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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Edition limitée sur papier Moab Entrada 290gsm par Urban Pop Artist ARTIST Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Be Still My Heart Icons Art Toy par Chris RWK - Robots Will Kill, sculpture en vinyle en édition limitée, œuvre d'art de collection par un artiste pop street x UVD Toys. Édition limitée 2023 à 50 exemplaires. Œuvre d'art de 10 x 19 cm (4 x 7,5 pouces). Neuve en boîte, estampillée et imprimée. Robot RWK jaune représentant Homer Simpson stylisé, tiré de la série télévisée et des films Les Simpson. Le croisement artistique : la sculpture en vinyle « Be Still My Heart » de Chris RWK Dans le street art, la rencontre entre des icônes culturelles familières et les styles distinctifs d'artistes individuels crée un espace unique de commentaire et de réinterprétation. Chris RWK, figure emblématique de ce mouvement, l'a fait avec son art toy « Be Still My Heart », une sculpture en vinyle en édition limitée, réalisée en collaboration avec UVD Toys. Cette œuvre, représentant un robot stylisé rappelant l'emblématique Homer Simpson, transpose le dialogue du pop art dans l'univers tangible des objets de collection. Limitée à seulement 50 exemplaires en 2023, cette œuvre d'art incarne l'essence même de la vision de Chris RWK et confère une crédibilité street art au marché des jouets de collection. Chris RWK et la synthèse du street art et de la culture pop Chris RWK, reconnu pour son travail avec le collectif artistique Robots Will Kill, fusionne depuis longtemps le langage brut et expressif du street art avec l'univers lisse et souvent aseptisé de la culture pop. Son œuvre porte une marque d'authenticité indélébile, souvent apposée physiquement sur les pièces qu'il crée, faisant de chaque sculpture un morceau d'histoire du street art. La figure « Be Still My Heart » témoigne de sa capacité à naviguer entre ces deux mondes, mariant la dimension subversive du street art à l'attrait universel des images de la culture pop. Cette pièce en particulier est éloquente par sa forme de vinyle muette. Avec sa tête jaune et son visage inexpressif, le personnage devient une toile sur laquelle les spectateurs peuvent projeter leurs réflexions sur l'omniprésence de la culture pop dans notre quotidien. La forme du robot invite le spectateur à s'interroger sur la mécanisation de nos modes de consommation, notamment en ce qui concerne les divertissements que nous consommons et les icônes que nous vénérons. Impact et valeur de collection des éditions limitées de Chris RWK La valeur de collection de la sculpture « Be Still My Heart » de Chris RWK dépasse le simple attrait de posséder une œuvre d'art en édition limitée. Elle représente l'évolution du pop art urbain et son adoption croissante par le grand public. Les éditions numérotées, neuves dans leur emballage d'origine, incarnent la nature éphémère et souvent fugace du street art, capturant un instant précis où l'œuvre peut être possédée et conservée, contrairement à une simple composante transitoire du paysage urbain. Le robot de Chris RWK, avec ses traits imprimés et le « X » iconique sur son torse, porte en lui le poids de l'histoire du street art et son potentiel futur. Chaque pièce, bien qu'identique dans sa conception, recèle une histoire, un foyer et une signification uniques pour chaque propriétaire, à l'image du street art qui touche chaque spectateur d'une manière singulière. Le tirage limité de ces sculptures garantit que chacune d'elles est une pièce recherchée, prisée pour sa valeur esthétique et son importance culturelle en tant que témoignage de l'histoire du pop art urbain. « Be Still My Heart » de Chris RWK est bien plus qu'une simple sculpture en vinyle ; Cette œuvre explore la convergence du street art et de la culture pop, le lien émotionnel que nous tissons avec les images que nous voyons, et la marchandisation de l'art dans le monde moderne. À travers son travail, Chris RWK nous invite à questionner, ressentir et méditer sur le rôle de l'art dans un paysage visuel en perpétuelle mutation.

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Snoopy Bad INC est un artiste de graffiti original utilisant différentes techniques mixtes — du pop art moderne sur de véritables panneaux de signalisation métalliques Sonic Bad. Œuvre originale signée de 2015, technique mixte à la bombe aérosol sur panneau de sécurité en métal. Sonic BAD INC Snoopy Bad INC. Dimensions : 14 x 10 pouces. Représentation de Peanuts, Red Baron, Snoopy et Woodstock Bomber. Style graffiti stylisé : Snoopy tenant un pistolet, une caméra de sécurité et un bonhomme de neige. L'iconographie unique de Sonic Bad : Snoopy Bad INC. « Snoopy Bad INC » de Sonic Bad est une œuvre saisissante qui fusionne l'univers des personnages classiques de la bande dessinée avec l'esthétique brute du street art, révélant le talent de l'artiste pour mêler références à la pop culture et esthétique urbaine. Réalisée en 2015, cette œuvre mixte sur métal utilise la peinture aérosol pour insuffler une vie vibrante à un panneau de sécurité autrement banal. Mesurant 35,5 x 25,5 cm, cette œuvre originale signée présente une version revisitée des personnages emblématiques de Peanuts, Snoopy et Woodstock, réinventés en icônes rebelles dans une interprétation graffiti stylisée. Interpréter les récits de rue à travers le prisme de la culture populaire Sonic Bad, artiste reconnu pour repousser les limites du pop art urbain, imprègne « Snoopy Bad INC » de multiples significations. En représentant Snoopy le Baron Rouge et un poseur de bombes, Woodstock tenant un pistolet, juxtaposés à une caméra de surveillance et un bonhomme de neige, l'œuvre interroge l'État de surveillance et la perte d'innocence dans la société contemporaine. L'imagerie ludique contraste avec le message sous-jacent sur la sécurité, la surveillance et la militarisation du quotidien. La transformation de figures familières et rassurantes en agents de l'anarchie ou de la résistance est un thème récurrent du pop art et du graffiti modernes, où la recontextualisation d'images connues remet en question les perceptions et les attentes des spectateurs. La représentation de Sonic Bad invite à réfléchir à la manière dont l'innocence et l'insouciance peuvent être perverties par le contrôle et la violence de la société. Commentaire sur la fabrication de toiles et de métaux Le choix d'un panneau de signalisation métallique comme support pour « Snoopy Bad INC » est particulièrement significatif, suggérant une subversion de l'autorité et une appropriation de l'espace public généralement dévolu à ces panneaux. L'adaptation par Sonic Bad de ce symbole conçu pour réguler et avertir, en une œuvre d'art, souligne une reconquête du pouvoir d'agir, transformant un outil de contrôle en un moyen d'expression libre. L'utilisation de techniques mixtes dans « Snoopy Bad INC » met en lumière la polyvalence de Sonic Bad en tant qu'artiste. La peinture aérosol, élément incontournable du graffiti, confère à l'œuvre une dimension urbaine. Parallèlement, l'intégration d'autres matériaux ajoute texture et profondeur, créant une œuvre visuellement saisissante et qui invite à la réflexion. Cette œuvre témoigne du pouvoir du street art de transformer les objets et icônes du quotidien en messages profonds. L'évolution artistique et l'impact de Sonic Bad « Snoopy Bad INC » illustre l'évolution artistique de Sonic Bad et son impact sur le street art et le graffiti. Son talent pour fusionner culture populaire, esthétique du street art et critique sociale le place parmi les figures majeures du genre, capable de susciter le débat et de remettre en question les normes sociales. Cette œuvre est un ajout vibrant au discours du street art, témoignant de la capacité d'adaptation et d'évolution de ce genre. Le travail de Sonic Bad, à travers des pièces comme « Snoopy Bad INC », continue d'influencer et d'inspirer, assurant la pertinence et la vitalité du street art dans un paysage culturel en constante mutation. L'héritage de cet art réside dans sa capacité à interpeller, à provoquer et à perdurer, à l'image de l'artiste qui le crée.

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Bartman x Simpsons 1000% BE@RBRICK Figurine d'art en vinyle édition limitée, objet de collection urbain

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Chat du Cheshire Alice au pays des merveilles Estampe d'archives par Adam Lister Édition limitée sur papier beaux-arts mat pressé à chaud 300 g/m² Œuvre d'art moderne de style pop graffiti street artiste. Tirage signé et numéroté 2023, édition limitée à 50 exemplaires, format 6x8, impression pigmentaire d'archives, chat du Cheshire, Alice au pays des merveilles, chat de dessin animé Disney style glitch. Le sourire énigmatique : le chat du Cheshire dans l'expression artistique moderne Le Chat du Cheshire, personnage immortalisé dans « Alice au pays des merveilles » de Lewis Carroll, est depuis longtemps un symbole de fantaisie et de surréalisme. Il n'est donc pas surprenant que cette figure ait trouvé sa place dans le pop art, où l'ordinaire devient extraordinaire grâce à la vision de l'artiste. En 2023, Adam Lister, figure emblématique du graffiti et du street art, réinterprète ce personnage iconique dans une estampe d'archive en édition limitée. Son interprétation unique du Chat du Cheshire capte l'essence du personnage à travers un prisme contemporain, fusionnant l'univers des dessins animés Disney avec l'esthétique décalée et fragmentée du glitch art. Le travail de Lister est reconnu pour son approche singulière de l'art moderne, revisitant souvent les icônes de la culture populaire sous un angle pixélisé. Cette approche est manifeste dans son œuvre consacrée au Chat du Cheshire, dont le format de 15 x 20 cm permet une interaction intime avec l'œuvre. Cette édition limitée à 50 exemplaires est synonyme d'exclusivité, un concept très apprécié dans les milieux du graffiti et du street art où les expressions éphémères et uniques sont la norme. Imprimée sur papier d'art mat pressé à chaud de 300 g/m², la qualité de l'œuvre est préservée, garantissant ainsi la pérennité du caractère vibrant et intrigant du Chat du Cheshire. Adam Lister : Transformer les pixels en récits pop art Le nom d'Adam Lister est indissociable d'un style artistique novateur, à la croisée de l'art numérique et de l'art traditionnel. Originaire des États-Unis, pays riche d'une longue tradition de pop art, Lister contribue à cet héritage en apportant un regard neuf sur l'esthétique numérique à l'estampe. Son travail avec des pigments d'archives témoigne de l'attrait intemporel des figures de la culture populaire, sujets de réinterprétation et de commentaire artistiques. L'estampe du Chat du Cheshire, avec son rendu inspiré par le glitch, illustre la capacité de Lister à manipuler la structure rigide des pixels pour évoquer fluidité et mouvement, incarnant ainsi la nature insaisissable du personnage. Le tirage limité de cette estampe valorise la rareté, un concept souvent en contradiction avec l'imagerie produite en masse dans la culture populaire, mais en accord avec l'esprit du street art et du graffiti. Chaque estampe, signée et numérotée, représente un instant précis, une interprétation unique d'un personnage qui fait partie de l'imaginaire collectif depuis plus d'un siècle. L'œuvre de Lister n'est donc pas seulement un hommage au personnage, mais aussi une réflexion sur la nature de l'art et de la narration à l'ère numérique. Du pays des merveilles aux jungles urbaines : la transcendance du chat du Cheshire Le Chat du Cheshire est célèbre pour sa capacité à apparaître et disparaître à volonté, ne laissant derrière lui qu'un sourire éphémère. Cette fantaisie se retrouve dans le pop art et le graffiti, où l'impermanence du médium est fondamentale. Les fresques et les œuvres apparaissent du jour au lendemain, changeant ou disparaissant souvent aussi vite qu'elles sont apparues. L'estampe d'archive du Chat du Cheshire de Lister capture cette fugacité par son style visuel, les éléments glitch symbolisant la nature éphémère de l'existence au Pays des Merveilles de Carroll et dans le paysage urbain en perpétuelle évolution. Cette œuvre d'Adam Lister enrichit son portfolio de pop art moderne et contribue au dialogue entre le street art et la culture populaire. Elle fait le lien entre le monde littéraire du XIXe siècle et le monde numérique saturé d'images d'aujourd'hui. Elle témoigne de l'adaptabilité des personnages classiques aux nouvelles expressions artistiques et de la fascination persistante pour les éléments fantastiques des contes de l'enfance. Avec son sourire mystérieux, le Chat du Cheshire devient un emblème parfait de la nature énigmatique et souvent insaisissable du street art, nous rappelant que les murs de nos villes peuvent être tout aussi merveilleux que les pages d'un livre d'histoires.

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Optimus Prime Transformers - Vert 200% BE@RBRICK Édition Limitée Medicom x Bape - Figurine de Collection A Bathing Ape en Vinyle. Neuf en boîte - Medicom Toy s'est associé à BAPE et Transformers pour créer un Bearbrick Optimus Prime 200% vert entièrement transformable. La figurine Bearbrick x Transformers Optimus Prime x BAPE 200% présente un Bearbrick orné de touches de noir, de vert, de gris et de jaune. Grâce à un levier situé à l'arrière, ce Bearbrick se transforme entièrement, passant d'une figurine à l'allure d'ours ressemblant à Optimus Prime à une figurine Optimus Prime plus reconnaissable, prête à affronter les Decepticons. La figurine Bearbrick x Transformers Optimus Prime x BAPE 200% verte est sortie en 2021.

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Kaleidopop 8 - Variante 6 Couleurs Édition Mixte Tirage Sérigraphique Édition Limitée Tiré à la Main sur Papier Beaux-Arts par Tim Oliveira Rare Street Art Artiste Pop Célèbre. Estampe en édition mixte ME. Les couleurs des estampes varient selon leur numéro. « Kaleidopop » - Estampe variante n° 7/11. Livraison gratuite partout aux États-Unis. Hommage à l'actrice June Haver. Tirage : 11 estampes. Dimensions : 61 cm x 76 cm. Chaque estampe est unique, avec un fond dégradé différent, et ne sera jamais reproduite, signée ni numérotée.

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Sérigraphie 3 couleurs Marilyn Pure Joy Aqua par Pure Evil, tirée à la main sur papier d'art Somerset Fine Art Paper 300 g/m² à bords frangés, édition limitée. Édition limitée signée et numérotée 2025 (à déterminer). Format de l'œuvre : 16x20. Sérigraphie représentant l'actrice hollywoodienne Marilyn Monroe stylisée en bleu turquoise. Marilyn Pure Joy Aqua par Pure Evil, une œuvre d'art pop art et graffiti de rue « Marilyn Pure Joy Aqua » est une sérigraphie en édition limitée de 2025, créée par Pure Evil, figure britannique du street art pop et du graffiti, de son vrai nom Charles Uzzell-Edwards. Cette œuvre, réalisée dans une palette d'un bleu turquoise éclatant, est imprimée à la main sur un papier d'art Somerset 300 g/m² à bords frangés, grâce à trois couches de sérigraphie. Mesurant 40,6 x 50,8 cm, elle fait partie d'une série consacrée à l'actrice hollywoodienne iconique Marilyn Monroe. L'utilisation audacieuse de la couleur unie, du contraste élevé et du motif de larme emblématique de Pure Evil reflète une synthèse délibérée entre l'iconographie des célébrités et les thèmes de la perte et du poids émotionnel. La larme, épaisse et noire, coule de l'un des yeux de Monroe et s'écoule vers le bas, divisant en deux le portrait par ailleurs glamour. Ce motif de larme, récurrent dans la plupart des portraits de l'artiste, joue un rôle crucial dans la transformation de l'imagerie populaire en un commentaire chargé d'émotion. La signification culturelle de Marilyn Monroe réinventée Cette œuvre ancre Marilyn Monroe non pas comme une figure figée de la beauté des années 1950, mais comme un symbole culturel d'une pertinence intemporelle. Dans la réinterprétation de Pure Evil, Monroe devient un vecteur de réflexion sur les effets isolants et souvent dévastateurs de la célébrité. Son image, l'une des plus reconnaissables de l'histoire moderne, est dépouillée de son artifice cinématographique et réinterprétée dans une esthétique inspirée du graffiti. L'utilisation du bleu turquoise adoucit le portrait tout en créant une étrange vitalité. L'image n'appartient plus seulement au Hollywood nostalgique ; elle investit désormais le paysage visuel de l'art contestataire, des collages et des murs de galeries, enracinés dans la culture urbaine contemporaine. Cette transformation est essentielle à la manière dont l'héritage de Monroe continue d'être façonné par les nouvelles générations d'artistes visuels. Les mécanismes de l'esthétique pop urbaine Le pop art urbain et le graffiti se nourrissent du remixage de l'iconographie publique. En utilisant des techniques de sérigraphie traditionnellement associées aux beaux-arts tout en conservant un langage visuel ancré dans la subversion urbaine, Pure Evil brouille les frontières entre symbolisme commercial et expression brute. Le choix du papier Somerset, réputé pour sa qualité d'archivage exceptionnelle, témoigne du double intérêt de l'artiste pour les collectionneurs d'art et son esprit contestataire. Les aplats bleu turquoise confèrent une impression d'uniformité, mais la fabrication artisanale garantit à chaque tirage un caractère unique. Cette convergence entre le processus et le message permet au spectateur d'appréhender l'image familière de Marilyn Monroe d'une manière plus profonde et personnelle. Le langage émotionnel du mal absolu à travers la couleur et la forme Dans « Marilyn Pure Joy Aqua », l'émotion est transmise par le contraste et la soustraction. La simplicité du choix des couleurs – un fond bleu et blanc épuré, avec des ombres d'un noir profond – concentre l'attention sur la gravité émotionnelle de l'œuvre. La larme qui coule de l'œil de Monroe n'est pas un ornement, mais un élément central du récit. Elle suggère une douleur non résolue, l'exploitation de la beauté et la frontière floue entre admiration et objectification. À travers cette sérigraphie, Pure Evil utilise le visage de Monroe comme icône et comme support, créant une œuvre à la fois introspective et provocatrice. Cette pièce témoigne du dialogue constant entre la culture populaire et l'expression urbaine, et de la manière dont les techniques issues du graffiti peuvent transformer même les sujets les plus familiers en puissants vecteurs d'introspection.

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Delorean 1,21 Gigawatts, tirage giclée en édition limitée sur papier d'art de Marie Bergeron, artiste de rue de la contre-culture. Le collectif New Rule présente 1,21 GIGAWATTS, un hommage illustré à la trilogie culte Retour vers le futur ! L’histoire classique du jeune Marty McFly et du Doc Brown voyageant à travers le continuum espace-temps a inspiré toute une génération de passionnés de science-fiction et de voyages dans le temps à travers le monde, et reste encore aujourd’hui une œuvre cinématographique emblématique des années 80.

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Wall-e Pop Modern Movie Artwork Limited Edition Giclée Print on Fine Art Paper by Pixar Graffiti Modern Artist Raid71. Estampe officielle Pixar 2022 Wall-E 18 x 24 Giclée Signée et numérotée à la main

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Signe Be Still My Heart Icons Art Toy par Chris RWK - Robots Will Kill Limited Edition Vinyl Sculpture Collectible Artwork par Pop Street Artist x UVD Toys. Édition limitée 2023 à 50 exemplaires. Œuvre d'art de 10 x 19 cm (4 x 7,5 pouces). Neuve en boîte, estampillée et imprimée. Robot RWK jaune représentant Homer Simpson stylisé, personnage de la série télévisée et des films Les Simpson, tenant une pancarte où l'on peut lire : « Be Still My » (symbole du cœur). Sculpture en vinyle « Be Still My Heart » de Chris RWK : une icône du street art L'œuvre « Be Still My Heart » de Chris RWK, fruit d'une collaboration avec UVD Toys, incarne à merveille la fusion entre l'esthétique du pop art urbain et l'essor du marché des objets de collection. Cette pièce en édition limitée à seulement 50 exemplaires est une représentation saisissante du style unique de l'artiste. Chris RWK, figure influente du street art, s'est fait un nom grâce à ses images chargées d'émotion, mettant souvent en scène des robots comme métaphores de l'expérience humaine. L'œuvre représente un robot stylisé dans la teinte jaune caractéristique d'Homer Simpson, personnage de la série culte « Les Simpson », tenant une pancarte où l'on peut lire « Be Still My (Heart Symbol) ». L'expression émotionnelle sous forme de pop art urbain Cette pièce de collection transcende la frontière entre simple jouet et œuvre d'art, offrant un commentaire saisissant sur la condition humaine. Le robot, figure souvent froide et impassible, est juxtaposé à un message d'une sincérité profonde, créant un contraste central dans le travail de Chris RWK. L'expression « Be Still My Heart » est un appel au calme face à la tourmente émotionnelle, un thème qui résonne profondément dans le contexte chaotique de la vie urbaine. Avec son sceau d'authenticité estampillé et imprimé, cette pièce capture l'essence même du street art, capable de communiquer des émotions complexes à travers une imagerie à la fois simple et profonde. Impact et héritage de Chris RWK dans le mouvement Art Toy L'édition limitée de « Be Still My Heart » souligne la valeur de collection des art toys et leur statut très prisé au sein de la communauté du street art. Chaque sculpture, neuve et minutieusement réalisée, est une extension tangible de l'œuvre de Chris RWK, permettant aux passionnés de posséder un fragment de cette culture. Cet objet de collection témoigne de la tendance croissante des artistes de rue à transposer leur travail en formes tridimensionnelles, étendant ainsi leur influence des murs des villes aux étagères des collectionneurs. L'incursion de Chris RWK sur le marché des art toys en vinyle avec « Be Still My Heart » est une réflexion sur la marchandisation de l'art dans la société contemporaine et sur le besoin persistant de connexion et d'expression émotionnelle. Le véritable nom de l'artiste, associé à Robots Will Kill, est devenu synonyme d'un style qui capture l'esprit de la vie urbaine moderne, et sa collaboration avec UVD Toys représente un moment clé dans la fusion entre le street art et les objets d'art tangibles. Cette pièce n'est pas seulement un objet de collection, mais un symbole du pouvoir durable du pop art urbain à évoquer, à captiver et à perdurer.

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NRVOUS Édition Limitée Série ICON Impression Sérigraphique Manipulée à la Main en 4 Couleurs sur Papier Beaux-Arts par DKNG Artiste de Rue Graffiti Art Pop Moderne. La Ferrari GT de 1961 du film rétro Ferris Bueller's Day Off. Chaque film en possède une. Un accessoire, un décor ou un lieu emblématique. Quelque chose qui, en une seule image, peut représenter tout le film. L'équipe de designers Dan Kuhlken et Nathan Goldman, alias DKNG, nomme ces images « Icônes », et elles sont au cœur de leur toute première exposition personnelle à la Gallery 1988 West de Los Angeles. Intitulée simplement ICON, l'exposition présente 50 œuvres mettant en scène des lieux et des objets iconiques issus de vos films et séries préférés de tous les temps. Chaque œuvre, de petit format (30 cm de côté), représente un élément qui résume un film entier. Et bien sûr, chacune est réalisée dans le style distinctif de DKNG : lumineux, géométrique et pourtant riche en détails.

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Hommage à Sammi Curr, affiche de concert en édition limitée du film de 2012, impression sérigraphique artisanale bicolore sur papier d'art par Jeremy Wheeler. Lakeridge High, 24 octobre 2012 - The Clowns, Black Roses, Holy Moses, Solid Gold, Rockula, Sammi Curr. Groupe du film d'horreur Trick or Treat .

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Votre vœu a été exaucé. Édition limitée ICON Series, sérigraphie artisanale 4 couleurs sur papier beaux-arts par DKNG, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Le grand diseur de bonne aventure du film Big Tom Hanks. Chaque film en possède une. Un accessoire, un décor ou un lieu emblématique. Quelque chose qui, en une seule image, peut représenter tout le film. L'équipe de designers Dan Kuhlken et Nathan Goldman, alias DKNG, nomme ces images « Icônes », et elles sont au cœur de leur toute première exposition personnelle à la Gallery 1988 West de Los Angeles. Intitulée simplement ICON, l'exposition présente 50 œuvres mettant en scène des lieux et des objets iconiques issus de vos films et séries préférés de tous les temps. Chaque œuvre, de petit format (30 cm de côté), représente un élément qui résume un film entier. Et bien sûr, chacune est réalisée dans le style distinctif de DKNG : lumineux, géométrique et pourtant riche en détails.

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Suckrealm 6000 4-Color Hand-Tiled Limited Edition Silkscreen Print on Fine Art Paper by The Sucklord Rare Street Art Famous Pop Artwork Artist. Édition limitée 2021 à 50 exemplaires – 45,7 x 61 cm – Papier Reich 130# argent métallisé – Signé et numéroté par The Sucklord L'album « Sucklord 77 », d'un bleu transparent fantomatique, avec son illustration « Suckrealm 6000 », est une sérigraphie artisanale en édition limitée. Imprimée sur un papier Reich argenté métallisé de 130 lb, cette œuvre de 61 cm x 46 cm est la meilleure façon d'afficher Suck sur votre mur et de vous souvenir de son arrivée fracassante, « sorti de nulle part avec du nouveau matériel, de nouveaux beats, une nouvelle équipe et de nouvelles conquêtes ».

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Estampe giclée en édition limitée « High Three » sur papier d'art par Aled Lewis. Édition limitée numérotée de 30 exemplaires (2014), format 12x12, TMNT Tortues Ninja High-Five, impression giclée style 8 bits. Convergence de l'art numérique et de la culture pop urbaine « High Three » d'Aled Lewis est une estampe giclée en édition limitée qui illustre la capacité de l'art urbain, issu de la contre-culture, à se situer à la croisée du pop art, du street art et du graffiti. Créée en 2014, cette édition numérotée de 30 exemplaires, mesurant chacun 30 x 30 cm, incarne l'esprit ludique et le dynamisme vibrant du style de l'artiste. « High Three » se distingue par sa représentation en 8 bits d'une scène iconique, mêlant nostalgie et modernité. Les Tortues Ninja (TMNT), figures emblématiques de la culture pop, sont réinventées en pixel art, évoquant l'ère des jeux vidéo rétro. Plus qu'une simple estampe giclée, cette œuvre établit un lien entre l'art numérique des débuts du jeu vidéo et la liberté d'expression du pop art et du graffiti. L'approche artistique d'Aled Lewis L'approche artistique de Lewis est marquée par une infusion d'humour et de références culturelles. « High Three » revisite avec fantaisie le traditionnel « high-five », célébrant la victoire, la camaraderie et les particularités anatomiques des tortues. La composition de l'estampe, avec ses couleurs vives et contrastées et son esthétique visuelle géométrique, est immédiatement reconnaissable et accessible, ce qui en fait une œuvre prisée des collectionneurs d'art et des amateurs de culture pop. L'œuvre se veut un commentaire culturel, reflétant l'esprit des années 80 et 90 tout en trouvant un écho auprès du public contemporain. L'utilisation des Tortues Ninja est un choix stratégique qui exploite la nostalgie du spectateur tout en s'inscrivant dans l'esthétique du jeu vidéo, omniprésente dans le street art. La technique d'impression giclée employée par Lewis pour « High Three » se distingue par sa haute fidélité et sa précision chromatique, préservant ainsi la vivacité et les détails du dessin numérique original. Imprimée sur papier d'art de qualité, l'œuvre comble le fossé entre l'art numérique et la gravure traditionnelle, offrant une expérience tactile qui complète le côté ludique de la pièce. L'influence du « High Three » sur le street art « High Three » est une œuvre majeure, non seulement en tant qu'œuvre d'art, mais aussi comme reflet de l'impact de la culture numérique sur le street art, le pop art et le graffiti. Elle représente un tournant dans le médium et le sujet, brouillant les frontières entre street art, pop art et art numérique et ouvrant la voie à une interprétation et une appréciation plus larges de l'art contemporain. « High Three » d'Aled Lewis témoigne de l'évolution du street art et de son interaction avec la culture populaire. De par sa rareté et son style distinctif, cette œuvre est très recherchée par les collectionneurs. Elle illustre parfaitement comment le street art traditionnel peut s'adapter et prospérer à l'ère numérique. Elle célèbre la convergence des formes artistiques et l'attrait intemporel des icônes de la culture populaire.

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Estampe d'art en édition limitée Wonder Woman, réalisée à partir de pigments d'archives sur papier Moab Entrada 290 g/m² par l'artiste Alex Garant, légende du street art pop et du graffiti. 2017, tirage 16x20 signé et numéroté, édition limitée à 75 exemplaires représentant Wonder Woman (Gal Gadot) avec ses huit yeux psychédéliques. Dans l'univers coloré et souvent avant-gardiste du pop art, du street art et du graffiti, certaines créations captivent le regard et remettent en question les perceptions conventionnelles. L'une d'elles est l'estampe d'art « Wonder Woman Archival Pigment Fine Art Print » du célèbre artiste Alex Garant. Reconnu pour son style unique qui fusionne l'esprit du street art et les références à la culture pop, Garant propose ici une interprétation inédite de la figure iconique de Wonder Woman, particulièrement inspirée par l'incarnation du personnage par Gal Gadot. Cette œuvre fascinante, datant de 2017, captive par sa représentation insolite et psychédélique de Wonder Woman, caractérisée par ses huit yeux. L'effet, à la fois troublant et hypnotique, invite à une exploration plus profonde de sa signification. Peut-être évoque-t-elle les sens aiguisés de Wonder Woman ou sa capacité à percevoir des vérités inaccessibles au commun des mortels. Le choix du papier Moab Entrada 290 g/m² sublime l'œuvre, lui conférant une richesse tactile et préservant l'éclat des couleurs. Mesurant 40,6 x 50,8 cm, cette œuvre, bien que limitée à 75 exemplaires, impose sa présence. Chaque pièce, signée et numérotée par Alex Garant, témoigne de son engagement envers l'authenticité et l'excellence artistique. Alors que les débats sur les liens entre culture pop et art urbain continuent d'évoluer, l'interprétation de Wonder Woman par Garant s'impose comme un emblème de pensée novatrice, illustrant comment les icônes traditionnelles peuvent être réinventées pour refléter l'esthétique et les sensibilités contemporaines.

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Watership Down, impression giclée en édition limitée sur papier soie 300 g/m² par Andy Fairhurst, artiste de rue de la contre-culture. Édition limitée à 50 exemplaires, tirage numérique sur papier soyeux 300 g/m². Signé et numéroté à la main par l'artiste. Inspiré du film d'animation de 1978. 45,7 x 61 cm.

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Tu veux m'emmener voir un film de kung-fu ? Lithographie offset de Madsaki, imprimée sur papier beaux-arts lisse, édition limitée, tirée à la main, style street art pop graffiti. 2020. Édition limitée à 300 exemplaires, signée et numérotée. Lithographie offset. Format : 27,5 x 27,5 pouces. La synthèse de la culture pop et du graffiti L'œuvre de Madsaki capture un moment de nostalgie cinématographique, faisant référence au phénomène social des salles obscures et au genre spécifique des films de kung-fu, qui ont eu un impact considérable sur la culture populaire. Le titre, « Tu veux m'emmener voir un film de kung-fu ? », évoque une invitation ludique et un retour aux sources. Les personnages représentés, aux traits simplistes et aux contours vifs et marqués, rappellent l'animation contemporaine et le style graffiti traditionnel, caractérisé par des lignes rapides et précises. L'œuvre instaure un dialogue entre l'ancien et le nouveau : le sujet renvoie à une époque révolue tandis que le style est résolument moderne. L'utilisation de couleurs vibrantes, ainsi que le jeu des textures et des superpositions, reflètent la spontanéité et l'immédiateté propres au street art. Les effets de coulures et de bavures intentionnels ajoutent du dynamisme et du mouvement, suggérant l'action et l'énergie typiques des films de kung-fu auxquels elle fait référence. Cette lithographie offset, imprimée sur papier d'art lisse à vélin, est un exemple saisissant d'art urbain et de graffiti réalisé par l'artiste Madsaki. Tirée à la main en édition limitée à 300 exemplaires numérotés et signés, elle a été éditée en 2020. Ses dimensions (70 x 70 cm) offrent un support idéal à l'œuvre expressive de Madsaki, qui explore la culture populaire, l'iconographie et les codes du graffiti. Expression artistique contemporaine Dans le contexte de l'art contemporain, « Wanna Take Me To A Kung Fu Movie? » témoigne de la pertinence durable du Street Pop Art et du graffiti. L'influence de ce genre sur l'art dominant ne cesse de croître, avec des artistes comme Madsaki à l'avant-garde, repoussant les limites des beaux-arts. Tirée en édition limitée, cette œuvre devient un objet de convoitise pour les collectionneurs et les amateurs d'art qui apprécient le mélange de sensibilité street art et de l'intérêt du pop art pour la culture de masse. L'œuvre de Madsaki incarne l'esprit d'accessibilité et d'engagement du street art auprès du public. En intégrant des éléments universellement reconnaissables, l'artiste crée un lien avec un large public. Cette inclusivité est une caractéristique essentielle du Street Pop Art et du graffiti, reflétant les racines démocratiques du genre dans une forme d'expression artistique ouvertement visible et accessible à tous. « Wanna Take Me To A Kung Fu Movie? » de Madsaki est une œuvre d'art visuellement saisissante et une déclaration culturelle qui illustre la fusion du street art et de la culture pop. Elle représente un moment charnière où le cinéma, la nostalgie et l'esthétique inimitable du graffiti convergent pour créer une œuvre qui reflète la société contemporaine tout en rendant hommage à ses prédécesseurs artistiques. Le mélange d'humour, d'histoire et d'audace technique qui s'en dégage en fait une pièce marquante du paysage de l'art moderne.

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Marilyn Monroe 01 Édition limitée, sérigraphie technique mixte rehaussée à la main sur papier épais de 200 livres par Bobby Hill, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Chaque pièce est unique et les couleurs, la peinture et les effets de peinture au pistolet réalisés à la main par l'artiste sont aléatoires et variables ; vous pourriez donc ne pas recevoir l'article exact présenté sur la photo ! « J’utilise des images photographiques comme base pour mon art, mais il m’arrive de dessiner directement sur l’acétate avant de graver les écrans afin de faire ressortir des détails que je juge importants. Chaque pièce de cette série a été sérigraphiée individuellement et peinte à la main avec divers médiums acryliques et autres. Concentrez-vous sur les couleurs plutôt que sur l’image, même si cela peut parfois s’avérer difficile. Les couleurs représentent ce qui se passe dans ma vie à chaque instant. » – Bobby Hill

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Estampe d'art en édition limitée, réalisée à partir de pigments d'archives, sur papier japonais fait main, par l'artiste Jed Henry. Édition limitée signée 2022, format 12x17, bords découpés à la main « J'ai traversé la galaxie, et retraversé, j'ai vu des choses étranges, et revu des choses étranges, mais je n'ai jamais vu une Force unique, ma vie m'appartient. »

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Des badges ? Tirage giclée en édition limitée sur papier d'art de Chet Phillips, artiste de rue issu de la contre-culture. Robo Cop x Juge Dredd.

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Estampe giclée en édition limitée Kraven sur papier d'art de qualité supérieure, par Mike Mitchell, artiste de rue issu de la contre-culture. 2014 Mike Mitchell. Giclée 30,5 x 40,5 cm. Numérotée à la main. Signée par Mike Mitchell. Édition limitée à 105 exemplaires. Imprimée par Static Medium. Estampe Kraven de Mike Mitchell Estampe giclée Kraven de Mike Mitchell : Fusion de street art pop et de graffiti L'estampe giclée Kraven de Mike Mitchell est un exemple saisissant de son style de portrait caractéristique, mêlant réalisme et illustration audacieuse centrée sur le personnage. Sortie en 2014 en édition limitée à 105 exemplaires, cette estampe giclée de 30,5 x 40,5 cm capture l'essence de Kraven le Chasseur, personnage complexe et légendaire de l'univers des comics. Imprimée par Static Medium, elle est numérotée et signée à la main par l'artiste, ce qui en fait une pièce de collection très recherchée dans le monde du street art et du graffiti. L'interprétation de Kraven par Mitchell est à la fois puissante et sobre, le représentant de profil, soulignant son intensité et sa présence imposante. Le rendu détaillé des traits du visage, associé à la riche texture de la fourrure de son vêtement, met en lumière la capacité de l'artiste à créer des portraits dynamiques, à la fois réalistes et cinématographiques. Cette œuvre illustre le talent de Mitchell pour saisir l'essence de figures iconiques tout en les réinventant dans un contexte artistique moderne. À la croisée de la culture pop et des beaux-arts L'œuvre de Mike Mitchell revisite souvent des figures de la culture populaire avec une esthétique mêlant portrait classique et thèmes contemporains. Son estampe de Kraven s'inscrit dans cette tradition en présentant le personnage non comme une simple illustration de bande dessinée, mais comme une figure digne et profondément humaine. Les tons feutrés et les ombres minutieuses confèrent à l'image une qualité picturale, l'élevant au-delà des représentations traditionnelles de la culture populaire. Kraven, connu pour être l'un des plus grands ennemis de Spider-Man, est souvent représenté dans des poses dynamiques. Mitchell, quant à lui, adopte une approche différente, le dépeignant dans un moment de contemplation. Ce choix stylistique permet au spectateur de percevoir le personnage au-delà de sa nature agressive habituelle, lui conférant une profondeur rarement explorée dans les représentations grand public. Le choix de se concentrer sur le profil de Kraven renforce cette dimension introspective, attirant l'attention sur ses traits fins et son attitude stoïque. Maîtrise technique et précision artistique L'utilisation de l'impression giclée par Mitchell garantit une préservation remarquable des détails de ses techniques numériques et manuelles. Les impressions giclées sont réputées pour leur haute résolution et la richesse de leurs couleurs, ce qui en fait un support de choix pour les artistes soucieux de préserver l'intégrité de leur œuvre originale. Les textures de l'estampe Kraven, des subtiles nuances de la carnation aux détails fins de la fourrure et du tissu, témoignent de la maîtrise de Mitchell dans le jeu de la lumière et de l'ombre. Le souci du détail de l'artiste s'étend au-delà du personnage lui-même, à la composition dans son ensemble. Le cadrage équilibré, l'utilisation judicieuse des espaces négatifs et la palette de couleurs soigneusement choisie contribuent à l'esthétique sophistiquée de l'estampe. Chaque élément est méticuleusement travaillé pour immerger le spectateur dans l'univers du personnage, faisant de cette œuvre bien plus qu'un simple hommage à la culture populaire : une véritable œuvre d'art. L'influence de Mike Mitchell sur le street art, le pop art et le graffiti. Mitchell s'est forgé une réputation grâce à des œuvres qui transcendent les disciplines artistiques. Son travail est fréquemment mis à l'honneur dans les galeries de pop culture, les expositions de street art et sur le marché de l'estampe d'art, témoignant de son large attrait. Sa capacité à faire le lien entre l'iconographie de la bande dessinée et le portrait de haute volée a consolidé sa place dans le monde du Street Pop Art et du graffiti. Son estampe Kraven illustre l'évolution de sa vision artistique. En transformant un personnage emblématique en un portrait classique et digne, Mitchell remet en question les représentations traditionnelles des figures de BD. Cette approche lui a valu la reconnaissance des collectionneurs et des amateurs d'art, assurant ainsi l'influence de son travail sur les mouvements artistiques contemporains et alternatifs. Figure majeure de la pop culture moderne, Mitchell repousse sans cesse les limites du Street Pop Art et du graffiti. Son estampe giclée Kraven incarne parfaitement son talent pour fusionner nostalgie et innovation artistique, créant une œuvre à la fois intemporelle et profondément personnelle.

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Metropolis, édition limitée, sérigraphie artisanale en 3 couleurs sur papier beaux-arts, par Ron Guyatt, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Inspiré du film classique Metropolis

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Smodcast 4 mai AP Sérigraphie par Todd Slater Épreuve d'artiste Sérigraphie 4 couleurs tirée à la main sur papier beaux-arts Édition limitée Œuvre d'art pop street et graffiti. Épreuve d'artiste (EA) 2010, signée et marquée EA, édition limitée, format 18 x 24 pouces, encre argentée métallisée. Théâtre Babcock, 30 avril 2010, Billings, Montana « Voici l'affiche d'un des tout premiers concerts de SModCo : la tournée Live Nude SMod en avril 2010. Nous avions créé trois affiches différentes pour cette tournée, mais celle avec Slater s'est le mieux vendue. Mon seul problème, c'est que je n'arrivais jamais à savoir quel Stormtrooper était censé me représenter et lequel était censé être Scott Mosier… » – Kevin Smith Smodcast du 4 mai, sérigraphie AP de Todd Slater Todd Slater est reconnu pour son talent à fusionner culture pop, humour et design complexe dans des sérigraphies en édition limitée. Son travail capture l'essence du street art contemporain et l'esthétique inspirée du graffiti, faisant de chaque estampe une pièce d'exception dans l'univers des affiches de collection. La sérigraphie Smodcast « May the 4th AP », sortie en 2010 en tant qu'épreuve d'artiste, illustre parfaitement son savoir-faire dans l'alliance d'images iconiques et de techniques d'impression d'art. Cette estampe en édition limitée a été créée pour le Live Nude SMod Tour, l'un des premiers concerts de SModCo, la marque de Kevin Smith. L'œuvre réinterprète avec humour Kevin Smith et Scott Mosier en stormtroopers, en accord avec le thème de Star Wars, tout en y intégrant une touche comique que les fans de SModcast reconnaîtront immédiatement. Avec son fond rouge vif, ses illustrations détaillées de stormtroopers et ses accents d'encre argentée métallisée appliquée à la main, cette sérigraphie est un hommage visuellement saisissant à la fois au monde du podcast et à la culture science-fiction. L'influence artistique de Todd Slater Todd Slater a bâti sa carrière sur la création de sérigraphies d'une grande précision, fortement imprégnées de culture pop. Son œuvre s'articule souvent autour de la musique, du cinéma et de figures emblématiques, transformant des images familières en compositions stylisées et complexes. Cette sérigraphie témoigne de son talent pour allier humour et esthétique, ce qui en fait une pièce recherchée par les collectionneurs d'art urbain et de graffiti. L'utilisation de couleurs superposées et d'encres métalliques accentue la profondeur de l'œuvre, la transformant en bien plus qu'un simple hommage à Star Wars. La texture et les détails de l'armure de stormtrooper témoignent de sa maîtrise technique de la sérigraphie, tandis que le texte manuscrit en bas apporte une touche brute et organique qui s'accorde parfaitement avec l'esprit urbain de son travail. La signification culturelle des œuvres d'art de Smodcast Smodcast, le podcast à succès créé par Kevin Smith et Scott Mosier, a acquis un statut culte, faisant de cette œuvre d'art non seulement une pièce visuelle, mais aussi la représentation d'une époque de l'histoire du podcast. L'inclusion des détails de l'événement, notamment le concert au Babcock Theater de Billings, dans le Montana, renforce l'authenticité de l'estampe, véritable instantané du temps. L'influence de Smith sur la culture populaire s'étend du cinéma aux podcasts en passant par les concerts, et cette affiche incarne cette transition. La référence ironique à leur taille comparée à celle des stormtroopers ajoute une touche d'humour supplémentaire, rendant l'œuvre encore plus personnelle et accessible aux fans. Sérigraphie de collection Pop Art Street Cette épreuve d'artiste est une pièce de collection rare et très recherchée, notamment compte tenu de la notoriété grandissante de Todd Slater dans le monde de l'estampe contemporaine. Le procédé de sérigraphie artisanale confère à chaque exemplaire un caractère unique, le distinguant ainsi des affiches produites en masse. Fusion de street art, de graffiti et de références à la culture pop moderne, cette estampe se distingue par sa force visuelle et son importance culturelle. Son édition limitée et son lien avec l'univers Star Wars et SModcast de Kevin Smith ne font qu'accroître sa valeur, en faisant une pièce incontournable pour les collectionneurs d'estampes en édition limitée et d'objets de la culture pop.

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« Red Dawn », édition limitée, sérigraphie artisanale 6 couleurs sur papier beaux-arts, par Jay Ryan, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Signée et numérotée par Jay Ryan, édition limitée à 260 exemplaires.

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Œuvre d'art « Évasion de New York », impression giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure par l'artiste de graffiti pop culture Scott Listfield . Évasion de New York. Tirage limité à 50 exemplaires. Matériaux : Papier. Dimensions : 22,9 cm x 40,6 cm.

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Daft Punk - Tron 2 Édition Limitée Sérigraphie Manipulée à la Main en 2 Couleurs sur Papier Beaux-Arts par Ron Guyatt Artiste de Rue Graffiti Art Pop Moderne. Œuvre inspirée du célèbre groupe Daft Punk. Galerie Gauntlet – Exposition « Daft Punk Deux ». L'affiche regorge de clins d'œil au groupe Daft Punk. On y retrouve des références aux sound systems, aux stations de mixage, aux pyramides figurant sur les albums de Daft Punk, aux données numériques, à l'énergie, et bien plus encore !

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Portrait de Marilyn Monroe en édition limitée, peinture à l'huile rehaussée à la main, impression sérigraphique HPM sur toile par Steve Kaufman SAK, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Toile non tendue, l'image est en parfait état. Rare portrait de Marilyn, cheveux blonds.

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Achetez VINYLTOY Édition Limitée Vinyl Art Toy Sculpture Oeuvre de Collection par Pop Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée de XXX Taille de l'œuvre XXX Nouveau dans la boîte Estampillé/Imprimé/COA INFO

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Que les jeux commencent ! Édition limitée ICON Series, sérigraphie artisanale 4 couleurs sur papier beaux-arts par DKNG, artiste de rue graffiti, art pop moderne. La Batmobile Tumbler des films Batman Dark Knight. Chaque film en possède une. Un accessoire, un décor ou un lieu emblématique. Quelque chose qui, en une seule image, peut représenter tout le film. L'équipe de designers Dan Kuhlken et Nathan Goldman, alias DKNG, nomme ces images « Icônes », et elles sont au cœur de leur toute première exposition personnelle à la Gallery 1988 West de Los Angeles. Intitulée simplement ICON, l'exposition présente 50 œuvres mettant en scène des lieux et des objets iconiques issus de vos films et séries préférés de tous les temps. Chaque œuvre, de petit format (30 cm de côté), représente un élément qui résume un film entier. Et bien sûr, chacune est réalisée dans le style distinctif de DKNG : lumineux, géométrique et pourtant riche en détails.

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Mind Tricks S1 Blind Box Portfolio Sérigraphie par Joshua Budich Tirage à la main sur papier beaux-arts + Feuilles rares Édition limitée Sérigraphie Œuvre d'art. Collection Portfolio d'Art Fine Art 2021 : 4 œuvres d'art signées en édition limitée, format 15 x 15 cm, sérigraphies. Tirage d'art Star Wars (science-fiction), sélection aléatoire, sous blister scellé. Coffret neuf, non ouvert, avec possibilité de nombreuses éditions rares. Saison 1 sous enveloppe personnalisée scellée. Le coffret inaugural, Série Un, présente une douzaine de portraits sérigraphiés explorant toute la palette morale de cette célèbre saga spatiale, des héros aux méchants. Chaque portrait est une sérigraphie de 15 x 15 cm, signée à la main par Joshua Budich, et livrée dans une enveloppe en lin noir spécialement conçue pour la Série Un. Vous trouverez quatre sérigraphies de 15 x 15 cm sélectionnées aléatoirement dans chaque enveloppe. Voici les probabilités de trouver chaque type d'impression : Or : 1 sur 1 ; Argent : 1 sur 1 ; Blanc : 1 sur 1 ; Magma : 1 sur 4 ; Iceberg : 1 sur 4 ; Aloès : 1 sur 4 ; Rose : 1 sur 4 ; Métallisé : 1 sur 5. Concernant les très recherchées impressions métallisées « Chase » : la Série Un de Mind Tricks est sublimée par douze papiers métallisés uniques, chaque variante scintillante étant limitée à seulement 3 ou 4 exemplaires dans le monde. Les films métallisés utilisés sont les suivants : Arc-en-ciel, Cosmos, Cubique, Pois, Escher, Lune et Lave, Jardin de Roses, Carreaux Écossais, Tourbillon O Rama, Pansements, 420, Bulles 3D et Mousse. Compte tenu de leur extrême rareté, la probabilité d’obtenir un film métallisé particulier est d’environ 1 sur 600. L'attrait artistique des tours de passe-passe mentaux de Joshua Budich S1 Dans le domaine de l'art visuel contemporain, la série Mind Tricks 1 de Joshua Budich s'impose comme un ensemble captivant qui séduira les amateurs de pop art et de street art. Cet artiste américain s'est fait connaître grâce à des œuvres profondément ancrées dans l'esprit de la culture populaire, notamment la science-fiction. Son portfolio Mind Tricks S1 Blind Box témoigne de sa maîtrise de la sérigraphie, qui confère à ses œuvres une grande vivacité et une profondeur remarquable. Le choix de Budich pour ce médium, la sérigraphie artisanale sur papier beaux-arts, révèle son souci du détail. La sérigraphie, technique prisée des icônes du pop art, permet d'atteindre un niveau de détail et une saturation des couleurs rarement égalés par d'autres techniques d'impression. Chaque estampe de la collection Mind Tricks S1 mesure 15 x 15 cm, un format qui invite à une observation attentive et offre au spectateur une expérience immersive de l'œuvre. Réalisée en 2021, cette série se compose d'œuvres en édition limitée, chacune signée par Budich, garantissant leur authenticité et l'implication directe de l'artiste dans leur création. La signature n'est pas simplement un geste d'achèvement, mais une inscription de la présence de l'artiste et une garantie de l'originalité de l'œuvre. Objets de collection en édition limitée : une nouvelle forme d'art pop urbain Ce portfolio incarne un mélange unique de pop art urbain et de graffiti, genres qui s'expriment généralement dans l'espace public et qui sont désormais ingénieusement encapsulés dans ces objets de collection. L'art de Budich transcende les murs des galeries traditionnelles et invite les collectionneurs à s'immerger dans l'esthétique et les thématiques du street art depuis le confort de leur propre intérieur. L'emballage scellé et personnalisé de la série Mind Tricks S1 renforce le mystère et l'anticipation, à l'image de l'imprévisibilité et de la spontanéité du street art. La possibilité d'acquérir des cartes rares dans chaque boîte surprise ajoute une part de hasard, rappelant la nature éphémère du graffiti, où la découverte et le timing sont essentiels. Avec ses coffrets aléatoires, non ouverts et jamais consultés, cette collection offre une vision inédite de la collection d'art. Elle démocratise l'accès à l'art en édition limitée, permettant aux collectionneurs de posséder un fragment du vaste univers Star Wars à travers la vision artistique de Budich. C'est une célébration de la passion, de l'art et du plaisir de la recherche, le tout réuni en un seul objet. L'attrait de la série Mind Tricks S1 réside non seulement dans l'imagerie emblématique de la saga Star Wars, mais aussi dans la qualité tactile des estampes. Le choix du papier beaux-arts comme support contribue à l'impact visuel de chaque pièce, offrant une texture qui sublime la complexité du procédé de sérigraphie. Il en résulte une collection qui est à la fois un régal pour les yeux et un voyage sensoriel, invitant tous les sens à apprécier l'œuvre. Joshua Budich continue de vivre et de créer, enrichissant la riche palette de l'art contemporain. Ses œuvres, dont la série Mind Tricks S1, sont bien plus que de simples représentations de la culture populaire ; elles tissent des liens entre l'art traditionnel de la gravure et les récits modernes du pop art et du street art. Chaque pièce de cette collection témoigne de l'engagement indéfectible de l'artiste envers son art et les récits qui inspirent un public diversifié. Dans un monde où l'art et la culture s'entremêlent, Mind Tricks S1 de Joshua Budich s'impose comme une œuvre formidable de street art pop et de graffiti, invitant les spectateurs à plonger dans un monde où le fantastique et le réel convergent à travers le médium des estampes d'art.

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Planche de skateboard Supreme Scarface Shower Deck Limited Edition, conçue par la marque Supreme. Pour la collection Automne/Hiver 2017, Supreme a puisé son inspiration dans l'univers iconique de Scarface. Chaque planche arbore la célèbre réplique du film imprimée sur le dessus. La planche « Shower » reprend une image tirée de la scène culte où une transaction de drogue tourne mal et où Montana se retrouve sous la douche, un pistolet pointé sur la tempe.

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Thriller, peinture originale acrylique, peinture pour bâtiment et aérosol sur bois encadré, par Shark Toof, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Œuvre originale signée de 2015, réalisée à la bombe aérosol et technique mixte, format 24 x 36 pouces. La fusion artistique du « Thriller » de Shark Toof « Thriller », une peinture originale de Shark Toof, est une exploration dynamique du graffiti et du pop art contemporain. Créée en 2015, cette œuvre en techniques mixtes – acrylique, peinture pour bâtiment et aérosol sur bois encadré – révèle le style caractéristique de Shark Toof, mélange d'influences urbaines et de rigueur artistique. Signée par l'artiste, cette pièce de 61 x 91 cm (24 x 36 pouces) atteste de l'authenticité de ce vibrant témoignage de son style protéiforme. Reconnu pour la force de ses créations visuelles dans le milieu du street art, Shark Toof met ici en avant ses racines graffiti. Son travail ne se cantonne pas aux codes traditionnels du pop art ; il explore un territoire où l'iconoclasme rencontre l'iconographie. Dans « Thriller », l'influence du street art est palpable, l'énergie brute du graffiti se traduisant par une composition structurée et dynamique sur bois. La démarche de Shark Toof témoigne d'une volonté délibérée de fusionner son style affirmé avec une irrévérence ludique, invitant le spectateur à s'interroger sur les icônes de notre époque et leur signification fluctuante. L'œuvre incarne la philosophie de Shark Toof selon laquelle l'art ne doit pas toujours être pris trop au sérieux, suggérant ainsi le pouvoir de la subversion de ses propres créations. Cette notion de « vandalisme » des icônes est une réflexion sur la nature éphémère de la célébrité et la fluidité des symboles culturels dans notre société. Ce mélange d'introspection et de critique extérieure confère à « Thriller » une place unique dans l'art contemporain. Shark Toof et l'éthique du « faites-le vous-même » du street art Le choix de Detroit comme toile de fond de son processus créatif par Shark Toof témoigne de son attachement à l'éthique du « fait maison » (ou DIY) souvent associée au street art. Son lien avec la ville, réputée pour son industrie florissante et son histoire d'innovation, fait écho à son parcours artistique. À Detroit, ville qui a connu la grandeur et la rudesse, Shark Toof trouve une âme sœur : un paysage qui est à la fois une toile et un catalyseur de créativité. « Thriller » incarne cet esprit DIY non seulement dans sa création, mais aussi dans sa présentation. L'utilisation de bois entoilé comme support est un clin d'œil aux surfaces improvisées souvent employées dans le street art, où tout espace ou matériau peut devenir le fondement de l'expression. Le choix des matériaux par Shark Toof – peinture pour bâtiment et aérosol – fait également écho au langage du street art, où l'immédiateté du médium correspond à l'urgence du message. « Thriller » de Shark Toof célèbre l'évolution du pop art et du graffiti. Son œuvre témoigne du pouvoir du street art à transcender ses origines urbaines et à trouver un écho dans l'espace des galeries. Par son utilisation audacieuse de la couleur, de la forme et des médiums, Shark Toof continue de questionner et de redéfinir ce que signifie être un artiste de rue dans le monde de l'art contemporain. Son travail est un dialogue avec le spectateur, une invitation à explorer les significations profondes qui se cachent derrière les images que nous voyons et les icônes que nous créons.

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Stormtrooper Messiah - Impression pigmentaire d'archives sur métal avec base en acrylique gravée, œuvre d'art sculptée par l'artiste de rue et de graffiti Ron English, légende de la pop moderne - POPaganda. Ron English – POPaganda est largement considéré comme une figure majeure de l'évolution du street art, l'ayant éloigné des lettrages traditionnels de style sauvage pour se tourner vers des messages percutants et des trompe-l'œil magistraux. Depuis les années 1980, il crée des fresques et des panneaux d'affichage illégaux qui mêlent des visuels saisissants à des déclarations politiques, consuméristes et surréalistes incisives, s'appropriant l'espace public à travers le monde au service de l'art.

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Eagle 5 Édition Limitée Série ICON Impression Sérigraphique Manuelle 4 Couleurs sur Papier Beaux-Arts par DKNG Artiste de Rue Graffiti Art Pop Moderne. Spaceballs, le film, Eagle 5 RV, vaisseau spatial, parodie de Star Wars. Chaque film en possède une. Un accessoire, un décor ou un lieu emblématique. Quelque chose qui, en une seule image, peut représenter tout le film. L'équipe de designers Dan Kuhlken et Nathan Goldman, alias DKNG, nomme ces images « Icônes », et elles sont au cœur de leur toute première exposition personnelle à la Gallery 1988 West de Los Angeles. Intitulée simplement ICON, l'exposition présente 50 œuvres mettant en scène des lieux et des objets iconiques issus de vos films et séries préférés de tous les temps. Chaque œuvre, de petit format (30 cm de côté), représente un élément qui résume un film entier. Et bien sûr, chacune est réalisée dans le style distinctif de DKNG : lumineux, géométrique et pourtant riche en détails.

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Impression giclée d'une œuvre d'art All-American Temper Tot avec embellissement à la peinture en aérosol HPM, édition limitée sur papier d'art par l'artiste de graffiti de la culture pop Ron English - POPaganda. Plusieurs œuvres peintes à la main et rehaussées de touches d'aérographe autour du personnage de Temper Tot, ressemblant à Hulk. Créées en hommage à la fresque murale réalisée par Ron sur le mur Houston Bowery à New York.

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Sérigraphie Dalek Doctor Who par Andrew Ghrist, tirée à la main sur papier d'art, édition limitée. Édition limitée à 40 exemplaires, signée et numérotée au dos (2013). Sérigraphie de 45,7 x 61 cm représentant un Dalek extraterrestre de Doctor Who, dans le décor de ruines et de destructions d'une ville. Tirage commémoratif du 50e anniversaire de la série Doctor Who. Sérigraphie Dalek Doctor Who par Andrew Ghrist La sérigraphie « Dalek Doctor Who » d'Andrew Ghrist est un exemple saisissant de la fusion entre le pop art urbain, le graffiti et la science-fiction, donnant naissance à un récit visuellement captivant. Réalisée à la main en 2013 et tirée à 40 exemplaires, cette sérigraphie offre une représentation saisissante d'un Dalek au milieu de la destruction et de la décrépitude. La précision du trait, l'utilisation audacieuse des couleurs et la richesse des textures font de cette œuvre un mélange exceptionnel de culture pop et d'esthétique urbaine. La technique de la sérigraphie accentue la dimension tactile de l'estampe, renforçant l'énergie brute et le chaos de ce paysage dévasté. Les éléments artistiques de la sérigraphie L'approche d'Andrew Ghrist pour cette œuvre témoigne d'une grande maîtrise technique. La précision du trait et la minutie des ombrages confèrent profondeur et réalisme à la composition. Le Dalek, redoutable machine extraterrestre de Doctor Who, est au cœur de l'œuvre. Apparaissant endommagé, il dégage néanmoins une présence menaçante. Enveloppée d'une énergie dorée tourbillonnante, la créature mécanique semble prise entre destruction et renaissance, métaphore visuelle de sa nature implacable. Les structures de bois brisées et les débris qui l'entourent amplifient le sentiment de dévastation, ajoutant une dimension narrative évoquant le conflit et la résistance. La composition présente des contrastes dynamiques entre les tons sourds et désaturés de l'arrière-plan et les éléments métalliques saisissants du Dalek. L'énergie dorée et chaude qui tourbillonne autour de la machine intensifie encore l'effet dramatique, guidant le regard du spectateur à travers ce décor chaotique. La typographie du mot « Dalek » s'intègre parfaitement à la composition, apparaissant comme une plaque signalétique brisée qui renforce le thème de la destruction. Le placement calculé des textures, des détails mécaniques et des éléments usés s'inscrit dans les techniques souvent utilisées dans le pop art urbain et le graffiti, donnant à cette œuvre l'aspect d'une fresque urbaine transposée sur du papier d'art. L'influence de la science-fiction sur le street art, le pop art et le graffiti Les thèmes de la science-fiction inspirent depuis longtemps le street art et le graffiti, permettant aux artistes de réinterpréter des images iconiques à travers le prisme urbain. Le Dalek, symbole de la culture populaire, représente la peur, la domination et une soif de conquête inextinguible. En plaçant cet être mécanique dans un environnement délabré, presque post-apocalyptique, Andrew Ghrist le transforme en symbole de destruction et de résilience. Cette technique narrative visuelle s'inscrit dans la tradition du graffiti et du street art, où les fresques murales de grande envergure dépeignent souvent des récits dystopiques ou futuristes qui critiquent les problèmes de société. Le paysage en ruine de l'œuvre reflète des thèmes plus larges, fréquemment explorés dans le street art et le graffiti, tels que la rébellion, la dégradation et le passage du temps. L'intégration d'éléments de science-fiction ajoute une dimension d'évasion, mêlant fantaisie et réalité pour créer une expérience visuelle immersive. À l'instar des graffeurs qui se réapproprient l'espace urbain, cette estampe reprend un personnage de science-fiction familier et le reconstruit dans un contexte nouveau et plus sombre. L'utilisation de la sérigraphie artisanale renforce encore l'authenticité de la pièce, lui conférant un aspect tactile et brut qui rappelle les techniques traditionnelles du graffiti. L'importance de l'œuvre d'art en édition limitée Cette estampe en édition limitée, signée et numérotée au dos par Andrew Ghrist, revêt une grande valeur pour les collectionneurs de culture pop et d'art urbain (graffiti, etc.). Son format 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces) garantit une netteté et une force visuelle exceptionnelles, même exposée. Tirée à seulement 40 exemplaires, cette estampe est une œuvre rare et recherchée, à la croisée de la science-fiction et de l'art urbain contemporain. La fusion des thèmes dystopiques de Doctor Who et de l'intensité visuelle du graffiti confère à cette œuvre une dimension qui dépasse le simple hommage à la culture pop. Elle représente le point de rencontre entre narration, art urbain et technique d'estampe traditionnelle, capturant l'énergie de la destruction urbaine d'une manière qui transcende son sujet. Le travail minutieux d'Andrew Ghrist sur la composition, les ombres et les textures superposées donne vie à cette vision, faisant de la sérigraphie Dalek Doctor Who une œuvre d'art captivante qui transcende ses inspirations.

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Figurine de collection Gizmo Costume 1000% BE@RBRICK Édition Limitée Medicom Vinyl Artwork Toy. Cette figurine Be@rbrick toute douce représente l'adorable Gremlin Gizmo et mesure environ 27,55 pouces de haut.

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Tirage d'art sur papier buvard EpiPen « Trip A Stitch In Time » par Ben Frost, édition limitée, impression pigmentaire d'art sur papier buvard perforé. Édition limitée signée et numérotée 2025 de tirage pigmentaire d'archives à déterminer sur papier buvard perforé. Format : 7,5 x 7,5 pouces. Sortie : 19 avril 2025. Les éditions limitées sur buvard sont perforées à la main par Zane Kesey. Stitch de Ben Frost et la rébellion des ordonnances L'œuvre « Trip A Stitch In Time EpiPen Blotter Paper Archival Print » de Ben Frost, une estampe pigmentaire en édition limitée sur papier buvard perforé, publiée en 2025, poursuit la critique acerbe de l'artiste de rue australien à l'égard du consumérisme, du marketing pharmaceutique et de la récupération de la culture populaire. Dans cette œuvre, l'extraterrestre Stitch, personnage de dessin animé, est représenté dans une crise de frénésie, superposé à un emballage d'EpiPen. Reconnu pour ses collisions visuelles sans concession, Ben Frost utilise l'énergie brute du graffiti et l'esthétique de la bande dessinée pour livrer une satire mordante du marketing de la dépendance médicale, tout en transformant des personnages d'enfance familiers en symboles d'un chaos hyperactif. Quand le pop art urbain rencontre l'anxiété liée aux médicaments Ce qui distingue cette œuvre dans la catégorie Street Pop Art et Graffiti, c'est son honnêteté brutale, tant sur le plan esthétique que dans son message. L'association d'un Stitch hyperactif et de la typographie stérile d'un médicament sur ordonnance crée une dissonance visuelle immédiate. Les dents acérées, les yeux exorbités et la main griffue de Stitch expriment un excès d'émotions, en contradiction flagrante avec le design contrôlé et impersonnel de l'étiquette de l'EpiPen derrière lui. Cette juxtaposition agit comme une métaphore de l'épuisement culturel, de la médication de l'identité et de la marchandisation de l'enfance et de la santé. L'utilisation par Frost de buvards, un support historiquement associé au LSD, renforce la tonalité psychédélique et ajoute une dimension supplémentaire à la réflexion sur l'évasion sociale par les pilules, le plaisir ou la nostalgie. La perforation comme support et message L'estampe est réalisée sur une feuille buvard perforée de 19 x 19 cm, perforée à la main par Zane Kesey, fils de Ken Kesey, figure emblématique du mouvement psychédélique. Ce détail inscrit l'œuvre dans un débat historique plus large autour de la conscience, de l'art et de la rébellion. Dans ce format, l'œuvre devient un objet de consommation métaphorique, suggérant l'idée de déconstruire les récits aseptisés pour révéler des vérités fragmentées. Les perforations font également écho à l'éphémère du street art, à sa nature même de division, de destruction ou de partage. Le médium est autant un message qu'une image, Frost exploitant chaque centimètre carré du support pour une narration critique. Le pouvoir de la mutation satirique dans la culture urbaine Le style visuel de Ben Frost repose souvent sur la mutation, l'appropriation et la critique, et « Trip A Stitch In Time » se distingue par son commentaire frénétique sur la surstimulation, la distorsion identitaire et la dépendance aux médicaments. Dans le contexte du Street Pop Art et du graffiti, cette œuvre dépasse la simple parodie du monde médical : elle dénonce l'équilibre artificiel que la société tente d'imposer par le biais des pilules, des marques et des personnages réinterprétés. Stitch, dans cette réinterprétation chaotique, devient un monstre de la consommation moderne, saisi au moment où il s'affranchit des contraintes des étiquettes médicamenteuses et de la nostalgie des dessins animés pour s'attaquer à quelque chose de bien plus humain : la vérité à travers la folie.

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Lithographie offset Mighty Vibras sur panneau de bois par J Balvin x Matt Gondek avec sac fourre-tout, édition limitée, œuvre d'art graffiti street pop. Édition limitée à 300 exemplaires, signée et numérotée, 2018. Illustration de 14 x 23 pouces représentant Astro Boy tatoué avec des lunettes Chanel. Le sac présente une légère tache sur la partie supérieure. L'œuvre est en parfait état, voire quasi parfait. Synthèse culturelle de J Balvin et Matt Gondek dans le pop art urbain L'estampe lithographique offset « Mighty Vibras » sur panneau de bois est une fusion dynamique de musique, de culture urbaine et d'art contemporain. Fruit d'une collaboration entre la superstar colombienne du reggaeton J Balvin et l'artiste Matt Gondek, basé à Los Angeles, cette œuvre capture l'essence du Street Pop Art et du graffiti. Sortie en 2018, cette édition limitée à 300 exemplaires signés et numérotés reflète l'influence mondiale des formes d'art urbain et la perméabilité croissante des frontières entre art, musique et mode. « Mighty Vibras » met en scène un Astro Boy tatoué, arborant des lunettes Chanel, symbole de luxe imprégné d'authenticité urbaine. Ce personnage, icône du manga japonais, est réinterprété à travers le prisme de la culture urbaine et de la haute couture, illustrant l'interconnexion de la culture pop mondiale. Le style déconstructif de Gondek, connu pour déconstruire puis reconstruire ses personnages, est manifeste dans les éléments fragmentés de l'œuvre, visuellement saisissants et thématiquement riches de sens. L'influence de J Balvin sur l'œuvre lui confère une dimension interculturelle palpable, perceptible dans les couleurs vives et le mot « Familia » tatoué sur la poitrine du personnage, un clin d'œil aux thèmes de la famille et de l'appartenance qui imprègnent la musique de Balvin. Avec ses dimensions de 35,5 x 58,5 cm, l'œuvre est une pièce maîtresse qui s'intègre parfaitement à tous les décors, du salon décontracté à la galerie d'art la plus prestigieuse. Intersection de l'art et du merchandising Un tote bag reprenant le même motif accompagne l'estampe, illustrant la tendance croissante à intégrer l'art à son quotidien. Cette approche du merchandising artistique élargit la portée de l'œuvre au-delà des frontières traditionnelles du monde de l'art, l'intégrant à l'expérience de tous les jours. Le tote bag, véritable toile mobile, diffuse l'impact visuel de l'œuvre « Mighty Vibras » auprès d'un public plus large. La fusion de l'héritage musical de J Balvin et du talent artistique de Matt Gondek dans « Mighty Vibras » illustre le potentiel de la collaboration entre différentes industries créatives. Elle démontre également la capacité du street art à transcender ses origines, à s'infiltrer dans la culture et la mode dominantes et à devenir un emblème du mode de vie contemporain. « Mighty Vibras » est plus qu'une simple œuvre d'art ; c'est un artefact culturel qui capture l'esprit de notre époque. Cette œuvre témoigne de la synergie créative entre J Balvin et Matt Gondek, fusionnant l'énergie brute du street art et l'esthétique de la pop culture pour créer un nouveau langage visuel qui parle à un public international et diversifié. Son édition limitée, ainsi que les produits dérivés qui l'accompagnent, en font une pièce de collection à la fois artistique et culturelle.

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Impression giclée Target Practice par Dave Pollot, œuvre d'art en édition limitée sur toile, artiste graffiti pop de rue. Édition limitée signée et numérotée 2025 (à déterminer) - Format de l'œuvre : 20x16 - Impression spéciale Star Wars du 4 mai sur toile roulée. Tirage giclée Target Practice de Dave Pollot : La science-fiction s’affronte à la pastorale américaine « Target Practice » de Dave Pollot est une édition limitée de 2025, une reproduction giclée sur toile de 50,8 x 40,6 cm. Sortie à l'occasion des célébrations spéciales du 4 mai dédiées à Star Wars, cette œuvre signée et numérotée illustre la manière dont l'artiste revisite l'Amérique classique en y intégrant des images emblématiques de la science-fiction. La composition met en scène des stormtroopers impériaux en plein combat au blaster dans une forêt paisible, évoquant une scène tirée d'une peinture de cabane oubliée ou d'une toile chinée. Cette juxtaposition d'un conflit hypermoderne et d'un décor naturel empreint de nostalgie fait de cette œuvre un exemple parfait de street art et de graffiti. L'esthétique classique interrompue par la guerre galactique « Target Practice » de Dave Pollot représente un ruisseau boisé et paisible, bordé de bouleaux blancs, d'eaux calmes et d'une cascade au loin. Au premier abord, on pourrait le confondre avec un paysage anodin. Mais en y regardant de plus près, des stormtroopers surgissent de derrière les arbres, engagés dans un intense échange de tirs laser avec des silhouettes en carton de personnages emblématiques de Star Wars. Dark Vador se tient raide derrière la silhouette d'un Ewok armé d'un blaster, tous deux semblant servir de cibles pour l'entraînement au tir. L'absurdité de cette scène est encore accentuée par le cadre naturel immaculé, soulignant l'artificialité du conflit et du mythe lorsqu'ils sont confrontés à la réalité brute d'un paysage terrestre. La scène capture la tension entre la violence fantastique et la paix de la nature, suscitant à la fois rire et réflexion. Dave Pollot et la tradition du remix dans le surréalisme pop Dave Pollot est un artiste contemporain new-yorkais connu pour réinterpréter des tableaux anciens en y intégrant des personnages et des éléments issus de jeux vidéo, de films et de séries télévisées. En plaçant des icônes de la culture populaire dans des œuvres autrefois reléguées aux rayons des brocantes, Pollot en réinvente le sens et interroge leur durée de vie culturelle. Dans « Target Practice », la mise en scène humoristique de stormtroopers prenant des silhouettes fictives pour de véritables cibles révèle une réflexion plus profonde sur l'entraînement, le conditionnement et la simulation. C'est une observation à la fois ludique et pertinente sur la façon dont la fiction imprègne notre conscience quotidienne et dont les récits de divertissement éclipsent souvent la complexité du monde réel. Grâce à cette technique, Pollot ne dénature pas l'atmosphère originale du tableau ; il la réinterprète pour susciter de nouvelles significations. Quand le commentaire d'art moderne rencontre la culture des fans Cette édition limitée sur toile se situe au croisement de la culture populaire et de la critique, opérant à plusieurs niveaux : œuvre d’art, observation sociale et objet de collection. Sa sortie dans le cadre des célébrations Star Wars l’ancre dans l’esprit festif de la pop culture, tandis que sa technique d’impression giclée sur toile lui confère une pérennité et une qualité digne des plus beaux-arts. La richesse du propos, alliée à une maîtrise technique exceptionnelle, la inscrit résolument dans le domaine du street art et du graffiti. « Target Practice » est une réussite, non seulement en tant qu’objet décoratif, mais aussi en tant qu’œuvre conceptuelle : la guerre, la fiction, la nostalgie et l’humour s’y rencontrent dans les bois, à l’ombre d’une galaxie lointaine.

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Pleasure Paradise 1,21 Gigawatts, tirage giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure, par DXTR, artiste de rue de la contre-culture. Le collectif New Rule présente 1,21 GIGAWATTS, un hommage illustré à la trilogie culte Retour vers le futur ! L’histoire classique du jeune Marty McFly et du Doc Brown voyageant à travers le continuum espace-temps a inspiré toute une génération de passionnés de science-fiction et de voyages dans le temps à travers le monde, et reste encore aujourd’hui une œuvre cinématographique emblématique des années 80.

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Sérigraphie artisanale bicolore Spock en édition limitée sur feuille de papier métallisé, par Craig Drake, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Inspiré de Spock. Sérigraphie sur papier métallisé. Édition limitée à 25 exemplaires. Dimensions approximatives : 40 x 50 cm.

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Œuvre d'art Falkor et Atreyu, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure par l'artiste de graffiti pop culture Veronica Fish.

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Édition limitée « Contrôle des armes à feu », sérigraphie artisanale bicolore sur papier français 140 lb, par Avone, artiste de rue graffiti, art pop moderne. AVone est l'artiste new-yorkais par excellence. À travers son œuvre, il crée un environnement urbain réinventé, imprégné d'images d'une vision singulière et crue de la décrépitude. Son travail est principalement influencé par la ville qu'il considère comme son foyer, ainsi que par l'expressionniste abstrait Franz Kline et Andy Goldsworthy, dont l'œuvre a inspiré la fragmentation de son écriture et les surfaces texturées qu'il développe lui-même.

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