Estampe Beaux-Arts

Alice, édition limitée, sérigraphie artisanale 5 couleurs sur papier beaux-arts, par Joe King, artiste de rue graffiti, art pop moderne.

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God Save The Queen Collage Artwork Giclée en édition limitée sur papier Hahnemühle Bamboo 290 g/m² par l'artiste de graffiti pop culture Jamie Reid. Édition limitée à 300 exemplaires, signée et numérotée, 2019. Dimensions de l'œuvre : 32,3 x 22,8 cm. Mêlant art urbain, culture pop et contestation politique, « God Save The Queen » de Jamie Reid offre un poignant reflet de l'énergie brute et de la rébellion de l'ère punk. Créée en 2019, cette œuvre magistrale capture l'essence même de la rébellion, avec un portrait saisissant de la reine d'Angleterre, dont les yeux sont obscurcis par la phrase « God Save The Queen ». Bien plus qu'un simple spectacle visuel, c'est une véritable déclaration, incarnant l'esprit du mouvement punk et défiant les symboles et l'autorité du pouvoir établi. Cette imagerie, familière à beaucoup, est devenue emblématique du mouvement punk rock à la fin des années 1970. Sa résonance dépasse le cadre de l'art pour s'étendre à la musique, car elle est fortement associée au titre controversé « God Save the Queen » des Sex Pistols, sorti en 1977. L'audace de l'image, combinée aux paroles provocatrices de la chanson, a provoqué un véritable séisme social, faisant d'elle une œuvre iconique de l'histoire culturelle. Cette œuvre est une édition limitée de tirage giclée, produite à seulement 300 exemplaires. Chaque tirage est réalisé avec le plus grand soin sur un papier Hahnemühle Bamboo de qualité supérieure (290 g/m²), réputé pour son exceptionnelle qualité et sa capacité à révéler les moindres détails de l'œuvre. Mesurant 82 x 58 cm, chaque exemplaire est signé et numéroté à la main par Reid, garantissant ainsi son authenticité. Pour les collectionneurs et les amateurs d'art, posséder une pièce de cette édition limitée représente non seulement un plaisir visuel, mais aussi un témoignage historique, un moment où l'art, la musique et l'activisme se sont conjugués pour façonner une génération.

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Sérigraphie El Trooper Star Wars par JC Rivera, tirée à la main sur papier d'art, édition limitée. Édition limitée signée et numérotée de 50 exemplaires, 2013. Œuvre d'art de taille 18x24, sérigraphie représentant un masque de Stormtrooper stylisé, film de science-fiction Star Wars. Sérigraphie El Trooper Star Wars par JC Rivera La sérigraphie « El Trooper Star Wars » de JC Rivera est une fusion saisissante d'iconographie de science-fiction et d'art urbain pop/graffiti. Réalisée à la main en 2013, cette sérigraphie transforme le casque classique de stormtrooper en une composition stylisée et complexe, aux couleurs vives et aux motifs élaborés. Signée et numérotée dans une édition limitée à 50 exemplaires, cette œuvre de 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces) fusionne l'esthétique reconnaissable de Star Wars avec l'énergie brute et les influences culturelles de l'art urbain contemporain. La signature artistique de Rivera est manifeste dans la conception, faisant de cette pièce une œuvre marquante au sein des communautés Star Wars et street art. La composition artistique et les influences culturelles L'interprétation du casque de stormtrooper par Rivera s'éloigne de son aspect traditionnel, lisse et monochrome, pour l'imprégner de motifs organiques et tourbillonnants évoquant les masques sculptés à la main et l'art populaire. La palette de couleurs vives, composée de rouges profonds, de jaunes, de verts et de noirs, confère à l'œuvre une énergie dynamique, presque tribale. Les détails complexes à l'intérieur des contours du casque imitent les motifs ornementaux souvent présents dans l'art du tatouage et l'art indigène, créant ainsi une œuvre à la fois familière et totalement réinventée. L'utilisation de contours noirs marqués et d'encres superposées confère à l'estampe une texture qui reflète la matérialité de la sérigraphie artisanale. Cette méthode renforce l'impact de l'œuvre, assurant ainsi que chaque ligne et chaque motif se détachent nettement sur le papier beaux-arts. Il en résulte un casque de stormtrooper qui s'apparente moins à une armure de science-fiction qu'à une entité vivante, un emblème de rébellion, de culture et d'évolution artistique. Le choix de Rivera de réinterpréter ce personnage iconique à travers le prisme du street art et du graffiti le transcende en tant que simple fan art, l'inscrivant dans un mouvement artistique plus vaste qui prône la réinvention et le récit culturel. Le pop art urbain et le graffiti rencontrent Star Wars Star Wars inspire depuis longtemps le street art et le graffiti, ses thèmes de résistance, d'autoritarisme et d'individualisme trouvant un écho profond dans la culture artistique urbaine. Le stormtrooper, symbole d'un conformisme impersonnel, est fréquemment réinterprété par les artistes de rue qui cherchent à subvertir sa signification originelle. La version du casque proposée par Rivera pousse cette idée plus loin en la transformant en une œuvre profondément personnelle et expressive. Les motifs ornementaux qui recouvrent la visière rejettent l'uniformité, suggérant une rupture avec le contrôle et une affirmation de la liberté artistique. L'utilisation de techniques issues du pop art urbain, notamment le contraste marqué des couleurs et le tracé stylisé, inscrit cette œuvre dans la tradition plus large du graffiti et du street art. Le casque de stormtrooper, conçu à l'origine comme un objet inexpressif, est désormais animé d'une personnalité forte, reflétant l'esprit de rébellion présent à la fois dans l'univers Star Wars et dans le mouvement de l'art urbain. La réinterprétation de Rivera permet au spectateur de percevoir le stormtrooper non comme un soldat anonyme, mais comme un être à part entière, doté d'une identité et d'une mission. La valeur de collection et l'impact de l'édition limitée imprimée Tirée à seulement 50 exemplaires, la sérigraphie El Trooper Star Wars est une pièce très recherchée par les collectionneurs d'objets Star Wars et d'art urbain contemporain (pop art et graffiti). Son format 45,7 x 61 cm permet d'apprécier pleinement la finesse des détails de Rivera, tandis que la technique artisanale de la sérigraphie confère à chaque exemplaire un caractère unique et tactile. La rareté de cette estampe renforce son attrait, en faisant une œuvre d'art à part entière, un véritable manifeste qui fait le lien entre culture populaire et beaux-arts. La capacité de JC Rivera à fusionner l'iconographie de la science-fiction avec l'esthétique du street art témoigne de son talent pour repousser les limites artistiques. En transformant un symbole universellement reconnu en une œuvre profondément personnelle et culturellement pertinente, il invite le spectateur à repenser le rôle de la culture populaire dans l'art urbain contemporain. Cette estampe n'est pas seulement un hommage à Star Wars ; elle est un témoignage du pouvoir de la réinvention artistique, prouvant que même les images les plus emblématiques peuvent être réinterprétées à travers le prisme du street art.

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The Collaborator - Édition limitée rouge, sérigraphie bicolore tirée à la main sur papier Coventry Rag 290 g/m² avec bords frangés, par Cleon Peterson, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Signée en 2021. 66 x 81 cm. Sérigraphie artisanale sur papier Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés. Chaque exemplaire est signé et numéroté. Édition limitée à 125 exemplaires. L'art de Peterson se caractérise par un fort esprit contestataire, et la colère, en tant que force créatrice, imprègne la plupart de ses œuvres. L'artiste lui-même est le sujet de cette colère, et à travers son travail, il s'insurge contre le malaise et la lassitude les plus profonds de la société. Cet artiste basé à Los Angeles est le concepteur d'une série d'œuvres dystopiques – peintures, estampes, sculptures et fresques – exposées aux États-Unis, en Europe et en Asie.

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Sérigraphie Black Sabbath Silver Black Crescent par Shepard Fairey - OBEY Tirée à la main sur papier d'art Cream Speckletone, édition limitée. Œuvre d'art Obey Pop Culture Artist. Édition limitée signée et numérotée de 125 exemplaires, 2013. Œuvre d'art 18x24, sérigraphie représentant le groupe de musique metal rock 'n' roll Black Sabbath avec Ozzy Osbourne. Black Sabbath est l'un de mes groupes préférés depuis 25 ans. J'ai eu la chance de rencontrer Jack Osbourne grâce à mon ami Big Dave en 2000. Ma relation avec Jack et Big Dave a donné lieu à plusieurs projets formidables avec Ozzy et Sabbath. Un de mes plus grands moments d'admiration a eu lieu lorsque Dave m'a emmené en coulisses pour rencontrer les membres de Sabbath à l'Ozzfest en 2004, et que le bassiste et parolier Geezer Butler portait un t-shirt Obey ! Sabbath est toujours un groupe phénoménal en concert, et je suis incroyablement honoré de réaliser ma deuxième affiche pour la tournée Sabbath/Obey (la première datant de 2005). Sabbath a récemment sorti un excellent album intitulé « 13 » (produit par Rick Rubin) et est actuellement en tournée pour le promouvoir. - Shepard Fairey - OBEY. L'interprétation de l'héritage de Black Sabbath par Shepard Fairey En 2013, inspiré par l'influence de Black Sabbath sur sa vie et son art, Fairey a créé une sérigraphie en édition limitée pour commémorer la tournée américaine du groupe. Cette édition signée et numérotée, limitée à 125 exemplaires et de format 45,7 x 61 cm, est devenue un emblème de l'impact durable de Black Sabbath sur le rock et une pièce de collection emblématique du street art. L'œuvre, tirée à la main sur un papier beaux-arts crème moucheté, reprend les symboles iconiques de Black Sabbath, tels que la croix et le disque ailé, ainsi que la signature de Fairey, qui inclut souvent des éléments comme l'étoile et l'œil stylisé. La fusion du street art et de la musique se manifeste fréquemment dans les affiches de concerts, un médium que Shepard Fairey, célèbre pour sa marque OBEY, maîtrise à la perfection grâce à un style distinctif qui résonne profondément dans la culture pop. Son travail pour le groupe de metal rock emblématique Black Sabbath, et notamment la sérigraphie représentant un croissant argenté et noir, incarne l'essence même de l'héritage de l'artiste et du groupe. L'importance de l'œuvre de Fairey pour Black Sabbath réside dans sa capacité à fusionner l'expérience auditive de la musique et la stimulation visuelle de l'art. Cette sérigraphie ne se contente pas de représenter le groupe ; elle évoque l'esprit rebelle de leur musique, les thèmes sombres et mystiques qu'ils explorent, et le mouvement culturel qu'ils ont initié au sein du heavy metal. Les signatures artistiques de Fairey, comme le mot « obey », confèrent à l'œuvre un sentiment d'autorité et de provocation qui fait écho à l'éthique du groupe. Collectionnabilité et influence dans le monde de l'art L'anecdote de Fairey sur sa rencontre avec le groupe et sa découverte de Geezer Butler portant un t-shirt OBEY témoigne de l'influence réciproque entre l'artiste et le musicien. Elle souligne comment le street art et la musique se rejoignent souvent, les artistes influençant les musiciens et vice versa. Cette sérigraphie célèbre le retour du groupe avec l'album « 13 » et rend hommage à la relation historique entre l'artiste et Black Sabbath. C'est ce récit qui confère à l'œuvre une dimension personnelle, en faisant une déclaration profonde à la croisée de la pop culture et du street art. En tant qu'objet de collection, la sérigraphie Black Sabbath de Shepard Fairey se situe au carrefour des souvenirs musicaux et des beaux-arts. Sa rareté et la réputation de son créateur rehaussent sa valeur, non seulement financière, mais aussi culturelle. Collectionneurs et fans recherchent ces pièces pour leur attrait esthétique et leur capacité à immortaliser un moment historique, une période où musique et street art s'entremêlent pour créer une représentation tangible d'une époque musicale. Dans le vaste univers du street art et du graffiti, l'estampe Black Sabbath de Shepard Fairey illustre le potentiel du genre à transcender la rue pour accéder au monde de l'art contemporain et des objets de collection. Cette œuvre, par la finesse de son design et ses profondes références culturelles, témoigne du pouvoir de l'art visuel à célébrer et immortaliser l'esprit de la musique.

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Bud Heads - Tirage d'art en édition limitée surdimensionné, pigmentaire d'archive, sur papier d'art Somerset Hot Press 290 g/m², par l'artiste de graffiti pop moderne Ben Frost. Édition limitée 2021, signée et numérotée à 25 exemplaires. Œuvre de 50,8 x 50,8 cm (20 x 20 pouces) inspirée du dessin animé Bevis & Butthead (MTV). Tirage pigmentaire d'archives sur papier d'art Somerset Hot Press 290 g/m², signé et numéroté. « Bud Heads - Édition surdimensionnée » est une contribution originale au paysage en constante évolution du pop art moderne. Cette œuvre propose un récit visuel qui entremêle des éléments iconiques de la culture pop des années 90 et des observations sociétales contemporaines. Initiée par le célèbre artiste de street art Ben Frost, figure emblématique du pop art moderne, cette pièce fusionne harmonieusement les personnages déjantés de Beavis et Butt-Head, issus de la célèbre série animée de MTV, avec l'univers intrigant des tests de dépistage de marijuana. Cette synthèse invite le spectateur à contempler la juxtaposition de la nostalgie télévisuelle et des débats actuels autour de la consommation de drogues récréatives. Réalisée avec la précision et la clarté des pigments d'archivage, cette œuvre promet une longévité exceptionnelle grâce à son éclat et à sa richesse de détails. Le support choisi, le papier d'art Somerset Hot Press de 290 g/m², sublime son attrait visuel, offrant un médium qui reflète fidèlement les intentions artistiques et la finesse des détails de l'œuvre. Ce papier, réputé pour sa texture impeccable et sa capacité à saisir les nuances les plus subtiles, offre un écrin idéal à ces personnages iconiques pour dialoguer avec le spectateur. Sortie en 2021, « Bud Heads - Oversized Edition » est une pièce de collection limitée à seulement 25 exemplaires, garantissant son exclusivité. Chaque exemplaire est authentifié par la signature de Ben Frost, attestant de son authenticité. À l'instar de ses autres chefs-d'œuvre, Frost démontre ici son talent pour fusionner les icônes de la télévision classique avec des thèmes de société actuels, se créant une place à la croisée du street art, de la culture pop et du discours contemporain. C'est une œuvre qui résonne, qui invite à la réflexion tout en offrant une bonne dose de nostalgie.

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Bitter Lemon AP Artist Proof Giclee Print de Kathy Ager Artwork Limited Edition Print on 300gsm Smooth Fine Art Paper Signa Fine Art Paper Graffiti Pop Street Artist. Épreuve d'artiste (EA) 2020, signée et marquée, édition limitée, format 18 x 24 pouces. Aperçu de l'estampe giclée « Bitter Lemon AP » de Kathy Ager Tirages en édition limitée dans le domaine du street art pop et du graffiti L'œuvre « Bitter Lemon AP » de Kathy Ager est un exemple remarquable de la fusion entre l'art classique et l'art urbain contemporain, notamment le graffiti. Cette édition limitée, imprimée en giclée et parue en 2020, met en lumière le style unique d'Ager, qui fait le lien entre tradition et modernité en s'inspirant de motifs classiques et en les réinterprétant avec une fraîcheur qui séduit les amateurs d'art contemporain. Signée et estampillée « Épreuve d'artiste » (EA), cette pièce fait partie d'une collection unique qui se distingue par son exclusivité et sa valeur artistique. La signification de « Bitter Lemon AP » dans l’œuvre de Kathy Ager L'œuvre « Bitter Lemon AP » est composée avec une attention remarquable aux détails, une caractéristique du travail d'Ager. Elle met en scène une urne grecque classique associée à des éléments modernes tels qu'un citron tranché et acidulé et un couteau décoratif. Le contraste entre ces objets d'art intemporels et ces objets du quotidien crée un dialogue entre passé et présent, un thème récurrent dans l'œuvre d'Ager. La fumée qui s'échappe de l'urne dynamise la nature morte, suggérant une narration au-delà de l'instant figé capturé par l'estampe. Cette œuvre de 45,7 x 61 cm est imprimée sur du papier d'art Signa Smooth de 300 g/m², garantissant la préservation des nuances de texture et de la profondeur des couleurs, et contribuant à l'expérience tactile souvent perdue dans les reproductions d'art urbain. Les épreuves d'artiste dans le contexte des œuvres d'art de collection Le concept d'épreuve d'artiste est une tradition ancestrale en gravure. Traditionnellement, ces épreuves étaient les premiers tirages réalisés à partir d'une nouvelle série de plaques, utilisés par l'artiste pour vérifier la qualité et la fidélité de l'image imprimée à l'œuvre originale. De nos jours, les épreuves d'artiste comme « Bitter Lemon AP » symbolisent le prestige et la rareté, souvent plus recherchées que les éditions courantes en raison de leur nombre limité et de l'implication plus directe de l'artiste dans leur production. La signature de Kathy Ager et la mention AP attestent de son approbation directe de l'œuvre, ce qui en fait une pièce de collection prisée des amateurs de street art et de graffiti. Interprétation et symbolisme dans « Bitter Lemon AP » L'interprétation de « Bitter Lemon AP » invite à analyser la juxtaposition au sein de sa composition. L'urne, souvent symbole de mortalité et du passé, contraste avec le citron éclatant, symbole de vie et d'expérience sensorielle. Ce jeu d'éléments interroge la nature éphémère de l'existence et la beauté des instants fugaces. L'œuvre d'Ager encourage souvent les spectateurs à établir des liens entre les éléments visuels qu'elle présente, les incitant à une réflexion plus profonde sur les expériences personnelles et collectives. En observant « Bitter Lemon AP », on apprécie la manière dont Kathy Ager explore la relation complexe entre le street art et le canon artistique plus traditionnel. Son œuvre, profondément ancrée dans les motifs classiques, parle le langage de la culture contemporaine, lui permettant de communiquer efficacement avec un large public. L'édition limitée « Bitter Lemon AP » témoigne du talent artistique d'Ager et illustre sa capacité à transformer le familier en une œuvre riche de sens et de signification nouveaux, au sein du street art et du graffiti.

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Anatomie d'un ours génial HPM #4 Édition limitée Impression giclée embellie à la main sur papier d'art par Phil Lumbang Artiste de rue graffiti Art pop moderne. Dissection de plusieurs pandas peinte à la main.

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« A Place Called Space », impression d'art en édition limitée sur papier buvard perforé, par Ed Irmen, œuvre d'art inspirée par la culture pop et le LSD. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey et peuvent légèrement différer de l'exemple présenté.

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Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

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Achetez TITLE Édition limitée Fine Art Archival Pigment Print Art sur papier buvard perforé. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XX Tirage pigmentaire d'archivage sur papier buvard perforé Taille : 7,5 x 7,5 pouces Sortie : 19 avril 2022 Les éditions limitées de buvard sont perforées à la main par Zane Kesey.

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Emerge Artwork Giclée Édition Limitée Impression d'Art sur Papier de Gravure Musée Hahnemühle 100% Coton par l'artiste de graffiti de la culture pop Victo Ngai. Édition limitée à 50 exemplaires. Signée et numérotée. Médaille d'argent GCIA 2012. Du fait des conditions de fabrication et de conservation de ces œuvres par l'artiste, de nombreuses estampes anciennes de Ngai présentent un léger jaunissement des marges blanches supérieures et inférieures, sur environ 1 mm. Ce jaunissement n'altère en rien l'image et les estampes sont par ailleurs en parfait état.

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« Calamity is All I See », tirages d'art en édition limitée sur papier beaux-arts, réalisés par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Caitlin Hackett. Artiste : Caitlin Hackett Titre : « Calamity is All I See » Technique : Tirage pigmentaire d’archives Édition : 40 exemplaires Signatures : Signé et numéroté par l’artiste Dimensions : 28 x 35,5 cm

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Portrait de famille Simpsons, impression d'archives par Adam Lister, édition limitée sur papier beaux-arts mat pressé à chaud 300 g/m², style pop graffiti, art de rue, œuvre d'art moderne. Tirage signé et numéroté 2023, édition limitée à 50 exemplaires, format 8x10, pigments d'archivage, beaux-arts, portrait de la famille Simpson (Marge, Lisa, Bart, Homer, Maggie, le chien et le chat) dans un style glitch. La scène artistique contemporaine a été témoin d'une fusion captivante entre les icônes de la culture populaire et les influences du street art, donnant naissance à des œuvres qui trouvent un écho profond auprès du grand public. Parmi elles, l'estampe « Portrait de famille Simpsons », une création brillante d'Adam Lister, artiste renommé pour son style unique à la croisée du pop art, du graffiti et du street art. Tirée en édition limitée à seulement 50 exemplaires en 2023, cette estampe incarne l'exclusivité et la finesse. Méticuleusement réalisée sur un papier d'art mat pressé à chaud de 300 g/m², elle témoigne non seulement d'une qualité supérieure, mais aussi de la précision qu'exige l'art moderne. La représentation par Lister de l'emblématique famille Simpson – Marge, Lisa, Bart, Homer et Maggie – est à la fois nostalgique et avant-gardiste. Dans cette version, on retrouve non seulement les personnages familiers, mais aussi leurs animaux de compagnie, le chien et le chat, animés dans un style « glitch ». Ce choix de technique confère à l'œuvre une touche contemporaine, juxtaposant le familier à l'inattendu. Le style « glitch », souvent perçu comme une erreur numérique, représente les imperfections et, dans le monde de l'art, il révèle la spontanéité et l'imprévisibilité du street art. Les pigments d'archivage utilisés garantissent sa longévité, préservant l'éclat des couleurs et l'essence des personnages pour les années à venir. L'œuvre d'Adam Lister fait figure de modèle, illustrant comment les icônes traditionnelles de la culture pop peuvent s'entremêler harmonieusement aux techniques artistiques modernes, créant ainsi une œuvre qui séduira autant les nostalgiques que les amateurs d'art contemporain. Que vous soyez un fan inconditionnel des Simpsons ou un amateur d'art, cette pièce promet d'être un ajout précieux à toute collection.

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Édition limitée lesbienne, impression sérigraphique artisanale en quatre couleurs à double dégradé sur papier beaux-arts crème par Jacob Borshard, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Artiste : Jacob Borshard. Détails de l'édition : Année : 2014. Catégorie : Estampe d'art. Statut : Officielle. Tirage : 50 exemplaires. Technique : Sérigraphie. Papier : Crème épais. Dimensions : 45,7 x 61 cm. Marques : Signée et numérotée. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée par l'artiste, imprimée sur papier crème épais. (2014, Jacob Borshard, Rachel fumant, Blade Runner, estampe d'art, film)

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Sérigraphie Cradle AP par Add Fuel, imprimée à la main en 7 couleurs sur papier d'art Astropack 320 g/m², édition limitée. Épreuve d'artiste AP 2023 Signée et marquée AP Édition limitée Œuvre d'art Taille 19,69 x 19,69 Impression sérigraphique de symboles stylisés de caducée médical ressemblant à des carreaux, de cœurs et d'éléments de machine steampunk. « Dans le cadre de la création, de l'installation et de la présentation publique de CRADLE, j'ai créé cette sérigraphie en édition limitée, inspirée par l'esthétique visuelle de l'installation de carreaux. Cette édition n'est (n'était ?) pas disponible à la vente. » - Add Fuel. L'intersection de l'imagerie traditionnelle et des techniques modernes dans la sérigraphie Cradle AP d'Add Fuel « Cradle AP » d'Add Fuel est une œuvre exemplaire de street art pop et de graffiti, une sérigraphie qui mêle avec finesse symbolisme historique et design contemporain. Tirée à la main en sept couleurs sur papier d'art Astropack 320 g/m², cette édition limitée se distingue par sa signature : chaque exemplaire est une épreuve d'artiste (EA) signée par l'artiste en 2023. Mesurant 50 x 50 cm, « Cradle AP » témoigne du savoir-faire méticuleux de la sérigraphie et de l'esprit novateur de l'art urbain moderne. Son vocabulaire visuel est une tapisserie de motifs stylisés évoquant des carreaux, de symboles médicaux (caducée), de cœurs et d'éléments mécaniques steampunk. Ce mélange d'iconographie est caractéristique du street art pop et du graffiti, où les artistes utilisent souvent des motifs familiers de manière inattendue pour interpeller le spectateur et l'inviter à une réflexion plus profonde sur le point de rencontre entre passé et présent, tradition et innovation. Le langage artistique d'Add Fuel : un mélange d'héritage et de rébellion « Cradle AP » déploie un langage visuel complexe, à la fois hommage et réinterprétation des formes artistiques historiques. L'utilisation de motifs évoquant des carreaux fait référence à l'art ancestral de la céramique, un artisanat ancré dans le patrimoine culturel et souvent présent dans les bâtiments historiques. Add Fuel insuffle à l'œuvre une pertinence contemporaine et une connexion avec la culture pop en y intégrant des symboles modernes tels que le caducée – associé à la médecine et à la guérison – et des cœurs. L'inclusion d'éléments steampunk renforce ce mélange d'époques et de traditions, introduisant une sous-culture qui incarne la fusion des machines industrielles à vapeur de l'époque victorienne et de concepts futuristes. Ce style anachronique trouve un écho particulier dans le Street Pop Art et le graffiti, où les artistes mêlent fréquemment époques et idées pour créer une œuvre inédite et stimulante. Matérialité et méthode : l'importance de la sérigraphie dans le pop art urbain La sérigraphie utilisée pour « Cradle AP » est significative dans le contexte du street art, du pop art et du graffiti. Technique d'impression adoptée par divers mouvements artistiques du XXe siècle, notamment le pop art, elle permet une application précise et vibrante des couleurs, visible dans la richesse des textures et des superpositions de cette estampe. En choisissant le papier beaux-arts Astropack, Add Fuel garantit à l'œuvre une finition de haute qualité et une grande longévité, à l'image de l'impact durable du street art sur les paysages urbains. Ce choix de support témoigne d'un profond respect pour la pérennité de cet art. Par ailleurs, le tirage limité de l'œuvre lui confère une exclusivité comparable au caractère unique et contextuel du graffiti. Valeur de collection et résonance culturelle des antiquités Cradle AP L'édition limitée « Cradle AP » occupe une place de choix dans le monde du street art et du graffiti. En tant qu'épreuve d'artiste, elle témoigne du processus créatif et offre un aperçu du travail de l'artiste avant le tirage final. Les collectionneurs de street art sont souvent attirés par l'authenticité et la spontanéité des épreuves d'artiste, appréciant les itérations et les améliorations visibles qui ont mené à l'œuvre finale. La signature de Fuel apposée sur chaque tirage établit un lien direct entre l'artiste et le collectionneur, un élément essentiel du street art où l'identité et la touche personnelle de l'artiste sont primordiales. Cet aspect de « Cradle AP » est un clin d'œil aux origines du graffiti, où le tag de l'artiste est à la fois une signature et une appropriation de l'espace. L'évolution du street art : la contribution d'Add Fuel L'œuvre « Cradle AP » d'Add Fuel marque une étape importante dans l'évolution du street art et du graffiti, où les artistes explorent de nouvelles méthodes et de nouveaux supports tout en restant fidèles à l'esprit de ces mouvements. Avec son design complexe et ses significations multiples, cette pièce illustre le dynamisme de l'art urbain, s'affranchissant des limites de l'espace urbain pour intégrer le monde des collections d'art contemporain. Elle célèbre le pouvoir du street art de transformer les lieux et les idées, de fusionner l'histoire et la modernité, et de créer des dialogues qui transcendent les frontières culturelles et temporelles. « Cradle AP » n'est pas qu'une simple estampe : c'est un récit tissé de couleurs et de formes qui s'inscrit dans l'histoire en constante évolution du street art et du graffiti.

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Série limitée « All Set », sérigraphie artisanale en 4 couleurs sur papier beaux-arts, par John Vogl, artiste de rue graffiti, art pop moderne. 8 x 10 pouces. Couverture en papier Speckletone français, quatre écrans. Édition signée et numérotée à 190 exemplaires. Parution : 28 novembre 2014.

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Une autre épreuve d'imprimerie PP classique de New York, tirage d'archive par Tats Cru x BIO - Wilfredo Feliciano, édition limitée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², œuvre d'art moderne d'artiste pop. Épreuve d'imprimerie PP 2021 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 17x17 Pigments d'archivage "Un autre classique new-yorkais" par Tats Cru x BIO : Une tapisserie d'art urbain « Another New York Classic », une épreuve d'artiste signée Tats Cru et BIO (alias Wilfredo Feliciano), est un tirage d'art de qualité archivistique qui capture l'essence du patrimoine graffiti new-yorkais, revisitée à travers le prisme du pop art contemporain. Sortie en 2021, cette œuvre en édition limitée est une pièce emblématique qui met en valeur le style complexe et audacieux devenu la marque de fabrique de Tats Cru, collectif pionnier du graffiti né dans les rues du Bronx. Ce tirage de 43 x 43 cm est réalisé sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², choisi pour sa capacité à retenir les pigments denses, garantissant ainsi la vivacité et la précision de chaque ligne, courbe et nuance. Signée et estampillée « PP » par BIO, cette épreuve fait partie d'une série limitée conçue pour les collectionneurs avertis. Chaque exemplaire célèbre la richesse de la culture graffiti que Tats Cru a contribué à façonner. En tant qu'artistes de rue passés des surfaces éphémères des murs de la ville à la permanence du papier d'art, Tats Cru et BIO ont redéfini les frontières entre l'art de rue et l'art de galerie, insufflant à leur travail un niveau de sophistication sans perdre l'énergie brute qui définit le genre. Tats Cru et BIO : Gardiens de l'héritage du graffiti Dans « Another New York Classic », la complexité du graffiti est condensée en une seule image. Cette œuvre est emblématique du rôle de Tats Cru, à la fois gardiens de l'héritage du graffiti et innovateurs au sein de cet art. La contribution de BIO, membre fondateur de Tats Cru, transparaît dans sa maîtrise du trait et de la forme, insufflant à l'œuvre un dynamisme à la fois nostalgique et visionnaire. Plus qu'une simple représentation du street art, cette estampe dialogue avec l'histoire du graffiti, une œuvre marquante qui témoigne de l'évolution de l'expression urbaine. L'utilisation de pigments d'archivage garantit sa pérennité, une qualité essentielle dans le contexte éphémère du graffiti. Le choix d'une édition limitée témoigne d'une quête d'excellence et d'exclusivité, chaque estampe faisant de Tats Cru et de BIO un exemple de leur engagement envers leur art. Importance culturelle et potentiel de collection de « Another New York Classic » « Another New York Classic » est bien plus qu'une simple estampe d'art ; c'est un artefact culturel qui incarne l'esprit du mouvement street art new-yorkais. Cette œuvre trouve un écho particulier chez ceux qui ont vu le graffiti passer d'un phénomène underground à une pratique artistique reconnue. Pour les collectionneurs, posséder une édition PP de cette œuvre, c'est s'immerger dans l'histoire, découvrir le récit du parcours du street art à travers le regard de certaines de ses figures les plus influentes. L'estampe d'archive PP « Another New York Classic » de Tats Cru et BIO témoigne de l'impact du street art sur la culture pop moderne. Elle atteste de la puissance du graffiti comme forme d'expression artistique et de son influence durable sur le paysage de l'art contemporain. À travers leur travail, Tats Cru et BIO continuent d'inspirer une nouvelle génération d'artistes et d'amateurs d'art, jetant un pont entre la rue et le monde des beaux-arts et assurant la pérennité de l'héritage du street art et du graffiti.

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Sérigraphie grand format Riot Cop de Shepard Fairey - OBEY Tirée à la main sur papier beaux-arts Cream Speckletone, édition limitée. Artiste de la culture pop. 2009. Signée par Shepard Fairey - OBEY. Édition limitée numérotée à 75 exemplaires. Œuvre grand format (29,25 x 40,5 cm). Sérigraphie. Série rétro 20 ans. Légères marques de manipulation. OBEY de Shepard Fairey : une œuvre marquante du street art pop et du graffiti. « Riot Cop » de Shepard Fairey est une œuvre emblématique qui incarne l'esprit rebelle et le regard critique du street art et du graffiti. Faisant partie de la série OBEY, cette sérigraphie grand format est bien plus qu'une simple déclaration visuelle : elle témoigne de l'évolution du genre sur deux décennies. Réalisée avec précision et soin, « Riot Cop » a été tirée à la main en couleurs sur papier d'art Speckletone couleur crème, un support qui allie la qualité et le souci du détail propres aux beaux-arts au message brut et sans filtre souvent véhiculé par le street art. Sortie en 2009, cette œuvre grand format (75 exemplaires, mesurant 74,3 x 102,9 cm) a été signée et numérotée par Fairey à chacun des 75 exemplaires. Ce geste souligne l'importance accordée à la dimension personnelle et à l'authenticité dans le monde des collectionneurs d'art. L'œuvre a été rééditée pour célébrer le 20e anniversaire du projet OBEY, qui coïncidait avec la rétrospective de Shepard à l'ICA de Boston. Cette série, qui revisite des images de 1998 à 2000, témoigne de la volonté de l'artiste d'affiner ses œuvres précédentes, en remplaçant l'orange emblématique d'OBEY par un or métallisé, conférant ainsi à la série une allure sophistiquée et intemporelle. Impact et signification contextuelle de l'œuvre de Fairey « Riot Cop » est bien plus qu'une simple création esthétique ; c'est un commentaire sur l'autorité, le contrôle et l'usage du pouvoir. L'œuvre de Fairey est profondément ancrée dans le tissu socio-politique de son époque, incitant souvent à la réflexion sur les mécanismes de la société et de la gouvernance. L'utilisation ostentatoire du mot « OBEY » sous l'image d'une figure d'autorité brandissant une matraque invite directement les spectateurs à questionner les structures et les règles qui les régissent. Ce défi au statu quo symbolise la force culturelle que sont devenus le street art et le graffiti, offrant un exutoire à la créativité et un puissant outil de critique sociale et d'activisme. Le parcours de Shepard Fairey, de jeune skateur à artiste reconnu internationalement, reflète l'ascension du street art dans la conscience collective. « Riot Cop » témoigne de l'évolution de Fairey en tant qu'artiste, illustrant son talent pour fusionner l'esthétique du street art avec des messages politiques plus profonds. Le passage de l'orange à l'or métallisé dans la palette de couleurs de la série anniversaire symbolise une transformation visuelle de l'œuvre. Il représente la maturation du message OBEY, qui a su évoluer pour rester pertinent dans un paysage culturel en constante mutation. Valeur de collection et héritage de la série OBEY Œuvre d'art en édition limitée, « Riot Cop » occupe une place unique sur le marché de l'art, séduisant aussi bien les amateurs de street art que les collectionneurs d'art contemporain. Son exclusivité et son message social ont contribué à en faire une pièce très recherchée. L'héritage de la série OBEY de Fairey ne se limite pas aux collectionneurs qui en possèdent une œuvre ; il s'étend à son influence sur les jeunes artistes de rue et au débat qu'elle a suscité sur le rôle de l'art dans la société. La série, à l'image de « Riot Cop », continue d'inspirer une nouvelle génération d'artistes qui perçoivent le paysage urbain comme une toile pour exprimer leurs réflexions sur les problématiques contemporaines. « Riot Cop » de Shepard Fairey, issue de la série OBEY, est une œuvre majeure qui capture l'essence du street art et du graffiti. Elle constitue un véritable artefact culturel, incarnant l'esprit d'un mouvement, la voix d'une époque et la vision d'un artiste qui a su utiliser la sérigraphie avec brio pour bousculer les perceptions et inviter à l'introspection. À travers son œuvre, Fairey continue de démontrer le pouvoir de l'art comme moyen de communication, forme de résistance et catalyseur de changement.

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Marilyn Monroe - Bain de vapeur, édition limitée, peinture à l'huile rehaussée à la main, sérigraphie HPM sur toile par Steve Kaufman, artiste de rue graffiti SAK, art pop moderne. Toile non tendue, l'image est en parfait état, le cadre noir est en bon état également. Rare version de Marilyn sur une serviette.

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Lucky Cat - Œuvre d'art pop street jaune, impression giclée en édition limitée sur papier beaux-arts par l'artiste moderne de graffiti urbain Shane Jessup. Série de 10 exemplaires numérotés et signés de 2013 (5x5)

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Sérigraphie Cherry Glitter de Buff Monster, tirée à la main sur papier d'art, édition limitée. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2007. Sérigraphie avec paillettes. Format : 20 x 20 cm. Motif : glace à la cerise, méduse stylisée. « Cherry Glitter » est une sérigraphie captivante de Buff Monster, artiste de rue emblématique et reconnu pour sa contribution vibrante au mouvement pop art. Cette création artisanale de 2007, imprimée sur papier d'art de qualité supérieure, présente des images ludiques et gourmandes, à la fois invitantes et fantaisistes. Tirée à 100 exemplaires numérotés et signés, cette édition limitée offre aux collectionneurs une occasion unique d'acquérir une œuvre de Buff Monster. L'œuvre, de 50,8 x 50,8 cm, représente un amas de créatures fantastiques surmontées de cerises, se détachant sur un fond de motifs floraux ornementaux. L'utilisation de paillettes lors de la sérigraphie confère à l'estampe une dimension tactile, créant un jeu dynamique de textures et de lumière. Cet effet scintillant renforce l'impact visuel de l'œuvre, plongeant le spectateur dans un univers onirique issu de l'imagination de l'artiste. L'œuvre « Cherry Glitter » de Buff Monster est emblématique de son esthétique, caractérisée par des couleurs vives, des lignes audacieuses et des influences issues de diverses sources de la culture pop, notamment la culture kawaii japonaise (mignonne). Le contraste entre le fond monochrome et les touches de rose des cerises témoigne de la maîtrise de la couleur par l'artiste, qui attire l'attention et transmet des émotions. Cette sérigraphie est une représentation par excellence de la fusion entre le street art et les beaux-arts. Le choix de la sérigraphie, technique traditionnellement associée à la production de masse et à l'art commercial, s'inscrit dans l'esprit du pop art. Cependant, la technique artisanale et le tirage limité confèrent à l'œuvre une aura d'exclusivité et de savoir-faire souvent associée aux beaux-arts. « Cherry Glitter » résonne au sein du street art comme une célébration de la joie et de la beauté intrinsèque d'une expression ludique et imaginative. Elle témoigne de l'engagement de Buff Monster à repousser les limites du street art, faisant de cette œuvre une pièce intemporelle qui continue de charmer et de captiver un public international.

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Connaissez vos droits - Sérigraphie grand format en édition limitée, tirée à la main en une couleur sur papier d'archivage 100 % coton verni avec bords frangés à la main, par Shepard Fairey, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Œuvre sérigraphique signée et numérotée de 2014, 42 x 42 pouces, 21 août 2014. Sérigraphie grand format 42 x 42 pouces. Impression 1 couleur sur papier d'archivage verni 100 % coton. « Know Your Rights » est une sérigraphie saisissante de Shepard Fairey, artiste qui s'est imposé sur la scène artistique contemporaine grâce à des œuvres mêlant l'esprit du street art à l'esthétique du pop art moderne. Cette pièce, sortie le 21 août 2014, se distingue non seulement par son message politique percutant, mais aussi par le soin méticuleux apporté à la réalisation de chaque tirage. Œuvre de grand format (107 x 107 cm), elle marque durablement les esprits, tant par ses dimensions que par son rendu monochrome saisissant sur un papier d'archivage 100 % coton verni, aux bords frangés à la main. Shepard Fairey est reconnu pour son art de fusionner les beaux-arts avec la force brute et directe du street art et du graffiti, et « Know Your Rights » illustre parfaitement cette synthèse. L'œuvre s'articule autour d'une image centrale représentant un livre ouvert, intitulé « L'AVENIR N'EST PAS ÉCRIT », porteur d'un message d'émancipation et de potentiel de changement. Encadrée de lauriers et d'une torche allumée, elle évoque des motifs classiques symbolisant la victoire, le savoir et l'illumination. Les textes en bordure, « OBÉISSEZ À LA PROPAGANDE » et « CONNAISSEZ VOS DROITS », s'inscrivent dans les thèmes récurrents de Fairey : la propagande, le contrôle et la diffusion de l'information. Ils incitent le spectateur à questionner l'autorité et les récits qui lui sont présentés. Chaque tirage de cette édition limitée est signé et numéroté par Fairey, garantissant son authenticité et son lien avec l'artiste. Le choix d'une palette monochrome souligne la simplicité affirmée de l'œuvre et la maîtrise de Fairey dans l'utilisation des contrastes et des textures pour créer profondeur et résonance. Cette technique fait écho à ses débuts dans le street art, où les messages doivent être transmis rapidement et de façon mémorable. La sérigraphie, technique d'impression exigeante, garantit une qualité optimale pour chaque tirage. Le vernis appliqué sur le papier chiffon de coton confère une finition durable et agréable au toucher, tout en renforçant l'impact visuel. « Know Your Rights » s'impose comme une œuvre marquante dans le travail de Fairey, reflétant son engagement social et politique à travers le prisme singulier du pop art. Cette œuvre, imprégnée de l'immédiateté du street art, porte en elle la richesse des traditions artistiques historiques, tissant un lien entre les préoccupations contemporaines et des expressions intemporelles de résistance et d'espoir.

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Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Achetez Andy Mouse 3 couleurs tirées à la main en sérigraphie en édition limitée sur papier aquarelle Fabriano 300 g/m² par Copyright Rare Street Art Famous Pop Artwork Artist. Andy Warhol x Mickey Mouse Disney. Cette édition est uniquement peinte à la main. Copyright : Copyright a barbouillé les rues du Royaume-Uni avec ses roses roses depuis des années. Fusionnant street art, graffiti et styles plus traditionnels, il utilise un mélange de techniques de peinture classiques et d'art à la bombe aérosol. Il crée des styles d'impression avec des pochoirs, de la profondeur avec de la peinture en aérosol et de la texture avec un pinceau.

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Œuvre d'art innocente, impression giclée en édition limitée sur papier d'art 100% coton, par l'artiste de graffiti pop culture Naoto Hattori.

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Hard : Affiche de concert en édition limitée Holy Ship 1 - Événement musical 2012, impression sérigraphique artisanale en 4 couleurs sur papier d'art par Max Goldman pour le festival de musique Holy Ship 2012. Groupes de musique EDM : Fatboy Slim, Boys Noize, Laidback Luke, Rusko, Diplo, A-Trak, Steve Aoki, Skrillex, Tommy Lee & DJ Aero, Brodinski, Buraka Som Sistema, Gesaffelstein, Justin Martin, Zedd, DJ Craze, Dillon Francis, Housemeister, Strip Steve, DJEDJOTRONIC, Destructo, Danny Brown, Dave Nada, Egyptianx, Rory Phillips, Club Cheval, Jason Bentley, Posso, Doorly, Oliver, Gina Turner, Nick Catchdubs, Arthur Baker, Paul Devro, Ble Jemz, Lloydski, Contra, Mike Deuce, Fool's Gold Records, Boys Noize Records, Mad Decent, Paris Social Club, Dance Right

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Bong Master Artwork Giclée en édition limitée, impression surréaliste sur papier d'art 100% coton, par l'artiste de graffiti pop culture Naoto Hattori.

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Ne croyez pas au battage médiatique. Sérigraphie artisanale bicolore sur papier beaux-arts par l'artiste Nate Duval. Œuvre d'art pop en édition limitée. Édition limitée de 55 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Format de l'œuvre : 8 x 10 pouces.

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Impression giclée en édition limitée sur papier beaux-arts 290 g/m², inspirée de l'œuvre « Death Perception », par l'artiste de graffiti pop culture Casey Weldon. « Perception de la mort » Édition limitée à 50 exemplaires. Tirage d'art sur papier 290 g/m², format 40,6 x 50,8 cm (16 x 20 pouces). Signé et numéroté par l'artiste. Imprimé par Static Medium.

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Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Achetez Tour de Finch sérigraphie 3 couleurs tirée à la main sur papier Fine Art par l'artiste souhaitable Nate Duval édition limitée Pop Art Artwork. 2014 Signé Edition Limitée Oeuvre Taille 10x8

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Œuvre d'art Vacancy, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti de la culture pop Meagan Magpie Rodgers. 80 tirages giclée 12”x20” signés et numérotés sur papier beaux-arts.

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Blue Snaggletooth B&W - The Elbow Room 2009 Édition limitée 1 couleur Sérigraphie artisanale sur papier beaux-arts par Jeremy Wheeler Artiste de rue graffiti Art pop moderne. Soirée Stoner Rick. Légère pliure dans le coin inférieur gauche. 25 septembre 2009. Avec Blue Snaggletooth, The Cranks, Black Irish et DJ Wheeler.

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SAMO©…DEPUIS 1978... Coffret collector de luxe : tirage d’art en édition limitée, photos, livre et marqueur sur papier beaux-arts, réalisé par l’artiste de street art pop moderne Ali Diaz. Portfolio Al Daiz 2018, signé et numéroté, comprenant des estampes, des objets d'art, des supports et des photographies. Le Samo©… Depuis 1978… Le coffret collector de luxe comprend les articles suivants : Un exemplaire de première édition signé, avec une dédicace exclusive d'Al Díaz et Mariah Fox. Tirage d'archive signé et numéroté de 8 x 8 pouces, photographie d'Al Díaz datant d'environ 2018. Un ensemble de 11 tirages d'archives de photographies vintage SAMO©, mesurant chacune 4 x 6 pouces, avec des photographies d'Al Díaz, Natalya Maystrenko et Jane Burrell Yadav datant d'environ 1978/79. Un marqueur de peinture signé, utilisé pour créer une œuvre d'art originale SAMO©. Un sac fourre-tout en toile sérigraphié à la main, imprimé sur chaque face, mesurant 15 x 20 pouces. Une broche en forme de croix émaillée. Un paquet d'autocollants. Un marque-page. Un marqueur bleu. Une lettre d'authenticité signée. Importance historique et composition du SAMO©…DEPUIS 1978… Coffret collector de luxe Sorti en 2018, ce portfolio en édition limitée d'Al Diaz est un ensemble complet regroupant divers objets, chacun imprégné de l'essence du street art pop. Un livre de première édition, signé et dédicacé, offre un aperçu de la genèse et de l'évolution du tag SAMO©, un récit co-créé avec Mariah Fox. Ce livre est accompagné d'un tirage d'archive signé et numéroté, une photographie de 20 x 20 cm prise par Diaz, offrant un complément visuel au texte. L'univers du street art pop et du graffiti est en constante évolution, brouillant souvent les frontières entre œuvre d'art et document historique. Le coffret collector de luxe « SAMO©…SINCE 1978… » illustre parfaitement cette intersection, offrant un lien tangible avec les racines du street art, vues à travers le regard de l'artiste influent Al Diaz. Ce coffret n'est pas qu'un simple assemblage d'objets d'art ; c'est une capsule de patrimoine culturel qui retrace l'ascension de l'un des tags les plus énigmatiques de l'histoire du graffiti. Pour approfondir le contexte historique, le coffret comprend onze tirages d'archives de 10 x 15 cm, présentant des photographies vintage de SAMO© signées Al Diaz, Natalya Maystrenko et Jane Burrell Yadav. Ces images capturent l'énergie brute de la fin des années 1970 et du début des années 1980 à New York, période où SAMO© est devenu un symbole reconnu de rébellion et de liberté artistique. L'inclusion d'un marqueur de peinture signé, utilisé pour la création d'une œuvre originale de SAMO©, atteste de l'authenticité du processus de création et fait le lien entre passé et présent. La valeur artistique et de collection de l'œuvre d'Al Diaz Le coffret collector de luxe rassemble des objets d'art allant au-delà des estampes et des photographies. Ce mélange éclectique comprend un sac fourre-tout en toile sérigraphiée à la main, une broche en forme de croix émaillée, une planche d'autocollants et un marque-page. Chaque objet est un souvenir précieux et un témoignage du parcours artistique d'Al Diaz. Le coffret contient notamment un marqueur bleu et une lettre d'authenticité signée, attestant de sa valeur en tant qu'objet de collection. La contribution d'Al Diaz à la scène du graffiti est profondément ancrée dans le patrimoine culturel de l'art urbain. Son œuvre, en particulier le tag SAMO©, co-créé avec le légendaire artiste Jean-Michel Basquiat, est devenu un symbole de l'esprit DIY et du caractère provocateur du street art. Ce coffret collector de luxe ne se contente pas de refléter l'empreinte artistique de Diaz ; il transmet les histoires, l'époque et le mouvement que représente SAMO©. Héritage de l'étiquette SAMO© L'héritage du tag SAMO©, immortalisé dans ce coffret collector de luxe, est multiple. Il témoigne du pouvoir des mots et des images dans l'espace public, et rappelle la nature éphémère mais aussi l'impact profond du street art. Les messages énigmatiques de ce tag ont jadis suscité la curiosité et les échanges entre les passants dans les rues de New York. Grâce à ce coffret, ils continuent d'inspirer la réflexion et l'appréciation des collectionneurs et des amateurs d'art. En somme, le coffret collector de luxe « SAMO©…SINCE 1978… » d'Al Diaz est bien plus qu'un simple objet de valeur ; c'est une pièce incontournable pour quiconque s'intéresse à l'histoire et à l'évolution du street art et du graffiti. À travers cette collection, Diaz inscrit son nom dans l'histoire de l'art et invite chacun à explorer et à comprendre l'impact profond du street art sur la société et la culture. Tirée à seulement 25 exemplaires, cette édition limitée occupe une place unique parmi les objets de collection d'art moderne, incarnant l'esprit d'une époque où l'art investissait la rue, bousculant les conventions et transformant à jamais l'expression urbaine.

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Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

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Impression giclée en édition limitée sur papier d'art de Daniel Plainview par Robert Bruno, artiste de rue de la contre-culture. Inspiré du personnage de Daniel Plainview, interprété par Daniel Day-Lewis dans le film « There Will Be Blood ». « J'ai la compétition dans la peau. Je ne veux voir personne réussir. Je déteste la plupart des gens… Parfois, je les regarde et je ne vois rien d'intéressant chez eux. Je veux gagner assez d'argent pour pouvoir m'éloigner de tout le monde. » – Daniel Plainview

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Giddyup Honeybear, estampe d'art en édition limitée Giclée sur papier d'art par l'artiste pop moderne Alexis Price. Édition limitée à 20 exemplaires, signée et numérotée, format 11x14 pouces (2020).

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CCB Cold Crush Brothers Photoshoot 84 Tirage photo par Joe Conzo Jr Édition limitée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m² Pop Graffiti Street Artiste Œuvre d'art moderne. Tirage signé de 2023, édition limitée à 5 exemplaires, format 16x20, impression pigmentaire d'archives, représentant le groupe de rap Cold Crush Brothers en costumes et tenues vintage. Séance photo CCB Cold Crush Brothers, tirage 84 par Joe Conzo Jr. Le tirage photographique « CCB Cold Crush Brothers Photoshoot 84 » de Joe Conzo Jr est une remarquable représentation de la culture hip-hop à son apogée. Ce tirage pigmentaire d'archive en édition limitée de 2023, réalisé sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², immortalise le groupe de rap iconique Cold Crush Brothers dans un portrait studio dynamique et stylé. Limitée à seulement cinq exemplaires signés, cette œuvre de 40 x 50 cm (16 x 20 pouces) capture le groupe dans leurs costumes vintage, soulignant leur contribution à la musique et leur influence sur le street art et le graffiti. Cold Crush Brothers : Pionniers du Hip-Hop Formé en 1978 dans le Bronx, à New York, le groupe Cold Crush Brothers est largement reconnu comme l'un des plus influents des débuts du hip-hop. Réputés pour leur virtuosité lyrique, leur présence scénique et leurs performances novatrices, ils ont joué un rôle déterminant dans la définition de l'art du MCing. Les membres du groupe, parmi lesquels Grandmaster Caz, JDL, Almighty KG et Easy AD, ont établi une norme de créativité et de performance qui a inspiré d'innombrables artistes du genre. La séance photo de 1984, réalisée par Joe Conzo Jr, met en lumière le sens de la mode et l'individualité des Cold Crush Brothers. Chaque membre arbore des costumes élaborés, reflets de la théâtralité et du charisme qu'ils insufflaient à leurs performances. Les motifs audacieux et les couleurs vibrantes de leurs tenues symbolisent l'énergie créative qui caractérisait le mouvement hip-hop de l'époque. Cette photographie n'est pas seulement un témoignage visuel de leur style, mais aussi un hommage à leur importance culturelle et à leur vision artistique. Joe Conzo Jr : Chroniqueur de l'histoire du hip-hop Joe Conzo Jr, originaire du Bronx, est reconnu pour son talent à documenter les débuts du hip-hop à travers ses photographies. Son travail capture l'esprit du mouvement, des performances live aux moments intimes des coulisses. Cette séance photo avec les Cold Crush Brothers illustre parfaitement son don pour fusionner art et histoire, présentant ses sujets avec authenticité et talent artistique. L'œuvre de Conzo est intimement liée à l'évolution du Street Pop Art et du graffiti, car il a su capturer non seulement les artistes, mais aussi le paysage culturel qui a donné naissance au hip-hop. Ses photographies, empreintes d'un sens aigu du lieu et de l'époque, préservent la vitalité du Bronx à la fin des années 1970 et dans les années 1980. La série de photos « CCB Cold Crush Brothers Photoshoot 84 » illustre parfaitement son talent pour créer des images qui traversent les générations. La signification artistique de la séance photo 84 de CCB Cold Crush Brothers Cette estampe en édition limitée est bien plus qu'une simple photographie : c'est un témoignage historique qui fait le lien entre musique et art visuel. Les matériaux de qualité archivistique garantissent la préservation de chaque détail, des textures des costumes aux expressions des membres du groupe. Son format 40 x 50 cm renforce son impact visuel et en fait une pièce maîtresse pour toute collection d'art urbain ou d'objets liés au hip-hop. Le tirage CCB Cold Crush Brothers Photoshoot 84 témoigne avec force de l'innovation culturelle née dans le Bronx dans les années 1980. À travers l'objectif de Joe Conzo Jr, cette photographie célèbre le talent artistique, l'individualité et l'héritage de l'un des groupes fondateurs du hip-hop. Un incontournable pour les amateurs de street art, de graffiti et pour tous ceux qui apprécient la richesse de la culture hip-hop.

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Burn Your Wonder Bra - Tirage d'art pigmentaire d'archive en édition limitée OG sur papier d'art MOAB 290 g/m² par Legend Street Art et Modern Pop Culture Artist Denial. Burn Your Wonder Bra - OG, Wonder Woman nue, style pop art DC Comics. Numérotée, signée, tamponnée au verso, édition 2021 limitée à 100 exemplaires, 61 x 61 cm, impression pigmentaire d'archives sur papier d'art MOAB 290 g/m². Brûlez votre Wonder Bra par le déni : une déclaration dans le Street Pop Art « Burn Your Wonder Bra », créée en 2021 par Denial, artiste légendaire de la pop culture et du street art, est une estampe pigmentaire d'archive en édition limitée, audacieuse et provocatrice. Tirée à 100 exemplaires, cette édition est méticuleusement réalisée sur papier d'art MOAB 290 g/m², au format 61 x 61 cm (24 x 24 pouces), et numérotée et signée par l'artiste, avec un tampon au verso. Reconnu pour sa fusion de visuels inspirés de la bande dessinée et de thèmes engagés, le travail de Denial remet en question les normes culturelles tout en embrassant l'esthétique du street art et du graffiti. « Burn Your Wonder Bra » est une représentation audacieuse de l'émancipation, de la rébellion et de la liberté d'expression. Wonder Woman réinventée : Pop Art et commentaire culturel L'œuvre « Burn Your Wonder Bra » de Denial propose une réinterprétation de Wonder Woman, l'un des symboles les plus emblématiques de DC Comics et de la culture populaire. Elle allie nostalgie et provocation, présentant l'héroïne dans une pose audacieuse et libérée. Utilisant des rouges, des bleus et des motifs en demi-teintes noires vibrants, évoquant les bandes dessinées des années 1960, Denial canalise avec brio l'esthétique des pionniers du pop art tout en l'infusant de l'énergie brute du graffiti. Le texte en gras en haut, « Burn Your Wonder Bra », est un clin d'œil satirique au mouvement féministe de la fin des années 1960 et 1970, période durant laquelle les femmes rejetaient symboliquement les normes sociales restrictives. En réinterprétant Wonder Woman nue et sans filtre, Denial brise les représentations conventionnelles des héroïnes, incitant à des réflexions sur l'autonomie, les attentes liées au genre et l'émancipation. Cette combinaison de critique sociale et d'iconographie pop témoigne du talent de Denial pour fusionner des messages forts avec des compositions visuellement saisissantes. Le déni : une voix majeure du street art pop et du graffiti L'artiste canadien Denial, de son vrai nom Daniel Bombardier, est une figure internationale de l'art contemporain, reconnu pour ses œuvres percutantes et sans concession. Ses créations abordent souvent les thèmes de la société de consommation, du genre, de la politique et de la culture populaire avec un humour incisif et une dimension rebelle. Le travail de Denial fusionne les techniques du graffiti et du street art avec la rigueur des beaux-arts, ce qui lui vaut l'admiration des collectionneurs et des amateurs. « Burn Your Wonder Bra » reflète la voix artistique unique de Denial, où la nostalgie des bandes dessinées se mêle à des thèmes subversifs modernes. Par son utilisation audacieuse de la couleur, du trait et d'un texte soigneusement choisi, Denial invite les spectateurs à questionner les normes sociales tout en célébrant l'individualité et la liberté artistique. Une pièce de collection en édition limitée à l'impact durable « Burn Your Wonder Bra » fait partie d'une édition limitée très recherchée de 100 tirages pigmentaires d'archives, témoignant de l'engagement de Denial envers la qualité et le savoir-faire. Imprimée sur papier d'art MOAB 290 g/m², la richesse de sa texture et l'éclat de ses couleurs la distinguent des reproductions pop art traditionnelles. Chaque exemplaire est signé, numéroté et estampillé au verso, ce qui renforce son authenticité et sa valeur en tant qu'œuvre de collection. Cette pièce est un exemple remarquable de street art et de graffiti contemporains, trouvant un écho auprès d'un public sensible à un art qui défie les normes tout en conservant une identité visuelle forte. « Burn Your Wonder Bra » capture la convergence de l'art, de la culture et de la rébellion, confirmant le statut de Denial comme figure majeure du street art contemporain. Elle demeure un puissant message de libération et d'expression, incarnant l'énergie dynamique qui caractérise l'œuvre de Denial.

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Sérigraphie SF Fire Escape de Shepard Fairey - OBEY, couleur tirée à la main sur papier d'art crème moucheté, édition limitée, artiste de la culture pop. 2011 Signée par Shepard Fairey - OBEY & Édition limitée numérotée à 450 exemplaires. Œuvre d'art de 18 x 24 pouces. Sérigraphie Escalier de secours de SF par Shepard Fairey - Art urbain pop et graffiti symbolisant le symbolisme urbain La sérigraphie de Shepard Fairey, intitulée SF Fire Escape (2011), capture l'énergie architecturale et culturelle de San Francisco à travers le prisme du street art et du graffiti. Imprimée sur papier d'art Speckletone couleur crème, en édition signée et numérotée à 450 exemplaires, cette sérigraphie artisanale de 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces) condense la signature graphique de Fairey, mêlant contrastes et commentaires politiques, en une composition dynamique de géométrie urbaine. Utilisant sa palette emblématique rouge, noire et crème, l'œuvre présente un impressionnant escalier de secours traversant la façade d'un immeuble moderne, orné du visage expressif de l'icône désormais célèbre d'Obey Giant, apparaissant à travers une fenêtre. Les lignes verticales de la structure s'entrecroisent avec des escaliers diagonaux, tandis qu'un panneau d'affichage urbain indique « sens unique et interdiction de tourner », soulignant métaphoriquement le contrôle, la restriction et l'illusion de la certitude directionnelle. Lignes architecturales et structures de pouvoir urbaines L'œuvre de Fairey, « SF Fire Escape », métamorphose un élément banal du design urbain en une œuvre visuelle saisissante. L'escalier de secours, généralement perçu comme un symbole de sécurité ou de dernier recours, devient une ligne brisée, une échappatoire au conformisme. Ses angles blancs éclatants, contrastant avec la grille rigide du bâtiment, évoquent l'urgence et le potentiel. Les panneaux rouges et noirs confèrent un sentiment d'urgence et de rigidité institutionnelle, tandis que le panneau d'affichage en silhouette ajoute une dimension de direction sociale, voire de voie imposée. L'intégration du visage d'Obey Giant dans la fenêtre de l'escalier de secours rompt la grille par un symbole humanisé inattendu, faisant écho à la critique constante de l'artiste sur la saturation médiatique, la surveillance et les structures systémiques. Ce visage agit également comme un observateur discret, intégré à l'architecture, à la fois présent et contenu. La sérigraphie comme médium politique dans le pop art urbain La sérigraphie est depuis longtemps l'outil de prédilection de Fairey pour reproduire des messages rapidement et à grande échelle. SF Fire Escape perpétue cette tradition en conservant l'esthétique de l'affiche tout en se présentant comme une œuvre d'art à collectionner. Le choix du papier Speckletone crème, associé à des couches d'encre sérigraphiées aux couleurs vives, évoque l'esprit DIY des affiches de propagande placardées dans les rues. Le langage visuel à la fois raffiné et percutant de Fairey exploite la répétition, une palette de couleurs restreinte et le contraste pour amplifier l'urgence et la force du propos. Cette composition ne se contente pas de dépeindre un moment architectural, mais transforme l'environnement bâti de la ville en une métaphore du confinement culturel et des signaux autoritaires déguisés en directives. Iconographie intégrée et résistance urbaine Le visage d'Obey Giant n'est pas qu'une simple marque ou un ornement : il s'impose comme un symbole de résistance, intrinsèquement lié au tissu urbain. En l'intégrant à un escalier de secours, Fairey explore les notions de surveillance, d'autonomie et d'évasion. L'utilisation de la signalétique directionnelle ajoute une dimension ironique, interrogeant la véritable liberté de choix des individus dans la société moderne, et leur interrogeant sur leur simple appartenance à un système de contrôle. SF Fire Escape illustre le rôle constant de Shepard Fairey dans la transformation du street art et du graffiti contemporains en supports imprimés socialement engagés et politiquement pertinents, puisant leur inspiration dans le langage visuel de la rébellion et dans la structure du quotidien.

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Nocht Lucere Lacuna Blotter Paper Limited Edition Archival Pigment Print Art on Perfored Blotter Paper by Camille Rose Garcia pop culture LSD artwork. Tirage d'art signé et numéroté 2021 avec certificat d'authenticité, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Dimensions : 7,5 x 7,5 pouces. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées sur papier buvard sont perforées à la main par Zane Kesey. Nocht Lucere Lacuna par Camille Rose Garcia – Œuvre d'art pop et graffiti sur papier buvard Nocht Lucere Lacuna est une estampe pigmentaire d'archive surréaliste et onirique, créée par Camille Rose Garcia en 2021. Présentée sur un buvard perforé à la main de 19 x 19 cm, cette œuvre signée et numérotée, accompagnée d'un certificat d'authenticité, a été lancée le 19 avril 2021 en collaboration avec Zane Kesey, qui a méticuleusement perforé chaque exemplaire. À l'instar de toutes les séries de buvards de Garcia, cette œuvre transforme un objet traditionnellement éphémère, associé à la culture psychédélique, en un témoignage durable de critique visuelle et culturelle, à travers le langage du street art et du graffiti. Mythologie psychédélique et narration néo-surréaliste La composition explose d'une intensité chromatique saisissante, nous transportant dans un univers aquatique fantastique où règne une logique onirique. Une figure centrale, évoquant une geisha fantomatique ou une sirène mythique, émerge d'un étang foisonnant d'yeux omniscients et de formes florales désincarnées. Autour d'elle, des processions de cavaliers hippocampes, de chauves-souris aquatiques, de champignons luminescents et d'oiseaux mutants se détachent sur un fond de ruissellements de néon et de textures fluorescentes. Les figures sont figées dans un mouvement cérémoniel, prisonnières d'une incantation visuelle qui évoque à la fois le rituel et le cauchemar. La superposition complexe de teintes translucides – magenta, vert acide, bleu électrique et rouge sang – par Garcia intensifie l'atmosphère d'un autre monde. L'alchimie de la culture et de la critique de Camille Rose Garcia Née en 1970 en Californie, l'œuvre de Camille Rose Garcia mêle iconographie féerique, subversion punk et dégradation écologique. Ses récits visuels critiquent le consumérisme, l'autoritarisme et l'effondrement environnemental, souvent à travers des protagonistes féminines évoluant dans des univers oniriques hostiles. « Nocht Lucere Lacuna » prolonge l'héritage de Garcia, figure visionnaire du street art et du graffiti, en créant un espace où le fantastique se fait commentaire culturel. Son talent unique pour fusionner dystopie et fantaisie continue de trouver un écho tant dans les galeries que dans les milieux alternatifs. Le pouvoir du papier buvard comme objet pop Le format de cette édition, sous forme de buvard perforé, revêt une profonde valeur symbolique. La participation de Zane Kesey inscrit l'œuvre directement dans l'histoire de l'activisme psychédélique et de la protestation visuelle. En imprimant sur ce support, Garcia amplifie le potentiel hallucinogène de son œuvre tout en l'ancrant dans les traditions esthétiques radicales du street art et des phénomènes éphémères des subcultures. Les perforations confèrent à l'œuvre une authenticité et une énergie tactile, soulignant son identité hybride, à la fois objet de collection et objet conceptuel. Nocht Lucere Lacuna fonctionne comme une invocation visuelle – un puissant mélange de mythe, de rébellion et d'enchantement, scellé dans un carré de papier lumineux.

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« It's Alive », édition limitée, sérigraphie artisanale bicolore sur papier beaux-arts, par Jon Smith, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Épreuve d'artiste AP

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Impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'œuvre « Visage de limace » de l'artiste de graffiti de la culture pop Jason Levesque. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Format de l'œuvre : 12 x 18 pouces.

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Pigeons nourrissant une famille, Brooklyn, 2005. Impression giclée par Swoon-Caledonia Curry. Œuvre d'art en édition limitée sur papier chiffon épais de qualité supérieure. Artiste de rue, graffiti pop. Édition limitée signée et numérotée de 175 exemplaires, 2016. Œuvre de 19 x 13 pouces issue de la collection d'estampes de la série Swoon Street. Caledonia Curry Street Pop Art : Famille nourrissant des pigeons, Brooklyn, 2005. Impression giclée par Swoon. « Pigeon Feeding Family Brooklyn 2005 » est une estampe giclée signée et numérotée de Caledonia Curry, figure emblématique du street art et du graffiti américain, connue internationalement sous le nom de Swoon. Initialement collée sur un mur délabré de Brooklyn, l'œuvre a été photographiée puis transformée en une édition d'art, capturant la texture brute de l'environnement urbain et la tendresse des instants du quotidien. Imprimée sur un papier chiffon épais de qualité beaux-arts, cette pièce mesure 48 x 33 cm et a été éditée en 2016 à 175 exemplaires. Elle fait partie de la collection d'estampes « Swoon Street Series », qui immortalise ses interventions éphémères dans la rue en œuvres d'art de collection. Les œuvres d'art urbain pop et graffiti centrées sur l'humain de Swoon La pratique de Caledonia Curry mêle compassion et solidarité à des visuels engagés. Cette estampe giclée immortalise un collage de rue représentant une famille dans un moment de simplicité et de complicité : une famille nourrit des pigeons devant un mur peint à la main. La figure maternelle, empreinte de sérénité et de résilience, ancre la composition, tandis que les enfants apparaissent dans diverses poses, entre curiosité et soutien. Ce motif est une signature récurrente dans les œuvres de Street Pop Art et de graffiti de Swoon : des portraits intimes de l’humanité, créés à partir de blocs de linoléum gravés à la main, de découpages de papier et d’installations in situ. Chaque sujet puise son inspiration dans des communautés et des histoires réelles, reflétant souvent le travail collaboratif de Curry avec des populations défavorisées à travers le monde. Brooklyn comme toile de fond pour l'esthétique sociale de Caledonia Curry Au début des années 2000, les rues de Brooklyn ont servi de terrain d'expression à de nombreux artistes émergents, et les collages grand format de Caledonia Curry ont été particulièrement remarqués pour leur richesse émotionnelle et leur maîtrise technique. L'installation originale de « Pigeon Feeding Family » n'était pas seulement décorative, mais profondément ancrée dans le lieu, insufflant une présence humaine à ce mur délabré. L'engagement de Swoon envers l'art public dépasse la simple esthétique. Il incarne une forme de narration urbaine qui aborde les thèmes du déracinement, des difficultés économiques et de la résilience. La scène reproduite dans cette impression giclée illustre ces thèmes en transformant un geste humble – nourrir les pigeons – en un portrait de survie et de grâce face à l'adversité. Héritage et préservation dans la collection d'estampes de la série Swoon Street La parution en 2016 d'une giclée signée et numérotée de *Pigeon Feeding Family Brooklyn 2005* s'inscrivait dans un projet plus vaste d'archivage des œuvres murales éphémères de Swoon, datant des débuts de sa carrière. La collection d'estampes *Street Series* permet aux collectionneurs et aux institutions de préserver cette période charnière du pop art et du graffiti, qui, autrement, ne subsisterait que dans des photographies ou des souvenirs. Chaque estampe de la série est réalisée avec précision afin de refléter la texture, la couleur et le contexte environnemental de l'installation originale. Face à l'influence grandissante de Caledonia Curry dans le monde des beaux-arts et les milieux engagés, des œuvres comme celle-ci conservent toute leur valeur en tant que témoignages d'une époque où le street art était à la fois protestation et poésie.

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Soul Rebel - Bob Marley - Impression typographique en édition limitée, réalisée à la main en une couleur sur papier crème moucheté par Shepard Fairey. Œuvre d'art urbain rare, artiste OBEY Pop. 40,6 cm x 49,5 cm. Édition limitée à 450 exemplaires. 19 mai 2021. Cette série d'estampes, réalisée en collaboration avec le photographe Dennis Morris, commémore le 40e anniversaire de la disparition de Bob Marley. Elle illustre l'incroyable complexité de la personnalité de Marley : le philosophe, le militant engagé pour la justice et le messager d'amour et de fraternité. Bob

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Estampe giclée en édition limitée McGregor sur papier d'art de qualité supérieure, par Robert Bruno, artiste de rue issu de la contre-culture. Épreuve d'artiste AP. Estampe d'art sur le thème de la boxe : McGregor contre Mayweather.

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