Océan et mer

Force of Nature Sérigraphie de Shepard Fairey - OBEY Tirage à la main 5 couleurs sur papier beaux-arts crème moucheté Œuvre d'art en édition limitée Obey Pop Culture Artiste. Édition limitée signée et numérotée de 550 exemplaires (2023). Sérigraphie au format 18 x 24 pouces. Cette œuvre, intitulée « La Force de la Nature », est à la fois une célébration de la nature et un avertissement. Les vagues sont magnifiques et représentent un cycle rythmique puissant et hypnotique, mais elles peuvent se révéler incroyablement destructrices lorsqu'elles sont déchaînées par une tempête. Les crues saisonnières semi-prévisibles du Tigre et de l'Euphrate en Mésopotamie ont permis la création de terres fertiles et l'émergence de Sumer, la première civilisation. L'humanité a prospéré en étudiant et en s'adaptant aux phénomènes météorologiques. La conscience et le respect des cycles de la nature ont été essentiels au développement de la civilisation et à la réussite de ses différentes communautés. Le changement climatique a démontré ce qui arrive à la civilisation lorsque la nature devient plus puissante et moins prévisible. Des ouragans Sandy et Katrina, parmi tant d'autres, aux incendies de forêt incontrôlables en Californie, en passant par les tornades dans le Midwest et les températures record et les décès liés à la chaleur en Europe, où beaucoup n'ont pas accès à la climatisation, la civilisation est souvent démunie face à la force de la nature exacerbée par le réchauffement climatique. Une partie des bénéfices de cette estampe est reversée à Greenpeace. Les efforts des États-Unis pour promouvoir des politiques environnementales responsables. Merci de votre engagement ! - Shepard Fairey - OBÉISSEZ La signification artistique de « Force de la nature » « Force of Nature » de Shepard Fairey est une sérigraphie saisissante qui capture la beauté tumultueuse du monde naturel et le message poignant de la conscience environnementale. Figure majeure du street art et du graffiti, Fairey, avec sa marque OBEY, a souvent allié esthétique et commentaire social, et cette œuvre ne fait pas exception. Cette édition limitée de 550 exemplaires, signée et numérotée, éditée en 2023 et mesurant 45,7 x 61 cm, est un véritable spectacle visuel et une réflexion sur l'équilibre précaire entre la civilisation humaine et les forces naturelles qui la soutiennent autant qu'elles la menacent. « Force of Nature » est une œuvre emblématique du travail de Fairey, témoignant de sa maîtrise de la sérigraphie grâce à un procédé artisanal cinq couleurs sur papier beaux-arts crème moucheté. L'œuvre représente une vague en plein crescendo, un instantané de la puissance brute et de la grâce de la nature. Le contraste entre le ciel serein et la mer déchaînée illustre la double nature de l'eau, à la fois source de vie et de destruction, un thème qui résonne particulièrement dans le contexte actuel d'incertitude écologique. Cette œuvre témoigne de la profonde compréhension qu'a Fairey des rythmes de l'environnement et des perturbations causées par le changement climatique. En choisissant la vague comme motif central, Fairey fait allusion aux cycles naturels qui ont permis le progrès humain, tels que les crues du Tigre et de l'Euphrate, qui ont nourri le berceau de la civilisation. Cependant, la vague déchaînée par la tempête symbolise le potentiel destructeur, comme en témoignent les récentes catastrophes naturelles exacerbées par le changement climatique. Cette dualité entre création et chaos est au cœur de l'estampe « Force de la Nature ». Plaidoyer environnemental par l'art L'œuvre de Fairey ne se contente pas de représenter ; elle vise à susciter l'action. En s'associant à Greenpeace USA et en consacrant une partie des bénéfices à la lutte pour des politiques environnementales responsables, « Force of Nature » illustre comment l'art peut être un vecteur de changement. Cette estampe est un appel vibrant au respect et à l'adaptation aux fluctuations de la nature, soulignant que le succès de la civilisation repose sur sa capacité à coexister avec les forces puissantes et imprévisibles de la Terre. « Force of Nature » reflète le coût humain des catastrophes écologiques, des ouragans aux incendies de forêt, en passant par les tornades et les températures extrêmes. La représentation de la vague par Fairey traduit l'urgence de la prise de conscience et de la préparation face à ces défis. Elle nous rappelle que si les cycles de la nature ont favorisé la prospérité humaine, notre trajectoire actuelle risque de rompre ce fragile équilibre, avec des conséquences potentiellement catastrophiques. L'héritage continu de Shepard Fairey dans l'art et l'activisme Shepard Fairey s'est toujours engagé à fusionner sa démarche artistique avec l'activisme, et l'estampe « Force of Nature » ​​s'inscrit dans cette même démarche. Son travail, ancré dans le pop art urbain et le graffiti, a souvent véhiculé un message, qu'il s'agisse de paix, de justice ou de protection de l'environnement. L'héritage de Fairey est celui de la provocation et de l'inspiration, incitant les spectateurs à s'interroger sur des enjeux cruciaux à travers l'art. « Force of Nature » ​​témoigne du talent artistique de Fairey et de son rôle de commentateur culturel et de défenseur de l'environnement. Par son imagerie et son message évocateurs, l'estampe souligne le potentiel de l'art à transcender les frontières esthétiques et à devenir un catalyseur de progrès social et écologique. Dans le contexte plus large du pop art urbain et du graffiti, « Force of Nature » ​​illustre comment ces formes d'art peuvent alimenter des débats essentiels. L'estampe de Fairey invite à une réflexion sur notre relation à la planète, nous incitant à une réévaluation collective de notre interaction avec les forces qui façonnent notre existence. L'art peut informer, influencer et inciter à la réflexion grâce à des œuvres comme celle-ci, jouant un rôle crucial dans la construction de l'avenir de notre civilisation et de notre monde.

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Jelly Blossom 15 No Sky, sérigraphie d'Emek Golan, tirée à la main sur papier d'art métallisé, édition limitée. 2015, sérigraphie numérotée et signée « No Sky » (feuille phosphorescente), édition limitée à 700 exemplaires, format 30,5 x 30,5 cm. Impression 30,5 x 30,5 cm. Exploration artistique dans « Jelly Blossom 15 No Sky » « Jelly Blossom 15 No Sky » d'Emek Golan est une sérigraphie captivante qui illustre le pouvoir transformateur du pop art urbain et du graffiti. Ce chef-d'œuvre de 2015, limité à 700 exemplaires signés et numérotés, témoigne avec éclat du talent de Golan pour donner vie à ses visions éthérées sur un papier métallisé d'art. L'œuvre de Golan transcende souvent la nature éphémère du street art traditionnel, créant des images intemporelles qui trouvent un écho auprès d'un public diversifié. « Jelly Blossom 15 No Sky », avec son format de 30 x 30 cm, illustre parfaitement cette qualité durable. L'œuvre représente des méduses aux tentacules en forme de fleurs épanouies, flottant dans un espace dégradé sans horizon, un choix visuel qui confère à la scène un sentiment d'infini et d'émerveillement. Le support métallisé reflète la lumière, donnant à l'estampe une présence dynamique qui se modifie selon le point de vue du spectateur. Symbolisme et technique L'estampe explore les thèmes de la fragilité et de la beauté de la nature. Les méduses, souvent considérées comme d'anciennes habitantes des mers, sont représentées en pleine transformation, symbolisant la croissance, l'adaptation et l'interdépendance de toutes les formes de vie. L'utilisation de couleurs vibrantes et le travail minutieux des détails dans « Jelly Blossom 15 No Sky » illustrent le potentiel du pop art urbain et du graffiti pour captiver l'attention et transmettre des messages profonds par le biais du symbolisme. Art urbain pop et collection Tirage en édition limitée, « Jelly Blossom 15 No Sky » constitue une pièce de choix pour les amateurs d'art et les collectionneurs. Chaque estampe est un fragment du parcours artistique de Golan, témoignant de son attachement à son art et de son dialogue avec les thèmes plus larges de la conscience environnementale et de la synergie entre formes organiques et expression créative. La sérigraphie « Jelly Blossom 15 No Sky » d'Emek Golan illustre avec éclat la versatilité du street art et sa capacité à susciter l'admiration et la réflexion. Cette œuvre, à la croisée des chemins entre les racines urbaines du graffiti et le domaine plus vaste du pop art, captive l'imagination par son design complexe et ses images qui invitent à la contemplation.

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Le Dernier Grand Guerrier - Cérémonie du Thé, édition limitée, sérigraphie artisanale 5 couleurs sur papier parchemin par Rhys Cooper, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 20 exemplaires (2015) - Format : 36 x 12 Rhys Cooper – Le dernier grand guerrier (édition cérémonie du thé) et le pouvoir du symbolisme pop de Marine Street L'œuvre de Rhys Cooper, « The Last Great Warrior – Tea Ceremony Edition », sortie en 2015 en édition limitée à seulement 20 exemplaires sérigraphiés, est une pièce visuelle saisissante au sein du genre Street Pop Art et Graffiti. Mesurant 91 x 30 cm, cette sérigraphie artisanale en cinq couleurs, d'une précision méticuleuse, a été réalisée sur papier parchemin dans le cadre du programme Printed Oceans de la Fondation PangeaSeed. L'œuvre allie l'impact visuel du pop art moderne à une conscience environnementale engagée, témoignant de la puissance de l'art urbain contemporain lorsqu'il est mis au service d'une cause qui dépasse la simple esthétique. Au centre de l'estampe se dresse un imposant grand requin blanc, le corps balafré et musclé, rendu par des traits contrastés à la fois anatomiques et expressifs. Son environnement – ​​des structures de bois en ruine qui l'entourent – ​​évoque un paysage marin post-industriel, renforçant les thèmes de la dégradation environnementale et de la survie. Le requin n'est pas qu'une simple créature des profondeurs ; Elle devient le symbole d'un survivant d'un monde bouleversé par l'empiètement humain. Le titre, « Le Dernier Grand Guerrier », présente le requin non comme un prédateur, mais comme un gardien solitaire d'un empire marin en voie de disparition. Rhys Cooper, reconnu pour son dessin précis et son style d'illustration dystopique, fusionne la culture de l'affiche graphique avec l'énergie brute du graffiti. Son expérience de l'esthétique urbaine – notamment l'utilisation de silhouettes très contrastées et de textures pop-surréalistes – confère à cette image une urgence cinématographique et saisissante. Chaque détail de la forme du requin et des débris environnants est intentionnel, créant une tension entre réalisme et stylisation. L'écriture japonaise katakana dans le coin supérieur droit évoque la culture urbaine mondiale, faisant écho à la dimension internationale du mouvement du street art et de la conservation marine. Cette édition a été produite dans le cadre de l'initiative Printed Oceans de la Fondation PangeaSeed, une plateforme d'art contemporain visant à mettre en lumière les espèces marines menacées et les enjeux écologiques à travers des œuvres en édition limitée d'artistes contemporains influents. En fusionnant l'ARTivisme – l'activisme artistique – et le potentiel de collection, cette initiative attire l'attention du public sur la conservation des océans d'une manière à la fois visuelle et émotionnellement forte. Les revenus générés par des estampes comme « Le Dernier Grand Guerrier » soutiennent non seulement l'artiste, mais contribuent également directement à des programmes environnementaux locaux à travers le monde. Cette œuvre repousse les limites du Street Pop Art et du graffiti lorsqu'elle s'affranchit des murs urbains pour engager le dialogue sur la conservation. L'utilisation du papier parchemin confère à l'estampe une texture presque ancienne, évoquant un rouleau, reliant ainsi la métaphore du guerrier à la mythologie. La palette de couleurs thé apporte chaleur et subtilité, la distinguant de l'esthétique pop commerciale et l'inscrivant dans un cadre esthétique plus introspectif, presque rituel – en parfaite adéquation avec son titre « Cérémonie du Thé ». « Le Dernier Grand Guerrier » de Rhys Cooper capture la beauté saisissante et la fragilité de la vie marine menacée. Elle fait le lien entre la gravure d'art, la sensibilité du graffiti et l'urgence écologique. Dans cette œuvre, le requin devient une icône silencieuse, non pas de peur, mais de résilience, au milieu des ruines d'un monde disparu. C'est un portrait de la force face à la destruction, et un rappel que le street art et le graffiti peuvent être un vecteur de protestation et de recueillement.

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Archipelago Street Pop Artwork Limited Edition Giclee Print on Hand Edgeled 310gsm Fine Art Paper by Modern Artist Dulk- Antonio Segura Donat. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Œuvre de 61 x 61 cm (24 x 24 pouces), découpée à la main. PangeaSeed Foundation - Tirage d'art giclée sur papier Canson Aquarelle 310 g/m² de qualité musée - Bords frangés à la main - 61 x 61 cm - Édition limitée à 100 exemplaires - Signé et numéroté

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Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Impression giclée en édition limitée « In Siren Waters » sur papier d'art de Wendy Ortiz, artiste de rue issue de la contre-culture. Le coin inférieur gauche présente un léger pli sur la marge.

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La nature est votre maison. Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier beaux-arts 310 g/m² par Shark Toof, artiste de rue graffiti, art pop moderne. 2015​ Signé Édition limitée numérotée à 4 exemplaires . Format de l'œuvre : 16 x 20 pouces. Murals In The Market présente une série d'estampes d'artistes de renommée mondiale, réunissant plus de 45 artistes locaux et internationaux. Le premier festival de fresques murales de Détroit s'est efforcé de rassembler les artistes les plus recherchés au monde pour deux expositions exceptionnelles, dont une vaste collection d'estampes explorant le nouveau mouvement d'art contemporain.

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Tropical Tiburón, édition limitée, plusieurs exemplaires sur panneau acrylique découpé au laser, prêts à être accrochés, par Alex Yanes, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée 2021 à 100 exemplaires. Œuvre d'art de 12 x 21,3 pouces. Découpe sur mesure en acrylique, comprenant trois bandes Velcro pour une fixation murale facile. Produite en partenariat avec Print House USA. Street Pop Art et Graffiti : Tiburón Tropical d'Alex Yanes Le street art, le pop art et le graffiti sont depuis longtemps à l'avant-garde de l'expression artistique contemporaine, incarnant le pouls vibrant des paysages urbains et les voix qui en émanent. L'œuvre en édition limitée intitulée « Tropical Tiburón », créée par Alex Yanes, illustre parfaitement cette esthétique moderne. Artiste de rue reconnu pour son pop art moderne et éclatant, Yanes compose une symphonie visuelle sur un support original et saisissant : un panneau acrylique découpé au laser. Né et installé à Miami, Alex Yanes est un artiste dont l'œuvre fait écho à l'esprit coloré et dynamique de sa ville. Reconnu pour son style unique qui fusionne les influences du street art et la sensibilité pop art, l'art de Yanes se caractérise par des couleurs vives, des lignes audacieuses et un sens narratif à la fois ludique et profond. Son édition limitée 2021 de « Tropical Tiburón » témoigne de son talent et représente la culture et l'environnement qui ont façonné son parcours artistique. Chaque pièce de cette série limitée à 100 exemplaires mesure 30,5 x 54 cm, une taille modeste mais percutante qui met en valeur la finesse et l'attrait visuel de l'œuvre. La découpe sur mesure de l'acrylique témoigne de l'engagement de Yanes envers l'innovation et la qualité. Ce choix de support confère une profondeur tridimensionnelle à l'œuvre, repoussant les limites de l'art traditionnel sur toile et invitant le spectateur à une interaction plus tactile. L'art qui repose sur l'innovation Ce qui distingue « Tropical Tiburón », c’est son attrait visuel et sa facilité d’installation. En partenariat avec Print House USA, Yanes a intégré la praticité à sa vision artistique. L’inclusion de trois bandes Velcro pour une fixation murale aisée répond au désir des collectionneurs contemporains pour un art accessible et facilement adaptable. C’est une reconnaissance du rythme de vie moderne, où des procédures de montage complexes ne devraient pas entraver l’appréciation de l’art. Cette œuvre célèbre le charme tropical incarné par un requin, créature à la fois crainte et vénérée. Le corps du requin, une toile, représente un coucher de soleil avec des palmiers se détachant sur un ciel chaud et accueillant. La juxtaposition du requin, souvent perçu comme un symbole de danger, avec le paysage tropical serein évoque un sentiment de contraste et d’équilibre. Elle joue sur les dualités de la nature et des environnements urbains qui inspirent Yanes. « Tropical Tiburón » n’est pas qu’un simple objet décoratif ; C'est une tranche de l'âme et du cœur de l'artiste, un récit capturé à l'acrylique, un vibrant hommage à l'essence de Miami. Alex Yanes continue de vivre et de travailler, contribuant à la riche tapisserie du street art et du graffiti, ses œuvres servant de phares de créativité dans le milieu artistique bouillonnant. Cette œuvre, une création en édition limitée, témoigne du dévouement de Yanes à son art et de sa capacité à allier fonctionnalité et génie artistique. L'intersection du street art et du graffiti est un espace complexe et en constante évolution, et c'est dans cet espace que « Tropical Tiburón » d'Alex Yanes trouve toute sa place. Avec chaque courbe découpée au laser et chaque dégradé de couleurs, Yanes narre une histoire qui lui est propre et pourtant universellement compréhensible – une histoire qui parle au cœur de la culture urbaine, à l'attrait des tropiques et à l'esprit intemporel du graffiti. En accrochant cette pièce, les collectionneurs n'acquièrent pas seulement une œuvre d'art, mais ancrent l'histoire de l'art contemporain dans leurs murs.

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Nature Of Yang - Œuvre d'art blanche et rouge clair, impression giclée HPM en édition limitée, rehaussée à la main, sur papier chiffon d'archivage 300 g/m² par l'artiste de graffiti pop culture Shark Toof. 2017​ Signé Édition limitée numérotée à 1 exemplaire . Format de l'œuvre : 16 x 16 pouces. Numéro 10 sur 10 Nature du Yang - Édition Blanc Clair Rouge 16x16 Papier chiffon d'archivage 300 g/m² Impression pleine page et embellissement à la main HPM par Shark Toof

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Achetez PEINTURE One of a Kind Artwork on MEDIUM par Street Art Pop Artist. 2022 Signé MEDIA Peinture Oeuvre Originale Taille XXXX INFO

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Protégeons nos océans. Œuvre d'art pop street en édition limitée, impression giclée sur papier d'art aquarelle Canson 310 g/m² par l'artiste moderne de graffiti urbain Dragon76. Édition limitée 2022, signée et numérotée, à 76 exemplaires. Format de l'œuvre : 30 x 18 pouces. Fondation PangeaSeed, impression giclée d'art 30 x 18 pouces sur papier Canson Aquarelle 310 g/m², édition limitée à 76 exemplaires signés et numérotés. Imprimé avec ♥ par Static Medium.

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Cargo 1, œuvre d'art en édition limitée, impression giclée sur papier aquarelle beaux-arts, par l'artiste de graffiti pop culture Graham Curran. Printed Oceans est le programme d'estampes d'art de la Fondation PangeaSeed. Il sensibilise le public aux enjeux environnementaux marins les plus urgents grâce au regard d'artistes parmi les plus reconnus d'aujourd'hui. Depuis 2012, nous avons publié plus de 100 éditions originales d'estampes d'art mettant en lumière des espèces marines menacées et des habitats océaniques. Ces magnifiques éditions contribuent à diffuser des récits importants sur la conservation dans les foyers et les espaces de travail du monde entier, suscitant un dialogue essentiel et inspirant des actions concrètes. En acquérant ces œuvres d'art en édition limitée, réalisées artisanalement avec soin, vous soutenez non seulement le travail novateur de la Fondation PangeaSeed dans les communautés du monde entier, mais vous contribuez également aux moyens de subsistance de nos artistes engagés. Ensemble, par l'art et l'activisme, nous pouvons sauver nos océans.

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Cici N'est Pas Une Homer Simpson Impressions pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier d'art 310 g/m² par Shark Toof Graffiti Street Artist Modern Pop Art. 2016 Signé Édition limitée numérotée à 60 exemplaires Dimensions de l'œuvre : 24 x 18 pouces « L'idée était de recréer l'ambiance du graffiti old school des années 80. On a utilisé des personnages pop de Disney et de vieux dessins animés, et bien sûr le maître Vaughn Bode, qu'on a intégrés à nos graffitis, soit littéralement, soit dans un style hybride. Du coup, on retrouve même l'attitude punk propre au graffiti, un peu comme Bart Simpson. Bart était la mascotte de mon exposition solo à la galerie Inner State de Detroit. Il incarne mon expérience personnelle d'artiste graffeur. Homer me ressemble sans doute plus aujourd'hui. » - Shark Toof

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Cici N'est Pas Une Bart Simpson Impressions pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier d'art 310 g/m² par Shark Toof Graffiti Street Artist Modern Pop Art. 2016 Signé Édition limitée numérotée à 60 exemplaires Dimensions de l'œuvre : 24 x 18 pouces « L'idée était de recréer l'ambiance du graffiti old school des années 80. On a utilisé des personnages pop de Disney et de vieux dessins animés, et bien sûr le maître Vaughn Bode, qu'on a intégrés à nos graffitis, soit littéralement, soit dans un style hybride. Du coup, on retrouve même l'attitude punk propre au graffiti, un peu comme Bart Simpson. Bart était la mascotte de mon exposition solo à la galerie Inner State de Detroit. Il incarne mon expérience personnelle d'artiste graffeur. Homer me ressemble sans doute plus aujourd'hui. » - Shark Toof

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Sculpture en résine The Hermit Limited, œuvre de Josh Keyes, artiste de rue et graffeur moderne. Édition limitée 2014 à 350 exemplaires. Sculpture neuve en résine estampée, dans sa boîte d'origine. Dimensions : 254 mm (L) x 172 mm (l) x 203 mm (H) La vision artistique de Josh Keyes Josh Keyes est reconnu pour son style unique, mélange de pop art urbain et de graffiti, qu'il transpose dans des sculptures d'une grande finesse. « L'Ermite », une sculpture en résine en édition limitée créée en 2014, illustre parfaitement l'approche singulière de Keyes en matière de pop art moderne. Tirée à seulement 350 exemplaires, cette œuvre est rapidement devenue une pièce de collection très prisée des amateurs d'art urbain contemporain. « L'Ermite » s'inscrit dans la continuité de l'exploration par Josh Keyes de l'interaction entre le monde naturel et les environnements construits par l'homme. La sculpture représente un bernard-l'ermite aux couleurs vives et d'un réalisme saisissant, ayant élu domicile dans une vieille boîte de conserve rouillée. Cette image marquante est caractéristique du travail de Keyes, où les animaux sont souvent représentés dans des juxtapositions surréalistes avec des éléments de délabrement urbain, symbolisant l'impact de l'empiètement humain sur les habitats naturels. Mesurant 25,4 cm de long, 17,1 cm de large et 20,3 cm de haut, la sculpture est une œuvre imposante qui captive le regard. Façonnée avec précision, la résine permet de reproduire les détails complexes qui font la renommée de Keyes, de la texture du corps du crabe à l'aspect vieilli de la boîte de conserve. Art urbain pop et commentaire environnemental L'œuvre de Keyes est souvent classée dans le courant du street art pop en raison de son accessibilité et de son recours à l'iconographie de la culture populaire. « L'Ermite » ne fait pas exception. Cette sculpture offre un commentaire poignant sur les problématiques environnementales profondément ancrées dans l'histoire du street art et du graffiti. Le choix du bernard-l'ermite, animal qui s'adapte à son environnement en trouvant divers objets pour s'y abriter, symbolise la nature adaptative, parfois invasive, du développement urbain. De plus, « L'Ermite » est une représentation physique de la reconquête des espaces urbains par la nature dans le street art. À l'instar des graffeurs qui réinvestissent l'espace public pour transmettre leur message, le bernard-l'ermite de la sculpture de Keyes se réapproprie les déchets humains, les intégrant à son être. Cette puissante métaphore témoigne de la résilience de la nature et de sa capacité à s'adapter et à survivre face à l'intervention humaine. Critique de la société par un artiste pop moderne Dans le contexte de la démarche artistique de Josh Keyes, « The Hermit » est une œuvre majeure qui synthétise sa vision de la société et de l'environnement. Elle reflète l'esprit du pop art urbain, qui brouille souvent les frontières entre art savant et art populaire, proposant une approche démocratique de l'appréciation artistique. La capacité de Keyes à instaurer un dialogue à travers son art est manifeste dans la manière dont « The Hermit » invite le spectateur à réfléchir à son rôle dans la protection de l'environnement. La représentation réaliste du bernard-l'ermite, contrastant avec son habitat artificiel, crée une tension visuelle troublante et stimulante. Le choix de Keyes d'apposer sa signature sur chaque pièce renforce son statut d'œuvre authentique de pop art moderne, imprégnée de l'esprit de la culture urbaine et de l'expression brute du graffiti. « The Hermit » de Josh Keyes est une œuvre puissante de pop art urbain et de graffiti qui incarne le regard critique de l'artiste pop contemporain sur la société. Son édition limitée, sa facture minutieuse et son poignant commentaire environnemental en font une œuvre majeure du paysage artistique contemporain. À travers cette sculpture, Keyes continue de questionner le spectateur, le confrontant aux réalités de la dégradation environnementale tout en lui conférant un message d'adaptation et de résilience. À la fois œuvre d'art et manifeste, « L'Ermite » témoigne de la force et de la pertinence durables de l'art urbain dans notre monde moderne.

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Il est le Zissou - Épreuve d'artiste AP Bad Dads Édition limitée 4 couleurs Sérigraphie tirée à la main sur papier beaux-arts par l'artiste pop Tim Doyle. Épreuve d'artiste AP 2011 Signée et marquée AP VII Dimensions de l'œuvre 16x20 Cette estampe a été initialement produite pour l'exposition d'art « Bad Dads 2 » à la galerie SpokeArt de San Francisco.

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Sculpture en résine Migratory Soul Limited, œuvre d'art de Josh Keyes, artiste de rue et graffeur moderne. Édition limitée 2014 à 350 exemplaires. Sculpture neuve en résine estampée, dans sa boîte d'origine. Dimensions : 254 mm (L) x 172 mm (l) x 203 mm (H) Exploration de l'âme migrante dans l'art urbain pop et le graffiti Le street art, le pop art et le graffiti sont souvent des médiums qui expriment avec force les courants sous-jacents, les préoccupations et les aspirations de la société. Josh Keyes, figure emblématique de ce mouvement artistique, y a apporté une contribution significative grâce à ses créations qui invitent à la réflexion. Sa sculpture en résine en édition limitée, intitulée « Migratory Soul », témoigne de son style unique, fusionnant l'art du graffiti et une sensibilité pop art contemporaine. Créée en 2014, cette pièce en édition limitée, à seulement 350 exemplaires, renferme un récit à la fois captivant et ouvert à l'interprétation. Mesurant 25,4 cm de long, 17,1 cm de large et 20,3 cm de haut, la sculpture est une œuvre imposante qui ne passe pas inaperçue. Chaque sculpture est livrée neuve, estampillée et dans sa boîte d'origine, garantissant son authenticité et son état impeccable pour les collectionneurs et les amateurs d'art. Les dimensions de l'œuvre permettent une expérience immersive ; le spectateur est invité à explorer ses subtilités et ses détails sous différents angles. Signification et esthétique de la sculpture en résine de Josh Keyes Dans « Migratory Soul », le talent artistique de Keyes s'exprime pleinement. La sculpture met en scène un homard rouge vif qui semble avoir trouvé refuge dans un crâne humain creux. Le contraste entre la vitalité organique du crustacé et l'os humain inerte et austère suscite un dialogue entre le monde naturel et l'impact de l'humanité sur celui-ci. Le socle, évoquant un fragment de relief océanique, ancre davantage la sculpture dans un contexte écologique, suggérant peut-être des thèmes liés à l'environnementalisme, aux cycles de la vie et à l'interdépendance des espèces. Le choix des matériaux est également remarquable. La résine, matériau polyvalent et durable, permet une grande finesse de détails et une finition lisse qui confère à la sculpture un aspect brillant, presque vivant. Cette attention portée à la matérialité est caractéristique du pop art urbain, où la texture, la forme et la couleur sont des éléments essentiels pour exprimer la profondeur thématique. La résonance culturelle de l'âme migrante L'œuvre « Migratory Soul » de Keyes résonne avec l'esprit du street art et du graffiti par son accessibilité et son ancrage dans les problématiques contemporaines. Elle reflète une conscience profondément sensible aux débats mondiaux autour de l'environnement et de la préservation des espèces. Sa disponibilité limitée renforce son attrait, incitant à s'engager dans ces discussions. Pour le collectionneur, cette œuvre n'est pas seulement un objet de plaisir visuel, mais aussi un point de départ pour le dialogue, une narration qui reflète son époque et invite à la réflexion. La rencontre entre la sensibilité du street art et la nature collectionnable de la sculpture crée un attrait universel. Elle invite un public diversifié à apprécier l'esthétique tout en s'interrogeant sur le message sous-jacent. C'est là toute la force du street art et du graffiti : transcender les murs des galeries traditionnelles et s'intégrer au discours quotidien, trouver sa place aussi bien dans la rue que dans les collections privées. « Migratory Soul » de Josh Keyes est une œuvre profonde qui incarne l'essence même du street art et du graffiti. Son édition limitée, son design complexe et ses images qui invitent à la réflexion en font une œuvre marquante de l'art contemporain. À travers elle, Keyes démontre son talent artistique et enrichit le débat sur les enjeux environnementaux et sociétaux cruciaux, confirmant ainsi son rôle de figure incontournable du pop art moderne.

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Impression d'art Breach Ocean Blue Rainbow Foil par Raid71, édition limitée sur papier d'art Rainbow Lava Foil, style pop graffiti, art de rue moderne. Tirage numéroté 2025, édition limitée à 35 exemplaires, format 18x24, impression d'art de précision écologique SwissQ. Breach Ocean Blue Rainbow Foil : Un hommage surréaliste à la fureur et à la liberté de la nature L'estampe Breach Ocean Blue Rainbow Foil de Raid71 est une expression saisissante d'énergie aquatique, de respect de l'environnement et du style dynamique qui caractérise le Street Pop Art et le graffiti. Tirée en 2025 à seulement 35 exemplaires numérotés, cette œuvre d'art de 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces) témoigne de l'étendue des compétences techniques et conceptuelles de l'artiste. Réalisée sur un papier d'art à effet « lave arc-en-ciel » grâce à la technologie SwissQ Eco-Precision, l'œuvre révèle une profondeur irisée, où la surface reflète des teintes changeantes dans une brillance quasi holographique qui se métamorphose sous la lumière. Cette pièce s'inscrit dans la continuité de l'engagement de longue date de Raid71 à intégrer une narration futuriste et une stylisation graphique au monde des beaux-arts et du street art. Le graffiti pop de rue rencontre le discours environnemental L'œuvre met en scène une orque stylisée en plein saut, son corps rendu par des formes biomorphiques évoquant à la fois les motifs amérindiens du Pacifique Nord-Ouest et le design futuriste des mechas. Les marques de la baleine sont superposées à une iconographie graphique et à des glyphes illustrés, fusionnant une vénération ancestrale et une abstraction cybernétique. La ligne d'eau tourbillonne sous la créature dans un maelström de mouvement, avec des débris épars et des silhouettes humaines fantomatiques prises dans les courants – un clin d'œil évocateur à la domination brute de la nature et à la place fragile de l'humanité en son sein. Bien qu'ancrée dans l'iconographie faunique, l'image est élevée au rang de mythe par l'esthétique graffiti de Raid71, où les dégradés de tons numériques et les textures d'éclaboussures de peinture imitent les peintures murales que l'on trouve souvent dans les rues des villes. Technique des beaux-arts améliorée par des surfaces holographiques L'impression SwissQ Eco-Precision sur papier métallisé arc-en-ciel offre une expérience visuelle immersive unique. Les couleurs oscillent entre des bleus turquoise océaniques, des violets lumineux et des bleus marine profonds selon l'angle de la lumière. Le papier métallisé réfléchissant amplifie l'énergie cinétique de l'eau et du ciel, tandis que la finesse des lignes et les dégradés picturaux témoignent du souci du détail et de la texture apportés par Raid71. Dans cette édition, l'utilisation du papier métallisé arc-en-ciel ne se contente pas d'embellir la présentation : elle intègre physiquement les thèmes du changement, de la fluidité et du spectre à la surface même de l'œuvre. Chaque regard offre une nouvelle interprétation, donnant à chaque tirage une impression de vie. La vision de Raid71 dans le pop art et le street art contemporains Raid71, pseudonyme de l'artiste britannique Chris Thornley, s'impose comme une figure majeure du street art et du graffiti contemporains. Sa fusion de traits inspirés de la bande dessinée, de finitions numériques et de thèmes socio-environnementaux a rendu ses estampes très recherchées sur la scène artistique internationale. « Breach Ocean Blue » témoigne avec force de sa démarche créative : raconter des histoires à travers une iconographie précise et un symbolisme chargé d'émotion. À la croisée de l'activisme, des beaux-arts et de la culture pop, cette œuvre suscite à la fois l'admiration esthétique et la réflexion environnementale. Elle est à la fois une pièce de collection et un avertissement visuel : une image de grâce, de rébellion et de mouvement inexorable.

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Nature Of Yang - Œuvre d'art rouge fluorescente, impression giclée HPM en édition limitée, rehaussée à la main, sur papier chiffon d'archivage 300 g/m² par l'artiste de graffiti pop culture Shark Toof. 2017​ Signé Édition limitée numérotée HPM (1 exemplaire) . Format de l'œuvre : 16 x 16 pouces. Numéro 10 sur 10 Nature du Yang - Édition Rouge Fluorescent 16x16 Papier Chiffon Archival 300 g/m² Impression pleine page et embellissement à la main HPM par Shark Toof

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« Il fait froid en dessous », œuvre d'art en édition limitée (Giclée) sur papier d'art de qualité supérieure, par Jason Levesque, artiste de graffiti de la culture pop. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Format de l'œuvre : 12 x 18 pouces.

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Utopia Artwork Giclée Édition Limitée Impression d'Art de Qualité sur Papier à Gravure Musée Hahnemühle 100% Coton par l'artiste de graffiti pop culture Victo Ngai. Édition limitée à 100 exemplaires. Signée et numérotée. Médaille d'or SOI55. Du fait des conditions de fabrication et de conservation de ces œuvres par l'artiste, de nombreuses estampes anciennes de Ngai présentent un léger jaunissement des marges blanches supérieures et inférieures, sur environ 1 mm. Ce jaunissement n'altère en rien l'image et les estampes sont par ailleurs en parfait état.

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« Un navire dans une bouteille », sérigraphie artisanale en 4 couleurs sur papier beaux-arts, par l’artiste Nate Duval, œuvre d’art pop en édition limitée. Œuvre d'art signée en édition limitée de 2014, format 10x8

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Protégeons nos océans - Œuvre d'art pop street en feuille holographique, impression giclée en édition limitée sur papier d'art en feuille holographique par l'artiste moderne de graffiti urbain Dragon76. Édition limitée à 36 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Format de l'œuvre : 24 x 12 pouces. Fondation PangeaSeed, impression giclée d'art 61 x 36 cm sur papier métallisé holographique. Édition limitée à 36 exemplaires signés et numérotés. Imprimé avec amour par Spirit Printing Services.

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Sérigraphie en édition limitée, tirée à la main en 4 couleurs, représentant la côte de Big Sur sur du papier d'art Speckletone de qualité supérieure, par l'artiste Shepard Fairey. Édition limitée 2022, signée et numérotée, à 600 exemplaires. Format 18x24. « Cette estampe de la côte de Big Sur, créée en partenariat avec la série d'estampes « Fifty-Nine Parks », met en valeur l'élégant et emblématique pont de Bixby Creek, ainsi qu'une magnifique portion des falaises côtières californiennes et de l'océan Pacifique. Je me suis rendu sur place à plusieurs reprises, et le paysage est à couper le souffle, quel que soit le temps ou la saison. Je suis très heureux de vivre en Californie, où les parcs sont préservés pour le plaisir du public et constituent de précieux sites naturels. Il est essentiel, à mon sens, de conserver certains espaces dominés par la nature, pour le bien de l'environnement et la qualité de vie des citoyens. Les bénéfices de cette estampe contribueront à l'entretien des parcs. » – Shepard Fairey

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« La mer monte aussi », édition limitée, sérigraphie artisanale en 4 couleurs sur papier beaux-arts, par l'artiste pop Tim Doyle. Édition limitée signée et numérotée de 150 exemplaires, série VI, 2009. Format de l'œuvre : 18 x 24 pouces.

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