La nature

Achetez TITLE Sérigraphie 4 couleurs tirée à la main sur une œuvre d'art Pop Street Art en édition limitée MEDIUM. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Palmiers, édition limitée, sérigraphie technique mixte rehaussée à la main sur papier épais 200 lbs par Bobby Hill, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Chaque pièce est unique et les couleurs, la peinture et les effets de peinture au pistolet réalisés à la main par l'artiste sont aléatoires et variables ; vous pourriez donc ne pas recevoir l'article exact présenté sur la photo ! « J’utilise des images photographiques comme base pour mon art, mais il m’arrive de dessiner directement sur l’acétate avant de graver les écrans afin de faire ressortir des détails que je juge importants. Chaque pièce de cette série a été sérigraphiée individuellement et peinte à la main avec divers médiums acryliques et autres. Concentrez-vous sur les couleurs plutôt que sur l’image, même si cela peut parfois s’avérer difficile. Les couleurs représentent ce qui se passe dans ma vie à chaque instant. » – Bobby Hill

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Afterglow 2019, œuvre d'art imprimée en édition limitée Giclée sur papier d'art de l'artiste de graffiti pop culture Rodrigo Rod Luff. Rod Luff - 60,9 x 40,6 cm (24 x 16 pouces) Tirage d'art sur papier 290 g/m² Édition limitée à 20 exemplaires Signée et numérotée à la main par l'artiste 2019

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Edition limitée sur papier Moab Entrada 290gsm par Urban Pop Artist ARTIST Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Hommage à Murakami, impression giclée par Adam Lister, œuvre d'art en édition limitée sur papier mat pressé à chaud 300 g/m², artiste graffiti pop de rue. Estampe signée et numérotée de 2023, édition limitée à 50 exemplaires, format 18 x 24 pouces, impression pigmentaire d'archives, style glitch. Takashi Murakami TM/KK Multi Ms Flower Super Flat. Hommage d'Adam Lister à Murakami : une fusion vibrante d'art urbain pop et de graffiti L'estampe giclée « Hommage à Murakami » d'Adam Lister réinterprète les motifs floraux emblématiques de Takashi Murakami, artiste contemporain japonais célèbre pour son mouvement Superflat. Créée en 2023, cette œuvre en édition limitée est une estampe signée et numérotée, limitée à seulement 50 exemplaires, ce qui en fait une pièce de collection exclusive pour les amateurs d'art. Réalisée dans le style glitch caractéristique de Lister, l'œuvre est imprimée sur un papier beaux-arts mat pressé à chaud de 300 g/m² grâce à une technologie d'impression pigmentaire d'archivage, garantissant un rendu d'une vivacité et d'une durabilité exceptionnelles. L'interprétation de Lister transforme les fleurs vibrantes et joyeuses de Murakami en un arrangement géométrique pixélisé qui conserve l'esprit ludique et coloré de l'original tout en lui insufflant une touche résolument moderne. L'estampe de 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces) capture l'essence des œuvres des deux artistes, mêlant l'imagerie onirique de Murakami au langage visuel déconstruit et d'inspiration numérique de Lister. Cette fusion crée un dialogue unique entre les deux artistes, faisant le lien entre la planéité ludique du mouvement Superflat de Murakami et l'approche fragmentée mais structurée caractéristique du travail de Lister. L'évolution de l'imagerie iconique dans le pop art urbain L'hommage d'Adam Lister à Murakami illustre le potentiel transformateur du street art et du graffiti. S'inspirant des Fleurs emblématiques de Murakami, Lister apporte un regard neuf sur un symbole de joie et de simplicité universellement reconnu. Sa réinterprétation pixélisée reflète l'impact de l'ère numérique sur la culture visuelle, tout en faisant écho à l'accessibilité et à l'immédiateté du street art. L'esthétique glitch de Lister déconstruit les formes en blocs géométriques, conférant aux fleurs un aspect de mosaïque. Cette technique transforme la planéité traditionnelle des œuvres originales de Murakami en une composition multidimensionnelle et superposée. Elle conserve la palette de couleurs vives et les motifs symétriques qui caractérisent l'art de Murakami, tout en proposant une réinterprétation contemporaine basée sur le pixel. Ce processus d'abstraction et de reconstruction met en lumière la manière dont les artistes modernes réinventent les thèmes classiques dans de nouveaux contextes, les rendant ainsi pertinents pour le public contemporain. L'importance artistique de l'impression giclée Le procédé d'impression giclée utilisé pour l'hommage à Murakami d'Adam Lister est essentiel à la présentation et à la pérennité de l'œuvre. L'impression pigmentaire d'archives garantit une précision et une profondeur des couleurs exceptionnelles, préservant ainsi l'éclat des teintes audacieuses et des motifs géométriques de Lister. L'utilisation d'un papier mat pressé à chaud de 300 g/m² confère une texture douce à l'estampe, renforçant son attrait tactile et l'élevant au rang d'œuvre d'art. La décision de Lister de limiter cette édition à 50 exemplaires contribue à son exclusivité, en faisant une pièce recherchée par les collectionneurs. Chaque estampe est méticuleusement signée et numérotée par l'artiste, garantissant son authenticité et un lien personnel avec son processus créatif. Cette alliance d'excellence technique et de vision artistique confirme la place de cette estampe dans le paysage du street art, du pop art et du graffiti contemporains. Réinterprétations contemporaines d'Adam Lister Adam Lister repousse sans cesse les limites du monde de l'art en réinterprétant des œuvres et des motifs iconiques grâce à son approche unique, teintée de glitch. Basé aux États-Unis, l'art de Lister transcende les clivages culturels et temporels, offrant un regard neuf sur des images familières. Son Hommage à Murakami célèbre la contribution de Takashi Murakami à l'art tout en affirmant la voix artistique singulière de Lister. En fusionnant des éléments du Street Pop Art et du graffiti avec des références aux traditions artistiques du monde entier, Lister crée des œuvres à la fois visuellement captivantes et conceptuellement riches. L'estampe Hommage à Murakami témoigne de sa capacité à réinterpréter des symboles emblématiques d'une manière qui trouve un écho auprès d'un large public, mêlant fantaisie, sophistication et commentaire culturel en une œuvre cohérente.

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Sérigraphie Chaos Mandala de Shepard Fairey - OBEY Tirée à la main sur papier beaux-arts Cream Speckletone, édition limitée. Œuvre d'art Obey Pop Culture Artist. 2025 Signée par Shepard Fairey - OBEY & Édition limitée numérotée à 550 exemplaires. Œuvre d'art de 18 x 24 pouces. Sérigraphie Cette estampe Chaos Mandala fusionne deux concepts et esthétiques apparemment opposés : le chaos et l’harmonie. J’ai toujours été fasciné par le chaos cyclique des affiches et des graffitis qui s’accumulent dans les rues, puis sont déchirés par les hommes et les éléments. Il y a une beauté dans la superposition et dans l’acceptation du fait qu’il existe trop de variables d’attraction et de répulsion pour que nous puissions toutes les contrôler. Pour moi, la philosophie à adopter est : « Profite du voyage et savoure l’éphémère. » – Shepard Fairey – OBEY Sérigraphie Chaos Mandala de Shepard Fairey Chaos Mandala de Shepard Fairey est une sérigraphie en édition limitée (2025), signée et numérotée, qui fusionne harmonieusement les traditions du Street Pop Art et du graffiti dans un dialogue visuel contemplatif. Mesurant 45,7 x 61 cm et imprimée sur un papier d'art crème moucheté, l'œuvre a été produite à 550 exemplaires. Au centre de la composition, le mandala de Fairey ancre un tourbillon de motifs, de couleurs et de mouvement. Cette sérigraphie, réalisée à la main avec une minutie extrême, reflète la fascination de l'artiste pour l'ordre, le désordre et leur coexistence dans les environnements urbains. Elle s'inspire de motifs récurrents dans l'œuvre de Shepard Fairey, notamment son étoile emblématique et l'iconographie associée à la marque OBEY. Il en résulte une saisissante méditation sur l'impermanence, la superposition et l'harmonie visuelle à travers le chaos. Symétrie visuelle et désordre contrôlé Au premier abord, Chaos Mandala évoque un symbole de géométrie sacrée, avec ses pétales symétriques et son équilibre radial rayonnant depuis un emblème central en forme d'étoile, OBEY. La netteté des lignes du mandala contraste avec un fond d'une richesse chaotique, composé de pochoirs usés, de textures projetées, de coulures et de fragments d'affiches délavés. Cette tension entre précision et érosion organique incarne la dualité que Shepard Fairey explore souvent dans son œuvre. Les éléments de fond simulent la dégradation urbaine, rappelant le bruit visuel des murs couverts de tracts, de propagande et de graffitis. L'utilisation des techniques de pochoir et de sérigraphie renvoie directement aux méthodes du street art, tandis que le choix des couleurs – rouge vif, bleu glacé et crème doux – confère à l'œuvre une présence puissante tout en invitant à un examen attentif de sa surface stratifiée. La dimension philosophique de la pratique de Shepard Fairey Shepard Fairey, né aux États-Unis en 1970, utilise depuis longtemps le street art et le graffiti comme tribune pour ses commentaires socio-politiques. Chaos Mandala révèle une dimension philosophique plus profonde dans son œuvre. Plus qu'une simple décoration, cette pièce témoigne d'une acceptation de l'imprévisibilité et de la nature éphémère de l'expression publique. Elle reconnaît que la beauté naît non seulement du design, mais aussi de l'entropie. Les affiches se dégradent. La peinture s'écaille. Les couches s'accumulent et disparaissent. Fairey capture ce cycle de vie, non pas en le rejetant, mais en l'intégrant à son esthétique. Le mandala – symbole spirituel traditionnel d'harmonie – devient un réceptacle pour l'imprévisible, élevant la tension entre permanence et érosion au rang de point focal formel et émotionnel. Technique, texture et intégration symbolique L'estampe a été réalisée avec un soin méticuleux par sérigraphie sur un papier speckletone crème de haute qualité, une surface tactile choisie pour sa texture et sa chaleur visuelle. Chaque couche imprimée renforce l'idée d'expérience cumulative et d'interaction avec l'environnement. L'étoile OBEY de Fairey, placée au centre, consolide l'identité culturelle qui définit son art public depuis des décennies, tout en se transformant en un havre de paix au sein du chaos environnant. Avec cette œuvre, Fairey poursuit son engagement à créer des œuvres de Street Pop Art et de graffiti qui brouillent les frontières entre la rue et la galerie, entre l'expression rebelle et le symbolisme structuré. Chaos Mandala est plus qu'un objet esthétique : c'est une réflexion conceptuelle sur le magnifique désordre de la création artistique humaine.

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Scène idyllique avec 7 trains, tirages d'art en édition limitée sur papier chiffon Moab Ebtrada 300 g/m², par Lady Pink, artiste de graffiti, street art et pop culture. LADY PINK - Tirage intitulé « Scène idyllique avec 7 trains », édition limitée à 40 exemplaires sur papier pigmentaire d'archives. 5 épreuves d'artiste et 5 épreuves d'imprimeur. Signé et numéroté à la main par Lady Pink, avec le logo DirtyPilot. Grand format : 78 cm x 60 cm (31 po x 24 po). Imprimé sur papier Moab Ebtrada Rag 300 g/m², un papier d'art épais sans acide. D'après une peinture de 1985.

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« An Element Unprepared For », tirages d'art en édition limitée à base de pigments d'archives sur papier photo d'archives, par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Ben Kehoe. 13 po x 17 po, bordure blanche de 1,5 po x 1 po incluse. Imprimé sur papier Hahnemühle Photo Rag 308 g/m² - signé et numéroté.

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Mini beignets de pommes, édition limitée, jouet d'art fait main et peint, œuvre d'art de collection par les artistes pop Nugg Life NY - Ian Ziobrowski. Chaque Mini Nug, édition limitée 2022, mesure entre 6 et 7,5 cm et est entièrement fabriquée à la main. Livrée dans un emballage rappelant celui des services de livraison new-yorkais. Numérotée et signée, cette édition limitée est composée de 20 exemplaires.

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Dieux lointains, péchés fanés - Sérigraphie artisanale en édition limitée 4 couleurs sur papier beaux-arts par l'artiste pop Sam Chivers.

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Sea Also Rises - Wolves of MekHead Island, édition limitée, sérigraphie artisanale 5 couleurs sur papier beaux-arts par Tim Doyle, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Première édition. « Les Loups de l'île de Mekhead », 61 x 91 cm, impression 5 couleurs, tirage limité à 125 exemplaires.

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Protégez ce que vous aimez. Sculpture en polyrésine en édition limitée, œuvre d'art du légendaire artiste Dulk-Antonio Segura Donat. 2022 « PROTÉGEZ CE QUE VOUS AIMEZ » 20 cm / 15 cm (H/L) Édition limitée à 50 exemplaires. Résine. Certificat d'authenticité numéroté et signé par Dulk - Antonio Segura Donat. Présenté dans un coffret en bois. « Protégez ce que vous aimez », la dernière création d'Antonio Segura Donat (Dulk). Coffret scellé, jamais ouvert ; à manipuler avec précaution, l'œuvre étant fragile. Protégez ce que vous aimez par Dulk : Allégorie sculpturale dans l'art urbain pop et le graffiti « Protect What You Love » est une sculpture en polyrésine en édition limitée, créée en 2022 par l'artiste de rue et visionnaire espagnol Antonio Segura Donat, alias Dulk. Mesurant 20 cm de haut et 15 cm de large, cette édition collector de 50 exemplaires est signée et numérotée à la main, et présentée dans un coffret en bois avec un certificat d'authenticité. La sculpture est une représentation onirique et très détaillée de l'un des thèmes visuels les plus récurrents de Dulk : notre relation à l'environnement, la fragilité de la nature et le devoir sacré de la protéger. Elle capture l'esprit du street art et du graffiti grâce à un symbolisme audacieux, une narration surréaliste et une forme sculpturale vibrante. La pièce maîtresse de la sculpture est un ours polaire vêtu comme un nomade, sa fourrure semblant fondre comme de la cire, reposant sur un socle en forme de glace translucide. Sur son dos se dresse un assemblage fantastique d'objets : un grand arbre tortueux jaillissant d'un pot en céramique peinte, un oiseau rouge, tel un phénix, perché à mi-hauteur, des tissus tissés et des bibelots comme des sabliers et des cornes. Dulk mêle éléments naturels et artificiels avec une précision quasi rituelle. L'ours porte des lanières ornementales aux motifs rappelant les textiles indigènes, et ses cornes, semblables à des bois de cerf, ainsi que la flamme d'une bougie sur sa tête, symbolisent la conscience et le devoir sacré. Chaque élément semble avoir été placé intentionnellement, fonctionnant comme une métaphore de la responsabilité, de la culture et de la biodiversité. Symbolisme et urgence environnementale dans l'œuvre sculpturale de Dulk « Protect What You Love » incarne la fusion unique, propre à Dulk, entre plaidoyer environnemental et créativité formelle. L'ours, symbole traditionnel de force et d'endurance, est ici présenté comme accablé et déterminé. Il porte sur son dos un microcosme du monde – arbres, objets et animaux – suggérant l'interdépendance du vivant et notre responsabilité de protéger les écosystèmes fragiles. Le titre de l'œuvre n'est pas qu'un simple ornement : il en constitue le fil conducteur. Le langage visuel employé par Dulk se transpose directement de ses grandes fresques murales à ce format intimiste et tactile, démontrant l'adaptabilité de son style narratif au sein du Street Pop Art et du graffiti. L'ours en fusion évoque la réalité du changement climatique et de l'érosion des habitats, tandis que les accessoires détaillés font office de totems culturels et écologiques. Dulk est connu pour son recours à l'allégorie afin de susciter une connexion émotionnelle, et cette œuvre s'inscrit dans cette tradition. La richesse des détails invite à une observation attentive, à l'instar des récits denses propres à l'art mural urbain. Ce qui peut paraître fantaisiste au premier abord se révèle rapidement urgent et émouvant, une caractéristique de l'approche de Dulk. L'objet d'art comme récit de conservation et mythe urbain Le matériau polyrésine permet une fidélité remarquable dans les détails sculpturaux, de la texture de la fourrure de l'ours aux motifs gravés du pot en céramique et aux franges du tissu. Chaque élément revêt une importance symbolique, convergeant vers une sculpture qui se lit comme un sanctuaire mobile dédié à la résilience de la nature. En intégrant des formes surréalistes et des motifs décoratifs traditionnels, Dulk inscrit cette œuvre dans la philosophie du Street Pop Art et du graffiti, où les symboles se muent en artefacts culturels et où le commentaire s'intègre au style. Soigneusement emballée dans un coffret en bois, cette édition confirme son statut d'œuvre d'art de collection et d'offrande spirituelle. La consigne d'ouvrir le coffret avec précaution souligne non seulement la fragilité physique de la sculpture, mais constitue également une reconnaissance poétique de sa fragilité thématique : le monde qu'elle représente est réel, délicat et nécessite toute notre attention. Le choix judicieux des couleurs, de la structure et de la composition confère à la sculpture une fonction non seulement décorative, mais aussi narrative. L'influence grandissante de Dulk dans la narration pop urbaine contemporaine Antonio Segura Donat continue de tisser des liens entre conscience écologique et poésie visuelle à travers son œuvre artistique protéiforme. Des fresques murales monumentales à travers l'Europe et l'Amérique du Nord aux sculptures d'art contemporain telles que « Protect What You Love », son travail place toujours la nature au centre, objet de vénération et de défense. Cette œuvre incarne l'équilibre entre rêverie et réalisme qui caractérise sa narration visuelle. Dans le langage du Street Pop Art et du graffiti, cette sculpture devient un monument mobile, porteur de sens au-delà de ses dimensions. « Protect What You Love » se dresse comme un rappel sculptural de l'interdépendance, de la responsabilité sacrée et du pouvoir discret du mythe visuel. Dulk transforme le fantastique en fonctionnel, invitant le public à s'engager non seulement par la pensée, mais aussi par la présence, la collection et la contemplation. Il ne s'agit pas seulement d'art, mais d'un appel à agir par admiration.

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Pingouin ballon, œuvre d'art surréaliste en édition limitée, impression giclée sur papier d'art 100 % coton, par l'artiste populaire Naoto Hattori. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée à la main, 2013. Format de l'œuvre : 7 x 9 pouces. Impression originale

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Achetez Strawberry Cough Stoned Eye Mini Nug Limited Run Handmade & Painted Art Toy Collectible Artwork par les artistes pop Nugg Life NY. Hommage aux plantes sur le thème du cannabis/marijuana avec des accents colorés peints à la main. Mini Nug mesure environ 2,5 à 3 pouces de haut et est fait à la main, peint et assemblé avec un conteneur de livraison NYC. Tirage limité à 15 exemplaires signés et numérotés.

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Tirage d'art en édition limitée Pyramid Cheech Archival Pigment sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m² par l'artiste de graffiti pop moderne Mark Bode. Tirage pigmentaire d'archives sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m² + briquet Zippo en métal. Dimensions : Tirage : 40,6 x 50,8 cm ; Zippo : 6,1 x 1,3 cm. Sortie : 29 juillet 2021. Tirage : 50 exemplaires.

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« Into The Forest », une œuvre originale unique en son genre, peinture acrylique sur toile tendue sur châssis, par la célèbre artiste de graffiti de rue Mandy Tsung. 2013. Acrylique originale sur toile de Mandy Tsung, 12 x 9 pouces.

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Healer Veiled Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print on 290gsm Moab Entrada Paper by Artist Adrian Cox, Street Pop Art Graffiti Legend. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2022 - 13 x 24 pouces

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Estampe en édition limitée « Wary Wanders » sur papier d'art de l'artiste moderne de graffiti urbain Nicole Gustafsson. Exemplaire n° 1 sur 13, édition limitée signée et numérotée de 2008

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Moonrock Shrine - Moonrock Edition Partie 2 Pièce unique originale faite à la main et peinte Mini Nuggets Art Toy Collectible Artwork par les artistes du cannabis Nug Life NY. Sculpture originale signée, réalisée en techniques mixtes, représentant du cannabis (2022). « Les Sanctuaires des Yeux de Pierre sont disséminés partout dans Nugglife. Des jungles aux océans, du Grand Nord aux vastes déserts de Kief, d'anciennes pyramides abritent deux Eye Nuggs. Ces sanctuaires rassemblent fumeurs, cultivateurs et amateurs de nuggets. Que ce soit pour une quête de savoir ou une simple pause fumette, de grandes merveilles attendent ceux qui prennent le temps de les apprécier. Ils ne s'ouvrent qu'à ceux qui y croient vraiment. La rumeur court que ces reliques antiques auraient été utilisées par des extraterrestres pour communiquer avec d'autres mondes. Chaque Eye Nugg est sculptée à la main, avec des détails en résine. Les plantes sont fabriquées artisanalement à partir de fil de fer et d'argile. Chaque pièce est peinte à la main et trempée dans notre mélange de Kief exclusif. Dimensions : 10 x 9 x 7,5 cm. Livrée en boîte. » - Nugg Life NY - Ian Ziobrowski

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Achetez SKATEBOARD Édition limitée Archival Print sur planche à roulettes en bois par Street Artwork Graffiti Artist. 2023 Édition limitée signée et numérotée de XXX Skateboard Artwork Taille XXXX Skateboard Art Deck INFO

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Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Achetez Endless Power Petrol Palace - Sérigraphie bleue 4 couleurs tirée à la main en édition limitée sur papier crème Speckle Tone par Shepard Fairey Rare Street Art OBEY Pop Artwork Artist. Endless Power Petrol Palace (Bleu) 18 x 24 pouces Edition de 350 13 juin 2019 "L'affiche "Endless Power Petrol Palace" est à la fois une célébration et une critique de la propagande graphique séduisante utilisée pour l'industrie pétrolière. J'ai conçu cette impression pour qu'elle ressemble à une publicité vintage célébrant l'abondance de l'Amérique et l'avenir radieux du rêve américain. Bien que le pétrole soit limité, notre dépendance à son égard est si extrême que le pouvoir exercé par ceux qui contrôlent le pétrole est pratiquement illimité." -Shepard Fairey

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Impression giclée en édition limitée « Dead Meat » sur papier beaux-arts 300 g/m² par l'artiste de graffiti pop culture Casey Weldon. « Chacune de ces pièces a été créée à l'acrylique sur un panneau de bouleau de 40 x 40 cm. En 2008, j'ai réalisé une dizaine de petites coiffes, chacune ornée d'objets insolites, à la fois ornementaux et cérémoniels. J'aimais l'idée d'utiliser l'art de la coiffe pour mettre en valeur les objets et les idées que nous vénérons dans la société moderne. Après avoir abandonné ce projet pendant des années, j'y suis revenue l'an dernier avec l'intention de le développer, mais d'une manière plus complexe, voire ambiguë. Le jeu de mots est volontaire. Ces pièces ont été créées en novembre 2012 pour l'exposition collective « Second Sight » du collectif Prisma à la galerie Trifecta de Las Vegas. » – Casey Weldon

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Night Owl - Sérigraphie bicolore bleue tirée à la main sur papier beaux-arts par l'artiste recherché Nate Duval, œuvre d'art pop en édition limitée. Œuvre d'art signée en édition limitée, format 8 x 10 pouces, encre métallisée, 2014

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Soul Rider The Welcome, sculpture en polyrésine en édition limitée, œuvre d'art du légendaire artiste Dulk-Antonio Segura Donat. Édition limitée 2023 à 100 exemplaires. Œuvre en résine coulée peinte. Dimensions : 37,1 × 22,9 × 22,9 cm. Édition limitée à 100 exemplaires numérotés, accompagnés d’un certificat d’authenticité et présentés dans un coffret en bois. Neuf. The Welcomer Soul Rider par Dulk : Fantaisie et symbolisme dans l’art urbain pop et le graffiti « The Welcomer Soul Rider » est une sculpture surréaliste en polyrésine créée par Antonio Segura Donat, artiste espagnol de beaux-arts et de street art mondialement connu sous le nom de Dulk. Faisant partie de sa série « Soul Rider », cette œuvre explore la mythologie caractéristique de Dulk à travers des formes ludiques et des personnages symboliques puisant leurs racines dans la fantasy, l'écologie et une narration complexe. Juchée sur un socle en forme de champignon à pois, une créature aux couleurs acidulées, combinant les traits d'un lapin, d'une licorne et d'un familier fantastique, se tient immobile, tandis qu'un autre personnage, masqué et cornu, la chevauche, une trompette levée en plein chant. Cette composition imaginative et théâtrale fusionne théâtralité et allégorie dans un format qui allie profondeur narrative et précision quasi-littérale, en faisant un exemple saisissant de street art et de graffiti en trois dimensions. Le personnage principal arbore une corne de licorne torsadée, des yeux en spirale surdimensionnés et un col de bouffon, mêlant l'innocence animale à une symbolique cérémonielle. Son expression est figée dans une béatitude confuse, marque de fabrique de l'ambiguïté émotionnelle de Dulk. Son corps rose contraste avec les tons froids du socle en forme de champignon, qui recèle des personnages et des détails cachés, comme une petite chenille accrochée à son bord. Le cavalier à l'arrière, aux oreilles allongées et coiffé d'un couvre-chef en forme de gland, porte un masque noir et brandit un instrument de musique, comme pour annoncer une arrivée. Cette scène dynamique évoque le rituel, la procession et une célébration surréaliste, offrant un récit à la fois ludique et poignant sur l'identité, la transformation et l'observation. Narration symbolique et dissonance ludique dans l'univers visuel de Dulk L'œuvre de Dulk explore souvent la dualité : lumière et ombre, célébration et extinction, innocence et déclin. Dans « The Welcomer Soul Rider », les personnages semblent surgir d'un folklore oublié ou d'un monde parallèle, leurs traits à la fois exagérés et précis. La palette pastel adoucit leur excentricité, leur conférant une présence accessible tout en préservant le mystère. Le langage visuel mêle des influences issues du street art, des contes classiques et de l'allégorie écologique. À l'instar de nombreuses œuvres de Dulk, cette sculpture soulève plus de questions qu'elle n'apporte de réponses, invitant le spectateur à en déchiffrer le sens par l'émotion et l'imagination. Le socle en forme de champignon joue un rôle important en tant que symbole de régénération et d'écosystèmes cachés. Il fait office à la fois de trône et de scène. Le cadenas surdimensionné à sa base suggère la présence d'un élément magique ou secret. Dulk utilise fréquemment ce type d'indices visuels pour suggérer que le monde recèle bien plus que ce que l'on voit. Le masque porté par le sonneur de trompette évoque les thèmes de l'identité et de la voix, symbolisant peut-être la protection, la cérémonie ou le déguisement. Ces objets et ces formes témoignent de la complexité et de la richesse souvent présentes dans le street art et le graffiti, où une fantaisie apparente dissimule une urgence sous-jacente. Le rôle de Dulk dans la narration sculpturale au sein du pop art urbain Antonio Segura Donat s'est imposé comme une figure majeure de l'art contemporain, fusionnant ses racines muralistes avec une pratique sculpturale qui transforme les récits muraux en objets tangibles. L'œuvre « The Welcomer Soul Rider » illustre comment son art transcende les supports, conservant la clarté émotionnelle et l'humour visuel de ses peintures murales tout en explorant la texture, le volume et l'espace. Elle se présente comme une scène suspendue dans un conte inachevé, à la fois figée dans le temps et pleine de mouvement. La sculpture s'inscrit dans l'esprit du Street Pop Art et du graffiti en privilégiant l'accessibilité et l'immédiateté visuelle tout en bousculant les conventions des beaux-arts par le biais de la conception des personnages, de la superposition symbolique et d'une satire mordante. L'esthétique de Dulk emprunte aux films d'animation, à l'iconographie urbaine et au folklore, créant un style à la fois profondément personnel et universellement accessible. Son œuvre invite à la réflexion sur l'écologie, l'empathie et les récits oniriques qui sommeillent en nous. Le Cavalier de l'Âme Bienvenue comme Mythe de Collection et Totem Émotionnel « The Welcomer Soul Rider » est bien plus qu'une simple sculpture décorative : c'est un totem émotionnel, un mythe moderne figé dans la résine. Le soin apporté par Dulk à la posture, aux couleurs et à la disposition des accessoires captive le spectateur à chaque regard, lui révélant de nouvelles significations et des figures cachées. Cette œuvre s'inscrit dans le courant croissant des sculptures d'art contemporain centrées sur des personnages, puisant leur inspiration dans l'art urbain tout en atteignant le niveau des œuvres de galerie. Qu’on l’apprécie individuellement ou au sein de la série Soul Rider, The Welcomer possède une voix singulière. Son appel, doux mais persistant, fait écho au message artistique de Dulk : protéger l’imagination, embrasser la dualité et célébrer celles et ceux qui portent des histoires à travers le chaos de notre monde moderne. À travers des personnages à la fois étranges et familiers, Dulk construit un univers qui s’exprime avec aisance dans le langage du street art et du graffiti, tout en conservant une signature indéniable.

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Orangeade Stoned Eye Mini Nug, édition limitée, jouet d'art de collection fait main et peint par les artistes pop Nugg Life NY - Ian Ziobrowski. Hommage à la plante de cannabis/marijuana, orné de détails colorés peints à la main. Ce mini nugget mesure environ 6 à 7,5 cm de haut et est entièrement réalisé à la main, peint et assemblé. Livré dans un emballage new-yorkais. Édition limitée à 15 exemplaires signés et numérotés.

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Sérigraphie Flower Power Red AP de Shepard Fairey - OBEY Artist Proof - Sérigraphie tirée à la main sur papier d'art Speckletone - Édition limitée - Œuvre d'art pop street art. Épreuve d'artiste (EA) 2013, signée et marquée EA. Tirage original en édition limitée. Format : 18 x 24 pouces. Sérigraphie offerte en cadeau de Noël aux proches de l'artiste. Fleur de lotus rouge et étoile. Logo Obey Andre The Giant. Shepard Fairey, mondialement reconnu pour sa campagne OBEY, démontre une fois de plus son talent avec sa sérigraphie « Flower Power Red AP », une représentation symbolique de son style emblématique, empreint de sous-entendus socio-politiques. Cette sérigraphie artisanale, réalisée avec minutie sur papier Speckletone Fine Art, fait partie d'une série d'épreuves d'artiste datant de 2013. Caractéristique du souci du détail et de la passion de Fairey pour les créations uniques, les épreuves d'artiste sont des tirages initiaux réalisés par l'artiste durant le processus créatif, garantissant la fidélité du produit final à sa vision. Ces épreuves, rarement mises en vente, sont profondément personnelles et souvent réservées aux proches de l'artiste. C'est le cas de « Flower Power Red AP », offerte comme un précieux cadeau de Noël à ses amis et à sa famille. L'œuvre elle-même se distingue par une esthétique vibrante et un symbolisme profond. Dominée par des teintes d'un rouge flamboyant, l'œuvre met en scène une fleur de lotus – symbole traditionnel de pureté et de renaissance – entourée de l'étoile emblématique de la campagne OBEY et du logo reconnaissable entre tous d'André le Géant. Si le street art mêle souvent éléments subversifs et contemporains, le choix des symboles par Fairey témoigne de son goût pour la réflexion et le débat. À la croisée du pop art, du street art et du graffiti, « Flower Power Red AP » n'est pas seulement un témoignage du talent exceptionnel de Fairey, mais aussi une incarnation de l'esprit rebelle et de la critique de la culture populaire.

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Kettle AP Artist Proof Giclée Print de Brian Mashburn, œuvre d'art en édition limitée, imprimée sur papier beaux-arts, artiste graffiti pop de rue. Épreuve d'artiste (EA) 2018 Signée et marquée EA Édition limitée Dimensions : 16,75 x 20 Dévoilement de Kettle AP : un chef-d’œuvre giclée de Brian Mashburn La fusion des influences urbaines et des références à la culture pop dans l'art a donné naissance à des formes uniques comme le Street Pop Art et le graffiti. « Kettle AP » de Brian Mashburn est une épreuve d'artiste (ou tirage giclée) par excellence, témoignant de cette fusion. Sortie en 2018, cette œuvre en édition limitée est un élément essentiel du travail de Mashburn, reconnu pour son subtil jeu entre urbanité, pastorale et éléments industriels. Chaque épreuve d'artiste est une étape indispensable du processus d'impression ; elle permet de garantir la qualité du tirage avant la production de l'édition finale et porte la mention « AP » pour indiquer son statut d'épreuve. Signatures distinctives de Kettle AP Les collectionneurs d'art urbain et de graffitis recherchent souvent l'authenticité et un contact direct avec l'artiste. « Kettle AP » répond à cette exigence grâce à la signature de Brian Mashburn, gage d'originalité et lien direct avec l'artiste. La signification de l'autographe de Mashburn dépasse la simple certification ; il représente un lien entre le créateur et le collectionneur, un moment partagé immortalisé sur le papier d'art qui sert de support à cette superbe impression giclée. Les dimensions artistiques de Kettle AP Mesurant 42,5 x 50,8 cm, « Kettle AP » est une œuvre imposante qui impose sa présence. Ses dimensions ont été soigneusement choisies pour que la finesse des traits, la délicatesse des nuances et la composition d'ensemble soient mises en valeur avec l'impact voulu par Mashburn. Le format de l'estampe est à la fois esthétique et pratique, offrant une grande polyvalence d'exposition, des intérieurs intimes aux galeries plus vastes. Résonance culturelle dans l'art urbain pop et le graffiti « Kettle AP » de Brian Mashburn est non seulement un régal pour les yeux, mais aussi un témoignage culturel qui capture l'esprit du paysage urbain moderne. Son œuvre dépeint souvent un monde où nature et constructions humaines coexistent, tantôt en harmonie, tantôt en tension. À l'instar de nombre de ses créations, cette estampe invite à la contemplation de l'interaction entre les différents éléments du cadre, incitant le spectateur à s'interroger sur la relation entre l'environnement et le monde bâti. Investir dans des estampes en édition limitée L'attrait des œuvres en édition limitée comme « Kettle AP » réside dans leur position unique sur le marché de l'art. Elles constituent un point d'entrée accessible pour les nouveaux collectionneurs tout en conservant leur valeur pour les investisseurs avertis. La rareté d'une épreuve d'artiste, surtout lorsqu'elle est signée et approuvée par l'artiste, renforce son attrait. Avec le temps, ces œuvres peuvent prendre encore plus de valeur, car elles sont recherchées par les collectionneurs pour leur mérite artistique et leur potentiel d'investissement. Impact et héritage de Kettle AP « Kettle AP » est une œuvre majeure du paysage du street art et du graffiti. Son édition limitée, le soutien de l'artiste et son évocation de thèmes contemporains contribuent à sa pérennité. L'œuvre transcende sa fonction décorative pour devenir l'expression de la vision de Brian Mashburn, un instantané de son époque et un commentaire culturel durable qui continuera de résonner auprès du public pendant des années.

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Quinqueflor Mordida #04 Original 100% recyclé, peinture en aérosol Iron Lak découpée à la main, sculpture, oeuvre de l'artiste de rue graffiti, artiste pop moderne Canlove. 2015 Signed Original Mixed Media Spray Paint Can Paint Affiché avec Boîte personnalisée Sculpture Oeuvre Taille 8 x 8 Prêt à accrocher au mur "Nous avons baptisé ces créations florales Metaliflora et nous expérimentons différentes formes depuis quelques années. Nous nous sommes mis au défi de créer l'utilisation la plus efficace et la plus optimale d'une bombe de peinture recyclée. La fleur a fleuri naturellement. Cette série est partiellement à propos de nous retournant à nos racines. Lorsque nous avons commencé à couper ces fleurs, nous ne les peignions pas comme nous le faisons souvent maintenant. Nous nous sommes aventurés dans cette approche brute avec certains de nos autres travaux. Il semble juste de l'introduire avec cette série Le processus d'éclatement de la boîte produit toujours un motif unique à l'intérieur de la boîte, car au fur et à mesure que le marbre se déplace à l'intérieur, il laisse ses traces sur la peinture humide.Chaque fleur est coupée à la main et il n'y a pas deux fleurs identiques.Chacune est complètement unique . Et chaque boîte que nous avons expédiée avait un travail de peinture personnalisé. - Peut aimer

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Jaguar Jag Mandala Édition Limitée Impression Sérigraphique Manipulée à la Main en 4 Couleurs avec Couche Transparente UV sur Papier Beaux-Arts Coventry Rag 290 g/m² par Chris Saunders Artiste de Rue Graffiti Art Moderne Pop Art. « Jag Mandala » de Chris Saunders est une sérigraphie qui témoigne de la fascination de l'artiste pour les couleurs vibrantes, les motifs complexes et le symbolisme spirituel des mandalas. Chris Saunders est un artiste et illustrateur américain reconnu pour son travail multidisciplinaire dans les domaines des beaux-arts, du design et de l'animation. Il est réputé pour ses œuvres kaléidoscopiques d'une grande précision, qui combinent souvent techniques traditionnelles et numériques. Son travail explore une variété de sujets, tels que des paysages surréalistes, de l'art visionnaire et des thèmes spirituels. Le terme « mandala » désigne un symbole spirituel et rituel représentant l'univers dans l'hindouisme et le bouddhisme. Les mandalas sont généralement composés de motifs géométriques complexes et de dessins symétriques rayonnant à partir d'un point central. La création d'un mandala est souvent un processus méditatif, et l'œuvre achevée sert d'outil de concentration mentale pendant la méditation.

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Achetez BEARBRICK BE @ RBRICK Édition limitée Medicom Vinyl Artwork Toy Figurine d'art à collectionner. 2022 Bearbrick Medicom Collectible Taille 400% ICI

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Estampe d'art en édition limitée Thaw Archival Pigment sur papier photo chiffon ultra lisse par l'artiste Josh Keyes. 2017. Tirage signé, format 20 x 14 pouces, édition limitée à 175 exemplaires. Imprimé sur papier d'archivage pressé à chaud, signé et numéroté.

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Island Yachting 84 Œuvre d'art originale et unique à l'huile, technique mixte, sur panneau de masonite, par le célèbre artiste impressionniste moderne Peter Keil. Peinture originale signée de Peter Keil, 1984, 24 x 12 pouces, représentant des bateaux sur le lac Dévoilement de « Island Yachting '84 » par Peter Keil « Island Yachting '84 » est une peinture à l'huile originale, technique mixte sur panneau de fibres de bois (Masonite), une œuvre marquante de Peter Keil, artiste impressionniste moderne de renom. Signée et datée de 1984, cette œuvre de 61 x 30,5 cm (24 x 12 pouces) représente une scène vibrante de bateaux sur un lac, un sujet que Keil aborde avec son style abstrait caractéristique et une palette de couleurs éclatantes. Sa représentation de la navigation de plaisance ne se limite pas à une simple imitation, mais exprime avec force le rythme de la scène et l'émotion ressentie par l'artiste. Cette œuvre illustre l'intégration par Keil des esthétiques du pop art urbain et du graffiti à son style impressionniste. Cette synthèse a marqué sa place dans l'art moderne. Le choix du panneau de fibres de bois comme support reflète son affinité pour les médiums qui résonnent avec l'authenticité et la spontanéité du street art. La durabilité intrinsèque et la surface lisse du matériau en font un support idéal pour le style pictural vigoureux de Keil, permettant l'application épaisse de peinture à l'huile, une caractéristique de son travail. Les qualités texturées de « Island Yachting '84 » lui confèrent une présence tactile et capturent les effets transitoires de la lumière et du mouvement, à l'image de la nature éphémère de l'art du graffiti. La valeur artistique de « Island Yachting '84 » Le mérite artistique de « Island Yachting '84 » réside dans sa composition dynamique et la puissance expressive de sa touche. Les gestes amples et les contours marqués qui définissent les bateaux et leurs reflets dans l'eau témoignent de la maîtrise de Keil pour rendre le mouvement et la profondeur. Le premier plan est dominé par des silhouettes sombres qui contrastent fortement avec les yachts aux couleurs vives, créant un dialogue visuel entre les éléments. Cette technique de mise en valeur de la lumière et de l'ombre, de la couleur et de la forme, rappelle la tension dramatique des peintures murales et de l'imagerie pop art, une qualité que Keil intègre avec brio à son œuvre. L'utilisation de techniques mixtes par Keil indique également son approche expérimentale de la création artistique. En combinant divers matériaux et techniques, il façonne une expérience visuelle complexe qui remet en question les frontières traditionnelles et évoque les textures superposées du street art. « Island Yachting '84 » n'est donc pas seulement la représentation d'une activité de loisirs au bord d'un lac, mais aussi une manifestation de l'esprit novateur de l'artiste et sa contribution au discours du street art et du graffiti. Impact et héritage de l'œuvre de Peter Keil L'impact et l'héritage de l'œuvre de Peter Keil, illustrés par « Island Yachting '84 », résident profondément dans sa capacité à insuffler aux motifs impressionnistes traditionnels l'énergie et la spontanéité du street art. Son style distinctif, caractérisé par une utilisation expressive de la ligne et de la couleur, a influencé toute une génération d'artistes désireux de jeter un pont entre la galerie et la rue. Les peintures de Keil sont reconnues pour leur vivacité et leur capacité à toucher les spectateurs tant sur le plan esthétique que viscéral. De plus, « Island Yachting '84 » reflète la vision plus large de Keil d'un art accessible et universel. Son choix délibéré de travailler avec des matériaux et des sujets directement liés au quotidien témoigne de son désir de démocratiser l'art, un principe fondamental du Street Pop Art et du graffiti. À travers des œuvres comme celle-ci, Keil invite le spectateur à un voyage visuel à la fois intime et universel, un voyage porté par le pouvoir unificateur de l'art. « Island Yachting '84 » témoigne du mélange novateur des genres opéré par Peter Keil, une œuvre vibrante qui capture l'essence de sa recherche artistique. Elle illustre avec force comment les sensibilités du pop art urbain et du graffiti peuvent se transposer dans une forme d'art plus traditionnelle, tout en conservant leur dynamisme et leur immédiateté intrinsèques. Alors que l'œuvre de Keil continue d'inspirer et de toucher le public, « Island Yachting '84 » demeure une pièce majeure dans le parcours d'un artiste qui n'a cessé de repousser les limites de l'expression et de la forme.

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Mini-nuggets Blueberry Yum Yum, édition limitée, jouet d'art fait main et peint, œuvre d'art de collection par les artistes pop Nugg Life NY - Ian Ziobrowski. Chaque Mini Nug, édition limitée 2022, mesure entre 6 et 7,5 cm et est entièrement fabriquée à la main. Livrée dans un emballage rappelant celui des services de livraison new-yorkais. Numérotée et signée, cette édition limitée est composée de 20 exemplaires.

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Face Yachting 84 Œuvre d'art originale et unique, peinture à l'huile et techniques mixtes sur panneau de masonite, par le célèbre artiste impressionniste moderne Peter Keil. Peinture originale signée de Peter Keil, datant de 1984, mesurant 24 x 12 pouces (61 x 30,5 cm), représentant un grand visage et des bateaux sur le lac. Le visage d'enfant de Peter Keil en 1984 : une fusion entre l'expressionnisme et le pop art urbain « Visage d'enfant '84 » de Peter Keil illustre avec éclat la rencontre entre les techniques impressionnistes modernes et l'esprit du street art et du graffiti. Cette œuvre originale, une peinture à l'huile sur carton, mesure 30 x 40 cm et révèle le style singulier de Keil, souvent reconnu pour son approche spontanée et audacieuse de l'art moderne. Représentant un visage d'enfant géant, le tableau capture l'innocence et l'expressivité propres à l'enfance, à travers le prisme du style impressionniste et vibrant de Keil. Caractéristique des œuvres originales de Peter Keil, cette pièce présente quelques écaillures de peinture sur la joue, conséquence naturelle de la technique de l'empâtement et de la fragilité du carton. Ces écaillures n'altèrent en rien l'impact de l'œuvre ; au contraire, elles enrichissent son récit, reflétant le passage du temps et l'histoire tactile du processus créatif de Keil. Cet élément de texture, fréquent dans les œuvres originales de Keil, souligne l'émotion brute et sans filtre qu'il cherche à capturer chez ses sujets. Interprétation du langage artistique de Keil dans Child's Face '84 Interpréter « Visage d'enfant '84 » de Keil exige de comprendre son langage artistique, qui fusionne les formes abstraites de l'impressionnisme avec les couleurs vibrantes et l'immédiateté émotionnelle du street art. Le portrait qu'il dresse dépasse la simple représentation des traits d'un enfant ; il explore le caractère et les émotions transmis par des formes exagérées et une riche palette de couleurs. Les grands yeux lumineux dominent la composition, véritables fenêtres sur l'âme de l'enfant, et font écho à la profondeur de l'expérience humaine que Keil cherche à explorer à travers son art. Le choix du carton comme support témoigne de la volonté de Keil de combler le fossé entre les beaux-arts conventionnels et les matériaux plus accessibles et quotidiens souvent utilisés dans le street art, le pop art et le graffiti. Ce choix non conventionnel reflète une démocratisation de l'art, thème central du street art, qui vise à rendre l'art accessible et compréhensible par un large public. En utilisant le carton, Keil remet en question les normes artistiques traditionnelles et s'inscrit dans une forme d'expression artistique ancrée dans les réalités de la vie urbaine. L'influence durable de l'approche de Keil en matière de portrait L'influence durable de l'approche de Peter Keil en matière de portrait est manifeste dans « Visage d'enfant '84 ». Son œuvre, souvent rattachée à l'impressionnisme moderne, trouve un écho dans un large éventail de formes artistiques, notamment le pop art urbain et le graffiti. La contribution de Keil à ces genres réside dans sa capacité à insuffler à la peinture de portrait traditionnelle une immédiateté et une authenticité brute, caractéristiques de l'art urbain. Ce tableau, avec ses contours audacieux et ses couleurs éclatantes, témoigne de l'esprit novateur de Keil et de son impact sur l'art contemporain. De plus, la vivacité de l'œuvre, une signature de Keil, souligne le potentiel expressif du pop art urbain et du graffiti. « Visage d'enfant '84 » illustre comment ces genres peuvent transmettre des récits émotionnels complexes, remettant en question l'idée reçue selon laquelle le street art se limite au commentaire public ou à la critique sociale. Le portrait de Keil est une célébration de l'individualité et de l'esprit humain, capturées dans le regard d'un enfant et exprimées par la peinture. « Visage d'enfant '84 » de Peter Keil est une œuvre majeure qui illustre la rencontre entre l'impressionnisme moderne et l'univers dynamique du street art et du graffiti. La spontanéité de son exécution, l'éclat de ses couleurs et la richesse de ses textures contribuent à son attrait intemporel et à son statut de témoignage éloquent de la vision artistique de Keil. Portant les marques de sa création, cette œuvre continue de fasciner et d'inspirer, offrant un aperçu de la profondeur et de la diversité de son travail.

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Triptyque Laguna Santa Cruz, impression collagraphique de Peter Keefer, tirage à la main sur papier d'art, édition limitée, œuvre d'art graffiti, street pop. Édition limitée à 150 exemplaires, signée et numérotée, de 1981. Dimensions de l'œuvre : 58,5 x 25,75 pouces (chaque estampe mesure 19,25 x 25,75 pouces). Triptyque de collagraphies en taille-douce de Peter Keefer, chaque estampe étant signée, titrée et numérotée à la main par l'artiste. Quelques petites marques dans le ciel sur l'estampe située à gauche. Triptyque Laguna Santa Cruz, estampe collagraphique de Peter Keefer Le triptyque collagraphique Laguna Santa Cruz de Peter Keefer est un exemple saisissant d'art urbain et de graffiti. Créée en 1981, cette édition limitée illustre à merveille le style caractéristique de Keefer, mêlant minimalisme abstrait et palette de couleurs raffinée qui capture l'essence d'un paysage serein. Le format triptyque offre une vision panoramique de la composition, invitant le spectateur à pénétrer dans un univers paisible et onirique où terre et eau se confondent. Technique artistique et composition Cette œuvre est une estampe collagraphique en taille-douce, réalisée à la main sur papier d'art, selon une technique d'impression exigeante et minutieuse. Le procédé consiste à superposer des matériaux sur une plaque d'impression pour créer texture et profondeur, produisant un effet visuel unique qui met en valeur les riches nuances de l'œuvre. L'utilisation de tons chauds et terreux contrastant avec le bleu profond d'un cours d'eau crée un équilibre harmonieux entre les éléments naturels, tandis que les contours du relief confèrent à l'ensemble une esthétique contemporaine et structurée. La ligne d'horizon et le ciel en dégradé évoquent une impression de profondeur et de perspective atmosphérique, une signature du talent artistique de Keefer. Détails de la signature et de l'édition Cette œuvre fait partie d'une édition limitée à 150 exemplaires, signée et numérotée, ce qui confirme son statut de pièce rare et de collection. Chacun des trois panneaux mesure 49 x 65,4 cm, pour une dimension totale de 148,6 x 65,4 cm une fois assemblés. Le format triptyque offre un effet panoramique harmonieux, renforçant son impact visuel et en faisant une pièce maîtresse de toute collection. Chaque exemplaire a été personnellement signé, titré et numéroté par Keefer, garantissant son authenticité et sa valeur artistique. État et caractéristiques notables Le triptyque de la Laguna Santa Cruz demeure une œuvre très recherchée dans le domaine du street art et du graffiti. Bien que quelques marques mineures soient présentes dans le ciel du panneau situé à l'extrême gauche, elles n'altèrent en rien la beauté et l'harmonie de la composition. Cette œuvre illustre la capacité de Keefer à transposer les paysages naturels en interprétations stylisées et modernes qui séduisent aussi bien les collectionneurs que les amateurs d'estampes contemporaines. Cette collagraphie exceptionnelle témoigne du talent de Keefer pour fusionner les techniques d'impression traditionnelles et une vision artistique contemporaine. Sa composition ample et sa palette de couleurs soigneusement choisie en font un exemple remarquable d'art contemporain au sein du mouvement street art.

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Tempest - Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée 22x30 sur papier beaux-arts 310 g/m² par NC Winters, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « J'ai réalisé plusieurs tableaux intégrant une série de récits qui gravitent autour de ma relation avec mon fils, et voici la pièce majeure suivante de cette série en cours. J'imagine que cette série pourrait s'étendre sur plusieurs décennies, le temps d'explorer ce que signifie être père et de voir mon fils grandir, évoluer et construire son propre univers. Fait intéressant, la pièce précédente, à l'origine de cette série, était associée à une précédente sortie de 1XRUN : « Overdrive ». « Tempête » possède plusieurs niveaux de signification qui correspondent à différents états d'esprit et à l'expérience de la paternité évoquée précédemment. Pour répondre à la question qui pourrait surgir : non, il ne s'agit pas d'un enfant turbulent et capricieux, mais plutôt de la complexité bouleversante qu'implique l'éducation d'un enfant et son impact sur sa propre existence, sans parler du tourbillon de vie que l'enfant doit vivre en même temps. Je laisse au spectateur le soin d'en extraire d'autres significations personnelles. » – NC Winters

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Alien OG - Stoned Eye Mini Nug, édition limitée, jouet d'art de collection fait main et peint par les artistes pop Nugg Life NY - Ian Ziobrowski. Édition limitée 2021 à 10 exemplaires. Hommage à la plante de cannabis/marijuana, orné de détails colorés peints à la main. Chaque mini-nugget mesure environ 6 à 7,5 cm de haut et est entièrement réalisé à la main, peint et assemblé. Livré dans un emballage new-yorkais. Édition limitée signée et numérotée. Au-delà de la galaxie, il y a des choses que nous ne verrons jamais. Des extraterrestres cultivent en secret certaines des meilleures têtes que nous ayons jamais fumées. Absorbés par nos pensées, nous sommes tellement déconnectés de la réalité que nous ne réalisons même plus les hologrammes… Putain, cette Alien OG est vraiment excellente. C'est le moyen idéal de se perdre. Cette variété mérite amplement sa place dans la série Stoned Eye. Chaque Mini Nug mesure entre 6 et 7,5 cm et est entièrement faite à la main. Les bases sont sculptées et reproduites en résine. Livrée dans un emballage rappelant les services de livraison new-yorkais. Édition limitée à 10 exemplaires, signés et numérotés.

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Humboldt Snow - Stoned Eye Edition Mini Nug, édition limitée, jouet d'art fait main et peint, œuvre d'art de collection par les artistes pop Nugg Life NY - Ian Ziobrowski. Édition limitée 2021 à 20 exemplaires. Hommage à la plante de cannabis/marijuana, orné de détails colorés peints à la main. Chaque mini-nugget mesure environ 6 à 7,5 cm de haut et est entièrement réalisé à la main, peint et assemblé. Livré dans un emballage new-yorkais. Édition limitée signée et numérotée. Mesurant entre 6 et 7,5 cm de haut, ces figurines sont fabriquées en argile, fil de fer et résine, peintes et assemblées à la main. Nichée au cœur des montagnes enneigées du nord de la Californie, la Humboldt Snow, l'une des variétés les plus exceptionnelles de son comté, a vu naître une de ses souches les plus impressionnantes. Ne vous laissez pas tromper par son apparence paisible : une bouffée de trop pourrait bien vous laisser étendu sur le sol enneigé, pour un réveil aussi froid qu'une glace.

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Achetez TITLE Tiré à la main en édition limitée 4 couleurs sur MEDIUM Modern Street Graffiti Pop Artist. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Papier buvard Peace, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Roachi, œuvre d'art inspirée de la culture pop et du LSD. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey et peuvent légèrement différer de l'exemple présenté.

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Divinations et Papillons, œuvre d'art, impression giclée en édition limitée sur papier Hahnemühle Fine Art Rag, par l'artiste de graffiti pop culture Nimit Malavia. Nimit Malavia est un artiste visuel et illustrateur canadien reconnu pour ses œuvres complexes et imaginatives. Son style allie souvent la finesse du trait à une forte dimension narrative, puisant son inspiration dans diverses sources telles que la mythologie, les contes de fées et la culture contemporaine. L'œuvre de Malavia intègre généralement un mélange de techniques traditionnelles et numériques, notamment l'encre, l'aquarelle et Photoshop.

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« The Plunge », sérigraphie artisanale en édition limitée 4 couleurs sur papier beaux-arts, par Russell Moore, artiste pop art célèbre et reconnu. Estampe sérigraphique quatre couleurs de 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces), signée et numérotée. Imprimée sur papier French Construction Whitewash 100# Cover. Tirage limité à 160 exemplaires.

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Impression giclée The Portal HPM par Jeff Soto, œuvre d'art en édition limitée, imprimée sur papier d'art en coton 305 g/m², embellie à la main, artiste de rue graffiti pop. Estampe acrylique HPM rehaussée à la main, signée et numérotée, édition limitée à déterminer (2023). Format : 18 x 24 pouces. Impression giclée. Papillon sur un fond de cactus extraterrestre dans un univers fantastique stylisé. « The Portal » de Jeff Soto, impression giclée HPM : une incursion dans l’imagerie fantastique « The Portal » de Jeff Soto témoigne de son talent exceptionnel et de sa vision imaginative au sein du street art et du graffiti. Sortie en 2023, cette estampe rehaussée à la main repousse les limites du graffiti traditionnel, intégrant des éléments de fantaisie et de surréalisme, caractéristiques de l'esthétique de Soto. L'œuvre est une impression giclée sur papier d'art 305 g/m² 100 % coton, un support choisi pour sa capacité à restituer l'éclat des couleurs de Soto et la finesse de ses détails. Chaque exemplaire de cette édition limitée est signé et numéroté, soulignant la touche personnelle que Soto apporte à son travail et la valeur que les collectionneurs et les amateurs accordent à chaque estampe. Éléments symboliques dans « Le Portail » « Le Portail » présente un papillon posé sur une plante désertique extraterrestre aux allures de cactus, un sujet qui captive immédiatement le regard par la richesse de ses couleurs et son aspect irréel. Le papillon, souvent symbole de transformation et de beauté, est rendu avec une minutie extrême, ses ailes servant de toile de fond à l'exploration des motifs et des nuances par Soto. La flore et le paysage environnants, évoquant un univers fantastique stylisé, invitent à l'interprétation et suggèrent un récit au-delà du visuel. Cette image, juxtaposant le naturel et le fantastique, invite les spectateurs à s'interroger sur l'intersection du réel et de l'imaginaire, un thème récurrent dans l'œuvre de Soto. Techniques artistiques et processus de création Le processus de création de « The Portal » témoigne de l’engagement de Soto envers le savoir-faire et l’originalité. Les embellissements réalisés à la main à l’acrylique confèrent à chaque estampe une dimension unique, garantissant ainsi l’unicité de chaque pièce. Cette technique d’embellissement manuel, appelée HPM (Hand Painted Multiple), fait le lien entre les estampes produites en série et les peintures uniques. Elle rend hommage aux racines de l’artiste dans le graffiti, où chaque œuvre est une expression individuelle, tout en embrassant la reproductibilité et l’accessibilité du pop art. Le format imposant de l’estampe, 45,7 x 61 cm, permet au spectateur de s’immerger dans les détails et l’univers vibrant créé par Soto. Importance culturelle de « The Portal » de Soto « The Portal » est bien plus qu'une simple image ; c'est un artefact culturel qui reflète l'évolution du paysage du street art et du graffiti. En plaçant un symbole de beauté et de métamorphose dans un cadre qui défie les interprétations conventionnelles de l'espace et de l'environnement, Soto invite le spectateur à repenser sa perception du graffiti. Cette œuvre illustre la tendance de l'art contemporain à créer des œuvres multifacettes, mêlant technique, forme et signification pour donner naissance à des pièces aussi stimulantes qu'esthétiques. Dans le contexte de l'œuvre de Soto, « The Portal » représente à la fois une continuité thématique et une exploration de nouveaux territoires créatifs. En conclusion, l'impression giclée HPM « The Portal » de Jeff Soto contribue de manière significative au street art et au graffiti. Elle incarne l'essence du parcours artistique de Soto, témoignant de sa capacité à transcender les limites du street art traditionnel et à embrasser un champ d'expression plus vaste. Cette estampe en édition limitée, ornée de détails réalisés à la main et d'images saisissantes, célèbre le pouvoir de l'art de transporter, de transformer et d'enchanter. Elle offre une immersion vibrante dans l'univers imaginaire de l'un des artistes les plus visionnaires du street art pop contemporain.

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Achetez Smokey Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print sur 290gsm Moab Entrada Paper par Urban Pop Artist Scott Listfield Modern Artwork. 2020 Signé & Numéroté Edition Limitée de 50 Oeuvre Taille 16x23

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Achetez The Sacrifice of Color... Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print sur 290gsm Moab Entrada Paper par l'artiste Adrian Cox, Street Pop Art Graffiti Legend. 2022 Édition signée et numérotée de 100 - 13x24

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Achetez TITLE Edition Limitée sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Archival Pigment Fine Art INFO

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Crystal Coma Mini Nugs, édition limitée, jouet d'art fait main et peint à la main, œuvre d'art de collection par les artistes pop Nugg Life NY - Ian Ziobrowski. Chaque Mini Nug, édition limitée 2022, mesure entre 6 et 7,5 cm et est entièrement fabriquée à la main. Livrée dans un emballage rappelant celui des services de livraison new-yorkais. Numérotée et signée, cette édition limitée est composée de 20 exemplaires.

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