La nature

« No Place for Regrets », édition limitée, sérigraphie artisanale 3 couleurs sur papier kraft moucheté français, par Cotton Candy Machine, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Reproduction d'art de l'affiche « National Poster Retrospecticus » réalisée pour l'exposition Cotton Candy Machine en août 2014. 45,7 x 61 cm. Trois trames sur papier French Speckletone. Édition signée et numérotée à 200 exemplaires. Sortie le 3 septembre 2014. La Cotton Candy Machine est un atelier d'art et une galerie appartenant à l'artiste Tara McPherson, qui la dirige également. Cette artiste new-yorkaise est surtout connue pour ses illustrations, peintures et jouets à la fois magnifiques et stimulants. À la Cotton Candy Machine, Tara crée et vend ses propres œuvres, ainsi que celles d'autres artistes qu'elle admire. La galerie propose tout au long de l'année diverses expositions, mettant en lumière différents artistes et styles. L'œuvre de Tara intègre souvent les thèmes de la nature, des émotions et du fantastique, et son style unique lui a valu une large communauté de fans et de collectionneurs. Ses œuvres ont été présentées dans des galeries et des expositions du monde entier, et elle a collaboré avec de nombreux clients prestigieux, tels que Kidrobot, Dark Horse Comics et le New York Times. En résumé, la Cotton Candy Machine est un lieu exceptionnel où les amateurs d'art et les collectionneurs peuvent explorer et découvrir des œuvres originales et captivantes.

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Impression giclée Target Practice par Dave Pollot, œuvre d'art en édition limitée sur toile, artiste graffiti pop de rue. Édition limitée signée et numérotée 2025 (à déterminer) - Format de l'œuvre : 20x16 - Impression spéciale Star Wars du 4 mai sur toile roulée. Tirage giclée Target Practice de Dave Pollot : La science-fiction s’affronte à la pastorale américaine « Target Practice » de Dave Pollot est une édition limitée de 2025, une reproduction giclée sur toile de 50,8 x 40,6 cm. Sortie à l'occasion des célébrations spéciales du 4 mai dédiées à Star Wars, cette œuvre signée et numérotée illustre la manière dont l'artiste revisite l'Amérique classique en y intégrant des images emblématiques de la science-fiction. La composition met en scène des stormtroopers impériaux en plein combat au blaster dans une forêt paisible, évoquant une scène tirée d'une peinture de cabane oubliée ou d'une toile chinée. Cette juxtaposition d'un conflit hypermoderne et d'un décor naturel empreint de nostalgie fait de cette œuvre un exemple parfait de street art et de graffiti. L'esthétique classique interrompue par la guerre galactique « Target Practice » de Dave Pollot représente un ruisseau boisé et paisible, bordé de bouleaux blancs, d'eaux calmes et d'une cascade au loin. Au premier abord, on pourrait le confondre avec un paysage anodin. Mais en y regardant de plus près, des stormtroopers surgissent de derrière les arbres, engagés dans un intense échange de tirs laser avec des silhouettes en carton de personnages emblématiques de Star Wars. Dark Vador se tient raide derrière la silhouette d'un Ewok armé d'un blaster, tous deux semblant servir de cibles pour l'entraînement au tir. L'absurdité de cette scène est encore accentuée par le cadre naturel immaculé, soulignant l'artificialité du conflit et du mythe lorsqu'ils sont confrontés à la réalité brute d'un paysage terrestre. La scène capture la tension entre la violence fantastique et la paix de la nature, suscitant à la fois rire et réflexion. Dave Pollot et la tradition du remix dans le surréalisme pop Dave Pollot est un artiste contemporain new-yorkais connu pour réinterpréter des tableaux anciens en y intégrant des personnages et des éléments issus de jeux vidéo, de films et de séries télévisées. En plaçant des icônes de la culture populaire dans des œuvres autrefois reléguées aux rayons des brocantes, Pollot en réinvente le sens et interroge leur durée de vie culturelle. Dans « Target Practice », la mise en scène humoristique de stormtroopers prenant des silhouettes fictives pour de véritables cibles révèle une réflexion plus profonde sur l'entraînement, le conditionnement et la simulation. C'est une observation à la fois ludique et pertinente sur la façon dont la fiction imprègne notre conscience quotidienne et dont les récits de divertissement éclipsent souvent la complexité du monde réel. Grâce à cette technique, Pollot ne dénature pas l'atmosphère originale du tableau ; il la réinterprète pour susciter de nouvelles significations. Quand le commentaire d'art moderne rencontre la culture des fans Cette édition limitée sur toile se situe au croisement de la culture populaire et de la critique, opérant à plusieurs niveaux : œuvre d’art, observation sociale et objet de collection. Sa sortie dans le cadre des célébrations Star Wars l’ancre dans l’esprit festif de la pop culture, tandis que sa technique d’impression giclée sur toile lui confère une pérennité et une qualité digne des plus beaux-arts. La richesse du propos, alliée à une maîtrise technique exceptionnelle, la inscrit résolument dans le domaine du street art et du graffiti. « Target Practice » est une réussite, non seulement en tant qu’objet décoratif, mais aussi en tant qu’œuvre conceptuelle : la guerre, la fiction, la nostalgie et l’humour s’y rencontrent dans les bois, à l’ombre d’une galaxie lointaine.

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Estampe typographique Rise Above Bird de Shepard Fairey - OBEY Tirage à la main sur papier d'art en coton crème, édition limitée, œuvre d'art d'un artiste de la culture pop. Édition limitée 2021, signée et numérotée, à 450 exemplaires. Impression typographique 13x10 pouces représentant un oiseau volant avec une fleur et le texte « Rise Above ». « The Rise Above Bird » est une variation simple sur le thème de la colombe blanche de la paix avec un rameau d'olivier, mais les gentils ne s'habillent pas toujours en blanc ! « Rise Above » est un appel à emprunter la voie de la sagesse, en référence à l'une de mes chansons préférées de Black Flag. La paix, c'est du punk radical ! – Shepard Fairey – OBEY. L'estampe typographique « Rise Above Bird » de Shepard Fairey s'impose comme une œuvre marquante, un commentaire visuel saisissant dans le domaine du street art et du pop art. Tirée à la main en édition limitée sur papier d'art crème en coton, cette œuvre témoigne du talent de Fairey pour allier messages forts et imagerie iconique. Limitée à 450 exemplaires, chaque pièce est signée et numérotée par l'artiste, ce qui souligne son exclusivité et son caractère de collection. L'estampe, mesurant 33 x 25 cm, représente un oiseau en plein vol, portant une fleur – un symbole qui s'éloigne de la traditionnelle colombe blanche de la paix. L'image se détache sur un fond d'éléments stylisés et sur les mots « Rise Above », une devise encourageante et un hommage à la chanson préférée de l'artiste, du groupe Black Flag. Cette œuvre symbolise le travail plus vaste de Fairey, qui explore souvent les thèmes de la rébellion et de la paix, une juxtaposition au cœur de nombreux graffitis et œuvres de street art. L'expression « s'élever au-dessus » ne suggère pas simplement une ascension sociale ; c'est un appel idéologique, incitant les spectateurs à dépasser l'ordinaire, à surmonter l'adversité et à rejeter la complaisance. Le talent de Fairey réside ici non seulement dans l'attrait visuel de l'œuvre, mais aussi dans sa capacité à susciter la réflexion et à inspirer l'action. L'influence de Shepard Fairey sur le street art et le graffiti contemporains est indéniable. Ses œuvres sont imprégnées de sous-entendus politiques et sociaux, appelant à remettre en question l'ordre établi et prônant une forme radicale de paix, en accord avec l'éthique punk. « L'Oiseau s'élever au-dessus » témoigne de la vision constante de Fairey, qui a consolidé sa place de figure incontournable de l'art contemporain. Cette œuvre constitue une affirmation forte dans le débat actuel sur le pouvoir de l'art à engendrer le changement et sur le rôle de l'artiste dans une société qui a souvent besoin d'être incitée à regarder au-delà des apparences.

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Achetez Moonrock Shrine - Moonrock Edition Part 2 Original One of a Kind Handmade & Painted Mini Nuggs Art Toy Collectible Artwork by Cannabis Artists Nug Life NY. 2022 Oeuvre originale signée de sculpture sur la marijuana en médias mixtes. "Les sanctuaires des yeux lapidés existent partout dans Nugglife. Des jungles, des océans, du nord profond aux vastes déserts de Kief, d'anciennes pyramides sont cachées avec deux Eye Nuggs. Ces sanctuaires aident à rassembler les fumeurs, les cultivateurs et les nugmads. De la recherche de connaissances à juste prendre une pause cigarette, de grandes merveilles doivent venir à ceux qui prennent le temps de les apprécier. Ils ne s'ouvrent qu'à ceux qui croient vraiment. La rumeur circule dans la ville que ces anciennes reliques ont été utilisées par les extraterrestres pour communiquer avec d'autres mondes. Chacun est sculpté à partir de zéro, avec des caractéristiques en résine. Les plantes sont fabriquées à la main à partir de fil et d'argile. Tout est peint à la main et trempé dans notre mélange Kief signature. 4 x 3,5 x 3 pouces et est livré dans une boîte "- Nugg Life NY

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Papier buvard Big Wave, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par John Van Hamersveld, œuvre d'art pop culture LSD. « Au départ, vous verrez le chat comme une vague, puis la vague suivante, puis l'image imprimée avec une légère variation, et enfin la grande vague que nous connaissons aujourd'hui. » – John Van Hamersveld

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Jusqu'à épuisement des stocks. Sérigraphie artisanale 4 couleurs sur papier beaux-arts crème moucheté, par l'artiste Shepard Fairey. Œuvre d'art pop en édition limitée. Édition limitée à 500 exemplaires, signée et numérotée, 2019. Format : 24 x 12 pouces. « L’estampe « Jusqu’à épuisement des stocks » est une combinaison de plusieurs approches de création d’images que j’affectionne et que je trouve à la fois polyvalentes et percutantes. J’ai travaillé de manière modulaire, utilisant la répétition pour des raisons à la fois pratiques et conceptuelles. J’aime la répétition apaisante des motifs, et je les perçois également comme un élément décoratif agréable qui contrebalance le caractère plus direct de certains de mes messages. Les fleurs sont des motifs récurrents dans mon travail, symboles de croissance positive et d’harmonie. L’humour est aussi un moyen pour moi de transmettre des idées fortes. « Jusqu’à épuisement des stocks » emploie toutes ces approches pour exprimer l’idée que des choses comme les fleurs, que nous tenons souvent pour acquises, nous manqueront cruellement lorsque la planète, ravagée par les flammes, ne pourra plus les faire pousser. Bien sûr, le concept va bien au-delà des fleurs, mais celles-ci restent un symbole universel. Protégez ce que la nature vous offre afin que son approvisionnement soit renouvelable. Une partie des bénéfices de cette estampe sera reversée à Greenpeace USA pour soutenir ses efforts de lutte contre le changement climatique et l’inconscience environnementale. » – Shepard Fairey L'œuvre de Shepard Fairey est profondément politique et sociale, non seulement parce qu'il y intègre des personnalités politiques et des slogans, mais surtout parce que l'artiste cherche avant tout à toucher un public aussi large que possible, en exposant son travail sur les couvertures des livres que nous lisons, sur les pochettes des albums que nous écoutons et sur les murs des rues que nous empruntons. « Si je place mon œuvre dans un endroit audacieux, elle touche davantage le spectateur et témoigne de mes convictions », explique-t-il. En effet, Fairey exprime souvent sans détour ses opinions politiques et sociales dès qu'il en a l'occasion. Par exemple, après la diffusion de l'affiche « Hope », il a déclaré : « Obama a traversé une période très difficile, mais il a fait beaucoup de compromis sur lesquels je ne m'y attendais pas. Je veux dire, les drones et l'espionnage intérieur sont les dernières choses que j'aurais imaginées [qu'il soutiendrait]. » La dimension politique de son œuvre se manifeste également dans l'activisme et l'engagement humanitaire de Fairey. Nombre de ses créations ont été réalisées dans le cadre de campagnes militantes ou vendues au profit de causes liées aux arts, à la cause animale, à la lutte contre la pauvreté, à la recherche médicale, à l'environnement, etc. L'artiste ne se considère pourtant pas comme un militant : « On me demande souvent si je suis un militant, et je réponds non. Je suis un artiste qui a un point de vue, mais je souhaite contribuer aux causes qui me tiennent à cœur. J'ai la chance d'être en contact avec des personnes qui trouvent mes images utiles et qui m'aident à les diffuser. »

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Cadres de croissance interne - Sculpture originale orange en résine et fleurs, technique mixte, œuvre de l'artiste de rue Jenna Morello, œuvre pop moderne. Pilule d'art originale encadrée et signée, pièce unique de 2021 Pilule de croissance interne encadrée individuellement. Moulée à partir d'éléments naturels, elle mesure 12,7 x 9,5 x 5,1 cm. Encadrement de qualité muséale, signée.

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Impression giclée Ice Queen Jogjakarta Indonesia par Swoon- Caledonia Curry Artwork, édition limitée sur papier chiffon épais d'art, artiste graffiti pop de rue. Édition limitée signée et numérotée de 175 exemplaires, 2016. Œuvre de 19 x 13 pouces issue de la collection d'estampes de la série Swoon Street. Reine des glaces Jogjakarta par Caledonia Curry alias Swoon « Ice Queen Jogjakarta Indonesia » est une puissante estampe giclée de Caledonia Curry, artiste américaine de street art pop et graffiti reconnue internationalement sous le nom de Swoon. Créée en 2016 pour sa collection d'estampes « Street Series », cette œuvre immortalise une intervention urbaine à Yogyakarta, en Indonésie, sur un papier chiffon épais de qualité supérieure (48 x 33 cm). Tirée à 175 exemplaires numérotés et signés, cette estampe témoigne de l'engagement constant de Swoon à documenter les installations urbaines éphémères à travers des tirages d'art de haute qualité, qui restituent l'immédiateté de son travail public de façon permanente. L'expression du pop art urbain dans les installations mondiales de Swoon Dans « Reine des Glaces Jogjakarta », Swoon présente le portrait d'une figure royale, en harmonie avec la nature, appuyée contre un mur urbain recouvert de graffitis et de textures patinées. Réalisée dans son style caractéristique inspiré de la gravure sur bois, la Reine des Glaces arbore une composition complexe de feuilles et de plumes, projetant force, grâce et mysticisme. Le sujet apparaît à la fois délicat et redoutable, le regard perdu au loin, tandis que les marques de la culture graffiti tourbillonnent autour d'elle. L'estampe capture la juxtaposition, présente dans l'œuvre de rue originale, de la beauté artisanale aux conditions imprévisibles des murs extérieurs, instaurant un dialogue entre le naturel et le construit. À l'instar de nombreuses œuvres de Street Pop Art et de graffiti de Swoon, cette création met en lumière la présence humaine dans le contexte urbain et offre un témoignage visuel à l'environnement local. L'activité et l'empreinte mondiale de Caledonia Curry Née aux États-Unis, Caledonia Curry s'est fait connaître au début des années 2000 grâce au mouvement du street art new-yorkais et à ses portraits iconiques réalisés à l'aide de collages. Au fil de son évolution artistique, elle a étendu son champ d'action à des villes du monde entier, laissant derrière elle des œuvres qui témoignent d'une identité locale, d'une humanité partagée et d'une histoire sociale. « Ice Queen Jogjakarta » illustre son rayonnement international et sa sensibilité culturelle. Cette œuvre documente non seulement son intervention physique en Indonésie, mais reflète également son approche collaborative et immersive de la création artistique dans des contextes inconnus. Chaque figure créée par Curry possède une présence qui transcende les nationalités, incarnant des archétypes de résilience et de grâce au sein d'un chaos visuel. Cette œuvre, à l'instar d'autres présentées dans son catalogue d'estampes, est un instantané d'un récit global plus vaste qu'elle continue de construire. Préserver le patrimoine urbain grâce aux beaux-arts L'estampe giclée « Ice Queen Jogjakarta » illustre le talent de Curry pour transformer des collages éphémères en œuvres d'art de collection, sans en altérer la puissance émotionnelle originelle. Imprimée sur papier chiffon de qualité muséale, cette édition respecte la matérialité brute de la rue tout en élevant l'œuvre au rang d'objet de collection emblématique du street art pop et du graffiti. Elle se dresse à la fois comme une œuvre d'art et un document historique, préservant un instant précis dans un espace urbain étranger. L'ensemble de la collection d'estampes « Street Series » rend hommage à cette double vocation. Pour les passionnés de culture urbaine contemporaine et de pratiques artistiques internationales, cette estampe offre un aperçu de l'essence même de la démarche créative de Swoon et de son influence durable sur l'art public.

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Versus/Temple of Nature Sérigraphie de Koralie Carmen Flores Tirage à la main 7 couleurs sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² Œuvre en édition limitée. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2018. Œuvre d'art multidirectionnelle, format 16 x 20 pouces. Sérigraphie. La fusion du street art pop et du graffiti dans « Versus/Temple of Nature » de Koralie La sérigraphie « Versus/Temple of Nature » témoigne de l'esprit novateur du street art et du graffiti contemporains. Créée par la talentueuse Koralie Carmen Flores, cette œuvre est une symphonie visuelle de sept couleurs vibrantes, méticuleusement appliquées à la main sur un papier d'art Coventry Rag de 290 g/m². Cette édition limitée à 100 exemplaires signés et numérotés offre une interaction unique entre le spectateur et l'œuvre : sa nature multidirectionnelle invite à choisir son orientation une fois accrochée. Le travail de Koralie est une toile de convergence culturelle, mariant l'imagerie saisissante du street art aux techniques raffinées de la sérigraphie. Chaque estampe de cette série limitée mesure 40,6 x 50,8 cm (16 x 20 pouces), un format à la fois intime et imposant, garantissant que les motifs complexes et les palettes de couleurs audacieuses s'imposent dans n'importe quel espace. Lancée en 2018, cette collection exclusive capture l'essence d'une époque où le street art a imprégné le monde des beaux-arts, remettant en question les frontières et les attentes traditionnelles. L'esthétique unique de l'art de Koralie L'œuvre « Versus/Temple of Nature » de Koralie ne se contente pas de représenter des éléments naturels ; elle explore en profondeur la symétrie et le symbolisme de la nature. L'œuvre regorge de formes architecturales qui imitent les motifs naturels, créant un mélange harmonieux en résonance avec les principes fondamentaux du Street Pop Art. Ces formes font écho à l'organique et à l'artificiel, présentant une dichotomie qui invite à la contemplation. Les structures évoquant un temple, juxtaposées à des motifs de faune et de flore, créent un espace sacré sur le papier, un sanctuaire où les mondes urbain et naturel fusionnent. Le choix des couleurs de cette estampe n'est pas fortuit. Chaque teinte est sélectionnée pour susciter une émotion particulière et se détacher sur le fond urbain souvent associé au graffiti. Les couleurs jaillissent du papier, créant un jeu dynamique d'ombre et de lumière qui donne vie à l'estampe. Le papier d'art Coventry Rag, reconnu pour sa durabilité et son exceptionnelle restitution des couleurs, garantit que chaque estampe conserve toute sa vivacité, la distinguant ainsi parmi les œuvres d'art de collection. Interactivité et personnalisation dans l'art Dans le contexte du Street Pop Art, l'interactivité est essentielle. Koralie conçoit cette interaction comme une communication entre l'œuvre et le spectateur. En concevant « Versus/Temple of Nature » de manière multidirectionnelle, elle permet au spectateur d'interagir personnellement avec l'œuvre, de déterminer son orientation et, par conséquent, sa perception. Ce choix reflète l'esprit démocratique du street art, où l'espace public et le regard du public dictent l'interprétation et la valeur de l'œuvre. L'idée de pouvoir personnaliser son expérience artistique en choisissant son orientation est à la fois moderne et révélatrice du désir de personnalisation de la société contemporaine. Cette estampe n'orne pas seulement un espace, elle s'intègre au tissu urbain, façonnée par l'esthétique et la perspective de son propriétaire. Ainsi, l'estampe de Koralie transcende la nature statique traditionnelle de l'art mural, devenant une œuvre vivante qui interagit avec son environnement. La signification culturelle des estampes en édition limitée L'exclusivité de l'estampe « Versus/Temple of Nature » ​​symbolise la valeur culturelle accordée aux éditions limitées au sein de la communauté Street Pop et Graffiti. Chaque tirage de 100 exemplaires confère à l'œuvre un caractère rare et unique, recherché par les collectionneurs et les amateurs. La signature et la numérotation de Koralie elle-même authentifient l'estampe et établissent un lien direct entre l'artiste et le collectionneur, une caractéristique essentielle de l'esprit du street art. Les collectionneurs de telles pièces n'acquièrent pas seulement une œuvre d'art ; ils préservent un patrimoine culturel, un instantané de la vision de l'artiste à un moment précis. Le tirage limité garantit que chaque exemplaire demeure une pièce précieuse des collections privées, sa valeur augmentant souvent avec la notoriété de l'artiste. L'œuvre « Versus/Temple of Nature » de Koralie est à la fois une œuvre d'art et un investissement, une dualité de plus en plus caractéristique du street art. La sérigraphie « Versus/Temple of Nature » de Carmen Flores célèbre le street art et le graffiti, incarnant le mouvement, le dynamisme et la personnalisation propres à ces formes artistiques. Elle se présente comme un dialogue entre l'artiste et le public, une œuvre à la fois évolutive et intemporelle, à l'image des rues qui l'inspirent.

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Ours méditant, peinture originale à l'huile sur toile, montée sur châssis, par Phil Lumbang, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Peinture originale et unique représentant un ours en pierre en méditation dans une forêt de bambous violets.

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Estampe sérigraphique artisanale en édition limitée 6 couleurs « Old Oak » sur papier beaux-arts, par Jay Ryan, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Signée et numérotée par Jay Ryan, édition limitée à 200 exemplaires.

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Protégez la planète bleue. Édition limitée. Sérigraphie artisanale bicolore sur papier épais crème moucheté, par Shepard Fairey, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 450 exemplaires, signée et numérotée, 2022, 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces). Pour célébrer le Mois de la Terre, en collaboration avec la Fondation PangeaSeed, j'ai le plaisir de vous présenter « Protégeons la planète bleue », une œuvre mettant en scène une baleine franche de l'Atlantique Nord, espèce menacée, émanant d'un mandala dont la Terre est le point central. Dans plusieurs cultures, le mandala symbolise l'harmonie, l'unité et la plénitude, des concepts essentiels pour appréhender l'interdépendance des écosystèmes, des peuples et des espèces de notre planète. Le mandala arbore des ornements floraux, symboles d'harmonie épanouie, mais aussi des flammes, rappelant les dangers du réchauffement climatique. Les inscriptions « Protégeons la planète bleue » et « Un océan, un peuple », intégrées à l'œuvre, ainsi que la palette de couleurs bleues, soulignent le lien crucial entre la santé des océans et celle de notre planète. – Shepard

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Sea Also Rises - Wolves of MekHead Island, édition limitée, sérigraphie artisanale 5 couleurs sur papier beaux-arts par Tim Doyle, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Première édition. « Les Loups de l'île de Mekhead », 61 x 91 cm, impression 5 couleurs, tirage limité à 125 exemplaires.

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Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Dabsmyla - Peinture aérosol orange pastel en édition limitée, œuvre rare issue d'une collaboration entre le célèbre fabricant de peinture graffiti Montana MTN. Bombe de peinture Dabsmyla couleur orange pastel, édition limitée à 500 exemplaires, de Montana MTN Dabs Myla (2018). Bombe aérosol orange pastel Dabsmyla – Fusion vibrante de design de personnages et d'esthétique pop urbaine La bombe de peinture Dabsmyla Pastel Orange de Montana Colors (édition 2018) capture l'univers visuel unique du duo d'artistes australiens installés à Los Angeles, Dabsmyla. Tirée à seulement 500 exemplaires, cette bombe de 400 ml arbore un visuel original en couleurs et contient une peinture orange pastel. Montana MTN, l'une des marques emblématiques de matériel de graffiti au monde, a collaboré avec Dabsmyla pour transformer cet objet du quotidien en une véritable œuvre d'art urbain, à la croisée du pop art et du graffiti. Le résultat : un objet vibrant et brillant qui fusionne le style unique du duo avec la spontanéité de la peinture aérosol. Une fantaisie axée sur le personnage dans une forme d'objet fonctionnel Dabsmyla est célèbre pour son style unique, mélange de personnages de dessins animés espiègles, de références au design moderne du milieu du siècle et de palettes de couleurs saturées. La surface de cette canette en édition limitée est ornée d'une profusion botanique de fleurs stylisées, d'yeux et de motifs symétriques, déclinés en rouges, bleus, jaunes et blancs sur un fond noir intense. Le bouchon orange pastel apporte une touche de contraste, préservant l'harmonie entre les couleurs et les formes. Chaque élément est soigneusement composé et immédiatement reconnaissable comme une création de Dabsmyla. Cette collaboration transcende le simple design de produit en transformant la canette en un microcosme de leur univers visuel immersif. Collaborations de Montana MTN et le rôle des éditions limitées Montana Colors s'est depuis longtemps imposée non seulement comme fabricant de peinture pour graffiti, mais aussi comme mécène du mouvement mondial du street art. En commandant des bombes aérosol en édition limitée ornées d'œuvres d'artistes de renom du graffiti et du street art, l'entreprise capture l'éphémère de la culture urbaine sous une forme tangible et collectionnable. La bombe Dabsmyla est l'une des pièces maîtresses de leur série d'artistes, tant par son énergie vibrante que par la manière dont elle incarne la contribution du duo à l'évolution du street art et du graffiti. Ces bombes sont produites en petites séries et présentées dans des coffrets en bois personnalisés, souvent marqués ou signés, ce qui renforce leur statut d'objets d'art à part entière. L'influence de Dabsmyla sur le street art et le graffiti à l'échelle mondiale Dabs Myla, nom d'artiste du duo marié Dabs et Myla, s'est forgé une identité créative singulière grâce à des fresques, installations, sculptures et animations réalisées en collaboration. Leur travail mêle influences graffiti, narration et humour, trouvant un écho aussi bien dans les espaces urbains que dans les galeries d'art. Originaires d'Australie et désormais installés à Los Angeles, leurs récits visuels ont conquis un public international tout en restant profondément ancrés dans la rue. La bombe de peinture Pastel Orange de 2018 illustre parfaitement leur démarche artistique, alliant attrait populaire et authenticité. Bien plus qu'un simple produit ou objet de collection, elle symbolise l'influence constante de la culture graffiti sur le monde de l'art et du design contemporains.

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Affiche WODH n°3, œuvre d'art en édition limitée Giclée sur papier d'art, par l'artiste de graffiti pop culture Celeste Byers. Journée mondiale des océans à Hawaï 2015 Printed Oceans est le programme d'estampes d'art de la Fondation PangeaSeed. Il sensibilise le public aux enjeux environnementaux marins les plus urgents grâce au regard créatif d'artistes parmi les plus reconnus d'aujourd'hui. Depuis 2012, nous avons publié plus de 100 éditions originales d'estampes d'art mettant en lumière des espèces marines menacées et des habitats océaniques. Ces magnifiques éditions contribuent à diffuser des récits importants sur la conservation dans les foyers et les espaces de travail du monde entier, suscitant un dialogue essentiel et inspirant des actions concrètes. En acquérant ces œuvres d'art en édition limitée, réalisées artisanalement avec soin, vous soutenez non seulement le travail novateur de la Fondation PangeaSeed dans les communautés du monde entier, mais vous contribuez également aux moyens de subsistance de nos artistes engagés. Ensemble, par l'art et l'activisme, nous pouvons sauver nos océans. La deuxième édition estivale du festival novateur Sea Walls : Murals for Oceans, organisé par PangeaSeed, s'est tenue du 17 au 26 juillet 2015 à Cozumel, au Mexique. Sea Walls : Murals for Oceans est le premier mouvement du genre à contribuer à la protection des océans grâce à l'art public et à l'activisme (ARTivisme). Le deuxième festival d'été annuel de PangeaSeed réunira plus de 25 artistes contemporains de renommée internationale qui collaboreront pour mettre en lumière les enjeux environnementaux urgents des océans, tout en sensibilisant et en inspirant les individus et les communautés à la protection de l'écosystème le plus important de la planète : l'océan.

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Dieux lointains, péchés fanés - Sérigraphie artisanale en édition limitée 4 couleurs sur papier beaux-arts par l'artiste pop Sam Chivers.

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Higher Ground AP Artist Proof Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print on 290gsm Moab Entrada Paper by Urban Pop Artist Casey Weldon Modern Artwork. Épreuve d'artiste AP 2019 Signée et marquée Œuvre d'art AP Taille 24x20 420 Holiday Marijuana/Cannabis Spécial Rolling Mountainians dans du papier à joint. Casey Weldon, artiste ayant marqué de son empreinte le monde du pop art urbain, nous offre un chef-d'œuvre intitulé « Higher Ground ». Créée en 2019, cette œuvre évocatrice entremêle la beauté de la nature aux sous-cultures contemporaines, proposant un récit visuel qui interroge nos perceptions et invite à la réflexion. Dans « Higher Ground », le spectateur découvre un paysage montagneux d'une grande finesse, où la végétation luxuriante et les cascades sont parfaitement rendues. Mais ce qui distingue cette œuvre, c'est sa présentation ingénieuse : la scène immaculée est représentée sur une feuille à rouler, délicatement tenue entre deux doigts, une allusion à la culture du cannabis (420). Cette épreuve d'artiste (AP), une variante généralement réservée à l'artiste, est exclusive et recherchée par les collectionneurs. Imprimée avec des pigments d'archivage sur papier Moab Entrada 290 g/m², elle préserve chaque détail, chaque nuance et chaque teinte de l'œuvre originale. Cette méthode garantit non seulement la longévité de l'estampe, mais aussi une expérience visuelle fidèle à la vision de l'artiste. Mesurant 61 x 51 cm, « Higher Ground » allie harmonieusement grandeur et intimité. L'approche artistique novatrice de Weldon transparaît dans cette œuvre, où il juxtapose la tranquillité du monde naturel à l'effervescence des sous-cultures urbaines. En intégrant le geste symbolique du roulage à la sérénité des montagnes, il livre une réflexion sur l'évasion, les loisirs et la quête d'expériences transcendantes. « Higher Ground » témoigne de l'évolution constante du paysage de l'art moderne, où tradition et motifs contemporains coexistent harmonieusement.

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« Head In The Trees », tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier beaux-arts, par Ben Kehoe, artiste de rue graffiti, art pop moderne.

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Œuvre d'art Afterglow, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure à bords frangés à la main, par l'artiste de graffiti de la culture pop Rodrigo Rod Luff. Rod Luff - « Afterglow », estampe d'art en édition limitée, signée par l'artiste, numérotée à la main à 30 exemplaires, 28 x 35,5 cm (11 x 14 pouces).

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Block Boys - Blok Boy - Sculpture originale en époxy avec fleurs bleu sarcelle et rouges, œuvre de l'artiste de rue et de pop art moderne Devin James. Sculpture Lego signée 2021, format 6x11, représentant des garçons en briques avec une fleur rouge sur fond bleu sarcelle, personnage Lego original. La fusion esthétique dans Blok Boy Devin James, figure emblématique du street art et du graffiti, enrichit la scène artistique avec « Boys - Blok Boy - Teal Blue Red Flowers », une sculpture originale en résine époxy qui résonne profondément avec l'essence à la fois ludique et introspective du pop art moderne. Signée et accompagnée d'un certificat d'authenticité, cette œuvre se distingue par ses dimensions imposantes de 15 x 28 cm. La sculpture « Blok Boy », représentant un personnage Lego, capture l'esprit fantaisiste des jouets d'enfance tout en intégrant la profondeur sophistiquée de l'art contemporain. Créée en 2021, cette sculpture fusionne avec art la simplicité iconique des briques Lego et la complexité de la nature humaine, illustrant une juxtaposition souvent explorée par le street art. La teinte bleu turquoise n'est pas un simple choix de couleur : elle véhicule un message, véhiculant une sensation de tranquillité et de profondeur comparable à celle de l'océan. Au sein de cette étendue sereine, des touches de rouge – incarnées par des fleurs – introduisent un contraste dynamique, symbolisant la passion, la vitalité et la vie. L'intégration de ces fleurs rouges rompt la monotonie et confère à la sculpture une intensité émotionnelle, faisant écho aux expériences humaines de conflit, de beauté et d'épanouissement. Le choix de l'époxy comme matériau pour « Boys-Blok Boy » est délibéré : il permet d'obtenir une finition lumineuse qui donne à l'œuvre une présence quasi vivante. La transparence du matériau capte et joue avec la lumière, offrant à la sculpture une apparence changeante qui dépend de son environnement. Ainsi, l'œuvre reflète la nature dynamique et évolutive du pop art urbain, intrinsèquement sensible à son contexte. Symbolisme dans le pop art urbain « Blok Boy » sert de toile sur laquelle Devin James illustre avec brio les thèmes de la nostalgie et de la modernité. La figurine Lego, incontournable des jouets d'enfance, est ici réinterprétée comme un emblème d'innocence et de créativité. Pourtant, la transformation de ce jouet en œuvre d'art majeure symbolise la perte de l'innocence et marque le passage à l'âge adulte. C'est là l'essence même du street art pop : s'emparer d'objets familiers et quotidiens et les sublimer pour exprimer des problématiques sociétales plus profondes. Le jeu du bleu turquoise et des fleurs rouges au sein de « Blok Boy » évoque également la tradition du graffiti, qui utilise des visuels éclatants pour formuler des messages forts. Les graffeurs ont depuis longtemps fait du paysage urbain leur support, employant souvent des contrastes de couleurs saisissants pour souligner leurs propos. Devin James transpose ce principe dans l'espace tridimensionnel, utilisant la couleur pour inviter le spectateur à un dialogue avec l'œuvre. Reflet de l'artiste dans l'œuvre d'art Au-delà des qualités esthétiques et symboliques de la sculpture, « Boys - Blok Boy - Teal Blue Red Flowers » est aussi le reflet de Devin James lui-même. Reconnu pour son style unique qui marie le street art à une esthétique pop art moderne et raffinée, James crée des œuvres à la fois accessibles et profondes. Sa signature réside dans sa capacité à imprégner ses pièces de multiples significations, incitant souvent le spectateur à réfléchir à la frontière entre l'enfance et l'âge adulte, entre l'insouciance et le sérieux, entre simplicité et complexité. Dans cette sculpture, les expériences et les perspectives personnelles de James sont distillées dans la forme du « Blok Boy ». L'œuvre devient un sujet de conversation, suscitant des discussions sur le rôle de l'art dans l'espace public, la marchandisation des souvenirs d'enfance et le potentiel du street art à enrichir le monde des beaux-arts. Avec cette pièce, James continue de repousser les limites du street art et du graffiti. « Boys - Blok Boy - Teal Blue Red Flowers » témoigne de l'évolution du street art et du graffiti. Par sa maîtrise des formes, des couleurs et des matériaux, Devin James présente une sculpture qui est à la fois un clin d'œil ludique à l'enfance et une réflexion profonde sur la condition humaine. L'œuvre est une fusion vibrante entre jouet et totem, une manifestation physique de l'esprit du pop art urbain – enraciné dans le monde urbain et pourtant tourné vers l'universel.

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Dessin original au feutre rose et violet représentant un crâne à dent en or, par Tara McPherson sur papier cartonné, style pop urbain moderne. Dessin original signé au feutre indélébile, 2006, format 9 x 11,5 cm, représentant une fleur en forme de crâne avec une dent en or. « Fleur de crâne à dent en or », un dessin original au feutre de Tara McPherson, est un exemple saisissant d'art pop urbain contemporain, mêlant le macabre au merveilleux. Créée en 2006, cette œuvre signée, mesurant 23 x 29 cm, représente une fleur de crâne ornée d'une unique dent en or – un élément symbolique qui offre un aperçu de l'univers artistique singulier de McPherson. Réalisé au feutre rose et violet sur papier cartonné, le dessin illustre l'approche de l'artiste, qui entremêle souvent le surréalisme et les émotions humaines. Le crâne, symbole fréquemment associé à la mortalité et à la fugacité de la vie, se voit insuffler une nouvelle vie par sa métamorphose en fleur – représentation de la croissance, de la beauté et du renouveau. La dent en or apporte une touche d'humour et de légèreté à ce symbole autrement triste. Cette juxtaposition est un fil conducteur dans l'œuvre de McPherson, où elle fusionne avec fluidité des thèmes contrastés pour créer des œuvres à la fois stimulantes et accessibles. Son travail se distingue dans le street art par son style unique et la manière captivante dont il invite les spectateurs à réinterpréter des symboles familiers. L'art de McPherson orne souvent les murs des rues et les galeries d'art, témoignant de l'acceptation et de l'appréciation croissantes du street art au sein de la communauté artistique. Dans « Gold Tooth Skull Flower », McPherson continue d'explorer les possibilités infinies de matériaux simples comme les feutres, prouvant que l'art percutant ne se limite pas aux supports ou aux méthodes traditionnels. Son œuvre demeure une figure emblématique du mouvement street art, reconnue pour sa capacité à bousculer les perceptions et à émerveiller le public par sa vision fantaisiste du quotidien.

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Organica Utopia, tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier beaux-arts 310 g/m² par Melody Avis, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Melody Avis est une artiste qui vit et travaille avec 808 Urban, une association à but non lucratif basée à Honolulu, Hawaï. 808 Urban est un collectif d'acteurs culturels communautaires : artistes, organisateurs et bénévoles engagés à améliorer la qualité de vie de leurs communautés grâce à des programmes artistiques. Dans toutes nos actions, nous nous efforçons d'allier l'innovation artistique la plus aboutie à l'organisation culturelle de terrain pour un changement social systémique et progressiste.

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Œuvre d'art « Fleurs fanées », impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti pop culture Meagan Magpie Rodgers. 100 tirages giclée 11”x14” signés et numérotés sur papier beaux-arts.

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Tirage d'art d'archives « Feux de signalisation » par Adrian Cox, impression pigmentaire d'archives en édition limitée sur papier chiffon Moab Entrada blanc brillant 290 g/m², œuvre d'art moderne d'artiste pop. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2023. Format de l'œuvre : 17 x 17 pouces. La vision artistique de l'estampe d'archives Signal Fires d'Adrian Cox « Signal Fires » d'Adrian Cox est une contribution fascinante à l'évolution du Street Pop Art et du graffiti. Cette estampe d'art en édition limitée, réalisée sur papier pigmentaire d'archivage, capture l'essence même de la fusion entre la sensibilité traditionnelle du pop art et l'esprit audacieux et débridé du street art et du graffiti. Imprimée sur papier Moab Entrada Rag blanc éclatant de 290 g/m², un support choisi pour ses qualités d'archivage exceptionnelles et son rendu des couleurs remarquable, l'œuvre représente une vision moderne du pop art, tout en rendant hommage à l'influence durable du street art. Les dimensions de cette estampe exclusive sont de 43 x 43 cm (17 x 17 pouces), formant un carré parfait, un format quelque peu atypique dans l'univers de l'art inspiré du graffiti, où l'asymétrie et l'irrégularité sont souvent de mise. Tirée à seulement 50 exemplaires, cette édition limitée garantit à chaque collectionneur une pièce unique, chaque estampe étant méticuleusement signée et numérotée par Cox en 2023. Cette touche personnelle est une caractéristique essentielle du street art, où l'engagement direct de l'artiste envers son œuvre est primordial. Interprétation du symbolisme des feux de signalisation « Feux de signalisation » captive l'imagination du spectateur par son récit visuel saisissant, sur fond de coucher de soleil spectaculaire. La silhouette solitaire, au bord de la mer, drapée d'un manteau bleu vibrant et brandissant un faisceau lumineux, invite à la contemplation de la solitude, du besoin de repères et de la quête de lien social. Ces thèmes résonnent profondément dans le street art et le graffiti. Le faisceau, contraste lumineux avec le crépuscule, suggère le désir humain fondamental de communiquer et de créer des liens malgré les distances. Ce concept reflète la manière dont le street art interagit avec son public dans le paysage urbain. Le jeu subtil d'ombre et de lumière, le rendu méticuleux du paysage marin et le format circulaire de l'œuvre témoignent de la complexité et de la profondeur du street art, souvent perçu comme du simple vandalisme, mais ici élevé au rang d'art à part entière, capable de susciter des émotions profondes. L'estampe, à l'instar d'un graffiti, occupe un espace à la fois partie intégrante du monde naturel et distinctement séparé de celui-ci, créant un dialogue entre l'environnement et l'œuvre d'art. Impact culturel et esthétique des feux de signalisation L'importance culturelle de « Signal Fires » au sein du mouvement du street art et du graffiti est indéniable. L'œuvre incarne l'essence même du street art : l'accessibilité, l'engagement du public et une approche démocratisée de la consommation artistique. Pourtant, grâce à la technique de l'estampe d'art, Cox élève ces principes en une forme à la fois collectionnable et durable. Le choix du papier chiffon Moab Entrada renforce cette impression, garantissant la pérennité des riches textures et couleurs de l'estampe, en contraste frappant avec la nature éphémère du street art. Cette juxtaposition du transitoire et du permanent reflète une réflexion plus profonde au sein de la communauté du street art, où l'acte de création est souvent un instant fugace, soumis aux éléments et à la dynamique changeante du paysage urbain. Dans « Signal Fires », Cox capture et cristallise cette beauté éphémère, offrant un moment de réflexion et de permanence dans un monde en perpétuel mouvement. Adrian Cox et la continuité de l'art inspiré de la rue Le rôle d'Adrian Cox dans le débat actuel sur l'art moderne se trouve encore renforcé par « Signal Fires ». Son œuvre est un fil vibrant dans la tapisserie du Street Pop Art et du graffiti, repoussant les limites de ces genres vers des territoires nouveaux et passionnants. L'estampe de Cox se dresse comme un phare d'innovation et de synthèse intergenre dans un monde où les frontières entre les différentes formes d'art s'estompent de plus en plus. L'œuvre est un régal pour les yeux et un point de bascule conceptuel qui invite le spectateur à repenser les frontières entre l'art savant et le street art, entre la galerie et la ruelle. Elle témoigne du pouvoir de l'art à transcender ces frontières, à communiquer universellement et à toucher l'âme humaine en profondeur. « Signal Fires » d'Adrian Cox capture l'essence de notre époque, une période caractérisée par la rencontre des formes d'art traditionnelles et de l'énergie vibrante des rues. Elle témoigne de la vision de l'artiste et du pouvoir durable du Street Pop Art et du graffiti à résonner profondément et significativement avec le public.

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Morsel, tirages d'art en édition limitée, pigments d'archivage, rehaussés à la main sur papier 330 g/m², par Laura Bifano, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Ce tableau a été initialement conçu pour une exposition à la galerie Thinkspace intitulée « Les récoltes de la saison ». J’avais d’abord exploré quelques idées, mais rien ne semblait se concrétiser jusqu’à ce que je fasse un voyage en voiture sur l’île de Vancouver pour rendre visite à ma famille. Le paysage était d’une beauté époustouflante : des terres agricoles d’un vert émeraude parsemées de moutons en pâture. Je m’en suis inspirée pour créer cette toile. J’ai toujours adoré les peintures pastorales anglaises et j’ai su immédiatement que je voulais créer quelque chose dans le même esprit. J’ai décidé d’introduire un élément prédateur dans cette scène par ailleurs idyllique, et une famille de loups m’a semblé tout à fait appropriée. À cette époque, je regardais aussi en boucle des documentaires animaliers de la BBC, ce qui m’a plongée dans une profonde réflexion sur les cycles de la vie, de la mort et de la renaissance. Je pense que l’ajout de ces moutons artificiels en pixels apporte une touche de fantaisie et de légèreté à une image qui serait autrement morbide. » – Laura Bifano

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Modern Bouquet 3.0 - Sculpture florale originale Royalty en résine de béton et rose, réalisée par l'artiste de rue et graffeuse Jenna Morello, artiste pop moderne. Sculpture de rose originale et unique de 2021, signée et tamponnée. De véritables roses sont préservées à jamais dans de la résine coulée dans du béton. Dimensions : 3 x 3 x 3 cm. Chaque pièce est accompagnée d'un sceau d'authenticité. Intersection de la modernité et de l'intemporalité dans le pop art urbain « Modern Bouquet 3.0 - Royalty » de Jenna Morello illustre parfaitement comment le street art et le graffiti repoussent sans cesse les limites des formes d'art traditionnelles. Cette œuvre originale, réalisée en techniques mixtes, témoigne du dialogue permanent entre la nature éphémère du street art et la permanence de la sculpture. En encapsulant une rose naturelle, préservée à jamais dans de la résine et enchâssée dans une matrice de béton, Morello crée un contraste saisissant entre la fragilité du vivant et la résilience des matériaux artificiels. Ses dimensions (7,6 x 7,6 x 7,6 cm) contrastent avec la profondeur de son concept. Pour les collectionneurs et les amateurs d'art, « Modern Bouquet 3.0 - Royalty » offre l'opportunité d'acquérir une œuvre qui incarne l'esprit du street art sous une forme tangible. Contrairement aux graffitis éphémères qui peuvent être recouverts ou s'estomper avec le temps, cette sculpture constitue un témoignage permanent de l'expression de l'artiste. Sa taille compacte invite à une interaction directe, permettant d'examiner de plus près les détails complexes et le jeu des matériaux, à l'instar de la découverte intime d'une œuvre de street art cachée dans une ruelle. Dans l'art moderne, la sculpture de Morello est un phare du potentiel novateur inhérent au pop art urbain et au graffiti. Elle incarne la nature évolutive du genre, démontrant que l'esprit du street art peut transcender les supports traditionnels comme la toile et le mur pour créer de nouvelles formes d'expression qui remettent en question notre perception de l'art et de son rôle dans la société. Bouquet Moderne 3.0 - Symbolisme royal et savoir-faire dans l'œuvre de Jenna Morello L'œuvre de Morello est une méditation profonde sur le passage du temps et la préservation de la beauté. L'utilisation d'une rose naturelle suggère un instantané de la beauté éphémère de la nature, tandis que son enrobage de résine évoque le désir de retenir des moments voués à disparaître. La texture brute et industrielle du béton contraste avec la délicatesse de la rose, créant un symbole aux multiples facettes de l'intrusion de l'environnement urbain dans la vie naturelle. Cette œuvre, signée d'un tampon en béton, renforce son authenticité, l'ancrant dans le monde physique, à l'instar des tags de graffiti qui capturent la présence de l'artiste dans le paysage urbain. Cette œuvre trouve un écho dans la sphère du street art et du graffiti par l'utilisation de matériaux urbains courants et la présentation d'un objet familier, mais détourné : le bouquet. Offerte généralement pour exprimer son affection, la rose est ici recontextualisée comme un commentaire sur le processus artistique, où les artistes de rue déposent souvent la beauté dans des lieux inattendus. Chaque sculpture, portant un sceau d'authenticité, reflète l'authenticité recherchée par les artistes de rue qui apposent leur signature unique dans l'espace public. L'œuvre de Morello capture l'essence même de la capacité du street pop art à trouver l'harmonie dans la contradiction, mêlant l'organique au synthétique, le temporaire au durable.

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Papier buvard d'art en édition limitée Palm Tree, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé, par l'artiste moderne Mike Giant. Édition limitée 2020, signée et numérotée à 50 exemplaires. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 12 septembre 2020. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey.

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Achetez TITLE Edition Limitée sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Archival Pigment Fine Art INFO

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Le Sacrifice de la Couleur... Tirage d'art en édition limitée sur papier Moab Entrada 290 g/m², réalisé à partir de pigments d'archives par l'artiste Adrian Cox, légende du street art pop et du graffiti. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2022 - 13 x 24 pouces Adrian Cox est un artiste contemporain reconnu pour ses peintures qui intègrent souvent des thèmes mythologiques, surréalistes et explorant l'interconnexion entre l'être et la nature. « Le Sacrifice de la Couleur » est une œuvre qui présente également des éléments caractéristiques du style de Cox. Un tirage d'art est une reproduction de haute qualité d'une œuvre originale, réalisée grâce à une technologie d'impression avancée garantissant une restitution fidèle des couleurs et des détails. Ces tirages sont réalisés sur des supports sans acide, de qualité archivistique, ce qui assure leur conservation et leur résistance à la décoloration et à la dégradation au fil du temps, préservant ainsi la beauté de l'œuvre pour les générations futures.

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13 Horror Movie Killer Giclee Print par Dave Pollot, œuvre d'art en édition limitée, imprimée sur papier d'art de qualité supérieure, artiste graffiti pop de rue. Édition limitée 2022, signée et numérotée à 55 exemplaires. Dimensions de l'œuvre : 23,5 x 14 pouces. 13 Estampe giclée « Tueur de film d'horreur » par Dave Pollot – Une réinterprétation dérangeante d'une icône classique dans le style street art pop et graffiti. L'estampe giclée en édition limitée de Dave Pollot, intitulée « 13 Horror Movie Killer » (2022), est une réinterprétation provocatrice de La Cène de Léonard de Vinci, imprégnée d'un humour noir et d'iconographie horrifique. Mesurant 59,7 x 35,6 cm et imprimée sur papier d'art de qualité supérieure, cette édition signée et numérotée à seulement 55 exemplaires fusionne le sacré et le sinistre. Pollot, artiste contemporain new-yorkais connu pour intégrer des références à la culture pop dans des œuvres classiques, métamorphose la scène en remplaçant les apôtres par des figures légendaires du cinéma d'horreur. La tension visuelle entre la figure divine centrale et les figures violentes qui l'entourent crée une réinterprétation à la fois déroutante et captivante, qui a suscité l'intérêt des milieux du pop art et du street art. De Frankenstein à Freddy : Les icônes de l'horreur réunies dans une satire La composition réunit des figures de l'horreur immédiatement reconnaissables, telles que le monstre de Frankenstein, la Momie, la Créature du Lac Noir, et des légendes modernes du slasher comme Freddy Krueger, Michael Myers, Jason Voorhees, Leatherface, Ghostface et Pinhead. Chaque personnage est rendu avec soin, faisant écho à sa présence cinématographique tout en s'intégrant à l'esthétique patinée et vieillie du décor de Léonard de Vinci. La patte de Pollot ne se contente pas de parodier ; elle orchestre, combinant la force de l'art religieux à l'iconographie du cinéma pour interroger les notions de vénération culturelle et de moralité. Si le spectateur peut d'abord rire de l'absurdité de voir des méchants d'horreur partager un repas sacré, un examen plus attentif révèle un contraste saisissant entre la peur et la foi, la culture populaire et la permanence. L'art contemporain rencontre la subversion culturelle dans le pop art urbain et le graffiti. Pollot est reconnu pour brouiller les frontières entre art savant et art populaire en recouvrant physiquement ou numériquement des œuvres d'art chinées de style classique, avec des personnages de jeux vidéo, de films et de séries télévisées. Ici, la technique d'impression numérique giclée permet une grande richesse de détails et une finition texturée qui reproduit la qualité picturale de l'œuvre originale. En optant pour un tirage limité à 55 exemplaires sur papier beaux-arts, Pollot élève cette pièce au rang d'objet de collection du Street Pop Art et du graffiti. Le procédé giclée se distingue par sa capacité à capturer les nuances de couleurs et les ombres complexes, permettant de rendre avec clarté et profondeur chaque ride, chaque ombre et chaque détail sanglant de ces légendes de l'horreur. Commentaire de Dave Pollot à travers une satire noire et des icônes familières Dave Pollot, artiste américain d'art urbain contemporain, insuffle à ses œuvres une ironie et un sens de l'observation aiguisés. Son travail réinvente sans cesse les formes d'art traditionnelles en les intégrant à l'absurdité du divertissement moderne. Dans « 13 Horror Movie Killer », Pollot propose bien plus qu'une simple image insolite : il construit un récit de vénération culturelle, interrogeant la transformation de nos figures emblématiques, autrefois considérées comme sacrées, en monstres du divertissement. Cette œuvre, à la croisée du street art et du graffiti, s'inscrit parfaitement dans les débats autour de l'iconoclasme, de la nostalgie et du réconfort étrange que l'horreur continue d'offrir dans les médias modernes. Chaque tueur est un symbole, et leur présence autour d'une table à la symbolique sacrée invite à une critique incisive de la consommation, du fanatisme et de la mémoire collective au XXIe siècle.

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Mini Nug Limonade en édition limitée, jouet d'art de collection fait main et peint par les artistes pop Nugg Life NY - Ian Ziobrowski. « LEMONADE », une mini-fleur de Lemonade, est idéale pour les aventuriers. Que vous escaladiez des montagnes ou traversiez les océans en kayak, votre journée semblera interminable grâce à cette variété énergisante. Vous pouvez aussi simplement vous détendre et la savourer comme un verre de limonade sucrée, en contemplant le ciel bleu et en laissant libre cours à votre imagination. Chaque mini-fleur mesure entre 6 et 7,5 cm de haut et est entièrement fabriquée à la main. Les bases sont sculptées et reproduites en résine. Livrée dans un emballage rappelant le service de livraison new-yorkais classique. Édition limitée à 10 exemplaires, signés et numérotés.

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Obey Noir Flower Woman - Sérigraphie en édition limitée rouge 4 couleurs tirée à la main sur papier d'art Speckletone fin par Shepard Fairey Rare Street Art OBEY Pop Artwork Artiste. Sérigraphie signée et numérotée OBEY NOIR FLOWER WOMAN (ROUGE) 45,7 cm x 61 cm Édition limitée à 400 exemplaires 27 janvier 2022 L'imprimé « Femme Fleurie » d'Obey Noir s'inspire de l'Art déco et des pochettes d'albums Dark Wave. L'image se prête à plusieurs interprétations. Je la perçois avant tout comme un hommage aux idéalistes qui protègent l'environnement, œuvrent pour la justice et cultivent l'optimisme. Nous sommes tous confrontés à des défis et des hostilités, mais les forces extérieures ne peuvent contrôler notre force intérieure ni notre idéalisme. C'est nous qui le contrôlons ! L'idéalisme mène à l'action. Ceux qui commettent l'injustice s'appuient sur l'apathie pour impunément rester impunis. Nourrissez votre idéalisme, et vos actions constructives suivront. – Shepard

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« L'automne arrive », édition limitée, sérigraphie artisanale 6 couleurs sur papier kraft moucheté français, par John Vogl, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Sérigraphie six couleurs sur papier kraft moucheté français, 45,7 x 61 cm. Édition signée et numérotée à 600 exemplaires. Sortie le vendredi 6 septembre 2013.

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Lux Artwork Giclée en édition limitée, impression sur papier épais naturel pressé à froid de 340 g/m², par l'artiste de graffiti pop culture Wendy Ortiz. Papier : Papier beaux-arts épais naturel pressé à froid 340 g/m² Encre : Epson Ultrachrome HDR Format : 8" x 12" sur 11" x 14" Édition : 75 Imprimé par : Rhino Barking Sparrow Signé et numéroté à la main par l'artiste.

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« Coucher de soleil au moulin », œuvre d'art en édition limitée (impression giclée) sur papier d'art de qualité supérieure, par l'artiste de graffiti pop culture Nicole Gustafsson.

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Impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti pop culture Rodrigo Rod Luff. Rodrigo Rod Luff - « Spark », estampe d'art en édition limitée (50 exemplaires seulement), signée et numérotée par l'artiste, format 14" x 17".

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Papier buvard Peace, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Roachi, œuvre d'art inspirée de la culture pop et du LSD. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey et peuvent légèrement différer de l'exemple présenté.

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Œuvre d'art Solitude, impression giclée en édition limitée sur support MEDIUM par l'artiste de graffiti de la culture pop Rodrigo Rod Luff. Rodrigo Rod Luff - « Solitude », estampe d'art en édition limitée, signée et numérotée à la main par l'artiste, tirée à 30 exemplaires, 28 x 35,5 cm (11 x 14 pouces).

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Édition limitée Elk, sérigraphie artisanale 3 couleurs sur papier beaux-arts par John Vogl, artiste de rue graffiti, art pop moderne.

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Divinations et Papillons, œuvre d'art, impression giclée en édition limitée sur papier Hahnemühle Fine Art Rag, par l'artiste de graffiti pop culture Nimit Malavia. Nimit Malavia est un artiste visuel et illustrateur canadien reconnu pour ses œuvres complexes et imaginatives. Son style allie souvent la finesse du trait à une forte dimension narrative, puisant son inspiration dans diverses sources telles que la mythologie, les contes de fées et la culture contemporaine. L'œuvre de Malavia intègre généralement un mélange de techniques traditionnelles et numériques, notamment l'encre, l'aquarelle et Photoshop.

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Estampe d'archives « Villes florissantes » de Chris Austin, édition limitée sur papier beaux-arts, art pop graffiti, art urbain, œuvre d'art moderne. Tirage signé et numéroté de 2023, édition limitée à 40 exemplaires, format 32x18, pigments d'archivage, œuvre d'art représentant des requins nageant dans les rues animées d'une ville avec voitures et passants. Dans l'univers éclectique de l'art contemporain, « Villes florissantes » de Chris Austin témoigne avec éclat de l'imagination débordante de son créateur. Cette estampe d'art, magistralement conçue sur papier d'art, offre au spectateur un voyage surréaliste au cœur d'un paysage urbain bouillonnant, où s'entremêlent avec fascination les mondes aquatique et métropolitain. Capturant avec brio l'esprit du pop art, du street art et du graffiti, l'œuvre invite le regard à plonger au cœur de son récit. Mesurant 81 x 46 cm, « Villes florissantes » explore avec audace la juxtaposition des superprédateurs de la nature et de la jungle urbaine. Imaginant des requins nageant avec aisance au milieu des rues animées, se faufilant entre voitures et piétons, Austin crée un monde où les frontières entre nature sauvage et ville s'estompent. Si les requins symbolisent l'agitation incessante et le dynamisme implacable de la vie urbaine, ils instaurent aussi un sentiment d'appréhension, nous rappelant les dangers qui se cachent derrière nos routines en apparence banales. Réalisée avec des pigments d'archivage, cette estampe d'art, d'une qualité et d'une précision exceptionnelles, capture chaque nuance, du reflet du soleil sur les voitures à l'éclat des yeux des requins. Chaque exemplaire est signé et numéroté par Chris Austin, soulignant son caractère exclusif (seulement 40 exemplaires disponibles). Véritable emblème de l'expression artistique contemporaine, « Villes florissantes » est une réflexion saisissante sur la relation symbiotique entre nature et développement urbain, suscitant l'introspection et le dialogue chez les amateurs d'art comme chez le simple curieux.

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Sérigraphie modulaire par Add Fuel x Shepard Fairey - OBEY Tirée à la main sur papier beaux-arts crème moucheté, œuvre d'art en édition limitée Obey Pop Culture Artist. Édition limitée à 500 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Format : 18 x 24 pouces. Sérigraphie. L'art de Diogo Machado, alias ADD FUEL, fonctionne à plusieurs niveaux, au sens propre comme au figuré. Ses œuvres maîtrisent l'esthétique des carreaux traditionnels portugais tout en y intégrant subrepticement ses propres illustrations de personnages ludiques. Ces deux styles, en apparence si différents, se fondent avec une telle élégance que la découverte de l'étrangeté au sein de cette harmonie est à la fois surprenante et réjouissante. Les déchirures, réelles ou simulées, qu'ADD FUEL incorpore à son art sont bien plus qu'un simple clin d'œil au papier, matériau omniprésent du street art contemporain : elles constituent également une dissonance visuelle provocatrice, puisque les carreaux ne se déchirent pas. Malgré l'incongruité entre carreaux et déchirures, les compositions visuellement séduisantes d'ADD FUEL évoquent le temps qui passe et une histoire derrière chaque couche. – Shepard Fairey – OBEY Modulaire par Add Fuel x Shepard Fairey – Obey Collaborative Silkart, œuvre d'art urbain pop art et graffiti Modular est une sérigraphie collaborative de 2022, créée par l'artiste portugais Diogo Machado, alias Add Fuel, et l'artiste américain Shepard Fairey, fondateur d'OBEY. Tirée à la main sur papier d'art Speckletone couleur crème et éditée à 500 exemplaires numérotés et signés, cette œuvre de 45,7 x 61 cm illustre la synergie entre patrimoine ornemental et résistance visuelle contemporaine. La sérigraphie superpose des motifs traditionnels d'azulejos, emblématiques du travail d'Add Fuel, à l'iconographie et à l'équilibre compositionnel propres à Fairey. Des déchirures de papier simulées traversent les couches, révélant des juxtapositions dynamiques de motifs classiques, d'abstraction pop moderne et d'un mandala floral central imprégné de la vision politique de Fairey. L'œuvre vibre de tonalités bleues, rouges et blanches, faisant écho aux thèmes de la beauté et de la subversion qui sont au cœur de leur vocabulaire visuel commun. Motifs de carreaux, illusion et histoire stratifiée L'approche d'Add Fuel vis-à-vis des carreaux traditionnels portugais est à la fois respectueuse et subversive. En réinterprétant l'élégance symétrique des motifs céramiques par des figures inattendues et des éléments graphiques, il modernise un art séculaire tout en y insufflant un humour conceptuel et une profondeur narrative. Dans Modular, de fausses déchirures tranchent la précision des carreaux pour révéler des motifs sous-jacents, imitant la superposition usée que l'on trouve souvent en milieu urbain. Ces déchirures constituent des contradictions visuelles – les carreaux ne se déchirent pas – et pourtant, elles ancrent l'œuvre dans la réalité matérielle des affiches de rue, des collages et des prospectus. L'effet suggère une histoire qui se déploie à travers le temps, où les esthétiques se construisent, se grattent et se réassemblent pour créer une histoire vivante. Cette illusion invite le spectateur à remettre en question ses propres conceptions de la permanence, de la tradition et de l'identité. L'intégration et l'influence urbaine de Shepard Fairey L'influence caractéristique de Shepard Fairey se mêle à la structure modulaire de l'œuvre grâce à l'intégration d'une symbolique géométrique audacieuse et de points focaux centraux aux tons rouges. Connu pour sa campagne OBEY Giant et l'affiche Hope pour Barack Obama, Fairey apporte à cette collaboration un sens graphique aiguisé. Sa présence dans Modular, sans être dominante, s'intègre harmonieusement, permettant ainsi au dialogue entre son langage visuel engagé et la fluidité ornementale d'Add Fuel de se déployer pleinement. La composition témoigne de l'attachement de Fairey à la superposition, à la répétition et aux formes symboliques du pouvoir, contribuant à la profondeur conceptuelle de l'œuvre sans pour autant éclipser le support décoratif. Il s'agit d'une fusion rare entre art urbain et création de motifs historiques, emblématique de la volonté de Fairey de préserver le message au sein de la forme. Savoir-faire et concept dans l'art urbain pop et le graffiti Cette sérigraphie a été réalisée avec une méticulosité extrême, grâce à la superposition de plusieurs couches d'encre sur papier Speckletone. Ce choix, qui fait écho aux origines urbaines des deux artistes, confère à l'œuvre finale une qualité digne des galeries d'art. La tension formelle qui caractérise « Modular », entre ornementation classique et symbolisme pop, en fait un exemple emblématique du street art et du graffiti contemporains. Elle reflète une esthétique en constante évolution, où la collaboration enrichit le sens et où le passé culturel n'est pas figé dans le silence, mais animé par l'intervention visuelle. Pour les collectionneurs et les spectateurs, « Modular » offre une expérience tactile et symbolique : une estampe qui conjugue avec brio la précision de la tradition et l'urgence du présent. Elle témoigne du pouvoir transformateur de la surface, du récit et de la subversion.

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Œuvre d'art Harvest Pixies, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure, par l'artiste de graffiti pop culture Amy Ross. « Harvest Pixies » est une édition limitée à 100 exemplaires d'une œuvre d'Amy Ross. Le format de l'œuvre est adapté à un cadre standard de 28 x 43 cm. Cette œuvre d'art de qualité archivistique est imprimée sur un papier d'impression blanc naturel épais de 290 g/m², composé à 90 % de fibres de bambou et à 10 % de coton.

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Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

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Chem-Dawg Mini Nugs Mini Nugs en édition limitée, jouets d'art faits main et peints, œuvres d'art de collection par des artistes pop, Nugg Life NY - Ian Ziobrowski. Chaque Mini Nug, édition limitée 2022, mesure entre 6 et 7,5 cm et est entièrement fabriquée à la main. Livrée dans un emballage rappelant celui des services de livraison new-yorkais. Numérotée et signée, cette édition limitée est composée de 20 exemplaires.

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Recherche d'harmonie - Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée, embellis à la main, sur papier d'art Moab 290 g/m² par Meggs, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Les pratiques coopératives de Meggs l'ont amené à collaborer avec divers artistes et marques issus de cultures du monde entier. Ses collaborations commerciales avec des entreprises telles que Nike, Stussy, Addict, New Balance, Burton et Endeavor Snowboards ont contribué à l'évolution constante de son talent et à l'élargissement de son champ de créations et d'idées.

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