« What Goes Up », peinture acrylique originale à la bombe aérosol de Meggs, œuvre unique sur toile avec cadre en bois de récupération sur mesure, par un artiste pop art de rue. Peinture originale sur toile, signée, réalisée à l'acrylique et à la peinture en aérosol en 2014, encadrée dans un cadre en bois de récupération fait main par l'artiste. Dimensions : 49 x 49 cm. Provenant de l'exposition Spoiled Rotten Show. Exploration de l'essence dynamique de « What Goes Up » de Meggs « What Goes Up » est une œuvre originale à l'acrylique et à la bombe aérosol du célèbre artiste de street art Meggs, qui capture le dynamisme et l'énergie de son travail. Créée en 2014, cette œuvre reflète le style caractéristique de Meggs, qui mêle harmonieusement la brutalité du street art à la vivacité du pop art. Cette pièce unique est une œuvre marquante et une toile narrative qui explore des thèmes récurrents dans l'œuvre de Meggs, tels que la lutte constante entre les forces opposées et la nature éphémère du succès et de l'échec. La peinture mesure 117 x 117 cm et est encadrée dans un cadre en bois de récupération, réalisé sur mesure par l'artiste. Le bois de récupération confère à l'œuvre une dimension éco-responsable, soulignant l'intérêt de Meggs pour le développement durable et le recyclage des matériaux. Ce choix d'encadrement accentue également l'aspect urbain et brut de la peinture, en écho à la tradition du street art qui consiste à utiliser des objets et des espaces trouvés. Techniques artistiques et impact visuel dans « Ce qui monte » Dans « What Goes Up », Meggs utilise la peinture acrylique et la bombe aérosol, démontrant ainsi sa maîtrise des techniques traditionnelles et non traditionnelles. L'acrylique confère profondeur et texture à l'œuvre, tandis que la bombe aérosol apporte une impression d'immédiateté et de spontanéité propre au graffiti. La toile est une véritable cacophonie de couleurs, jaillissant d'un point central et suggérant une explosion d'énergie et de créativité. Les couleurs ne sont pas simplement projetées au hasard sur la toile ; elles sont méticuleusement superposées pour créer un impact visuel à la fois chaotique et maîtrisé. L'œuvre met en scène un motif de crâne, élément récurrent dans l'art de Meggs, qui symbolise souvent la nature éphémère de l'existence humaine et la cyclicité de la vie. Cependant, dans « What Goes Up », le crâne est juxtaposé à des couleurs vibrantes et à des exclamations façon bande dessinée, ce qui pourrait être interprété comme une critique de la superficialité de la culture populaire et de la nature fugace de la gloire et du succès. Le crâne semble se désintégrer ou exploser en une multitude de couleurs et de formes, une puissante métaphore visuelle de la chute inévitable qui suit l'ascension vers le sommet. Commentaire culturel et essence du pop art urbain Le titre du tableau, « Ce qui monte », fait écho à l'adage « tout ce qui monte doit redescendre », suggérant un récit d'ascension et de descente. Meggs imprègne souvent ses œuvres de street art et de graffiti de réflexions philosophiques et d'observations critiques de la société. L'œuvre symbolise les cycles de la vie et peut être perçue comme le reflet de la nature éphémère du succès ou de l'orgueil qui précède souvent la chute. L'utilisation de texte dans la peinture, rendu dans un style bande dessinée, ajoute une dimension de communication avec le spectateur, l'invitant à sonder les significations plus profondes qui se cachent derrière cette façade éclatante. L'œuvre témoigne de la capacité de l'artiste à naviguer entre art classique et art urbain, la rendant accessible à un public diversifié. L'inclusivité de l'art urbain est manifeste dans le travail de Meggs, où l'espace public devient un lieu d'échange et l'art s'intègre au paysage urbain quotidien. « What Goes Up » n'est pas seulement un spectacle visuel, mais aussi une œuvre de commentaire culturel, incarnant l'esprit du street art et son rôle dans le discours contemporain. « What Goes Up » est un exemple éloquent de l'influence de Meggs sur le street art et de sa contribution au mouvement pop art. La peinture témoigne du dévouement de l'artiste à la technique, au concept et au commentaire. Par l'intégration de diverses techniques artistiques et l'utilisation stratégique de matériaux de récupération, Meggs a créé une œuvre à la fois visuellement époustouflante et conceptuellement puissante. L'importance de l'œuvre de Meggs réside dans sa capacité à toucher les spectateurs à de multiples niveaux. Cette œuvre peut être appréciée pour ses qualités esthétiques et sa capacité à susciter l'émotion et la réflexion. En tant qu'œuvre de street art et de graffiti, « What Goes Up » incarne l'esprit de ce genre, qui continue de repousser les limites de l'art et sa place dans la société. Elle demeure une pièce marquante dans l'œuvre de Meggs et dans le débat plus large sur l'art contemporain.

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Obsidian 02 - Huntress - Tirage stéréographique en édition limitée 4 couleurs sur papier d'art de Justin Anville - Œuvre rare de street art - Artiste pop célèbre. Obsidian 02 - « Chasseresse » : Un instant de répit après une longue partie de chasse avec ses dobermans. Incroyable comme un verre de vin apaise ses nerfs. Le vent était violent et implacable ; quel calme surprenant de se trouver dans le bureau de son défunt père ! Sérigraphie 4 couleurs - 40,6 x 50,8 cm - sur papier naturel lisse. Coloris standard. Édition limitée à 75 exemplaires. Signée et numérotée par l'artiste.

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Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

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Impression d'art en édition limitée sur papier buvard perforé Melting Bomb, par Jason Freeny, inspirée de la culture pop et du LSD. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2021. Ces buvards en édition limitée sont perforés à la main par Zane Kesey. L'alignement des perforations sur l'illustration peut légèrement différer de l'exemple présenté.

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Squelette et roses - Édition limitée embellie à l'aérographe, sérigraphie HPM 1 couleur rehaussée à la main sur papier beaux-arts par Stanley Mouse, artiste de rue lowbrow, pop art moderne. Œuvre d'art signée et numérotée de 2021, format 17x22, squelette original unique peint à l'aérographe avec des roses, HPM, du célèbre groupe Grateful Dead.

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« Je t'aimerai jusqu'à la fin », édition limitée ornée à la main, peinture en aérosol, acrylique, pochoir, techniques mixtes sur panneau de bois encadré, par Denial Graffiti Street Artist, art pop moderne. Édition limitée signée HPM 5 de 2015, œuvre d'art embellie à la main, format 24x36, encadrée en bois, prête à être accrochée. Je t'aimerai jusqu'à la fin par Denial : Innocence et Apocalypse dans l'art urbain pop et le graffiti « I Will Love You Until The End » est une œuvre d'art en édition limitée de 2015, rehaussée à la main, réalisée par l'artiste canadien pop et graffiti Denial. Chaque exemplaire de cette édition de cinq est unique et créé à l'aide de peinture aérosol, de pochoirs, d'acrylique et de techniques mixtes superposées sur un panneau de bois entoilé de 61 x 91 cm. Signée et prête à être accrochée, cette peinture grand format allie une sincérité émotionnelle à une critique acerbe de l'instabilité mondiale et du chaos moderne. Elle constitue une contradiction visuelle où l'imagerie romantique se heurte au langage de la guerre, confirmant ainsi l'approche singulière de Denial en matière de street art, de pop art et de graffiti : à la fois émotionnellement provocatrice et conceptuellement subversive. Éléments visuels contrastés et dualité émotionnelle L'œuvre est centrée sur la silhouette d'un jeune garçon et d'une jeune fille face à face, figés dans un tendre moment d'affection. Le garçon dissimule un bouquet de fleurs derrière son dos, symbole d'un amour innocent et de la vulnérabilité de l'enfance. Derrière eux, cependant, explose un immense champignon atomique, rendu en contraste saisissant par des nuances vibrantes de rouge, de jaune et d'orange. Ce décor apocalyptique brise la sérénité du premier plan, suggérant que même les moments d'amour les plus purs ne sont pas à l'abri des conséquences violentes des décisions humaines. Le geste généreux du garçon et l'attention attentive de la fille deviennent des métaphores de l'espoir fragile au milieu de la destruction, soulignant la persistance de l'amour à l'ombre d'une catastrophe imminente. Matériaux, texture et procédé de peinture à la main Chaque œuvre est créée sur panneau de bois, ce qui lui confère une présence brute et tangible, en accord avec l'esprit du street art. Le travail artisanal de cette édition garantit que chaque panneau est unique, grâce à une superposition de pochoirs, de peinture aérosol expressive et d'imperfections voulues. L'utilisation de l'espace négatif dans les silhouettes contraste avec le fond d'une richesse de détails saisissante, plongeant le regard du spectateur au cœur d'un dialogue visuel entre affection et destruction. La texture du panneau et la superposition des techniques confèrent profondeur et intensité à la tension émotionnelle qui se dégage de l'œuvre. Vision et commentaire culturel du déni Denial, de son vrai nom Daniel Bombardier, est connu pour son utilisation de l'ironie, de la contradiction et d'un symbolisme complexe afin de critiquer les médias, le consumérisme et la passivité politique. Dans « I Will Love You Until The End », son recours aux silhouettes juvéniles n'est pas empreint de nostalgie, mais d'une ironie délibérée. L'innocence de l'enfance devient un symbole d'espoir, menacé par le spectre omniprésent du conflit. L'art de Denial expose souvent l'absurdité des idéologies modernes, et ici, il interroge la capacité de l'amour à perdurer dans un monde en proie aux flammes. Cette œuvre reflète la dualité souvent présente dans le street art et le graffiti : beauté contre chaos, sincérité contre spectacle, et résilience des émotions humaines face aux systèmes de destruction. Par la métaphore visuelle et une esthétique provocatrice, Denial invite le spectateur à considérer non seulement la fragilité de l'affection, mais aussi sa force face à l'oubli.

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Joe Cool Snoopy 1000% Peanuts BE@RBRICK Édition Limitée Figurine Artistique en Vinyle Medicom Toy. 2021 Peanuts Snoopy Joe Cool Bearbrick

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Ty Segall - The Blind Pig 2014 - Affiche de concert en édition limitée - Impression sérigraphique artisanale bicolore sur papier d'art par Jeremy Wheeler pour Ty Segall. Le cochon aveugle

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Figurine de collection Janky 3 Holiday 2021 en vinyle SuperPlastic édition limitée, style street art, inspirée des fêtes de fin d'année. Édition limitée scellée en boîte 2021. Enfin un jouet qui célèbre la liste des vilains ? HOLIDAY JANKY, 9 cm, est un Noël cannibale prêt à semer la pagaille pendant les fêtes ! Avec sa bouteille de lait de poule alcoolisé cassée et sa barbe amovible pour se fondre parmi les oncles ivres, ce petit cadeau est prêt à vous gâter !

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« Meet Me On Cloud Nine », sérigraphie en édition limitée tirée à la main en 15 couleurs sur papier Arches Velin Blanc 300 g/m² par Rhymezlikedimez - Robin Velghe, artiste de street art rare et célèbre du pop art. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Sérigraphie 15 couches, tirage à la main sur papier Arches Vélin Blanc 100 % coton 300 g/m². Ses dimensions uniques (99,7 cm de large sur 31 cm de haut) offrent un format horizontal idéal pour la narration. Cette estampe a été approuvée, signée et numérotée par l'artiste. Imprimée à la main à Anvers, Belgique. Année de sortie : 2022. « J’ai initialement créé ce visuel pour ma première exposition éphémère à Miami. Je voulais montrer à quoi ressemble généralement un de mes rêves. C’est un collage à la Dali, une compilation d’impressions rencontrées au fil de la journée. Dans mon monde onirique, le soleil ne cesse jamais de se coucher. » – Robin Velghe « Meet Me On Cloud Nine » est une sérigraphie de l'artiste talentueux Robin Velghe, alias Rhymezlikedimez. Illustrateur, animateur et graphiste belge, Robin Velghe se distingue par un mélange unique de couleurs vibrantes, de mouvements dynamiques et de détails minutieux. Ses illustrations mettent souvent en scène des personnages aux proportions exagérées et à l'allure fluide, conférant à son travail un attrait visuel singulier. Rhymezlikedimez a collaboré avec diverses marques, musiciens et événements, réalisant illustrations, animations et créations de produits dérivés. Parmi ses collaborations notables, on peut citer celles avec des artistes comme Anderson .Paak, BROCKHAMPTON et Aminé. Son travail lui a permis de se constituer une large communauté sur les réseaux sociaux, où il partage ses illustrations et ses projets d'animation. La sérigraphie « Meet Me On Cloud Nine » présente certaines des caractéristiques propres à son style, telles que des couleurs éclatantes, des éléments fantaisistes et des personnages attachants. Les sérigraphies sont créées à l'aide d'un procédé d'impression au pochoir, ce qui permet à l'artiste de produire des images audacieuses et éclatantes dotées d'une esthétique unique.

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Œuvre d'art murale rouge, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure par l'artiste de graffiti de la culture pop Scott Listfield .

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Catch The Stars - Édition spéciale III, sérigraphie en édition limitée 13 couleurs avec revêtement UV et paillettes sélectives sur carton d'archivage Rising Museum double épaisseur, par Pez Graffiti Street Artist Modern Pop Art. Sérigraphie 13 couleurs signée et numérotée, avec vernis UV et paillettes sélectives, sur papier d'archivage muséal double pli compatible AR. Dimensions : 38,1 x 54,9 cm. Sortie : 20 janvier 2022. Tirage : 50 exemplaires. Déballage de « Catch The Stars - Special Edition III » de Pez La sérigraphie « Catch The Stars - Special Edition III » de Pez est une représentation magistrale de l'incursion de cet artiste de rue dans l'univers complexe de la gravure, incarnant la fusion de la spontanéité du street art et de l'esthétique saisissante du pop art. Sortie le 20 janvier 2022, cette œuvre fait partie d'une édition limitée à 50 exemplaires, chacun signé et numéroté pour garantir son authenticité et sa valeur de collection. La sérigraphie en 13 couleurs se distingue par son vernis UV et ses paillettes sélectives, qui rehaussent la profondeur et le dynamisme de l'œuvre. Plus qu'un simple ensemble d'images colorées, cette œuvre est compatible avec la réalité augmentée (RA), offrant une expérience interactive qui fait le lien entre l'art traditionnel et la technologie numérique. La sérigraphie mesure 38 x 55 cm, une dimension qui permet aux graphismes éclatants et aux personnages exubérants de Pez de se détacher avec force du carton d'archivage double épaisseur Rising Museum sur lequel ils sont imprimés. Le style distinctif de Pez se manifeste dans la superposition complexe de couleurs et de détails, témoignant de sa maîtrise technique et de sa vision créative. L'application d'un vernis UV garantit la pérennité de l'éclat de l'œuvre. Parallèlement, l'ajout de paillettes apporte une dimension ludique et tactile qui invite le spectateur à contempler l'œuvre sous différents angles et perspectives. La vision artistique et l'innovation technique de Pez Dans « Catch The Stars - Special Edition III », la vision artistique de Pez prend vie à travers une explosion de couleurs et de formes. Reconnu pour ses graffitis et son art urbain pop, Pez intègre des éléments immédiatement reconnaissables dans le paysage artistique urbain : des lignes audacieuses, des textes stylisés et des motifs iconiques qui définissent son œuvre. L’utilisation de la réalité augmentée est particulièrement remarquable, positionnant la sérigraphie comme une œuvre novatrice à l’avant-garde de l’art contemporain, permettant aux spectateurs d’interagir avec elle au-delà des limites statiques du support imprimé. Le choix du carton d’archivage Rising Museum comme support pour cette sérigraphie témoigne de l’engagement de Pez envers la qualité et la pérennité. Ce matériau, plébiscité par les musées et les collectionneurs pour ses propriétés de conservation supérieures, garantit la préservation de l’œuvre au fil du temps. Le poids et la texture du carton offrent un support idéal aux couleurs vibrantes et aux applications de paillettes complexes de la sérigraphie, créant ainsi une œuvre aussi durable que visuellement saisissante. La résonance culturelle de la série de sérigraphies de Pez Avec sa troisième édition spéciale, la série « Catch The Stars » de Pez continue de captiver le public par son exploration à la fois ludique et sophistiquée des motifs de la culture pop et du street art. À l'instar des œuvres précédentes, cette sérigraphie célèbre la capacité du genre à transcender les frontières entre les racines subversives du street art et le domaine raffiné des beaux-arts. Le tirage limité de l'œuvre, associé au style unique de Pez, contribue à son attrait et à son statut d'œuvre majeure du mouvement street art pop. « Catch The Stars - Special Edition III » témoigne de l'évolution du parcours de l'artiste dans l'art moderne. Elle reflète une maîtrise des techniques d'impression tout en intégrant les nouvelles technologies pour enrichir l'expérience artistique. En tant qu'édition limitée, elle incarne l'esprit ludique du street art, l'expressivité audacieuse du pop art et le potentiel novateur de la réalité augmentée, ce qui en fait une pièce de choix pour les collectionneurs et une œuvre marquante dans le paysage artistique contemporain en constante évolution.

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Detroit Entities Alpha, peinture originale acrylique et peinture aérosol sur plexiglas par Askew One, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Peinture originale signée de 2013, format 48x48, encadrée sur mesure « C’est lors de ma première visite à Detroit en 2009 que j’ai entamé cette réflexion. Je pense que la métaphore de l’entropie est universelle, mais elle s’applique aussi à Detroit. À Detroit, l’entropie se manifestait par l’expansion humaine et l’industrialisation. Ce travail est cependant optimiste, à l’image de Detroit. Il parle de nouveaux départs. » – ASKEW ONE

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Sérigraphie en édition limitée, imprimée à la main avec de l'encre métallique fraîche en 5 couleurs sur papier d'art de qualité supérieure, par Jeff Boyes, artiste de street art rare et célèbre du pop art. Sérigraphie 5 couleurs avec dorure métallisée, 45,7 x 45,7 cm, numérotée, édition limitée à 50 exemplaires, inspirée du Prince de Bel-Air

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Le Mandalorien - Estampe d'art en édition limitée, réalisée avec des pigments d'archives des années 1960 sur papier d'art par l'artiste Scott Hopko. Édition limitée numérotée de 15 exemplaires, 2022. Format : 18x24.

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Ne soyez pas un MFR AP Artist Proof Silkscreen Print par Shepard Fairey- OBEY Hand-Tired 5 Color on Cream Speckletone Fine Art Paper Limited Edition Artwork Obey Pop Culture Artist. Épreuve d'artiste AP 2015 signée par Shepard Fairey - OBEY et édition limitée numérotée à 550 exemplaires. Format : 18 x 24 pouces. Sérigraphie. Ne soyez pas un connard. Ne soyez pas un enfoiré ! Respect et justice. L'attrait provocateur de « Don't Be a MFR » de Shepard Fairey L'œuvre « Don't Be a MFR AP » de Shepard Fairey est un exemple audacieux de pop art urbain et de graffiti. Fairey, artiste et provocateur américain né le 15 février 1970, repousse sans cesse les limites de l'art et de l'activisme. Cette œuvre, faisant partie d'une série d'épreuves d'artiste (AP) publiée en 2015, illustre parfaitement la démarche de Fairey qui aborde les thèmes culturels et sociétaux à travers son art. La sérigraphie artisanale en cinq couleurs sur papier crème moucheté reflète l'esthétique singulière de Fairey tout en véhiculant un message fort de respect et de justice. Symbolisme et messages dans « Ne soyez pas un MFR » Le titre de l'œuvre, « Don't Be a MFR » (Ne soyez pas un MFR), interpelle par sa censure intentionnelle, une tactique qui ouvre la voie à une large interprétation et suscite la curiosité. Tirée à 550 exemplaires seulement, chaque pièce mesurant 45,7 x 61 cm, l'œuvre de Fairey résonne de la force de l'autorité et de la gravité d'un message d'intérêt public. L'estampe est ornée des mots « Respect & Justice » (Respect et Justice), un appel à l'action direct, central dans une grande partie de l'œuvre de Fairey. Ce dernier utilise des symboles comme le crâne enveloppé d'une fleur, une dualité qui évoque la juxtaposition de la vie et de la mort, de la croissance et du déclin, renforçant ainsi le message des conséquences de nos actes. La conception générale rappelle les emblèmes et les sceaux, souvent associés à l'autorité et aux institutions, que Fairey détourne pour délivrer son commentaire socio-politique. Le choix de graphismes audacieux et anguleux, combiné à la rondeur du sceau emblématique, illustre la tension entre perturbation et ordre, un thème récurrent du pop art urbain. Impact sur le Street Pop Art et le discours culturel La série « Don't Be a MFR » illustre le potentiel du street art comme vecteur de réflexion et de critique sociale. L'utilisation d'un langage populaire et l'interpellation directe du spectateur témoignent de l'engagement de Fairey à rendre l'art accessible et à interpeller. Chaque estampe de la série, signée par Fairey, atteste de sa conviction que l'art ne doit pas fuir la controverse, mais au contraire la confronter et la remettre en question. Cette œuvre, en particulier, enrichit la riche tradition du graffiti, art qui, historiquement, a servi à communiquer des messages à un large public, souvent en contournant les médias traditionnels et les institutions. L'œuvre de Fairey est une manifestation contemporaine de cette tradition, utilisant l'espace urbain pour susciter une introspection collective sur les questions de respect et de justice. L'œuvre n'est pas seulement un spectacle visuel, mais aussi un catalyseur de dialogue et, idéalement, d'action. Shepard Fairey et la continuité de l'activisme artistique L'œuvre « Don't Be a MFR » de Shepard Fairey s'inscrit dans la continuité de l'héritage artistique et militant de l'artiste. Résidant à Los Angeles, en Californie, Fairey demeure une figure influente, puisant dans la vitalité du pop art urbain pour exprimer son désaccord et mobiliser l'opinion publique. Son travail repose sur la conviction que l'art est un puissant vecteur de changement, capable d'inciter chacun à porter un regard critique sur le monde qui l'entoure. Cette sérigraphie arbore le logo OBEY, élément essentiel de l'identité visuelle de Fairey, qui se veut à la fois un appel et une critique des tendances autoritaires. L'attrait de l'œuvre réside dans sa capacité à être à la fois incisive et réflexive, poussant le spectateur à s'interroger sur son rôle dans le maintien ou la remise en cause de la justice sociale. L'engagement de Fairey à l'intersection de l'art et des enjeux de société conforte sa position d'artiste et d'acteur culturel majeur de notre époque.

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Pharma - White Deck Édition Limitée Sérigraphiée, illustration de planche de skateboard par Siplean, artiste de la culture pop urbaine. Planche de skateboard Pharma Art en édition limitée 2021 par Siplean

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Sérigraphie Fragile Cargo AP de Shepard Fairey - OBEY Artist Proof - Sérigraphie tirée à la main sur papier d'art - Édition limitée - Œuvre d'art pop street art. Épreuve d'artiste AP 2022 Signée et marquée AP Tirage original en édition limitée Œuvre d'art Format 18x24 Sérigraphie d'un éléphant et d'un visage de femme avec une influence de billet d'avion vintage stylisé. « Cette affiche OBEY Fragile Cargo est une fusion de plusieurs inspirations. L'éléphant et ma femme Amanda en méditation font référence à la philosophie bouddhiste selon laquelle l'être humain fait partie intégrante de la nature, et non l'inverse, et doit vivre en harmonie avec elle. L'expression « Rise Above » évoque la transcendance, mais est aussi le titre d'une de mes chansons préférées de Black Flag. Les éléments graphiques rappellent également l'esthétique des étiquettes et des billets de voyage, qui présentent une dichotomie : voyager est formidable pour élargir ses horizons culturels, mais a un impact carbone considérable. Le karma nous invite à considérer les conséquences de nos actes. Toutes mes impressions sont réalisées sur du papier recyclé ou issu de sources durables. Une partie des bénéfices de cette affiche sera reversée à Greenpeace pour soutenir son action en faveur de la protection de l'environnement et de la lutte contre le changement climatique. » – Shepard Fairey. Plongeant au cœur du pop art et du street art, la sérigraphie « Fragile Cargo AP » du célèbre artiste Shepard Fairey témoigne de la confluence dynamique de l'art, de la philosophie et de la conscience environnementale. Tirée et réalisée à la main avec une méticulosité extrême sur papier d'art, cette épreuve d'artiste en édition limitée de 2022 révèle une fusion complexe de sources d'inspiration. La composition, avec ses images saisissantes d'un éléphant juxtaposées au visage serein d'Amanda, l'épouse de Fairey, puise largement dans la philosophie bouddhiste. L'œuvre souligne l'interdépendance de l'humanité et de la nature, insistant sur la conviction que les humains ne dominent pas la nature, mais en font intrinsèquement partie. Ce subtil mélange d'expression artistique et de réflexions philosophiques est une marque de fabrique du travail de Fairey. L'expression « Rise Above », inscrite dans l'œuvre, revêt une double signification. Tout en symbolisant la transcendance et en s'inscrivant dans la réflexion philosophique plus large qui sous-tend l'estampe, cette œuvre rend également hommage à l'une des chansons préférées de Fairey, interprétée par Black Flag, groupe emblématique du punk rock américain. Parallèlement, les éléments graphiques, évoquant les étiquettes de voyage et les billets d'avion vintage, invitent à une réflexion sur la complexité des voyages modernes. L'attrait du voyage, source d'enrichissement culturel, est mis en balance avec son impact environnemental, notamment l'empreinte carbone qui y est associée. Fidèle à cette conscience écologique, Fairey veille à ce que toutes ses estampes soient produites sur du papier recyclé ou issu de sources durables. De plus, une partie des recettes de la vente de « Fragile Cargo AP » est reversée à Greenpeace, soulignant ainsi l'engagement de Fairey en faveur de la protection de l'environnement et de la lutte contre les graves défis du changement climatique. À travers cette œuvre, Shepard Fairey tisse une tapisserie complexe de splendeur visuelle, de profondeur philosophique et d'engagement environnemental, réaffirmant son statut de figure emblématique du pop art et du street art.

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Œuvre originale et unique de Minsky, technique mixte, peinte à la main à la bombe 7 couleurs et au pochoir sur papier beaux-arts par le célèbre artiste pop Jeff Gillette. Peinture originale signée de 2018, format 8,5 x 11 pouces Jeff Gillette (né en 1959) Minsky, 2018 Technique mixte sur papier 27,9 x 21,6 cm (feuille) Signé et titré en bas

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Possédez votre pouvoir. Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier beaux-arts 330 g/m² par Indie184, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée 2021, signée et numérotée à 15 exemplaires. Format de l'œuvre : 13 x 17 pouces. Ces deux œuvres ont été créées à l'origine pour ma première exposition solo, « Go Hard », à Los Angeles. Le titre et le thème de l'exposition sont nés d'une révélation et d'une devise qui me guide au quotidien. Dans ma vie, j'ai plusieurs rôles et, au final, personne ne me dira comment faire. Ma réussite dépend entièrement de ma détermination. Je suis mon propre artiste. Chaque œuvre est un univers de déclarations personnelles ; un rappel constant de ma force intérieure. En résumé, mon travail est imprégné d'auto-motivation, de dépassement de mes peurs et d'une indéniable touche de féminisme. J'ai choisi ces icônes féminines non seulement pour leur beauté saisissante, mais aussi pour leur parcours : comment elles sont arrivées, ont conquis le monde et l'ont marqué. « Don't Get It Twisted » avec Maria Montes, la reine du Technicolor, et « Own Your Power » avec Marquita Rivera, la reine des rythmes latins. J'admire ces filles de province qui ont poursuivi leurs rêves, brisé les barrières et marqué l'histoire. Elle a atteint un statut légendaire mondial, en voyant les choses en grand. J'aime cette touche féminine badass dans les pièces. - Indie

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Rainbo Motel, tirages d'art en édition limitée à base de pigments d'archivage sur papier d'art Hahnemühle William Turner 310 g/m², par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Robert Mars. Tirage pigmentaire d'archives Rainbo Motel sur papier Hahnemühle William Turner Matte Fine Art, 310 g/m² • Vernis à la main • 61 x 61 cm • Signé et numéroté à la main par l'artiste Robert Mars

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« Ennemi de la nature », estampe giclée en édition limitée sur papier chiffon de coton velours, par Skinner, artiste de rue de la contre-culture. Skinner est un artiste autodidacte installé à Oakland, en Californie, qui a su créer un équilibre subtil entre des fresques murales exceptionnelles, des installations étranges et provocatrices, et une carrière commerciale florissante. Influencé par la culture pop des années 80, la lutte humaine, les mythes et la violence, les jeux de rôle et les légendes du heavy metal, l'univers de Skinner est un chaos psychosocial savamment orchestré.

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Achetez Endless Power Petrol Palace - Sérigraphie bleue 4 couleurs tirée à la main en édition limitée sur papier crème Speckle Tone par Shepard Fairey Rare Street Art OBEY Pop Artwork Artist. Endless Power Petrol Palace (Bleu) 18 x 24 pouces Edition de 350 13 juin 2019 "L'affiche "Endless Power Petrol Palace" est à la fois une célébration et une critique de la propagande graphique séduisante utilisée pour l'industrie pétrolière. J'ai conçu cette impression pour qu'elle ressemble à une publicité vintage célébrant l'abondance de l'Amérique et l'avenir radieux du rêve américain. Bien que le pétrole soit limité, notre dépendance à son égard est si extrême que le pouvoir exercé par ceux qui contrôlent le pétrole est pratiquement illimité." -Shepard Fairey

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« La moustache de Dali » - Estampe rehaussée sur panneau de bois HPM encadrée et prête à accrocher, par Jeff Soto, artiste de rue et de graffiti, art pop moderne. 25,4 x 38,1 cm (10 x 15 po). Impression d'art sur bois de bouleau durable de 19 mm (3/4 po), finition blanc éclatant. Signée et numérotée à la main, chaque exemplaire est rehaussé à la main par Jeff Soto. Édition exclusive DesignerCon 2017.

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Crystal Cranium 9-Color Hand-Pull Limited Edition Silkscreen Print on Citrine 290gsm Colorplan Fine Art Paper by Sheefy McFly- Tashif Turner Rare Street Art Famous Pop Artwork Artist. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2021. Format de l'œuvre : 18 x 24 pouces. Sérigraphie signée en 9 couleurs sur papier d'art Colorplan Citrine 290 g/m² ; format : 45,7 x 61 cm ; sortie : 6 août 2021 ; tirage : 100 exemplaires

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Aki Sharks #3 Dessin original au marqueur sur toile par Akinori Oishi, artiste de street art contemporain très en vogue. Dessin original signé au marqueur sur toile non tendue, 2014. Dimensions : 11 x 13,25 pouces. Printed Oceans est le programme d'estampes d'art de la Fondation PangeaSeed. Il sensibilise le public aux enjeux environnementaux marins les plus urgents grâce au regard créatif d'artistes parmi les plus reconnus d'aujourd'hui. Depuis 2012, nous avons publié plus de 100 éditions originales d'estampes d'art mettant en lumière des espèces marines menacées et des habitats océaniques. Ces magnifiques éditions contribuent à diffuser des récits importants sur la conservation dans les foyers et les espaces de travail du monde entier, suscitant un dialogue essentiel et inspirant des actions concrètes. En acquérant ces œuvres d'art en édition limitée, réalisées artisanalement avec soin, vous soutenez non seulement le travail novateur de la Fondation PangeaSeed dans les communautés du monde entier, mais vous contribuez également aux moyens de subsistance de nos artistes engagés. Ensemble, par l'art et l'activisme, nous pouvons sauver nos océans.

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Achetez BEARBRICK BE @ RBRICK Édition limitée Medicom Vinyl Artwork Toy Figurine d'art à collectionner. 2022 Bearbrick Medicom Collectible Taille 400% ICI

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Cat Watcher Followed, édition limitée, sérigraphie artisanale 6 couleurs sur papier beaux-arts, par Tim Doyle, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Cette estampe, signée et numérotée par l'artiste, fait partie d'une édition de 150 exemplaires. Ses dimensions sont de 18 x 24 pouces.

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Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée « Terminal Velocity » sur papier d'art blanc brillant de qualité musée 300 g/m² par Dave Kinsey, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Cette œuvre m'est venue à l'esprit un jour où j'ai vu l'image d'un homme en costume tombant du ciel – une image à la fois étrange et poignante, reflet de l'état actuel du monde. J'ai alors travaillé à concrétiser le récit et ce que je voyais. Créer, c'est un peu comme écrire un livre, et si un public apprécie mon travail, c'est une source d'inspiration. J'aimerais que les gens perçoivent mon message et laissent ces idées se construire en contemplant l'œuvre. Mais au final… »

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Knockout 17 Édition Limitée 1 Couleur Sérigraphie Manipulée à la Main Acrylique, Peinture en Aérosol & Collage sur Papier 250 g/m² par Greg Gossel Artiste de Rue Graffiti Art Pop Moderne. Édition limitée HPM signée et numérotée de 2015 (18 exemplaires). Œuvre d'art ornée, format 18 x 22 pouces « La série Knockout! est en quelque sorte le pendant de ma série Superficial! sortie l'année dernière. Elle représente l'autre face de la médaille du personnage agressif et bagarreur de l'édition précédente, que je perçois comme une métaphore des hauts et des bas de la vie quotidienne. Quant au processus créatif lui-même, cette série est l'une de mes créations les plus complexes. Chaque pièce a été réalisée à partir d'une couche de pages de bandes dessinées vintage collées, créant ainsi une texture de base unique. Les pièces ont ensuite été poncées, effilées à la main, puis recouvertes de diverses couches sérigraphiées, de lavis acryliques et de textures peintes à la bombe, conférant à la série une surface très riche et complexe. Ce processus laborieux imite la superposition et la dégradation des anciennes enseignes et publicités de rue, et rend chaque estampe de la série totalement unique. » - Greg Gossel

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Souvenez-vous de l'époque où nous jouions ! Œuvre d'art en édition limitée, impression giclée sur papier d'art de l'artiste de graffiti de la culture pop Christine Wu.

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Factory Stacks - Earth First - Sérigraphie en édition limitée 6 couleurs tirée à la main sur papier d'art Speckletone fin par Shepard Fairey - Œuvre d'art de rue rare OBEY Pop Artwork Artiste. 2022. Signée par Shepard Fairey. Numérotée. 45,7 x 61 cm. Sérigraphie sur papier Speckletone épais couleur crème. Édition numérotée de 350 exemplaires. Ces images de « Cheminées d'usine » allient la puissance austère et angulaire de l'architecture industrielle à des éléments graphiques qui interrogent ce que nous promouvons et acceptons en tant que société, même lorsque cela est destructeur. Les industries des énergies fossiles disposent d'un pouvoir économique considérable, mais nous savons désormais que non seulement ces ressources sont limitées, mais que leur utilisation est catastrophique pour le climat et, par conséquent, pour les écosystèmes qui soutiennent la vie sur notre planète. Malheureusement, en raison du pouvoir politique de ces industries et de l'apathie du public face au changement climatique, les gouvernements subventionnent les industries des énergies fossiles à hauteur de milliards, alors même qu'elles nuisent à l'environnement. Le gouvernement est au service des citoyens ; le choix nous appartient donc. Soutenons-nous le pouvoir illimité des riches multinationales des énergies fossiles ? Ou des politiques qui placent la Terre et la planète au-dessus des profits ? Je vous invite à lire « Tout peut changer » de Naomi Klein pour mieux comprendre le conflit entre les intérêts économiques et le changement climatique. Une partie des recettes de la vente de cette estampe sera reversée à Greenpeace pour lutter contre le changement climatique. Merci de votre soutien. – Shepard Factory Stacks – Earth First Sérigraphie de Shepard Fairey Factory Stacks – Earth First est une sérigraphie artisanale en six couleurs, créée en 2022 par le célèbre artiste américain Shepard Fairey. Mesurant 45,7 x 61 cm et imprimée sur un papier d'art épais Speckletone couleur crème, cette édition limitée, signée et numérotée à 350 exemplaires, fusionne l'énergie politique du graffiti avec la précision et la maîtrise de la sérigraphie moderne. Cette œuvre s'inscrit dans la démarche artistique engagée de Fairey pour l'activisme environnemental et contribue au débat plus large sur le rôle de l'industrie, du pouvoir et de la responsabilité publique dans les politiques climatiques. La puissance industrielle comme métaphore graphique L'estampe représente une usine aux deux cheminées d'où s'échappent d'épaisses volutes de fumée, sur un fond fragmenté et stylisé rouge, jaune et bleu – couleurs associées à l'urgence, au feu et à l'avertissement. Le bâtiment, imposant, est rendu par des lignes vectorielles nettes et des formes à fort contraste, tandis que des éléments géométriques et des motifs culturels, tels que des symboles monétaires, des flammes et des symboles architecturaux, flottent en arrière-plan. Le contraste visuel saisissant entre la rigidité des structures industrielles et le chaos organique de la fumée et du feu souligne l'affrontement entre progrès mécanisé et fragilité écologique. Cette image critique la dépendance mondiale aux énergies fossiles et la priorité accordée au profit au détriment de la durabilité environnementale. Shepard Fairey est connu pour intégrer du sens à des visuels rigoureusement structurés ; ici, il utilise la dimension monumentale des cheminées comme métaphore des systèmes de pouvoir profondément enracinés. L'arrière-plan de l'estampe comprend des références à la monnaie et à des textures de propagande, accentuant ainsi la complicité de l'économie institutionnelle dans la destruction de l'environnement. La sérigraphie comme artisanat politique La maîtrise technique de Fairey en sérigraphie artisanale transparaît dans la netteté du trait, la palette audacieuse et l'équilibre entre textures et aplats de couleur. Le papier moucheté de l'œuvre accentue son aspect artisanal, lui conférant la présence d'une affiche de protestation tout en conservant le raffinement d'une œuvre de street art de collection. Le procédé à six couleurs permet une superposition vibrante et un jeu subtil de lumière et de formes, la palette rouge et noire insufflant un sentiment d'urgence et de confrontation. En combinant le langage visuel du design commercial aux méthodes des beaux-arts, Fairey perpétue son engagement en créant des œuvres politiquement engagées, accessibles, reproductibles et ancrées dans l'activisme visuel. Cette pièce s'inscrit dans l'esthétique plus large de son projet OBEY, qui puise dans le punk, le graffiti et la propagande socialiste pour susciter le débat public. L'art comme déclaration environnementale Factory Stacks – Earth First n'est pas qu'une simple œuvre visuelle ; c'est un outil militant concret. Une partie des bénéfices de cette édition a été reversée à Greenpeace, soutenant ainsi des campagnes mondiales de lutte contre le changement climatique. Fairey invite les spectateurs à réfléchir à l'inertie systémique, à la cupidité des entreprises et à l'incapacité des gouvernements à abandonner les pratiques destructrices pour l'environnement. Sa recommandation du livre de Naomi Klein, « Tout peut changer », apporte un fondement intellectuel supplémentaire au message de l'estampe, inscrivant l'œuvre dans la lignée des réflexions contemporaines sur la justice environnementale. Cette sérigraphie illustre la puissance du street art et du graffiti, à la fois comme forme de protestation et comme appel à l'action. En fusionnant esthétique et militantisme, Shepard Fairey transforme l'imagerie industrielle en une revendication de responsabilité écologique et humaine.

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Papier buvard Noche, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Pez, œuvre d'art inspirée de la culture pop et du LSD. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey et peuvent légèrement différer de l'exemple présenté.

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« The Devil Likes Lo/Fi Low Fidelity Music Bear Vinyl Art Toy » de Luke Chueh, sculpture de collection en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de rue graffiti pop. Édition limitée 2024 à 300 exemplaires. Œuvre d'art de taille 4x7. Neuve en boîte. Figurine en vinyle estampé représentant un ours diabolique portant un sweat à capuche et un casque audio. « The Devil Likes Lo/Fi » de Luke Chueh : une méditation sur l'ambiance dans l'art urbain pop et le graffiti. « The Devil Likes Lo/Fi » est une figurine en vinyle en édition limitée de 2024, créée par l'artiste Luke Chueh et éditée à 300 exemplaires. Mesurant 18 cm de haut et 10 cm de large, elle représente l'emblématique ours de Chueh, réinterprété dans un rouge flamboyant. Il porte un sweat à capuche noir orné d'un chien diabolique et du mot « Possessed », ainsi qu'un casque audio surdimensionné. Cette sculpture est présentée dans un coffret sur mesure qui reprend la silhouette sombre et la posture posée de la figurine. Les mains enfouies dans les poches de son sweat, le regard intense et introspectif, la figurine puise son inspiration dans l'atmosphère émotionnelle de la culture lo-fi tout en s'inscrivant dans le cadre visuel et philosophique du street art et du graffiti. Design, posture et attitude de l'ours diable de Chueh Le personnage de « The Devil Likes Lo/Fi » est calme mais empreint d'une profonde émotion, saisi dans un moment d'isolement étrangement familier. Le corps en vinyle rouge de l'ours symbolise la tentation, la rébellion et le malaise, adoucis par la coupe décontractée du sweat à capuche et le symbole universel de l'espace personnel : un casque audio. Le mélange de vêtements décontractés et d'un design épuré fait écho aux thèmes de la déconnexion et du repli sur soi. Le simple contraste noir sur rouge et la sculpture minimaliste soulignent l'attachement de Chueh à la clarté émotionnelle plutôt qu'à la complexité. Cette figurine n'est pas une histoire, elle est une présence. Elle irradie le sentiment d'être seul sans être perdu, replié sur soi mais toujours en harmonie avec le rythme discret de la musique lo-fi et de ses pensées. En ce sens, le jouet incarne l'expression du monde intérieur qui définit le Street Pop Art et le Graffiti, utilisant l'iconographie et la stylisation pour communiquer des vérités émotionnelles profondes. L'univers en expansion des objets émotionnels de Luke Chueh Luke Chueh, artiste basé à Los Angeles, demeure l'une des figures les plus marquantes de la culture des jouets design contemporains et du street art pop et graffiti. Son talent pour condenser des expériences émotionnelles complexes en personnages d'une simplicité trompeuse l'a consacré comme un conteur visuel et un sculpteur du silence. « The Devil Likes Lo/Fi » s'inscrit dans la continuité de son exploration des émotions, de la perception et de l'esthétique du retrait. Avec des détails subtils et une prédominance de la posture sur l'expression, cette œuvre rejoint la longue lignée des ours et des diables utilisés par Chueh pour extérioriser son intériorité. Son travail transforme les figures pop en références culturelles propices à la réflexion psychologique, et avec cette édition, il fait dialoguer la culture audio contemporaine avec son langage visuel empreint de mélancolie et de solitude. Collectionnabilité et résonance conceptuelle dans la forme du pop art urbain Édition limitée à 300 exemplaires, « The Devil Likes Lo/Fi » est à la fois une pièce de collection et une réflexion sculpturale sur les états émotionnels contemporains. L'immobilité de la sculpture, le motif du casque audio et le choix des couleurs renforcent son message d'espace personnel, de rythme lo-fi et de rébellion silencieuse. Emballée avec précision et conceptuellement imprégnée du langage visuel de Chueh, cette œuvre se distingue comme une méditation sur la présence sans performance. Sa petite taille amplifie son message, incarnant l'idée que l'expression profonde passe souvent non par la force, mais par une subtilité maîtrisée et travaillée. Dans le contexte plus large du Street Pop Art et du Graffiti, cette sculpture est une véritable playlist d'émotions – rendue en vinyle, enveloppée de symbolisme, et attendant d'être comprise dans le silence.

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Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

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Carreau Colombe Géométrique - Série Black Dream Editions, édition limitée, impression d'art pigmentaire d'archives sur carreau avec base en liège, par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Shepard Fairey. Colombe géométrique (noire) Shepard Fairey Édition limitée à 225 exemplaires + 25 épreuves d'artiste Impression numérique sur carreau. Carreau avec base en liège Signature et numérotation laser 15 × 15 cm 5,9 × 5,9 po 2021 « La série Dream Editions invite les artistes à puiser au plus profond de leur imagination pour créer des œuvres dont ils ont toujours rêvé, mais qu'ils n'avaient jamais eu l'occasion de réaliser jusqu'à présent. Cette initiative novatrice et révolutionnaire repousse les limites de leur créativité, témoignant du savoir-faire acquis par ce secteur. Au fil des ans, Underdogs a développé d'innombrables éditions limitées et pièces uniques, explorant une grande variété de supports, de formes, de matériaux et de procédés. » - Underdogs

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Pochoir sérigraphié sur bois « Get A Job HPM » de Shepard Fairey - OBEY - Panneaux multiples peints à la main, prêt à accrocher - Artiste de rue - Graffiti moderne - Pop Art. Édition 2012 signée et numérotée à 6 exemplaires. Sérigraphie au pochoir HPM, format 18 x 24 pouces sur panneau de bois. Encadrée sans verre. Dimensions de l'encadrement : 25 x 19 pouces. Shepard Fairey Get A Job HPM Sérigraphie Pochoir sur Bois 2012 L'œuvre « Get A Job » (2012), une multiple peinte à la main par Shepard Fairey, l'artiste américain à l'origine du label OBEY, est une fusion saisissante de sérigraphie au pochoir et de détails appliqués à la main sur un panneau de bois. Mesurant 45,7 x 61 cm, cette pièce fait partie d'une édition extrêmement limitée à seulement six exemplaires, chacun signé et numéroté par l'artiste. Reconnu pour son imagerie engagée et politiquement explicite, Fairey utilise le langage visuel des affiches de propagande pour livrer un commentaire incisif sur le travail, l'autorité et les attentes de la société, ici réinterprété à travers le prisme du street art et du graffiti. Composition inspirée par la propagande La figure centrale de l'œuvre pointe droit devant elle, évoquant les affiches de recrutement emblématiques, mais le message est ici détourné de manière satirique pour devenir : « Je veux que vous trouviez un emploi. » Ce double sens imite et critique le ton autoritaire de la propagande historique, attirant l'attention sur la marchandisation du travail et les pressions liées à la productivité. La composition est baignée de rayons dorés sur un fond rouge dominant, tandis que deux ouvriers robustes en uniforme encadrent la scène, renforçant l'esthétique militaire et accentuant son impact visuel. Technique et matérialité Cette œuvre n'est pas une estampe classique, mais un multiple peint à la main. Chaque panneau est donc travaillé individuellement par l'artiste, ce qui engendre de subtiles variations au sein de l'édition. Le support en bois apporte chaleur, texture et durabilité, contrastant avec la netteté de la sérigraphie. La superposition de peinture et de pochoirs par Fairey crée profondeur et complexité, avec des zones volontairement usées et imparfaites qui renforcent l'authenticité de l'œuvre, typique du street art. L'absence de verre dans l'encadrement invite à un examen plus attentif de la texture et des qualités tactiles du grain du bois sous la peinture. Commentaire culturel de Shepard Fairey Né en 1970 à Charleston, en Caroline du Sud, Shepard Fairey s'est fait connaître grâce à sa campagne d'autocollants OBEY, issue du milieu du skateboard, avant de devenir une figure centrale du street art politique contemporain. Ses œuvres remettent fréquemment en question les structures de pouvoir, l'influence des médias et la société de consommation. Dans « Get A Job », Fairey utilise l'esthétique du réalisme socialiste et de la propagande de guerre pour livrer une critique nuancée des dynamiques du travail moderne, tout en conservant le style graphique audacieux qui a fait sa renommée internationale. Par son tirage limité, sa technique mixte et son message engagé, cette œuvre illustre avec force la capacité de Fairey à fusionner la séduction visuelle et la provocation politique dans le domaine du street art et du graffiti.

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Super Matter Figure No 24 Œuvre d'art Giclée en édition limitée sur papier d'art par l'artiste de graffiti de la culture pop ASVP. Nouvelle estampe en édition limitée, inspirée de notre série SUPER MATTER. Estampée, signée et numérotée au crayon au recto. Année : 2021. Tirage : 100 exemplaires. Dimensions : 45,7 cm x 61 cm. Technique : Impression jet d’encre Ultrachrome. Papier : Epson Legacy Etching, 300 g/m², 100 % coton.

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Achetez Tour de Finch sérigraphie 3 couleurs tirée à la main sur papier Fine Art par l'artiste souhaitable Nate Duval édition limitée Pop Art Artwork. 2014 Signé Edition Limitée Oeuvre Taille 10x8

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Panneaux routiers - Big Boy, édition limitée, sérigraphie embellie à la main sur papier épais par Risk, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Sérigraphie rehaussée à la main sur papier épais - 45,7 x 58,4 cm - Date de création : 2018 - Reprenant le décor désormais emblématique de Risk : plaque d’immatriculation, panneau routier et Bob’s Big Boy. Chaque estampe est rehaussée à la main par l’artiste.

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Vous ne perdrez pas. Édition limitée. Sérigraphie artisanale en 4 couleurs sur papier beaux-arts par Jon Smith, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 200 exemplaires, signée et numérotée, 2012. Format de l'œuvre : 12 x 18 pouces. Vous allez perdre, sérigraphie de Jon Smith L'estampe sérigraphique « You Vil Lose » de Jon Smith est une fusion dynamique de street art et de graffiti, mêlant nostalgie, satire et audace artistique. Sortie en 2012 en édition limitée numérotée et signée à 200 exemplaires, cette sérigraphie artisanale de 30 x 45 cm incarne une esthétique rétro inspirée du jeu vidéo, avec une forte dimension culturelle et politique. Réalisée en quatre couleurs sur papier beaux-arts, elle puise son inspiration dans l'esthétique des jeux vidéo 8 bits classiques, tout en y insufflant un commentaire moderne grâce à une composition et un design exacerbés. L'impact visuel et la nostalgie du jeu vidéo L'œuvre frappe immédiatement par son style pixelisé audacieux, rappelant les jeux vidéo des années 80. La composition fait écho à l'esthétique de Punch-Out!!, jeu de boxe emblématique qui a marqué toute une génération de joueurs. L'image représente une silhouette imposante et victorieuse, vêtue d'un short de boxe rouge, dominant avec assurance un adversaire vaincu, arborant une tenue aux couleurs du drapeau américain. L'arbitre, dessiné dans un style 8 bits caricatural, se tient à leurs côtés, renforçant l'authenticité de l'esthétique vidéoludique. L'utilisation de la sérigraphie par Smith accentue la vivacité et la netteté de chaque couleur, renforçant la nostalgie du rétrogaming. La palette restreinte garantit un rendu net et contrasté, faisant ressortir les personnages sur le fond. Les proportions exagérées du boxeur victorieux intensifient la scène, soulignant la dynamique de puissance et la tension dramatique. La posture expressive du combattant vaincu et les éclaboussures de sang dramatisent davantage l'instant, capturant l'énergie brute des K.O. dans les jeux vidéo. Commentaire culturel et symbolisme Sous son apparence ludique et pixélisée, You Vil Lose recèle un récit culturel plus profond. Les thèmes visuels, notamment les choix de couleurs et le design des personnages, évoquent les rivalités de la Guerre froide entre les États-Unis et l'Union soviétique. La figure du vainqueur ressemble étrangement aux méchants archétypaux de la boxe d'Europe de l'Est, omniprésents dans la culture populaire, rappelant immédiatement des personnages comme Ivan Drago de Rocky IV. Le short aux couleurs du drapeau américain du boxeur vaincu renforce la tension compétitive entre idéologies opposées, un thème souvent exploré dans le sport et la culture populaire. En présentant ces images sous forme de jeu vidéo pixélisé, Smith mêle habilement nostalgie numérique et thèmes historiques et politiques, rendant l'œuvre à la fois divertissante et stimulante. Le titre You Vil Lose renforce l'image caricaturale du méchant, jouant sur les stéréotypes de la Guerre froide fréquemment utilisés dans les médias occidentaux. L'influence du pop art urbain et du graffiti L'approche de Jon Smith pour « You Vil Lose » s'inscrit parfaitement dans l'esprit du street art et du graffiti. Sa capacité à réinterpréter la culture numérique à travers la sérigraphie illustre la convergence entre la culture du jeu vidéo et l'art contemporain. La fusion d'une esthétique vidéoludique reconnaissable et d'un commentaire social incisif fait de cette œuvre un exemple remarquable et percutant de pop art moderne. Le travail de Smith est largement reconnu pour son talent à fusionner culture populaire et narration visuelle, et « You Vil Lose » témoigne de son style unique. En puisant son inspiration dans les jeux vidéo classiques, il capte la mémoire collective de toute une génération tout en proposant une réinterprétation stylisée et originale. Cette estampe est précieuse non seulement pour les fans de jeux vidéo rétro, mais aussi pour les collectionneurs sensibles à la rencontre entre nostalgie, satire et savoir-faire artistique.

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The Spinner, édition limitée, sérigraphie artisanale en 4 couleurs sur papier beaux-arts, par l'artiste pop Robert Wilson IV. Édition limitée à 75 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Dimensions de l'œuvre : 18 x 24 pouces. « The Spinner », sérigraphie artisanale de 18×24 pouces, signée et numérotée dans une édition de 75 exemplaires.

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Rebuild Pop Street Artwork, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure par un artiste de graffiti urbain moderne (droits d'auteur). 2022. Signée. 23,62 x 23,62 cm. Édition limitée à 50 exemplaires. « Rebuild » est une œuvre d'art initialement conçue comme une fresque peinte à Bristol, ville natale de l'artiste. Elle présente un motif graphique de mur de briques, associé à un visage féminin imposant, entouré de motifs symboliques qui incarnent le titre de l'œuvre. « Rebuild » est finie à la main à la feuille d'argent et possède des bords frangés. Tirée d'une édition limitée à 50 exemplaires, cette pièce est signée et numérotée par l'artiste.

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Blackbook - Une conscience réaliste construit une œuvre d'art pop street, impression giclée en édition limitée sur papier beaux-arts par l'artiste moderne de graffiti urbain DocTC5. Édition limitée signée et numérotée de 2019 à 25 exemplaires. Dimensions de l'œuvre : 17 x 14. Petit pli à l'extrême bord inférieur gauche. Blackbook - Une prise de conscience réaliste développée par DocTC5 Blackbook - A Realistic Awareness Builds est une œuvre saisissante de street art et de graffiti signée DocTC5, figure emblématique du graffiti new-yorkais. Cette édition limitée de 2019, imprimée en giclée, capture l'esprit audacieux de la culture blackbook tout en rendant hommage à l'esthétique fondatrice des premiers mouvements graffiti. DocTC5, membre de longue date du collectif historique The Crazy 5 (TC5), met à profit des décennies de maîtrise stylistique dans une composition unique mêlant lettrage wildstyle, illustration figurative et motifs symboliques, dans un format traditionnellement réservé à l'expérimentation sur carnet de croquis. Hommage à l'écriture stylistique et à l'héritage de TC5 Cette œuvre présente la fusion caractéristique de DocTC5 entre lettrage élaboré et design de personnages ludique. Le graffiti central, réalisé dans des nuances superposées de magenta, d'orange brûlé et de jaune, affiche ZAPRC dans un style typique du wildstyle new-yorkais des années 1970 et 1980. Les éléments graphiques environnants sont riches en symbolisme : les initiales TC5, en gras, au-dessus de l'œuvre, font référence à l'un des collectifs de graffiti les plus influents de l'histoire de l'art urbain. En dessous, un personnage féminin en plein plongeon flotte au-dessus d'un cercle blanc et d'une étoile lumineuse bordée de jaune contenant le chiffre 5, un clin d'œil visuel au collectif The Crazy 5. L'acronyme ARAB – A Realistic Awareness Builds – apparaît en écriture manuscrite précise dans le coin inférieur droit, renforçant le message et la vocation de l'œuvre : un appel à l'authenticité, à l'évolution et à la connaissance dans la pratique du graffiti. Impression giclée d'art avec authenticité de rue Réalisée en impression giclée d'art sur papier d'archivage, cette édition allie la qualité muséale de l'impression à l'esthétique brute du street art. Mesurant 43 x 35,5 cm, l'estampe préserve l'aspect d'une page de carnet noir originale tout en offrant une texture visuelle raffinée. Cette édition signée et numérotée à 25 exemplaires porte le sceau en relief de l'artiste dans le coin inférieur droit, attestant de sa provenance et de son intention artistique. Le léger pli visible sur le bord inférieur gauche témoigne non pas d'un dommage, mais de la vie qui caractérise nombre des œuvres les plus précieuses du monde du graffiti : manipulées, partagées, transportées, elles reflètent souvent la texture brute de cette culture. Le graffiti comme message culturel et mémoire collective Le Blackbook de DocTC5 – Une prise de conscience réaliste est bien plus qu'un hommage nostalgique. C'est une transmission de savoir d'un des pionniers du graffiti new-yorkais à un public contemporain, présentée dans un format qui rappelle les précieux carnets noirs personnels des débuts du graffiti. Alliant des palettes de couleurs éclatantes à une complexité structurée et à un flux énergique, il rappelle aux spectateurs que le graffiti est plus qu'un simple acte de vandalisme : c'est un langage codifié, une forme de rébellion et une culture profondément expressive. Avec cette édition, DocTC5 préserve l'héritage des Crazy 5 tout en invitant une nouvelle génération à explorer le sens de l'écriture, de la mémoire et de l'évolution.

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Vingt-et-une sérigraphie en édition limitée, tirée à la main en 12 couleurs, sur papier Coventry Rag 320 g/m² avec revêtement UV, par Sheefy McFly, un artiste rare et célèbre du street art et du pop art. Édition limitée à 150 exemplaires, signée et numérotée, 2021. Sérigraphie 12 couleurs sur papier Coventry Rag 320 g/m² avec vernis UV. Dimensions de l'œuvre : 43,5 x 54 cm. Avec « Twenty, Twenty-One », Sheefy McFly poursuit son exploration de l'énergie vibrante de la rue à travers le pop art, présentant une sérigraphie en édition limitée, vibrante de vie et de couleurs. Cette œuvre, à l'instar de ses contemporaines, utilise une palette de douze couleurs appliquées à la main sur un papier Coventry Rag de 320 g/m² et est sublimée par un vernis UV qui la protège tout en lui conférant une dimension tactile. L'œuvre, aux dimensions imposantes de 43,5 x 54 pouces (110,5 x 137 cm), fait partie d'une édition exclusive de 150 exemplaires signés et numérotés, renforçant ainsi son attrait auprès des collectionneurs et des amateurs de street art et de pop art. Sheefy McFly, reconnu pour son esthétique audacieuse et colorée, crée des images à l'impact immédiat, puisant dans la spontanéité et l'authenticité de la tradition du street art. « Twenty, Twenty-One » ne fait pas exception : véritable symphonie de formes et de couleurs, elle captive le regard et ne peut rester indifférente. La superposition complexe de couleurs et de formes évoque l'effervescence des rues et la nature changeante des espaces urbains, témoignant du talent de l'artiste pour traduire l'énergie cinétique de la ville en formes statiques empreintes de mouvement. Cette estampe est un artefact culturel qui transcende la simple expression artistique ; elle capture un moment précis, l'année 2021, à travers le prisme du langage visuel singulier de McFly. Cette année, marquée par des bouleversements et des changements à l'échelle mondiale, est interprétée et immortalisée par le regard de l'artiste, offrant une perspective qui relève autant du témoignage historique que de la création artistique. La superposition et la juxtaposition des couleurs évoquent une impression de complexité et de profondeur, reflétant la richesse des expériences vécues durant l'année qu'elle représente. Avec « Twenty, Twenty-One », Sheefy McFly confirme son talent en créant une œuvre d'art qui constitue un vibrant témoignage de notre époque. Cette œuvre d'art n'est pas seulement un spectacle visuel vibrant, mais aussi une incarnation de l'essence de 2021, vue à travers le prisme du street art et du pop art, confirmant le statut de McFly comme un artiste important et influent.

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Studio Session 613 #3/8 Édition mixte 8 couleurs Tirage sérigraphique en édition limitée tiré à la main sur papier Arches Fine Art par Tim Oliveira Rare Street Art Artiste célèbre d'œuvres pop. Séance Studio 2016 n° 613, édition limitée à 8 exemplaires, exemplaire n° 5/8. Format : 22 x 30 pouces. Signée et numérotée au crayon, imprimée sur papier beaux-arts Arches 100 % coton BFK Rives, avec deux bords frangés et deux bords naturels.

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Achetez une œuvre d'art de collection VINYLTOY Sculpture en vinyle en édition limitée par Pop Street Artist. 2022 Édition limitée de XXX Taille de l'œuvre XXX Nouveau dans la boîte Estampillé/Imprimé/COA INFO

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Little Big Man - Noir sur rouge - Sérigraphie bicolore tirée à la main sur papier Coventry Rag 290 g/m² - Bords frangés - Œuvre d'art pop limitée de l'artiste Cleon Peterson. Édition limitée à 150 exemplaires, signée et numérotée, 2018. Format de l'œuvre : 18 x 24 pouces. Cleon Peterson (né en 1973) Little Big Man (Noir sur Rouge), 2018. Sérigraphie en couleurs sur papier Coventry Rag. 61 x 45,7 cm (feuille). Édition 149/150. Signée et numérotée au crayon en bas de page. Publiée par l'artiste. « Petit Grand Homme Noir sur Rouge » est une sérigraphie de Cleon Peterson, artiste américain reconnu pour son style graphique audacieux et ses thèmes provocateurs. L’œuvre de Peterson explore souvent les aspects les plus sombres de la nature humaine, tels que la violence, les luttes de pouvoir et le chaos social. Son art est fortement influencé par son expérience de la toxicomanie et de la guérison, ce qui confère à son travail une perspective unique sur la condition humaine. Dans « Petit Grand Homme Noir sur Rouge », Peterson utilise sa palette de couleurs à fort contraste caractéristique, mettant en scène des personnages noirs manipulant le président Donald Trump sur un fond rouge orangé vif. La sérigraphie représente une scène chaotique de personnages se livrant à divers actes de violence et de domination. Cette œuvre fait partie d’un ensemble plus vaste de travaux de Peterson, qui aborde souvent les thèmes des dynamiques de pouvoir et de la nature cyclique de la violence. Réalisée en sérigraphie, « Petit Grand Homme Noir sur Rouge » est produite selon un procédé d’impression au pochoir. Cette méthode consiste à créer un pochoir, ou écran, pour chaque couche de couleur de l’œuvre. L'encre est ensuite pressée à travers le cadre sur un support, comme du papier ou une toile. Ce procédé permet la création de multiples estampes identiques, généralement produites en édition limitée et signées par l'artiste. La technique de la sérigraphie est souvent utilisée par les artistes pour sa capacité à produire des couleurs vives et éclatantes ainsi que des lignes nettes et précises, comme en témoignent les compositions saisissantes de Peterson.

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