Oeuvre originale

Lignes dans le sillage #14 Œuvre originale unique réalisée à l'encre et au marqueur sur papier aquarelle beaux-arts par JM Rizzi, artiste populaire de street art et de culture pop. Peinture originale signée à l'encre et au marqueur, 2022, format 18 x 24 pouces « Nous vivons une époque tendue. Les yeux fermés, je me laisse porter par le courant, glissant sur le sillage d'un flux énergique incessant. Cette série d'œuvres sur papier marque une exploration plus poussée des motifs abstraits. L'aluminium d'un avion et l'or royal ondulent et s'entremêlent comme des tourbillons ponctués de pourpre. L'acte final : l'amalgame de teintes métalliques et de fines lignes noires qui interrogent la frontière entre espace positif et négatif. Une interprétation visuelle de la sensation tacite de la propulsion perpétuelle de l'histoire humaine. » – JM Rizzi

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Winona Ryder - Rakugaki 3 126 Dessin original aux crayons de couleur réalisé à la main sur papier par l'artiste de la culture pop Albert Reyes. Dessin original signé aux crayons de couleur sur papier, datant de 2021. Dimensions : 21,6 x 27,9 cm (8,5 x 11 pouces).

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Thoughtcrime Ant Édition Limitée Peinture, pochoir et acrylique sur bois, peinte à la main et ornée, par Bask, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Ces œuvres s'inscrivent dans la continuité de ma série Thoughtcrime. L'image de la fourmi est peinte sur une série de panneaux patinés. Cet ensemble a été achevé le mois dernier. Il est difficile d'estimer le temps de création, car la récupération des panneaux à divers endroits et sur une longue période fait partie intégrante du processus artistique, au même titre que l'application de la peinture. Chaque pièce porte en elle sa propre histoire. Chaque panneau est entièrement réalisé à la main, peint et travaillé par mes soins. J'apprécie l'idée de produire en petites séries, permettant ainsi d'acquérir une œuvre originale pour le prix de certaines reproductions actuelles. J'ai conservé ces panneaux pendant un certain temps et il était enfin temps de les découper et d'en faire des œuvres d'art. Des peintures reprenant le même motif au pochoir, mais chacune étant unique. Chaque pièce possède son propre caractère et sa propre personnalité, tout en conservant la répétition du motif Thoughtcrime. » - BASK

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Quinqueflor Mordida #04 Original 100% recyclé, peinture en aérosol Iron Lak découpée à la main, sculpture, oeuvre de l'artiste de rue graffiti, artiste pop moderne Canlove. 2015 Signed Original Mixed Media Spray Paint Can Paint Affiché avec Boîte personnalisée Sculpture Oeuvre Taille 8 x 8 Prêt à accrocher au mur "Nous avons baptisé ces créations florales Metaliflora et nous expérimentons différentes formes depuis quelques années. Nous nous sommes mis au défi de créer l'utilisation la plus efficace et la plus optimale d'une bombe de peinture recyclée. La fleur a fleuri naturellement. Cette série est partiellement à propos de nous retournant à nos racines. Lorsque nous avons commencé à couper ces fleurs, nous ne les peignions pas comme nous le faisons souvent maintenant. Nous nous sommes aventurés dans cette approche brute avec certains de nos autres travaux. Il semble juste de l'introduire avec cette série Le processus d'éclatement de la boîte produit toujours un motif unique à l'intérieur de la boîte, car au fur et à mesure que le marbre se déplace à l'intérieur, il laisse ses traces sur la peinture humide.Chaque fleur est coupée à la main et il n'y a pas deux fleurs identiques.Chacune est complètement unique . Et chaque boîte que nous avons expédiée avait un travail de peinture personnalisé. - Peut aimer

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Achetez Diaspora Ono Peinture originale émail et acrylique sur plexiglas par Askew One graffiti street artiste pop art moderne. 2015 Signé Original peinture oeuvre taille 20 x 14 personnalisé encadré "En avril/mai 2014, j'ai passé environ 6 semaines à Los Angeles à faire ces peintures pour mon exposition personnelle à la Known Gallery. Je vivais et travaillais au-dessus du magasin TSL, faisant de mon mieux pour faire assez de travail pour remplir l'espace ce qui était une tâche assez ardue. Les pièces elles-mêmes sont une combinaison de portraits de tête peints dans ce que je dirais être mon style de signature, puis aussi une série d'œuvres abstraites plus petites qui signifient l'idée de la migration à travers le Pacifique, à la fois dans un contexte historique et sens récent. Le modèle pour les portraits était mon amie Sereima alias Stelly, qui est basée à Sydney et d'origine fidjienne. Pour moi, elle représente vraiment le visage changeant du Pacifique à bien des égards. Suite à une exposition très réussie à Sydney, 'The Evolving Face', je voulais m'éloigner des poses de photos du corps précédent et apporter plus d'attitude et d'exubérance et Sereima était parfaite parce qu'elle est l'incarnation absolue de ces choses." - De travers

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Achetez PEINTURE One of a Kind Artwork on MEDIUM par Street Art Pop Artist. 2022 Signé MEDIA Original Peinture Taille XXXX INFO

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Aki Sharks #3 Dessin original au marqueur sur toile par Akinori Oishi, artiste de street art contemporain très en vogue. Dessin original signé au marqueur sur toile non tendue, 2014. Dimensions : 11 x 13,25 pouces. Printed Oceans est le programme d'estampes d'art de la Fondation PangeaSeed. Il sensibilise le public aux enjeux environnementaux marins les plus urgents grâce au regard créatif d'artistes parmi les plus reconnus d'aujourd'hui. Depuis 2012, nous avons publié plus de 100 éditions originales d'estampes d'art mettant en lumière des espèces marines menacées et des habitats océaniques. Ces magnifiques éditions contribuent à diffuser des récits importants sur la conservation dans les foyers et les espaces de travail du monde entier, suscitant un dialogue essentiel et inspirant des actions concrètes. En acquérant ces œuvres d'art en édition limitée, réalisées artisanalement avec soin, vous soutenez non seulement le travail novateur de la Fondation PangeaSeed dans les communautés du monde entier, mais vous contribuez également aux moyens de subsistance de nos artistes engagés. Ensemble, par l'art et l'activisme, nous pouvons sauver nos océans.

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Abstraction Pollock Rouge Vert Œuvre originale unique en son genre Peinture à l'huile sur papier vélin par l'artiste post-moderne Samuel Kamen. XXe siècle, 12,25 x 14,5 pouces, signé, original

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Dessin original et visionnaire de style pop art moderne, réalisé à la feuille d'or et au crayon graphite sur bois encadré par l'artiste Craww. Dessin au crayon, technique mixte, à la feuille d'or, signé en 2014, sur bois encadré, 12 x 16 pouces

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Peinture originale d'un ours céleste debout sur papier d'art, encadrée sur mesure par Phil Lumbang, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Peinture originale et unique représentant un ours blanc debout dans un grand ciel bleu.

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Achetez Spread Love- XII Original One of a Kind Acrylique et peinture en aérosol sur du papier d'art découpé à la main par le célèbre artiste de graffiti de rue Snoeman. 2022 Peinture originale signée Acrylique et aérosol sur papier d'art découpé à la main Taille : 19 x 24 pouces Sortie : 01 avril 2022 Spread Love 12

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Achetez PEINTURE One of a Kind Artwork on MEDIUM par Street Art Pop Artist. 2022 Signé MEDIA Peinture Oeuvre Originale Taille XXXX INFO

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Achetez STREETSIGN Original Mixed Media Painting Modern Graffiti Pop Art sur Real Metal Street Sign par l'artiste ARTIST. 2022 Peinture originale signée sur XXXX Taille du signe XXXX INFO

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Peinture originale Pop Graff, acrylique et peinture aérosol, technique mixte sur toile tendue sur châssis, par Sen2, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Ayant développé mon style pendant trente ans, j'utilise souvent des couleurs vibrantes et une typographie originale pour capter instantanément l'attention du spectateur. Bien que mes graffitis se limitent généralement à la rue, j'ai décidé de présenter trois toiles originales en exclusivité pour 1xRUN. En tant qu'artiste, je voue un profond respect aux pionniers du Pop Art. Andy Warhol et Roy Lichtenstein ont été parmi mes plus grandes influences. Ils ont semé les graines, à la fin du XXe siècle, d'une révolution qui a transformé la perception de l'art. Il est remarquable de constater comment une poignée d'individus peuvent engendrer une révolution qui se poursuivra pendant de nombreuses années, jusqu'au XXIe siècle. Ils ont opéré un changement de paradigme dans l'interprétation de l'art et sont devenus des maîtres légendaires. » - Sen2

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Une nuit en ville, œuvre originale unique en son genre, peinture acrylique sur toile acrylique 270 g/m² par le célèbre artiste de graffiti de rue Aaron Craig - Pop Mash. Signature 2021 Peinture acrylique originale, format 21 x 29 pouces Caractéristiques de l'œuvre : Dimensions : 54 cm x 74 cm (21 po x 29 po) Technique : Peinture acrylique sur toile acrylique 270 g/m² Signée et estampillée à sec par Aaron Craig

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Achetez Post No Bills - Untitled Original One of a Kind Spray Paint & Stencil Painting Artwork on Stretched Canvas by Popular Street Art Pop Culture Artist Seen UA. 2018 Signé Original Peinture Taille 18x24 Craquelure partout. Toile non doublée.

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Union Pacific Chilled Express Original One of Kind Peinture Acrylique sur Bois Encadré Vieilli Cloué par le Populaire Artiste de Graffiti de Rue Lyric One. Panneau de bois original peint à la main, signé et prêt à accrocher, réalisé à la peinture acrylique avec des rivets en relief réalistes. Dimensions : 24 x 36 pouces. Sortie : 15 août 2019. Capturer l'essence du mouvement éphémère dans l'art urbain « Union Pacific Chilled Express » est une saisissante peinture acrylique originale du célèbre graffeur Lyric One. Réalisée en 2019 sur un panneau de bois vieilli et clouté, orné de rivets en relief réalistes et mesurant 61 x 91 cm, cette œuvre incarne la fusion du pop art urbain et du graffiti. Elle évoque le dynamisme et l'activité commerciale qui animent le monde ferroviaire, rendant hommage à la nature éphémère du fret et de l'art. Récits industriels dans l'œuvre de Lyric One L'exploration artistique du monde des transports et de l'industrie par Lyric One se cristallise dans cette œuvre majeure. Le sujet – un wagon frigorifique de l'Union Pacific, utilisé pour le transport de denrées périssables sur de longues distances – est une source d'inspiration inhabituelle pour les artistes. Pourtant, Lyric One sublime cet objet industriel du quotidien en une véritable œuvre d'art, capturant avec minutie les textures et les surfaces qui racontent une histoire de voyage, de commerce et d'écoulement du temps. L'œuvre, signée et prête à être accrochée, a été dévoilée le 15 août 2019. Elle témoigne de la capacité de l'artiste à transposer l'esprit du pop art urbain sur différents supports. Le choix du bois vieilli et le souci du détail, comme les rivets en relief, évoquent les textures des environnements urbains. Ces rivets ajoutent une dimension tactile à l'œuvre et font écho à la nature industrielle du transport ferroviaire – chacun pouvant symboliser les innombrables connexions et jonctions qui jalonnent les réseaux ferroviaires. Symbolisme et esthétique dans l'art du graffiti Dans « Union Pacific Chilled Express », le contraste entre la fonction pratique du service de transport frigorifique et l'expression vibrante du graffiti est saisissant. Les lettres bleu glacier, audacieuses, se détachant sur le fond blanc immaculé, captivent le regard et plongent le spectateur dans un univers où l'industrie et l'art se rencontrent. Les motifs de flocons de neige symbolisent non seulement la réfrigération, mais ajoutent aussi une touche de fragilité, un clin d'œil subtil à l'impermanence, thème récurrent dans le street art et le monde du commerce. L'œuvre de Lyric One témoigne du dynamisme du pop art urbain. À chaque coup de pinceau sur le bois, l'artiste donne vie au bourdonnement des voies ferrées, au froid des soutes à marchandises et à l'omniprésence de l'industrie dans notre quotidien. L'œuvre n'est pas une simple pièce statique à admirer ; elle participe activement au débat sur le rôle de l'industrie dans la société et l'influence omniprésente du commerce sur notre culture visuelle. Cette œuvre de Lyric One nous rappelle que le pop art urbain et le graffiti ne se limitent pas aux murs et aux ruelles, mais constituent des formes d'expression dynamiques capables de transformer n'importe quelle surface en un récit. « Union Pacific Chilled Express » célèbre cette polyvalence et le talent des artistes de rue pour saisir l'essence du mouvement, de l'activité économique et de la nature éphémère de la vie dans leurs créations.

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Dessin original au feutre de méduse démoniaque par Buff Monster sur papier cartonné, œuvre d'art pop urbaine moderne. Dessin original signé au feutre, 2007, format 10x6, représentant une méduse démoniaque volante « Méduse Démoniaque », une œuvre saisissante de Buff Monster, incarne l'essence même du pop art urbain. Réalisé en 2007, ce dessin original au feutre sur papier cartonné mesure 25,4 x 15,2 cm et présente un sujet intrigant : une méduse démoniaque volante. Signée, cette œuvre originale témoigne de l'esprit créatif de Buff Monster et s'inscrit pleinement dans la thématique du street art. L'œuvre met en scène une créature fantasque, signature du style de Buff Monster, qui mêle souvent le mignon au grotesque, le ludique au démoniaque. Cette juxtaposition illustre le pouvoir du pop art urbain à fusionner des éléments disparates pour susciter la réflexion et l'émotion. La méduse, avec ses tentacules pendants et ses ailes angéliques, invite à un dialogue sur la dualité : à la fois sinistre et bienveillante, flottante et pourtant guidée. L'utilisation par Buff Monster d'une encre noire intense sur fond uni illustre la puissance du contraste, une technique fréquemment employée dans le street art pour transmettre des images explicites et percutantes, même de loin. Le choix de représenter une méduse démoniaque suggère un récit où convergent créatures mythologiques et légendes urbaines, tissant une tapisserie de folklore moderne. La signature de Buff Monster et l'année de création ancrent l'œuvre dans le temps, lui conférant authenticité et offrant un aperçu de l'évolution de l'artiste. Alors que le street pop art continue de gagner en reconnaissance, des œuvres comme « Méduse démoniaque » sont essentielles pour retracer l'histoire du mouvement et la diversité de ses expressions artistiques. Dans le contexte plus large du street pop art et du graffiti, « Méduse démoniaque » témoigne de la créativité sans bornes des artistes qui puisent leur inspiration dans leur environnement urbain. L'œuvre de Buff Monster invite les spectateurs à trouver beauté et sens dans des formes inattendues, prouvant que même les créatures les plus fantastiques ont leur place dans la rue et dans le cœur de ceux qui les croisent.

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Interdit d'entrer, pas de graffiti 12x18- III Peinture originale technique mixte, artiste de graffiti, art pop moderne sur véritable panneau de rue en métal par Cope2. Panneau de rue en métal véritable, signé, réalisé à la bombe de peinture (lettres bulles), format 12 x 18 pouces. Œuvre originale de 2020. Défense d'entrer. Interdiction de graffitir. Panneau de surveillance. Cope2 remet en question les normes avec ses œuvres d'art urbain pop et graffiti. L'œuvre « No Trespassing No Graffiti 12x18- III » de Cope2 est une création provocatrice qui incarne l'esprit rebelle du street art et du graffiti. Cette peinture originale à la bombe, signée et réalisée en 2020, présente des lettres bulles sur un véritable panneau de signalisation métallique de 30 x 45 cm (12 x 18 pouces), proclamant avec audace : « Le graffiti est un crime ». Cette œuvre remet directement en question les frontières légales et sociétales qui pèsent depuis longtemps sur les graffeurs. Cope2, figure incontournable du monde du graffiti, utilise cette pièce pour confronter le paradoxe du graffiti en tant que forme d'art : son existence simultanée à la fois comme création reconnue et comme acte criminel. Le panneau de signalisation métallique, objet symbolisant généralement la loi et le contrôle, est détourné et réutilisé comme support d'expression artistique libre. Cette inversion est symbolique de la nature même du street art : un médium qui s'exprime souvent dans des espaces fortement réglementés et surveillés. En choisissant ce support, Cope2 ne se contente pas de créer une œuvre d'art ; Il rédige une déclaration sur le droit à l'espace public et la nature de la liberté artistique. Commentaire socioculturel de l'œuvre de Cope2 « Défense d'entrer, graffiti interdit » est bien plus qu'une œuvre visuellement saisissante ; elle offre un commentaire socioculturel sur l'état actuel du street art. Les couleurs vives et les lettres bulles caractéristiques sont des éléments essentiels du graffiti traditionnel, mais elles contrastent fortement avec le fond formel et autoritaire du panneau de signalisation. Ce contraste est une métaphore visuelle de la tension entre l'artiste et l'institution, entre créativité et conformisme. L'œuvre capture l'essence même de Cope2 : un artiste qui a prospéré malgré l'adversité et les obstacles juridiques pendant plus de trente ans. Cette œuvre en techniques mixtes témoigne de son dévouement à son art et de sa capacité d'adaptation et d'évolution. Il a exposé ses techniques mixtes dans la rue à une figure respectée du pop art moderne, tout en conservant l'authenticité et la spontanéité de ses débuts dans le street art. Impact du slogan « Propriété privée, pas de graffiti » sur le pop art et le graffiti urbain L'impact de l'œuvre « No Trespassing No Graffiti » de Cope2 sur la perception du street art et du graffiti est indéniable. Elle incarne la contestation souvent inhérente à ce genre artistique. Pourtant, elle représente aussi une maturation de la forme, signe que le street art a désormais toute sa place dans le discours artistique contemporain. L'œuvre se dresse comme un symbole de résistance à la criminalisation du graffiti, incitant à un réexamen des lois et des perceptions culturelles qui régissent l'expression publique. À travers cette œuvre, Cope2 affirme la valeur du street art comme forme légitime et puissante d'expression sociale et artistique. La peinture interpelle directement le spectateur, l'invitant à questionner et à redéfinir les frontières de la légalité et de l'art. C'est une déclaration audacieuse : la présence du graffiti dans l'espace public peut être à la fois un acte de vandalisme et un témoignage culturel significatif. « No Trespassing No Graffiti » est une œuvre charnière dans l'histoire du street art et du graffiti. Cette œuvre témoigne de l'influence durable de Cope2 et de son engagement à repousser les limites du langage du street art. Elle ne se contente pas de dénoncer la prohibition ; elle proclame le pouvoir transformateur du graffiti, son rôle dans la remise en question de l'ordre établi et son potentiel à modifier notre rapport à l'espace urbain. Elle incarne la complexité du graffiti et constitue un exemple vibrant du dialogue entre l'artiste, la ville et la société.

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Rabbit Worries, peinture à la bombe sur panneau de bois originale de Blake Jones. Œuvre unique d'art urbain et pop. Peinture à la bombe sur panneau de bois, signée en 2020. Œuvre originale de 20,5 x 48 cm. « Rabbit Worries » de Blake Jones – Expression brute sur bois, œuvre d'art pop art et graffiti. « Rabbit Worries » est une œuvre unique réalisée en 2020 par l'artiste américain Blake Jones. Peinte à la bombe de peinture rouge vif sur un panneau de bois recyclé de 52 x 122 cm, elle met en scène le lapin emblématique de Jones, un motif récurrent dans son œuvre visuelle. Peinte avec une approche directe et sans filtre, cette pièce allie l'urgence du graffiti à la clarté esthétique de l'iconographie pop. L'expression du lapin – yeux clos, bouche esquissant un sourire gêné, sourcils légèrement arqués – traduit une tension contenue. Son corps, réduit à des lignes fluides et une forme minimaliste, rayonne à la fois d'humour et de malaise. Le mot « BLAKE », griffonné en bas dans la même teinte rouge, affirme la paternité de l'œuvre avec l'immédiateté d'une signature de rue. Simplicité émotive et pouvoir symbolique Le lapin de Jones n'est pas qu'un simple personnage de dessin animé : il est un vecteur d'émotions fortes. Dans « Rabbit Worries », le dessin est réduit à l'essentiel, ce qui permet un impact psychologique maximal grâce à un minimum d'informations visuelles. La peinture rouge vif, appliquée en aérosol sur le grain naturel du bois, crée un contraste saisissant, amplifiant l'émotion brute qui se dégage de la posture et des expressions du visage. Le format vertical du panneau intensifie l'effet, guidant le regard vers le haut, à travers le corps, jusqu'aux oreilles, qui symbolisent l'éveil ou l'anxiété. Cette approche illustre une stratégie fondamentale du street art et du graffiti : communiquer vite, parler fort et faire en sorte que chaque trait compte. Peinture en aérosol et surfaces selon le code urbain L'utilisation de la peinture en aérosol sur panneau de bois s'inscrit directement dans la tradition du graffiti, où l'outil et la texture confèrent à l'œuvre toute son intensité. Le grain du bois reste parfaitement visible sous les lignes rouges, permettant aux imperfections naturelles et à la rudesse urbaine de coexister avec l'énergie graphique des images de Jones. Contrairement à la toile ou au papier, le bois offre une résistance et un caractère uniques, instaurant un dialogue entre la matière et le message. Jones exploite cette propriété, laissant la surface influencer l'atmosphère de la pièce. Le rouge vif évoque l'urgence et la vulnérabilité, faisant écho aux thèmes de la lutte personnelle, du trac ou du conflit intérieur. Le geste est rapide, presque instinctif, reflétant les rythmes du tag de rue, tout en s'inscrivant dans une composition formelle. Blake Jones et le point de rencontre entre l'humour, l'anxiété et la voix publique Blake Jones poursuit son exploration des thèmes de l'identité émotionnelle et du langage public à travers des figures récurrentes et des expressions familières. Dans « Rabbit Worries », il capture un moment d'introspection grâce à un symbole généralement associé à l'innocence et à la malice. Ce lapin, pourtant, n'est pas insouciant : ses yeux clos et ses lèvres retroussées trahissent une profonde gravité, offrant au spectateur le reflet d'un espace mental partagé. L'œuvre aborde les pressions de la vie contemporaine à travers le langage de l'abstraction cartoon, ancrant les codes visuels pop dans un territoire émotionnel bien réel. S'inscrivant dans le canon du Street Pop Art et du Graffiti, « Rabbit Worries » illustre de façon saisissante comment le personnage et le geste peuvent se substituer au récit, comment l'urgence peut être belle et comment l'anxiété peut s'exprimer par la couleur et la ligne. Cette œuvre se dresse à la fois comme un objet d'une clarté esthétique remarquable et comme un portrait d'une grande complexité psychologique.

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Achetez PEINTURE One of a Kind Artwork on MEDIUM par Street Art Pop Artist. 2022 Signé MEDIA Peinture Oeuvre Originale Taille XXXX INFO

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Cohérence - 5 Peinture originale Peinture en aérosol, acrylique, techniques mixtes sur panneau de bois encadré par Cope2 Artiste de rue graffiti Art pop moderne. Ces dernières années, Cope2 a collaboré avec des marques prestigieuses telles que Time Magazine, Converse et Adidas. Son travail s'est même étendu au monde virtuel avec des apparitions dans des jeux vidéo comme Mark Eckos: Getting Up et Rockstar Games: Grand Theft Auto IV. Au milieu des années 1990, Cope2 a progressivement quitté la rue pour s'imposer dans le milieu artistique des galeries. À cette époque, le street art n'était pas aussi populaire qu'aujourd'hui et, pour le grand public, il restait inextricablement lié aux ghettos, au trafic de drogue, etc. L'artiste n'a jamais caché son passé difficile et se refuse à l'idéaliser pour valoriser sa carrière et son image artistique. Au contraire, il confie : « Franchement, il n'y a pas de quoi être fier de se débrouiller, mais j'ai eu mon premier enfant à 16 ans, mon fils. Alors, il fallait bien que je gagne ma vie pour subvenir à ses besoins et à ceux de sa mère. »

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Dessin original à l'encre de Keith sur papier mat protégé anti-UV de qualité archive, par l'artiste pop art moderne Mark Powell. Croquis signé au stylo à bille, 2021, format A2, sans cadre. Le dessin est protégé par un vernis mat anti-UV. Dimensions : 16,5 x 23,25 pouces.

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Achetez PEINTURE Oeuvre de peinture originale unique en son genre MEDIA sur MEDIUM par l'artiste populaire Street Art Pop Culture ARTIST. 2022 Signé Original Peinture Taille XXXX INFO

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Abstraction Pollock Beige, œuvre d'art originale et unique à l'huile sur papier vélin noir, par l'artiste post-moderne Samuel Kamen. XXe siècle, 18,5 x 23 cm, signé original

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Fusion psychédélique - 03 Peinture originale à la main, plusieurs techniques mixtes de peinture en aérosol et d'encre sur panneau de bois découpé au laser, prête à être accrochée par Tavar Zawacki (ci-dessus), artiste de rue graffiti, art pop moderne. La série Psychédélique a été créée en lien avec ma récente exposition solo Remix. Chaque pièce de cette série a été conçue en mettant l'accent sur un contraste visuel saisissant. Elle s'apparente à l'Op art (art optique), qui provoque un véritable trip visuel. Cet effet altère la perception, comme sous l'effet de drogues psychédéliques. Certains motifs Psychédéliques ont été présentés dans Remix, tandis que d'autres ont été créés spécifiquement pour cette série. Le motif « Sunset Strip », en particulier, a été réalisé avec plus de complexité pour mon exposition Remix. Cette exposition consistait à intervertir et à remplacer différents motifs découpés d'un même dessin, dans différentes couleurs, pour obtenir l'œuvre finale. La série Psychédélique produit un effet similaire, mais dans un style plus épuré, en bloquant les couleurs et en laissant apparaître l'espace négatif.

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Scène de naïveté, époque 12, dessin original au marqueur sur toile encadré par Blake Jones, œuvre d'art pop urbaine moderne. Dessin original à la main, signé et encadré, réalisé au feutre de couleur en 2019. Dimensions : 7,75 x 10,25 pouces. Naivety Scene Era 12 par Blake Jones – Fantaisie dessinée à la main dans le style street art pop et graffiti « Naivety Scene Era 12 » est une œuvre originale encadrée de 2019, réalisée au feutre sur toile par l'artiste américain Blake Jones. Mesurant 19,7 x 26 cm, elle est reconnue pour ses compositions dynamiques et centrées sur les personnages, ainsi que pour son utilisation audacieuse des lignes et des couleurs. Jones insuffle à cette œuvre une joie débordante et une imagination hyperactive. Entièrement exécutée à la main au feutre, l'œuvre présente un univers libre peuplé de créatures, d'objets et de gribouillis, dans une explosion visuelle à la manière d'un collage. Son cadre blanc épuré, contrastant avec l'énergie visuelle qu'elle renferme, lui confère une personnalité et un mouvement immédiats. Cette pièce unique puise son inspiration dans l'absurdité ludique de l'art enfantin, tout en intégrant la répétition consciente et la superposition symbolique propres au Street Pop Art et au graffiti. Encombrement des personnages et chaos contrôlé La surface de Naivety Scene Era 12 est un kaléidoscope de formes caricaturales : fantômes aux yeux brillants, chiens aboyant, cornets de glace fondants, dents d’alligator, éclairs et visages humanoïdes aux yeux exorbités, chacun dessiné avec un style unique et souligné de couleurs vives. Ces figures peuplent l’espace sans hiérarchie apparente, mettant en évidence la nature démocratique et improvisée du travail de Jones. Chaque centimètre carré de la toile est exploité, créant un environnement dense et foisonnant, à la fois aléatoire et intentionnel. Certains personnages sont dessinés en noir et blanc, tandis que d’autres explosent de couleurs néon et pastel. Le mélange de gestes expressifs, de motifs graphiques et d’éléments textuels tels que YO et CALIENTE offre de multiples pistes d’interprétation. Il ne s’agit pas d’un récit, mais d’un moment de jeu visuel, invitant le spectateur à explorer sans limites. Cette stratégie s’inscrit pleinement dans le courant du Street Pop Art et du graffiti, où la création d’images repose autant sur l’énergie et l’atmosphère que sur le message. Le marqueur comme médium, le processus comme performance L'utilisation du marqueur comme médium principal par Blake Jones renforce le caractère brut et spontané de l'œuvre. Contrairement au travail numérique ou à la peinture, le marqueur permet une immédiateté et une texture qui reflètent le mouvement de la main et l'expression personnelle. La superposition des couleurs, les chevauchements visibles et les variations de pression et d'épaisseur du trait témoignent d'un processus direct et authentique. La contrainte imposée par le format réduit de la toile contribue à l'intensité de l'œuvre, forçant chaque forme à interagir et à réagir dans un espace restreint. Ce type de création vivante et intuitive puise ses racines dans la culture du carnet de croquis et la tradition du graffiti, où les artistes génèrent rapidement des idées, des formes et de l'énergie avec les outils à leur disposition. Jones transpose cette approche dans une œuvre achevée qui conserve toute la fraîcheur d'une séance spontanée. Joie visuelle et remix culturel de Blake Jones Blake Jones continue de développer un langage visuel qui brouille les frontières entre dessin brut, illustration d'atelier et spontanéité du graffiti. Dans Naivety Scene Era 12, l'artiste célèbre les imperfections de l'instinct, l'humour du hasard et la beauté du désordre. Il propose une composition qui rejette le minimalisme au profit de l'abondance, du foisonnement et de l'expression. Le format encadré sublime l'imagerie chaotique, lui conférant une présence digne d'une galerie tout en préservant son authenticité et son accessibilité émotionnelle. Présenté dans le cadre de Street Pop Art & Graffiti Artwork, ce dessin original illustre comment l'art peut exister sous des formes à la fois informelles et recherchées, rappelant aux spectateurs que même les gestes les plus simples, répétés et affinés, peuvent donner naissance à des univers complexes. Blake Jones ne se contente pas de dessiner. Il construit des écosystèmes de sentiments, de gestes et de jeux graphiques où tout a sa place, rien n'est sacré et la joie est la seule règle.

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Cubisme abstrait 1 Œuvre originale unique en son genre, technique mixte, peinture acrylique en aérosol sur toile tendue, par le célèbre artiste de graffiti de rue RD-357. Encadrement sur mesure 31,5 x 22,5 cm. « Cubisme abstrait 1 » par RD-357. Peinture originale sur toile tendue, technique mixte (peinture aérosol et graffiti), avec le tag RD et des couleurs cubistes en arrière-plan. Superbe œuvre originale rare du prolifique artiste de rue Real Deal RD357.

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Cloche sacrée, peinture aérosol multiple peinte à la main sur panneau de bois découpé, prête à être accrochée, par Dan Christofferson - Artiste de rue graffiti Beeteeth, art pop moderne. Édition limitée or signée et numérotée de 2015 (5 exemplaires). Dimensions de l'œuvre : 8,5 x 13,5 pouces.

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Tooth For Tooth est une peinture acrylique originale de RT Vegas, une œuvre d'art sur toile prête à être accrochée, réalisée par des artistes pop art de rue. Peinture acrylique signée sur toile tendue, prête à être accrochée, réalisée en 2010. Œuvre originale de 22,5 x 16 pouces. RT Vegas : Une voix vibrante du pop art urbain La peinture acrylique originale « Tooth For Tooth » de RT Vegas illustre à merveille la puissance dynamique et expressive du pop art urbain. Créée en 2010, cette œuvre est emblématique de RT Vegas, artiste pop reconnu pour son style audacieux et ses images qui invitent à la réflexion. Signée par l'artiste, cette toile prête à être accrochée mesure 57 x 41 cm et constitue une pièce maîtresse du paysage artistique urbain contemporain. L'approche artistique de RT Vegas allie la force brute du street art à l'attrait du pop art, donnant naissance à des œuvres visuellement saisissantes et riches de sens. « Tooth For Tooth » est une toile aux contrastes saisissants, aux formes fluides et à la présence troublante d'une figure anthropomorphe qui captive le regard et interpelle l'esprit. L'utilisation de l'acrylique permet d'obtenir des couleurs vibrantes et durables qui contrastent avec la toile, une caractéristique devenue la marque de fabrique du travail de Vegas. Cette peinture est une œuvre qui suscite la conversation et évoque l'expression brute et authentique du graffiti ainsi que l'audace du pop art. RT Vegas a développé un langage visuel unique qui alimente le débat public, mettant souvent en lumière des problématiques sociétales et des émotions humaines qui trouvent un écho auprès d'un public diversifié. Le titre de l'œuvre, « Dent pour dent », évoque les thèmes de la réciprocité et de l'équilibre, et suggère peut-être des réflexions plus profondes sur la justice ou la vengeance. Le pouvoir évocateur du street art dans l'œuvre de RT Vegas « Tooth For Tooth » de RT Vegas témoigne de la capacité de l'artiste à communiquer des thèmes complexes à travers le pop art urbain. La force de son œuvre réside dans sa capacité à transmettre des messages à la fois universels et profondément personnels, en exploitant l'accessibilité du street art et le large attrait du pop art. Les peintures de Vegas capturent souvent un instant, reflétant ses réactions au monde qui l'entoure. Dans cette œuvre, les visages impressionnistes et les lignes courbes créent une impression de mouvement et d'intensité, caractéristique du style de Vegas. La toile tendue est comme une fenêtre ouverte sur la psyché de l'artiste, distillant le monde extérieur en une série de vignettes émotionnelles. À l'instar de nombreuses œuvres de Vegas, cette peinture n'est pas une simple image statique, mais une entité vivante qui dialogue avec ceux qui la découvrent. « Tooth For Tooth » est un exemple éloquent de l'engagement de RT Vegas envers le pop art urbain. Son œuvre est un phare dans l'art contemporain, soulignant l'importance du street art et du graffiti comme formes d'expression artistique à part entière. Grâce à ses compositions saisissantes et à ses sujets captivants, RT Vegas continue de séduire les amateurs d'art et les collectionneurs, confortant ainsi sa position de figure influente du street art pop.

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Femme blonde nue 93 Peinture à l'huile originale sur toile de Peter Keil Œuvre unique sur panneau de toile cousu à la main en relief 3D par The Wild Man of Berlin, un artiste contemporain célèbre. Peinture à l'huile signée et datée de 1993 par Peter Keil, sur panneau de toile rembourrée en relief, cousue à la main et prête à accrocher. Œuvre originale de 24 x 30 pouces (61 x 76 cm). Toutes les œuvres de Peter Keil utilisent une peinture épaisse ; quelques écaillures peuvent donc être présentes en raison de l'âge et de la nature de son travail. Représentation d'une femme blonde nue, stylisée, les bras retenant ses cheveux derrière la tête. Exploration de la vivacité expressive dans « Femme blonde nue 93 » de Peter Keil « Femme blonde nue 93 » est une saisissante peinture à l'huile sur toile originale de Peter Keil, surnommé « l'Homme sauvage de Berlin » pour son art expressif et dynamique. Cette œuvre de 1993, signée et datée par l'artiste, présente une toile atypique : un panneau sur mesure, cousu à la main et en relief 3D, qui confère à l'œuvre une dimension tactile unique. Ses dimensions généreuses (61 x 76 cm) offrent une vue imprenable sur la représentation brute et sans retenue du corps humain par Keil. Il y capture l'essence d'une femme blonde nue, stylisée à l'extrême, dans une pose qui allie force et fluidité, ses bras soulevant élégamment ses cheveux derrière sa tête. La technique picturale de Peter Keil se caractérise par une application vigoureuse de peinture épaisse, contribuant à la richesse et à la profondeur de ses textures. Avec le temps, certaines œuvres de Keil peuvent présenter des signes d'écaillage de la peinture, un phénomène naturel qui reflète le passage du temps et les qualités organiques des matériaux qu'il utilise. Ces imperfections apparentes font en réalité partie intégrante du caractère de l'œuvre, incarnant la nature même du processus créatif spontané et émotionnel de Keil. Réinventer l'art figuratif à travers le prisme du street art et du graffiti Dans « Femme blonde nue 93 », Keil réinvente l'art figuratif avec une esthétique qui mêle la spontanéité et l'audace propres au street art et au graffiti. Son utilisation audacieuse de la couleur et de la forme s'inscrit dans le langage visuel de ces mouvements, qui s'affranchissent des frontières traditionnelles des beaux-arts. Ses œuvres transcendent la simple représentation pour évoquer des émotions et des récits qui rappellent l'impact visuel du street art et du graffiti. L'œuvre offre une expérience à la fois visuelle et physique : la toile en relief invite le spectateur à interagir avec la peinture au-delà du plan pictural. Ce mode de présentation illustre la volonté de Keil de repousser les limites de l'exposition d'art conventionnelle et de créer une expérience plus immersive. Acquérir une œuvre comme « Femme blonde nue 93 », c'est posséder un fragment de l'histoire vibrante de l'art contemporain. Les peintures de Keil sont très recherchées pour leur puissance expressive et leur place dans l'évolution de l'art, notamment dans le contexte du street art et du graffiti. Ses œuvres témoignent de la capacité de l'artiste à saisir la complexité de l'expression humaine par des coups de pinceau audacieux et une approche intrépide de la couleur. La peinture à l'huile originale de Peter Keil, « Femme blonde nue 93 », célèbre la forme et l'expression humaines, incarnant l'esprit débridé du pop art et du graffiti dans le cadre des beaux-arts. L'œuvre de Keil continue d'inspirer et de stimuler la réflexion, confirmant sa réputation d'artiste contemporain majeur qui, à travers chaque coup de pinceau vibrant, capture l'esprit de son époque.

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Dessin miniature original à l'encre Skully, réalisé à la main sur papier d'art par Nicole Gustafsson, artiste de street art contemporaine très en vogue. Dessin original signé de 2013, format 5x5

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Goonie 032 Peinture aquarelle originale sur papier d'art encadré par l'artiste surréaliste Naoto Hattori. Aquarelle originale unique signée de 2013. Œuvre encadrée. Dimensions du cadre : 8,5 x 8,5. Dimensions de l’image : 3 x 3. Encadrement et passe-partout personnalisés par l’artiste. « Goonie 032 » de Naoto Hattori et l'essence du pop art urbain Dans l'univers dynamique du street art et du graffiti, le terme « original » revêt une importance capitale. L'originalité est l'essence même d'un art qui revendique sa voix unique et sa résistance au courant dominant. « Goonie 032 », une aquarelle de 2013 de Naoto Hattori, incarne cet esprit d'originalité et constitue une œuvre fascinante dans le contexte plus large du pop art et du street art. Cette aquarelle unique en son genre se présente non seulement comme un témoignage de l'imagination débordante de Hattori, mais aussi comme le reflet de sa capacité à fusionner l'esprit du street art et les subtilités de la technique de l'aquarelle. Réalisée sur papier beaux-arts, l'œuvre mesure 7,6 x 7,6 cm et est encadrée dans un cadre et un passe-partout sur mesure de 21,6 x 21,6 cm. Conçue et réalisée par Hattori lui-même, cette approche artisanale de la présentation de l'œuvre témoigne de l'engagement total de l'artiste envers son art. De la création du tableau à son encadrement, chaque étape est empreinte d'une touche personnelle qui s'inscrit dans l'éthique du « faire soi-même » si répandue dans la culture du street art. Interprétation du surréalisme dans le pop art de rue d'Hattori « Goonie 032 » présente un sujet typiquement Hattori : une figure surréaliste à l'allure presque irréelle. L'expression du visage, empreinte d'un mystère contemplatif, se détache sur un fond indéfini, captivant ainsi le regard du spectateur. L'utilisation de l'aquarelle confère à l'œuvre une dimension onirique, les couleurs se fondant les unes dans les autres, évoquant la fluidité souvent associée au caractère dynamique et évolutif du street art. La petite taille de l'image, encaissée dans un cadre imposant, attire le regard, incitant à une observation attentive et à une immersion personnelle, à l'instar de la découverte, parfois surprenante, de graffitis ou d'œuvres pop art dans des recoins urbains inattendus. La force artistique réside non seulement dans la peinture elle-même, mais aussi dans le contraste saisissant entre son format et l'impact visuel du cadre sombre et massif qui l'entoure. La valeur de collection et l'impact des aquarelles d'Hattori Le marché du street art et du graffiti valorise la rareté et la signature de l'artiste, et « Goonie 032 » d'Hattori en est un parfait exemple. Signée, cette œuvre originale est directement liée à l'artiste, ce qui renforce son attrait auprès des collectionneurs. Si l'aquarelle n'est pas traditionnellement associée à l'audace et à la spontanéité du street art, Hattori l'utilise ici avec une telle maîtrise qu'elle révèle toute la subtilité de cet art inspiré de la rue. Cette pièce affirme que la vitalité du street art peut être transmise par la finesse de l'aquarelle, une idée qui élargit la définition et la portée du street art. L'encadrement et le passe-partout contribuent également à sa valeur de collection. En personnalisant sa présentation, Hattori fait de « Goonie 032 » bien plus qu'une simple œuvre d'art : une véritable expérience esthétique. Cette attention portée au cadrage est similaire à la manière dont les artistes de rue doivent souvent travailler à l'intérieur et autour des limites des espaces qu'ils choisissent de taguer ou de moraliser, transformant ainsi les limitations en une partie intégrante du processus créatif. Importance culturelle de « Goonie 032 » dans l'art contemporain L'œuvre de Naoto Hattori transcende les frontières traditionnelles du pop art et du graffiti, explorant les sphères du personnel et du fantastique. « Goonie 032 » illustre comment l'influence du street art a imprégné différents niveaux de la production artistique, donnant naissance à des expressions novatrices qui instaurent un dialogue avec le spectateur, à l'instar des conversations suscitées par les fresques murales et les tags. Dans « Goonie 032 », ce dialogue est intime, invitant à une introspection qui reflète le sujet même de la toile. La pertinence culturelle de l'œuvre d'Hattori réside dans sa capacité à résonner avec l'esprit du street art : l'expression de l'identité, la remise en question des normes sociales et la transgression des conventions artistiques. « Goonie 032 », par son originalité, sa maîtrise et sa vision surréaliste, est un exemple éclatant de la manière dont les principes du Street Art, du Pop Art et du Graffiti peuvent être appliqués à différents supports et contextes, préservant l'esprit de la rue dans la sérénité des murs de la galerie.

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Someday Baby - 04 Peinture originale technique mixte sérigraphie, encre acrylique, peinture en aérosol et collage sur papier beaux-arts 250 g/m² par Greg Gossel, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Someday Baby 04 Sérigraphie originale de Greg Gossel « Cette série s'inspire d'un récent voyage à Kyoto, au Japon. Durant mon séjour, j'ai visité de nombreuses librairies anciennes et boutiques de seconde main, collectionnant des romans graphiques, des recueils de chansons, des magazines, de vieux journaux et des cartes. De retour à mon atelier, j'ai utilisé ces matériaux comme références visuelles et typographiques pour cette nouvelle série, mais aussi comme éléments de collage intégrés à chaque pièce. La superposition dense d'images et la palette de couleurs vibrantes de cette série imprimée à la main reflètent la richesse des traditions et la vitalité de la culture japonaise. » – Greg Gossel

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Légende urbaine - Orange - Ensemble de 2 œuvres originales uniques, techniques mixtes, peinture aérosol acrylique sur découpe de chaussure en bois, par l'artiste de graffiti Skewville. 2022. Une paire de sabots Skewville personnalisés (deux sabots au total), signée. Dimensions de chaque sabot : 28 cm x 14 cm x 1,3 cm.

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1 • 12 • 5 • 24 Peinture originale technique mixte sur toile par Eddie Colla, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Œuvre originale signée de 2017, réalisée à l'acrylique et à la peinture en aérosol sur toile prête à accrocher, format 18 x 24 pouces. « À travers cela, nous sommes restés inébranlables, alors que notre défi était de renverser le destin. Mais cette possibilité s'est évanouie, n'est-ce pas ? Nous avons enduré ensemble, et souvent seuls, pour nous tous, pour demain et pour hier, pour ce qui aurait pu être et pour ce qui est, pour ce qui est et pour ce qui pourrait bien être, de peur de nous oublier et de nous servir de nos souvenirs, de nos échecs et de notre résilience, quand se tenir debout était tout ce qui comptait. » - Eddie 1 • 12 • 5 • 24 Peinture originale technique mixte sur toile par Eddie Colla 1 • 12 • 5 • 24 est une puissante œuvre originale sur toile, réalisée en technique mixte par l'artiste de rue Eddie Colla. Créée en 2017, cette œuvre signée mesure 45,7 x 61 cm et est exécutée à l'acrylique et à la bombe aérosol. Elle incarne l'énergie brute et la narration complexe qui caractérisent le Street Pop Art et le graffiti. L'œuvre présente un portrait saisissant d'un individu masqué, rendu dans des tons de noir et de sépia très contrastés, avec des textures et des effets d'usure qui évoquent les thèmes de la résilience, de la rébellion et de la survie. Eddie Colla est reconnu pour sa capacité à saisir la charge psychologique et émotionnelle des luttes contemporaines à travers son art. Ses personnages, souvent masqués ou vêtus d'équipements de protection, reflètent les thèmes de l'identité, de la résistance et des troubles sociaux. Les bords dentelés et la surface patinée de cette œuvre renforcent son esthétique industrielle et urbaine, lui conférant l'apparence d'un fragment d'une histoire plus vaste et méconnue. Ce tableau n'est pas qu'un simple portrait : c'est un récit encapsulé dans la texture, le symbole et la forme, invitant le spectateur à réfléchir aux implications profondes de la persévérance, de la résistance et de la mémoire. Eddie Colla et son influence sur le street art, le pop art et le graffiti Eddie Colla est un artiste de rue et peintre contemporain américain dont l'œuvre explore fréquemment les thèmes de la dégradation urbaine, de la désobéissance civile et de la persévérance existentielle. Son art est profondément influencé par la culture graffiti, l'esthétique punk et les récits dystopiques, et met souvent en scène des personnages masqués évoluant dans des environnements hostiles ou incertains. À travers son travail, Colla aborde les questions de liberté individuelle, de contrôle gouvernemental et des luttes des communautés marginalisées. 1 • 12 • 5 • 24 illustre parfaitement son langage visuel caractéristique : des personnages à l’identité floue, des textures superposées imitant des surfaces vieillies ou dégradées, et une numérotation ou une inscription cryptique suggérant des messages codés ou des histoires cachées. Son utilisation du pochoir et de la peinture en aérosol, combinée à des éléments peints à la main, fait le lien entre les beaux-arts et la culture urbaine, renforçant l’esprit éphémère et rebelle du graffiti. Cette œuvre est une représentation saisissante de son exploration continue des thèmes de la survie et de la mémoire, constituant à la fois une affirmation esthétique et une réflexion culturelle. Le symbolisme et la puissance esthétique de 1 • 12 • 5 • 24 La figure masquée de ce tableau se dresse comme un puissant emblème de protection et de contestation. Son regard, partiellement voilé mais intensément expressif, invite le spectateur à la contemplation : à quoi le sujet est-il confronté ? Quelles épreuves a-t-il endurées ? Le fond texturé et rugueux, ainsi que la palette de couleurs sourdes, amplifient le sentiment d’histoire qui imprègne l’œuvre, comme si le tableau lui-même avait été témoin de conflits invisibles et d’histoires tues. La présence de la numérotation énigmatique, 1 • 12 • 5 • 24, invite à l’interprétation, suggérant des thèmes tels que des messages codés, des dates importantes, ou une référence abstraite au temps et à la mémoire. Les surfaces texturées et vieillies de Colla reflètent la fugacité des paysages urbains et des expériences humaines. Les œillets dans la toile accentuent l'esthétique industrielle, renforçant l'idée qu'il ne s'agit pas simplement d'une œuvre d'art, mais d'une relique – un artefact d'un moment de résistance ou d'un futur imaginaire où la survie est un acte de défi. La capacité de l'œuvre à susciter l'émotion tout en préservant une part de mystère en fait un ajout fascinant au discours sur le street art et le graffiti. Collectionnabilité et impact culturel de l'œuvre d'Eddie Colla L'œuvre d'Eddie Colla a acquis une reconnaissance considérable dans le milieu de l'art urbain contemporain, ses pièces étant exposées dans des galeries et des installations publiques du monde entier. Son talent pour transposer la culture de la rue en art contemporain a rendu ses créations très recherchées par les amateurs de graffiti moderne et d'art dystopique. Cette œuvre originale, réalisée en techniques mixtes, possède une valeur unique car elle capture l'essence même de son style et de ses thèmes de prédilection. L'œuvre « 1 • 12 • 5 • 24 » témoigne de la résilience de l'expression humaine face à l'adversité. Elle trouve un écho auprès d'un public sensible à l'art à la fois visuellement saisissant et conceptuellement profond. L'alliance de détails peints à la main, de pochoirs et d'éléments industriels en fait une œuvre singulière dans le travail de Colla, soulignant l'importance de l'art comme moyen de résistance, de mémoire et de critique sociale.

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Étude nocturne II Dessin original à l'encre sur papier beaux-arts par Sheefy McFly, artiste de street art contemporain très en vogue. Dessin original au marqueur signé, 2020, format 18x24 Étude nocturne encadrée II, 2020. Encre sur papier, 61 x 45,7 cm (feuille). Signée et datée sur le bord droit. Dimensions encadrées : 70 x 55 cm.

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Plage d'eau tranquille, peinture originale à l'aquarelle sur papier beaux-arts par P Bernstein art.

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1BN MonoPrint 1-en-un Sérigraphie originale en 4 couleurs, tirée à la main sur papier beaux-arts, par M. Penfold, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Estampe originale unique signée de 2021, format 18,11 x 22,44 cm L'artiste aux multiples talents, également connu sous le nom de « Mr Penfold », réside actuellement à Bristol, où il possède son atelier et explore différents médiums. Son nom complet est Tim Gresham.

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Achetez PEINTURE Oeuvre de peinture originale unique en son genre MEDIA sur MEDIUM par l'artiste populaire Street Art Pop Culture ARTIST. 2022 Signé Original Peinture Taille XXXX INFO

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20TwentyMinutes #10 Œuvre originale peinte à la main à l'acrylique sur bois de bouleau découpé au laser, prête à être accrochée, par HoxxoH, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « L’adage “Le temps n’attend personne” a longtemps été le catalyseur qui a poussé l’homme à tirer profit de son existence consciente. Le temps est une grandeur observable créée par l’homme pour suivre les mouvements de notre mystérieux Univers. Pourtant, aujourd’hui, peut-être plus que jamais, l’homme cherche à utiliser le temps pour atténuer les pressions d’une existence inexplicable, grâce à des applications qui mesurent et calculent la valeur de notre temps. Publications et « j’aime » sur les réseaux sociaux, fluctuations boursières, petits écrans dans nos mains qui nous surveillent, comptant sans cesse, faisant tic-tac, nous submergeant de sollicitations sensorielles. Ils nous font croire que le temps peut être suivi et contrôlé par un algorithme commode. Ils dissimulent le temps dans des programmes destinés à objectiver et à symboliser notre présence comme un statut glorifié au sein du cosmos. » (Andrew Leshin)

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Jardins suspendus, pochoir HPM, peinture en aérosol, aquarelle par Miss Bugs, peinture unique peinte à la main, techniques mixtes sur papier d'art vergé, graffiti, artiste de rue, pop art moderne. Édition mixte unique de 5 exemplaires, signée, datée et numérotée, 2017. Œuvre d'art en techniques mixtes, rehaussée à la main, à l'encre, au crayon, à la peinture en aérosol et à l'aquarelle. Dimensions : 20,38 x 35,38 cm. Légers plis autour des bords de la couche supérieure découpée. La complexité à plusieurs niveaux des « Jardins suspendus » de Miss Bugs Miss « Bugs », artiste de rue reconnue pour sa fusion unique d'esthétique pop art moderne, a marqué les esprits avec sa série « Hanging Gardens » en 2017. Cette collection, limitée à une édition mixte de seulement cinq pièces, révèle le savoir-faire minutieux et complexe que Miss Bugs déploie sur la toile, ou plutôt, dans ce cas précis, sur le papier d'art vergé de qualité. Chaque œuvre de la série « Hanging Gardens » témoigne de l'engagement de l'artiste à repousser les limites du street art et du graffiti. Les pièces de « Hanging Gardens » explorent la texture et la forme, utilisant une variété de médiums tels que le pochoir, la peinture aérosol, l'encre rehaussée à la main, le crayon et la peinture de couleur propre à Miss Bugs. Les dimensions de chaque œuvre, 51,7 x 89,9 cm, offrent à Miss Bugs un espace privilégié pour explorer un récit complexe, exprimé à travers le langage de l'art visuel. Ces tableaux uniques, peints à la main, forment une symphonie de techniques mixtes, chaque couche contribuant à l'impact global de l'œuvre. La série se caractérise par l'esthétique signature de Miss Bugs, où des éléments abstraits se mêlent à la figuration pour créer une œuvre à la fois familière et onirique. Techniques caractéristiques des illustrations de MissBugs Chaque tableau de la collection « Hanging Gardens » est une expression unique de la vision de Miss Bugs, combinant la technique du pochoir pour la précision et la liberté, et la fluidité et la grâce. Le pochoir confère aux œuvres des structures nettes et définies, tandis que la peinture en aérosol apporte dynamisme et une touche urbaine. L'aquarelle introduit douceur et profondeur, brouillant les frontières entre l'univers brut du graffiti et le domaine plus délicat de la peinture à l'aquarelle. Ce jeu de médiums est une marque de fabrique du style de Miss Bugs et permet un riche dialogue entre les différents éléments du street art et des beaux-arts. Dans la série « Hanging Gardens », on observe un thème récurrent de la juxtaposition, une des composantes de l'approche artistique de Miss Bugs. La série présente un langage visuel qui exprime la dualité de la nature humaine et la complexité du monde qui nous entoure. En combinant des éléments disparates au sein de chaque œuvre, Miss Bugs invite le spectateur à trouver cohérence et sens dans le chaos apparent. L'utilisation de couleurs vives et pop art contrastant avec des tons plus sobres, et de motifs de pochoirs complexes contrastant avec la fluidité des aquarelles, crée un Bugs'on dynamique, à la fois stimulant et esthétiquement plaisant. Édition limitée de l'œuvre de Miss Bugs Le caractère exclusif de la série « Hanging Gardens », limitée à cinq exemplaires, renforce l'attrait des œuvres. Chaque pièce est signée, datée et numérotée par l'artiste, établissant un lien direct entre elle et le collectionneur. Les embellissements réalisés à la main sur chaque tableau garantissent que, même si la série peut être perçue comme un ensemble cohérent, chaque œuvre se distingue comme une pièce unique. Les collectionneurs d'œuvres de Miss Bugs acquièrent une œuvre de street art pop et un fragment du récit personnel de l'artiste, chaque coup de pinceau, chaque choix de couleur et chaque élément de composition étant un acte de création délibéré. ​​La série « Hanging Gardens » de Miss Bugs illustre avec brio la capacité de l'artiste à naviguer entre le street art pop et le graffiti, créant des œuvres visuellement saisissantes et riches de sens. Cette série affirme avec force la polyvalence et la profondeur du street art, transcendant ses origines pour devenir une forme sophistiquée et recherchée de pop art moderne. À travers ses « Jardins suspendus », Miss Bugs invite les spectateurs à découvrir un monde où la beauté du monde naturel rencontre la rudesse de la vie urbaine, tout en remettant en question les notions conventionnelles de ce que peut être l'art du graffiti.

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Dessin original à l'encre Rolph, mini-dessin réalisé à la main sur papier beaux-arts par Nicole Gustafsson, artiste de street art contemporaine très en vogue. Dessin original signé de 2014, format 5x5

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Diaspora Ono Peinture originale Émail et acrylique sur plexiglas par Askew One Artiste de rue graffiti Art pop moderne. 2015 Peinture originale signée , format 20 x 14 pouces, encadrée sur mesure En avril/mai 2014, j'ai passé environ six semaines à Los Angeles à réaliser ces peintures pour mon exposition personnelle à la galerie Known. Je vivais et travaillais au-dessus du magasin TSL, m'efforçant de produire suffisamment d'œuvres pour remplir l'espace, une tâche plutôt ardue. Les pièces elles-mêmes sont une combinaison de portraits peints dans ce que je qualifierais de style caractéristique, ainsi qu'une série de petites œuvres abstraites qui symbolisent l'idée de migration à travers le Pacifique, d'un point de vue à la fois historique et contemporain. Le modèle pour les portraits était mon amie Sereima, alias Stelly, qui vit à Sydney et est d'origine fidjienne. Pour moi, elle représente vraiment le visage changeant du Pacifique à bien des égards. Suite au succès de mon exposition à Sydney, « The Evolving Face », je voulais m'éloigner des poses figées des portraits précédents et apporter plus de personnalité et d'exubérance, et Sereima était parfaite car elle incarne parfaitement ces valeurs. » – Askew Diaspora Ono Peinture originale par Askew One Diaspora Ono est une œuvre originale saisissante, créée en 2015 par Askew One, artiste renommé du graffiti et du Street Pop Art. Réalisée à l'émail et à l'acrylique sur plexiglas, cette pièce illustre la capacité d'Askew One à fusionner formes abstraites et palettes de couleurs audacieuses avec des récits profondément significatifs. Encadrée sur mesure et mesurant 20 x 14 pouces (51 x 35,5 cm), la peinture témoigne de l'aptitude de l'artiste à explorer les thèmes de l'identité culturelle et de la migration à travers son regard artistique unique. Le contexte et l'inspiration derrière Diaspora Ono Diaspora Ono faisait partie d'un ensemble d'œuvres plus vaste créé par Askew One lors de son séjour à Los Angeles, en préparation de son exposition personnelle à la Known Gallery. Cette pièce reflète les thèmes explorés tout au long de l'exposition, notamment le concept de migration à travers le Pacifique. Askew One se penche sur les mouvements historiques et contemporains de personnes et d'idées, créant des métaphores visuelles qui rendent compte de la complexité des échanges culturels. Cette série, qui comprenait des œuvres abstraites et des portraits, mettait en scène des modèles comme Sereima, une amie de l'artiste et incarnation de l'identité pacifique contemporaine. Ses origines fidjiennes et sa présence dynamique ont été des influences majeures, incitant Askew One à s'éloigner du portrait traditionnel et à capturer l'énergie, l'exubérance et la transformation. Diaspora Ono, bien qu'abstraite, porte cet esprit de migration et d'évolution à travers ses couleurs vibrantes et ses superpositions complexes. Le style artistique d'Askew One L'œuvre d'Askew One est reconnue pour sa fusion d'influences graffiti et de sensibilité artistique, et Diaspora Ono ne fait pas exception. L'utilisation d'émail et d'acrylique sur plexiglas crée une surface lisse et réfléchissante qui amplifie l'éclat des couleurs. Les lignes audacieuses, les motifs dynamiques et les détails texturés évoquent le mouvement des vagues, des vents et des échanges culturels qui caractérisent la diaspora du Pacifique. La composition circulaire de la peinture attire le regard du spectateur vers l'intérieur, symbolisant un cycle continu de migration et de connexion. L'approche singulière d'Askew One en matière de Street Pop Art se manifeste dans l'interaction entre abstraction et signification. En combinant l'énergie brute du graffiti à une esthétique moderne et raffinée, l'artiste sublime le médium tout en restant fidèle à ses racines urbaines. Diaspora Ono illustre sa capacité à transformer des matériaux du quotidien en puissants outils narratifs, établissant un pont entre l'intime et l'universel. L'importance de Diaspora Ono dans le Street Pop Art Diaspora Ono est une œuvre majeure du mouvement Street Pop Art, car elle met en lumière le rôle de l'art urbain face aux enjeux mondiaux et culturels. Par son abstraction et ses couleurs vibrantes, la peinture capture la fluidité et la complexité de l'identité dans un monde façonné par les migrations. Elle reflète le lien profond d'Askew One avec son héritage du Pacifique tout en s'inscrivant dans des débats plus larges sur les échanges et les transformations culturelles. Cette œuvre originale, qui fait partie d'une série marquante créée à un moment charnière de la carrière d'Askew One, témoigne de la polyvalence de l'artiste et de sa volonté de repousser les limites du graffiti et du Street Pop Art. Diaspora Ono est non seulement une célébration visuelle du mouvement et de l'identité, mais aussi un puissant rappel de l'interconnexion des personnes et des lieux. Elle demeure une pièce incontournable pour les collectionneurs et les amateurs d'art urbain contemporain.

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AZ Values - X Peinture originale à la bombe et à l'encre noire sur papier mat épais par Jason Naylor, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Série d'affirmations positives commençant par les lettres AZ, ici la lettre X pour X-Factor. Une série de peintures AZ mettant en lumière des traits de personnalité, ou des valeurs, qui contribuent à définir ce que signifie être une bonne personne. Il s'agit d'un projet personnel inspiré du défi « 36 Days of Type », populaire sur les réseaux sociaux. Peinture aérosol et encre noire sur papier mat épais 45,7 x 61 cm.

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Croquis de Stormtrooper, dessin original au marqueur sur papier d'art, par Rich Pellegrino, artiste de rue et de pop art moderne. Dessin original au feutre signé par Rich Pellegrino, 2013. Dimensions : 9 x 12 pouces.

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Les portes de Jim Morrison, une peinture acrylique originale en technique mixte de Bobby Hill, une œuvre d'art sur papier beaux-arts réalisée par un artiste pop de street art. Peinture acrylique en aérosol, technique mixte, signée, réalisée en 2010. Œuvre originale de 14 x 22 pouces (35,6 x 55,9 cm), encadrée sous passe-partout sur carton (20,5 x 29 pouces, soit 35,6 x 55,9 cm). Capturant l'esprit du légendaire leader des Doors, Jim Morrison, l'artiste Bobby Hill livre une puissante œuvre de street art, mêlant avec brio l'intensité brute de la peinture acrylique et la vivacité de la palette pop. Créée en 2010, cette œuvre originale combine acrylique et peinture aérosol sur papier d'art, offrant une expérience visuelle aussi énigmatique que la personnalité de Morrison. Mesurant 35,5 x 56 cm et encadrée sous passe-partout (52 x 74 cm), cette pièce est un hommage saisissant qui s'intègre harmonieusement aussi bien dans l'espace d'un collectionneur que sur les murs d'une galerie. Le portrait que Hill dresse de Morrison n'est pas seulement un lien, mais un écho de l'influence du chanteur. Chaque coup de pinceau, chaque pulvérisation de peinture contribue à une narration aussi riche que la musique qu'il a laissée. La vivacité des couleurs et leurs superpositions et interactions reflètent la complexité du caractère de Morrison et de son héritage, touchant autant les fans que les amateurs d'art. Signée par l'artiste, cette œuvre unique porte l'empreinte authentique que l'on attend d'une pièce inspirée par l'une des figures les plus emblématiques du rock. Dans cette création, Bobby Hill a su marier avec brio la spontanéité et l'esprit contestataire du street art à l'imagerie iconique et audacieuse caractéristique du pop art. Cette œuvre ne se contente pas de représenter Jim Morrison, mais raconte une histoire plus vaste sur l'impact d'une icône culturelle. Elle illustre comment le street art et le pop art peuvent se rencontrer pour donner naissance à une création à la fois visuellement saisissante et profondément émouvante. L'héritage de Morrison se perpétue ainsi à travers ce prisme artistique contemporain, invitant le spectateur à explorer la profondeur qui se cache derrière la célébrité. Cette peinture de Bobby Hill témoigne de l'influence durable de Jim Morrison, capturant l'essence de son esprit d'une manière qui continue de parler aux rebelles, aux rêveurs et à ceux qui trouvent la beauté dans l'inconventionnel. C'est une œuvre qui, à l'image de la vie de Morrison, remet en question la norme et invite à une contemplation plus profonde, reflétant la complexité de l'expérience humaine à travers le street art et le pop art.

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Turk Street AP 01 Peinture originale à la bombe aérosol sur papier d'art Coventry Rag par Apexer, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Quand je peins dans la rue, j'aime m'amuser. J'expérimente sans cesse de nouvelles idées qui en engendrent d'autres. Pour cette toile, je voulais deux styles de remplissage radicalement différents. La partie supérieure est un remplissage classique, comme je l'ai fait, tandis que dans la partie inférieure, je joue avec différents effets chromés. C'était un plaisir de peindre en plein cœur de San Francisco. Cette œuvre fait partie intégrante de mon vocabulaire artistique. Celle-ci porte le nom d'Apex et je peignais dans le style Super Burner, mais je cherchais surtout à repousser les limites de la couleur et du style. » - Apexer

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