Nouveau

Inside Out en rouge scintillant/ Jerry B-Side HPM 2 couleurs, sérigraphie en édition limitée tirée à la main avec acrylique, encre de sérigraphie et peinture en aérosol sur papier Coventry Rag 310 g/m² (bord frangé) par Faile Rare Street Art, artiste pop célèbre. Une nouvelle estampe en édition limitée, peinte à la main par l'atelier. Celle-ci présente l'image « Inside Out ». Une édition classique de l'atelier, peinte et imprimée à la main, chaque exemplaire étant unique. Le papier est épais, richement travaillé et teinté. Inside Out en rouge scintillant / Jerry B-Side 38 x 25 Édition limitée à 24 exemplaires, peinte à la main Acrylique et encre sérigraphique sur papier d'archivage Estampillée, gaufrée et signée Faile 1986

Lis Plus Moins

Photo d'archive Scale Up par Revok x Martha Cooper x 1UP Crew - One United Power x Nika Kramer x MOG Museum of Graffiti Édition limitée sur papier d'art Pop Graffiti Street Artiste Œuvre d'art moderne. 2023 Signée par Revok et numérotée Tirage limité à 40 exemplaires Dimensions de l'œuvre 19,75 x 24 Pigments d'archives Photo Polaroid stylisée agrandie Prise par Martha Cooper x Nika Kramer Fine Art Publiée par 1UP Crew x MOG Museum of Graffiti. Échelle supérieure : une convergence d'icônes dans la photographie de rue L'estampe d'archives « Scale Up » témoigne de l'esprit de collaboration qui anime les univers du street art et du graffiti. Cette œuvre est le fruit d'un partenariat unique entre le graffeur de renom Revok, la photographe de street art légendaire Martha Cooper, le collectif berlinois 1UP Crew et la photographe culturelle Nika Kramer, sous l'égide du MOG Museum of Graffiti. Tirée à 40 exemplaires numérotés et signés par Revok, cette édition limitée mesure 50 x 61 cm et immortalise un moment de l'histoire du street art sous la forme d'un agrandissement stylisé d'une photo Polaroid. Imprimée sur papier d'art avec des pigments d'archives, elle capture un instantané du street art en pleine action, reflétant l'énergie brute et la créativité spontanée qui caractérisent ce genre. Cette collaboration met en lumière la synergie entre artistes et photographes, chacun apportant sa vision et son talent uniques pour créer une œuvre qui transcende les formes artistiques traditionnelles. Revok et l'art de l'expression urbaine Revok, figure emblématique du street art, est reconnu pour ses œuvres abstraites complexes et colorées, utilisant souvent des matériaux de récupération et des paysages urbains comme supports. Son style caractéristique, marqué par une exploration vibrante des couleurs et des formes, est imprimé sur l'estampe « Scale Up », conférant à l'œuvre une profondeur et une texture uniques. La collaboration avec Martha Cooper, Nika Kramer et le collectif 1UP pour ce projet fusionne différentes perspectives du monde du street art, de la création à la documentation, offrant aux spectateurs un aperçu complet de la nature multiforme de cet art. Le rôle de Martha Cooper en tant que documentariste de la culture street art, associé aux photographies culturelles de Nika Kramer, offre un récit visuel qui complète l'éthique artistique de Revok. Leurs photographies sont bien plus que de simples témoignages du street art ; ce sont des œuvres dynamiques qui capturent l'essence de l'instant et le contexte dans lequel l'art s'inscrit. 1UP Crew - One United Power et MOG : Célébration de l'esprit collectif du street art L'implication du collectif 1UP Crew, reconnu pour ses œuvres ambitieuses et souvent engagées politiquement, enrichit la dimension de l'estampe « Scale Up ». Leur philosophie s'inscrit pleinement dans la dimension communautaire du street art, où la collaboration et le partage d'expériences sont essentiels au processus créatif. Le rôle du MOG Museum of Graffiti dans cette collaboration est crucial : en tant qu'institution culturelle, il préserve et fait évoluer l'histoire du graffiti et du street art. Publiée conjointement par 1UP Crew et le MOG, cette estampe en édition limitée est un témoignage de l'histoire du street art, reflétant le dialogue permanent entre artistes de rue, photographes et institutions culturelles. Elle célèbre le dynamisme et l'impact du street art, garantissant que l'énergie des rues et la voix des artistes qui les colorent continuent de résonner au sein de la communauté artistique et au-delà. Dans le milieu artistique, des collaborations telles que « Scale Up » rappellent le pouvoir transformateur de l'art et sa capacité à métamorphoser les objets et les perceptions. Ils font office de monuments aux artistes et photographes qui ont ouvert la voie à la reconnaissance et à la célébration du street art, garantissant ainsi que l'essence même de la rue — la voix audacieuse et sans concession du graffeur — reste un élément essentiel du débat dans le monde de l'art.

Lis Plus Moins

The Gipper Ultra-Violence - Figurine de collection en vinyle édition limitée cuivre, œuvre d'art de l'artiste de graffiti de rue Frank Kozik. 2012 Présenté dans un coffret Édition limitée à 50 exemplaires Vinyle couleur cuivre/bronze Frank Kozik nous offre une fois de plus un buste exceptionnel. Vous pouvez soit fixer le regard du diable… euh, de Gipper, soit le masquer avec le panneau « DÉTRUIRE » amovible fourni avec votre buste. Le jouet d'art Gipper Ultra-Violence en cuivre, édition limitée, par Frank Kozik La figurine Gipper Ultra-Violence en vinyle cuivré est une œuvre saisissante et provocatrice de Frank Kozik, figure emblématique du street art et du graffiti. Reconnu pour sa satire mordante et ses commentaires incisifs sur la politique et la culture, Kozik nous offre ici un buste qui interpelle le spectateur par son symbolisme audacieux et sa précision méticuleuse. Limitée à seulement 50 exemplaires, cette œuvre aux tons cuivrés, sortie en 2012, est un véritable trésor pour les collectionneurs. Une déclaration satirique audacieuse Le buste de Frank Kozik présente une image caricaturale et exagérée de Ronald Reagan, surnommé « The Gipper ». Cette figurine en vinyle brun cuivré évoque à la fois la nostalgie et la critique, un thème récurrent dans l'œuvre de Kozik. Le panneau « DESTROY » amovible fourni avec le buste offre une dimension interactive : les collectionneurs peuvent choisir de masquer ou non les yeux du personnage, symbolisant ainsi la manipulation politique et l'aveuglement face aux réalités sociales. Le commentaire incisif de Kozik sur l'autorité et la gouvernance transparaît clairement, faisant de cette œuvre une pièce maîtresse du pop art urbain. L'influence de Frank Kozik Frank Kozik, originaire d'Espagne et installé plus tard aux États-Unis, a marqué durablement le monde du pop art et du graffiti. Né en 1962 et décédé en 2023, Kozik est devenu synonyme d'œuvres audacieuses, souvent controversées, mêlant punk rock, politique et culture pop. Son travail se caractérise par des couleurs vives et un humour subversif, puisant son inspiration dans des figures historiques et contemporaines. Le buste en cuivre « Gipper Ultra-Violence » témoigne de sa capacité à transformer des images familières en un commentaire social incisif. Objets de collection en édition limitée et héritage Cette édition limitée de 50 exemplaires, sortie en 2012, témoigne de l'engagement de Kozik envers l'exclusivité et le savoir-faire artisanal. Façonné en vinyle et arborant une riche teinte cuivrée-brun, ce buste est autant une œuvre d'art qu'un objet de collection. Présenté dans un coffret orné d'un graphisme audacieux, l'emballage lui-même prolonge la vision artistique de Kozik. Le buste incarne l'esprit rebelle du graffiti, séduisant aussi bien les amateurs de street art que les collectionneurs d'art politique contemporain. « The Gipper Ultra-Violence » est plus qu'un simple objet de collection : il suscite la réflexion. Il invite à questionner les récits sociétaux et à s'interroger sur le rôle de l'art dans le discours politique. Pour les admirateurs du pop art urbain et des créations avant-gardistes de Kozik, cette œuvre demeure un symbole intemporel de son influence sur l'art contemporain.

Lis Plus Moins

Air Max 90 - GalactiDRIP Pointure 12 Art Shoes, Sneaker en édition limitée, œuvre d'art de collection de l'artiste de rue Sierato Artisan Echelon sur Nike. Édition limitée, fabriquée et peinte à la main. Pointure : 46 (US 12 US). Authentiques Air Max 90 en cuir, style Sierato, motif Galaxy, avec un Swoosh Nike Freestyle South Beach peint à la main, unique à chaque fois. Boîte signée. Neuves, jamais portées. Fusionnant l'univers dynamique de la culture sneaker avec la richesse des paysages cosmiques, l'Air Max 90 - GalactiDRIP illustre à merveille comment le street art peut transcender les supports traditionnels et s'exprimer dans le monde de la mode et des objets de collection. Imaginée par le célèbre artiste de rue Sierato, reconnu pour ses créations audacieuses et expressives, cette chaussure pour homme (pointure 46) est bien plus qu'une simple paire de chaussures : c'est une véritable œuvre d'art à porter. Confectionnées en cuir véritable, ces sneakers garantissent la qualité attendue des Nike Air Max 90 et offrent un écrin parfait au style unique de l'artiste. Le thème « Galaxy » de Sierato est un voyage visuel à travers l'espace, décliné sur la chaussure dans un motif freestyle inspiré de South Beach, qui se déploie depuis le Swoosh iconique de Nike. Ce motif est unique à chaque paire, faisant de chaque sneaker une pièce unique. Cette approche artistique particulière reflète l'esprit spontané et souvent improvisé du street art, où chaque coup de pinceau ou goutte de peinture enrichit le récit de l'œuvre. Ces baskets en édition limitée, créées par un artiste de renom dans le domaine de la chaussure personnalisée, incarnent un univers où mode, art et individualité se rencontrent. Les collectionneurs de sneakers artistiques sont séduits par des pièces comme la GalactiDRIP pour leur esthétique unique, le savoir-faire artisanal et le message qu'elles véhiculent. Chaque chaussure témoigne de la vision de l'artiste et de son souci du détail, invitant celui ou celle qui la porte à s'immerger dans une histoire à chaque pas. L'Air Max 90 - GalactiDRIP illustre le dépassement des frontières du pop art et du street art, où des artistes comme Sierato redéfinissent la création artistique et ses espaces d'expression. Libéré des galeries et des paysages urbains, l'art trouve un support dynamique et mobile, interagissant avec le public de manière à la fois personnelle et collective. Ces chaussures artistiques brouillent les frontières entre fonctionnalité et esthétique, s'adressant à une communauté grandissante qui valorise le lien entre expression artistique et quotidien.

Lis Plus Moins

C'est toi dont je rêve. Estampe d'art en édition limitée, réalisée avec des pigments d'archivage AP sur papier pressé à chaud par l'artiste Chris Austin. Épreuve d'artiste (AP) 2021, signée, format 16x16, édition limitée à 10 exemplaires. Imprimée sur papier d'archivage pressé à chaud, signée et numérotée.

Lis Plus Moins

Sérigraphie originale unique Jelly Monster Pink de Buff Monster, tirée à la main sur papier d'art, édition limitée. Œuvre originale unique, sérigraphie sur panneau de bois, signée et datée de 2006. Dimensions : 10,13 x 10,13 pouces. Jelly Monster Pink par Buff Monster – Un chaos ludique dans l'art pop urbain et le graffiti L'estampe sérigraphique unique « Jelly Monster Pink » de Buff Monster (2006) est une œuvre marquante des débuts de l'artiste américain, révélant son approche irrévérencieuse et sucrée du street art, du pop art et du graffiti. Tirée à la main sur un panneau de bois de 25,7 x 25,7 cm, cette pièce originale, signée et datée, est bien plus qu'une simple estampe : c'est un hybride entre peinture, objet pop et graffiti. La figure rose gélatineuse au centre, aux contours noirs marqués, exhale l'esthétique caractéristique de Buff Monster, un joyeux grotesque. Des yeux hypnotiques tourbillonnants, une bouche cousue et un corps évoquant un bonbon mou ou une confiserie extraterrestre jouent avec les thèmes de l'innocence et du surréalisme. La texture du bois confère une dimension tactile à l'œuvre, ancrant ses couleurs vives et sa forme ludique dans un support plus robuste et durable. Buff Monster et le langage visuel du pays des bonbons urbain Buff Monster, né à Hawaï et installé à New York, est une figure majeure de l'évolution du street art et du graffiti. Reconnu pour son utilisation obsessionnelle du rose et sa fusion de la culture kawaii japonaise avec l'esthétique punk rock et heavy metal, il a développé un style singulier, tout en contradictions. Jelly Monster Pink est emblématique de cette dualité : à la fois adorable et troublant, mignon et désordonné. Le personnage présenté dans cette œuvre incarne l'intérêt de Buff Monster pour la création d'un univers où les mascottes mutantes et les couleurs sucrées désarment le spectateur, avant de provoquer un second regard où le malaise et l'ironie commencent à émerger. Cette œuvre de 2006 s'inscrit dans une période où l'artiste développait sa présence dans le milieu du street art, transposant ses monstres peints à la main en estampes, jouets, fresques et expositions. Permanence du médium, du matériau et de la culture urbaine Contrairement aux sérigraphies classiques sur papier, Jelly Monster Pink est imprimée directement sur un panneau de bois, ce qui souligne sa durabilité et brouille la frontière entre impression et objet. Le grain du bois, subtilement visible à travers l'encre rose, offre un contraste qui amplifie la vivacité artificielle du personnage. Le procédé d'impression manuelle de Buff Monster garantit que chaque exemplaire est unique, renforçant ainsi l'éthique artisanale et influencée par le graffiti qui imprègne toute sa pratique. Cette œuvre dégage la même énergie que ses premiers collages de rue et autocollants, mais dans un format adapté à une exposition en galerie ou pour collectionneurs. Elle illustre comment des artistes issus de la culture graffiti se sont approprié des matériaux artistiques traditionnels sans renoncer à leur impact visuel. Absurdité caricaturale et dissidence enrobée de sucre Jelly Monster Pink s'exprime à travers une logique cartoon et des visuels sucrés, mais ses sous-entendus sont profondément subversifs. La bouche barrée du personnage, ses yeux vides en spirale et ses dents proéminentes suggèrent une incompréhension – une émotion masquée par la douceur ou une créature plongée dans une confusion perpétuelle. Ce mélange d'innocence et de distorsion illustre l'esprit de Buff Monster, qui utilise des formes mignonnes pour exprimer le chaos, l'incertitude et la satire. Dans l'univers plus vaste du street art et du graffiti, son œuvre bouleverse les attentes en canalisant la nostalgie à travers un miroir déformant. Elle transforme les symboles de l'enfance en un commentaire sophistiqué sur l'identité, la culture et l'art lui-même. Jelly Monster Pink est un exemple à la fois ludique et puissant de cette pratique, alliant un design épuré à une imagination débordante et une pointe d'irrévérence qui ne s'estompe jamais complètement.

Lis Plus Moins

Totem Melty Misfits Jumbo Impression Giclée Unique par Buff Monster Artwork Édition Limitée sur Papier Beaux-Arts Artiste Graffiti Pop Street. Œuvre originale unique, signée et datée de 2020, avec certificat d'authenticité, encadrée. Tirage giclée original, format 8,5 x 11,5 pouces (21,6 x 29,2 cm). « Ce certificat atteste l'authenticité de l'œuvre d'art de Buff Monster qui accompagne cette reproduction. Cette impression giclée unique est signée par l'artiste et représente l'un des personnages créés pour la série Jumbo de The Melty Misfits. Le verre de musée qui protège cette œuvre contre les UV ; comme pour toute œuvre d'art, il est conseillé de l'exposer à l'abri de la lumière directe du soleil et des endroits très humides. » – Buff Monster Totem Melty Misfits, impression giclée géante unique par Buff Monster L'estampe giclée grand format unique « Totem Melty Misfits » de Buff Monster illustre la fusion entre un design de personnage fantaisiste et l'esthétique du street art pop et du graffiti contemporains. Reconnu pour son style mêlant couleurs vives et nuances plus sombres, Buff Monster poursuit cette approche caractéristique dans cette giclée encadrée, mettant en lumière à la fois ses thèmes de prédilection et son expérimentation inventive avec les formes et la présentation. Imprimée sur papier d'art de qualité supérieure et ornée des mentions officielles au dos et du logo Melty Misfits, cette œuvre s'impose comme une pièce de collection incontournable de la culture urbaine pop contemporaine. Un hommage totémique à la culture Melty La face avant de l'œuvre présente un totem composé de plusieurs personnages emblématiques de Melty Misfits. Chaque niveau du totem mêle des motifs psychédéliques d'yeux à des créatures mutantes du désert, rendues dans des tons numériques éclatants. L'arrière-plan dévoile un paysage extérieur serein, avec un ciel bleu stylisé et une cime d'arbres, contrastant l'étrangeté des figures avec le calme de la nature. Cette composition rend habilement hommage aux totems amérindiens tout en créant une mythologie cartoon satirique ancrée dans l'univers de Buff Monster. Les traits exagérés, les expressions débridées et les textures gluantes donnent l'illusion de jouets en vinyle fondants, le tout construit avec une symétrie parfaite pour évoquer à la fois structure et chaos. Art pop urbain encadré Imprimée en giclée, l'œuvre offre une netteté et une brillance exceptionnelles, essentielles pour restituer la richesse des dégradés du trait de Buff Monster. Ce format particulièrement rare est présenté dans un cadre professionnel avec passe-partout, sublimant son esthétique digne d'une galerie. Au dos, un certificat d'authenticité est solidement fixé sous le logo The Melty Misfits, garantissant la provenance attendue d'une œuvre d'art urbain pop et graffiti en édition limitée. Un autocollant fluorescent scelle la présentation, signature de l'identité visuelle de Buff Monster. Les qualités tactiles de l'œuvre, associées à son encadrement artisanal et à la narration qui en découle, en font bien plus qu'une simple impression. C'est une affirmation tridimensionnelle de rébellion visuelle, dissimulée sous un voile de fantaisie sucrée. L'héritage de Buff Monster dans le mouvement des jouets de créateurs et du pop art Né aux États-Unis, Buff Monster s'est imposé comme une figure de proue de la culture pop et street art hybride grâce à des décennies de fresques murales, de création de jouets et d'estampes expérimentales. Des ruelles new-yorkaises aux foires d'art de Tokyo, son œuvre est immédiatement reconnaissable. L'estampe géante « Totem Melty Misfits » témoigne non seulement de son engagement constant envers le projet Melty Misfits, mais aussi de sa capacité à transformer le street art en chefs-d'œuvre encadrés et de collection. Chaque élément de cette estampe illustre la volonté de Buff Monster de rendre la joie subversive et la satire accessible. En anthropomorphisant des friandises en divinités pop grotesques, il construit une nouvelle iconographie pour une génération post-ironique. Cette œuvre compacte et saisissante est un témoignage de l'humour surréaliste et de l'intensité graphique qui caractérisent l'un des artistes de graffiti les plus célèbres du pop surréalisme.

Lis Plus Moins

Impression giclée Kaboom par Scott Listfield, œuvre d'art en édition limitée, imprimée sur papier d'art lisse en coton 290 g/m², style graffiti pop street artiste. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2023. Format de l'œuvre : 16 x 24 pouces. Impression giclée Kaboom de Scott Listfield – Une réflexion postmoderne sur le street art, le pop art et le graffiti L'estampe giclée Kaboom (2023) de Scott Listfield est une œuvre saisissante et envoûtante qui fusionne esthétique de science-fiction, désolation urbaine et critique sociale. Tirée à 50 exemplaires numérotés et signés, cette œuvre de 40,6 x 61 cm est réalisée sur un papier beaux-arts lisse 290 g/m² en chiffons de coton. La qualité du papier sublime chaque texture et chaque nuance, révélant le jeu vibrant de la lumière et de l'ombre. Au centre de l'œuvre se trouve la figure emblématique de l'astronaute de Listfield, isolée et contemplative, le regard perdu dans l'immensité de la ville, tandis qu'un gigantesque champignon atomique domine l'horizon. L'explosion elle-même est stylisée par des lignes horizontales évoquant les écrans numériques et les interférences des signaux vidéo rétro, renforçant l'idée du désastre comme spectacle et consommation médiatique. Cette imagerie inscrit l'œuvre dans le courant émergent du Street Pop Art et du graffiti, où la peinture traditionnelle se heurte au futurisme dystopique et à l'angoisse de la culture de masse. Scott Listfield et le symbolisme de l'astronaute solitaire Scott Listfield, artiste contemporain américain né aux États-Unis, est surtout connu pour sa série d'astronautes, où un voyageur spatial solitaire devient un observateur récurrent dans des paysages saturés de symboles modernes, de ruines et d'interventions surréalistes. Dans Kaboom, cette figure est rendue par une lumière atmosphérique et des textures réfléchissantes, se faisant l'écho du spectateur : détachée, passive et contemplative face au cataclysme. La posture de l'astronaute suggère la résignation plutôt que l'action, un commentaire sur la paralysie que beaucoup ressentent face à une crise planétaire, un effondrement culturel ou la saturation numérique. L'astronaute de Listfield fonctionne non seulement comme un protagoniste, mais aussi comme un miroir, reflétant la déconnexion de l'existence moderne, cernée par un flot incessant de stimuli visuels et de menaces. Couleur, composition et matériau dans un paysage numérique apocalyptique L'estampe présente une palette à la fois inquiétante et saturée, dominée par des violets lumineux, des oranges flamboyants et les jaunes électriques de la ville. Ces teintes contribuent à la beauté surréaliste de cette scène de fin du monde. Les points RVB dans le coin supérieur gauche évoquent les marques de calibration numérique des premiers écrans de télévision, suggérant que le spectateur n'est pas témoin de la réalité, mais d'une version médiatisée. La précision de l'impression giclée sur papier chiffon de coton lisse préserve la qualité picturale de la peinture numérique, offrant une richesse et une profondeur rarement égalées en dehors des œuvres originales sur toile. Le format vertical et cinématographique rappelle les affiches de films de science-fiction classiques tout en s'inscrivant résolument dans l'esthétique du street art et du graffiti contemporains. Médias, spectacle et immobilité dans un monde chaotique Kaboom est bien plus qu'une explosion fictive : c'est un instantané culturel chargé de implications sur la violence, la technologie et le détachement. Le silence qui s'en dégage est ce qui le rend le plus assourdissant. Personne ne fuit, aucune alarme ne retentit, seul un astronaute veille tandis qu'une ville, inconsciente ou indifférente à la menace, vit sous la menace. Listfield utilise cette composition statique pour dénoncer la désensibilisation de la société face à la dévastation, la banalisation des explosions comme divertissement et le remplacement de l'action par l'observation. Dans la lignée du Street Pop Art et du graffiti, cette œuvre contribue à l'évolution du langage critique, enveloppé dans des images saisissantes, invitant le spectateur à réfléchir non seulement à ce qu'il voit, mais aussi à la manière dont il le voit. C'est une œuvre qui explore les conséquences, l'attente et l'aliénation, le tout rendu dans des tons trop vifs pour être ignorés.

Lis Plus Moins

WTF Party Edition - Mini, faisant partie de la série True Facts Mini Multiple, œuvre originale peinte à la main (HPM) sur panneau en bois, prête à être accrochée, par Denial Graffiti Street Artist Modern Pop Art. 2020 Édition limitée HPM signée et numérotée 20 œuvres d'art de format 11x15 « Mon œuvre évoque un désastre imminent et de nombreux thèmes crus et sinistres, mais cela ne signifie pas que je souhaite que cela se produise. J'espère qu'elle suggérera seulement le contraire : montrer l'absurdité de tout cela et comment nous pouvons trouver de meilleures solutions pour l'avenir. » – Denial "WTF Party Edition - Mini" de Denial : Une œuvre pop art vibrante Dans le domaine du street art, l'œuvre « WTF Party Edition - Mini » de Denial se distingue par son expression vibrante des sentiments contemporains. Cette œuvre originale, peinte à la main sur un panneau encadré de bois, fait partie de la série « True Facts Mini Multiple » de l'artiste de rue Denial, Daniel Bombardier. Créée en 2020, cette pièce est éditée à seulement 20 exemplaires, numérotés et signés par l'artiste. Chaque exemplaire mesure 28 x 38 cm. L'œuvre capture l'esprit vibrant et souvent paradoxal de la vie moderne par la juxtaposition de lettres audacieuses et d'un fond dynamique, incarnant ainsi l'essence du pop art contemporain. « WTF Party Edition - Mini » utilise un langage visuel immédiatement reconnaissable, caractérisé par des couleurs vives et contrastées et une typographie à la fois ludique et percutante qui attire immédiatement le regard. L'acronyme « WTF » est une expression courante de confusion ou d'incrédulité. En l'intégrant au contexte d'une « édition spéciale fête », Denial insuffle une touche d'ironie et d'humour au dialogue. Le fond, évoquant des vermicelles colorés, ajoute une note festive et légère, renforçant ainsi le thème paradoxal de l'œuvre. Cette pièce reflète la démarche artistique caractéristique de Denial : aborder des thèmes sérieux, voire sinistres, avec un humour cru qui invite le spectateur à s'interroger sur l'absurdité des situations présentées. Explorer les profondeurs satiriques de la vision artistique du déni La vision artistique de Denial dépasse la simple esthétique ; elle explore la satire, abordant souvent les problématiques contemporaines avec un ton irrévérencieux et incisif. La « WTF Party Edition - Mini » est emblématique de cette approche, offrant une critique de la condition humaine contemporaine à travers le pop art urbain. L'œuvre de Denial est reconnue pour son exploration des thèmes de la société de consommation, de la politique et des médias, et cette pièce ne fait pas exception. En s'appropriant et en recontextualisant le langage et les symboles courants, Denial invite les spectateurs à réfléchir aux messages sous-jacents qui imprègnent leur quotidien. La texture riche et les couleurs profondes de la « WTF Party Edition - Mini » sont caractéristiques du travail de Denial, mêlant la brutalité du graffiti à l'élégance du pop art. Peinte à la main avec une grande précision et dotée d'une finition vernie, cette pièce offre une qualité tactile qui renforce l'immédiateté du message. Le choix du bois comme support lui confère une impression de durabilité et de substance, ancrant les expressions éphémères du street art dans un objet pérenne et de collection. Commentaire culturel et valeur de collection dans l'art urbain du déni L'œuvre « WTF Party Edition - Mini » de Denial est bien plus qu'une simple pièce visuellement saisissante ; c'est un commentaire culturel qui fait écho à l'expérience partagée d'un monde souvent rempli de contradictions et de rebondissements inattendus. En tant qu'objet de collection en édition limitée, cette œuvre séduit particulièrement les amateurs du point de rencontre entre le street art et les aspects plus raffinés du pop art. Les collectionneurs d'œuvres de Denial sont attirés par le mélange unique d'humour, de critique sociale et de style visuel vibrant qui caractérise ses créations. La valeur de collection de « WTF Party Edition - Mini » est renforcée par son appartenance à la série « True Facts Mini Multiple », une collection d'œuvres explorant des thèmes similaires dans divers contextes. Posséder une œuvre de cette série, c'est investir dans un objet, c'est s'engager dans le récit plus large de l'artiste et reconnaître le pouvoir du street art à influencer et refléter la culture. Dans le paysage artistique actuel, « WTF Party Edition - Mini » de Denial contribue au débat sur le rôle du street art et du graffiti. Elle illustre comment ces formes d'art peuvent transcender leurs origines, créant des espaces de dialogue, de réflexion et, surtout, une touche de légèreté. À travers ses créations, Denial continue de remettre en question les perceptions, de susciter la conversation et d'offrir des perspectives nouvelles sur les complexités de la vie contemporaine.

Lis Plus Moins

Hollow Breath, œuvre originale unique en son genre, peinture au fusain et acrylique sur bois encadré, par Craww, artiste de graffiti de rue populaire. Peinture acrylique originale signée de 2013, dimensions 23,5 x 31,5 cm, sur panneau de bois encadré, prête à être accrochée. Explorer les profondeurs du Souffle Creux de Craww « Hollow Breath », une œuvre originale et captivante du célèbre artiste de street art Craww, illustre avec force comment l'énergie brute du pop art et du graffiti peut être canalisée dans des médiums artistiques plus traditionnels. Cette pièce unique, créée en 2013, est une symphonie de fusain et d'acrylique sur un panneau de bois entoilé, témoignant de la maîtrise de l'artiste pour ces deux matériaux. L'œuvre de 59,7 x 80 cm offre un espace généreux à la vision sombre et onirique de Craww. Signée par l'artiste, « Hollow Breath » capture l'essence du style caractéristique de Craww, souvent marqué par des figures féminines éthérées enlacées à des éléments naturels. La peinture explore des thèmes récurrents dans son œuvre : la dualité de la beauté et de la mélancolie, et l'équilibre subtil entre la vie et la mort. Le fusain confère à la peinture une douceur, permettant des dégradés subtils et une certaine profondeur, tandis que l'acrylique apporte une vivacité qui perce le voile monochrome. Technique et symbolisme dans le souffle creux de Craww Dans « Souffle creux », l'utilisation du fusain et de la peinture acrylique par Craww n'est pas un simple choix de prédilection, mais une décision délibérée visant à exprimer des états émotionnels complexes. Le fusain, avec son aspect fumé et diffus, crée une impression d'impermanence et de fragilité, faisant écho à la nature éphémère de la vie. Parallèlement, l'acrylique, réputée pour son intensité et sa clarté, met en valeur les points focaux de la toile, tels que les lys et les roses, symboles de pureté et de passion. Le panneau de bois encadré constitue un support idéal pour cette œuvre, sa solidité contrastant fortement avec la délicatesse des images. Cette juxtaposition reflète les contrastes présents dans l'ensemble du travail de Craww, où force et vulnérabilité coexistent souvent. La texture du bois confère à l'œuvre une dimension organique, l'ancrant dans le monde naturel qui influence fréquemment l'art de Craww. La position unique de Craww dans l'art contemporain Craww occupe une place unique dans l'art contemporain, faisant le lien entre les univers souvent distincts du street art et des beaux-arts. « Hollow Breath » témoigne de sa capacité à naviguer entre ces deux mondes, insufflant l'immédiateté et l'authenticité du street art dans un format traditionnellement associé aux galeries et aux musées. L'originalité de cette œuvre et sa capacité à être accrochée immédiatement en font non seulement une œuvre d'art, mais une pièce maîtresse qui trouvera sa place dans la collection d'un amateur d'art. La beauté mélancolique de « Hollow Breath » trouve un écho chez ceux qui connaissent le travail de Craww dans l'espace public. Pourtant, elle s'impose également comme une œuvre d'art à part entière, invitant à l'interprétation et à l'admiration, que l'on soit familier ou non avec son street art. Cette polyvalence et cette large audience rendent l'œuvre de Craww particulièrement captivante sur la scène artistique contemporaine. « Hollow Breath » incarne le charme envoûtant de la vision artistique de Craww, fusionnant la fluidité du fusain avec l'intensité de l'acrylique sur une toile aussi résistante que le bois. Cette peinture originale est un exemple frappant de la façon dont le pop art urbain et le graffiti peuvent transcender leurs racines urbaines pour créer un art à la fois profond et accessible, capable d'émouvoir et de fasciner dans le calme d'un espace intérieur.

Lis Plus Moins

Double Métamorphose, sérigraphie artisanale sur papier d'art vergé, par l'artiste juif contemporain Yaacov Agam. Œuvre rare en édition limitée. Édition limitée à 99 exemplaires, signée et numérotée, encadrée, 1980. Dimensions de l'œuvre : 14 x 10 pouces. Légères traces de lumière et de vieillissement. Non examinée hors de son cadre. Encadrée sous passe-partout et verre acrylique. Dimensions de l'encadrement : 20 x 24 pouces. Double Métamorphose par Yaacov Agam dans Street Pop Art & Graffiti Double Métamorphose est une sérigraphie artisanale de Yaacov Agam, figure majeure de l'art cinétique et optique. Cette œuvre rare, en édition limitée et créée en 1980, témoigne de la maîtrise d'Agam en matière de transformation, de mouvement et de jeux de perspective. Signée et numérotée (édition limitée à 99 exemplaires), cette pièce encadrée illustre la démarche caractéristique d'Agam, qui consiste à créer des expériences visuelles interactives. L'estampe est présentée sous passe-partout et protégée par une plaque acrylique, ce qui accentue sa structure en couches et ses effets d'illusion dynamiques. Elle constitue ainsi un exemple emblématique du street art et du graffiti, explorant le mouvement au sein de l'image statique. Transformation visuelle et illusion d'optique dans le pop art urbain La Double Métamorphose d'Agam témoigne de sa fascination pour le mouvement perpétuel et les compositions évolutives. L'œuvre est construite à partir de formes géométriques, de couleurs contrastées et de grilles superposées, créant un effet d'optique où l'image se modifie selon l'angle de vue. Cette approche est très influente dans l'art mural urbain et le graffiti, où les distorsions visuelles et les perspectives superposées captivent le public. La technique employée dans cette sérigraphie fait écho aux qualités dynamiques et interactives du pop art urbain contemporain, qui intègre souvent des images cachées, des illusions lenticulaires et des compositions basées sur la perspective. Ces techniques reflètent l'énergie dynamique des fresques murales et des installations d'art public, où le changement de point de vue modifie la perception de l'œuvre. Le jeu de couleurs et de mouvement dans Double Métamorphose prolonge les techniques du graffiti urbain qui manipulent la lumière, la texture et la distorsion visuelle. L'influence de Yaacov Agam sur le street art pop et le graffiti La philosophie artistique d'Agam a profondément marqué les installations publiques, les fresques murales de grande envergure et le street art. Son exploration du mouvement continu, de la transformation et de la perception interactive rejoint celle des muralistes et graffeurs contemporains qui créent des œuvres multicouches dans l'espace urbain. Les artistes qui intègrent le street art lenticulaire, le graffiti par projection numérique et les techniques murales dynamiques puisent leur inspiration dans les principes cinétiques d'Agam. Son approche se rattache également à la gravure expérimentale et aux illusions d'optique urbaines, où les artistes combinent variations de teintes, angles de vue changeants et superposition lenticulaire pour créer des œuvres en interaction avec leur environnement. L'influence d'Agam se manifeste dans le graffiti contemporain qui mêle les techniques traditionnelles de peinture à la bombe aux améliorations optiques numériques, donnant naissance à des formes hybrides de street art en interaction avec le paysage urbain. Valeur de collection et signification culturelle de la double métamorphose Cette sérigraphie en édition limitée est une pièce de collection très recherchée, témoignant de l'évolution de l'art cinétique au sein des mouvements du pop art urbain contemporain. Le procédé méticuleux de sérigraphie artisanale s'inscrit dans la lignée du savoir-faire artisanal des pochoirs de graffiti haut de gamme, des affiches de rue sérigraphiées et des éditions d'art inspirées par l'esthétique urbaine. Tirée à seulement 99 exemplaires, cette œuvre encadrée est une rare illustration de la philosophie visuelle expérimentale d'Agam. Alors que le pop art urbain et le graffiti contemporains continuent d'évoluer, les innovations d'Agam en matière de perception visuelle, de superposition de mouvements et de compositions dynamiques demeurent d'une grande pertinence. Sa capacité à créer des images qui se transforment selon le point de vue sert de base aux artistes urbains qui intègrent mouvement, interactivité et distorsions optiques dans des installations urbaines à grande échelle. « Double Métamorphose » témoigne de l'héritage d'Agam et de son influence durable sur le pop art moderne, les techniques de fresques cinétiques et les styles de graffiti interactifs.

Lis Plus Moins

Sérigraphie « No Place Utopia » de Cleon Peterson sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés, édition limitée. 2024 Signée et numérotée Édition limitée à 75 exemplaires par Cleon Peterson Format de l'œuvre : 24x24 Sérigraphie. Une vision saisissante de la rupture L'artiste américain Cleon Peterson s'est fait connaître internationalement pour ses représentations saisissantes des conflits et du pouvoir. La sérigraphie « No Place Utopia » s'impose comme une œuvre marquante, soulignant les turbulences inhérentes à l'existence moderne. Cette pièce de 61 x 61 cm, imprimée sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés, plonge le regard dans un univers de contrastes saisissants et d'une énergie explosive. Tirée en 2024 à 75 exemplaires signés et numérotés, cette édition limitée à un grand nombre d'exemplaires souligne son exclusivité et invite collectionneurs avertis et amateurs d'art à s'intéresser de plus près à la démarche de Peterson. La composition révèle une explosion dorée derrière un paysage urbain austère, accompagnée d'une silhouette solitaire dont la présence confère un sentiment d'isolement au sein de la grandeur. Les silhouettes caractéristiques de Peterson dominent cette estampe, faisant écho aux motifs souvent rencontrés dans le street art, le pop art et le graffiti. De larges aplats de couleur se mêlent à des contours nets, évoquant une fresque qui se distingue même de loin. Le regard est frappé par la tension entre la ville stylisée au premier plan et l'éruption monumentale à l'arrière-plan. Un ciel noir encadre l'éclat spectaculaire de blanc et d'or, créant un effet quasi cinématographique qui souligne le thème sous-jacent du chaos. La posture solitaire du personnage invite à la contemplation, comme face à une question insoluble sur le libre arbitre et la fragilité des visions idéalisées. Symbolisme riche et contraste audacieux « No Place Utopia » évoque un récit d'illusions brisées et le choc entre aspiration et réalité. Les touches dorées suggèrent une aura d'espoir, une promesse, tandis que l'obscurité profonde évoque un danger imminent. Cette juxtaposition de l'obscurité et de l'or éclatant crée une tension qui résonne chez les amateurs de street art, de pop art et de graffiti, et de leur capacité à exprimer des idées brutes. Le paysage urbain sert de point d'ancrage visuel, rappelant aux spectateurs l'ambition humaine, mais ses formes dramatiques suggèrent une menace imminente ou un bouleversement monumental. L'approche minimaliste de Peterson concentre l'attention du spectateur sur l'essentiel, préservant une intensité qui reflète la violence et les bouleversements souvent présents dans son œuvre. La palette de couleurs restreinte renforce le sentiment dramatique, soulignant la dimension interprétative de l'art de Peterson. Chaque forme semble placée délibérément, comme pour capturer un instantané des forces cataclysmiques déchaînées sur l'environnement urbain. La silhouette solitaire se tient au seuil, s'interrogeant silencieusement sur ce qui subsistera une fois la destruction passée. Cette esthétique provocatrice invite à réfléchir sur la ligne ténue qui sépare la quête de l'utopie du potentiel de chaos. Savoir-faire et attrait pour les collectionneurs Les collectionneurs apprécient Peterson non seulement pour l'audace narrative de ses images, mais aussi pour le soin apporté à la fabrication de chaque tirage. Les bords frangés à la main du papier d'art Coventry Rag 290 g/m² ajoutent une touche artisanale, révélant des détails qui témoignent d'une grande authenticité et d'un profond respect du savoir-faire. L'édition limitée à 75 exemplaires, sortie en 2024, offre une exclusivité qui suscite l'intérêt des connaisseurs de la carrière de Peterson et des tendances de l'art contemporain. Les propriétaires soulignent souvent la grandeur de l'œuvre, qui conserve toute sa dimension dans son format 61 x 61 cm, qu'elle soit exposée seule ou au sein d'une collection. L'équilibre des proportions contribue à l'impact visuel de l'œuvre : la composition occupe un espace carré harmonieux, à l'image de la frénésie maîtrisée qu'elle représente. Ce jeu dynamique fait écho à l'énergie originelle des visuels inspirés du street art, réinterprétée dans un contexte raffiné. Nombreux sont ceux qui trouvent la capacité de Peterson à intégrer des influences du pop art et du graffiti dans des tirages de haute qualité à la fois novatrice et en résonance avec le public contemporain. Implications de la transformation et de la résilience « No Place Utopia » invite le spectateur à s'interroger sur les frontières entre les idéaux utopiques et leur effondrement inévitable. L'explosion dorée rappelle avec force la rapidité avec laquelle les grandes visions peuvent basculer dans le chaos, tandis que la silhouette humaine solitaire suggère une force pérenne. Le jeu subtil de couleurs et de silhouettes opéré par Peterson s'inscrit dans l'esprit transgressif du Street Pop Art et du graffiti, incitant à une réflexion sur les structures sociales et le rôle de l'individu en leur sein. En capturant l'essence de la destruction et du potentiel dans une image saisissante, Peterson a créé une œuvre à la résonance multiple. La puissance visuelle de cette estampe est une marque de fabrique de son travail et continue de fasciner les collectionneurs en quête d'un art audacieux et conceptuel, à la dimension graphique affirmée. Qu'on y voie une critique symbolique de la société, une méditation sur le libre arbitre ou un emblème de la force créative brute, « No Place Utopia » ne manquera pas de susciter la conversation. Elle s'inscrit fièrement dans le canon en constante évolution de l'art sérigraphique moderne, confirmant la réputation de Peterson pour sa capacité à fusionner des visuels saisissants avec un commentaire culturel puissant.

Lis Plus Moins

Sérigraphie en édition limitée Salba Deck Fine Art sur skateboard naturel Steve Alba Deck par l'artiste de street art et de graffiti D*Face X Santa Cruz. 2012 D*Face X Santa Cruz Skateboards Salba, sérigraphie couleur sur planche de skate 81,3 x 20,3 cm (32 x 8 pouces). Produit par NHS Inc., Santa Cruz.

Lis Plus Moins

Achetez Mister Melty Vinyl Figure - Pink Edition Limitée Vinyl Art Toy Collectible Artwork par Modern Pop Culture Artist Buff Monster. 2022 Édition Limitée Neuf Dans La Boîte "C'est le premier jouet en vinyle non sofubi que j'ai produit moi-même. Je voulais faire une version unique de Mister Melty. Une figurine qui était grande, emblématique et articulée (contrairement à toutes les versions précédentes). À 10" de haut, il représente environ deux fois la taille de la plupart des figurines en résine et plus de 3 fois la hauteur des anciennes versions de sofubi.Les mains, les bras, le corps, les jambes et les chaussures ont tous dû être resculptés.Les roses de ce premier coloris sont tous personnalisés Buff Monster roses. Pas de couleurs standard ici ! J'ai peint des carrés de différents roses sur un morceau de papier et je l'ai envoyé à l'usine en Chine afin qu'ils sachent exactement ce que je voulais. La boîte est une boîte en carton standard, avec une coquille de palourde personnalisée à l'intérieur, conçu principalement pour protéger la figure." Monstre chamois

Lis Plus Moins

Sérigraphie Cherry Glitter de Buff Monster, tirée à la main sur papier d'art, édition limitée. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2007. Sérigraphie avec paillettes. Format : 20 x 20 cm. Motif : glace à la cerise, méduse stylisée. « Cherry Glitter » est une sérigraphie captivante de Buff Monster, artiste de rue emblématique et reconnu pour sa contribution vibrante au mouvement pop art. Cette création artisanale de 2007, imprimée sur papier d'art de qualité supérieure, présente des images ludiques et gourmandes, à la fois invitantes et fantaisistes. Tirée à 100 exemplaires numérotés et signés, cette édition limitée offre aux collectionneurs une occasion unique d'acquérir une œuvre de Buff Monster. L'œuvre, de 50,8 x 50,8 cm, représente un amas de créatures fantastiques surmontées de cerises, se détachant sur un fond de motifs floraux ornementaux. L'utilisation de paillettes lors de la sérigraphie confère à l'estampe une dimension tactile, créant un jeu dynamique de textures et de lumière. Cet effet scintillant renforce l'impact visuel de l'œuvre, plongeant le spectateur dans un univers onirique issu de l'imagination de l'artiste. L'œuvre « Cherry Glitter » de Buff Monster est emblématique de son esthétique, caractérisée par des couleurs vives, des lignes audacieuses et des influences issues de diverses sources de la culture pop, notamment la culture kawaii japonaise (mignonne). Le contraste entre le fond monochrome et les touches de rose des cerises témoigne de la maîtrise de la couleur par l'artiste, qui attire l'attention et transmet des émotions. Cette sérigraphie est une représentation par excellence de la fusion entre le street art et les beaux-arts. Le choix de la sérigraphie, technique traditionnellement associée à la production de masse et à l'art commercial, s'inscrit dans l'esprit du pop art. Cependant, la technique artisanale et le tirage limité confèrent à l'œuvre une aura d'exclusivité et de savoir-faire souvent associée aux beaux-arts. « Cherry Glitter » résonne au sein du street art comme une célébration de la joie et de la beauté intrinsèque d'une expression ludique et imaginative. Elle témoigne de l'engagement de Buff Monster à repousser les limites du street art, faisant de cette œuvre une pièce intemporelle qui continue de charmer et de captiver un public international.

Lis Plus Moins

Étude 003 - Sculpture de chaussure en béton en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste pop urbain Matthew Senna. Sculpture de chaussure en béton, édition limitée signée à 300 exemplaires (2020), dimensions approximatives : 12 x 7 pouces. Étude 003 Béton : Un classique parmi les classiques. L'Étude 003 met en valeur les formes novatrices de son design iconique tout en conservant l'authenticité du béton qui les a inspirées. Ces imposantes pièces en bronze profond subliment chaque détail de l'Étude 003, incarnant l'essence même de cette œuvre emblématique. L'édition limitée Concrete Cast est présentée dans un coffret sur mesure avec insert en mousse et fermeture magnétique. Chaque exemplaire est signé et numéroté individuellement. Matthew Senna, artiste multimédia basé à Los Angeles, combine ses expériences quotidiennes et explore les enjeux socioculturels pour créer des œuvres exceptionnelles qui suscitent la réflexion et éveillent l'émotion par leur beauté, leur narration et leur authenticité. L'œuvre de Senna raconte l'histoire des objets du quotidien et leur impact culturel sur la société, ce qui lui a valu l'admiration d'un public passionné et d'une critique élogieuse.

Lis Plus Moins

Aki Sharks #1 Dessin original au marqueur sur toile par Akinori Oishi, artiste de street art contemporain très en vogue. Dessin original signé au marqueur sur toile non tendue, 2014. Dimensions : 11 x 13,25 pouces. Printed Oceans est le programme d'estampes d'art de la Fondation PangeaSeed. Il sensibilise le public aux enjeux environnementaux marins les plus urgents grâce au regard créatif d'artistes parmi les plus reconnus d'aujourd'hui. Depuis 2012, nous avons publié plus de 100 éditions originales d'estampes d'art mettant en lumière des espèces marines menacées et des habitats océaniques. Ces magnifiques éditions contribuent à diffuser des récits importants sur la conservation dans les foyers et les espaces de travail du monde entier, suscitant un dialogue essentiel et inspirant des actions concrètes. En acquérant ces œuvres d'art en édition limitée, réalisées artisanalement avec soin, vous soutenez non seulement le travail novateur de la Fondation PangeaSeed dans les communautés du monde entier, mais vous contribuez également aux moyens de subsistance de nos artistes engagés. Ensemble, par l'art et l'activisme, nous pouvons sauver nos océans.

Lis Plus Moins

Francisco Goya Saturne dévore son fils - Œuvre remixée, tirage giclée en édition limitée sur papier Moab Entrada 290 g/m² par l'artiste moderne Luke Chueh. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2012. Format : 19 x 34 pouces.

Lis Plus Moins

Carnet de graffitis Black Book, dessin, pratique de gribouillage, journal personnel par TC5 x Totem x Psycho x ZiNk x Delk x Comet x Kaws, tag, gribouillis, dessins, peintures et œuvres d'art de pensée de style street pop moderne. Carnet de croquis noir, format 21,9 x 21,6 x 2,5 cm (8,5 x 11 pouces), signé et tagué. Dessins originaux au marqueur, à la bombe, à l'acrylique et aux autocollants. Recueil de graffitis d'artistes variés, vers 1994. Ce carnet à couverture rigide présente les tags et signatures originaux de divers artistes, dont Kaws, ZiNk, Psycho Seen, TC5 et Totem du crew TC5. Il contient de nombreux dessins en couleur, une multitude de tags et de dessins au marqueur, ainsi que des notes personnelles, d'anciens numéros de téléphone, des adresses de lieux de rencontre, des idées et des informations privées sur le crew. 50 pages, couverture comprise (et de nombreuses pages blanches). On y trouve également les tags IBM, Squad One, Pilot et MPV. Carnet de graffitis Black Book par TC5 x Totem x Psycho x ZiNk x Kaws Ce carnet de croquis noir de 1994 immortalise un moment exceptionnel de l'histoire du graffiti, témoignant de la convergence des styles, de la rébellion et de l'expérimentation créative de certains des membres les plus influents du crew TC5. Ce livre relié de 21,6 x 27,9 cm est bien plus qu'un simple carnet de croquis : c'est une archive profondément personnelle de l'énergie brute de la rue. On y trouve des dessins vibrants au marqueur, des superpositions d'autocollants, des illustrations détaillées de personnages, des remplissages, des exercices de throw-up, des notes personnelles et des tags signés par des membres fondateurs comme Totem, Psycho, ZiNk, Delk, Comet, Seen et Kaws. Le carnet mentionne également des pseudonymes et des crews parallèles tels que IBM, MPV et Squad One, offrant un aperçu riche et complexe des sous-groupes de graffiti interconnectés qui ont sévi à New York durant l'âge d'or de la culture du carnet noir. Évolution des tags et art pop urbain et graffiti Les entrées de ce journal reflètent la fusion de l'esthétique wildstyle traditionnelle du graffiti avec les sensibilités graphiques qui influenceront plus tard le Street Pop Art. Chaque page révèle une combinaison de pratique et de performance : des contours de tags d'une précision chirurgicale, des remplissages psychédéliques, des collages de fragments de flyers et des croquis de personnages pleins d'humour et d'attitude. Des artistes comme ZiNk et Psycho ont démontré leur maîtrise technique des lettres en relief tout en les superposant à des personnages ludiques et des décors surréalistes. Le premier tag de Kaws, que l'on retrouve ici sous les noms FC et TC5, témoigne de l'influence naissante de son iconographie fusionnant le dessin animé et l'art contemporain, qui deviendra par la suite sa signature dans les beaux-arts et sur les plateformes commerciales. L'héritage du format Livre noir Bien avant les archives numériques, les carnets noirs étaient au cœur de la culture graffiti. Ils servaient de galeries itinérantes, de lieux d'entraînement et de plateformes de communication intimes entre les graffeurs. Ce carnet en particulier, avec ses tags personnels, ses adresses secrètes, ses numéros de téléphone et ses réflexions, révèle que le graffiti était bien plus qu'une simple expression extérieure : c'était une vie intérieure. Le style agressif de Totem, l'iconographie urbaine stylisée de Delk et les fragments de wildstyle classiques de Comet témoignent d'années d'expérimentation sur les voies ferrées, couchées sur le papier. MPV et IBM apparaissent fréquemment griffonnés sur les stickers et les bordures, et si la signification précise d'IBM dans ce contexte reste ambiguë, on le retrouve systématiquement à côté de tags respectés et il est synonyme de respect au sein du crew. Poids culturel et importance pour les collectionneurs Ce journal témoigne non seulement de l'âge d'or du graffiti à TC5, mais aussi d'une évolution culturelle vers un art urbain et un graffiti stylisés. La profusion de supports – lettrages manuscrits, collages d'affiches de concerts, références à des marques comme Richie Rich et Nervous Records, et stickers personnalisés – fait de ce carnet noir un objet culturel multidisciplinaire. Sur le marché de l'art actuel, ces journaux sont prisés pour leur authenticité, leur sincérité et les aperçus qu'ils offrent sur la vie privée des artistes de graffiti les plus médiatisés. Les signatures manuscrites de Kaws, Psycho, ZiNk et Totem, en particulier, en font un document digne d'être conservé dans un musée, témoignant de la transformation du graffiti, des trains aux murs des galeries.

Lis Plus Moins

Collection Capsule n°5 Œuvre originale et unique de peinture acrylique blanche sur papier technique mixte noir par le célèbre artiste de graffiti de rue HoxxoH - Douglas Hoekzema. Collection capsule 2021 signée au dos n° 5. Issue d'une série unique de 25 pièces peintes à la main, toutes différentes. Format : 18 x 24 pouces.

Lis Plus Moins

Jimi Hendrix - Cream, édition limitée, sérigraphie artisanale 5 couleurs sur papier beaux-arts par Mr Brainwash - Thierry Guetta, artiste de rue graffiti, pop art moderne. 2015 Édition limitée signée et numérotée à 70 exemplaires. Dimensions de l'œuvre : 22,5 x 30 pouces. Artiste : Mr. Brainwash Titre : Hendrix (Cream) Année : 2015 Dimensions : 76,2 cm x 57,2 cm Édition : Tirage limité à 70 exemplaires Technique : Sérigraphie couleur sur papier d'archivage déchiré à la main État : Excellent Signature : Signée à la main et avec l'empreinte du pouce

Lis Plus Moins

Sérigraphie 3 couleurs Marilyn Pure Joy Oxblood par Pure Evil, tirée à la main sur papier d'art Somerset Fine Art Paper 300 g/m² à bords frangés, édition limitée. Édition limitée signée et numérotée 2025 (à déterminer). Format de l'œuvre : 16x20. Sérigraphie représentant l'actrice hollywoodienne Marilyn Monroe stylisée en bleu turquoise, rose et bordeaux. Marilyn Pure Joy Oxblood par Pure Evil dans l'art pop art et graffiti de rue « Marilyn Pure Joy Oxblood » est une sérigraphie audacieuse en édition limitée (2025) de Charles Uzzell-Edwards, artiste reconnu dans le milieu de l'art contemporain sous le pseudonyme de « Pure Evil ». Imprimée en trois couleurs et tirée à la main sur un papier d'art Somerset 300 g/m² à bords frangés, cette œuvre de 40,6 x 50,8 cm s'inscrit dans la continuité de la série de portraits de l'artiste, qui rend hommage aux icônes historiques à travers le prisme de la subversion moderne. Marilyn Monroe, sans doute l'un des visages les plus reconnaissables de l'histoire de la culture populaire, est ici représentée dans un contraste saisissant de rose bordeaux et de blanc, avec des reflets glacés et le motif en larme, signature de « Pure Evil », qui se déverse vers le bas dans un contraste visuel saisissant. La palette de couleurs utilisée transforme Monroe, d'icône nostalgique, en un sujet poignant d'introspection, révélant la coexistence de la célébrité et de la fragilité. Recontextualiser les icônes dans la tradition du pop art de rue Cette œuvre puise dans le langage du pop art traditionnel et les codes du street art, mêlant esthétique de la haute couture et commentaire incisif. Pure Evil utilise la sérigraphie dans la lignée d'Andy Warhol, mais explore des territoires émotionnels plus sombres en introduisant la larme noire, un motif récurrent dans son œuvre. La larme n'est pas seulement un élément stylistique, mais aussi un procédé narratif, suggérant le deuil d'une innocence perdue ou une critique de la façon dont la célébrité consume l'individualité. En plaçant Monroe dans une teinte rouge bordeaux saturée, l'estampe souligne le drame, la sensualité et l'intensité émotionnelle, conférant une nouvelle profondeur à une figure souvent idéalisée et aplatie par la culture commerciale. Le rôle de la couleur et de la technique d'impression dans l'impact émotionnel La palette rouge sang de bœuf joue un rôle central dans la manière dont cette version de la série Pure Joy communique l'urgence et la tristesse. Elle s'écarte des palettes chaudes et traditionnelles d'Hollywood, généralement utilisées pour représenter Monroe. Le rouge profond suggère la passion, l'obsession, voire la violence en filigrane. Se détachant sur des fonds blancs éclatants et des détails ombrés, la silhouette de Monroe devient encore plus obsédante. L'impression sérigraphique, avec ses contours nets et ses superpositions précises, renforce la dualité entre maîtrise esthétique et chaos émotionnel. Le bord frangé du papier Somerset ajoute une dimension tactile et physique qui ancre l'œuvre, faisant le lien entre sa présence digne d'une galerie et ses racines dans les pratiques urbaines du pochoir. Le commentaire du mal pur à travers le portrait de célébrités La réinterprétation de Marilyn Monroe par Pure Evil dépasse le simple remix culturel. Elle dénonce avec subtilité la manière dont les médias de masse instrumentalisent la beauté, l'iconographie et l'exploitation émotionnelle. L'image de Monroe, jadis auréolée d'un glamour discret, nous fixe désormais du regard, révélant une tension complexe entre attrait et traumatisme. La teinte bordeaux exprime sa vulnérabilité humaine sans altérer sa puissance symbolique. Charles Uzzell-Edwards, alias Pure Evil, a développé un style reconnaissable entre tous, fusionnant le graffiti et la précision de la sérigraphie. Avec l'édition « Marilyn Pure Joy Oxblood », il contribue à un débat plus large au sein du street art et du graffiti, invitant le public à s'interroger sur ce qui se cache derrière l'image de la célébrité et à en mesurer les conséquences.

Lis Plus Moins

Sans titre III Peinture acrylique originale d'Atomik Œuvre unique sur toile d'un artiste pop art de rue. Peinture acrylique originale signée, 2020, format 30 x 30 cm, représentant Atomik orange souriant. Sans titre III par Atomik : L’orange souriante, icône du street art pop et du graffiti « Sans titre III » est une peinture acrylique originale sur toile de 30 x 30 cm (12 x 12 pouces) d'Atomik, un artiste basé à Miami et reconnu pour son personnage récurrent : une orange souriante aux traits exagérés et aux feuilles vertes luisantes. Créée en 2020, cette œuvre unique et signée capture l'énergie et l'humour qui caractérisent le travail d'Atomik dans les univers du street art, du pop art et du graffiti. Ce sujet, affectueusement surnommé l'Orange d'Atomik, est né en réaction à la démolition de l'Orange Bowl de Miami en 2008 et est depuis devenu un symbole vibrant de mémoire collective, de fierté locale et de résistance artistique. Dans « Sans titre III », le personnage orange est présenté en gros plan, son sourire caricatural s'étirant sur toute la partie inférieure de la toile, ses yeux brillant de reflets épais, typiques des bandes dessinées. La peinture est appliquée en couches successives avec précision, des traits noirs audacieux créant une séparation nette entre les tons orange vif et vert citron. Les nuances de bleu et de blanc donnent de la profondeur au regard et au sourire du personnage, tandis que le hachurage directionnel évoque les illustrations de bandes dessinées d'antan. Le fond, d'un bleu ciel apaisant, permet à la palette de couleurs éclatantes du personnage de se détacher avec force. Cette harmonie chromatique renforce la personnalité pétillante de l'orange, à la fois drôle, exubérante et rebelle. L'orange Atomik et le langage de la réappropriation urbaine Le personnage au centre d'Untitled III représente bien plus qu'une simple identité visuelle : c'est une réappropriation de l'espace et de la mémoire. La démolition de l'Orange Bowl a fait disparaître une part de l'identité de Miami. Atomik, artiste américain de naissance et de carrière, a réagi par une intervention visuelle qui a transformé le deuil en vitalité. Son personnage orange a commencé à apparaître dans toute la ville : murs, boîtes aux lettres, toits, bâtiments abandonnés, à la fois hommage et symbole de présence. Sur toile, comme ici, le personnage conserve toute son énergie urbaine tout en devenant un objet de collection. Son sourire malicieux et son sourcil levé traduisent visuellement le mélange d'attitude, de chaleur et de résistance créative qui caractérise Miami. L'œuvre d'Atomik incarne le style et la fonction du Street Pop Art et du graffiti, où les personnages servent de tags symboliques, de commentaires sociaux et d'avatars publics. Son orange se manifeste sous de multiples formes – rebelle, clown, mascotte – et sa simplicité fait sa force. L'utilisation de lignes expressives, de proportions exagérées et de mises en valeur stratégiques est directement liée au langage du muralisme et de la bande dessinée, qui alimentent tous deux le vocabulaire visuel du graffiti. De la rue à la toile : l'expansion d'Atomik dans le monde des galeries d'art « Sans titre III » illustre un aspect essentiel de la démarche d'Atomik : l'intégration de figures issues de la rue dans les espaces artistiques formels, sans rien perdre de leur originalité ni de leur identité. En transposant sa couleur orange sur la toile, Atomik conserve la même audace et la même accessibilité que l'on retrouve sur les murs de la ville. L'œuvre, loin d'être diluée, est concentrée, focalisant toute son intensité pop dans un format maîtrisé. La peinture conserve l'urgence et le charme de ses racines graffiti, affinés par la technique d'atelier et la précision de l'acrylique. Cette transition de l'espace public à la collection privée est fondamentale pour de nombreux artistes de Street Pop Art et de graffiti, qui continuent d'évoluer simultanément dans ces deux sphères. Atomik demeure prolifique dans les rues de Miami, mais ses œuvres en galerie, comme « Sans titre III », permettent aux collectionneurs de s'immerger dans le mouvement de manière intime et durable. Ces pièces deviennent des documents culturels, incarnant non seulement l'énergie d'un personnage, mais aussi le mouvement plus large qu'il représente. Identité visuelle et commentaire culturel dans l'œuvre d'Atomik L'orange d'Atomik est plus qu'un motif esthétique : c'est un signal culturel. Le sourire éclatant, l'éclat de couleur citronnée et les traits espiègles contribuent à un langage d'activisme visuel. Il communique la joie tout en se souvenant de la perte, l'espièglerie tout en affirmant une présence. Sans titre III, avec sa composition épurée et son style caractéristique, préserve cette énergie sur la toile d'une manière qui invite à un regard répété. L'œuvre vibre du même esprit centré sur les personnages qui a défini les figures du pop art depuis le milieu du XXe siècle, tout en restant ancrée dans la tradition rebelle du graffiti. En tant qu'œuvre unique de Street Pop Art et de graffiti, Sans titre III capture un moment où les personnages n'étaient pas seulement imaginés, mais vécus à travers l'architecture urbaine. L'orange d'Atomik continue de sourire – sur les murs, sur les toiles, dans les estampes et dans l'esprit – rappelant aux spectateurs que personnalité et contestation se rejoignent souvent.

Lis Plus Moins

Sérigraphie « Idéaux des poids lourds de Muhammad Ali » par Shepard Fairey - OBEY Tirage à la main sur papier d'art Speckletone, édition limitée. Édition limitée signée et numérotée de 500 exemplaires (2023). Sérigraphie de 18 x 24 pouces représentant le visage du boxeur Muhammad Ali jeune, en costume. « À partir d'une photo incroyable d'Howard Bingham, fournie par son fils Dustin, je souhaitais mettre en lumière le rôle d'Ali en tant que citoyen engagé et militant. Ali était un défenseur des droits civiques, objecteur de conscience à la guerre du Vietnam, philanthrope et messager de la paix des Nations Unies. J'admire qu'Ali ait défendu ses convictions même au risque d'être emprisonné et de voir sa carrière de boxeur s'arrêter. Le YMCA de Chestnut Street, où nous avons réalisé la fresque murale à l'effigie d'Ali, se situe à quelques pas de son école d'enfance et était un lieu qu'il fréquentait assidûment dans sa jeunesse. Je suis très reconnaissant au YMCA de nous avoir offert ce magnifique mur, en lien direct avec la vie d'Ali. Un projet de cette envergure n'aurait pu aboutir sans la généreuse collaboration de nombreuses personnes. » – Shepard Fairey. Peu d'artistes du pop art et du street art ont atteint une notoriété et une influence aussi grandes que Shepard Fairey, le créateur de la marque OBEY. Sa sérigraphie « Muhammad Ali Heavyweight Ideals » témoigne de son talent d'artiste et de son engagement à mettre en lumière des figures emblématiques à la profonde signification culturelle. S'inspirant d'une photographie saisissante d'Howard Bingham, la représentation par Fairey d'un jeune Muhammad Ali en costume est une réflexion poignante sur l'héritage du boxeur, bien au-delà du ring. Cette œuvre ne se contente pas de souligner Ali comme un athlète de classe mondiale, mais aussi comme un homme profondément impliqué dans les enjeux socio-politiques de son époque. Son opposition farouche à la guerre du Vietnam, son rôle dans le mouvement des droits civiques et ses actions ultérieures en tant que philanthrope et Messager de la paix des Nations Unies symbolisent une vie de conviction et d'engagement. Dans cet hommage, Fairey magnifie ces idéaux, dépeignant Ali comme une légende de la boxe et un militant prêt à risquer sa carrière et sa liberté pour ses convictions. Le choix du lieu pour la fresque, le YMCA de Chestnut Street, revêt une signification particulière. Situé à quelques pas de l'école d'enfance d'Ali et lieu de prédilection du jeune boxeur, le mur du YMCA offre une toile authentique, reliant les années de formation d'Ali à son héritage durable. À travers cette œuvre, la minutie des détails de Fairey, alliée à sa compréhension nuancée de la vie d'Ali, enrichit le récit du street art et du pop art. Elle souligne le potentiel de ce médium, non seulement à captiver visuellement, mais aussi à susciter une réflexion sur l'impact profond de ses sujets sur l'histoire et la culture.

Lis Plus Moins

Achetez TITLE Sérigraphie 4 couleurs tirée à la main sur une œuvre d'art Pop Street Art en édition limitée MEDIUM. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

Lis Plus Moins

Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Edition limitée sur papier Moab Entrada 290gsm par Urban Pop Artist ARTIST Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

Lis Plus Moins

4 Éléments du Hip Hop PP Épreuve d'Imprimeur Tirage d'Archives par BG183 Édition Limitée Tirage sur Papier Beaux-Arts Œuvre d'Artiste Pop Moderne. Épreuve d'imprimerie PP signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 13x20 Pigments d'archivage L'importance des quatre éléments du hip-hop dans l'art urbain pop et le graffiti La culture hip-hop a marqué son empreinte grâce à sa musique et à ses expressions visuelles vibrantes, notamment dans le street art et le graffiti. L'estampe d'archive « Les 4 Éléments du Hip Hop » de BG183 est une édition limitée qui capture l'essence de ce mouvement influent. Les estampes en édition limitée comme celle-ci, en particulier celles signées et estampillées « Épreuve d'Imprimeur » (EI), revêtent une grande valeur dans le monde de l'art contemporain. Elles sont très recherchées par les collectionneurs et les passionnés désireux de posséder un morceau d'histoire du hip-hop. Cette estampe d'archive est un véritable trésor d'iconographie hip-hop, saisissant les quatre éléments fondateurs de cette culture : le DJing, le MCing, le breakdance et le graffiti. Chaque élément est représenté avec minutie, témoignant de la profonde compréhension et du respect de l'artiste pour le hip-hop. Les platines du DJ, le micro du MC, les chaussures dynamiques du breakdancer et les bombes de peinture aux couleurs vives sont autant de symboles qui expriment l'influence majeure du hip-hop sur le street art et le graffiti. Ces tirages d'art de haute qualité sont réalisés avec des pigments de qualité supérieure sur papier beaux-arts, garantissant ainsi leur longévité et la fidélité de leurs couleurs. Leur format, généralement de 33 x 51 cm environ, en fait une pièce de collection idéale, pouvant être exposée dans divers contextes, d'un atelier privé à une exposition publique. L'utilisation de pigments d'archivage souligne la volonté de préserver l'œuvre pour les générations futures, témoignant de l'influence durable de la culture hip-hop. Le point de rencontre entre le pop art et le hip-hop dans le graffiti L'influence du hip-hop doit être équilibrée dans le street art et le graffiti. Autrefois perçu comme une forme de vandalisme, le graffiti est devenu un moyen d'expression et de narration urbaine respecté, en grande partie grâce au hip-hop. L'œuvre de BG183 illustre cette transformation, témoignant de l'élévation du graffiti au rang de forme d'art à part entière. Cette pièce, en particulier, représente de façon saisissante la manière dont le pop art a intégré et réinterprété le langage visuel du hip-hop pour toucher un public plus large. Les éléments visuels empruntés au hip-hop se mêlent aux couleurs vives, aux lignes audacieuses et à la sensibilité graphique caractéristiques du pop art. Cette fusion crée un genre artistique unique – le street art – qui fait écho à l'esprit rebelle du hip-hop tout en embrassant l'attrait populaire de la culture pop. L'estampe de BG183 est une toile vibrante où ces deux univers se rencontrent, créant un dialogue visuel qui interroge les origines de la culture urbaine et sa place actuelle dans la culture dominante. La valeur de telles estampes dépasse leur simple attrait esthétique ; Ce sont des artefacts culturels témoignant de l'évolution du hip-hop. Le hip-hop a connu un parcours remarquable, passant de sous-culture à phénomène mondial, à l'image des couches de peinture et d'encre qui caractérisent l'art du graffiti. La mention « PP » indique que cette estampe fait partie d'un sous-ensemble particulier de l'édition, généralement réservé à l'artiste et à ses proches, ce qui renforce son exclusivité et sa valeur auprès des collectionneurs. Valeur de collection et impact culturel des œuvres d'art inspirées du hip-hop L'attrait des œuvres de street art et de graffiti inspirées du hip-hop réside dans leur capacité unique à immortaliser un moment de l'histoire culturelle. Des estampes comme « 4 Elements of Hip Hop » de BG183 sont bien plus que de simples objets décoratifs ; elles sont des instantanés d'un mouvement qui a marqué des générations. Collectionneurs et fans de hip-hop sont attirés par ces œuvres pour leur impact visuel, leur authenticité et leur importance historique. Ces estampes en édition limitée font le lien entre les débuts difficiles du hip-hop dans la rue et son statut actuel de force culturelle majeure. Elles sont souvent produites en quantités limitées afin de préserver leur valeur et leur caractère unique, notamment les épreuves d'artiste. Posséder une épreuve d'artiste, c'est posséder un exemplaire du tirage initial, souvent plus intimement lié à la vision originale de l'artiste. L'estampe d'archive « 4 Elements of Hip Hop » de BG183 incarne l'énergie vibrante du hip-hop et son empreinte indélébile sur le street art et le graffiti. En tant qu'œuvre d'art moderne, elle se situe au carrefour du passé et du présent, offrant un récit visuel à la fois intemporel et actuel. Entre les mains des collectionneurs, ces estampes ne sont pas seulement des acquisitions esthétiques, mais aussi les témoins de l'histoire en constante évolution du hip-hop et de son influence profonde sur l'art et la culture contemporains.

Lis Plus Moins

Étude 003 - Sculpture de chaussure en résine blanche, édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de rue et graffeur moderne Matthew Senna. Étude 003 Résine Blanche : Un Classique parmi les Classiques. L'Étude 003 met en valeur les formes novatrices de son design iconique tout en conservant l'authenticité du béton sur lequel elles reposent. Ces pièces massives en bronze profond subliment chaque détail de l'Étude 003, incarnant l'essence même de cette création emblématique. Cette édition limitée en résine blanche est présentée dans un coffret sur mesure avec insert en mousse et fermeture magnétique. Chaque exemplaire est signé et numéroté individuellement. Matthew Senna, artiste multimédia basé à Los Angeles, combine ses expériences quotidiennes et explore les enjeux socioculturels pour créer des œuvres exceptionnelles qui suscitent la réflexion et éveillent l'émotion par leur beauté, leur narration et leur authenticité. L'œuvre de Senna raconte l'histoire des objets du quotidien et leur impact culturel sur la société, ce qui lui a valu l'admiration d'un public passionné et d'une critique élogieuse.

Lis Plus Moins

Achetez TITLE Sérigraphie 4 couleurs tirée à la main sur une œuvre d'art Pop Street Art en édition limitée MEDIUM. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

Lis Plus Moins

« Where It Falls », estampe d'art en édition limitée, réalisée à partir de pigments d'archives sur papier pressé à chaud par l'artiste Chris Austin, art pop moderne. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Dimensions de l'œuvre : 32 x 17 pouces.

Lis Plus Moins

Sérigraphie en édition limitée, tirée à la main, bicolore, sur papier crème moucheté, par Shepard Fairey. Œuvre d'art de rue rare, OBEY Pop Artwork, artiste pour le musicien Franz Ferdinand. Sérigraphie signée et numérotée 18 x 24 pouces Édition limitée à 500 exemplaires 18 octobre 2016 Je suis un grand fan du groupe Franz Ferdinand depuis leurs débuts en 2003. Stylistiquement, Franz mélange une touche de glam rock, une bonne dose de post-punk et un soupçon de dance-punk pour créer un son irrésistiblement entraînant. Le groupe est indéniablement élégant, tant dans sa tenue que dans ses pochettes d'albums, souvent inspirées du constructivisme russe, une de mes plus grandes sources d'inspiration. Les textes du chanteur Alex Kapranos sont spirituels, charmants et souvent perspicaces sur la nature humaine. Franz Ferdinand est un groupe de style et de fond. - Shepard Fairey

Lis Plus Moins

Dessin original de poisson dessiné à la main sur papier d'art vieilli et frangé à la main, encadré, par l'artiste surréaliste Naoto Hattori. Dessin original unique au crayon/graphite signé en 2012. Œuvre encadrée. Dimensions du cadre : 8,5 x 8,5. Dimensions de l’image : 3 x 5. Encadrement et passe-partout personnalisés par l’artiste. Légères éraflures sur le cadre, normales compte tenu de l’âge. Le parcours artistique du dessin original de poisson de Naoto Hattori La contribution unique de Naoto Hattori au monde de l'art trouve souvent sa juste place à la croisée du surréalisme et du street art. L'œuvre originale « Fish Original », dessinée à la main sur papier d'art vieilli et frangé, est une illustration parfaite de ce mélange artistique. Réalisé en 2012, ce dessin original au crayon et au graphite témoigne du style complexe de Hattori et de sa capacité à créer profondeur et narration au sein d'un sujet minimaliste. L'œuvre, présentée dans un cadre sur mesure de 21,6 x 21,6 cm, dévoile une image de 7,6 x 12,7 cm, offrant un aperçu de la perspective surréaliste de l'artiste à travers le prisme du pop art et du graffiti. Cette pièce unique signée par Hattori est un dessin original et original, illustrant l'impact subtil et puissant de l'art monochrome. Le choix du papier d'art vieilli et frangé témoigne de l'attachement de Hattori aux qualités texturales que ce support confère à l'œuvre. Les bords irréguliers confèrent à l'œuvre une touche d'ancienneté et un aspect organique, enrichissant l'expérience visuelle et soulignant la simplicité du sujet : un poisson. Le dessin, d'une représentation directe, est empreint de mouvement et de vie, capturant l'essence du sujet avec un réalisme délicat, caractéristique du travail d'Hattori. Explorer les nuances du surréalisme d'Hattori dans le contexte du street art L'œuvre « Fish Original » de Naoto Hattori est un clin d'œil subtil à la fluidité du pop art urbain et à la force évocatrice du graffiti. Bien que le travail d'Hattori soit principalement ancré dans le surréalisme, l'influence du street art est manifeste dans sa manière d'aborder ses sujets. Ce dessin possède une certaine spontanéité et une authenticité, qualités souvent admirées dans le street art. Le trait de crayon est précis, mais une liberté et une spontanéité sous-jacentes s'accordent avec l'esprit du graffiti. Encadré et sous passe-partout sur mesure par l'artiste, le dessin « Fish Original » reflète l'implication d'Hattori dans son art, de sa conception à sa présentation. Les légères éraflures sur le cadre, témoins de son âge, ajoutent du caractère à l'œuvre, suggérant une histoire au-delà de son contenu visuel. Ce type de patine attire souvent les amateurs de street art, car elle confère à ces œuvres une dimension narrative riche et personnelle. Ces éraflures ne sont pas des défauts, mais les marques d'un parcours, à l'image des murs patinés qui servent de toiles au street art. Art urbain pop, graffiti et intimité des œuvres à petite échelle L'univers du street art et du graffiti est réputé pour son audace et sa visibilité à grande échelle. Pourtant, des œuvres comme « Fish Original » de Hattori remettent en question cette convention en mettant en lumière l'intimité des œuvres de petit format. À travers ce dessin, Hattori démontre que l'essence du street art ne se limite pas à la taille, mais réside dans l'authenticité et la puissance expressive de l'œuvre. Le choix de l'encadrement et du passe-partout personnalise davantage l'œuvre, lui conférant un caractère narratif, à l'instar du street art qui, souvent, raconte des histoires dans l'espace public. « Fish Original » de Naoto Hattori fait le lien entre les mondes souvent distincts des beaux-arts et du street art, alliant la précision du dessin au crayon à l'accessibilité et à l'émotion propres au street art. Cette œuvre illustre comment l'art peut transcender les frontières et s'adresser à un public diversifié. Ce dessin, d'une facture méticuleuse et sur fond de papier vieilli texturé, est une œuvre précieuse de l'art contemporain. Il offre un moment de contemplation et de connexion au cœur du dialogue foisonnant entre le pop art urbain et le graffiti. Il témoigne du potentiel que recèle la fusion de différentes disciplines artistiques, tel que le perçoit le regard visionnaire de Naoto Hattori.

Lis Plus Moins

GMT Dark Rise Édition Limitée Sculpture d'Art en Vinyle Œuvre de Collection par l'artiste Pop Moderne Honmono Taiketsu x Fools Paradise. Édition limitée 2022, hauteur 34,5 cm (13,62 pouces), neuve en boîte. Montre Batman avec cadran Rolex. GMT Dark Rise : Une convergence du temps et de l'art en sculpture vinyle par Honmono Taiketsu x Fools Paradise La sculpture en vinyle GMT Dark Rise, édition limitée, est une remarquable illustration de la manière dont le street art, le pop art et le graffiti transcendent les supports traditionnels pour s'exprimer en trois dimensions. Cette pièce de collection, d'une hauteur de 34,5 cm (13,62 pouces), présentée neuve dans sa boîte, est le fruit d'une collaboration entre l'artiste pop moderne Honmono Taiketsu et l'agence de design créatif Fools Paradise. Elle symbolise la fusion de la culture savante et de la culture populaire en associant l'image iconique de Batman au symbole de luxe que représente le cadran d'une montre Rolex. Cette création en édition limitée de 2022 incarne l'essence même du pop art par sa réinterprétation ludique de symboles commerciaux et iconiques. En transformant l'image stoïque de Batman en une sculpture en vinyle et en intégrant le design de la montre Rolex, Taiketsu et Fools Paradise ont créé un jeu visuel qui fait écho à l'humour et à la satire souvent présents dans le pop art. Cette œuvre, résolument moderne dans sa conception, s'inscrit dans l'héritage des pionniers du pop art qui ont brouillé les frontières entre expression artistique et imagerie consumériste. La sculpture GMT Dark Rise peut être interprétée comme une réflexion sur le rapport entre le temps et la nature évolutive de l'art. En associant Batman, figure emblématique et intemporelle du super-héros, à la marque Rolex, réputée pour sa qualité et son prestige, les artistes interrogent la persistance des icônes culturelles et de l'industrie du luxe au sein de l'esprit du temps. Ce récit est habilement condensé dans un objet de collection, élément incontournable de la culture pop contemporaine et du mouvement des art toys, suggérant que l'art peut être à la fois un bien de luxe et un objet de désir produit en masse. L'impact culturel et la portée artistique de GMT Dark Rise L'impact culturel de la sculpture en vinyle GMT Dark Rise est multiple. Elle s'impose comme une œuvre marquante dans le domaine du street art, du pop art et du graffiti, et comme un objet de réflexion dans le contexte plus large du consumérisme moderne et de la commercialisation de l'art. Son attrait réside dans son accessibilité et sa familiarité. Pourtant, elle invite également le spectateur à repenser la nature de l'art et la valeur des figures culturelles célèbres dans la société contemporaine. La portée artistique de cette pièce de collection est soulignée par son édition limitée, qui lui confère une exclusivité souvent associée aux beaux-arts. Elle demeure néanmoins intrinsèquement liée à la culture urbaine et au mouvement pop art, qui ont historiquement cherché à démocratiser l'art et à abolir les frontières entre les formes culturelles « nobles » et « populaires ». La sculpture GMT Dark Rise illustre parfaitement cette philosophie en étant à la fois un objet accessible au public et une œuvre d'art soigneusement élaborée, porteuse d'une intention artistique et critique. La sculpture en vinyle GMT Dark Rise, fruit de la collaboration entre Honmono Taiketsu et Fools Paradise, est une œuvre audacieuse qui s'inscrit dans le courant du street art pop et du graffiti. Elle incarne l'esprit ludique de l'art contemporain, qui s'approprie les icônes commerciales et la culture de consommation. Cette pièce reflète non seulement la nature du temps et l'immortalité des symboles culturels, mais aussi l'évolution du paysage artistique, où les frontières entre les différentes formes culturelles s'estompent de plus en plus. Objet de collection, GMT Dark Rise témoigne du pouvoir novateur et transformateur de la collaboration dans le monde de l'art, marquant un point de rencontre tangible et stimulant entre art, commerce et culture.

Lis Plus Moins

Pièce de 5 dollars en or 2014 W, Temple de la renommée du baseball HOF - PR 69 DCAM | PCGS Gold, pièce de collection authentique et rare, commémorative, camée profond, sous scellé, pièce américaine. Cette pièce commémorative de 5 dollars en or, frappée en 2014 à West Point et dédiée au Temple de la renommée du baseball, représente un jalon important de l'histoire numismatique sportive. Classée PR 69 Deep Cameo par PCGS, cette pièce de cinq dollars présente une qualité de frappe exceptionnelle, avec des motifs mats contrastant avec un fond miroir. Frappée à West Point, elle arbore des images emblématiques du baseball, rendant hommage aux plus grands joueurs de ce sport. En tant que pièce commémorative moderne en état quasi parfait, elle séduira les collectionneurs avertis en quête de raretés authentifiées. La mention Deep Cameo atteste d'une qualité visuelle et de fabrication supérieure. Un investissement tangible alliant valeur en métal précieux, valeur historique et de collection, pour l'amateur exigeant de souvenirs sportifs.

Lis Plus Moins

Sérigraphie grise « Dissected Companion » de Kaws - Brian Donnelly, tirée à la main sur papier d'art vélin, édition limitée. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2006. Sérigraphie 20 x 20 pouces (50,8 x 50,8 cm), encadrée sous acrylique. Dimensions de l'encadrement : 20,25 x 20,25 pouces (51,4 x 51,4 cm). KAWS Brian Donnelly Dissected Companion Gris Sérigraphie 2006 La sérigraphie « Dissected Companion Grey » de Brian Donnelly, alias KAWS, réalisée en 2006, est une œuvre emblématique de l'évolution du street art et du graffiti. Tirée à la main sur papier d'art vergé, cette édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, mesure 50,8 x 50,8 cm. L'œuvre représente la figure iconique de Companion, coupée symétriquement en deux : une moitié conserve son apparence lisse et caricaturale, tandis que l'autre révèle une coupe anatomique complexe dévoilant muscles, organes et structure osseuse. Ce jeu entre apparence et anatomie interne est devenu l'un des motifs artistiques les plus célèbres de KAWS. Langage visuel et précision graphique L'œuvre « Dissected Companion Grey » utilise une palette de gris restreinte, accentuant le contraste saisissant entre la figure simplifiée, d'inspiration pop, à gauche, et le rendu anatomique hyper-détaillé à droite. La précision graphique de KAWS en sérigraphie garantit des lignes nettes et une application uniforme des couleurs, caractéristiques de son approche des estampes de collection à fort impact. La face anatomique confère une profondeur inattendue à l'œuvre, offrant une vision à la fois littérale et métaphorique sous-jacente, tandis que le traitement monochrome lui donne une présence élégante, digne d'un musée. Rareté et statut de collection Tirée à seulement 100 exemplaires, cette estampe est signée et numérotée au crayon par l'artiste, garantissant son authenticité et sa valeur de collection. L'exemplaire présenté est encadré sous verre acrylique, avec un passe-partout, pour des dimensions de 51,4 x 51,4 cm (20,25 x 20,25 pouces), ce qui met en valeur l'œuvre tout en préservant l'intégrité du papier d'art. Réalisée au début des années 2000, cette estampe marque une étape cruciale dans la carrière de KAWS, alors que sa transition du graffiti urbain à la reconnaissance internationale dans le monde de l'art contemporain s'accélérait. Les œuvres de cette période sont très recherchées en raison de leur rareté et de l'influence grandissante de l'artiste sur le marché de l'art contemporain. L'impact culturel et artistique de KAWS Brian Donnelly, né en 1974 à Jersey City, dans le New Jersey, a débuté comme graffeur dans les rues de New York avant de se tourner vers la peinture, la sculpture et les estampes en édition limitée. La figure du Companion, apparue à la fin des années 1990, est depuis devenue un élément central de sa pratique, incarnant les thèmes de la vulnérabilité, du consumérisme et de la condition humaine. En fusionnant l'esthétique du dessin animé avec la dissection anatomique, KAWS invite les spectateurs à reconsidérer les formes familières de la culture pop à travers le prisme de l'introspection et de la complexité. « The Dissected Companion Grey » est non seulement une œuvre visuelle saisissante, mais aussi un moment charnière dans le développement de la capacité de KAWS à fusionner la sensibilité urbaine et la production artistique classique, ce qui en fait un jalon indélébile dans l'histoire du street art et du graffiti.

Lis Plus Moins

Achetez PEINTURE One of a Kind Artwork on MEDIUM par Street Art Pop Artist. 2022 Signé MEDIA Original Peinture Taille XXXX INFO

Lis Plus Moins

Presidents Day - Punk - Sérigraphie en édition limitée 6 couleurs tirée à la main sur papier d'art de qualité supérieure à bords frangés, par Mr Brainwash - Thierry Guetta - Œuvre d'art urbain rare et célèbre d'un artiste pop. 2018 Édition limitée signée et numérotée à 50 exemplaires. Format de l'œuvre : 18 x 22 pouces. À l'occasion de la Journée des présidents, Mr. Brainwash est fier d'annoncer la sortie d'une nouvelle sérigraphie rendant hommage au premier président des États-Unis, George Washington. Cette œuvre, conçue par Mr. Brainwash, présente une image dans quatre poses différentes. Il s'agit d'une sérigraphie en six couleurs sur papier d'art d'archive déchiré à la main. Des tirages individuels des quatre images composant la grande estampe seront également disponibles. Chaque sérigraphie, imprimée sur papier d'art d'archive déchiré à la main, est signée et numérotée, avec une empreinte digitale au dos. Dimensions d'un tirage : 56 x 46 cm (22 x 18 pouces).

Lis Plus Moins

Figurine en vinyle Mister Melty rose, édition limitée, objet de collection artistique en vinyle créé par l'artiste de la culture pop moderne Buff Monster. Édition limitée 2022, neuve en boîte « Voici la première figurine en vinyle non-sofubi que j'ai réalisée moi-même. Je souhaitais créer une version unique de Mister Melty : une figurine imposante, emblématique et articulée (contrairement aux versions précédentes). Avec ses 25 cm de haut, elle est environ deux fois plus grande que la plupart des figurines en résine et plus de trois fois plus haute que les anciennes versions sofubi. Mains, bras, corps, jambes et chaussures ont tous dû être resculptés. Les roses de ce premier coloris sont des roses Buff Monster personnalisés. Ici, pas de couleurs standard ! J'ai peint des carrés de différents roses sur une feuille de papier et je l'ai envoyée à l'usine en Chine pour qu'ils comprennent exactement ce que je voulais. La boîte est une boîte en carton standard, avec un emballage à clapet personnalisé à l'intérieur, conçu principalement pour protéger la figurine. » Buff Monster

Lis Plus Moins

Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Edition limitée sur papier Moab Entrada 290gsm par Urban Pop Artist ARTIST Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

Lis Plus Moins

Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

Lis Plus Moins

Tirage d'art d'archives « The Californian PP Printers Proof » de Jeff Soto, édition limitée sur papier d'art naturel de musée, œuvre d'art moderne d'artiste pop. Épreuve d'impression PP 2019 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 24x36 Pigments d'archivage « The Californian » de Jeff Soto, épreuve d'imprimerie : une convergence entre art urbain et beaux-arts Jeff Soto, figure emblématique du pop art et du graffiti, présente « The Californian », une épreuve d'artiste (PP) qui incarne la rencontre entre l'esprit du street art et le raffinement de la gravure d'art. Tirée en édition limitée sur papier d'art naturel de qualité musée en 2019, chaque exemplaire de cette collection est signé et marqué « épreuve d'artiste » par Soto lui-même, attestant de son authenticité et de son caractère exclusif au sein du monde de l'art. De format 61 x 91 cm, cette estampe pigmentaire d'art représente l'exploration par Soto d'éléments thématiques et stylistiques profondément ancrés dans l'essence de la Californie, interprétés à travers un regard artistique contemporain. L'œuvre de Jeff Soto explore souvent le surréalisme et le fantastique, et « The Californian » ne fait pas exception. Cette œuvre est un récit visuel, riche en symbolisme et imprégné des éléments fantastiques caractéristiques du style de Soto. L'utilisation de couleurs éclatantes, de motifs complexes et de figures robotiques mêlées à des éléments naturels témoigne de la relation complexe entre la technologie et le monde naturel. L'œuvre de Soto contemple le paysage en constante évolution de la Californie, un lieu réputé pour ses avancées technologiques et sa beauté naturelle à couper le souffle. Technique et symbolisme dans « Le Californien » La création d'une épreuve d'artiste, telle que « The Californian », exige un savoir-faire et une attention au détail exceptionnels, faisant le lien entre l'énergie brute et expressive du street art et la précision de la gravure d'art. La mention « EP » est traditionnellement utilisée pour attester de la qualité de l'édition imprimée. Dans le cas des éditions limitées, elles sont souvent très recherchées par les collectionneurs pour leur fidélité à la vision originale de l'artiste. Le choix de Soto de créer une édition EP témoigne d'un attachement au processus traditionnel de la gravure et reconnaît l'estampe comme une œuvre d'art à part entière. Dans « The Californian », l'utilisation par Soto de pigments d'archivage sur papier beaux-arts garantit la préservation des riches textures et des profondeurs de couleur, offrant ainsi une estampe qui résiste à l'épreuve du temps, tant sur le plan physique que conceptuel. L'œuvre dialogue entre l'immédiateté et l'éphémère du graffiti et la pérennité des estampes d'art, permettant ainsi de l'apprécier dans des contextes variés, des murs urbains aux galeries d'art. Impact culturel du roman « The Californian » de Jeff Soto L'épreuve d'imprimerie « The Californian » témoigne de l'influence durable de Jeff Soto sur le street art et le graffiti. En transposant son œuvre des fresques murales monumentales au médium plus intimiste des estampes d'art, Soto permet à un public plus large de découvrir sa vision artistique. La portée culturelle de cette œuvre réside dans sa capacité à transmettre un récit à la fois personnel et universel, reflétant les racines californiennes de l'artiste tout en abordant les enjeux mondiaux liés à l'interaction entre l'innovation humaine et la nature. De plus, l'œuvre souligne le pouvoir transformateur du street art, d'une expression urbaine souvent éphémère à un témoignage pérenne de la culture contemporaine. L'œuvre de Soto, notamment sous la forme d'estampes en édition limitée comme « The Californian », alimente le débat sur le rôle du street art dans le monde de l'art contemporain, remettant en question les perceptions et encourageant une réévaluation des frontières entre street art, pop art et beaux-arts. « The Californian » de Jeff Soto est une représentation vibrante de la fusion entre la spontanéité du street art et la pérennité des estampes d'art. En tant qu'épreuve d'imprimerie PP, il s'agit d'une pièce de collection qui immortalise un moment du parcours artistique de Soto. Elle offre un aperçu des complexités et des dualités qui définissent l'identité californienne moderne et, plus largement, l'expérience humaine.

Lis Plus Moins

Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

Lis Plus Moins

Break Free 29, édition limitée, estampes pigmentaires HPM d'archives rehaussées à la main sur papier Moab Fine Art 290 g/m² par Jessica Hess, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Tirage pigmentaire d'archives rehaussé à la main sur papier Moab Fine Art 290 g/m² Format : 61 x 51 cm (24 x 20 pouces) Sortie : 26 juillet 2019 « Break Free » fait partie d’une nouvelle série de peintures explorant l’étrange abstraction des structures artificielles, victimes de l’abandon, de la dégradation et de la démolition, en contraste avec la beauté de leur reconquête par la nature. Tout retournera un jour à la Terre. – Jessica Hess L'ouvrage de Jessica Hess, Break Free 29 : L'architecture de la décrépitude et le langage du graffiti « Break Free 29 » de Jessica Hess est une estampe pigmentaire d'archive rehaussée à la main, mesurant 61 x 51 cm (24 x 20 pouces), publiée en 2019 dans le cadre d'une série documentant l'architecture urbaine abandonnée, envahie par les graffitis et les éléments naturels. Imprimée sur papier d'art Moab 290 g/m², cette édition limitée illustre la maîtrise de Hess en peinture photoréaliste et son talent pour transformer la ruine urbaine en poésie visuelle. L'image capture un espace intérieur effondré – peut-être un entrepôt ou une friche industrielle – où la nature reprend ses droits et où chaque surface visible est recouverte de tags, de fresques et de pigments patinés. L'œuvre n'est pas une simple célébration du street art. C'est une méditation nuancée sur l'impermanence, la résilience et la transformation. Hess ne stylise ni n'exagère les graffitis ; elle les peint fidèlement, les respectant comme un témoignage authentique de l'empreinte humaine. Les poutres délabrées, les planches de plancher brisées et la charpente apparente du toit contribuent à la complexité visuelle de l'ensemble. Tout dans cette composition est en perpétuel mouvement. La structure se dégrade, et pourtant les surfaces s'animent d'une vie nouvelle. Des plantes vertes percent les fissures. Des éclats de couleurs vives défient le silence. L'effondrement n'est pas une fin, mais une évolution. Le photoréalisme comme préservation des objets éphémères du street pop Le travail de Jessica Hess s'apparente à une forme de préservation visuelle. En recréant minutieusement des ruines recouvertes de graffitis avec un réalisme photographique saisissant, elle immortalise l'art éphémère face au temps, à la destruction et à l'effacement. Dans Break Free 29, aucune surface n'est épargnée : piliers, encadrements de fenêtres, tuyaux et débris sont recouverts de couches superposées de graffitis, d'autocollants et de coulures de peinture. Chaque tag est une voix anonyme, participant à un dialogue visuel plus vaste, tissé au fil du temps. Hess ne retouche ni ne met en scène ces voix. Elle les capture dans toute leur complexité brute. La technique d'embellissement manuel de chaque estampe renforce l'authenticité de l'œuvre. Elle souligne la nature physique du graffiti lui-même : construit par couches, retouches et répétition. Les éléments peints ne se contentent pas de reproduire l'image ; ils la réactivent. L'utilisation d'un réalisme haute fidélité et d'un travail manuel minutieux par Hess fait le lien entre le graffiti et les beaux-arts, sans compromettre aucun des deux. Cela témoigne de son profond respect pour ces lieux et les artistes qui y ont laissé leur empreinte. Entropie, mémoire et réensauvagement de l'espace urbain Break Free 29 contribue au dialogue permanent au sein du Street Pop Art et du graffiti sur la signification de l'espace, de la dégradation et de la notion d'auteur. Hess ne peint pas l'acte de graffiti en mouvement, mais ses conséquences, sa documentation. La structure qu'elle représente n'est plus définie par sa fonction originelle. Elle devient un nouvel environnement façonné par l'effondrement, l'intervention humaine et l'abandon. L'architecture se transforme en une toile accidentelle, et la nature s'y installe lentement, collaboratrice silencieuse. Aucune figure humaine ne se détache au centre de la scène, mais la présence humaine est omniprésente : dans les traits de peinture, dans les tags, dans les strates de messages écrits au fil du temps. Le graffiti ne se contente pas d'orner les ruines ; il leur confère un sens dans leur inoccupation. Le cadrage de cet espace par Hess révèle une beauté alternative, non fondée sur la conception, mais sur la décomposition et la réappropriation. Des plantes poussent à travers le béton. La lumière du soleil filtre à travers le toit effondré. L'œuvre humaine cède, et la terre commence à réécrire l'histoire de la structure. Dans Break Free 29, Jessica Hess présente la ruine non comme une perte, mais comme une transformation. C'est un portrait de l'impermanence peint avec soin et précision, qui nous rappelle que rien n'est véritablement statique : ni les villes, ni l'art, ni la nature. Tout est en mouvement, et tout finit par se libérer.

Lis Plus Moins

Boule disco - Taches rouges, édition limitée, impressions pigmentaires HPM d'archives embellies à la main sur papier Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² par Adam J O'Day, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Boule disco : Taches rouges • Tirage pigmentaire d'archives autographié • Variante unique peinte à la main sur papier d'archives Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² • 61 x 61 cm. Peinte à la main, signée et numérotée par l'artiste Adam J. O'Day, cette édition limitée unique est disponible en 5 exemplaires. Adam J. O'Day « Boule disco : Taches rouges » - Tirage unique peint à la main - 61 x 61 cm

Lis Plus Moins

Estampe d'art en édition limitée Keepers Archival Pigment Fine Art sur papier Signa Smooth 300 g/m² à bords frangés à la main, par l'artiste Kevin Peterson, légende du street art pop graffiti. Épreuve d'artiste (EA) 2021 Signée 24x18 Signée et marquée EA Édition limitée Les Gardiens de Kevin Peterson : Innocence urbaine et gardiens sauvages dans le pop art de rue « Keepers » de Kevin Peterson est une estampe pigmentaire d'archives de 61 x 46 cm sur papier d'art Signa Smooth 300 g/m² à bords frangés, créée en 2021 en tant qu'épreuve d'artiste signée. L'œuvre représente un jeune garçon noir assis entre deux lionnes grandeur nature, devant un mur de briques couvert de graffitis, dans un paysage urbain envahi par la végétation. Un petit oiseau se perche délicatement sur la tête d'une lionne. L'œuvre est un mélange saisissant de réalisme et de fantaisie, alliant puissance émotionnelle et poésie visuelle à travers le prisme du Street Pop Art et du graffiti. La technique caractéristique de Peterson consiste à superposer une peinture à l'huile méticuleuse à des scènes marquées par la décrépitude et des traces de graffitis. Le garçon, vêtu simplement d'un t-shirt bleu et de baskets, est calme et observateur, comme pris entre la force brute des lions et le décor urbain usé par le temps. Sa présence évoque la résilience, la curiosité et la vigilance, non la peur. Les lions apparaissent à la fois majestueux et protecteurs – symboles de force veillant silencieusement. Une petite étiquette en forme de couronne peinte sur le mur près de la tête de l'enfant suggère en outre que le garçon incarne une figure de pouvoir discret, une royauté dans un environnement que beaucoup considéreraient comme ruiné. La coexistence de la vulnérabilité et du pouvoir L'œuvre de Peterson explore constamment la tension entre innocence et chaos, souvent par la juxtaposition d'enfants et d'animaux dans des paysages urbains en déclin. Dans « Keepers », les lions ne sont pas des intrusions exotiques, mais le prolongement naturel de la présence du garçon. Leur position et leur regard suggèrent protection et confiance mutuelle. Les graffitis en arrière-plan renforcent l'impression d'un espace vécu, riche et expressif – non pas abandonné, mais vivant. Plutôt que de présenter la rue comme hostile, Peterson la dépeint comme un berceau de découverte de soi et d'imagination débordante. L'intégration du street art dans la composition est essentielle. Les tags et les graffitis deviennent non seulement des détails de fond, mais des éléments narratifs actifs. Le langage visuel des graffitis dans « Keepers » souligne la conception que Peterson se fait de la rue comme une toile de résistance, d'identité et de beauté insoupçonnée. Il fonctionne à la fois comme décor et comme sous-texte – chaotique, mais profondément humain. Les briques qui s'effritent et la peinture qui s'écaille contrastent avec l'immobilité organique des lions, créant un dialogue entre la dégradation construite et la présence naturelle. Le réalisme mythique dans l'art urbain Bien qu'il ne soit pas un graffeur au sens traditionnel du terme, la contribution de Kevin Peterson au Street Pop Art et au graffiti réside dans sa maîtrise de l'allégorie urbaine. Ses figures – souvent des enfants entourés d'animaux sauvages – sont à la fois symboliques et profondément ancrées dans le réel. Elles font écho aux mythologies de la protection, de la transformation et de l'innocence sacrée, réinterprétées dans le contexte des paysages urbains modernes. « Keepers » est à la fois intime et monumentale, délivrant un récit à la fois universel et spécifique. En plaçant un enfant en symétrie visuelle directe avec des prédateurs dominants, Peterson bouleverse les dynamiques de pouvoir traditionnelles. Le garçon n'est ni victime ni observateur : il est au centre, calme et vu. L'image résiste aux clichés visuels habituels de la peur ou de l'émerveillement, privilégiant la présence. C'est un portrait de force silencieuse, de protection sans spectacle. Par un réalisme accentué par une composition surréaliste, « Keepers » offre une vision de l'identité urbaine à la fois féroce, douce et d'une imagination indomptée. C'est une méditation sur la survie, la dignité et les forces invisibles qui nous accompagnent dans les jungles de béton.

Lis Plus Moins

Sérigraphie en édition limitée, tirée à la main, bicolore, sur papier beaux-arts, par SSUR - Ruslan Karablin, artiste pop art célèbre et rare. SSUR, alias Ruslan Karablin, utilise des références au milieu du crime organisé dans son œuvre, puisant sans doute dans ses expériences russes et son mode de vie urbain. Drogue, culture pop et univers urbain parsèment son art, révélant au spectateur une perception crue du réel et du factice.

Lis Plus Moins

Impression par transfert pigmentaire d'archives en édition limitée Burger King sur planche de skate naturelle pressée à froid, œuvre de l'artiste de la culture pop urbaine Denial. En 2000, il a adopté le pseudonyme « DENIAL » pour tourner en dérision la publicité, la politique et les messages médiatiques que la société contemporaine refuse souvent de voir. Depuis, il mène une campagne de rue mondiale permanente, composée de plus de 500 000 autocollants, pancartes et fresques murales, utilisant les caractères alphanumériques « D3N!@L ». Denial s'est imposé comme l'une des figures les plus marquantes de la pop art contemporaine. Toujours aussi pertinent, il s'attache à susciter la réflexion. Son travail explore depuis longtemps les limites de l'appropriation culturelle, qu'il utilise pour subvertir la valeur des produits culturels inscrits dans la mémoire collective occidentale. En d'autres termes, son œuvre invite le spectateur à réinventer notre société dystopique afin de la confronter, l'humour et l'ironie étant ses principaux outils.

Lis Plus Moins

Achetez STREETSIGN Original Mixed Media Painting Modern Graffiti Pop Art sur Real Metal Street Sign par l'artiste ARTIST. 2022 Peinture originale signée sur XXXX Taille du signe XXXX INFO

Lis Plus Moins