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Safe Passage, dessin original au graphite et aux crayons de couleur, réalisé à la main sur papier d'art à bords frangés par l'artiste pop moderne Craww. Dessin original signé de 2014 sur papier frangé à la main, 13 x 22,5 cm.

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Triumph, sérigraphie en édition limitée tirée à la main en 17 couleurs sur papier d'art de qualité supérieure, par Pose, artiste de street art rare et célèbre du pop art. Édition limitée signée, découpée à la main, 2021, 36 x 25,75 pouces

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Mona Lisa - Découvrir le paradis des fous, sculpture en vinyle et PVC en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste pop art moderne Straveling Muzeum . 2022 17.24 ZCWO et Straveling Muzeum 15x217.4 Présenté avec boîte Mona Lisa - Découverte par Fools Paradise et Straveling Muzeum : Une nouvelle vision du street art pop et du graffiti « Mona Lisa - Discovering » est une sculpture en vinyle et PVC en édition limitée, une œuvre d'art révolutionnaire née de la collaboration entre Fools Paradise et Straveling Muzeum, en partenariat avec ZCWO. Sortie en 2022, cette sculpture réinterprète le chef-d'œuvre intemporel de Léonard de Vinci avec une touche de modernité audacieuse et ludique. Mesurant 43,8 cm, elle est présentée dans un coffret soigné qui renforce son statut d'objet de collection. Cette réinterprétation fusionne le classique et le contemporain, insufflant à la Joconde une énergie vibrante puisant son inspiration dans la culture pop moderne, l'animation et la science-fiction, et s'intégrant parfaitement à l'univers en constante évolution du street art et du graffiti. Innovation artistique et excellence technique à l'origine de la Joconde - À la découverte de Le design de Mona Lisa - Discovering présente un effet de superposition mécanique qui découpe la figure en douze segments distincts, évoquant une technologie futuriste tout en préservant l'élégance historique du portrait original. Ces sections révèlent une double identité, fusionnant le visage serein et familier de la Joconde traditionnelle avec une version colorée et caricaturale, inspirée des précédents designs de boîtes surprises de ZCWO. Le contraste saisissant entre les segments réalistes et le noyau animé et ludique interroge les notions d'authenticité, de valeur et de transformation dans l'art. Cette présentation en couches rend également un hommage subtil au film Total Recall, faisant référence à la scène inoubliable des identités dissimulées et des couches cachées, en parfaite adéquation avec l'esprit subversif du Street Pop Art et du Graffiti. Le rôle de Fools Paradise et de Straveling Museum dans l'art de la culture pop contemporaine Fools Paradise, réputé pour ses objets d'art avant-gardistes et ses réinterprétations d'icônes culturelles, a collaboré avec Straveling Muzeum pour créer une œuvre qui capture l'essence même de l'admiration pour l'art classique et de sa réinterprétation pop. En fusionnant vinyle et PVC en une sculpture unique et détaillée, ils mettent en valeur à la fois le côté ludique et le savoir-faire qui caractérisent l'art de collection moderne. Leur capacité à intégrer harmonieusement des références aux beaux-arts classiques et à l'imagerie pop contemporaine est au cœur même du Street Pop Art et du graffiti, où l'art traditionnel est réinventé à travers le prisme de médiums accessibles et populaires. Ce projet ne se limite pas à la nostalgie ou à un simple hommage ; il contribue activement à redéfinir le regard que la société porte sur les œuvres d'art historiques à l'ère du numérique et de la production de masse. L'impact culturel et l'attrait de la Joconde pour les collectionneurs - À la découverte de « Mona Lisa - Discovering » est bien plus qu'un hommage ludique ; c'est une affirmation de la pertinence intemporelle de l'art classique réinterprété à travers le langage dynamique du street art, du pop art et du graffiti. L'alliance d'un sujet universel et de techniques visuelles contemporaines en fait une pièce incontournable pour les collectionneurs sensibles à l'innovation et au commentaire culturel. Le souci du détail, de la superposition segmentée à la qualité des matériaux (vinyle et PVC), transforme cette sculpture, d'une simple curiosité, en une œuvre d'art à part entière. Présentée dans son coffret, elle fusionne histoire de l'art, culture urbaine et innovation pop, confirmant l'idée que même les icônes les plus vénérées peuvent être revisitées et présentées à un nouveau public grâce à des collaborations audacieuses et créatives.

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Sculpture en résine peinte en chrome doré « Keep Smiling » de Mr Brainwash - Thierry Guetta, édition limitée, œuvre d'art pop, artiste de rue, beaux-arts. Sculpture signée et numérotée, édition limitée à 18 exemplaires, 2023. Dimensions de l'œuvre : 10,75 x 6,75 x 1,5 pouces. Boîte avec inscription « Keep Smiling » en coloris jaune or chromé. Le message éclatant de Thierry Guetta en résine La sculpture « Keep Smiling » de Thierry Guetta, artiste mondialement connu sous le nom de Mr. Brainwash, illustre avec éclat comment le street art, le pop art et le graffiti peuvent insuffler une dimension à la fois visuelle et émotionnelle au sein du monde des beaux-arts. Cette œuvre en édition limitée, produite à seulement 18 exemplaires, est réalisée en résine et recouverte d'une peinture or chromé, reflétant le style caractéristique de Guetta qui marie la spontanéité du street art à l'audace du pop art. Ses dimensions (27,3 x 17,1 x 3,8 cm) en font une œuvre imposante mais accessible, idéale pour les collections privées comme pour les expositions publiques. Accompagnée d'un coffret reprenant la vibrante teinte or chromé de l'œuvre, la sculpture se suffit à elle-même tout en s'inscrivant dans un récit plus vaste que l'artiste développe depuis le début de sa carrière. Ce récit transparaît dans le message de la sculpture : « Keep Smiling ». En choisissant ces mots, Guetta touche à un sentiment universel, prônant la positivité et la résilience face aux épreuves de la vie. L'utilisation de l'or, couleur associée à la richesse, au succès et souvent à l'opulence, contraste avec l'accessibilité et la simplicité du street art, créant une tension dynamique caractéristique de son œuvre. Matérialité et savoir-faire dans la sculpture de Guetta Le choix de la résine par Guetta, matériau reconnu pour sa durabilité et son fini brillant, permet la création de sculptures à la fois esthétiques, robustes et pérennes. La surface réfléchissante de la peinture or chromée utilisée dans « Keep Smiling » interagit avec la lumière et l'espace, animant la sculpture et lui assurant une présence remarquable dans n'importe quel environnement. Ce choix de matériau et de finition reflète également la volonté de l'artiste de sublimer l'esthétique brute et souvent âpre du street art, l'élevant ainsi au rang des beaux-arts. Le savoir-faire requis pour la réalisation d'une telle œuvre est considérable. La résine doit être moulée avec précision, la peinture chromée appliquée avec expertise et la finition polie avec minutie, garantissant ainsi l'homogénéité de la qualité et de l'apparence de chaque édition limitée. Ce niveau d'exigence témoigne de la professionnalisation et de la maturation du street art, dont des artistes comme Guetta repoussent sans cesse les limites. L'influence de Guetta sur l'évolution du street art Thierry Guetta, alias Mr. Brainwash, est une figure controversée et pourtant incontestablement influente du monde de l'art contemporain. Ses œuvres, dont « Keep Smiling », fusionnent les origines underground du street art avec l'attrait commercial et grand public du pop art. Les sculptures de Guetta, souvent empreintes de messages optimistes et d'une iconographie reconnaissable, ont contribué à la reconnaissance croissante du street art au sein du monde des beaux-arts. Le tirage limité de « Keep Smiling » crée un sentiment d'exclusivité qui contraste parfois avec l'esprit d'inclusion du street art. Guetta parvient cependant à concilier ces deux aspects en veillant à ce que le message de son œuvre reste ancré dans les principes du Street Pop Art : accessibilité, force émotionnelle et impact visuel saisissant. À travers son travail, Guetta a ouvert le dialogue sur la valeur et la place du street art dans la culture contemporaine, incitant à une réévaluation des frontières entre art « savant » et art « populaire ». La sculpture « Keep Smiling », avec sa finition chromée dorée et son message d'optimisme, illustre parfaitement comment le street art s'est mué en une forme d'art sophistiquée et respectée. L'œuvre de Guetta témoigne du pouvoir transformateur de l'art et de sa capacité à transmettre des messages qui trouvent un écho auprès d'un large public. À travers de telles créations, l'univers autrefois underground du graffiti et du street art continue d'influencer positivement le paysage toujours plus vaste des beaux-arts.

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« Nobody Loves You », une figurine en vinyle de collection en édition limitée de Joan Cornellà, œuvre d'art de rue pop et graffiti. Œuvre d'art en édition limitée 2024, format 3 x 8,3 pouces, neuve en boîte. Figurine en vinyle imprimée représentant une fillette en robe rose tenant un gâteau d'anniversaire. Inscription : « Personne ne t'aime. » La vision provocatrice de Joan Cornellà : le jouet d'art en vinyle « Personne ne t'aime » Joan Cornellà, artiste barcelonais reconnu pour ses illustrations à la fois dérangeantes et humoristiques, explore le monde de la sculpture avec son objet en vinyle « Nobody Loves You ». Cette œuvre en édition limitée capture l'essence même du style caractéristique de Cornellà, qui juxtapose souvent une esthétique joyeuse et colorée à des thèmes sombres et satiriques. La figurine « Nobody Loves You », représentant une jeune fille en robe rose tenant un gâteau d'anniversaire sur lequel est inscrit « Nobody Loves You », illustre parfaitement la démarche artistique de Cornellà, qui mêle sensibilité pop et critique acerbe du street art. Analyse des strates de satire dans l'œuvre de Cornellà Cette œuvre de Joan Cornellà est empreinte d'ironie. La gaieté apparente d'une fête d'anniversaire est contrebalancée par le message sombre inscrit sur le gâteau, un rappel poignant de la solitude et de l'isolement qui peuvent accompagner les grandes étapes de la vie. Le sourire béat et apparemment insouciant de la jeune fille contraste fortement avec ce message, créant une dissonance à la fois drôle et troublante. Cette tension est une caractéristique du travail de Cornellà et témoigne de sa capacité à utiliser les codes du street art pour explorer des thèmes émotionnels et sociétaux complexes. Le caractère collector de l'œuvre, avec son tirage limité, son poinçon d'authenticité et son certificat d'authenticité, ajoute une dimension critique à la marchandisation de l'art et des émotions. L'influence de Cornellà sur le street art pop et la culture des objets de collection Joan Cornellà est devenu une figure influente à la croisée du pop art urbain, du graffiti et de la culture émergente des art toys. Ses figurines en vinyle, souvent rapidement épuisées en raison de leur édition limitée, sont prisées non seulement pour leur esthétique et leur valeur de collection, mais aussi pour leur commentaire social incisif. La figurine « Nobody Loves You » illustre parfaitement comment l'œuvre de Cornellà a transcendé les supports traditionnels comme la toile et le papier, prenant une nouvelle dimension dans l'art tridimensionnel. Ces figurines servent non seulement d'objets de décoration pour la maison ou le bureau, mais aussi de sujets de conversation qui invitent à se confronter à des vérités dérangeantes sur la nature humaine et les dynamiques sociales. L'œuvre de Joan Cornellà, et notamment des pièces comme la figurine « Nobody Loves You », continue de repousser les frontières du pop art et du street art. Elle incite à questionner sa perception de la normalité et du bonheur dans la société contemporaine. En tant qu'objets de collection, ces figurines représentent une fusion unique entre beaux-arts et culture urbaine, témoignant de la polyvalence et de la pertinence intemporelle de la vision artistique de Cornellà.

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Estampe d'art en édition limitée, ornée de pigments d'archivage et réalisée avec la technique HPM en cage, sur papier Moab Entrada 290 g/m² par l'artiste Nicole Gordon, légende du street art pop et du graffiti. Édition limitée 2021 signée et numérotée à 10 exemplaires, format unique 18x24.

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Achetez OBJECT Edition Limitée Designer Art Object Collectible Artwork by Artist ARTIST 2021 Édition limitée de XXX Rare OBJECT Objet Art Taille XXXXXX INFO

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Bonjour, je m'appelle AP. Épreuve d'artiste, sérigraphie de Shepard Fairey - OBEY. Sérigraphie tirée à la main sur papier d'art crème moucheté. Édition limitée. Œuvre d'art pop street art. Épreuve d'artiste (EA) 2019, signée et marquée. Format : 18 x 24 pouces. Sérigraphie d'André le Géant. Étiquette nominative et graffiti. Shepard Fairey est un nom qui résonne profondément dans les univers du pop art, du street art et du graffiti. Reconnu pour sa campagne emblématique « OBEY », Fairey a marqué le monde visuel par ses contributions à la fois provocatrices et percutantes. L'une des remarquables incarnations de son talent est la sérigraphie « Hello My Name Is AP Artist Proof » de 2019. Cette œuvre témoigne non seulement du talent de Fairey en tant qu'artiste, mais aussi de l'évolution du street art. Réalisée méticuleusement à la main, cette sérigraphie orne un papier beaux-arts crème moucheté, ajoutant une touche de charme vintage à un design déjà riche. Pièce unique, estampillée « Artist Proof », elle se distingue des éditions courantes et acquiert un statut particulier pour les collectionneurs et les amateurs d'art. L'image centrale – André le Géant, réinterprété sous la forme d'une étiquette « Hello My Name is » – constitue un point d'ancrage visuel saisissant. André le Géant est un motif récurrent dans l'œuvre de Fairey, symbolisant la contre-culture, la rébellion et le pouvoir de l'art de remettre en question les normes. Cette sérigraphie n'est pas qu'une simple œuvre d'art ; elle reflète l'esprit de notre époque. Le street art, né des manifestations artistiques illégales et des graffitis, est devenu une forme d'expression artistique reconnue, mêlant contestation et esthétique. La représentation d'André le Géant par Fairey, juxtaposée à un tag omniprésent, illustre la dichotomie entre identité individuelle et étiquettes sociales. Pour celles et ceux qui se situent au croisement de la culture pop, du graffiti et de l'art contemporain, « Hello My Name Is AP Artist Proof » de Shepard Fairey est une illustration saisissante de la manière dont le street art a évolué, s'est développé et a laissé une empreinte indélébile sur le paysage visuel de notre temps.

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Bollywood Sugar In Blue - Silver Limited Edition, sérigraphie artisanale sur nacre et impression pigmentaire d'archives sur papier Moab Fine Art 290 g/m² par Handiedan, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « L’œuvre originale, un collage sur porcelaine vintage intitulé « Bollywood Sugar in Blue », a été présentée dans le cadre de l’exposition collective « Ephemeral » du magazine Beautiful Bizarre, à la galerie Modern Eden de San Francisco en septembre 2018. La riche couleur indigo, entre le violet et le bleu. Le troisième œil. L’intuition. La connaissance spirituelle. La femme. L’épanouissement. La vie. La fleur de vie. L’entrelacement. L’énergie fluide. La Terre Mère. La particule. L’orbite. L’univers. La fractale. Un cercle d’énergie infini. Tout est énergie. » – Handiedan

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Impression giclée Wild Forever Orange AP par Gary Taxali, œuvre d'art en édition limitée sur papier d'art, artiste graffiti pop de rue. Épreuve d'artiste AP 2015 Signée et marquée AP Édition limitée Œuvre d'art Taille 19,3x24 En hommage à Maurice Sendak, célèbre personnage de Max de Where Wild Things Roam dans une rare variante orange. Interprétation pop art d'un classique littéraire « Wild Forever Orange AP » est une estampe giclée de Gary Taxali rendant hommage à Max, le célèbre personnage de Maurice Sendak tiré du classique de la littérature jeunesse « Max et les Maximonstres ». Cette épreuve d'artiste (AP) de 2015, en édition limitée, capture l'essence du pop art avec une sensibilité urbaine. Mesurant 49 x 61 cm, cette œuvre est une rare variante orange qui insuffle une touche contemporaine à ce personnage attachant, faisant le lien entre illustration, street art et culture populaire. « Wild Forever Orange AP » de Taxali canalise l'esprit de Max, le protagoniste rebelle de l'histoire de Sendak, le réinventant comme une figure emblématique incarnant l'esprit indompté de la jeunesse. L'estampe reflète l'énergie et l'esprit du Street Pop Art et du graffiti, grâce à l'approche stylistique unique de Taxali qui combine la sensibilité graphique des bandes dessinées et publicités vintage avec une touche graffiti moderne. Le choix de la teinte orange et des contours noirs marqués rappelle le pop art classique, conférant à l'œuvre un sentiment de nostalgie et d'intemporalité. La collection et le concept d'épreuve d'artiste Gary Taxali est reconnu pour son talent à insuffler à ses œuvres esprit et satire, et « Wild Forever Orange AP » ne fait pas exception. À travers cette pièce, Taxali célèbre un personnage emblématique et propose une réflexion sur la nature intemporelle de la liberté et de la sauvagerie inhérentes à l'esprit humain. Ces thèmes trouvent un écho profond au sein de la communauté du street art. L'utilisation d'une technique propre au street art, l'impression giclée, pour représenter un personnage traditionnellement illustré souligne davantage ce dialogue interdisciplinaire. En gravure, l'épreuve d'artiste désigne généralement un petit nombre d'exemplaires prélevés sur l'édition pour l'usage personnel de l'artiste. Ces épreuves sont souvent considérées comme plus précieuses en raison de leur rareté et de l'implication directe de l'artiste. L'épreuve d'artiste signée et numérotée de Taxali, faisant partie d'une édition limitée, bénéficie d'un cachet d'exclusivité et porte la marque de l'artiste, ce qui en fait une pièce de collection. Impact sur la scène artistique moderne « Wild Forever Orange AP » illustre avec brio comment des artistes contemporains comme Gary Taxali redéfinissent les frontières du street art, du pop art et de l'illustration. S'inspirant d'un personnage emblématique de la culture populaire, Taxali tisse un récit à la fois familier et inédit, témoignant de la capacité du street art, du pop art et du graffiti à évoluer sans cesse et à toucher un public toujours plus large. L'estampe « Wild Forever Orange AP » de Gary Taxali célèbre la liberté artistique et rend hommage à l'esprit rebelle qui caractérise une grande partie du street art et du pop art. Cette œuvre, qui capture à la fois la dimension ludique et poignante de l'art de Taxali, offre une riche résonance culturelle et un attrait esthétique indéniable, et atteste de la force intemporelle du pop art inspiré du street art.

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New York Invasion Blacklight 6-Color Hand-Pull Limited Edition Silkscreen Print on UV Fine Art Paper by Faile Rare Street Art Famous Pop Artwork Artist. Tirage limité à 200 exemplaires, illustration variante pour lumière noire.

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Summer MCA G Spot Paul's Boutique LA Los Angeles 1988 Tirage d'archives par Ricky Powell x Kristin Farr Édition limitée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m² Pop Graffiti Street Artiste Œuvre d'art moderne. 2019. Tirage signé par Powell, avec certificat d'authenticité et numéroté. Édition limitée à 50 exemplaires. Format : 13 x 9 pouces. Impression pigmentaire d'archives. Illustration de Hnagin, artiste des Beastie Boys, représentant une personne dormant sur la plage sous un soleil stylisé. Série « Le respect mutuel est une belle chose » de Ricky Powell. Summer MCA G Spot Paul's Boutique LA 1988 Tirage d'archive par Ricky Powell x Kristin Farr L'estampe d'archive « The Summer MCA G Spot Paul's Boutique LA 1988 » de Ricky Powell et Kristin Farr est une œuvre visuellement saisissante qui capture l'essence de la créativité décontractée et l'énergie culturelle de la fin des années 1980. Tirée en édition limitée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², cette estampe immortalise un instant volé d'Adam Yauch, alias MCA, membre des Beastie Boys, se relaxant sur la plage sous un soleil stylisé. Signée et numérotée par Ricky Powell (édition 2019), cette œuvre fait partie de la série « Mutual Respect is a Beautiful Thing » de l'artiste. Tirée à seulement 50 exemplaires, cette estampe pigmentaire d'archive de 33 x 23 cm fusionne musique, art et esthétique pop urbaine. Ricky Powell : Chroniqueur de la culture urbaine Ricky Powell, né et élevé à New York, était un photographe de rue renommé dont l'objectif a capturé l'essence de la culture urbaine des années 1980 et 1990. Connu comme le quatrième Beastie Boy en raison de sa relation étroite avec le groupe, il a été témoin de certains des moments les plus emblématiques de leur carrière. Ses photographies ont documenté non seulement les membres des Beastie Boys, mais aussi la révolution culturelle plus large qu'ils représentaient, incluant la musique, l'art et la mode de rue. En collaboration avec Kristin Farr, artiste reconnue pour ses motifs géométriques colorés, cette œuvre combine le talent de Powell pour la photographie spontanée avec le style artistique audacieux de Farr. Le soleil stylisé dans l'œuvre apporte une touche de couleur vibrante, contrastant avec la photographie en noir et blanc et soulignant l'atmosphère décontractée de la scène. Le contexte culturel de la boutique de Paul et de Los Angeles La fin des années 1980 a marqué une période charnière pour les Beastie Boys, notamment avec la sortie de leur album « Paul's Boutique » en 1989. Enregistré à Los Angeles, cet album reflétait une rupture avec leurs débuts et explorait une approche plus expérimentale, faisant la part belle aux samples. La photo de MCA se prélassant sur la plage est emblématique de cette époque, capturant l'esprit créatif et insouciant qui caractérisait leur travail et leur mode de vie à Los Angeles. L'inclusion de ce moment dans la série « Mutual Respect is a Beautiful Thing » de Powell souligne l'admiration mutuelle entre Powell et les Beastie Boys. Elle met également en lumière l'interconnexion entre la musique, l'art et le Street Pop Art à cette période. Cette image n'est pas seulement le portrait d'un musicien, mais un instantané d'un mouvement culturel qui a fait le lien entre la sensibilité hip-hop de la côte Est et l'atmosphère décontractée de la côte Ouest. Attrait artistique et de collection L'estampe « Summer MCA G Spot Paul's Boutique LA 1988 » témoigne de la puissance de la collaboration dans l'art contemporain. Les matériaux de qualité archivistique garantissent la préservation des détails complexes de la photographie et des couleurs vibrantes du soleil géométrique pour les années à venir. Son format 13x9 en fait une pièce à la fois intime et percutante, idéale pour les collectionneurs d'objets des Beastie Boys, de photographies de Ricky Powell ou d'art urbain pop moderne. Fruit de la collaboration entre Ricky Powell et Kristin Farr, cette estampe constitue une représentation unique de l'histoire culturelle et de l'innovation artistique. Elle célèbre l'esprit créatif qui transcende les médiums et souligne l'influence durable des Beastie Boys et de leur entourage. Cette œuvre est à la fois un rappel nostalgique d'une époque charnière de la musique et une création d'art moderne vibrante qui continue de résonner.

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Mona Linesa - Sculpture en bombe de peinture noire en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de rue, graffeur et légende de la culture pop Mr Brainwash - Thierry Guetta. Édition limitée 2020, signée et numérotée, à 150 exemplaires. Format de l'œuvre : 3 x 8 pouces. Signée par empreinte digitale et numérotée, avec coffret de présentation personnalisé. Pièce de collection ultra rare et exceptionnelle : Mr Brainwash – Thierry Guetta, édition limitée, œuvre d’art réalisée à la bombe de peinture.

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Primer I, tirages d'art en édition limitée à base de pigments d'archives sur papier chiffon velours mat 315 g/m² par Dave Pollot, artiste de graffiti, de street art et de culture pop. Édition limitée à 100 exemplaires. Dimensions : 61 x 87 cm (marge de 5 cm incluse). Imprimé sur papier chiffon mat velours, 315 g/m². Signé et numéroté par l’artiste.

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Achetez Two Coming In Artwork Giclee Limited Edition sur papier Fine Art par l'artiste de graffiti Pop Culture Scott Listfield .

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Meeowie Wowie - Édition surdimensionnée, impression d'art pigmentaire d'archives en édition limitée sur papier d'art Somerset Hot Press 290 g/m² par l'artiste de graffiti pop moderne Ben Frost. Édition limitée 2021, signée et numérotée à 25 exemplaires. Œuvre de 20 x 20 pouces représentant Sylvester Looney Tunes. Tirage pigmentaire d'archives sur papier d'art Somerset Hot Press 290 g/m², signé et numéroté. Meeowie Wowie - Édition surdimensionnée est une œuvre d'art captivante, mêlant références emblématiques de la culture pop aux traits audacieux et vibrants caractéristiques du street art et du graffiti. Créée par le célèbre artiste de street art pop moderne Ben Frost, cette œuvre témoigne de l'évolution de l'art contemporain, où les limites sont constamment repoussées et où l'inconventionnel devient la nouvelle norme. Réalisée avec des pigments d'archivage, elle est la manifestation d'un dévouement sans faille au contenu et à la qualité. Chaque coup de pinceau, chaque nuance, est préservé avec une précision absolue, garantissant ainsi l'intemporalité de l'œuvre. Cet engagement envers la qualité est encore accentué par le choix du papier d'art Somerset Hot Press 290 g/m², un support qui met en valeur les détails et les couleurs, ajoutant profondeur et dimension à l'œuvre. La représentation de Sylvester des Looney Tunes, juxtaposée à un fond de tests de dépistage de marijuana, est un commentaire audacieux sur la culture populaire, les normes sociales et peut-être l'interaction entre innocence et maturité. Le titre « Meeowie Wowie » joue encore davantage sur cette dualité, établissant un lien entre le personnage félin et le thème de l'œuvre. Sortie en 2021, cette pièce est limitée à une édition signée et numérotée de seulement 25 exemplaires, garantissant son exclusivité. L'œuvre de Ben Frost dans l'édition surdimensionnée « Meeowie Wowie » invite les spectateurs à regarder au-delà des apparences, à trouver du sens dans le quotidien et à apprécier la beauté des contrastes. Ce faisant, Frost réaffirme le pouvoir transformateur de l'art et sa capacité à interpeller, inspirer et captiver.

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Kissing Coppers - Sculpture en polystone platine, édition limitée, œuvre de l'artiste Brandalised, célèbre pour ses peintures de graffiti pop et son art urbain. Dimensions du produit en polystone 2022 : Hauteur : 25,4 cm (10 po) * Dimensions de la boîte : Hauteur : 19 cm (7,50 po) Largeur : 20,3 cm (8,00 po) Profondeur : 36,2 cm (14,25 po) * Kissing Coppers est de retour ! Des figures d'autorité dans un moment d'intimité tendre. Plaidoyer pour l'acceptation des différentes identités sexuelles par la société et humanisation d'une force perçue comme violente ces derniers temps. Peu importe notre camp ou notre milieu social, nous aspirons tous à une émotion profondément humaine : l'amour.

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Achetez Into The Night MMXXI - Sérigraphie 2 couleurs tirée à la main en édition limitée or/noir sur papier Coventry Rag 290 g/m² avec bords frangés par Cleon Peterson Rare Street Art célèbre artiste pop. 32 x 32 pouces. Sérigraphie dorée et noire tirée à la main. imprimé sur du papier Coventry Rag 290 g/m² avec des bords frangés. Chaque tirage est signé et numéroté. Édition limitée de 125 La visualité du travail de Cleon Peterson est basée sur une variété d'influences, de la poterie grecque antique aux bandes dessinées, résultant en une monochromie et un fort symbolisme des couleurs. Plus en détail, les figures existent sur de multiples lignes droites, ce qui, par la suite, crée l'illusion que l'œuvre est divisée en niveaux. La perspective et l'impression de profondeur existent modérément dans l'art de Peterson et, tout comme dans les vases grecs, l'espace du fond est généralement laissé vide ou légèrement embelli.

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Œuvre d'art représentant un coussin à épingles, impression giclée en édition limitée sur papier Moab Entrada 290 g/m² par l'artiste moderne Luke Chueh. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2010. Dimensions de l'œuvre : 20 x 20 pouces. « Pin Cushion » de Luke Chueh capture le malaise contemporain mêlé à une simplicité enfantine, caractéristique du mouvement pop art qui fusionne culture populaire et beaux-arts. Sortie en 2010, cette édition limitée, imprimée en giclée, évoque le street art par son accessibilité et l'immédiateté de son impact émotionnel. Tirée à seulement 100 exemplaires signés et numérotés, elle est réalisée sur papier Moab Entrada 290 g/m², un choix qui garantit sa longévité et sublime l'expérience visuelle grâce à sa texture. Dans cette œuvre, un personnage d'apparence innocente et simple – un ours – devient le réceptacle d'une expression émotionnelle complexe. L'ours, parsemé d'épingles ornées de petits cœurs rouges, se détache sur un fond rouge profond. Cette palette de couleurs contrastées est visuellement saisissante et symbolique, évoquant peut-être la douleur, l'amour, ou une combinaison des deux. La juxtaposition d'un jouet d'enfance attachant et de la dure réalité de la douleur, suggérée par les épingles, résonne profondément. Cette œuvre témoigne de la capacité de Chueh à explorer les nuances des émotions humaines, révélant la souffrance souvent dissimulée derrière une apparence calme. « Pin Cushion » est bien plus qu'un simple objet décoratif : c'est un commentaire subtil et incisif sur la nature de la souffrance et la tendance humaine à cacher sa détresse émotionnelle. Luke Chueh est lui-même connu pour ses figures anthropomorphes qui abordent les thèmes du désespoir avec une pointe de satire. L'impression giclée, procédé privilégié pour les reproductions d'art, préserve les détails et les couleurs de l'œuvre originale de Chueh, garantissant ainsi que chaque pièce de cette série limitée reflète l'intention de l'artiste avec clarté et précision. Les collectionneurs et les amateurs d'art moderne considèrent « Pin Cushion » comme un ajout poignant au pop art et au street art, où l'ordinaire se transforme en support d'expressions extraordinaires. L'œuvre de Chueh s'inscrit pleinement dans la scène de l'art urbain contemporain, souvent comparée au graffiti pour son esthétique audacieuse et les influences de la culture urbaine qui imprègnent ses qualités esthétiques et thématiques. Cette pièce est un symbole de l'expression émotionnelle moderne, enveloppée dans le manteau de l'attrait visuel du pop art.

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Impression d'art Quantum PP de Peeta, édition limitée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², œuvre d'art moderne d'un artiste pop. Épreuve d'imprimerie PP 2012 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 26x16 Pigments d'archivage La fusion artistique dans « Speaking Quantum » de Peeta « Speaking Quantum » illustre avec brio comment les concepts abstraits de la physique quantique peuvent être rendus à travers le langage vibrant du street art et du graffiti. Cette épreuve d'artiste (PP) de Peeta révèle une interaction exquise entre forme, couleur et illusion de profondeur, en parfaite résonance avec l'esprit de l'art contemporain. Tirée en édition limitée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², elle est bien plus qu'une simple œuvre d'art : c'est un fragment de culture pop contemporaine figé dans le temps. Créée en 2012, cette œuvre a été signée et marquée « épreuve d'artiste » par Peeta, attestant de sa rareté et de sa valeur souvent supérieure à celle des séries numérotées. La mention « PP » indique qu'il s'agit d'un tirage d'un petit nombre d'exemplaires destinés à un contrôle qualité avant le tirage principal, généralement conservés par l'artiste ou l'éditeur pour leurs archives ou des distributions spéciales. Les dimensions imposantes de l'œuvre, 66 x 41 cm, suffisent à captiver le regard du spectateur, l'invitant à se plonger dans la complexité de ses strates et l'élégance de ses courbes. Le travail de Peeta est réputé pour ses effets tridimensionnels, créant une impression de profondeur et de mouvement qui interpelle la perception du spectateur. « Speaking Quantum » est d'une force évocatrice remarquable : ses formes s'entrelacent et se replient les unes sur les autres, offrant une expérience quasi tactile. L'utilisation de pigments d'archivage garantit la préservation des nuances de couleur et de la précision des lignes, assurant ainsi la pérennité de l'œuvre. La vision de Peeta dans le contexte du street art et du graffiti Dans le contexte du street art et du graffiti, « Speaking Quantum » se distingue par son approche novatrice. Peeta, graffeur au style unique intégrant souvent des éléments sculpturaux, a transposé l'énergie dynamique du street art sur un support d'art de qualité. Cette œuvre, avec sa représentation abstraite et son design complexe, témoigne d'une évolution du graffiti qui transcende le simple lettrage pour accéder au domaine de l'art contemporain. Elle ne se contente pas de refléter la vision de l'artiste, mais incarne la fluidité du street art : une évolution constante, un dépassement permanent des limites et une exploration permanente de nouveaux territoires. Le choix de Peeta de capturer l'essence de la physique quantique – souvent associée au subatomique et à l'inconnu – à travers le graffiti illustre la richesse et la profondeur de cet art. L'œuvre instaure un dialogue entre le connu et l'inconnu, le visible et l'invisible, à l'image de la physique quantique. « Speaking Quantum » invite le spectateur à interpréter la convergence et la divergence des éléments pour trouver un sens aux formes abstraites. La fluidité et le mouvement de l'œuvre suggèrent un moment de transformation, une représentation visuelle de l'énergie en mouvement. Cet artefact moderne enrichit le paysage visuel et suscite la curiosité et l'introspection, invitant à une exploration plus profonde du monde de la mécanique quantique et de l'art qu'elle inspire. En préservant « Speaking Quantum » sous forme d'estampe en édition limitée, Peeta permet aux amateurs d'art et aux collectionneurs d'appréhender le pop art urbain sous un angle nouveau. C'est une invitation à explorer les intersections entre l'art, la science et la philosophie à travers le prisme du graffiti, marquant une étape importante dans le parcours du street art, des ruelles et du métro aux galeries et collections privées. L'existence de cette œuvre en estampe PP rehausse son statut, lui assurant une place de choix et exclusive dans le paysage de la culture pop et graffiti.

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Bulle iconique - Sérigraphie en édition limitée, 8 couleurs, feuille d'or blanc 24 carats, tirée à la main, sur papier satiné Somerset 300 g/m² par Cope2. Œuvre rare de street art et d'un artiste pop célèbre. Édition limitée à 25 exemplaires, signée par l'artiste. Sérigraphie 8 couleurs sur papier Somerset 300 g/m² avec feuille d'or 24 carats. Dimensions : 75 x 55 cm. Année : 2019.

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Miles Davis - Édition limitée rose/verte, sérigraphie artisanale 5 couleurs sur papier beaux-arts par Mr Brainwash - Thierry Guetta, artiste de rue, graffiti, pop art moderne. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2015. Dimensions de l'œuvre : 30 x 22,5 cm. Miles Davis (Rose/Vert), 2015. Sérigraphie en couleurs sur papier. 57,2 x 76,2 cm (feuille). Édition limitée à 50 exemplaires. Signée et numérotée au crayon sur les bords, avec l'empreinte digitale et la date de l'artiste au verso. Publiée par l'artiste.

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Sculpture en bronze « Seeing Bronze Figure Sculpture » ​​20e anniversaire de Kaws - Brian Donnelly, édition limitée, œuvre d'art pop, artiste de rue, beaux-arts. 2022 Signée/Estampillée Pied Édition Limitée de 250 exemplaires Œuvre d'art Taille 2,8x6,9 Kaws Tous droits réservés Série 20e anniversaire BFF Sculpture en métal bronze Figurine. Une fusion festive entre art urbain pop et sculpture classique Pour célébrer vingt ans de collaboration artistique et d'influence culturelle, KAWS, pseudonyme de l'artiste américain Brian Donnelly, et AllRightsReserved (ARR) présentent un hommage saisissant au street art contemporain avec la sortie de la série « Seeing Bronze Figure Sculpture 20th Anniversary ». Cette édition très attendue met en scène le personnage emblématique de KAWS, le BFF, réinterprété dans une sculpture en bronze en édition limitée. Cette œuvre témoigne de l'évolution de KAWS, de graffeur arborant ses tags dans les rues de New York à icône internationale de l'art contemporain. La « Seeing Bronze Figure Sculpture » ​​occupe une place unique dans l'œuvre de KAWS. Elle capture l'essence de ses premiers graffitis tout en l'élevant au rang des beaux-arts grâce au bronze, matériau traditionnellement associé à la sculpture classique. Cette œuvre, aux dimensions compactes de 17,5 x 7,1 x 10,9 cm, capture la complexité du design et les subtilités esthétiques caractéristiques de l'art de KAWS. Tirée à seulement 250 exemplaires, elle offre aux collectionneurs et amateurs de street art une occasion unique d'acquérir une pièce historique, fruit de vingt ans d'innovation constante et de collaboration créative entre KAWS et ARR. Le parcours de KAWS, du graffiti aux galeries d'art Le parcours de Brian Donnelly a débuté dans les rues de Jersey City et de Manhattan, où il s'est fait connaître sous le pseudonyme de KAWS. Ses interventions dans la publicité, transformant l'imagerie grand public en œuvres provocatrices, ont rapidement attiré l'attention et jeté les bases de son ascension dans le monde de l'art. Sa capacité à naviguer entre art commercial et beaux-arts, tout en insufflant une profondeur émotionnelle à ses personnages inspirés des dessins animés, a fait de lui une figure incontournable du pop art urbain et du graffiti. Cette sculpture en édition limitée incarne la résonance émotionnelle que KAWS insuffle à ses personnages. Avec ses traits exagérés et ses yeux barrés, la figure exprime un sentiment de mélancolie et d'introspection, thèmes souvent explorés dans l'œuvre de KAWS. En façonnant cette pièce en bronze, un matériau qui se patine et évolue avec le temps, KAWS invite à une réflexion sur la permanence de l'art face à la nature éphémère du street art, enrichissant ainsi le dialogue entre ces deux formes d'art. L'importance du meilleur ami dans l'art de KAWS Le personnage BFF est l'une des créations les plus emblématiques et appréciées de KAWS, apparue pour la première fois dans son œuvre au début des années 2000. Il symbolise la camaraderie et la vulnérabilité, des caractéristiques qui trouvent un écho auprès d'un large public et reflètent l'approche introspective de l'artiste. La transformation de BFF, des figurines en vinyle et des structures gonflables de grande taille à la sculpture en bronze, témoigne de la fluidité artistique de KAWS et de son aisance à explorer différents médiums. Cette adaptabilité et cette volonté d'expérimenter ont permis à son travail de rester pertinent et captivant au fil des ans. Cette édition spéciale 20e anniversaire célèbre la collaboration entre l'artiste et ARR ainsi que l'attrait intemporel de la figurine BFF. Elle rappelle le lien profond qui unit le street art à son public, touchant souvent à des émotions et des expériences universelles. L'édition limitée « Seeing Bronze Figure Sculpture » ​​constitue un point de rencontre physique et symbolique entre la dimension tactile de la sculpture et l'impact visuel du street art. Héritage et impact du Street Pop Art de KAWS Alors que KAWS continue de captiver le public du monde entier, son œuvre fait le lien entre différentes disciplines artistiques. La série « Seeing Bronze Figure Sculpture 20th Anniversary » est emblématique du style distinctif de KAWS, qui fusionne harmonieusement design commercial, sensibilité du street art et pratiques artistiques reconnues. Cette pièce marque une étape importante dans la carrière de KAWS et dans l'évolution du street art pop en tant que forme d'art légitime et influente. En créant une édition limitée signée et estampillée au pied, KAWS souligne l'authenticité et l'exclusivité de l'œuvre. Cette attention méticuleuse aux détails et la qualité de son exécution ont fait de KAWS une figure emblématique du milieu. La « Seeing Bronze Figure Sculpture » ​​n'est pas qu'un simple objet d'art ; c'est un récit de persévérance, une célébration du tissu culturel que KAWS a tissé à travers son art, et un phare pour l'avenir du street art pop et du graffiti. En présentant cette sculpture au public, KAWS et ARR commémorent un événement marquant et ouvrent la voie à un avenir artistique où les frontières s'estompent et les genres fusionnent. Cette œuvre en édition limitée incarne l'esprit d'innovation et le talent de conteur qui caractérisent KAWS, assurant ainsi que son influence sur le street art et le graffiti se fera sentir pendant des années.

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Thermomètre 2018, 2 oz, argent, finition antique, Tuvalu - PR 70 | Pièce commémorative authentique et rare, certifiée PCGS, monnaie australienne du monde entier. Emballage d'origine inclus. Cette pièce commémorative exceptionnelle de Tuvalu (2 oz) en argent, millésime 2018, présente une finition antique et a obtenu la note PR 70 de PCGS, l'un des organismes de certification numismatique les plus réputés au monde. Son motif de thermomètre lui confère une allure à la fois saisissante et unique dans le monde des pièces de collection monétaires. Frappée en argent pur avec un savoir-faire méticuleux, cette rare pièce australienne constitue un ajout précieux à toute collection sérieuse. Elle est livrée dans son emballage d'origine avec tous les documents d'authentification. Un véritable investissement pour les numismates à la recherche de pièces mondiales certifiées et distinctives.

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Sérigraphie Flower Power Blue AP de Shepard Fairey - OBEY Artist Proof - Sérigraphie tirée à la main sur papier d'art Speckletone - Édition limitée - Œuvre d'art pop street art. Épreuve d'artiste AP 2021 Signée et marquée AP Tirage original en édition limitée Format 18x24 Sérigraphie d'une fleur de lotus bleue et de lignes électriques. « Ces estampes Flower Power symbolisent un appel à un effort concerté pour abandonner les énergies fossiles au profit des énergies renouvelables. La vie sur Terre, telle que nous la connaissons, dépend de cette transition, qui doit être menée avec le soutien des citoyens, des gouvernements et des entreprises. Pour une analyse approfondie de la gravité de la crise climatique et de l'urgence d'abandonner les énergies fossiles, je vous recommande la lecture de « Tout peut changer » de Naomi Klein. Les bénéfices de la vente de ces estampes seront reversés à 350.org afin de soutenir son action face à l'urgence climatique. Merci de votre engagement. » – Shepard Fairey Shepard Fairey, créateur des visuels emblématiques d'OBEY, déploie une fois de plus son style unique, mélange de street art et de pop art, dans la sérigraphie « Flower Power Blue AP ». Emblème du mouvement contre-culturel, l'œuvre de Fairey juxtapose avec force la sérénité d'une fleur de lotus bleue à l'aspect industriel des lignes électriques. Imprimée sur papier Speckletone Fine Art, cette sérigraphie artisanale témoigne non seulement du savoir-faire méticuleux de l'artiste, mais porte également un message poignant et actuel. La série « Flower Power », dont fait partie cette estampe, est un appel vibrant à la transition énergétique de l'humanité, passant des énergies fossiles polluantes à des sources d'énergie plus durables. Cette transition, comme le suggère Fairey, n'est pas qu'une question de faisabilité technologique ou économique ; c'est une nécessité pour la survie même de la vie. La référence à « Tout peut changer » de Naomi Klein souligne la gravité de la crise climatique imminente, offrant aux lecteurs une analyse approfondie de notre situation écologique actuelle et de l'urgence d'agir. Au-delà de son attrait esthétique et de son commentaire socio-politique, l'œuvre témoigne de l'engagement de Fairey en faveur de la protection de l'environnement. Les bénéfices de la vente de ces estampes sont reversés à 350.org, une organisation à la pointe du mouvement mondial de lutte contre le changement climatique. De telles initiatives sont emblématiques de la démarche artistique de Fairey : une démarche non seulement visuellement stimulante, mais aussi profondément ancrée dans l'activisme et l'appel plus large à l'action collective. À travers cette œuvre magistrale, Shepard Fairey réaffirme le pouvoir de l'art pour orienter les débats, influencer le changement et favoriser une communauté mondiale plus consciente.

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Écriture sur le mur - Sérigraphie artisanale en édition limitée rouge bicolore sur papier d'art Speckletone fin par Shepard Fairey. Œuvre d'art urbain rare OBEY Pop. Sérigraphie signée et numérotée de 2010, « Écriture sur le mur (rouge) », 2010. Sérigraphie en couleurs sur papier crème moucheté, 61 x 45,7 cm (feuille). Édition limitée à 300 exemplaires. Signée, numérotée et datée au crayon en bas. Publiée par Obey Giant, Los Angeles. L'illustration (sans la bombe de peinture) est inspirée d'une photo de mon ami Jim Jocoy, auteur d'un excellent livre de photos punk de la fin des années 70 intitulé « We're Desperate ». Procurez-vous-le si vous le pouvez. – Shepard

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Frontier I Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print on 290gsm Moab Entrada Paper by Artist Josh Keyes, Street Pop Art Graffiti Legend. Tirage pigmentaire d'archives sur papier Moab Fine Art 290 g/m² Format : 61 x 48 cm (24 x 19 pouces) Sortie : 26 juillet 2019 Tirage : 250 exemplaires Je pense avoir réussi à exprimer ce que je souhaitais. J'aimerais explorer à nouveau ce thème. Je trouve les images intéressantes et décalées, et lorsque je regarde l'estampe, elle me transporte dans un lieu très lointain. J'apprécie l'art qui me laisse un peu perplexe et avec des questions sans réponse. Enfin, la qualité du papier et de l'impression est exceptionnelle. – Josh Keyes Le contexte théorique de son œuvre s'appuie sur des thèmes mythologiques et folkloriques – notamment les légendes et les récits amérindiens – ainsi que sur l'imagerie onirique et cauchemardesque, pour exprimer une profonde angoisse et une grande incertitude existentielles. Dans la dystopie de Keyes, la nature interagit avec la vie urbaine de manière abstraite et troublante, évoquant esthétiquement les illustrations de manuels scientifiques et les schémas anatomiques.

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Recharge Fashion Addict - Coach Édition Limitée Tirage d'Art Pigmentaire d'Archives sur Papier d'Art Canon 330 g/m² par Legend Street Art et l'artiste de la culture pop moderne Denial. Épreuve d'artiste AP 2019, signée, édition limitée à 100 exemplaires, format 18 x 24 pouces Coach Designer Fashion Drug Pill. Épreuve d'artiste numérotée, signée, tamponnée au verso, édition normale de 100 exemplaires, 18 x 24 pouces, impression pigmentaire d'archive sur papier Canon Fine Art 330 g/m². Denial est un artiste canadien qui expérimente avec l'aérosol et le pochoir. Ses principaux centres d'intérêt sont la société de consommation, la politique et la condition humaine dans la société contemporaine. Face à la popularité croissante du graffiti aux États-Unis et en Europe, les graffeurs devaient faire preuve d'une originalité toujours plus grande pour se démarquer. Leurs signatures sont devenues plus grandes, plus stylisées et plus colorées.

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Be Killer - Impression d'art à base de pigments d'archives avec un échantillon authentique de gant de bandage porté à la main par Muhammad Ali, œuvre de l'artiste de la culture pop urbaine Robert Mars. « Be Killer » de Muhammad Ali : tirage pigmentaire d'archive avec un échantillon de tissu authentique provenant des bandages d'entraînement originaux de Muhammad Ali, imprimé sur papier d'art mat Hahnemühle 310 g/m² William Turner, bordé à la main, 45,7 x 61 cm. Signé et numéroté à la main par l'artiste Robert Mars. Accompagné d'une copie de la lettre de provenance originale signée, datée du 4 avril 2012, de Daria Muhammad, fille de Wali Muhammad, assistant entraîneur et homme de coin d'Ali pendant de nombreuses années (JG Autographs).

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Œuvre d'art Lost Highway, sérigraphie en édition limitée 12 couleurs sur papier satiné Somerset 300 g/m² par l'artiste de graffiti pop culture Handiedan x Ramon Meidan. 2022. Sérigraphie 12 couleurs signée avec réalité augmentée. Papier satiné Somerset 300 g/m². 65 x 83 cm. Signée par les deux artistes. Logo en relief. Édition limitée à 75 exemplaires. Réalité augmentée (RA) : https://vimeo.com/710845162 Utilise l' application Artivive

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Parlez du cœur - La vie est belle - Sérigraphie artisanale 10 couleurs HPM sur papier beaux-arts à bords frangés, par l'artiste Mr Brainwash - Thierry Guetta, édition limitée. Édition limitée HPM 2018, signée et numérotée à 25 exemplaires. Format : 44 x 36 cm. « Mr Brainwash », estampe de la série « Neon Light » de Thierry Guetta. Sérigraphie dix couleurs sur papier d'art de qualité archive, rehaussée d'éclaboussures de peinture à la main. Chaque estampe est imprimée sur du papier d'art de qualité archive déchiré à la main, signée et numérotée, et porte une empreinte digitale au verso. L'ode à l'optimisme de M. Brainwash : « Parlez avec le cœur - La vie est belle » En 2018, Mr Brainwash, pseudonyme de Thierry Guetta, a publié une œuvre en édition limitée qui capture l'essence du pop art urbain et la fascination de la culture contemporaine pour l'interaction entre texte et image. « Speak from the Heart - Life is Beautiful » est une sérigraphie artisanale en dix couleurs HPM, rehaussée d'une technique d'impression traditionnelle, sur papier d'art à bords frangés. Véritable hymne à la positivité, cette œuvre, signée et numérotée par l'artiste, mesure 112 x 91 cm et présente une impression en édition limitée à la lumière néon, diffusant un message invitant. L'intersection entre le street art et les beaux-arts dans l'œuvre de Mr Brainwash Mr Brainwash est une figure controversée du monde de l'art, à la croisée de l'authenticité brute du street art et de l'attrait commercial du pop art. « Speak from the Heart - Life is Beautiful » illustre parfaitement cette fusion, alliant la dimension tactile de la sérigraphie à l'esthétique raffinée des beaux-arts. L'esthétique audacieuse de l'œuvre, inspirée du néon, évoque l'âge d'or du pop art tout en conservant une modernité qui trouve un écho auprès du public actuel. L'ajout d'éclaboussures de peinture, réalisées à la main, sur la sérigraphie apporte profondeur et texture, conférant à chaque pièce de la série un caractère unique. Cette technique fait écho à la spontanéité et à l'imperfection célébrées dans le street art, où l'environnement joue souvent un rôle dans la création artistique. Le style caractéristique et les fondements philosophiques de M. Brainwash L'effet néon de « Speak from the Heart - Life is Beautiful » n'est pas qu'un choix visuel ; c'est une affirmation philosophique. Les néons, souvent associés à l'agitation urbaine, deviennent un symbole d'espoir et de beauté sous la plume de Mr Brainwash. Le message « Life is Beautiful » est à la fois une affirmation et une invitation, encourageant chacun à embrasser la vie dans toute sa complexité et à trouver la beauté dans chaque instant. Au dos de cette œuvre figure également l'empreinte digitale de Mr Brainwash, une signature personnelle devenue sa marque de fabrique. Elle représente la contribution de l'artiste au processus de création et constitue un gage d'authenticité pour les collectionneurs. « Speak from the Heart - Life is Beautiful » de Mr Brainwash illustre parfaitement comment le pop art urbain et le graffiti ont évolué pour devenir des médiums qui fusionnent les frontières entre art de la rue et art contemporain. De par sa qualité artisanale, son édition limitée et son message poignant, l'œuvre continue de diffuser son message d'optimisme à travers le monde, incarnant l'esprit du pop art et sa capacité à communiquer et à créer du lien par des moyens directs et percutants.

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Into The Night MMXXI - Sérigraphie en édition limitée, tirée à la main en 2 couleurs noir/noir sur papier Coventry Rag 290 g/m² avec bords frangés, par Cleon Peterson, artiste de street art rare et célèbre du pop art. Into The Night MMXXI (noir/noir) 81 x 81 cm. Sérigraphie artisanale noir sur noir. Imprimée sur papier Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés. Chaque exemplaire est signé et numéroté. Édition limitée à 75 exemplaires. L'art de Peterson se caractérise par un fort esprit contestataire, et la colère, en tant que force créatrice, imprègne la plupart de ses œuvres. L'artiste lui-même est le sujet de cette colère, et à travers son travail, il s'insurge contre le malaise et la lassitude les plus profonds de la société. Cet artiste basé à Los Angeles est le concepteur d'une série d'œuvres dystopiques – peintures, estampes, sculptures et fresques – exposées aux États-Unis, en Europe et en Asie.

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Avertissement : Addictif - Planche de skateboard sérigraphiée en édition limitée bleue par l'artiste de la culture pop urbaine Shepard Fairey OBEY. Signée au feutre sur le devant. Attention : planche de skate addictive. Édition numérotée à 400 exemplaires. Signée par Shepard Fairey. Je suis un grand fan de l'art et du skateboard d'Andy Howell depuis la fin des années 80, et j'ai suivi avec enthousiasme le lancement de New Deal Skateboards par lui et ses associés en 1990. New Deal a révolutionné le monde du skateboard, non seulement grâce à l'impulsion créative des skateurs, mais aussi parce que le style et l'art d'Andy Howell ont quasiment instantanément transformé l'esthétique et le style du skateboard, passant des crânes et des dragons au graffiti et au hip-hop. New Deal a été la première entreprise axée principalement sur le skate de rue et la culture urbaine, et ses publicités intelligentes et humoristiques célébraient son rôle de pionnière des entreprises détenues et gérées par des skateurs, incarnant le « pouvoir au peuple » et l'« écoute de la rue ». Dès ses débuts, New Deal a donné le ton des années 90. -Shepard

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Bartman x Simpsons 1000% BE@RBRICK Figurine d'art en vinyle édition limitée, objet de collection urbain

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Sérigraphie rose « Selfie Gun » de Joan Cornellà, tirée à la main sur papier d'art, édition limitée. Édition limitée à 250 exemplaires, signée et numérotée, 2024. Format : 16,14 x 22,44 cm. Sérigraphie. Sérigraphie rose « Pistolet à selfie » de Joan Cornellà « Selfie Gun Pink » est une sérigraphie artisanale de 2024, réalisée par l'artiste satirique espagnol Joan Cornellà. Mesurant 41 x 57 cm et tirée à 250 exemplaires, cette œuvre signée et numérotée reflète le style inimitable de Cornellà, alliant une simplicité visuelle raffinée à un commentaire social mordant. L'image représente un homme souriant, vêtu d'un costume couleur pêche, tenant une perche à selfie sur laquelle est fixé non pas un appareil photo, mais un pistolet pointé droit sur lui. Le fond rose pâle accentue le contraste ironique entre l'air enjoué du sujet et le thème sous-jacent d'une violence dissimulée sous un narcissisme désinvolte. La critique de Joan Cornellà à travers une imagerie absurde Né à Barcelone en 1981, Joan Cornellà s'est imposé comme une figure majeure du street art et du graffiti à l'échelle internationale. Son esthétique minimaliste, proche du dessin animé, révèle les absurdités de la vie moderne. Ses personnages, volontairement dénués d'individualité, arborent souvent un sourire forcé tandis qu'ils accomplissent des actes troublants, voire absurdes. Dans « Selfie Gun Pink », l'expression satisfaite du personnage contraste avec le symbolisme sinistre d'une arme pointée sur sa tête. Le bâton, instrument traditionnel d'autopromotion et de recherche d'attention, se métamorphose en un instrument de destruction silencieuse. Cette métaphore visuelle illustre la critique que Cornellà adresse à la culture numérique, à la vanité sociale et au détachement dangereux que peut engendrer la technologie. Couleur, style et technique dans la satire contemporaine Le procédé de sérigraphie utilisé pour cette estampe est emblématique de l'engagement de Cornellà envers la précision et la qualité de la présentation. Lignes audacieuses, aplats de couleur et ombrages plats sont employés pour imiter les mascottes d'entreprises ou les dessins animés de sécurité, avant d'en détourner le sens par des sous-entendus troublants. L'utilisation du rose en arrière-plan dans « Selfie Gun Pink » offre un contraste acidulé avec l'humour noir de la scène. Cela illustre la stratégie délibérée de Cornellà, qui consiste à utiliser des palettes ludiques pour désarmer le spectateur et l'inciter à un second regard, révélant ainsi un commentaire plus profond. Cette coloration pop art, associée à une critique ancrée dans le réel, inscrit son œuvre sans équivoque dans le courant du street art et du graffiti. Impact et pertinence dans le paysage visuel moderne « Selfie Gun Pink » illustre comment l'œuvre de Joan Cornellà transcende les frontières traditionnelles, passant avec aisance des estampes d'art aux murs des galeries, en passant par les mèmes viraux. Pourtant, l'impact de ses images ne se limite pas à la nouveauté visuelle. Ses thèmes récurrents – violence, narcissisme, ironie et marchandisation – font écho à des débats sociaux urgents. L'estampe de 2024 capture ce moment où le bonheur de façade masque les tourments intérieurs et où les outils censés nous connecter peuvent, au contraire, nous isoler et nous mettre en danger. Avec chaque nouvelle œuvre, y compris cette estampe en édition limitée, Cornellà s'affirme comme l'une des voix les plus percutantes du monde de l'art contemporain, incitant les spectateurs à se confronter à des vérités dérangeantes à travers des visuels d'une légèreté trompeuse.

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D*Dogs Fallin' in Gorilla Deck Édition Limitée Sérigraphiée Skateboard Art par l'artiste de la culture pop urbaine D*Face x XLarge. Édition limitée numérotée à 30 exemplaires (2019), variante pailletée. Un singe lâche des bombes canines. Édition rare avec paillettes appliquées à la main sur le logo inférieur et contreplaqué intérieur en bois coloré. Noyau rouge ou jaune.

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Achetez TITLE Sérigraphie 4 couleurs tirée à la main sur une œuvre d'art Pop Street Art en édition limitée MEDIUM. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Frank Sinatra The Crooner Édition limitée Peinture à l'huile embellie à la main Sérigraphie HPM sur toile par Steve Kaufman SAK Artiste de rue graffiti Art pop moderne. Sérigraphie HPM signée Frank Sinatra « The Crooner » par Steve Kaufman SAK, 2005

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Goonie 030 Peinture originale à l'aquarelle sur papier d'art encadré par l'artiste surréaliste Naoto Hattori. Aquarelle originale unique signée de 2013. Œuvre encadrée. Dimensions du cadre : 8,5 x 8,5. Dimensions de l’image : 3 x 3. Encadrement et passe-partout personnalisés par l’artiste. L'essence singulière de Goonie 030 de Naoto Hattori Dans le vaste paysage de l'art contemporain, il existe un créneau particulier où le surréalisme et le concret convergent. C'est là que les créations de Naoto Hattori vibrent d'une énergie singulière, une sorte de pop art urbain qui brouille les frontières entre le mouvement du graffiti et les royaumes oniriques de l'imagination. L'aquarelle originale « Goonie 030 » incarne à merveille cette confluence. Créée en 2013, cette œuvre originale signée par Hattori est reconnue pour son caractère unique dans le monde de l'art. « Goonie 030 » explore l'interaction intime entre la technique de l'aquarelle et les élans artistiques surréalistes qui caractérisent l'œuvre de Hattori. Encadrée, cette œuvre de 7,6 x 7,6 cm (3 x 3 pouces) est une fenêtre ouverte sur un monde qui défie l'ordinaire, capturant un moment de génie créatif dans un espace restreint. Le cadre de 21,6 x 21,6 cm (8,5 x 8,5 pouces) encadre l'œuvre de manière à attirer le regard vers l'intérieur, concentrant l'attention du spectateur sur les détails complexes de la peinture. Encadrée et sous passe-partout sur mesure par l'artiste lui-même, « Goonie 030 » est présentée de façon à renforcer son impact visuel. Le choix de réaliser l'encadrement personnellement témoigne de l'intimité et du soin que Hattori apporte à ses œuvres. Cet encadrement n'est pas qu'une simple mesure pratique, mais un prolongement du processus créatif, garantissant que la présentation complète le contenu thématique et la valeur esthétique de l'œuvre. La vision de Naoto Hattori à l'aquarelle L'œuvre de Naoto Hattori transcende souvent les frontières conventionnelles du street art et du graffiti, et « Goonie 030 » ne fait pas exception. L'aquarelle confère à l'œuvre une fluidité et une douceur qui contrastent avec les lignes souvent audacieuses et incisives du graffiti. Pourtant, cette dichotomie même la sublime, lui permettant de s'exprimer dans le langage du street art par un murmure plutôt que par un cri. Les subtiles gradations tonales et le délicat mélange de couleurs dans « Goonie 030 » témoignent de la dextérité d'Hattori et de sa capacité à exprimer profondeur et émotion dans un espace restreint. Bien que résolument surréaliste, le sujet de « Goonie 030 » instaure un lien intense avec le spectateur, une connexion souvent recherchée dans le street art. Le personnage représenté, avec ses traits à la fois attachants et énigmatiques, ouvre la voie à une interprétation personnelle, à l'image des fresques de graffiti qui ornent les murs de nos villes, souvent éphémères et sujettes à interprétation. Cette œuvre devient donc une sorte de poésie visuelle, une petite strophe dans le récit plus vaste de l'expression artistique d'Hattori. Art pop urbain et échelle intime La tendance actuelle du street art et du graffiti est souvent marquée par la grandeur, avec des fresques et des installations imposantes. Pourtant, « Goonie 030 » remet en question cette tendance par sa taille réduite, prouvant qu'un art percutant peut s'exprimer dans des formats plus petits. Dans sa forme compacte, cette aquarelle originale invite à une interaction plus intime, comparable à la lecture d'un roman plutôt qu'à la contemplation d'un panneau publicitaire. Cette approche permet au spectateur d'apprécier pleinement la minutie et les subtilités que Hattori a insufflées à l'œuvre. L'encadrement et le passe-partout réalisés par l'artiste respectent l'échelle personnelle de la pièce, créant une frontière qui la distingue de l'immensité de son environnement. D'une certaine manière, cela fait écho à l'esprit du street art, qui cherche souvent à créer un espace d'expression individuelle au sein de l'espace public. « Goonie 030 », bien que conservée dans la collection privée d'un amateur d'art, porte en elle l'essence même du street art. La création de « Goonie 030 » témoigne de la polyvalence de Naoto Hattori, artiste capable de naviguer avec aisance entre le street art, le graffiti et le surréalisme. À travers cette aquarelle, Hattori invite le spectateur à réfléchir au potentiel des petits espaces à receler des univers immenses. L'œuvre se distingue comme une pièce maîtresse de l'art contemporain. Elle incarne la beauté et la complexité de la vision de Hattori, rendues avec la grâce et la précision propres à l'aquarelle.

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Companion Flayed - Figurine de collection en vinyle marron, édition limitée, œuvre d'art de l'artiste pop moderne Kaws. Édition limitée 2016, emballage scellé, dimensions : 16,7 x 11,4 x 6,4 cm Dévoilement du compagnon Flayed Brown de KAWS La figurine de collection Companion Flayed Brown Limited Edition en vinyle est une pièce unique dans l'œuvre de KAWS, artiste dont l'influence imprègne le pop art moderne, le street art et le graffiti. Sortie en 2016 dans une série très attendue, cette pièce présente une version écorchée du personnage Companion de KAWS. Cette icône a été réinterprétée à travers de nombreux supports au fil des ans. Présentée dans son emballage d'origine scellé, cette figurine est disponible en édition limitée ouverte et mesure 26,7 x 11,4 x 6,4 cm. La série Companion est sans doute l'aspect le plus emblématique du travail de KAWS, incarnant la fusion entre la culture urbaine et les beaux-arts. Les versions écorchées, comme cette édition brune, offrent un aperçu saisissant de la complexité intérieure du personnage, juxtaposant la vulnérabilité à l'attitude stoïque de la figurine. Mesurant 11 pouces de haut, ces figurines ont été lancées en parallèle de l'exposition « Where The End Starts » de KAWS à Fort Worth, au Texas, par l'intermédiaire de divers points de vente prestigieux, dont KAWSONE, le MoMA et le Musée d'art moderne de Fort Worth. Le compagnon Flayed Brown dans le contexte du pop art urbain « The Companion Flayed Brown » s'impose comme une pièce de collection très recherchée et un commentaire significatif au sein du street art et du graffiti. Cette œuvre s'inscrit dans la continuité de l'exploration par KAWS des profondeurs émotionnelles et narratives de ses personnages, un thème récurrent dans son œuvre. La teinte brune de la figure évoque l'authenticité et la dimension terrestre souvent associées au street art, ancrant ce personnage par ailleurs éthéré dans la réalité du monde physique. À l'instar des autres œuvres de KAWS, cette édition établit un lien tangible entre les débuts de l'artiste dans le graffiti et son ascension sur le marché international de l'art. La diffusion d'une telle œuvre par des institutions culturelles de premier plan souligne la reconnaissance et l'acceptation de l'art inspiré du street art au sein des cercles artistiques officiels. « The Companion Flayed Brown » constitue ainsi une étape importante dans la carrière de KAWS et un symbole de l'évolution de la perception du street art dans la culture contemporaine. KAWS et l'évolution des jouets d'art Le Companion Flayed Brown de KAWS symbolise l'évolution du mouvement des art toys, brouillant les frontières entre jouet et œuvre d'art. La conception soignée de cette pièce de collection, de ses fondements conceptuels à sa production méticuleuse, souligne l'engagement de l'artiste à repousser les limites des formes artistiques traditionnelles. L'esthétique de l'écorchement invite le spectateur à s'interroger sur la nature construite de l'identité et les différentes facettes de notre image publique. La série Companion de 2016, dont l'édition Flayed Brown, marque un tournant dans l'histoire des art toys, les propulsant au rang d'objets de collection artistiques légitimes. L'approche de KAWS pour la série Companion témoigne d'une compréhension nuancée de l'art toy comme médium capable de transmettre des thèmes complexes, à l'instar du pop art urbain et du graffiti. Avec des œuvres comme le Companion Flayed Brown, KAWS confirme son statut d'innovateur qui redéfinit sans cesse l'interaction entre art commercial et beaux-arts.

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Achetez The Empresses- H10-4 Suiko Pop Street Artwork Edition Limitée Giclee & Giltter Sérigraphie sur Feuille d'Aluminium par l'Artiste Moderne Urban Graffiti Damien Hirst. Signé 2022 Matériaux : Impression Giclée laminée sur composite d'aluminium, sérigraphiée avec des paillettes. Dimensions de l'oeuvre : 100 x 100 cm Détails complémentaires : Signé et numéroté sur l'étiquette 39.37x39.37 Suiko, une composition qui évoque la vie à bien des égards, porte le nom de la première impératrice du Japon enregistrée. Bien que la légende raconte que plusieurs femmes avaient régné avant Suiko (554-628 CE), son ascension au pouvoir après l'assassinat de son frère Sushun en 592 CE a marqué une rupture avec la tradition d'installer des dirigeants masculins. On se souvient de Suiko pour les influences chinoises et coréennes qu'elle a apportées au pays, notamment la mise en œuvre du calendrier chinois, l'arrivée d'artisans chinois et coréens et, peut-être plus particulièrement, l'établissement du bouddhisme. Dans Suiko, des ailes jumelées de différentes tailles émanent du centre de l'œuvre, produisant un cercle concentrique symétrique, un arrangement de composition qui rappelle le symbolisme bouddhiste et le cycle de vie. Ce motif circulaire est remarquablement défini par des lignes scintillantes de rouge qui traversent la composition en diagonale du centre pour rejoindre chaque coin. Avec les ailes sur un fond rouge, les lignes traversent les paires d'ailes désincarnées où les corps existaient autrefois. Comme c'est le cas pour chaque œuvre de la série, Suiko apparaît dans un état constant de transformation, les papillons bougeant et évoluant au fur et à mesure que l'on se tient devant l'œuvre. Alors que les subtilités peuvent être vraiment appréciées de près l'impression, de loin, la composition prend une nouvelle vie. De ce point de vue, Suiko se révèle avoir un arrangement d'ailes en ballon, qui sont organisés autour du motif central de cercles concentriques et complétés par des arrangements externes d'autres ailes. Cet agencement s'apparente à une structure biologique ou moléculaire, évocatrice des organismes qu'elle représente.

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Stubbed Toe - Sérigraphie en édition limitée, blanche, bicolore, tirée à la main, sur papier Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés, par l'artiste de la culture pop Cleon Peterson. 2022. 43 x 43 cm. Sérigraphie artisanale. Imprimée sur papier Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés. Chaque exemplaire est signé et numéroté. Édition limitée à 100 exemplaires.

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« Protect the Sacred », œuvre d'art graffiti en édition limitée, lithographie offset sur papier crème moucheté, par l'artiste de rue Shepard Fairey. 2015 - Lithographie offset en couleurs sur papier crème épais moucheté, format 91,4 x 61 cm (feuille), signée et numérotée, édition limitée à 200 exemplaires - « Protéger le sacré », 2015. Tirage limité à 200 exemplaires. Signée, numérotée et datée au crayon en bas. Publiée par Obey Giant, Los Angeles. Protéger le sacré Lithographie offset de Shepard Fairey « Protect the Sacred » de Shepard Fairey est une œuvre emblématique du street art et du graffiti, offrant une expérience visuelle saisissante et un message social poignant. Publiée en 2015 en édition limitée à 200 exemplaires, signée et numérotée, cette lithographie offset est imprimée sur un papier épais couleur crème Speckletone et mesure 61 x 91 cm. Fairey, figure majeure du street art contemporain, utilise cette œuvre pour donner la parole aux peuples autochtones et souligner l'importance du respect de la terre, de la culture et du caractère sacré de l'environnement. Symbolisme et composition visuelle La composition met en scène un jeune Autochtone, dos nu, debout au bord d'une étendue d'eau sacrée, flanqué de trois chevaux sauvages. Le personnage central fixe l'horizon, symbolisant la réflexion spirituelle, la force générationnelle et la résistance. Un soleil rougeoyant irradie derrière une chaîne de montagnes escarpée, créant une puissante impression d'harmonie et de tension. Ses rayons s'étirent comme un mandala, évoquant l'illumination divine et le renouveau cyclique. L'utilisation contrastée du rouge, du jaune et du noir suscite à la fois l'urgence et le respect – des couleurs souvent associées à l'avertissement et à l'héritage. Chaque élément de la composition a sa propre signification. L'eau, rendue par des blocs ondulants rouges et jaunes, suggère l'instabilité et la réflexion. Les chevaux symbolisent la liberté, la puissance de la nature et la continuité culturelle. Shepard Fairey ancre cette œuvre dans un profond respect des traditions et cosmologies autochtones, qui considèrent la terre et la nature non comme des ressources, mais comme des relations sacrées. L'impression offset comme outil politique Si Shepard Fairey est mondialement reconnu pour ses sérigraphies et ses pochoirs, le choix de l'impression offset pour « Protect the Sacred » est délibéré. ​​Ce procédé permet une diffusion plus large et une reproduction d'une grande fidélité, en accord avec la philosophie de Fairey, qui prône un art politique accessible. L'estampe conserve la précision de ses traits caractéristiques, ses techniques de superposition et sa mise en page inspirée de la propagande, tout en bénéficiant de la finesse d'une affiche haute résolution. Ainsi, l'œuvre devient non seulement un objet de collection, mais aussi un outil de plaidoyer, conçu pour être affiché, utilisé lors de manifestations et alimenté par le débat public. Racines militantes et solidarité culturelle Cette œuvre a été créée en soutien à Honor the Treaties, une organisation qui utilise l'art pour amplifier la voix des communautés autochtones luttant pour la justice environnementale. L'estampe met en lumière le lien entre la terre sacrée et la souveraineté autochtone – une préoccupation centrale pour les militants et les protecteurs de l'eau autochtones à travers l'Amérique du Nord. L'engagement de Fairey dans ce mouvement n'est pas de façade ; il met son langage visuel, sa plateforme et ses ressources d'impression au service de celles et ceux qui ont été historiquement réduits au silence. Protect the Sacred est un exemple éloquent de la façon dont le street art et le graffiti peuvent transcender l'esthétique pour devenir une arme culturelle. La lithographie offset de Shepard Fairey ne se contente pas de rappeler les injustices passées, elle exige une prise de responsabilité aujourd'hui. C'est un appel à la mémoire, un appel à la protection et un appel à l'écoute.

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John Lennon Wild Style Rd Burner Original One of a Kind Spray Paint & Acrylic Painting Artwork on Canvas by Popular Street Graffiti Artist RD-357. Vous admirez une toile de 28 x 35,5 cm (11 x 14 pouces) ornée d'une superbe peinture détaillée de John Lennon, arborant un graffiti au style sauvage et les mots « Imagine All the People Live Life in Peace ». Le tout est peint à la main en noir et blanc, avec un cœur rouge, par rd357, un véritable graffeur qui a survécu à tous les autres dans le milieu du graffiti new-yorkais, surnommé « Le dernier survivant de son époque ».

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La Cage Et 'Acte De Foi Estampe en laiton par Sandra Chevrier La Cage et le Saut de la Foi Tiré à la main 24 couleurs sur métal laiton corrodé de 3 mm Œuvre d'art en édition limitée. Édition limitée à 10 exemplaires, signée et numérotée, 2021. Œuvre d'art : 27,56 x 38,58 cm. Sérigraphie. Titre : « La Cage et l'acte de foi ». La Cage Et 'Acte De Foi: Une étude en métal par Sandra Chevrier « La Cage et 'Acte de Foi » de Sandra Chevrier est une œuvre captivante qui exprime toute la vitalité du pop art et du graffiti, tout en incarnant l'esprit du pop art et son engagement direct envers la culture contemporaine. Cette œuvre en édition limitée, sortie en 2021, témoigne du style singulier de Chevrier, caractérisé par une superposition d'images alliant l'expressivité brute du street art à la précision des pratiques artistiques conventionnelles. Le récit artistique de la sérigraphie de Sandra Chevrier L'œuvre, intitulée « La Cage et le Saut de la Foi », est une sérigraphie artisanale en 24 couleurs sur laiton corrodé de 3 mm d'épaisseur. Mesurant 70 x 98 cm, elle offre un spectacle visuel saisissant et une exploration conceptuelle. Le travail de Chevrier est connu pour juxtaposer des extraits de bandes dessinées à des représentations réalistes du corps humain, notamment des visages féminins. Il en résulte un collage d'émotions et de références culturelles qui évoquent les luttes intérieures et extérieures liées à l'identité et à la perception. Examen des techniques et du symbolisme dans l'œuvre de Chevrier La technique employée par Chevrier dans cette œuvre est remarquable : elle utilise une multitude de couleurs pour donner profondeur et texture à la surface du métal, un matériau qui évoque à la fois la force et le passage du temps. L’utilisation du laiton comme support confère à l’œuvre une dimension industrielle brute. Parallèlement, le processus de corrosion appliqué garantit l’unicité de chaque pièce de cette édition limitée à dix exemplaires, faisant écho à l’individualité de l’expérience humaine. L’imagerie choisie par Chevrier est tout aussi significative. Les visages de femmes partiellement esquissés sont représentés avec une beauté teintée de mélancolie, tandis que les scènes de bande dessinée superposées suggèrent des récits de lutte, de pouvoir et de résilience. Les « cages » présentes dans les œuvres de Chevrier sont des métaphores des attentes et des contraintes sociales imposées aux individus, en particulier aux femmes, et le « saut de la foi » symbolise le courage nécessaire pour transcender ces limites. Impact de « La Cage Et « Acte De Foi » dans le discours sur l'art contemporain La sortie de « La Cage et 'Acte de Foi » a suscité un vif enthousiasme dans le milieu artistique, collectionneurs et critiques s'efforçant de décrypter les multiples significations de l'œuvre de Chevrier. Cette série en édition limitée est rapidement devenue un objet de convoitise, apprécié pour son attrait visuel et son récit contemplatif. L'œuvre de Chevrier fait le lien entre la nature éphémère du street art et la permanence associée au travail du métal, instaurant un dialogue entre le transitoire et l'éternel. Résonance culturelle des œuvres d'art en édition limitée de Sandra Chevrier La résonance culturelle de « La Cage et 'Acte de Foi » de Sandra Chevrier est amplifiée par son exploration des thèmes du féminisme, de l'identité et de la libération. Alors que le pop art urbain et le graffiti s'imposent de plus en plus parmi les formes d'art reconnues, des œuvres comme celle de Chevrier soulignent la pertinence de ces médiums pour aborder des problématiques sociales poignantes. Son travail embellit l'espace qu'il occupe et invite à l'introspection et au débat, caractéristiques d'un art influent. En résumé, « La Cage et 'Acte de Foi » de Sandra Chevrier exprime la sensibilité du pop art urbain fusionnée avec des médiums artistiques traditionnels. L'utilisation de laiton corrodé comme support pour le procédé complexe de sérigraphie illustre l'esprit novateur de l'art contemporain, et le tirage limité de la série souligne la valeur de chaque pièce. À travers son art, Chevrier continue de questionner et d'inspirer, faisant de « La Cage et 'Acte de Foi » une contribution majeure à l'histoire de l'art moderne.

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Gojira, peinture originale à la bombe aérosol et à l'aquarelle, technique mixte sur papier d'art, par Aelhra, artiste de rue graffiti, art pop moderne. 2014 Œuvre originale signée, technique mixte, peinture aérosol et aquarelle, format 15 x 22

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Face Invader - Resting Bitch Face Original Hand-Painted Multiple (HPM) on Wood Cradled Panel ready to hang by Bask Graffiti Street Artist Modern Pop Art. « Je voulais faire quelque chose de spécial pour la série qui coïnciderait avec l'exposition. L'idée m'est venue de ne pas me contenter d'une simple estampe rehaussée à la main, mais de créer une série de pièces peintes à la main. Pas de pochoirs ni de sérigraphies : je souhaitais proposer des pièces authentiquement peintes, accessibles à tous. Malgré mon enthousiasme, il me fallait trouver comment réaliser ce projet dans un délai raisonnable. Sans oublier la difficulté de trouver 10 images que je pourrais reproduire presque à l'identique 20 fois. J'ai également eu l'idée de faire revenir certains visages apparus dans mes œuvres précédentes, des personnages que Detroit m'a inspirés. Je dois ajouter que ce projet a été l'un des plus laborieux que j'aie entrepris. Mon assistant et moi y avons consacré plus de 500 heures. Chaque panneau a été travaillé avec une minutie extrême. » - BASK

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