Religion

Œuvre d'art impie, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure par l'artiste de graffiti de la culture pop Jason Levesque.

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Tirages d'art pigmentaires d'archives en édition limitée Stormtrooper Messiah sur papier d'art Moab Entrada par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Ron English - POPaganda. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2021. Tirage pigmentaire couleur sur papier d'art Moab Entrada. Format : 17 x 22 pouces. « Stormtrooper Messiah » est une œuvre d'art en édition limitée de l'artiste Ron English-POPaganda, reconnu pour son mélange provocateur d'art urbain et d'iconographie de la culture populaire. Cette pièce fait partie d'une série de 100 tirages pigmentaires d'archives, chacun signé et numéroté pour garantir son authenticité et sa valeur de collection. L'œuvre mesure 43 x 56 cm et est réalisée sur papier d'art Moab Entrada, un choix gage de haute qualité qui assure la longévité et l'éclat des couleurs. Cette œuvre d'English est un puissant commentaire sur les intersections entre idéologie, iconographie et mécanismes d'endoctrinement au sein de notre société. Elle réinterprète un stormtrooper standard – symbole du justicier anonyme de la franchise « Star Wars » – sous les traits d'une icône religieuse, évoquant le Messie. Cette fusion d'images issues de cultures très différentes met en lumière la dévotion souvent inconsciente que nous portons à certains aspects de la culture populaire, en parallèle avec la ferveur religieuse. Le choix par Ron English d'un stormtrooper, emblème d'identité collective et d'autorité inflexible, drapé dans les attributs d'une figure spirituelle, interroge le rôle de ces figures et des institutions qui les soutiennent dans la formation des croyances et des comportements. L'artiste emploie des couleurs lumineuses et contrastées pour insuffler à la figure un sentiment de révérence, une approche qui reflète l'aura souvent associée aux œuvres d'art religieuses. Les robes fluides aux teintes vives confèrent au sujet une impression de mouvement et une présence éthérée, intensifiant l'impact de la juxtaposition visuelle. Le « Messie Stormtrooper » est plus qu'une œuvre d'art ; c'est un discours visuel qui invite les spectateurs à réfléchir aux récits et aux symboles qui influencent leur compréhension du pouvoir, de la culture et de la spiritualité. Ron English-POPoganda, par sa fusion singulière de la force brute du street art et de la fascination du pop art pour la culture populaire, a créé une image saisissante qui continue de susciter des débats au sein de la communauté artistique et au-delà.

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Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Let Us Prey - Figurine de collection en vinyle en édition limitée, œuvre d'art sanglante de l'artiste de graffiti de rue Frank Kozik. Cette annonce concerne la version sanglante de « Let Us Prey » de Frank Kozik. Édition limitée à 100 exemplaires dans le monde. Piégés dans un monde cruel où le papier est source de revenus et de bonheur, nous avons transformé tout « échange » en un concept bien éloigné d'un sourire échangé avec un inconnu. Nos prières murmurées sont devenues des demandes de richesse et de biens matériels pour assurer notre longévité et veiller sur nos comptes bancaires plutôt que sur nos amis. En collaboration avec le célèbre artiste et directeur artistique de Kidrobot, Frank Kozik, la figurine « Let Us Prey » capture l'avidité contemporaine, comprimée entre deux mains pleines d'espoir qui, autrefois, priaient pour bien plus que de l'argent. Représentant avec sa hauteur de 25 cm la manière dont la culture populaire reflète notre économie et notre statut social actuels, la figurine en vinyle « Let Us Prey » de Frank Kozik est l'objet idéal pour nous rappeler l'équilibre à trouver entre nos personnalités virtuelles et nos véritables aspirations à l'épanouissement personnel.

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Sérigraphie Desmond Tutu AP par Shepard Fairey - OBEY x Michael Collopy, Œuvre d'art en édition limitée, couleur tirée à la main sur papier moucheté crème, Obey Pop Culture, Épreuve d'artiste. Épreuve d'artiste AP 2022 Signée par Shepard Fairey - OBEY & Marquée AP Édition limitée Œuvre d'art Format 18x24 Sérigraphie de Desmond Tutu, évêque et théologien sud-africain. « Ce portrait de l’archevêque Desmond Tutu, militant anti-apartheid et défenseur des droits humains, est ma deuxième collaboration avec le photographe Michael Collopy. L’archevêque Tutu a prôné la non-violence dans sa lutte contre l’apartheid et la discrimination envers les femmes en Afrique du Sud. J’admire profondément la philosophie, le courage et l’éloquence de l’archevêque Tutu. Le témoignage de Michael Collopy ci-dessous illustre magnifiquement la personnalité de Tutu. » – Shepard Fairey Sérigraphie Desmond Tutu AP par Shepard Fairey et Michael Collopy L'épreuve d'artiste (AP) sérigraphiée de Desmond Tutu, créée par Shepard Fairey en 2022, illustre avec force comment le street art et le graffiti peuvent servir la défense des droits humains et l'affirmation du leadership spirituel. Ce portrait est inspiré d'une photographie du photographe américain Michael Collopy, célèbre pour ses portraits en noir et blanc saisissants de personnalités engagées pour la paix et la justice. Cette épreuve, signée à la main par Shepard Fairey sur papier beaux-arts crème moucheté, mesure 45,7 x 61 cm et s'inscrit dans l'œuvre de Fairey, en constante expansion, qui aborde de front les thèmes de la justice sociale, de la résistance politique et des mouvements pacifistes internationaux. La collaboration entre Fairey et Collopy, initiée par une fresque et une estampe de Nelson Mandela à Johannesburg, se poursuit ici avec un hommage à l'archevêque Desmond Tutu. Le pouvoir visuel dans le langage de la protestation et de la dignité L'interprétation visuelle de Desmond Tutu par Fairey est riche en symbolisme et se caractérise par une audace graphique remarquable. Dominée par des nuances de bleu, de noir et de crème, l'œuvre intègre le regard contemplatif de Tutu à des références symboliques au drapeau sud-africain et à la lutte contre l'apartheid. Des éléments textuels encadrent la composition, notamment des phrases qui font écho à la position courageuse de Tutu face à l'injustice. La mise en page s'inspire de l'expérience de Fairey dans le domaine des campagnes d'affichage urbain, où l'impact visuel et la lisibilité sont essentiels. La photographie originale de Collopy saisit la gravité morale de l'expression de Tutu, tandis que le style d'impression de Fairey recontextualise l'image en un témoignage de la mémoire collective qui dépasse les murs de la galerie. Cette synthèse entre photojournalisme et graffiti souligne la dignité et la force de caractère d'une figure emblématique qui s'est dressée contre la ségrégation, l'inégalité et l'oppression. L'héritage de l'activisme anti-apartheid à travers l'art urbain pop et le graffiti L’archevêque Desmond Tutu d’Afrique du Sud, décédé en 2021, était non seulement un chef spirituel, mais aussi un opposant intrépide à l’apartheid et à l’injustice raciale. Son rôle au sein de la Commission Vérité et Réconciliation, ainsi que son engagement pour les droits des femmes et l’inclusion des personnes LGBTQ+ dans les communautés religieuses, ont fait de lui une figure rassembleuse, symbole de clarté morale. En intégrant Tutu à son œuvre dans cette édition limitée, Fairey enrichit son répertoire d’œuvres de Street Pop Art et de graffiti, qui comprend déjà des icônes telles qu’Angela Davis, Nelson Mandela et Dolores Huerta. L’utilisation d’une esthétique proche du graffiti pour cet hommage illustre la convergence de l’activisme et de l’art dans l’espace public, et leur capacité à influencer les consciences. Collaboration ancrée dans la documentation photographique et l'iconographie du graffiti La collaboration entre Shepard Fairey et Michael Collopy illustre la puissance de l'influence interdisciplinaire. Tandis que Collopy apporte l'intimité émotionnelle de la photographie de portrait, Fairey insuffle à cette essence une urgence visuelle et un symbolisme graphique puisés dans son expérience des campagnes de rue et de l'art contestataire. Leur effort commun pour immortaliser Desmond Tutu démontre que le Street Pop Art et le graffiti peuvent non seulement servir de pratique esthétique, mais aussi d'outil de préservation culturelle. L'édition d'artiste souligne le caractère rare et précieux de cette estampe, qui se veut à la fois un hommage et une prise de position politique. En plaçant une figure spirituelle mondialement respectée dans le langage visuel de la résistance, cette œuvre garantit la pérennité des valeurs de Desmond Tutu au sein de la culture contemporaine.

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Halftone Jesus - Noir - Sérigraphie artisanale en 5 couleurs sur papier beaux-arts, édition limitée, par SSUR - Ruslan Karablin, artiste pop art célèbre et rare.

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« Last Supper in South Park », une œuvre d'art en édition limitée imprimée en giclée sur papier Hahnemühle Photo Rag Pearl par l'artiste de graffiti pop culture Ron English - POPaganda. South Park Studios est fier de présenter cette reproduction d'art de qualité muséale de « La Cène à South Park » par Ron English-POPoganda. Imprimée avec des encres pigmentées Epson sur papier Hahnemühle Photo Rag Pearl, cette pièce de collection non encadrée est signée et numérotée individuellement par l'artiste. Tirage limité à 150 exemplaires. Les créateurs de South Park et Ron English-POPoganda ont sélectionné 15 artistes pour rendre hommage à la 15e saison de South Park lors d'une exposition qui ouvrira ses portes le 28 mars à l'Opera Gallery de New York.

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Tirage giclée en édition limitée Shrug sur papier d'art par Phil Lumbang, artiste de rue graffiti, art pop moderne.

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Hollywood Nights, tirages d'art en édition limitée sur papier chiffon coton Entrada 290 g/m², réalisés par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Faile. Estampe « Hollywood Nights » 71 x 107 cm (28 x 42 pouces) ; encre d’archivage sur papier chiffon de coton Entrada 290 g/m² ; édition limitée à 400 exemplaires ; estampée, signée et numérotée ; FAILE 2021

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Francisco Goya Saturne dévore son fils - Œuvre remixée, tirage giclée en édition limitée sur papier Moab Entrada 290 g/m² par l'artiste moderne Luke Chueh. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2012. Format : 19 x 34 pouces.

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Muse du Monde - Ocre, édition limitée, sérigraphie bicolore sur papier d'art français 140 lb, par Glenn Barr, artiste de rue, art pop moderne. « Cette image était une affiche populaire que j'avais publiée il y a quelques années. J'ai décidé de la décliner en une édition limitée plus artisanale, différente de l'offset. L'année dernière, je l'ai fait transcrire en sérigraphie deux couleurs et l'ai éditée à seulement 25 exemplaires, spécialement pour mon exposition à la galerie Inner State de Detroit… Elle s'est vendue comme des petits pains. Pour célébrer le succès de cette image, j'ai voulu en créer une autre version. Cette fois-ci, j'ai changé les couleurs : 50 exemplaires dans des tons bleus froids et 50 autres dans des tons or profonds. Enfin, pour une édition spéciale limitée à 25 exemplaires, j'ai créé un troisième écran avec des lignes pour sublimer le spectacle du vol de la Muse. » – Glenn Barr

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Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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L'œuvre d'art « Le Dieu des Neiges », une reproduction d'art en édition limitée Giclée sur papier Hahnemühle Museum Etching 100 % coton, par l'artiste de graffiti pop culture Victo Ngai. Édition limitée à 100 exemplaires. Signée et numérotée. Du fait des conditions de fabrication et de conservation de ces œuvres par l'artiste, de nombreuses estampes anciennes de Ngai présentent un léger jaunissement des marges blanches supérieures et inférieures, sur environ 1 mm. Ce jaunissement n'altère en rien l'image et les estampes sont par ailleurs en parfait état.

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Guerrier paisible - 2021 Buddha Pop Street Artwork, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure par l'artiste moderne de graffiti urbain Risk Rock. Édition limitée à 25 exemplaires, signée et numérotée, 2021. Dimensions de l'œuvre : 18 x 22,5 pouces. « Guerrier pacifique » - 2021. Impression giclée sur papier Coventry Rag, édition limitée à 25 exemplaires (57 x 46 cm).

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Œuvre d'art Heavenfaced, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti pop culture Charmaine Olivia. Édition limitée à 350 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Format de l'œuvre : 8,5 x 11 pouces.

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Grenouille en prière, dessin original réalisé à la main sur papier d'art vieilli et frangé à la main, par l'artiste surréaliste Naoto Hattori. Dessin original unique au crayon/graphite signé en 2012. Œuvre encadrée. Dimensions du cadre : 8,5 x 8,5. Dimensions de l’image : 3 x 5. Encadrement et passe-partout personnalisés par l’artiste. La grenouille en prière de Naoto Hattori : une fusion de surréalisme et d'esthétique urbaine Le dessin original « La Grenouille en prière », réalisé à la main, illustre avec force la capacité de Naoto Hattori à entremêler la fantaisie du surréalisme aux éléments concrets et accessibles caractéristiques du street art et du graffiti. Créée en 2012, cette œuvre unique, réalisée au crayon et au graphite, a été soigneusement encadrée et mise sous passe-partout par l'artiste, témoignant de son implication personnelle et de son dévouement artistique. Encadrée dans un cadre carré de 21,6 x 21,6 cm, l'œuvre occupe un espace de 7,6 x 12,7 cm sur un papier d'art vieilli, à la texture irrégulière, choisi pour sa contribution à l'esthétique générale. « La Grenouille en prière » se distingue par sa simplicité et la profondeur de son expression. Le choix du sujet, une grenouille saisie dans une posture presque anthropomorphe, suggère un récit qui dépasse le simple visuel, invitant à la réflexion et à l'interprétation personnelle. C’est un thème récurrent du street art pop, où l’imagerie sert souvent de portail vers une contemplation plus profonde, engageant le spectateur dans un dialogue qui transcende l’œuvre elle-même. Le choix d’Hattori d’encadrer et de mettre en valeur l’œuvre sur mesure renforce son intimité, suggérant que cette petite fenêtre sur un monde surréaliste constitue un univers à part entière. L'intimité de l'art d'Hattori dans le domaine public de l'art urbain L'univers du street art et du graffiti est généralement associé à des œuvres monumentales qui investissent l'espace public. Pourtant, « La Grenouille en prière » d'Hattori remet en question cette idée en présentant un monde contenu dans les dimensions modestes d'un dessin de petit format. L'intimité de l'œuvre reflète l'esprit du street art, qui consiste souvent à exprimer des opinions personnelles dans l'espace public. L'œuvre d'Hattori transpose cette sensibilité dans la sphère privée, permettant une interaction directe entre l'art et le spectateur. Le travail minutieux au graphite, combiné aux bords irréguliers du papier vieilli, crée une expérience tactile qui invite le spectateur à s'approcher et à explorer les textures et les nuances subtiles qui définissent le dessin. La présentation de l'œuvre, avec de légères traces de manipulation et la touche de l'artiste dans son encadrement, fait écho à l'authenticité recherchée dans le street art. Tout en protégeant et en mettant en valeur le dessin, le cadre témoigne également du passage du temps, comme en témoignent les légères marques et éraflures qui racontent le parcours de l'œuvre, de sa création à sa conservation. Ces marques d'âge et de manipulation confèrent à la « Grenouille en prière » une histoire et une présence que l'on retrouve souvent sur les surfaces patinées du street art urbain. Dépasser les frontières : La « grenouille en prière » dans le contexte du pop art urbain « La Grenouille en prière » de Naoto Hattori illustre avec force comment les frontières entre les différentes formes d'art peuvent être transcendées, créant un espace où le surréalisme coexiste avec l'esthétique urbaine du street art et du graffiti. Bien que de petite taille, le dessin déploie une vaste portée émotionnelle et imaginative. Il captive le regard du spectateur à la manière d'une fresque murale dans une rue animée, prouvant que l'impact n'est pas limité par la taille. Le soin méticuleux apporté aux détails et le choix judicieux d'un papier vieilli témoignent du respect d'Hattori pour les matériaux porteurs d'histoires. Ceci fait écho à la manière dont le street art intègre souvent le paysage urbain à son récit, faisant de l'environnement une partie intégrante de l'œuvre. Bien que détachée des murs de la ville, « La Grenouille en prière » porte en elle l'esprit du street art, apposant un pont entre la galerie et la ruelle. « Grenouille en prière » est un microcosme de la philosophie artistique d’Hattori, mêlant les qualités oniriques de son surréalisme à la force émotionnelle et ancrée dans le réel propre au pop art urbain. Cette œuvre représente non seulement une exploration visuelle d’une grande profondeur thématique, mais constitue également un témoignage tangible du parcours d’Hattori en tant qu’artiste – un parcours marqué par la convergence de l’imagination et du monde tactile et texturé qui nous entoure.

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« You Have A Sexy Mouth », estampe d'art en édition limitée (Giclée) sur papier d'art de l'artiste pop moderne Alexis Price. Édition limitée à 10 exemplaires, signée et numérotée, format 16x20, 2019

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Œuvre originale unique de Lady Shiva, technique mixte (peinture et marqueurs), réalisée sur papier d'art artisanal à bords frangés par la célèbre artiste de graffiti de rue Lady Pink. Illustration originale signée et datée de 2019, réalisée aux marqueurs de peinture sur papier frangé fait main. Format : 6 x 18 pouces. Lady Shiva de Lady Pink : La mythologie rencontre la résistance dans le pop art urbain « Lady Shiva », une œuvre de Lady Pink créée en 2019 à l'aide de techniques mixtes et de marqueurs sur papier d'art artisanal à la texture irrégulière, fusionne la mythologie aztèque avec le symbolisme du graffiti et la résistance sociale. Mesurant 15 x 45 cm, cette pièce unique illustre son engagement constant pour l'émancipation féminine et la réappropriation culturelle à travers le langage du Street Pop Art et du graffiti. La figure centrale est une femme vibrante, quasi divine, dotée de six bras, ornée de crânes, de symboles de paix et de marques faciales audacieuses. Elle tient des bombes de peinture et des chaînes, une référence directe aux outils et aux luttes du mouvement graffiti. La composition mêle iconographie traditionnelle et énergie cartoonesque, puisant son inspiration dans l'art mésoaméricain et la rébellion visuelle contemporaine. La figure de la déesse centrale fait référence à la divinité hindoue Shiva, puissant symbole de destruction et de transformation, ici réinterprétée à travers le prisme de la culture urbaine. Son expression est féroce, provocante et jubilatoire. Elle est entourée de serpents, d'oiseaux et de symboles ornementaux dessinés dans une palette de roses, de violets et de verts saturés – un choix esthétique qui reflète l'histoire de Lady Pink, qui a défié les récits dominés par les hommes dans le graffiti en s'appropriant son espace avec des couleurs et des formes assumées. Allégorie visuelle du pouvoir, de la culture et de la résistance Le récit se déploie avec des contrastes saisissants et un symbolisme riche. D'un côté, un policier grotesque au visage de porc, menotté à la déesse, serre une bombe de peinture comme s'il l'avait confisquée ou qu'il était incompris. De l'autre, des figures mythiques – parées de colliers de crânes et de serpents – se rallient à la cause de la déesse. Le design des personnages est ludique, mais le message est sans équivoque. Lady Pink utilise l'humour et la caricature pour exposer les cycles de surveillance, d'effacement culturel et de contrôle systémique. Les chaînes et les poings serrés transforment l'œuvre en une allégorie de l'émancipation – où l'art, l'identité et l'héritage deviennent des instruments de résistance. Il ne s'agit pas d'une représentation passive de la rébellion – elle est active, dynamique et festive. La déesse manie le graffiti comme une arme de réinvention. Ses yeux, ourlés d'épais cils, laissent couler des larmes stylisées qui évoquent à la fois la tristesse et la force. Son sourire, aux dents acérées, interpelle le spectateur. Cette hybridité émotionnelle – la férocité mêlée à la joie – est au cœur du style de Lady Pink. Elle construit une mythologie visuelle où mémoire culturelle et rébellion contemporaine se rencontrent au carrefour du genre, de l'histoire et de la peinture. L'iconographie du graffiti repensée à travers une vision féministe Lady Pink, née Sandra Fabara en Équateur et ayant grandi à New York, est une figure pionnière du graffiti depuis les années 1980. Son œuvre fusionne avec constance l'énergie de la rue et des récits personnels et politiques, notamment d'un point de vue féministe. « Lady Shiva » témoigne de son rôle dans la transformation du graffiti en un espace d'inclusion et de critique culturelle. Plutôt que d'adhérer aux conventions hyper-masculines du tag et du bombing, elle intègre des motifs anciens, des illustrations de personnages et du symbolisme pour livrer un commentaire social plus profond. Dans « Lady Shiva », l'association du papier fait main, des traits épais de marqueur et du sujet mythologique s'accorde avec la nature tactile et éphémère du graffiti. Les bords non polis, les textures de pinceau visibles et les aplats de couleurs vives évoquent l'immédiateté des murs de la rue et des carnets de croquis. Cette physicalité renvoie aux racines du médium : accessible, brut et profondément personnel. L'œuvre refuse le lisse au profit de la présence, conférant à la déesse une qualité brute et vivante. À travers Lady Shiva, Lady Pink ne se contente pas de créer une déesse ; elle forge une arme narrative. L’œuvre se mue en une déclaration murale miniature, tissant un lien entre puissance spirituelle, art ancestral et résistance vécue par les femmes artistes qui revendiquent l’espace public. C’est un sortilège visuel lancé à la bombe et au marqueur, invoquant la transformation dans le langage du Street Pop Art et du graffiti.

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Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Let Us Prey - Figurine de collection en vinyle noir mat en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de graffiti de rue Frank Kozik. Œuvre d'art en édition limitée 2021, 25 cm de haut Présenté avec boîte Prisonniers d'un monde cruel où le papier est source de revenus et de bonheur, nous avons transformé tout « échange » en un concept bien éloigné d'un sourire venu d'un inconnu. Nos prières murmurées sont devenues des demandes de richesse et de biens matériels pour assurer notre longévité et veiller sur nos comptes bancaires plutôt que sur nos amis.

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Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

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God Save the USA - Swastika Eyes Artwork Giclée en édition limitée sur papier d'art vieilli à la main par l'artiste de graffiti de la culture pop Jamie Reid. Signé : Oui. Technique : Giclée, tirage. Type d'édition : Édition limitée. Tirage : 313 exemplaires. Dimensions (cm) : 52 x 71 (20,5 x 38). Imprimée sur un papier blanc cassé vieilli à la main, cette œuvre de Reid revisite le style rétro de ses débuts dans une critique contemporaine de la politique américaine. « God Save the USA (Swastika Eyes) » fait partie d'une édition limitée à 313 exemplaires, signés et numérotés par l'artiste. Chaque exemplaire présente de légères variations dues au vieillissement du papier.

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Xlarge Gorilla Dcon Cartoon OG 2019 - Figurine en vinyle édition limitée or avec chaîne en métal doré, œuvre d'art de collection créée par l'artiste de graffiti de rue D*Face x Medicom. Jouet d'art en édition limitée 2019 avec pendentif XL en métal véritable et logo, dimensions 6 x 9,5. Emballage d'origine inclus. L'intersection entre culture urbaine et expression artistique s'incarne dans la figurine Xlarge Gorilla DCon Cartoon OG 2019, une pièce de collection en vinyle en édition limitée. Fruit de la collaboration remarquable de D*Face avec Medicom, elle illustre la synergie entre le street art et le design d'objets de collection haut de gamme. Avec ses dimensions impressionnantes de 15 x 24 cm, cette œuvre d'art ne passe pas inaperçue. D*Face, alias Dean Stockton, s'est imposé comme une figure incontournable du street art. Originaire de Londres, son travail critique souvent les normes sociétales contemporaines, le consumérisme et l'influence de la culture pop, fortement inspirée par la culture streetwear à la fois brute et vibrante de Los Angeles, et plus particulièrement par la marque XLARGE. Cette pièce, agrémentée d'un pendentif en métal véritable orné du logo XL, est bien plus qu'un simple jouet : c'est une fresque portable, un fragment de street art destiné aux collectionneurs. Créée en 2019, cette pièce s'inscrit pleinement dans l'esprit du street art, où chaque objet est bien plus qu'un simple produit : c'est une histoire, un récit figé dans le temps, reflet de son environnement. L'éclat doré du vinyle et le poids de la chaîne métallique confèrent une touche de luxe tangible à la nature traditionnellement éphémère du street art. Elle capture l'essence du style iconique de D*Face, visible sur les murs du monde entier, des rues animées de Londres aux ruelles ensoleillées de Los Angeles. Les collectionneurs du Xlarge Gorilla DCon Cartoon OG n'acquièrent pas seulement une œuvre de street art ; ils héritent d'un fragment du dialogue entre culture urbaine et art contemporain. La disponibilité limitée de cette figurine en fait un objet de collection très recherché, séduisant non seulement les fans de D*Face, mais aussi tous ceux qui apprécient le croisement des formes artistiques. Pour ceux qui ont suivi l'ascension du street art vers la notoriété, cet objet de collection est une reconnaissance tangible de sa place légitime au panthéon de l'histoire de l'art.

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Deadly Angel, édition limitée, sérigraphie artisanale monochrome sur papier beaux-arts, par Joe King, artiste de rue graffiti, art pop moderne.

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Estampe d'archive Spirit Guardian de Graham Yarrington, édition limitée sur papier d'art en coton, œuvre d'art moderne d'artiste de rue pop graffiti. Estampe signée et numérotée 2020, édition limitée à 30 exemplaires, format 30 x 24 cm, impression pigmentaire d'archives Estampe d'archives Spirit Guardian par Graham Yarrington « Spirit Guardian » est une estampe pigmentaire d'archive signée et numérotée de 2020 par Graham Yarrington, limitée à 30 exemplaires. Imprimée sur un papier d'art en coton de haute qualité, cette œuvre illustre avec force l'approche caractéristique de Yarrington en matière de street art, de pop art et de graffiti. Elle représente une scène de forêt monochrome en nuances de gris, peuplée d'un animal noir surréaliste dont les membres et le corps sont ornés de rubans multicolores. Une petite silhouette stoïque est assise sur la créature, encadrée par un emblème géométrique rayonnant aux teintes néon rose, bleu, orange et jaune. Le contraste saisissant entre l'environnement en nuances de gris et les éclats de couleurs vibrantes instaure une tension onirique entre immobilité et mouvement, silence et spectacle. Symbolisme et vision narrative de Graham Yarrington L'œuvre de Graham Yarrington explore souvent les territoires mythologiques, et « Spirit Guardian » ne fait pas exception. Elle ouvre un portail vers un monde imaginaire à la fois intemporel, hanté et ludique. Le symbole géométrique central est plus qu'un simple ornement : il agit comme une aura, un bouclier ou une boussole spirituelle, guidant le petit cavalier à travers une forêt mystique. L'animal est à la fois gardien et réceptacle, une forme familière transportant l'inconnu au cœur du surréel. Les arbres en nuances de gris, aux silhouettes nettes et anguleuses, contrastent fortement avec la douceur et la fluidité des rubans et de l'emblème central. Cette juxtaposition souligne l'utilisation constante par Yarrington des dualités visuelles – lumière et obscurité, mouvement et immobilité, nature et invention – dans le Street Pop Art et le graffiti. Utilisation de la forme, de la couleur et de la texture dans la composition narrative La maîtrise des formes et des couleurs dont fait preuve Yarrington dans Spirit Guardian témoigne de son talent pour la narration graphique. La superposition maîtrisée des textures en niveaux de gris permet aux couleurs centrales de rayonner sans surcharger le regard. Les rubans semblent danser sur la page, créant un mouvement dynamique qui attire l'œil dans toutes les directions avant de le ramener à l'harmonie de la composition. Chaque détail – chaque feuille, chaque ruban, chaque ombre – paraît avoir été placé avec soin. Les bords arrondis de l'estampe adoucissent le langage visuel et confèrent à l'œuvre une dimension plus intime, presque comme un conte, tout en préservant son identité d'art urbain contemporain. L'équilibre entre la précision de l'illustration et la narration conceptuelle rend l'œuvre à la fois accessible et profonde. Un visionnaire de l'évolution du street art et du graffiti Graham Yarrington continue de se forger une place singulière au sein de la définition en constante évolution du Street Pop Art et du graffiti. « Spirit Guardian » condense ses thèmes artistiques les plus vastes en un instant visuel unique et saisissant. C'est une réflexion rare et profonde sur le soutien émotionnel, les paysages de l'inconscient et les protecteurs invisibles qui nous accompagnent dans les moments difficiles ou incertains. Grâce à des images symboliques et une grande clarté de composition, Yarrington crée une rencontre à la fois méditative et intense entre le spectateur et le mythe. « Spirit Guardian » est un exemple parfait d'art narratif moderne puisant ses racines dans les techniques de la gravure, la culture urbaine et le récit émotionnel, et s'impose comme une œuvre incontournable du paysage artistique contemporain.

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Dieux des mers du Sud, édition limitée, sérigraphie artisanale en 3 couleurs sur papier beaux-arts, par Jacob Borshard, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Jacob Borshard présente cent quatre-vingts petits dieux polynésiens. « Représentation portative des diverses idoles cataloguées par Sir Beebort York à bord du HMS Terrier, commandé par l'estimé capitaine George Blueberry, lors de ses récentes explorations des dernières eaux inexplorées des mers du Sud. Gravure de J. Shardsley pour l'Encyclopaedia Novus Plumbeus, 1790. Exemplaires supplémentaires disponibles pour deux pence pièce auprès de Gooseberry Bros. Ltd., Londres. »

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« God Save Us All », œuvre d'art en édition limitée, impression giclée sur papier d'art vieilli à la main, par l'artiste de graffiti pop culture Jamie Reid. Signé : Oui. Technique : Impression giclée. Type d'édition : Édition limitée. Tirage : 313 exemplaires. Dimensions (cm) : 82 x 58 (32,3 x 22,8). « God Save Us All » est un commentaire pertinent sur l'état de la politique américaine, où la figure britannique emblématique est remplacée par un président Trump aux yeux ornés d'une croix gammée. Sur un drapeau américain usé, Reid ajoute son style caractéristique de collage découpé.

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Blessbot - Canbot Canz de la veille de la Toussaint, jouet d'art original en vinyle peint à la main, œuvre d'art de collection par le graffeur de rue Jon Rampage x Czee13. 2021 Signé Jon Rampage x Czee13 Peint à la main Blessbot Peinture en aérosol, acrylique et techniques mixtes Pièce unique originale d'une session limitée à 10 exemplaires—Marque Czee13 au dos avec la signature de Jon Rampage. Le Blessbot - Canbot Canz de la veille de la Toussaint : Une célébration de l'individualité dans l'art urbain Le Blessbot - All Hallows Eve Canbot Canz est une illustration saisissante de la rencontre unique entre l'artisanat et la vitalité de la culture urbaine. Cette figurine de collection originale en vinyle, née de la collaboration créative de Jon Rampage et Czee13 en 2021, est une pièce d'exception en édition limitée à seulement dix exemplaires. Chaque pièce est une symphonie peinte à la main à la bombe, à l'acrylique et en techniques mixtes, révélant les styles distinctifs des deux artistes. Signées par Jon Rampage et portant la marque Czee13, ces Canbot Canz sont bien plus que de simples objets de collection : ce sont des témoignages uniques de l'héritage du graffiti. L'artisanat intime à l'ère du numérique À l'ère du numérique où la production de masse est la norme, les Canbot Canz Blessbot - All Hallows Eve se distinguent par leur originalité et la touche personnelle des artistes. L'utilisation de matériaux traditionnels du graffiti, comme la peinture en aérosol, combinée à l'acrylique sur une toile en vinyle, témoigne de la fusion entre l'énergie brute et spontanée du street art et la minutie des beaux-arts. Chaque coup de pinceau, chaque contour sur la surface des Canbot Canz raconte une histoire, un récit ponctué par le thème d'Halloween qui traverse cette série limitée. Un hommage à l'art du graffiti et à la culture des objets de collection Ces Canbot Canz rendent hommage à la tradition du graffiti et reflètent l'essor des collectionneurs de figurines d'art. La série Blessbot, avec ses visages évoquant des citrouilles, capture l'esprit d'Halloween, mêlant l'effroi ludique de cette fête à l'âme rebelle du street art. Signées Jon Rampage, les Blessbot Canz transcendent l'ordinaire et offrent l'expérience unique de posséder une pièce artisanale d'exception. Dans le débat plus large autour du street art et du graffiti, les Blessbot - All Hallows Eve Canbot Canz témoignent de l'attrait intemporel et de l'évolution constante du street art. Elles incarnent l'essence même du mouvement, des rues aux collections privées, préservant la nature éphémère du graffiti sous une forme qui perdure.

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Stormtrooper Messiah - Impression pigmentaire d'archives sur métal avec base en acrylique gravée, œuvre d'art sculptée par l'artiste de rue et de graffiti Ron English, légende de la pop moderne - POPaganda. Ron English – POPaganda est largement considéré comme une figure majeure de l'évolution du street art, l'ayant éloigné des lettrages traditionnels de style sauvage pour se tourner vers des messages percutants et des trompe-l'œil magistraux. Depuis les années 1980, il crée des fresques et des panneaux d'affichage illégaux qui mêlent des visuels saisissants à des déclarations politiques, consuméristes et surréalistes incisives, s'appropriant l'espace public à travers le monde au service de l'art.

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Robocopus Hypercubus, édition limitée, sérigraphie artisanale en 4 couleurs sur papier beaux-arts, par Tim Doyle, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Événement Bijou Metro & Blunt Graffix, Eugene (Oregon). Le coup de maître de Tim Doyle : un mélange détonant entre les icônes religieuses Robocop et Salvador Dali. Cette affiche sérigraphiée 45,7 x 61 cm, imprimée à la main, est signée et numérotée par l'artiste. Tirage limité à 100 exemplaires dans le monde.

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Mad Happy Monk Grin - Figurine de collection en vinyle noir fluorescent, édition limitée orange, œuvre d'art de l'artiste de graffiti de rue Ron English - POPaganda. Figurine Mad Happy Monk de 2019, édition limitée signée, neuve dans sa boîte. Couleur orange fluo, 20 cm de haut. Signée à la main par Ron.

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Bougie du sabbat, édition limitée, estampe gravée à la main en 4 couleurs sur papier d'art par Irving Amen, artiste célèbre du pop art et du graffiti.

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Blessbot - Crystal Blue Canbot Canz Édition Limitée Jouet d'Art en Vinyle de Collection Œuvre d'Art de Graffiti de Rue Czee13. Édition limitée à 100 exemplaires (2021) Moulée en vinyle bleu transparent à paillettes mystiques, cette version alternative du Blessbot de 142 g (5 oz) représente un gourou en méditation, chapelet à la main, assis et faisant le signe shaka. Comme tous les Blessbots, il est doté du fameux hochet en forme de bombe aérosol. Édition limitée à 100 exemplaires : Blessbot – Figurine d'art en vinyle souple bleu cristal (14 cm). Présenté avec boîte.

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« De longues files d’attente bloquent le chemin vers l’illumination », œuvre d’art imprimée en édition limitée par giclée sur papier aquarelle italien pressé à froid et frangé à la main, par l’artiste de graffiti de la culture pop Kozyndan. Édition très limitée à 40 exemplaires, tirages giclée d'archives sur papier aquarelle Somerset, bords frangés à la main. Chaque tirage est signé et numéroté. 50,8 x 61 cm. Printed Oceans est le programme d'estampes d'art de la Fondation PangeaSeed. Il sensibilise le public aux enjeux environnementaux marins les plus urgents grâce au regard d'artistes parmi les plus reconnus d'aujourd'hui. Depuis 2012, nous avons publié plus de 100 éditions originales d'estampes d'art mettant en lumière des espèces marines menacées et des habitats océaniques. Ces magnifiques éditions contribuent à diffuser des récits importants sur la conservation dans les foyers et les espaces de travail du monde entier, suscitant un dialogue essentiel et inspirant des actions concrètes. En acquérant ces œuvres d'art en édition limitée, réalisées artisanalement avec soin, vous soutenez non seulement le travail novateur de la Fondation PangeaSeed dans les communautés du monde entier, mais vous contribuez également aux moyens de subsistance de nos artistes engagés. Ensemble, par l'art et l'activisme, nous pouvons sauver nos océans.

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Estampe sérigraphique en demi-teintes Jésus - Blanc 5 couleurs, édition limitée, tirée à la main sur papier beaux-arts par SSUR - Ruslan Karablin, artiste pop art célèbre et rare.

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Xlarge Gorilla Dcon Cartoon OG 2019 - Dessin original signé et orné, édition limitée, vinyle avec chaîne en métal doré, œuvre d'art de collection de l'artiste de graffiti de rue D*Face x Medicom. Figurine d'art en édition limitée 2019 avec pendentif XL en métal véritable, logo et dessin (6 x 9,5 cm). Petits dessins à la main représentant un cœur et le symbole de la paix, étiquette, signature imprimée au dos, embellissements au feutre permanent. Emballage d'origine inclus. La figurine XLarge Gorilla DCon Cartoon OG 2019 incarne avec brio l'art novateur de D*Face, alias Dean Stockton. Cette œuvre d'art en vinyle, en édition limitée, représente la fusion réussie entre la vitalité rebelle du street art et l'univers sophistiqué du collectionnisme. Caractérisée par sa teinte dorée éclatante et ornée d'une chaîne en métal doré, elle dégage un luxe urbain à la fois captivant et stimulant. Créée en collaboration avec Medicom, marque japonaise réputée pour ses objets de collection destinés aux collectionneurs les plus exigeants, cette pièce témoigne de la capacité de D*Face à explorer de multiples formes d'expression artistique. Ses œuvres sont souvent empreintes d'une critique satirique du consumérisme, de la culture pop et de la monotonie du monde de l'entreprise. La figurine Gorilla DCon, ornée de détails réalisés à la main, tels que les petits dessins d'un cœur et d'un symbole de paix, ainsi que la signature emblématique de l'artiste au dos, est une synthèse unique d'art et de touche personnelle, emblématique du style de DFace. Chaque trait de marqueur permanent au dos de la figurine en vinyle est une signature d'authenticité et d'individualité, faisant de chaque pièce de cette édition limitée une œuvre d'art unique. Cet artiste de rue, ayant grandi à Londres, intègre l'influence de son environnement dans son travail, la combinant avec des éléments de la culture streetwear de Los Angeles, notamment celle de XLARGE, une marque reconnue pour ses profondes racines dans la musique, le skate et le street art. L'intégration par D*Face de son héritage street art au monde des figurines de collection crée un point de convergence pour les passionnés et les collectionneurs, faisant de la figurine XLarge Gorilla DCon Cartoon OG un objet convoité pour ceux qui apprécient le point de rencontre entre l'énergie du street art et l'exclusivité des objets de collection en édition limitée.

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« My Mary », une sérigraphie en édition limitée bicolore tirée à la main sur papier beaux-arts, par Mark Dean Veca, artiste de street art rare et célèbre du pop art.

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011|110- 22 x 22 Édition limitée, rehaussée à la main, tirages pigmentaires HPM d'archives sur papier beaux-arts 310 g/m² par Jason Seife, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée signée et numérotée de 15 exemplaires (2016). Dimensions de l'œuvre : 22 x 22 pouces. « Le thème général de cette série était le dépassement des obstacles et des épreuves pour atteindre un objectif plus grand. Cette œuvre, en particulier, fait référence à la trahison de Jésus par Judas. Pour certains, cela peut sembler une référence religieuse ou biblique directe, mais en réalité, elle peut être mise en parallèle avec notre vie quotidienne, notamment le sentiment de trahison auquel nous sommes confrontés, que ce soit de la part d'amis, de collègues ou même de membres de notre famille ou de nos proches. C'est une épreuve très difficile à surmonter, et c'est un sentiment que je souhaitais exprimer dans ma peinture. Cette œuvre, comme beaucoup de mes créations, a été inspirée par une peinture de la Renaissance. En l'occurrence, il s'agissait d'une œuvre du Caravage. Issu du graphisme et du design en général, j'aime jouer avec la symétrie et les formes géométriques, ce qui apporte une touche de modernité au style Renaissance. Présenter les styles d'une manière inhabituelle est quelque chose qui me fascine. » - Jason 011|110 – Tirage pigmentaire HPM d'archives, édition limitée rehaussée à la main, par Jason Seife 011|110 est une superbe estampe HPM pigmentaire d'archives, rehaussée à la main, de format 56 x 56 cm (22 x 22 pouces), créée par Jason Seife en 2016. Tirée à seulement 15 exemplaires, cette œuvre exclusive est imprimée sur papier d'art 310 g/m² et signée et numérotée par l'artiste. La composition mêle des éléments esthétiques de la Renaissance classique à la symétrie numérique moderne et à l'abstraction géométrique, témoignant du profond intérêt de Seife pour la réinterprétation de l'art historique à travers des techniques contemporaines. L'œuvre s'inspire directement de la lumière dramatique et de l'intensité émotionnelle des tableaux du Caravage, insufflant une profondeur et un réalisme d'antan au contexte du street art, du pop art et du graffiti. L'œuvre présente une composition en miroir, soulignant la dualité et la réflexion, au sens propre comme au figuré. Au cœur de la pièce se trouve une référence à la trahison biblique de Jésus par Judas, un épisode chargé de thèmes tels que la loyauté, la tromperie et les conséquences de ses actes. Cependant, l'intention de Seife n'est pas purement religieuse ; il s'agit plutôt d'une exploration universelle de la trahison personnelle. Les émotions représentées – méfiance, confrontation et prise de conscience – sont présentes dans la vie quotidienne, que ce soit dans les amitiés, le milieu professionnel ou les relations familiales. La symétrie de la composition, associée à l'utilisation de contrastes marqués et à des ornements subtils, fait de cette œuvre une puissante déclaration visuelle sur la lutte et la persévérance. Jason Seife et son influence sur le street art, le pop art et le graffiti Jason Seife est un artiste contemporain reconnu pour sa fusion subtile de techniques classiques et d'esthétique numérique moderne. Ayant grandi à Miami, il a été profondément influencé par la culture graffiti vibrante de la ville et par les traditions raffinées des beaux-arts. Son œuvre explore souvent les thèmes de l'identité culturelle, de la réinterprétation historique et de la juxtaposition du savoir-faire traditionnel et des technologies contemporaines. L'approche artistique de Seife est profondément ancrée dans la notion d'équilibre : il mêle ornements raffinés et abstraction moderne, références historiques et compositions futuristes. Son exploration de la symétrie géométrique dans 011|110 témoigne de sa formation en graphisme, créant une expérience visuelle à la fois structurée et profondément émouvante. En s'inspirant de compositions de la Renaissance et en les intégrant dans un cadre résolument moderne, Seife remet en question la perception traditionnelle de l'art et invite les spectateurs à envisager les récits historiques sous un angle nouveau. Le rôle des estampes pigmentaires d'archives dans l'art urbain moderne L'utilisation de l'impression pigmentaire d'archives dans le Street Pop Art et le graffiti a transformé la manière dont les artistes présentent et diffusent leurs œuvres. Contrairement à la sérigraphie traditionnelle, les tirages d'art pigmentaires offrent un niveau de détail exceptionnel, préservant ainsi chaque nuance de la peinture originale. Le papier beaux-arts 310 g/m² utilisé pour l'œuvre 011|110 rehausse la profondeur et le contraste des couleurs, créant une pièce qui respecte l'intégrité de la vision de l'artiste tout en étant durable et digne d'être collectionnée. Les estampes rehaussées à la main confèrent à chaque exemplaire une singularité supplémentaire, chaque édition présentant des touches personnelles qui la distinguent des autres de la série. Ce procédé allie l'exclusivité d'une peinture originale à l'accessibilité d'une édition imprimée, rendant ainsi l'art de haute qualité accessible aux collectionneurs tout en préservant la dimension tactile et humaine du travail de l'artiste. Le soin apporté par Seife au processus d'impression garantit que chaque pièce de cette édition conserve le même niveau de savoir-faire et le même impact visuel que l'original. Valeur de collection et importance culturelle de 011|110 L'œuvre 011|110 témoigne du talent de Jason Seife pour fusionner influences historiques et esthétique contemporaine, ce qui en fait une pièce très recherchée au sein du mouvement de l'art urbain moderne. L'intensité visuelle de la composition, associée à son thème poignant de trahison et de rédemption, confère à cette œuvre une résonance à la fois conceptuelle et émotionnelle. Son édition limitée à 15 exemplaires renforce son exclusivité et séduira les collectionneurs avertis de Street Pop Art et de graffiti. La capacité de Seife à fusionner la narration inspirée de la Renaissance avec des techniques modernes audacieuses continue de repousser les limites de l'art contemporain. Sa réinterprétation des compositions classiques par la symétrie, la manipulation numérique et les influences urbaines offre une perspective inédite sur des thèmes qui ont traversé les siècles. 011|110 n'est pas seulement une réflexion sur des événements historiques, mais aussi un puissant commentaire sur les relations humaines, ce qui en fait une œuvre essentielle pour quiconque apprécie la profondeur et la complexité de l'art contemporain imprégné d'une sensibilité urbaine.

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Estampe d'archives « The Gang » par Dulk - Antonio Segura Donat, édition limitée sur impression pigmentaire d'archives à bords frangés, art de rue pop graffiti, artiste moderne. Estampe signée et numérotée, édition limitée à 50 exemplaires (2023) - Format : 9,84 x 12,83 cm - Impression pigmentaire d'art « The Gang » de Dulk : une symphonie de couleurs et de personnages Dulk, pseudonyme artistique d'Antonio Segura Donat, présente « The Gang », une estampe d'archive en édition limitée, témoignant de son talent de conteur et de son imagination débordante. Chaque estampe, numérotée et bordée à la main, fait partie d'une série très exclusive limitée à seulement 50 exemplaires, au format 25 x 32,6 cm. Cette œuvre est une véritable explosion de couleurs, où la passion de Dulk pour la faune sauvage et sa maîtrise des couleurs se conjuguent en une image d'une joie communicative. Détail et savoir-faire dans les estampes d'archives de Dulk Le choix de pigments d'archivage pour « The Gang » garantit que chaque nuance est capturée avec la profondeur et l'intensité voulues par Dulk. Le papier beaux-arts, aux bords frangés à la main, confère une touche organique aux estampes, faisant écho aux thèmes naturels souvent explorés dans l'œuvre de Dulk. La précision du procédé d'impression aux pigments d'archivage s'accorde parfaitement avec la netteté des détails et la texture caractéristiques de Dulk, assurant ainsi une longue durée de vie à cette ménagerie éclectique. Narration visuelle à travers le graffiti pop « The Gang » présente une multitude de créatures, chacune débordante de personnalité, se détachant sur un fond chaleureux et ensoleillé. L'harmonie ludique de la composition témoigne du talent de Dulk pour mêler réalité et fantaisie, créant ainsi un univers à la fois familier et onirique. À l'instar de nombreuses œuvres de street art et de graffiti, « The Gang » recèle un récit qui dépasse la simple attrait visuel, invitant le spectateur à s'interroger sur les relations et les histoires qui s'entremêlent entre les personnages. Le subtil mélange de couleurs pop art et de design incisif propre au street art confère à « The Gang » une place à part dans l'œuvre de Dulk. Son travail séduit non seulement les amateurs de street art contemporain, mais aussi les connaisseurs des beaux-arts. L'estampe, empreinte de modernité, rend hommage aux traditions du street art et de la peinture animalière classique. Chaque estampe de « The Gang » de Dulk reflète son profond attachement au monde naturel et sa réflexion sur l'interdépendance du vivant. Cette pièce en édition limitée est bien plus qu'un objet de collection ; c'est une tranche d'expression artistique moderne qui capture l'esprit vif du pop art urbain et l'essence vibrante de l'art de Dulk.

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Big Baby Jesus, édition limitée, sérigraphie artisanale monochrome sur papier beaux-arts, par Joe King, artiste de rue graffiti, art pop moderne.

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Je danse Entre les anges/ Histoires d'amour Face B HPM 24 couleurs Tirage à la main Édition limitée Sérigraphie avec acrylique, encre de sérigraphie et peinture en aérosol sur papier Coventry Rag 310 g/m² à bords frangés par Faile Rare Street Art Artiste célèbre du Pop Art. Édition limitée 2020 signée et numérotée « Dancing Between Angels / Love Stories B-Side » 28 x 40 pouces, peinte à la main, édition limitée à 22 exemplaires, acrylique, encre sérigraphique et peinture aérosol, papier Coventry Rag 320 g/m², signée, estampillée et gaufrée. « Le titre de cette image est tiré d'un vers du poème : « Paysages peints me trompent – ​​Dansant entre anges et anges ». Il s'agit d'une référence à l'arrivée de Marie-Antoinette à Strasbourg, peu après son accession au trône, et aux faux paysages peints placés devant sa fenêtre pour l'accueillir chaleureusement. C'est aussi une allusion au mouvement De Stijl et à la salle de bal Aubette, avec ses lignes angulaires et rectilignes caractéristiques. Sans oublier la proximité de la cathédrale et des anges qui ornent ses murs. Des bulles semblent flotter librement et danser dans l'espace, une sorte d'antithèse à l'esprit de De Stijl, mais une belle référence au mouvement. Nous aimions l'idée de cette jeune fille qui se libère des perceptions construites autour d'elle tout en essayant de ne pas se perdre. » - Faile Récits artistiques en mouvement : L'histoire de « Dancing Between Angels/Love Stories B-Side » par Faile « Dancing Between Angels/Love Stories B-Side », une œuvre captivante du collectif d'artistes Faile, témoigne de la richesse des superpositions et de la narration propres au street art et au graffiti. Cette édition limitée à 22 exemplaires, peinte à la main, est une sérigraphie artisanale 24 couleurs rehaussée d'acrylique, d'encre sérigraphique et de peinture aérosol sur papier Coventry Rag 310 g/m² à grain frangé. Mesurant 71 x 102 cm, chaque estampe est signée, tamponnée et gaufrée, et porte un récit unique mêlant références historiques et vocabulaire artistique contemporain. « Le titre de cette image est tiré d'un vers du poème : « Paysages peints me trompent – ​​Dansant entre anges et anges ». Il s'agit d'une référence à l'arrivée de Marie-Antoinette à Strasbourg, peu après son accession au trône, et aux faux paysages peints placés devant sa fenêtre pour l'accueillir chaleureusement. On y trouve également une allusion au mouvement De Stijl et à la salle de bal Aubette, avec ses lignes angulaires et rectilignes caractéristiques. La proximité de la cathédrale et les anges qui ornent ses murs y contribuent également. Des bulles volent librement et dansent dans l'espace, une image en quelque sorte à l'opposé de l'esprit De Stijl, mais une belle référence au mouvement. Nous avons aimé l'idée de cette jeune fille qui se libère des perceptions construites autour d'elle tout en essayant de ne pas se perdre. » – Faile. Déconstruire les illusions historiques : la toile interprétative de Faile Le récit de « Dancing Between Angels/Love Stories B-Side » puise dans une riche tapisserie de références historiques et artistiques. Inspiré d'un poème, le titre fait allusion aux paysages pastoraux trompeurs présentés à Marie-Antoinette à son arrivée à Strasbourg, conçus pour créer une illusion de bienvenue et de grandeur. Faile prolonge cette métaphore pour explorer les concepts de perception et de soi dans le cadre du pop art et du street art. L'œuvre explore visuellement le déchirement des couches de prétention, une danse vibrante entre réalité et artifice. Elle rend également hommage à De Stijl, mouvement artistique néerlandais mettant l'accent sur l'abstraction et les formes géométriques. Les angles aigus et les lignes rectilignes caractéristiques de De Stijl sont présents dans l'œuvre, juxtaposés aux formes organiques des bulles et à la fluidité de la figure centrale. Ce contraste est un clin d'œil délibéré au mouvement et au dynamisme, remettant en question la rigidité de De Stijl par la danse éphémère des bulles dans l'espace. Mouvement et métaphore : la fusion de la danse et de l'art chez Faile Au cœur de la création de Faile se trouve la représentation d'une figure féminine déchirant les façades qui l'entourent. Cet acte, à la fois littéral et symbolique, est une danse de libération qui révèle les strates cachées sous la surface. L'élan ascendant de la figure et la grâce de ses jambes évoquent une allure de ballerine, suggérant que déchirer le mensonge est aussi élégant que puissant. Les anges et les éléments architecturaux présents dans l'œuvre l'ancrent dans un récit historique plus vaste, reliant la nature éphémère du street art à la permanence du patrimoine culturel. L'intégration de ces éléments crée un dialogue entre le passé et le présent, conférant à l'œuvre une dimension intemporelle. Poésie visuelle : l'attrait rythmique de l'œuvre de Faile « Dancing Between Angels/Love Stories B-Side » est, par essence, un poème visuel qui touche au cœur même du street art et du graffiti. C'est une danse de couleurs et de formes, une composition rythmique qui transcende les limites de son médium. L'œuvre de Faile capture l'esprit du dialogue entre le pop art et la culture populaire, le mêlant à la dimension subversive du street art pour créer une œuvre inédite et profondément marquante. Chaque tirage de cette édition limitée est un fragment narratif, invitant le spectateur à une exploration multiforme de l'œuvre. La danse représentée n'est pas seulement physique ; c'est un voyage émotionnel et psychologique, une danse de l'âme qui reflète la complexité et la richesse de l'expérience humaine. Dans l'univers foisonnant du street art et du graffiti, « Dancing Between Angels/Love Stories B-Side » de Faile est une puissante expression de la capacité narrative et de la profondeur émotionnelle du genre. Elle nous rappelle que l'art peut être un moyen d'examiner nos perceptions, de lever le voile qui obscurcit la vérité et de célébrer le pouvoir libérateur de la danse et du mouvement.

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Dieux des mers du Sud, édition limitée phosphorescente, sérigraphie artisanale 3 couleurs sur papier beaux-arts par Jacob Borshard, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2010. Dimensions de l'œuvre : 18 x 24 pouces. Jacob Borshard présente cent quatre-vingts petits dieux polynésiens. « Représentation portative des diverses idoles cataloguées par Sir Beebort York à bord du HMS Terrier, commandé par l'estimé capitaine George Blueberry, lors de ses récentes explorations des dernières eaux inexplorées des mers du Sud. Gravure de J. Shardsley pour l'Encyclopaedia Novus Plumbeus, 1790. Exemplaires supplémentaires disponibles pour deux pence pièce auprès de Gooseberry Bros. Ltd., Londres. »

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Cody Ross/Jesus-Giants Collage unique orné à la main, technique mixte sur carte de baseball vintage par Pat Riot. Œuvre originale estampillée de 2014, technique mixte superposée sur une véritable carte vintage Topps de la MLB avec un style pop art comme : Cody Ross/Jesus - Giants

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Planche de skateboard Hollywood Deck en édition limitée, sérigraphiée par Faile, artiste de la culture pop urbaine. FAILE Hollywood, 2019 9,5" x 28,5" Bois d'érable 7 plis Édition limitée à 150 exemplaires. Chaque jeu est accompagné d'un certificat d'authenticité signé par le conservateur Roger Gastman, confirmant son authenticité et le tirage.

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Shrug HPM #2 Édition limitée, impression giclée rehaussée à la main sur papier d'art par Phil Lumbang, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Ours multiple peint à la main, avec un visage interrogateur peint à la main et d'autres éléments.

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La loi de Murphy, édition limitée, sérigraphie artisanale en 4 couleurs sur papier beaux-arts, par l'artiste pop Tim Doyle. Édition limitée à 150 exemplaires, signée et numérotée, série 2, 2012. Format de l'œuvre : 18 x 24 pouces. Tim Doyle « Murphy fait appliquer la loi », sérigraphie 4 couleurs sur papier Cougar 100#, édition signée et numérotée de 150 exemplaires, 45,7 x 61 cm

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Sérigraphie en édition limitée « Anubis Afterlife 4 couleurs, poussière de diamant tirée à la main, sur papier papyrus égyptien », par Marwan Shahin, artiste de street art et pop art. Édition limitée à 30 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Format : 14 x 17,5 pouces. « Shahin Studios est ravi de présenter ANUBIS AFTERLIFE de Marwan Shahin ; cette œuvre est l’aboutissement de plusieurs mois d’expérimentation avec différentes teintures pour vieillir le papier papyrus. Cette nouvelle édition est interprétée par une sérigraphie artisanale en quatre couleurs sur du papyrus égyptien authentique teinté à la sauce soja. Chaque estampe est minutieusement agencée avec un treillis de poussière de diamant noire, créant ainsi des effets kaléidoscopiques visuellement envoûtants. » – Marwan Shahin. L'odyssée créative de « Anubis Afterlife » de Marwan Shahin « Anubis Afterlife », une création envoûtante de Marwan Shahin, illustre la remarquable convergence entre tradition ancestrale et pratique artistique contemporaine. Œuvre de street art, cette sérigraphie en édition limitée sur papier papyrus égyptien incarne l'esprit du pop art moderne tout en rendant hommage à la riche iconographie de l'Égypte antique. L'utilisation du papyrus authentique comme support est un hommage aux méthodes d'expression artistique ancestrales, sublimées par les techniques de vieillissement innovantes de Shahin qui confèrent à l'œuvre une aura d'antiquité. Alchimie artistique sur papyrus Shahin, artiste égyptien de street art et de pop art, s'est lancé dans un processus d'expérimentation méticuleux pour perfectionner le vieillissement du papyrus, cherchant à obtenir un effet de teinture à la sauce soja qui confère au papier une qualité éthérée évoquant les artefacts historiques. L'œuvre, une édition limitée à 30 exemplaires de 35,5 x 44,5 cm, représente le dieu Anubis, divinité égyptienne antique associée à la momification et à l'au-delà. Cette figure est minutieusement détaillée grâce à quatre couches de sérigraphie réalisées à la main, aboutissant à une composition visuellement saisissante et riche en symboles. L'incorporation de poussière de diamant noir ajoute une dimension tactile qui capte la lumière, créant des effets kaléidoscopiques qui renforcent l'aura mystique de l'œuvre. La poussière de diamant, un matériau popularisé par Andy Warhol, témoigne de l'ingéniosité de Shahin qui combine les techniques traditionnelles de la sérigraphie avec les ornements luxueux du pop art. L'œuvre qui en résulte est un hommage au patrimoine culturel du pays natal de Shahin, à l'énergie vibrante du street art et à l'éclat brillant du pop art. Fusion visuelle du passé et du présent par Marwan Shahin « Anubis Afterlife » témoigne de la vision créative de Marwan Shahin, où le riche héritage de l'art égyptien rencontre l'audace et l'immédiateté du pop art urbain. À travers la figure d'Anubis, Shahin transcende les millénaires, dialoguant avec les symboles de la mythologie antique tout en s'intéressant à l'esthétique contemporaine. Le choix d'Anubis, divinité symbolisant le passage vers l'au-delà, suggère l'exploration de thèmes tels que la transition, la transformation et le cycle éternel de la vie et de la mort. L'introduction du pop art urbain au sein du panthéon des motifs égyptiens confère à cette œuvre une dimension narrative unique. De la même manière que le street art s'approprie et recontextualise souvent des images et des symboles issus de la culture populaire, Shahin se réapproprie une icône de son histoire culturelle, la réinterprétant à travers un prisme moderne. Cette réinvention inscrit « Anubis Afterlife » dans la lignée du pop art qui remet en question et redéfinit les frontières entre culture savante et culture populaire. Une tapisserie du temps tissée par Marwan Shahin L'œuvre « Anubis Afterlife » de Marwan Shahin est un exemple lumineux de la manière dont les artistes contemporains peuvent puiser aux sources de leur héritage tout en contribuant au débat mondial sur la conversion. Elle souligne le potentiel du pop art et du graffiti comme plateformes de narration culturelle et d'innovation artistique. Par sa fusion de médiums et de motifs, Shahin tisse une tapisserie visuelle qui relie l'ancien à l'avant-garde, invitant le spectateur à contempler la continuité harmonieuse entre histoire et modernité. Dans le pop art et le street art, l'œuvre de Shahin illustre comment les éléments traditionnels peuvent être réinterprétés pour toucher un nouveau public. Son agencement complexe de couleurs et de matériaux transcende la simple reproduction, offrant une expérience immersive qui reflète le passé et ouvre des perspectives pour l'avenir de l'expression artistique. « Anubis Afterlife », avec sa narration texturée et sa splendeur visuelle, est une œuvre d'art de collection qui capture l'esprit dynamique du street art, incarnant le pouls d'une culture qui résonne à travers le temps.

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