de détails peints à la main à l'acrylique. Plus qu'une simple estampe, cette œuvre est un hybride entre la sérigraphie et l'innovation texturée appliquée à la main, illustrant la technique signature de Buff Monster qui consiste à transformer la répétition graphique en personnages expressifs uniques. Couches vibrantes et effets tactiles Cette estampe rayonne de la puissance des multiples finis à la main, sublimant une base sérigraphiée en une œuvre hautement personnalisée. Le fond rose fluorescent brille d'une intensité saisissante, encadré de lignes grises précises qui guident le regard du spectateur vers l'œil unique et iconique au cœur de la figure de Mister Melty. Entouré de coulures, de dents et de formes surréalistes, le rose se mue en textures profondes et craquelées qui révèlent une couche noire sous-jacente, conférant à l'œuvre une surface carbonisée, semblable à de la lave, évoquant à la fois la chaleur et la décomposition. Cet effet craquelé n'est pas qu'un simple ornement : il intensifie l'impact de l'œil, motif central, suggérant tension, mutation ou transformation sous pression. Symbolisme des personnages dans Buff Monster's World Mister Melty est un personnage récurrent de l'univers de Buff Monster, emblématique des thèmes chers à l'artiste : chaos sucré, désintégration de la pop et nihilisme ludique. Dans cette version rose, le personnage acquiert une tonalité presque radioactive, poussant la mignonnerie de la pop vers un territoire plus incandescent et volatil. Buff Monster utilise depuis longtemps ses personnages pour remettre en question l'esthétique lisse du pop art dominant, en les imprégnant de l'imprévisibilité et de la texture propres au graffiti. Mister Melty incarne à la fois la joie et l'entropie – fondant, suintant et souriant d'une manière qui transforme la destruction en une célébration. Le rôle de Buff Monster dans le graffiti moderne et le pop art Buff Monster, artiste américain, a bâti sa carrière sur la fusion des couleurs acidulées de la culture visuelle japonaise avec l'énergie brute du street art occidental et l'esthétique punk. Reconnu pour son utilisation du rose comme palette centrale dans tous ses supports, son travail se situe à la frontière colorée du Street Pop Art et du graffiti. Cette édition 2023 de Mister Melty confirme son engagement envers le savoir-faire artisanal et l'expression individuelle. Chaque estampe, finie à la main et présentant des variations visuelles imprévisibles, fait de l'icône Pink Mister Melty une œuvre qui brouille les frontières entre production de masse et expression artistique personnelle. C'est une célébration de la texture, une confrontation avec la dégradation et un témoignage vibrant de l'iconographie urbaine moderne.

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Sérigraphie camouflage rose et jaune moyen M-2C-M1 par Invader, tirée à la main sur papier d'art en coton satiné Somerset, édition limitée. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2024. Sérigraphie de l'œuvre « Space Invaders » stylisée en rose et jaune, format 28,35 x 24,02 pouces (72 x 61 cm). NVDR3-6 Sérigraphie Invader's Camo Rose et Jaune Taille Moyenne M-2C-M1 La sérigraphie Camo Pink & Yellow Medium M-2C-M1 d'Invader est un exemple audacieux de street art pop et de graffiti, fusionnant nostalgie numérique et esthétique contemporaine. Sortie en 2024 en édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, cette œuvre puise son inspiration dans la fascination de longue date de l'artiste français pour le rétrogaming, le pixel art et les installations artistiques alternatives. Imprimée sur papier d'art Somerset Satin Cotton de qualité supérieure selon la technique artisanale de la sérigraphie, cette édition mesure 72 x 61 cm, offrant aux collectionneurs une composition vibrante et stylisée. Le pouvoir visuel de la couleur et de la pixellisation Réalisée dans un contraste saisissant de rose fluo et de jaune acide, la sérigraphie M-2C-M1 condense l'iconographie du projet mondial Space Invaders d'Invader en une tapisserie numérique camouflée. Au premier abord, la composition peut sembler un assemblage désordonné de blocs de pixels, mais un examen plus attentif révèle les formes caractéristiques d'un extraterrestre 8 bits enfouies dans le chaos. Les couleurs sont délibérément choisies pour créer une dissonance visuelle, instaurant une expérience optique pulsante qui évoque à la fois les motifs de camouflage et l'esthétique des bugs d'affichage. Cette dualité s'inscrit dans le propos récurrent d'Invader sur la visibilité, la surveillance et l'anonymat – thèmes centraux de ses interventions artistiques urbaines. Superposition conceptuelle et fondements du street art Pionnier des interventions urbaines à l'échelle mondiale, Invader – né en France sous le nom de Franck Slama – a disséminé des milliers de mosaïques, les « Space Invaders », dans les villes du monde entier depuis les années 1990. Si ces œuvres sont souvent exposées au niveau de la rue et donc sujettes aux intempéries ou à leur retrait, des estampes comme « Camo Pink & Yellow Medium M-2C-M1 » garantissent leur pérennité et leur conservation digne d'un musée. La sérigraphie préserve l'esprit DIY (Do It Yourself) de la pratique artistique originelle de l'artiste. La géométrie de cette pièce évoque son approche analogique de la mosaïque, tout en soulignant la répétition systématique et le codage qui caractérisent une grande partie de sa production, à la croisée du numérique et du physique. Le titre de l'œuvre, « M-2C-M1 », qui rappelle un système de codage, fait allusion à son système de classification pour organiser et archiver ses installations internationales, ajoutant une dimension archivistique à l'expérience esthétique. Positionnement au sein de l'art urbain pop et graffiti L'œuvre d'Invader, dont cette estampe, occupe une place incontournable dans l'évolution du street art et du graffiti. Il fusionne la dimension éphémère et subversive du graffiti avec la précision pixel-perfect du design numérique. Contrairement au graffiti traditionnel, ancré dans les lettres et les tags, Invader intègre la culture du jeu vidéo et la critique technologique au récit urbain. En abstrait son extraterrestre à travers des formes de camouflage et de glitch, il brouille les frontières entre résistance et assimilation – une métaphore esthétique de la manière dont l'art subversif peut à la fois infiltrer et s'adapter aux espaces institutionnels. Le résultat n'est pas seulement une sérigraphie de collection, mais une réflexion dynamique sur la culture visuelle moderne, la surveillance et le rôle du jeu dans l'espace public. Cette édition offre non seulement un aperçu de l'évolution constante d'Invader en tant qu'artiste contemporain, mais aussi une occasion rare pour les collectionneurs d'acquérir une œuvre qui traduit l'énergie du street art en un objet raffiné et tactile.

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« Guerre et Folie », tirages pigmentaires d'archives en édition limitée 16x20 sur papier beaux-arts, par Pooch, artiste de rue graffiti, art pop moderne.

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Brella Pop Street Artwork, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure par l'artiste moderne de graffiti urbain Alex Pardee. Tirage giclée signé sur papier d'archivage, 43 x 56 cm (17 x 22 pouces), édition limitée à 50 exemplaires numérotés et signés. Édition de 50 exemplaires.

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Épreuve d'artiste (AP) imprimée en typographie rose « Chateau André » par M. André Saraiva, édition limitée 1 couleur sur papier d'art Neenah Classic Crest blanc naturel 100#, style graffiti, street art et pop. Épreuve d'artiste AP 2023, signée et numérotée, édition limitée à 100 exemplaires, format 16 x 20 pouces, impression typographique M. André Saraiva Château André Rose Typographie AP Épreuve d'artiste 2023 L'épreuve d'artiste « Château André Pink » 2023, signée André Saraiva, est une œuvre à la fois ludique, élégante et emblématique de son approche unique du street art, du pop art et du graffiti. Tirée en typographie monochrome sur papier d'art Neenah Classic Crest Natural White 100#, cette édition de 40,6 x 50,8 cm (16 x 20 pouces) allie le raffinement de la gravure traditionnelle à la spontanéité et au charme du style graffiti d'André. Signée, estampillée « Épreuve d'artiste » et faisant partie d'une édition limitée à 100 exemplaires, cette estampe bénéficie de la grande valeur des épreuves d'artiste dans le monde de l'estampe. Langage visuel et motifs iconiques Entièrement imprimée à l'encre rose tendre, l'œuvre met en scène Mr. A, le personnage de graffiti mondialement connu d'André Saraiva, dansant joyeusement parmi des bouteilles, des blocs de construction et des étoiles tourbillonnantes. Ses yeux barrés, son large sourire et son corps triangulaire longiligne capturent l'esprit espiègle qui caractérise le personnage depuis ses premières apparitions sur les murs parisiens dans les années 1990. Dans cette composition, Mr. A semble célébrer avec une insouciance totale, entouré d'objets fantaisistes évoquant la vie nocturne, le jeu et la créativité artistique. Les lignes libres et gestuelles et les formes simples témoignent du talent d'André pour transformer des formes minimales en une narration expressive, restant fidèle à ses racines graffiti tout en les sublimant grâce à l'estampe d'art. Château Marmont et contexte culturel L'imprimé est superposé à l'emblématique papier à en-tête du Château Marmont, un clin d'œil à ce légendaire hôtel de Los Angeles, profondément ancré dans l'histoire créative d'Hollywood. Depuis son ouverture en 1929, le Château Marmont est un refuge pour acteurs, stars du rock, écrivains et artistes, devenant synonyme de liberté artistique, de secret et de glamour. La signature d'André, qui barre le nom Marmont avec malice, crée une appropriation humoristique, suggérant que son univers de graffiti parisien a temporairement investi l'espace mythique d'Hollywood. Ce jeu de mots met en lumière la portée mondiale du street art et la fluidité entre culture du luxe et créativité underground. Présence Artistique de M. André Saraiva Né en 1971 et ayant grandi à Paris, André Saraiva est une figure incontournable de la culture graffiti internationale depuis des décennies. Son personnage récurrent, Mr. A, a orné les murs des villes d'Europe, des États-Unis et d'Asie, devenant un symbole d'irrévérence, d'optimisme et d'esprit d'aventure artistique. L'œuvre de Saraiva transcende les frontières entre art urbain, vie nocturne, mode et beaux-arts. L'épreuve d'artiste « Château André Pink AP » illustre parfaitement son talent pour fusionner charme, humour et raffinement esthétique, créant une estampe à la fois spontanée et luxueuse. Intégrée à son corpus d'œuvres de Street Pop Art et de graffiti en constante expansion, cette épreuve d'artiste témoigne avec éclat de l'influence durable d'André et de son don unique pour insuffler joie et élégance au monde de l'art urbain contemporain.

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C'est un cauchemar Charlie - Freddy Krueger - Impression giclée en édition limitée sur papier d'art par l'artiste de graffiti de la culture pop Raid71. Sally et Charlie Brown déguisés pour Halloween, Winnie l'Ourson et des fleurs. Impression giclée 12,7 x 12,7 cm, signée et numérotée. « C'est un cauchemar, Charlie ! » - Impression giclée de l'œuvre « Freddy Krueger » par Raid71 – Art urbain pop et graffiti Raid71 mêle avec brio nostalgie et horreur dans « It's a Nightmare Charlie - Freddy Krueger », une édition limitée de tirage giclée qui transforme un dessin animé culte de notre enfance en une réinterprétation surréaliste et d'un humour noir. Proposée en édition signée et numérotée, cette estampe d'art de 12,7 x 12,7 cm juxtapose avec subtilité innocence et peur, réinterprétant les personnages attachants de Peanuts avec une touche sinistre, fusionnant culture pop et art urbain (street art et graffiti). L'œuvre présente une scène d'apparence anodine au premier abord : un personnage se tient près de la niche familière de Snoopy. Cependant, la scène prend une tournure plus sombre lorsque Charlie Brown n'est plus lui-même, mais transformé en l'infâme Freddy Krueger, tout droit sorti de « Les Griffes de la nuit ». Son chapeau emblématique, son visage brûlé et son gant griffu mortel remplacent son expression douce habituelle, faisant de lui une présence inquiétante. Snoopy, quant à lui, reste imperturbable, allongé sur la niche comme s'il ignorait tout de la silhouette cauchemardesque qui se tient à ses côtés. La composition, simple mais puissante, repose sur un trait net et précis, une palette de couleurs minimaliste et l'esthétique immédiatement reconnaissable de Peanuts pour bercer le spectateur dans une fausse impression de sécurité avant de révéler une réalité troublante. Ce contraste entre le familier et l'horrifiant confère à l'œuvre toute sa force, transformant la nostalgie de l'enfance en un reflet étrange, mêlant peur et humour. La dualité artistique de l'horreur et de la nostalgie Raid71 s'est forgé une réputation en manipulant l'imagerie de la culture populaire pour créer des récits inédits qui bousculent les perceptions et les attentes. « Les Griffes de la nuit : Freddy Krueger » s'inscrit dans cette lignée en s'inspirant d'un dessin animé léger et en l'imprégnant de l'essence même du cinéma d'horreur classique. L'association de l'univers de Peanuts avec celui des méchants de films d'horreur sanglants puise dans une mémoire culturelle collective, obligeant les spectateurs à concilier deux mondes radicalement différents. La transformation de Charlie Brown en Freddy Krueger est particulièrement saisissante en raison du contraste saisissant entre les deux personnages. Charlie Brown est souvent perçu comme un symbole des difficultés de l'enfance, représentant l'innocence, l'échec et la persévérance. Freddy Krueger, quant à lui, est une figure terrifiante qui hante les rêves et incarne une peur implacable. En fusionnant ces deux figures, Raid71 crée une œuvre unique qui invite les spectateurs à s'interroger sur la nature de la peur, la narration et la nostalgie culturelle. La précision de l'impression giclée dans l'art urbain contemporain Le choix de l'impression giclée garantit à « It's a Nightmare Charlie - Freddy Krueger » la netteté et l'éclat indispensables à une œuvre qui repose sur des lignes épurées et des contrastes saisissants. Les impressions giclées sont largement utilisées dans le street art, le pop art et le graffiti grâce à leur capacité à reproduire les détails les plus fins des œuvres numériques et dessinées à la main, tout en respectant les normes de conservation muséales. Le petit format de 12,7 x 12,7 cm (5 x 5 pouces) renforce l'impression d'intimité, conférant à l'œuvre un caractère de pièce de collection et apportant une touche d'insouciance à toute collection. L'utilisation précise des couleurs par Raid71, notamment le fond beige chaud et le rouge vif de la niche, permet à l'œuvre de conserver son lien avec l'univers visuel traditionnel de Peanuts tout en offrant une expérience inédite et troublante. Le tirage en édition limitée renforce son attrait et en fait une pièce incontournable pour les collectionneurs qui apprécient la fusion de l'horreur, de la nostalgie et de la déconstruction de la culture pop. L'impact des mélanges d'horreur dans le street art pop et le graffiti Les artistes du Street Pop Art et du graffiti puisent fréquemment leur inspiration à la croisée de la nostalgie et des thèmes contemporains, utilisant des images emblématiques pour créer des récits inédits, souvent subversifs. Freddy Krueger, le film « Les Griffes de la nuit », illustre parfaitement comment des icônes culturelles cultes peuvent être réinterprétées de manière à bousculer les perceptions, susciter la réflexion et divertir. En mêlant l'innocence de l'enfance à l'horreur, Raid71 explore l'expérience universelle du passage à l'âge adulte, où les peurs, réelles ou imaginaires, commencent à s'installer. La fusion des Peanuts classiques avec l'iconographie des films d'horreur n'est pas qu'un simple artifice visuel, mais reflète l'évolution de la culture populaire, où des personnages d'époques et de genres différents se fondent en de nouvelles formes narratives. La capacité de Raid71 à fusionner harmonieusement ces univers fait de cette œuvre un exemple remarquable de street art et de graffiti. « It's a Nightmare Charlie - Freddy Krueger » est bien plus qu'un simple mélange ludique : c'est un commentaire culturel sur la façon dont la nostalgie et la peur coexistent dans l'imaginaire collectif, prouvant que même les personnages les plus innocents peuvent prendre des formes nouvelles et terrifiantes entre les mains d'un artiste talentueux.

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Holiday Japan - Figurine de collection en vinyle noir en édition limitée, œuvre d'art réalisée par l'artiste de graffiti Kaws et Brian Donnelly. Sculpture artistique en vinyle noir peint, édition limitée 2019, inspirée des fêtes de fin d'année au Japon. Dimensions : 9 x 4 x 3,5 pouces (23 x 10 x 9 cm). Estampillée au dos. Éditeur : AllRightsReserved, Hong Kong. État quasi neuf. Emballage d'origine. Kaws - Brian Donnelly Street Pop Art & Graffiti Holiday Japan - Noir KAWS, de son vrai nom Brian Donnelly, est une figure emblématique du street art et de l'art commercial. Ses œuvres se caractérisent souvent par une forte présence graphique, des couleurs vives et de larges aplats de peinture rappelant la publicité et le graffiti traditionnel. L'édition limitée Holiday Japan Black est une pièce remarquable qui incarne l'essence même de la démarche artistique de KAWS. Avec ses yeux barrés distinctifs et ses formes exagérées, cette sculpture fusionne la spontanéité du street art et le raffinement des objets d'art de collection. Le marché des figurines d'art de collection a connu une forte croissance ces dernières années, et des pièces comme l'édition limitée Holiday Japan Black de KAWS, alias Brian Donnelly, sont devenues très recherchées. Cette œuvre est un exemple parfait de street art et de graffiti, reflétant le style unique de l'artiste et l'esprit du mouvement culturel. Cette sculpture en vinyle célèbre le street art et le graffiti contemporains, illustrant comment ce genre peut harmonieusement mêler imagerie ludique et critique artistique pointue. Avec son élégant vinyle coulé peint en noir, cette œuvre aux dimensions compactes de 23 x 10 x 9 cm (9 x 4 x 3,5 pouces) est une pièce de choix pour les collectionneurs d'art et les amateurs de street art. L'esthétique de l'édition limitée Holiday Japan Black rend hommage aux origines de l'artiste dans le graffiti et à son ascension au rang de figure incontournable des collections d'art contemporain. Authenticité et valeur de collection Les collectionneurs d'œuvres de KAWS sont attirés non seulement par leur esthétique, mais aussi par l'authenticité et l'exclusivité de ses pièces. L'édition limitée Holiday Japan Black est estampillée au verso, portant la marque de son créateur et éditeur, AllRightsReserved, basé à Hong Kong. Ce tampon constitue un gage d'authenticité, un aspect crucial pour les collectionneurs attentifs à la provenance et à la légitimité des œuvres qu'ils acquièrent. Le fait que cette œuvre soit conservée en parfait état, ou presque, dans son emballage d'origine, accroît encore sa valeur. Les collectionneurs recherchent souvent des pièces conservées dans un état aussi proche que possible de leur état d'origine, emballage compris. Ce dernier, souvent orné d'œuvres de l'artiste, devient partie intégrante de l'expérience de collection et, dans certains cas, sa valeur est presque égale à celle de l'œuvre qu'il renferme. Impact sur la culture populaire et l'art La popularité de l'édition limitée Holiday Japan Black de KAWS sur le marché des objets de collection témoigne de l'impact culturel du Street Pop Art et du graffiti ces dernières années. Le passage de KAWS, de graffeur tapissant les rues de New York à figure reconnue du monde de l'art, illustre l'évolution des frontières entre art « noble » et art « populaire ». Son œuvre remet en question les distinctions traditionnelles et suggère que l'art peut être accessible tout en conservant un haut niveau de maîtrise technique et une grande profondeur conceptuelle. L'édition limitée Holiday Japan Black, comme d'autres œuvres de KAWS, met souvent en scène des personnages et des motifs qui trouvent un écho auprès d'un large public, abolissant le fossé entre culture populaire et beaux-arts. Cette accessibilité a permis au Street Pop Art et au graffiti de fidéliser un public qui dépasse le cadre du marché de l'art traditionnel et touche à la mode, à la musique et au design. La figurine Holiday Japan Black de KAWS est une pièce maîtresse de son œuvre et une représentation significative du Street Pop Art et du graffiti contemporains. Elle représente bien plus qu'un simple objet de collection : un véritable artefact culturel qui incarne l'interaction dynamique entre la culture urbaine et le monde de l'art contemporain. Sa popularité et la forte demande des collectionneurs témoignent de l'intérêt croissant porté à des formes d'art autrefois marginalisées, marquant une évolution passionnante dans la perception et l'évaluation des œuvres inspirées par le street art.

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L'Aube des Morts - Œuvre d'art d'horreur, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure par l'artiste de graffiti de la culture pop Olivier Bonnard. Horror Show est un hommage illustré aux meilleurs et aux pires films d'horreur de série Z de ces dernières années.

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Chop Til You Drop, sérigraphie en édition limitée à l'encre métallique dorée, tirée à la main en 3 couleurs sur papier d'art épais, par Burrito Breath x Hanks Cycles. Œuvre d'art urbain rare, artiste pop célèbre.

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Plus de cerveaux ! Édition limitée, sérigraphie artisanale en quatre couleurs sur papier beaux-arts, par John Smith, artiste de rue graffiti, art pop moderne. "Plus de cerveaux !" Son portrait de Tarman pour l'exposition Icons Of Horror de la galerie Guzu, 2014. Édition numérotée de 50 exemplaires, 12" x 16".

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Figurine de collection Gizmo Costume 1000% BE@RBRICK Édition Limitée Medicom Vinyl Artwork Toy. Cette figurine Be@rbrick toute douce représente l'adorable Gremlin Gizmo et mesure environ 27,55 pouces de haut.

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Impression giclée en édition limitée « Mad World Artwork » sur papier d'archivage certifié 300 g/m² par l'artiste de graffiti pop culture Graham Curran. Œuvre de Graham Curran intitulée « Mad World », inspirée du film Donnie Darko. Dimensions : 28 cm x 35,5 cm. Imprimée sur papier d’archivage certifié 300 g/m². Signée et numérotée à la main par l’artiste.

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Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

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Goonie 040 Peinture originale à l'aquarelle sur papier d'art encadré par l'artiste surréaliste Naoto Hattori. Aquarelle originale signée de 2013, pièce unique. Encadrée. Dimensions du cadre : 8,5 x 8,5 pouces (21,6 x 21,6 cm). Dimensions de l’image : 3 x 3 pouces (7,6 x 7,6 cm). Encadrement et passe-partout réalisés sur mesure par l’artiste. La maîtrise miniature de Naoto Hattori dans « Goonie 040 » « Goonie 040 » de Naoto Hattori est un joyau singulier de l'art surréaliste, une aquarelle miniature qui concentre une imagination débordante dans un espace réduit. Signée et réalisée en 2013 par Hattori, cette œuvre originale et unique est encadrée et sous passe-partout par l'artiste lui-même, soulignant le lien intime qui unit le créateur à son œuvre. Mesurant seulement 7,6 x 7,6 cm et présentée dans un cadre de 21,6 x 21,6 cm, l'œuvre est un exemple exquis de la technique méticuleuse de Hattori et de sa fascination pour le surréalisme. Bien que l'art de Hattori s'éloigne de l'étalement urbain typique du pop art et du graffiti, il partage avec ces formes d'art le pouvoir transformateur de ces dernières. « Goonie 040 » transmet un profond sentiment d'introspection et d'émerveillement, invitant le spectateur à plonger dans un univers où les frontières de la réalité sont fluides et subjectives. Comme une grande partie de l'œuvre d'Hattori, cette pièce suggère un monde où le fantastique devient possible et où les frontières entre le conscient et l'inconscient s'estompent. Le symbolisme profond de « Goonie 040 » Dans « Goonie 040 », le sujet représenté dépasse le simple cadre de l'imaginaire. Il sert de support à l'exploration de thèmes psychologiques et existentiels profonds. Le choix d'Hattori de présenter cette aquarelle dans un cadre sur mesure souligne la préciosité de l'œuvre, à l'instar d'une relique ou d'un artefact destiné à être contemplé et chéri. La taille de l'image attire le regard du spectateur, exigeant une interaction plus personnelle que celle que suscitent des œuvres plus importantes. L'encadrement et le passe-partout, réalisés par l'artiste lui-même, témoignent du savoir-faire et du soin apportés à chacune de ses créations. Dans le contexte plus large du monde de l'art, « Goonie 040 » atteste de l'attrait durable de l'artisanat à une époque de plus en plus dominée par la création numérique et la production de masse. C'est un symbole d'individualité et de la touche unique de la main de l'homme. « Goonie 040 » de Naoto Hattori est une œuvre magistrale, fruit d'une fusion parfaite entre maîtrise technique et créativité débordante. Elle s'inscrit pleinement dans le discours du surréalisme contemporain et au-delà. Elle révèle la profonde puissance d'une œuvre de petit format, invitant le spectateur à une expérience artistique personnelle et à une découverte de sens au sein des différentes couches de peinture et de papier. À travers des œuvres telles que « Goonie 040 », Hattori continue de fasciner et de captiver le public, contribuant ainsi à la richesse de l'art moderne.

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Separated - Figurine de collection en vinyle gris en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de graffiti Kaws. 2021 Separated (Gris) Vinyle 7 87/100 × 6 3/10 × 7 9/100 po 20 × 16 × 18 cm Présenté avec boîte KAWS et l'ascension du pop art urbain La figurine en vinyle « Separated » de KAWS est une œuvre remarquable qui témoigne de la fusion entre l'esthétique du street art et le marché des objets de collection. KAWS, initialement connu pour son approche provocatrice du street art, consistant à détourner les publicités dans les abribus et les cabines téléphoniques à l'aide de ses personnages emblématiques, est devenu une figure majeure de l'art contemporain. Son œuvre met souvent en scène des personnages immédiatement reconnaissables et très recherchés par les collectionneurs comme par le grand public. L'artiste connu sous le nom de KAWS, de son vrai nom Brian Donnelly, est diplômé de la School of Visual Arts de New York. Il a débuté comme graffeur dans les rues de Jersey City et s'est rapidement fait connaître pour ses adaptations provocatrices et humoristiques de publicités populaires. Au fil du temps, l'œuvre de KAWS a évolué des fresques à la bombe aux sculptures monumentales et aux figurines de collection, créant ainsi un pont entre le monde du graffiti underground et l'univers élitiste des galeries d'art. Les contributions de KAWS au monde de l'art ont été importantes dans la fusion du commerce et de la culture urbaine, reflétant un mélange unique appelé « Street Pop Art ». La signification de « séparés » L'objet de collection « Separated », sorti en 2021, poursuit l'exploration des émotions et de l'isolement menée par KAWS. Il met en scène l'un de ses personnages principaux dans une pose suggérant la contemplation ou la tristesse, incarnant la solitude et la séparation qui imprègnent la société moderne. Le personnage est représenté en niveaux de gris monochromes, un choix qui renforce la mélancolie de l'œuvre. Avec cette création, KAWS commercialise un produit tout en exprimant des sentiments contemporains, une démarche qui a toujours été au cœur de l'art graffiti. Les dimensions de « Separated » sont de 20 × 16 × 18 cm (environ), et la figurine est souvent exposée avec sa boîte, elle-même ornée d'une œuvre de KAWS, faisant de l'emballage une partie intégrante de l'œuvre. L'article était commercialisé comme une édition ouverte, ce qui signifie qu'au lieu d'être produit en quantité limitée, il était fabriqué pour répondre à la demande, rendant ainsi l'art de KAWS plus accessible à un public plus large. Collectionnabilité et impact sur la culture populaire L'attrait des œuvres de KAWS pour les collectionneurs réside non seulement dans l'esthétique de ses créations, mais aussi dans leur résonance avec les thèmes contemporains du lien et de la rupture. Ainsi, des figurines KAWS comme « Separated » s'imposent comme des œuvres d'art et des artefacts culturels qui incarnent l'esprit d'une époque. Cette pièce s'inscrit dans un mouvement plus large où le street art, autrefois marginal, occupe désormais une place centrale dans la culture populaire, porteur souvent d'un commentaire social percutant. Les figurines en vinyle de KAWS sont devenues des objets de collection très prisés, certaines éditions étant épuisées en quelques minutes seulement. Leur valeur s'accroît avec le temps, faisant d'elles non seulement des objets d'art à exposer, mais aussi un investissement. Cette tendance a contribué à rehausser le statut des jouets et du street art, renforçant leur reconnaissance en tant que formes d'art à part entière. KAWS au Panthéon artistique Dans le monde de l'art, KAWS occupe une place unique, son œuvre se situant à la croisée des chemins entre art commercial et beaux-arts. Son attrait interculturel est manifeste dans ses collaborations avec de grandes marques, des musiciens et des maisons de couture, qui ont contribué à diffuser son travail bien au-delà des espaces artistiques traditionnels. Il conserve néanmoins une forte présence dans le milieu artistique, avec des expositions dans les plus grands musées et galeries du monde. La figurine « Separated », en particulier, illustre la capacité de KAWS à communiquer des états émotionnels complexes à travers des formes et des gestes simplifiés. L'œuvre reflète l'esprit du temps, abordant les thèmes de l'isolement et de la vulnérabilité, universels dans l'expérience humaine. Cette universalité, combinée à une esthétique singulière, a permis à KAWS de transcender le monde du graffiti et du street art pour devenir un artiste de renommée internationale. « Separated » de KAWS est une figurine en vinyle qui représente bien plus qu'un simple objet physique ; elle se dresse comme un symbole culturel de son époque, un commentaire sur la condition humaine et un objet de désir pour les collectionneurs et les amateurs d'art. Sa sortie a encore renforcé la position de KAWS en tant qu'artiste qui navigue avec aisance entre différentes sphères artistiques, influençant profondément chacune d'elles.

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Achetez Mister Melty Vinyl Figure - Pink Edition Limitée Vinyl Art Toy Collectible Artwork par Modern Pop Culture Artist Buff Monster. 2022 Édition Limitée Neuf Dans La Boîte "C'est le premier jouet en vinyle non sofubi que j'ai produit moi-même. Je voulais faire une version unique de Mister Melty. Une figurine qui était grande, emblématique et articulée (contrairement à toutes les versions précédentes). À 10" de haut, il représente environ deux fois la taille de la plupart des figurines en résine et plus de 3 fois la hauteur des anciennes versions de sofubi.Les mains, les bras, le corps, les jambes et les chaussures ont tous dû être resculptés.Les roses de ce premier coloris sont tous personnalisés Buff Monster roses. Pas de couleurs standard ici ! J'ai peint des carrés de différents roses sur un morceau de papier et je l'ai envoyé à l'usine en Chine afin qu'ils sachent exactement ce que je voulais. La boîte est une boîte en carton standard, avec une coquille de palourde personnalisée à l'intérieur, conçu principalement pour protéger la figure." Monstre chamois

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Bad Bunny - Figurine de collection Fashion EDC SuperGuggi Janky SuperPlastic en vinyle édition limitée, œuvre d'art urbain, par l'artiste Guggimon. Édition limitée à 14 444 exemplaires, fabriquée en 2021, hauteur : 2,44 m

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Épreuve d'artiste (AP) imprimée en typographie rose « Chateau André » par M. André Saraiva, édition limitée 1 couleur sur papier d'art Neenah Classic Crest blanc naturel 100#, style graffiti, street art et pop. Épreuve d'artiste AP 2023, signée et numérotée, édition limitée à 100 exemplaires, format 16 x 20 pouces, impression typographique M. André Saraiva Château André Rose Typographie AP Épreuve d'artiste 2023 L'épreuve d'artiste « Château André Pink AP » 2023 de M. André Saraiva est une exploration à la fois raffinée et espiègle de son style caractéristique, axé sur les personnages, au sein du vaste univers du street art, du pop art et du graffiti. Tirage typographique monochrome sur papier d'art Neenah Classic Crest Natural White 100#, cette œuvre de 40,6 x 50,8 cm est signée et marquée « AP », ce qui la désigne comme faisant partie des épreuves d'artiste exclusives accompagnant l'édition limitée à 100 exemplaires. Ces épreuves sont très recherchées dans le monde de l'estampe car elles représentent les premiers tirages utilisés par l'artiste pour évaluer la qualité, rendant chaque exemplaire particulièrement précieux pour les collectionneurs. Style visuel et expression narrative Réalisée dans un doux dégradé rose, l'estampe met en scène la figure emblématique de Mr. A, personnage de graffiti d'André, dansant avec une joie insouciante parmi des bouteilles, des lignes de mouvement abstraites et des objets ludiques comme une balle rayée, un cube de construction et un ver serpentin. Le sourire exagéré de Mr. A, son œil barré et son chapeau haut-de-forme traduisent l'irrévérence et la joie de vivre qui caractérisaient les premières interventions de Saraiva dans le paysage parisien. Le chaos fantaisiste de la composition évoque les nuits blanches, l'exubérance créative et un sentiment de fête débridée, le tout exécuté avec le charme gestuel et décontracté propre à l'œuvre d'André. Même le nom barré du Château Marmont, en haut de l'estampe, participe à ce jeu visuel, laissant entrevoir l'humour et l'esprit subversif de l'artiste. Château Marmont et résonance culturelle L'intégration du papier à en-tête du Château Marmont ancre l'œuvre dans la légende de l'un des lieux les plus emblématiques de Los Angeles. Depuis son ouverture en 1929, le Château Marmont est un refuge pour acteurs, musiciens, artistes et écrivains, devenant un symbole culturel des courants créatifs et souvent tumultueux qui animent Hollywood. En apposant sa signature sur le papier à en-tête de l'hôtel, André fusionne la culture de rue parisienne et les légendes hollywoodiennes, transformant le lieu en une extension de son propre univers visuel. Cette fusion des genres souligne l'influence mondiale du street art et renforce le rôle d'André comme trait d'union culturel entre la vie nocturne, les beaux-arts et l'expression urbaine. La place d'André Saraiva dans le Street Pop Art Né en 1971 et ayant grandi à Paris, André Saraiva s'est imposé sur la scène graffiti de la fin des années 1980 et des années 1990, créant le personnage de Mr. A, symbole de charme, de rébellion et de spontanéité romantique. Son travail s'est depuis étendu aux galeries, aux collaborations dans la mode, aux fresques murales et aux projets nocturnes, tout en conservant l'immédiateté ludique propre au graffiti. L'épreuve d'artiste « Château André Pink AP » illustre sa capacité à transformer de simples dessins au trait en déclarations culturelles, mêlant élégance et irrévérence. En tant qu'épreuve d'artiste, ce tirage constitue un exemple rare et raffiné de la contribution continue de Saraiva au Street Pop Art et au graffiti, incarnant à la fois la personnalité exubérante de Mr. A et le charme intemporel de lieux créatifs comme le Château Marmont.

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Publiez une peinture à l'huile originale sur panneau, richement encadrée, de l'artiste surréaliste Naoto Hattori. 2011. Signée et datée au verso. Peinture à l'huile originale et unique. Encadrée. Dimensions du cadre : 9,5 x 13,75 pouces (24 x 35 cm). Dimensions de l'image : 3 x 3 pouces (7,6 x 7,6 cm). Cadre sur mesure orné de dorures, réalisé par l'artiste. Peinture à l'huile originale de Naoto Hattori.

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Licorne Man, tirage giclée en édition limitée sur papier d'art de Mike Mitchell, artiste de rue de la contre-culture. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Œuvre de 20 x 25 cm (8 x 10 pouces). Homme nu avec corne de licorne, pensif. Impression giclée par Mike Mitchell. Homme licorne dans une œuvre d'art pop art et graffiti de rue « Unicorn Man », une estampe giclée en édition limitée de Mike Mitchell, illustre parfaitement la fusion caractéristique de l'artiste entre humour, surréalisme et pop art contemporain. Sortie en 2014 à 100 exemplaires signés et numérotés, cette œuvre incarne la fantaisie et la satire propres au street art moderne. Avec ses lignes épurées, sa palette de couleurs pastel douces et son sujet à la fois absurde et contemplatif, elle remet en question les normes artistiques conventionnelles tout en interrogeant la perception de soi et le rôle du fantasme dans le quotidien. L'absurdité ludique de l'image « L'Homme-Licorne » représente un homme nu, assis, dans une pose paisible et méditative. Son physique rondouillard, ses traits enfantins et sa petite moustache confèrent au personnage une dimension à la fois comique et attachante. L'élément le plus frappant reste cependant la corne de licorne qui jaillit de son front, scintillante et se fondant dans ses cheveux blonds et soyeux. Une petite queue de licorne renforce encore cette métamorphose mythique, suggérant subtilement que cet homme, malgré son humanité ordinaire, se perçoit comme un être plus magique. L'œuvre de Mike Mitchell met souvent en lumière l'absurde d'une manière à la fois humoristique et étrangement stimulante. « L'Homme-Licorne » ne fait pas exception. En plaçant un homme par ailleurs ordinaire dans un contexte extraordinaire, l'œuvre interroge les notions d'identité, d'acceptation de soi et de besoin d'évasion. Le pop art urbain utilise fréquemment de telles représentations exagérées pour engager le public dans un dialogue ludique et profond sur la vie moderne. Éléments stylistiques et surréalisme pop La composition d'« Homme-Licorne » s'inscrit dans les principes du surréalisme pop, un mouvement qui mêle des éléments de la culture populaire à une imagerie onirique ou absurde. Les lignes nettes, presque caricaturales, reflètent une esthétique numérique très soignée, caractéristique du street art pop contemporain. La palette de couleurs restreinte, dominée par des teintes beige chaud et rose tendre, confère à l'œuvre une douceur et une convivialité qui rendent le personnage accessible malgré l'étrangeté de sa transformation. Le style unique de Mitchell combine des techniques d'illustration qui évoquent la nostalgie tout en conservant une touche de modernité. Les couleurs franches et franches, ainsi que la simplicité expressive de la figure, créent une impression d'immédiateté, rendant l'œuvre facile à appréhender tout en lui conférant une profondeur de sens. La lueur onirique qui entoure la corne de la licorne souligne la nature surréaliste de la perception que le personnage a de lui-même, invitant le spectateur à pénétrer dans son univers imaginaire. Symbolisme et commentaire culturel L'œuvre « Unicorn Man » dépasse le simple humour visuel pour s'inscrire dans le champ du commentaire culturel. Dans le street art et le graffiti, le fantastique sert souvent à interroger la réalité. La pose paisible et méditative du personnage suggère l'acceptation de son identité unique, aussi absurde puisse-t-elle paraître aux yeux d'autrui. Ceci pourrait symboliser la lutte pour l'expression de soi et l'individualité dans un monde qui prône souvent le conformisme. La licorne elle-même est depuis longtemps associée à la pureté, à la magie et à des idéaux inaccessibles. En juxtaposant ce symbolisme mythique à une figure humaine ordinaire, l'œuvre met en lumière la tension entre aspiration et réalité. Elle suggère que chacun, à sa manière, nourrit le désir d'être perçu comme extraordinaire, même si ce fantasme n'existe que dans son imagination. L'attrait persistant de l'homme-licorne Unicorn Man continue de fasciner les collectionneurs et les amateurs d'art pop contemporain grâce à son mélange de fantaisie, de satire et de thèmes qui invitent à la réflexion. Le tirage limité de cette estampe en fait une pièce très recherchée dans les milieux du street art et du graffiti. La capacité de Mike Mitchell à allier humour et sophistication artistique garantit la pertinence et l'attrait constants de son œuvre. Cette œuvre nous rappelle que la créativité s'épanouit dans l'inattendu. En fusionnant le ridicule et la sérénité, Unicorn Man invite les spectateurs à embrasser leur part d'absurdité et à trouver la magie dans le quotidien. Qu'on y voie un personnage léger ou une métaphore plus profonde de la perception de soi, l'œuvre renforce le pouvoir du street art de bousculer les perspectives tout en suscitant le sourire.

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Chum 22 Black Art Toy par Kaws - Sculpture en vinyle en édition limitée de Brian Donnelly, œuvre d'art de collection de l'artiste pop street. Œuvre d'art en édition limitée épuisée de 2022. Dimensions : 7,7 x 11,6 x 3,5 pouces. Neuve dans sa boîte. Estampillée/imprimée. Pied représentant un ami proche de KAWS, Black Chum, debout, les mains sur les hanches. Par l'artiste Kaws - Brian Donnelly. Neuf dans sa boîte. À la croisée de l'art contemporain et de la rue, l'extraordinaire « Chum 22 Art Toy », imaginée par l'illustre Kaws, alias Brian Donnelly, est une sculpture en vinyle unique, sortie en 2022. Elle met en valeur les détails complexes et les motifs iconiques caractéristiques de l'œuvre de l'artiste. Avec ses couleurs vibrantes et son design inspiré de l'esthétique urbaine, cette pièce impressionnante mesure 19,5 x 29,5 x 8,9 cm, prouvant que l'art peut être à la fois compact et percutant. Issu du street art et du graffiti, Kaws a toujours su transcender les frontières traditionnelles de l'art. Son « Chum 22 Art Toy » ne fait pas exception. Elle incarne l'essence même de son art, à travers la figure de « Chum », un ami proche de l'artiste, posant avec assurance, les mains sur les hanches. Cette posture symbolise un esprit de rébellion, un clin d'œil à l'éthique contre-culturelle prônée par le street art. De plus, le souci du détail est manifeste, notamment dans le pied de la figurine, estampé ou imprimé, témoignant de l'engagement de Kaws envers l'authenticité et l'originalité. Fraîchement sortie de l'atelier et encore dans son emballage d'origine, cette œuvre d'art en édition limitée, déjà épuisée, est une pièce de collection prisée des amateurs. Elle illustre comment le street art, souvent perçu comme éphémère, peut être immortalisé et célébré sous des formes tangibles. À travers de telles créations, Kaws continue de bousculer les idées reçues, incitant la société à reconnaître et à apprécier la valeur artistique inhérente à la culture urbaine.

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Achetez TITLE Édition limitée Fine Art Archival Pigment Print Art sur papier buvard perforé. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XX Tirage pigmentaire d'archivage sur papier buvard perforé Taille : 7,5 x 7,5 pouces Sortie : 19 avril 2022 Les éditions limitées de buvard sont perforées à la main par Zane Kesey.

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« 20 Sided Guy », édition limitée, impression giclée sur papier d'art de Mike Mitchell, artiste de rue de la contre-culture. Édition limitée à 125 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Œuvre de 20 x 25 cm représentant un homme avec un dé à 20 faces de Donjons et Dragons en guise de tête. Impression giclée par Mike Mitchell. Homme à 20 côtés, œuvre d'art pop art et graffiti de rue « 20 Sided Guy » de Mike Mitchell est une œuvre imaginative et humoristique qui mêle culture pop et surréalisme. Publiée en 2014 sous forme d'une édition limitée numérotée et signée, cette impression giclée mesure 20 x 25 cm et fait partie d'un tirage de 125 exemplaires. Reconnu pour son talent à fusionner des éléments de la culture pop avec des thèmes conceptuels profonds, Mitchell donne vie dans cette œuvre à un sujet à la fois original et universel. En fusionnant la forme humaine avec un élément emblématique des jeux de société, il crée une image qui parle autant aux amateurs de jeux de rôle fantastiques qu'aux passionnés de street art et de graffiti. Le concept derrière 20 Sided Guy L'œuvre représente une figure assise sur un simple tabouret, sa tête remplacée par un grand dé rouge à 20 faces. Elle évoque immédiatement les amateurs de jeux de rôle sur table, notamment Donjons et Dragons, où le dé joue un rôle crucial dans le destin. La face du dé est ornée de diverses expressions, chacune exprimant une émotion différente, de l'excitation à la tristesse, renforçant ainsi le thème de l'imprévisibilité. Le choix de Mitchell de remplacer une tête humaine par un dé suggère le caractère aléatoire de l'existence. Il joue avec l'idée que l'identité est laissée au hasard, où chaque décision peut changer le cours des choses, à l'image d'un lancer de dé. L'œuvre invite à réfléchir à l'imprévisibilité de la vie, incitant le spectateur à s'interroger sur la part de hasard et de contrôle dans son propre destin. Cette exploration du hasard s'inscrit dans l'esprit du pop art urbain et du graffiti, qui commentent souvent le chaos, l'incertitude et l'expérience humaine dans un monde en perpétuelle mutation. Le style emblématique de Mike Mitchell dans le street pop art L'approche artistique de Mitchell est profondément ancrée dans la culture populaire. Il s'approprie souvent des icônes connues et leur insuffle une dimension inattendue, introspective ou humoristique. Sa série « Just Like Us » humanise des personnages de fiction populaires, les rendant plus accessibles et ordinaires. Cependant, avec « 20 Sided Guy », il explore le surréalisme, conférant au sujet une présence quasi existentielle. Contrairement au graffiti traditionnel, souvent caractérisé par des images dynamiques et percutantes, l'œuvre de Mitchell est épurée, soignée et d'une grande précision numérique. L'utilisation d'ombrages doux et de fonds flous permet au sujet d'occuper le devant de la scène, rendant son travail à la fois ludique et stimulant. Ce contraste entre un sujet surréaliste et une exécution raffinée distingue son œuvre dans le paysage du street art et du graffiti. Les sous-entendus émotionnels de 20 Sided Guy Malgré son apparence fantaisiste, l'œuvre recèle une subtile mélancolie. La posture du personnage, jambes croisées et mains posées sur les genoux, inspire la contemplation. Le fond blanc et la disposition des dés sur le corps évoquent l'isolement, renforçant le thème de l'introspection et de l'incertitude. Le personnage semble attendre, comme s'il méditait sur son avenir. Ce mélange d'humour et de réflexion existentielle confère à l'œuvre de Mitchell toute sa force. « 20 Sided Guy » est bien plus qu'un hommage ludique aux jeux de rôle : c'est une réflexion sur le destin, la prise de décision et l'imprévisibilité de l'existence. Les amateurs de jeux vidéo y trouvent une pointe de nostalgie, tandis que les collectionneurs d'art apprécient la profondeur de son sens. Pourquoi « 20 Sided Guy » est une œuvre remarquable L'estampe « 20 Sided Guy » demeure très recherchée par les collectionneurs d'art urbain et de graffiti. Sa capacité à parler aussi bien aux passionnés de culture pop qu'aux amateurs d'art en fait une œuvre mémorable et unique. L'alliance du symbolisme vidéoludique, de l'humour et de l'introspection en fait une œuvre captivante qui continue de toucher ceux qui la découvrent. Le talent de Mike Mitchell pour mêler références culturelles et thèmes profonds garantit à cette œuvre une contribution durable au monde de l'art urbain contemporain.

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La maison qu'Hanuman a construite, tirages pigmentaires d'archives en édition limitée 16x20 sur papier beaux-arts par Pooch Graffiti Street Artist Modern Pop Art.

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Achetez SUPERKRANKY édition limitée Janky Vinyl Art Toy oeuvre de collection par Modern Design Artist x Sket-One. 2022 édition limitée SuperKranky Janky superplastique vinyle Art jouet œuvre taille XXXXX

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BunnyKitty Dream State - Teal 6-Color Hand-Pull Limited Edition Silkscreen Print on Fine Art Paper by Dave Persue Modern Pop Artwork Artist. Édition variante turquoise 2021 de 25 exemplaires signés et numérotés, sérigraphie 6 couleurs sur papier d'archivage Format 18x24 Tirage réalisé à la main à Los Angeles, CA.

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Tirages d'art en édition limitée Hulk Boy, réalisés à partir de pigments d'archives sur papier beaux-arts par Ron English, artiste de graffiti, de street art et de culture pop - POPaganda. 2007. Tirage numérique en couleurs sur papier vergé, 50,8 x 50,8 cm (20 x 20 pouces). Tirage limité à 100 exemplaires, signé et numéroté au crayon en bas.

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Sérigraphie acrylique HPM peinte de l'icône Orange Mister Melty par Buff Monster Screen Print sur papier cartonné d'art de qualité supérieure, édition limitée, œuvre d'art pop street art. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, en acrylique HPM, ornée de coulures et peinte à la main. Format : 9x12 pouces. Icône Orange Mister Melty, sérigraphie acrylique HPM peinte par Buff Monster L'estampe sérigraphique acrylique HPM « Orange Mister Melty Icon » de Buff Monster est une expression dynamique du street art pop et du graffiti. Créée en 2023 dans le cadre d'une édition limitée numérotée et signée à 50 exemplaires, cette pièce témoigne avec éclat du langage visuel caractéristique de Buff Monster. Malgré son format compact de 23 x 30 cm, elle dégage une force visuelle impressionnante grâce à l'alliance de l'énergie de la peinture à la main et de la netteté de la sérigraphie. Le personnage de Mister Melty, une créature fondante à un œil, est à la fois mascotte et métaphore, incarnant les thèmes de la transformation, de l'absurde et d'une joie surréaliste à travers des couleurs explosives et une simplicité iconique. Conception visuelle et techniques de superposition Cette version particulière présente un fond orange et jaune flamboyant, avec des touches de magenta et de rouge, sur lequel se superpose un contour sérigraphié avec précision de Mister Melty. Dominé par un œil unique et central, cerné de rose et de gris, le personnage flotte dans un cadre déformé qui structure les coulures et les éclaboussures de peinture, autrement chaotiques. Buff Monster a utilisé d'épaisses couches de peinture acrylique pour ajouter de la texture et un aspect visuellement chaotique, accentuant la spontanéité et le mouvement. Le fond révèle des motifs en demi-teintes et des éclaboussures, mêlant les textures du graffiti à la planéité du pop art. L'importance du HPM dans le processus de Buff Monster La technique HPM (Hand-Painted Multiple) est essentielle au caractère collector de cette estampe. Chaque version de l'édition présente des éléments uniques, peints à la main, ajoutés après la première sérigraphie. Cela rend chaque estampe unique et lui confère une dimension picturale brute, au-delà d'une impression strictement contrôlée. Dans cette variante Orange Mister Melty, ces embellissements prennent la forme de coulures éclatantes, de coups de pinceau irréguliers et de superpositions inattendues, offrant un impact visuel saisissant qui allie l'authenticité du street art au savoir-faire artisanal. L'influence de Buff Monster sur le pop art urbain moderne Buff Monster, artiste américain, se situe depuis longtemps à la croisée des chemins entre la culture des jouets de collection, le graffiti et le pop art psychédélique. Son œuvre intègre des motifs récurrents tels que la glace, la substance gluante, les globes oculaires et les coulures, et reflète une fascination pour l'esthétique pop japonaise et les bandes dessinées underground. Mister Melty, l'un de ses personnages les plus emblématiques, lui sert de terrain d'expérimentation créative. L'estampe HPM Orange Mister Melty témoigne de la recherche constante du détail artisanal chez Buff Monster, tout en préservant l'esthétique reproductible de la gravure. Elle représente la rencontre entre le raffinement industriel et la liberté de la rue, conçue pour les collectionneurs qui apprécient un design unique et chargé d'émotion. Cette estampe n'est pas seulement un objet de collection, mais aussi une pièce vibrante du récit visuel moderne qui définit aujourd'hui le Street Pop Art et le graffiti.

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Connected Crew - Sérigraphie artisanale en édition limitée, noir sur blanc, 1 couleur, sur papier Royal Sundance 270 g/m², par Pez, artiste pop art célèbre et rare. Édition 2021 de 20 exemplaires. Sérigraphie sur papier Royal Sundance 270 g/m² 19,7 x 19,7 pouces / 50 x 50 cm. Signée et numérotée par Pez.

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Ecto-1 Rouge Édition Limitée Impression Sérigraphique Manipulée à la Main en 4 Couleurs sur Papier Beaux-Arts par DKNG Artiste de Rue Graffiti Art Pop Moderne. Extrait de la série commémorative du 30e anniversaire de 2014, issue de la galerie 1988 et du Comic Con de San Diego.

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Planche Supreme Vampire Boy - Édition limitée noire - Illustration de la marque Supreme Planche de skateboard Supreme Dracula Bat SS21 2021

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Kachamukku - Figurine de collection en vinyle noir en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste pop moderne Kaws. Édition ouverte 2022, épuisée. Dimensions : 32 x 20,3 x 15,2 cm. Neuve en boîte. Kachamukku-Black de KAWS : une convergence de la culture pop et de l'art La figurine Kachamukku-Black de KAWS représente une fusion unique entre culture pop et art contemporain, s'imposant comme une pièce majeure dans l'univers des figurines d'art en vinyle. Sortie initialement au Japon le 9 octobre 2021, puis sur KAWSONE le 5 avril 2022, cette pièce est la cinquième figurine créée par KAWS en 2021. Mesurant 32 x 20 x 15 cm, elle est une création originale inspirée de la célèbre série télévisée japonaise Hirake! Ponkikki. La figurine Kachamukku est un hybride de deux personnages de la série, Gachapin et Mukku, connus pour leurs combats amicaux lors de compétitions pour enfants. Entièrement noire, cette pièce de collection est reconnaissable à ses yeux en forme de X et à ses oreilles en os croisé, signature de KAWS, mêlant le style iconique de l'artiste à l'univers fantaisiste des personnages de la série. Édition ouverte désormais hors production, la figurine Kachamukku-Black témoigne de la polyvalence et de l'influence mondiale du street art et du graffiti. L'exploration artistique de KAWS dans la figure noire de Kachamukku L'œuvre de KAWS repousse sans cesse les limites du street art, intégrant souvent des éléments de la culture populaire pour créer des œuvres qui touchent un large public. La figurine Kachamukku-Black illustre parfaitement cette démarche, puisant son inspiration dans une émission pour enfants culte pour créer une pièce à la fois nostalgique et avant-gardiste. Sa finition noire élégante lui confère une allure résolument contemporaine. Parallèlement, sa pose espiègle et la fusion des caractéristiques de Gachapin et Mukku évoquent l'innocence et la joie des programmes télévisés pour enfants. La sortie de cette pièce de collection via KAWSONE a permis à un public plus large de découvrir l'œuvre de KAWS, soulignant ainsi l'engagement de l'artiste à rendre le street art accessible à tous. L'association de la figurine avec Hirake! Ponkikki rend hommage à ce pilier culturel et témoigne du respect de l'artiste pour la narration et la création de personnages propres aux programmes jeunesse. La figure Kachamukku-Black, avec ses détails complexes et sa fusion de formes, est un parfait exemple de la façon dont le street art peut transcender les supports traditionnels et devenir une partie intégrante de la conscience culturelle collective. L'impact culturel des Kachamukku-Noirs dans l'art urbain La figurine Kachamukku-Black de KAWS a considérablement enrichi le débat sur l'impact culturel du street art sur le marché des objets de collection. En s'appropriant les personnages d'une émission pour enfants japonaise et en les imprégnant de son langage artistique unique, KAWS crée un pont entre l'Orient et l'Occident, entre le divertissement de l'enfance et le monde de la collection adulte. Cette figurine témoigne non seulement de la maîtrise de l'artiste dans le mélange d'éléments culturels, mais aussi de l'universalité de son art. Dans l'univers du street art et du graffiti, la figurine Kachamukku-Black s'impose comme un artefact culturel, une représentation de la fluidité et de l'adaptabilité du street art. Elle porte en elle l'esprit subversif du graffiti et la popularité du pop art, aboutissant à une œuvre à la fois hommage à une série télévisée culte et pièce d'art moderne à part entière. Alors que le street art continue d'évoluer, la figure Kachamukku-Black de KAWS illustre le potentiel du genre à s'entrecroiser avec diverses facettes de la culture pop, créant ainsi une œuvre d'art significative et largement appréciée.

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Compagnon - Figurine de collection en vinyle noir en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste pop moderne Kaws. Édition limitée 2016, emballage scellé, dimensions : 16,7 x 11,4 x 6,4 cm Le guide de KAWS dans le paysage du street pop et du graffiti La série Companion de KAWS, artiste pop contemporain, s'est durablement ancrée dans l'imaginaire collectif des amateurs de street art et de graffiti. La figurine de collection « Companion - Black Limited Edition Vinyl Art Toy Collectible » en est un parfait exemple, alliant l'accessibilité commerciale des jouets à l'avant-garde artistique. Sortie en novembre 2016 au sein d'une série très prisée, cette édition particulière a coïncidé avec l'exposition « Where The End Starts » de KAWS à Fort Worth, au Texas, marquant un tournant dans son parcours artistique. Cette pièce de collection se distingue par sa valeur esthétique et culturelle, ainsi que par son succès commercial, illustrant la convergence entre art et consommation que KAWS maîtrise avec brio. Mesurant environ 26,7 x 11,4 x 6,4 cm, la Companion occupe un espace à la fois intime et significatif, permettant une interaction personnelle souvent absente des sculptures plus imposantes. La silhouette noire et saisissante offre un fond austère à ses détails expressifs, notamment les yeux barrés, devenus emblématiques de l'œuvre de l'artiste. L'importance de Companion de KAWS en tant qu'icône culturelle Le Companion de KAWS, notamment dans sa version vinyle noir, a dépassé le simple statut d'objet de collection pour devenir une icône du pop art urbain. Sa présence sous diverses formes et sur différents supports – des sculptures monumentales aux petits jouets – témoigne de sa polyvalence et de la capacité de l'artiste à adapter l'art urbain à des contextes variés. L'uniformité et la simplicité de sa forme permettent au Companion de se prêter à de multiples interprétations, à l'instar des graffitis souvent porteurs de significations multiples. L'édition limitée ouverte de 2016 de la série Companion illustre l'attrait intemporel du personnage et sa résonance avec les thèmes d'isolement et de camaraderie propres au street art et au graffiti. Les versions écorchées, révélant l'anatomie sous-jacente, offrent une réflexion sur la vulnérabilité et l'authenticité, thèmes profondément ancrés dans l'éthique de la culture urbaine. Cette série, et notamment sa version noire, a été distribuée par des institutions prestigieuses telles que KAWSONE, le MoMA et le Musée d'art moderne de Fort Worth, illustrant ainsi l'estompement des frontières entre les institutions artistiques de renom et les objets de collection issus du pop art urbain. Le compagnon de KAWS et l'évolution du pop art urbain La figurine Companion de KAWS n'est pas une simple œuvre d'art statique ; c'est un récit, un personnage qui a évolué et s'est adapté au fil des ans, à l'image de l'artiste lui-même. Son parcours, d'une image taguée à un objet de collection sophistiqué, illustre la transformation du street art en un art accessible, tout en préservant son caractère subversif. Haute de 28 cm, la Companion rend hommage au graffiti traditionnel tout en s'en éloignant. Elle incarne la nature subversive du street art tout en étant un objet de désir pour le grand public, faisant le lien entre les scènes artistiques underground et le monde raffiné des collectionneurs d'art. La sortie de la figurine de collection Companion – Édition Limitée Noire en Vinyle a été un événement culturel majeur, marquant l'apogée de l'influence artistique de KAWS et la reconnaissance croissante du street art pop dans la société contemporaine. Cette pièce de collection est un instantané d'une époque où le street art se redéfinissait, ne se limitant plus aux murs des villes pour investir les étagères des amateurs d'art, annonçant une nouvelle ère pour le street art pop et le graffiti.

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Achetez TITLE Édition limitée Fine Art Archival Pigment Print Art sur papier buvard perforé. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XX Tirage pigmentaire d'archivage sur papier buvard perforé Taille : 7,5 x 7,5 pouces Sortie : 19 avril 2022 Les éditions limitées de buvard sont perforées à la main par Zane Kesey.

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Achetez PEINTURE Oeuvre de peinture originale unique en son genre MEDIA sur MEDIUM par l'artiste populaire Street Art Pop Culture ARTIST. 2022 Signé Original Peinture Taille XXXX INFO

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« It's Alive », édition limitée, sérigraphie artisanale bicolore sur papier beaux-arts, par Jon Smith, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Épreuve d'artiste AP

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« La mémoire d'une molécule », estampe giclée en édition limitée sur papier chiffon de coton velours, par Skinner, artiste de rue de la contre-culture. Skinner est un artiste autodidacte installé à Oakland, en Californie, qui a su créer un équilibre subtil entre des fresques murales exceptionnelles, des installations étranges et provocatrices, et une carrière commerciale florissante. Influencé par la culture pop des années 80, la lutte humaine, les mythes et la violence, les jeux de rôle et les légendes du heavy metal, l'univers de Skinner est un chaos psychosocial savamment orchestré.

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Trippinfrog, œuvre d'art giclée en édition limitée, impression surréaliste sur papier d'art 100 % coton, encadrée dans un cadre bronze, par l'artiste de graffiti pop culture Naoto Hattori. 2014 Signée par Naoto Hattori & Édition limitée numérotée à 50 exemplaires. Dimensions de l'œuvre : 6x8 pouces. Dimensions du cadre en bronze : 8x10 pouces. Exploration du monde surréaliste des œuvres de Trippinfrog de Naoto Hattori Le monde de l'art contemporain est en perpétuelle évolution, fusionnant genres et formes pour créer des expressions inédites qui interpellent et ravissent les sens. Dans cette riche mosaïque, Naoto Hattori se distingue comme un artiste de graffiti pop culture dont l'œuvre mêle les éléments fantastiques du surréalisme à l'énergie vibrante et rebelle du street art et du graffiti. Parmi ses créations remarquables figure « Trippinfrog », une estampe giclée en édition limitée qui a captivé le public par la finesse de ses détails, sa composition imaginative et son esthétique saisissante. Plus qu'un simple régal pour les yeux, cette œuvre est une véritable expédition dans une dimension onirique où les lois conventionnelles de la nature et de la physique s'effacent. Lancée en 2014, l'édition limitée « Trippinfrog » témoigne de la maîtrise de son art par Hattori et de son talent pour traduire l'inconscient en une forme tangible. Chacune des cinquante estampes de cette série limitée est signée par Naoto Hattori, une touche personnelle très appréciée des collectionneurs et des amateurs de street art. Le format de l'œuvre, 15 x 20 cm, est modeste, mais son impact visuel est saisissant et invite à une contemplation plus attentive. À l'inverse, le cadre en bronze de 20 x 25 cm met en valeur l'œuvre sans en masquer la complexité. Les tirages en édition limitée sont réalisés sur papier beaux-arts 100 % coton, un choix de matériau qui témoigne de la qualité et de la durabilité de l'œuvre. Ce type de papier est réputé pour sa capacité à restituer les couleurs et les détails, garantissant ainsi la préservation de chaque nuance de la vision d'Hattori. L'utilisation d'un cadre en bronze enrichit davantage l'expérience visuelle, ajoutant une touche classique qui contraste avec le caractère moderne et avant-gardiste de l'œuvre elle-même. Le style emblématique de Naoto Hattori Le style de Naoto Hattori est un mélange unique, à la frontière entre le fantaisiste et le grotesque, une caractéristique de sa vision artistique. « Trippinfrog » en est un parfait exemple : le surréel et le réel s'y entrechoquent dans une danse de couleurs, de formes et de volumes. L'œuvre présente un amalgame d'éléments – yeux, tentacules et formes amorphes – qui s'enroulent autour d'une créature centrale, semblable à une grenouille, semblant se désintégrer et se reconstituer simultanément. Cette imagerie paradoxale est un élément essentiel du street art et du graffiti, où l'inattendu devient la norme et où les spectateurs sont invités à interpréter l'œuvre à leur manière. Les couleurs choisies par Hattori, à la fois terreuses et éthérées, créent un contraste saisissant. L'arrière-plan de « Trippinfrog » évoque un paysage serein, un contraste saisissant avec le chaos que la figure centrale incarne. Cette dualité peut être perçue comme un commentaire sur la nature de l'existence : harmonieuse et chaotique, ordonnée et imprévisible. L'œuvre d'Hattori invite le spectateur à considérer ces dualités non comme des opposés mais comme des compléments. L'impact culturel du street art et du graffiti Des œuvres comme « Trippinfrog » sont des pièces maîtresses du récit du street art et du graffiti, genres qui ont acquis une notoriété et une reconnaissance considérables dans le monde de l'art. Ces formes artistiques puisent leur expression dans l'identité culturelle, le commentaire social et une volonté de s'affranchir des modes de présentation artistique traditionnels. On les retrouve souvent sur les murs, dans les galeries et au sein de collections privées, où elles donnent la parole aux marginalisés et offrent un espace d'expression aux exclus. L'œuvre de Naoto Hattori, et plus particulièrement « Trippinfrog », s'inscrit parfaitement dans ce récit. Elle offre une évasion visuelle et un voyage introspectif à ceux qui la contemplent. Le tirage en édition limitée en fait une pièce exclusive du street art et du graffiti contemporains, un véritable jalon culturel de notre époque. Les collectionneurs et les amateurs de l'œuvre d'Hattori n'acquièrent pas seulement une œuvre d'art ; ils préservent un fragment de l'esprit culturel de leur temps. L'œuvre « Trippinfrog » de Naoto Hattori est une pièce captivante qui témoigne du pouvoir novateur et transformateur du street art et du graffiti. Son édition limitée sur papier d'art, la signature de l'artiste et sa présentation dans un cadre en bronze contribuent à son attrait et à son importance. La capacité d'Hattori à mêler le surréalisme à la rue, l'onirisme au concret, place « Trippinfrog » parmi les œuvres marquantes qui continuent de façonner et d'inspirer l'art moderne.

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L'Édition Limitée de « The Wretched Whole », impression giclée sur papier chiffon de coton velours, par Skinner, artiste de rue de la contre-culture. Skinner est un artiste autodidacte installé à Oakland, en Californie, qui a su créer un équilibre subtil entre des fresques murales exceptionnelles, des installations étranges et provocatrices, et une carrière commerciale florissante. Influencé par la culture pop des années 80, la lutte humaine, les mythes et la violence, les jeux de rôle et les légendes du heavy metal, l'univers de Skinner est un chaos psychosocial savamment orchestré.

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Storm On The Horizon AP Artist Proof Giclee Print by Curiot Tlalpazotl Artwork Limited Edition Print on Moab Entrada Fine Art Paper Graffiti Pop Street Artist. Épreuve d'artiste AP 2014 Signée et marquée AP Édition limitée Œuvre d'art Taille 20x16 Thème mexicain, indien et latin Folklore tribal stylisé. Tempête à l'horizon : une interprétation visionnaire de Curiot Tlalpazotl « Tempête à l'horizon », une épreuve d'artiste (EA) de la célèbre Curiot Tlalpazotl, est un récit poignant imprimé sur papier d'art de Moab Entrada. Cette œuvre de 2014, signée et marquée EA par l'artiste, fait partie d'une série limitée explorant les thèmes amérindiens et latino-américains à travers une interprétation stylisée du folklore tribal. Chaque tirage de 50 x 40 cm vibre de la vitalité et des couleurs caractéristiques du Street Pop Art et du graffiti de Curiot, invitant le spectateur à un dialogue intemporel et spatial. Récit artistique de Curios Tlalpazotl Dans « Tempête à l'horizon », Curiot Tlalpazotl invite le spectateur dans un univers où le mythe se confond avec la réalité et où l'essence spirituelle de la culture indigène est célébrée à travers l'art contemporain. À l'instar de la plupart de ses œuvres, cette pièce est imprégnée de symboles qui racontent des histoires du monde naturel et de son lien avec l'esprit humain. La vivacité des couleurs et le dynamisme de la composition font écho à l'héritage mexicain de l'artiste et à son dialogue avec la société contemporaine. Symbolisme et technique dans l'estampe giclée de Curiot L'utilisation par Curiot de l'impression giclée pour « Tempête à l'horizon » témoigne de son attachement à la fois à la tradition et à l'innovation. Cette technique permet une reproduction haute fidélité de ses peintures originales, préservant ainsi la finesse des détails et la richesse des textures. L'emploi d'encres d'archivage sur papier Moab Entrada garantit la pérennité de chaque tirage, qui conservera toute sa vivacité pour le plus grand plaisir des générations futures. Impact et influence culturels L'impact culturel de « Tempête à l'horizon » dépasse son attrait visuel, reflétant l'interaction entre l'être humain et les forces de la nature. L'art de Curiot fait le lien entre l'ancien et le nouveau, mêlant la sagesse des civilisations passées aux préoccupations pressantes d'aujourd'hui. Son œuvre contribue non seulement au Street Pop Art et au graffiti, mais constitue également un chapitre vibrant de l'histoire de l'art latino-américain. Valeur de collection de « Storm On The Horizon » Tirage en édition limitée, « Storm On The Horizon » revêt une grande valeur pour les collectionneurs et les amateurs de street art, de pop art et de graffiti. La mention « Épreuve d'artiste » en fait une pièce particulièrement recherchée, souvent convoitée pour sa proximité avec l'œuvre originale. Les collectionneurs qui acquièrent une épreuve d'artiste possèdent un fragment de la vision de l'artiste, dont la valeur et l'importance pourraient croître à mesure que la renommée de Curiot s'accroît dans le monde de l'art. L'héritage de l'œuvre d'art de Curios Tlalpazotl L'héritage de Curiot Tlalpazotl dans le monde de l'art moderne se caractérise par une réinterprétation saisissante des récits culturels et une célébration du patrimoine à travers le street art. « Tempête à l'horizon », incarnation de l'esprit de Curiot, témoigne du pouvoir de l'art à susciter la réflexion et l'émotion, confirmant son rôle de figure incontournable de l'évolution du street art et du graffiti.

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Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

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Test Print 11 Tirage sérigraphique manuel 20 couleurs sur papier Mohawk Superfine UltraWhite par les artistes pop Steve Seeley x Curtis Readel Œuvre d'art rare. Tirage d'essai original de 2019, découpé à la main et signé par Steve Seeley et Curtis Readel. Numéroté 1/1. Format 18x24. Épreuve d'essai, 2019. Artistes POP!NK variés, dont Steve Seeley et Curtis Readel. Nombre de couleurs variable, de 8 à 20, sur papier Mohawk Superfine UltraWhite, 160 lb (625 g/m²). Bords frangés. 45,7 x 61 cm. Exemplaire unique signé par Steve Seeley et Curtis Readel ; numéroté 1/1. Imprimé par POP!NK Editions.

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L'œuvre d'art « The Light Keeps It Away », impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti de la culture pop Brandon Sopinsky. Édition limitée signée 2011

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Sérigraphie acrylique HPM représentant l'icône Pink Green Mister Melty, peinte par Buff Monster Screen sur papier cartonné d'art de qualité supérieure. Édition limitée. Œuvre d'art pop street art. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, en acrylique HPM, ornée de coulures épaisses et peintes à la main. Format : 9x12 pouces. Icône Pink Green Mister Melty peinte sur acrylique HPM, sérigraphie par Buff Monster L'estampe sérigraphique acrylique HPM représentant Mister Melty, icône rose et verte, par Buff Monster, illustre l'évolution du street art et du graffiti grâce à sa palette de couleurs vives, sa composition précise et ses embellissements tactiles. Sortie en 2023 dans une édition limitée signée et numérotée à 50 exemplaires, cette estampe de 23 x 30 cm s'inscrit dans l'exploration continue par Buff Monster de son personnage emblématique, Mister Melty. Réalisée sur papier d'art de qualité supérieure, chaque pièce est peinte à la main avec des applications acryliques audacieuses superposées à une base sérigraphiée, faisant de chaque estampe une composition unique, empreinte d'optimisme et de gaieté subversive. Iconographie et esthétique visuelle Cette variante de Mister Melty est saisissante par le jeu subtil entre des tons verts luxuriants et un œil central rose et gris éclatant. Le dessin de Mister Melty est encadré d'un cadre gris graphique qui intensifie la structure face au chaos des textures gluantes et dégoulinantes qui définissent sa forme. Le motif de l'œil, élément central de l'identité visuelle de Buff Monster, est rendu d'une manière qui fusionne le mignon et le grotesque. Il flotte dans un paysage surréaliste de textures visqueuses, de superpositions d'éclaboussures et de formes amorphes qui évoquent une réinterprétation psychédélique de l'imagerie des dessins animés. L'œuvre est encore sublimée par des motifs en demi-teintes et des dégradés à l'aérographe qui insufflent du mouvement à l'immobilité de la toile. Technique et détail HPM Ce qui distingue cette estampe, c'est son statut HPM (Hand-Painted Multiple), garantissant qu'aucune n'est identique à une autre au sein de cette édition. Buff Monster superpose à chaque support sérigraphié de la peinture appliquée à la main, au pinceau et par coulures, conférant à chaque pièce une texture, une profondeur de couleur et un mouvement uniques. Cette édition Rose Verte se caractérise par des éclaboussures et des tourbillons dynamiques de vert, de jaune et de noir, créant une tension subtile entre la structure de la sérigraphie et la liberté spontanée de la surface peinte. Les coulures et les éclaboussures insufflent à l'œuvre une énergie brute tout en renforçant son effet sculptural, transformant la surface plane en une œuvre viscérale et dynamique. Buff Monster et l'héritage de Monsieur Melty Buff Monster, artiste américain, défend depuis longtemps une esthétique à la fois ludique et sombre, inspirée par la culture japonaise, le graffiti, le heavy metal et la bande dessinée underground. Son personnage emblématique, Mister Melty, est une métaphore visuelle de la joie éphémère, de l'absurde et de la transformation. Il représente un mélange d'humour et de déclin, souvent représenté en train de fondre ou de couler, symbole d'impermanence. L'estampe Pink Green Mister Melty HPM illustre parfaitement son style : un hybride d'iconographie pop et de sensibilité urbaine, exécuté avec la précision d'un peintre d'atelier. En édition limitée, elle fait office à la fois d'objet de collection et de support d'expression, reflétant la contribution unique de Buff Monster à l'art urbain, pop et graffiti contemporain.

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Adventure Time Mystery Train - Édition limitée jaune - Sérigraphie artisanale 3 couleurs sur papier beaux-arts par John Vogl, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Créé officiellement par Mondo, issu de la série Adventure Time de Cartoon Network.

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« Still Human », une œuvre d'art en édition limitée, estampe giclée sur papier aquarelle pressé à froid 300 g/m², par l'artiste de graffiti pop culture Alex Kirzhner.

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