Religion

Sérigraphie « Kiss of Death » de Mike Giant, imprimée à la main en 3 couleurs sur papier beaux-arts, édition limitée. Édition limitée signée et numérotée de 100 exemplaires (2023). Œuvre d'art de taille 18x24, sérigraphie représentant un squelette embrassant une femme, avec des éléments de tatouage tels que des tournesols, des anges et des tombes, dans une interprétation stylisée. Sérigraphie « Le Baiser de la Mort » par Mike Giant « Kiss of Death » est une sérigraphie de 2023 réalisée par le tatoueur et icône visuelle Mike Giant. Tirée à 100 exemplaires numérotés et signés, cette œuvre de 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces) est imprimée à la main en trois couleurs sur papier d'art, révélant la précision du trait et la rigueur graphique de Giant. La composition met en scène la Mort, figure squelettique, enlaçant et embrassant une femme. Ce baiser est rendu avec un équilibre entre intimité et fatalité, caractéristique du langage visuel de l'artiste. Iconographie et symbolisme spirituel du tatouage Autour des figures centrales se déploie un riche champ d'imagerie symbolique puisant dans la culture du tatouage, la religion et le mysticisme. Des éléments tels que des roses, des crânes, des anges, des cercueils, des croix, des serpents, des sabliers et des phrases aux allures de textes sacrés (« Ici et maintenant », « N'aie pas peur », « Muerte », « Samadhi ») fonctionnent comme des mantras visuels, renforçant les thèmes de la mortalité, de l'impermanence et de l'acceptation. La faux de la Mort, associée à des motifs célestes comme le soleil, la lune et les étoiles, présente la mort non comme une fin, mais comme une force de transition au sein d'un cycle cosmique plus vaste. Méditation de Mike Giant sur la mortalité « Kiss of Death » reflète l’engagement de Mike Giant envers la mort, à la fois comme sujet et comme concept philosophique. Loin de dépeindre la peur ou la violence, la scène est calme, empreinte de recueillement et profondément humaine, suggérant l’abandon, l’unité et l’éveil spirituel. La palette contrastée de rouge, de noir et de blanc amplifie la charge émotionnelle de l’image tout en restant ancrée dans l’esthétique traditionnelle du tatouage. Pour les collectionneurs, cette estampe est une pièce maîtresse qui incarne la fusion opérée par Giant entre la tradition du tatouage, la gravure d’art et la réflexion existentielle.

Lis Plus Moins

Je danse Entre les anges/ Histoires d'amour Face B HPM 24 couleurs Tirage à la main Édition limitée Sérigraphie avec acrylique, encre de sérigraphie et peinture en aérosol sur papier Coventry Rag 310 g/m² à bords frangés par Faile Rare Street Art Artiste célèbre du Pop Art. Édition limitée 2020 signée et numérotée « Dancing Between Angels / Love Stories B-Side » 28 x 40 pouces, peinte à la main, édition limitée à 22 exemplaires, acrylique, encre sérigraphique et peinture aérosol, papier Coventry Rag 320 g/m², signée, estampillée et gaufrée. « Le titre de cette image est tiré d'un vers du poème : « Paysages peints me trompent – ​​Dansant entre anges et anges ». Il s'agit d'une référence à l'arrivée de Marie-Antoinette à Strasbourg, peu après son accession au trône, et aux faux paysages peints placés devant sa fenêtre pour l'accueillir chaleureusement. C'est aussi une allusion au mouvement De Stijl et à la salle de bal Aubette, avec ses lignes angulaires et rectilignes caractéristiques. Sans oublier la proximité de la cathédrale et des anges qui ornent ses murs. Des bulles semblent flotter librement et danser dans l'espace, une sorte d'antithèse à l'esprit de De Stijl, mais une belle référence au mouvement. Nous aimions l'idée de cette jeune fille qui se libère des perceptions construites autour d'elle tout en essayant de ne pas se perdre. » - Faile Récits artistiques en mouvement : L'histoire de « Dancing Between Angels/Love Stories B-Side » par Faile « Dancing Between Angels/Love Stories B-Side », une œuvre captivante du collectif d'artistes Faile, témoigne de la richesse des superpositions et de la narration propres au street art et au graffiti. Cette édition limitée à 22 exemplaires, peinte à la main, est une sérigraphie artisanale 24 couleurs rehaussée d'acrylique, d'encre sérigraphique et de peinture aérosol sur papier Coventry Rag 310 g/m² à grain frangé. Mesurant 71 x 102 cm, chaque estampe est signée, tamponnée et gaufrée, et porte un récit unique mêlant références historiques et vocabulaire artistique contemporain. « Le titre de cette image est tiré d'un vers du poème : « Paysages peints me trompent – ​​Dansant entre anges et anges ». Il s'agit d'une référence à l'arrivée de Marie-Antoinette à Strasbourg, peu après son accession au trône, et aux faux paysages peints placés devant sa fenêtre pour l'accueillir chaleureusement. On y trouve également une allusion au mouvement De Stijl et à la salle de bal Aubette, avec ses lignes angulaires et rectilignes caractéristiques. La proximité de la cathédrale et les anges qui ornent ses murs y contribuent également. Des bulles volent librement et dansent dans l'espace, une image en quelque sorte à l'opposé de l'esprit De Stijl, mais une belle référence au mouvement. Nous avons aimé l'idée de cette jeune fille qui se libère des perceptions construites autour d'elle tout en essayant de ne pas se perdre. » – Faile. Déconstruire les illusions historiques : la toile interprétative de Faile Le récit de « Dancing Between Angels/Love Stories B-Side » puise dans une riche tapisserie de références historiques et artistiques. Inspiré d'un poème, le titre fait allusion aux paysages pastoraux trompeurs présentés à Marie-Antoinette à son arrivée à Strasbourg, conçus pour créer une illusion de bienvenue et de grandeur. Faile prolonge cette métaphore pour explorer les concepts de perception et de soi dans le cadre du pop art et du street art. L'œuvre explore visuellement le déchirement des couches de prétention, une danse vibrante entre réalité et artifice. Elle rend également hommage à De Stijl, mouvement artistique néerlandais mettant l'accent sur l'abstraction et les formes géométriques. Les angles aigus et les lignes rectilignes caractéristiques de De Stijl sont présents dans l'œuvre, juxtaposés aux formes organiques des bulles et à la fluidité de la figure centrale. Ce contraste est un clin d'œil délibéré au mouvement et au dynamisme, remettant en question la rigidité de De Stijl par la danse éphémère des bulles dans l'espace. Mouvement et métaphore : la fusion de la danse et de l'art chez Faile Au cœur de la création de Faile se trouve la représentation d'une figure féminine déchirant les façades qui l'entourent. Cet acte, à la fois littéral et symbolique, est une danse de libération qui révèle les strates cachées sous la surface. L'élan ascendant de la figure et la grâce de ses jambes évoquent une allure de ballerine, suggérant que déchirer le mensonge est aussi élégant que puissant. Les anges et les éléments architecturaux présents dans l'œuvre l'ancrent dans un récit historique plus vaste, reliant la nature éphémère du street art à la permanence du patrimoine culturel. L'intégration de ces éléments crée un dialogue entre le passé et le présent, conférant à l'œuvre une dimension intemporelle. Poésie visuelle : l'attrait rythmique de l'œuvre de Faile « Dancing Between Angels/Love Stories B-Side » est, par essence, un poème visuel qui touche au cœur même du street art et du graffiti. C'est une danse de couleurs et de formes, une composition rythmique qui transcende les limites de son médium. L'œuvre de Faile capture l'esprit du dialogue entre le pop art et la culture populaire, le mêlant à la dimension subversive du street art pour créer une œuvre inédite et profondément marquante. Chaque tirage de cette édition limitée est un fragment narratif, invitant le spectateur à une exploration multiforme de l'œuvre. La danse représentée n'est pas seulement physique ; c'est un voyage émotionnel et psychologique, une danse de l'âme qui reflète la complexité et la richesse de l'expérience humaine. Dans l'univers foisonnant du street art et du graffiti, « Dancing Between Angels/Love Stories B-Side » de Faile est une puissante expression de la capacité narrative et de la profondeur émotionnelle du genre. Elle nous rappelle que l'art peut être un moyen d'examiner nos perceptions, de lever le voile qui obscurcit la vérité et de célébrer le pouvoir libérateur de la danse et du mouvement.

Lis Plus Moins

Big Baby Jesus, édition limitée, sérigraphie artisanale monochrome sur papier beaux-arts, par Joe King, artiste de rue graffiti, art pop moderne.

Lis Plus Moins

Estampe d'art en édition limitée, réalisée à partir de pigments d'archives, sur papier d'art en velours de coton, par l'artiste Nychos, légende du street art pop et du graffiti. 2021 Signé et numéroté Format : 32,5 x 60,9 cm // 12,8 x 24 pouces Tirage d’art par NYCHOS Édition limitée à 111 exemplaires Papier fibre de coton Velvet Fine Art Signé et numéroté à la main Amour, Vie et Mort par Nychos « Love Life And Death » est une estampe pigmentaire d'archive en édition limitée, signée et numérotée (111 exemplaires), réalisée par Nychos, pionnier autrichien du street art. Imprimée sur papier d'art velours coton, l'œuvre mesure environ 32,5 x 60,9 cm. Reconnu pour ses coupes anatomiques et son style narratif saisissant, Nychos présente une composition verticale qui fusionne romance, mortalité et transcendance en un tableau unique et d'une grande précision. Anatomie de l'amour et de la mortalité Au centre de la composition, deux amants, dont les corps sont exposés, s'enlacent, leurs formes squelettiques et musculaires rendues avec une précision scientifique et une intensité émotionnelle saisissantes. Au-dessus d'eux, une figure ailée plane, telle une gardienne ou un témoin cosmique, tandis qu'en dessous, la Mort attend patiemment, sa faux à la main, partiellement dissimulée parmi les fleurs et la terre. L'œuvre cartographie visuellement le continuum de l'existence, du désir et du lien à la décomposition et à l'inéluctabilité. En révélant ce qui se cache sous la peau, Nychos réduit l'amour et la mort à leur vérité biologique commune, suggérant que l'intimité et l'impermanence sont des forces indissociables. Nychos et le cycle de l'existence « Love Life And Death » est emblématique de la pratique artistique de Nychos, qui mêle art urbain, illustration médicale et allégorie classique. Son œuvre invite souvent le spectateur à se confronter à des réalités dérangeantes par la beauté, la précision et l'échelle. Dans cette pièce, le cadre orné et le symbolisme mythique transcendent le simple effet de choc pour en faire une méditation sur l'équilibre entre création et destruction. À la fois estampe d'art et prolongement de ses récits inspirés des peintures murales, l'œuvre constitue un puissant témoignage sur la fragilité de la vie et l'inéluctabilité de la mort, exprimés avec respect plutôt qu'avec crainte.

Lis Plus Moins

Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

Lis Plus Moins

« Le vent du nord et le soleil », œuvre surréaliste, impression giclée en édition limitée sur papier d'art 100 % coton, par l'artiste populaire Naoto Hattori. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée à la main, 2014. Format de l'œuvre : 16 x 20 pouces. Impression originale

Lis Plus Moins

13 Horror Movie Killer Giclee Print par Dave Pollot, œuvre d'art en édition limitée, imprimée sur papier d'art de qualité supérieure, artiste graffiti pop de rue. Édition limitée 2022, signée et numérotée à 55 exemplaires. Dimensions de l'œuvre : 23,5 x 14 pouces. 13 Estampe giclée « Tueur de film d'horreur » par Dave Pollot – Une réinterprétation dérangeante d'une icône classique dans le style street art pop et graffiti. L'estampe giclée en édition limitée de Dave Pollot, intitulée « 13 Horror Movie Killer » (2022), est une réinterprétation provocatrice de La Cène de Léonard de Vinci, imprégnée d'un humour noir et d'iconographie horrifique. Mesurant 59,7 x 35,6 cm et imprimée sur papier d'art de qualité supérieure, cette édition signée et numérotée à seulement 55 exemplaires fusionne le sacré et le sinistre. Pollot, artiste contemporain new-yorkais connu pour intégrer des références à la culture pop dans des œuvres classiques, métamorphose la scène en remplaçant les apôtres par des figures légendaires du cinéma d'horreur. La tension visuelle entre la figure divine centrale et les figures violentes qui l'entourent crée une réinterprétation à la fois déroutante et captivante, qui a suscité l'intérêt des milieux du pop art et du street art. De Frankenstein à Freddy : Les icônes de l'horreur réunies dans une satire La composition réunit des figures de l'horreur immédiatement reconnaissables, telles que le monstre de Frankenstein, la Momie, la Créature du Lac Noir, et des légendes modernes du slasher comme Freddy Krueger, Michael Myers, Jason Voorhees, Leatherface, Ghostface et Pinhead. Chaque personnage est rendu avec soin, faisant écho à sa présence cinématographique tout en s'intégrant à l'esthétique patinée et vieillie du décor de Léonard de Vinci. La patte de Pollot ne se contente pas de parodier ; elle orchestre, combinant la force de l'art religieux à l'iconographie du cinéma pour interroger les notions de vénération culturelle et de moralité. Si le spectateur peut d'abord rire de l'absurdité de voir des méchants d'horreur partager un repas sacré, un examen plus attentif révèle un contraste saisissant entre la peur et la foi, la culture populaire et la permanence. L'art contemporain rencontre la subversion culturelle dans le pop art urbain et le graffiti. Pollot est reconnu pour brouiller les frontières entre art savant et art populaire en recouvrant physiquement ou numériquement des œuvres d'art chinées de style classique, avec des personnages de jeux vidéo, de films et de séries télévisées. Ici, la technique d'impression numérique giclée permet une grande richesse de détails et une finition texturée qui reproduit la qualité picturale de l'œuvre originale. En optant pour un tirage limité à 55 exemplaires sur papier beaux-arts, Pollot élève cette pièce au rang d'objet de collection du Street Pop Art et du graffiti. Le procédé giclée se distingue par sa capacité à capturer les nuances de couleurs et les ombres complexes, permettant de rendre avec clarté et profondeur chaque ride, chaque ombre et chaque détail sanglant de ces légendes de l'horreur. Commentaire de Dave Pollot à travers une satire noire et des icônes familières Dave Pollot, artiste américain d'art urbain contemporain, insuffle à ses œuvres une ironie et un sens de l'observation aiguisés. Son travail réinvente sans cesse les formes d'art traditionnelles en les intégrant à l'absurdité du divertissement moderne. Dans « 13 Horror Movie Killer », Pollot propose bien plus qu'une simple image insolite : il construit un récit de vénération culturelle, interrogeant la transformation de nos figures emblématiques, autrefois considérées comme sacrées, en monstres du divertissement. Cette œuvre, à la croisée du street art et du graffiti, s'inscrit parfaitement dans les débats autour de l'iconoclasme, de la nostalgie et du réconfort étrange que l'horreur continue d'offrir dans les médias modernes. Chaque tueur est un symbole, et leur présence autour d'une table à la symbolique sacrée invite à une critique incisive de la consommation, du fanatisme et de la mémoire collective au XXIe siècle.

Lis Plus Moins

Grenouille en prière, dessin original réalisé à la main sur papier d'art vieilli et frangé à la main, par l'artiste surréaliste Naoto Hattori. Dessin original unique au crayon/graphite signé en 2012. Œuvre encadrée. Dimensions du cadre : 8,5 x 8,5. Dimensions de l’image : 3 x 5. Encadrement et passe-partout personnalisés par l’artiste. La grenouille en prière de Naoto Hattori : une fusion de surréalisme et d'esthétique urbaine Le dessin original « La Grenouille en prière », réalisé à la main, illustre avec force la capacité de Naoto Hattori à entremêler la fantaisie du surréalisme aux éléments concrets et accessibles caractéristiques du street art et du graffiti. Créée en 2012, cette œuvre unique, réalisée au crayon et au graphite, a été soigneusement encadrée et mise sous passe-partout par l'artiste, témoignant de son implication personnelle et de son dévouement artistique. Encadrée dans un cadre carré de 21,6 x 21,6 cm, l'œuvre occupe un espace de 7,6 x 12,7 cm sur un papier d'art vieilli, à la texture irrégulière, choisi pour sa contribution à l'esthétique générale. « La Grenouille en prière » se distingue par sa simplicité et la profondeur de son expression. Le choix du sujet, une grenouille saisie dans une posture presque anthropomorphe, suggère un récit qui dépasse le simple visuel, invitant à la réflexion et à l'interprétation personnelle. C’est un thème récurrent du street art pop, où l’imagerie sert souvent de portail vers une contemplation plus profonde, engageant le spectateur dans un dialogue qui transcende l’œuvre elle-même. Le choix d’Hattori d’encadrer et de mettre en valeur l’œuvre sur mesure renforce son intimité, suggérant que cette petite fenêtre sur un monde surréaliste constitue un univers à part entière. L'intimité de l'art d'Hattori dans le domaine public de l'art urbain L'univers du street art et du graffiti est généralement associé à des œuvres monumentales qui investissent l'espace public. Pourtant, « La Grenouille en prière » d'Hattori remet en question cette idée en présentant un monde contenu dans les dimensions modestes d'un dessin de petit format. L'intimité de l'œuvre reflète l'esprit du street art, qui consiste souvent à exprimer des opinions personnelles dans l'espace public. L'œuvre d'Hattori transpose cette sensibilité dans la sphère privée, permettant une interaction directe entre l'art et le spectateur. Le travail minutieux au graphite, combiné aux bords irréguliers du papier vieilli, crée une expérience tactile qui invite le spectateur à s'approcher et à explorer les textures et les nuances subtiles qui définissent le dessin. La présentation de l'œuvre, avec de légères traces de manipulation et la touche de l'artiste dans son encadrement, fait écho à l'authenticité recherchée dans le street art. Tout en protégeant et en mettant en valeur le dessin, le cadre témoigne également du passage du temps, comme en témoignent les légères marques et éraflures qui racontent le parcours de l'œuvre, de sa création à sa conservation. Ces marques d'âge et de manipulation confèrent à la « Grenouille en prière » une histoire et une présence que l'on retrouve souvent sur les surfaces patinées du street art urbain. Dépasser les frontières : La « grenouille en prière » dans le contexte du pop art urbain « La Grenouille en prière » de Naoto Hattori illustre avec force comment les frontières entre les différentes formes d'art peuvent être transcendées, créant un espace où le surréalisme coexiste avec l'esthétique urbaine du street art et du graffiti. Bien que de petite taille, le dessin déploie une vaste portée émotionnelle et imaginative. Il captive le regard du spectateur à la manière d'une fresque murale dans une rue animée, prouvant que l'impact n'est pas limité par la taille. Le soin méticuleux apporté aux détails et le choix judicieux d'un papier vieilli témoignent du respect d'Hattori pour les matériaux porteurs d'histoires. Ceci fait écho à la manière dont le street art intègre souvent le paysage urbain à son récit, faisant de l'environnement une partie intégrante de l'œuvre. Bien que détachée des murs de la ville, « La Grenouille en prière » porte en elle l'esprit du street art, apposant un pont entre la galerie et la ruelle. « Grenouille en prière » est un microcosme de la philosophie artistique d’Hattori, mêlant les qualités oniriques de son surréalisme à la force émotionnelle et ancrée dans le réel propre au pop art urbain. Cette œuvre représente non seulement une exploration visuelle d’une grande profondeur thématique, mais constitue également un témoignage tangible du parcours d’Hattori en tant qu’artiste – un parcours marqué par la convergence de l’imagination et du monde tactile et texturé qui nous entoure.

Lis Plus Moins

« Last Supper in South Park », une œuvre d'art en édition limitée imprimée en giclée sur papier Hahnemühle Photo Rag Pearl par l'artiste de graffiti pop culture Ron English - POPaganda. South Park Studios est fier de présenter cette reproduction d'art de qualité muséale de « La Cène à South Park » par Ron English-POPoganda. Imprimée avec des encres pigmentées Epson sur papier Hahnemühle Photo Rag Pearl, cette pièce de collection non encadrée est signée et numérotée individuellement par l'artiste. Tirage limité à 150 exemplaires. Les créateurs de South Park et Ron English-POPoganda ont sélectionné 15 artistes pour rendre hommage à la 15e saison de South Park lors d'une exposition qui ouvrira ses portes le 28 mars à l'Opera Gallery de New York.

Lis Plus Moins

Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

Lis Plus Moins

Papier buvard Oracle LSD, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par MAD, œuvre d'art LSD de la culture pop. 202 1 Édition limitée signée et numérotée à 35 exemplaires . Dimensions de l'œuvre : 7,5 x 7,5 Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 7,5 x 7,5 pouces. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey et peuvent légèrement différer de l'exemple présenté.

Lis Plus Moins

Œuvre d'art impie, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure par l'artiste de graffiti de la culture pop Jason Levesque.

Lis Plus Moins

Blessbot - Crystal Blue Canbot Canz Édition Limitée Jouet d'Art en Vinyle de Collection Œuvre d'Art de Graffiti de Rue Czee13. Édition limitée à 100 exemplaires (2021) Moulée en vinyle bleu transparent à paillettes mystiques, cette version alternative du Blessbot de 142 g (5 oz) représente un gourou en méditation, chapelet à la main, assis et faisant le signe shaka. Comme tous les Blessbots, il est doté du fameux hochet en forme de bombe aérosol. Édition limitée à 100 exemplaires : Blessbot – Figurine d'art en vinyle souple bleu cristal (14 cm). Présenté avec boîte.

Lis Plus Moins

Tirages d'art pigmentaires d'archives en édition limitée Stormtrooper Messiah sur papier d'art Moab Entrada par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Ron English - POPaganda. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2021. Tirage pigmentaire couleur sur papier d'art Moab Entrada. Format : 17 x 22 pouces. « Stormtrooper Messiah » est une œuvre d'art en édition limitée de l'artiste Ron English-POPaganda, reconnu pour son mélange provocateur d'art urbain et d'iconographie de la culture populaire. Cette pièce fait partie d'une série de 100 tirages pigmentaires d'archives, chacun signé et numéroté pour garantir son authenticité et sa valeur de collection. L'œuvre mesure 43 x 56 cm et est réalisée sur papier d'art Moab Entrada, un choix gage de haute qualité qui assure la longévité et l'éclat des couleurs. Cette œuvre d'English est un puissant commentaire sur les intersections entre idéologie, iconographie et mécanismes d'endoctrinement au sein de notre société. Elle réinterprète un stormtrooper standard – symbole du justicier anonyme de la franchise « Star Wars » – sous les traits d'une icône religieuse, évoquant le Messie. Cette fusion d'images issues de cultures très différentes met en lumière la dévotion souvent inconsciente que nous portons à certains aspects de la culture populaire, en parallèle avec la ferveur religieuse. Le choix par Ron English d'un stormtrooper, emblème d'identité collective et d'autorité inflexible, drapé dans les attributs d'une figure spirituelle, interroge le rôle de ces figures et des institutions qui les soutiennent dans la formation des croyances et des comportements. L'artiste emploie des couleurs lumineuses et contrastées pour insuffler à la figure un sentiment de révérence, une approche qui reflète l'aura souvent associée aux œuvres d'art religieuses. Les robes fluides aux teintes vives confèrent au sujet une impression de mouvement et une présence éthérée, intensifiant l'impact de la juxtaposition visuelle. Le « Messie Stormtrooper » est plus qu'une œuvre d'art ; c'est un discours visuel qui invite les spectateurs à réfléchir aux récits et aux symboles qui influencent leur compréhension du pouvoir, de la culture et de la spiritualité. Ron English-POPoganda, par sa fusion singulière de la force brute du street art et de la fascination du pop art pour la culture populaire, a créé une image saisissante qui continue de susciter des débats au sein de la communauté artistique et au-delà.

Lis Plus Moins

« State of Mind », œuvre d'art surréaliste en édition limitée, impression giclée sur papier d'art 100 % coton, par l'artiste populaire Naoto Hattori. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée à la main, 2012. Format de l'œuvre : 6 x 8 pouces. Impression originale

Lis Plus Moins

Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

Lis Plus Moins

Fallen Angel - Édition limitée bleue, sérigraphie technique mixte bicolore réalisée à la main sur papier aquarelle Fabriano 300 g/m² par Copyright Graffiti Street Artist Modern Pop Art. « J'ai créé cette image pour la première fois en 2011. À l'époque, j'en avais sorti deux versions aux couleurs différentes, qui ont toutes été épuisées. En 2013, j'ai organisé une exposition pour célébrer mes dix ans de carrière. L'occasion était idéale pour me replonger dans mon travail et revisiter d'anciens sujets de prédilection. J'ai créé ces tirages et les ai gardés de côté jusqu'au moment opportun. Pour ma première sortie d'estampes aux États-Unis et pour présenter mon travail, le moment me semblait parfait. Les anges sont un motif récurrent dans mon œuvre, et la plupart de mes tableaux explorent une thématique douce-amère. L'image d'un ange déchu est donc un symbole puissant pour exprimer cela. J'utilise des symboles et une iconographie dans mes peintures pour construire un récit, généralement à travers de petites icônes ou des tatouages. » - Copyright

Lis Plus Moins

Virgen De Las Estrellas, édition limitée, sérigraphie artisanale en 4 couleurs sur papier beaux-arts, par Ernesto Yerena Montejano, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Sérigraphie 4 couleurs signée, 2017. Format : 24 x 18 pouces. Édition limitée à 200 exemplaires.

Lis Plus Moins

Let Us Prey - Figurine de collection en vinyle en édition limitée, œuvre d'art sanglante de l'artiste de graffiti de rue Frank Kozik. Cette annonce concerne la version sanglante de « Let Us Prey » de Frank Kozik. Édition limitée à 100 exemplaires dans le monde. Piégés dans un monde cruel où le papier est source de revenus et de bonheur, nous avons transformé tout « échange » en un concept bien éloigné d'un sourire échangé avec un inconnu. Nos prières murmurées sont devenues des demandes de richesse et de biens matériels pour assurer notre longévité et veiller sur nos comptes bancaires plutôt que sur nos amis. En collaboration avec le célèbre artiste et directeur artistique de Kidrobot, Frank Kozik, la figurine « Let Us Prey » capture l'avidité contemporaine, comprimée entre deux mains pleines d'espoir qui, autrefois, priaient pour bien plus que de l'argent. Représentant avec sa hauteur de 25 cm la manière dont la culture populaire reflète notre économie et notre statut social actuels, la figurine en vinyle « Let Us Prey » de Frank Kozik est l'objet idéal pour nous rappeler l'équilibre à trouver entre nos personnalités virtuelles et nos véritables aspirations à l'épanouissement personnel.

Lis Plus Moins

Planche de skateboard Hollywood Deck en édition limitée, sérigraphiée par Faile, artiste de la culture pop urbaine. FAILE Hollywood, 2019 9,5" x 28,5" Bois d'érable 7 plis Édition limitée à 150 exemplaires. Chaque jeu est accompagné d'un certificat d'authenticité signé par le conservateur Roger Gastman, confirmant son authenticité et le tirage.

Lis Plus Moins

Achetez PEINTURE One of a Kind Artwork on MEDIUM par Street Art Pop Artist. 2022 Signé MEDIA Original Peinture Taille XXXX INFO

Lis Plus Moins

Coati The Gang est une peinture originale à l'acrylique et au crayon graphite de Dulk—Antonio Segura Donat. Il s'agit d'une œuvre unique encadrée sur papier d'art japonais fait main, réalisée par un artiste pop de street art. Œuvre originale signée, réalisée au crayon et à la peinture acrylique en 2023. Encadrement sur mesure par l'artiste. Dimensions : 9,84 x 12,2 cm (sans cadre) ; 7,09 x 9,46 cm. Fusion du naturalisme et du fantastique chez Dulk : « Coati et sa bande » Dans l'œuvre « Coati The Gang », Dulk, pseudonyme d'Antonio Segura Donat, nous transporte dans un univers où faune et flore s'entremêlent. Cette œuvre originale, réalisée à l'acrylique et au crayon graphite sur papier d'art japonais fait main, témoigne du talent unique de Dulk pour fusionner les codes du street art et les techniques picturales classiques. Qualité artistique de la peinture originale de Dulk Cette œuvre unique, méticuleusement encadrée par l'artiste, mesure 25 x 31 cm (9,84 x 12,2 pouces), la toile présentant des dimensions légèrement inférieures de 18 x 24 cm (7,09 x 9,46 pouces) sans cadre. Le cadre, réalisé sur mesure, sublime l'expérience visuelle, mettant en valeur la finesse des détails et la délicatesse du papier. Le choix d'un papier d'art japonais fait main pour « Coati The Gang » témoigne de l'attachement de Dulk à la qualité et au savoir-faire, offrant une texture subtile qui sublime la précision du travail au pinceau et au graphite. Images captivantes d'Antonio Segura Donat « Coati The Gang » témoigne du talent de conteur de Dulk, dont la figure centrale, le coati, est représentée avec une précision saisissante au milieu d'une galerie de personnages attachants. L'œuvre s'inscrit dans la riche tradition de l'illustration naturaliste tout en affirmant une modernité indéniable dans son exécution et son style. Le récit de Dulk fusionne le monde organique avec une touche de surréalisme, invitant le spectateur à plonger dans une histoire qui se dévoile à chaque regard. L'utilisation de la peinture acrylique confère une grande vivacité à l'œuvre, tandis que la subtilité du crayon permet des dégradés et une texture délicats qui donnent profondeur et vie aux créatures. Les coups de pinceau méticuleux et les ombrages précis soulignent les thèmes du street art et du graffiti, où le message est souvent véhiculé par la force de l'image elle-même. La peinture originale « Coati The Gang » est bien plus qu'une simple œuvre d'art ; c'est une fenêtre ouverte sur l'univers imaginaire de Dulk, où les frontières entre street art et beaux-arts se rencontrent avec brio. Elle témoigne de l'engagement de l'artiste à intégrer les merveilles du monde naturel au dialogue de l'art urbain, faisant de Dulk une figure de proue à la croisée de la culture pop et de la conservation de la faune sauvage.

Lis Plus Moins

Destiny Original Die Cut Vinyl, Oil Paint on Wood Cradled Panel ready to hang by Dan Christofferson- Beeteeth Graffiti Street Artist Modern Pop Art. « Destin » - Vinyle découpé à l'emporte-pièce 24" x 32" sur le panneau de mon exposition « West Was Won ». - Dan Christofferson

Lis Plus Moins

Let Us Prey - G(u)ilt, figurine de collection en vinyle en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de graffiti de rue Frank Kozik. Avec ses 25 cm de hauteur, la figurine en vinyle « Let Us Prey » de Frank Kozik représente la manière dont la culture pop s'attache à refléter notre économie et notre statut social actuels. C'est l'objet idéal pour nous rappeler l'équilibre entre nos personnalités sur les réseaux sociaux et nos véritables objectifs d'épanouissement personnel.

Lis Plus Moins

Shrug HPM #3 Édition limitée, impression giclée rehaussée à la main sur papier d'art par Phil Lumbang, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Ours multiple peint à la main avec un visage WTF peint à la main et d'autres éléments.

Lis Plus Moins

Robocopus Hypercubus, édition limitée, sérigraphie artisanale en 4 couleurs sur papier beaux-arts, par Tim Doyle, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Événement Bijou Metro & Blunt Graffix, Eugene (Oregon). Le coup de maître de Tim Doyle : un mélange détonant entre les icônes religieuses Robocop et Salvador Dali. Cette affiche sérigraphiée 45,7 x 61 cm, imprimée à la main, est signée et numérotée par l'artiste. Tirage limité à 100 exemplaires dans le monde.

Lis Plus Moins

« My Mary », une sérigraphie en édition limitée bicolore tirée à la main sur papier beaux-arts, par Mark Dean Veca, artiste de street art rare et célèbre du pop art.

Lis Plus Moins

Estampe sur bois « Dieu est grand » par un auteur inconnu, tirée à la main sur papier d'art texturé, édition limitée. Estampe sur bois en édition limitée de 2008, format 12x17, en noir et blanc, représentant des mots fictifs d'un artiste de Saint-Louis dont j'ai oublié le nom. Le silence éloquent de la gravure sur bois « Dieu est grand » En arts visuels, rares sont les médiums qui expriment avec autant de force l'union de l'ancien et de l'avant-garde que la gravure sur bois. L'estampe « Dieu est grand », une œuvre en édition limitée réalisée en 2008, illustre la pertinence intemporelle de cette technique ancestrale dans le discours artistique contemporain. Bien que l'artiste, originaire de Saint-Louis, demeure anonyme, l'œuvre elle-même – un jeu saisissant de noir et blanc sur un papier d'art texturé de 30,5 x 43 cm – transmet un message universel qui transcende la nécessité de l'identification de l'auteur. L'impression xylographique : un dialogue à travers le temps La xylographie, l'une des plus anciennes techniques d'impression, possède une histoire riche qui s'étend de l'Asie orientale antique aux ateliers d'art contemporains du monde entier. Ce procédé consiste à graver une image sur un bloc de bois, à l'encrer, puis à l'imprimer sur du papier ou du tissu. Avec son écriture audacieuse et sa composition abstraite, cette œuvre illustre parfaitement le potentiel de précision et d'expression de cette technique. Le contraste du noir et blanc dans « Dieu est grand » renforce le caractère intemporel de l'estampe. Parallèlement, l'écriture énigmatique suggère un langage au-delà des mots, une tentative de saisir l'inexprimable. D'une beauté minimaliste et pourtant profonde, cette esthétique trouve un écho dans les stratégies visuelles du pop art et du graffiti, où le message est souvent condensé en symboles ou en textes stylisés qui résonnent instinctivement chez le spectateur. Résonance culturelle dans l'art contemporain « Dieu est grand » se dresse comme un témoignage culturel puissant, incarnant l'essence même de ce que recherchent de nombreux artistes de rue et adeptes du pop art : une œuvre à la fois accessible et profonde, immédiate et intemporelle. Elle invite le spectateur à méditer sur le pouvoir du langage, l'acte de communication et la possibilité d'une présence divine dans le quotidien. Malgré l'anonymat de son créateur, l'estampe porte en elle une force qui témoigne de la quête humaine universelle de compréhension et de connexion. La présence de cette gravure sur bois au sein du pop art, du street art et du graffiti illustre la fluidité des frontières entre les formes artistiques et le langage visuel partagé qui unit des genres disparates. Si l'origine de « Dieu est grand » demeure mystérieuse, l'œuvre devient un vecteur de contemplation et de dialogue, invitant à l'interprétation et à l'échange chez ceux qui la découvrent. L'estampe « Dieu est grand », même sans la signature d'un artiste reconnu, est un témoignage éloquent de la puissance des techniques d'impression traditionnelles dans le paysage artistique contemporain. Cela nous rappelle que l'art, dans sa forme la plus pure, est un dialogue qui traverse l'histoire, transcende les barrières et continue d'évoluer, invitant chaque spectateur à prendre part à son récit en cours.

Lis Plus Moins

Muse du Monde - Ocre, édition limitée, sérigraphie bicolore sur papier d'art français 140 lb, par Glenn Barr, artiste de rue, art pop moderne. « Cette image était une affiche populaire que j'avais publiée il y a quelques années. J'ai décidé de la décliner en une édition limitée plus artisanale, différente de l'offset. L'année dernière, je l'ai fait transcrire en sérigraphie deux couleurs et l'ai éditée à seulement 25 exemplaires, spécialement pour mon exposition à la galerie Inner State de Detroit… Elle s'est vendue comme des petits pains. Pour célébrer le succès de cette image, j'ai voulu en créer une autre version. Cette fois-ci, j'ai changé les couleurs : 50 exemplaires dans des tons bleus froids et 50 autres dans des tons or profonds. Enfin, pour une édition spéciale limitée à 25 exemplaires, j'ai créé un troisième écran avec des lignes pour sublimer le spectacle du vol de la Muse. » – Glenn Barr

Lis Plus Moins

Tirage giclée en édition limitée Shrug sur papier d'art par Phil Lumbang, artiste de rue graffiti, art pop moderne.

Lis Plus Moins

Estampe sérigraphique en demi-teintes Jésus - Blanc 5 couleurs, édition limitée, tirée à la main sur papier beaux-arts par SSUR - Ruslan Karablin, artiste pop art célèbre et rare.

Lis Plus Moins

Blessbot - Canbot Canz de la veille de la Toussaint, jouet d'art original en vinyle peint à la main, œuvre d'art de collection par le graffeur de rue Jon Rampage x Czee13. 2021 Signé Jon Rampage x Czee13 Peint à la main Blessbot Peinture en aérosol, acrylique et techniques mixtes Pièce unique originale d'une session limitée à 10 exemplaires—Marque Czee13 au dos avec la signature de Jon Rampage. Le Blessbot - Canbot Canz de la veille de la Toussaint : Une célébration de l'individualité dans l'art urbain Le Blessbot - All Hallows Eve Canbot Canz est une illustration saisissante de la rencontre unique entre l'artisanat et la vitalité de la culture urbaine. Cette figurine de collection originale en vinyle, née de la collaboration créative de Jon Rampage et Czee13 en 2021, est une pièce d'exception en édition limitée à seulement dix exemplaires. Chaque pièce est une symphonie peinte à la main à la bombe, à l'acrylique et en techniques mixtes, révélant les styles distinctifs des deux artistes. Signées par Jon Rampage et portant la marque Czee13, ces Canbot Canz sont bien plus que de simples objets de collection : ce sont des témoignages uniques de l'héritage du graffiti. Artisanat intime à l'ère du numérique À l'ère du numérique où la production de masse est la norme, les Canbot Canz Blessbot - All Hallows Eve se distinguent par leur originalité et la touche personnelle des artistes. L'utilisation de matériaux traditionnels du graffiti, comme la peinture en aérosol, combinée à l'acrylique sur une toile en vinyle, témoigne de la fusion entre l'énergie brute et spontanée du street art et la minutie des beaux-arts. Chaque coup de pinceau, chaque contour sur la surface des Canbot Canz raconte une histoire, un récit ponctué par le thème d'Halloween qui traverse cette série limitée. Un hommage à l'art du graffiti et à la culture des objets de collection Ces Canbot Canz rendent hommage à la tradition du graffiti et reflètent l'essor des collectionneurs de figurines d'art. La série Blessbot, avec ses visages évoquant des citrouilles, capture l'esprit d'Halloween, mêlant l'effroi ludique de cette fête à l'âme rebelle du street art. Signées Jon Rampage, les Blessbot Canz transcendent l'ordinaire et offrent l'expérience unique de posséder une pièce artisanale d'exception. Dans le débat plus large autour du street art et du graffiti, les Blessbot - All Hallows Eve Canbot Canz témoignent de l'attrait intemporel et de l'évolution constante du street art. Elles incarnent l'essence même du mouvement, des rues aux collections privées, préservant la nature éphémère du graffiti sous une forme qui perdure.

Lis Plus Moins

Versus/Temple of Nature Sérigraphie de Koralie Carmen Flores Tirage à la main 7 couleurs sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² Œuvre en édition limitée. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2018. Œuvre d'art multidirectionnelle, format 16 x 20 pouces. Sérigraphie. La fusion du street art pop et du graffiti dans « Versus/Temple of Nature » de Koralie La sérigraphie « Versus/Temple of Nature » témoigne de l'esprit novateur du street art et du graffiti contemporains. Créée par la talentueuse Koralie Carmen Flores, cette œuvre est une symphonie visuelle de sept couleurs vibrantes, méticuleusement appliquées à la main sur un papier d'art Coventry Rag de 290 g/m². Cette édition limitée à 100 exemplaires signés et numérotés offre une interaction unique entre le spectateur et l'œuvre : sa nature multidirectionnelle invite à choisir son orientation une fois accrochée. Le travail de Koralie est une toile de convergence culturelle, mariant l'imagerie saisissante du street art aux techniques raffinées de la sérigraphie. Chaque estampe de cette série limitée mesure 40,6 x 50,8 cm (16 x 20 pouces), un format à la fois intime et imposant, garantissant que les motifs complexes et les palettes de couleurs audacieuses s'imposent dans n'importe quel espace. Lancée en 2018, cette collection exclusive capture l'essence d'une époque où le street art a imprégné le monde des beaux-arts, remettant en question les frontières et les attentes traditionnelles. L'esthétique unique de l'art de Koralie L'œuvre « Versus/Temple of Nature » de Koralie ne se contente pas de représenter des éléments naturels ; elle explore en profondeur la symétrie et le symbolisme de la nature. L'œuvre regorge de formes architecturales qui imitent les motifs naturels, créant un mélange harmonieux en résonance avec les principes fondamentaux du Street Pop Art. Ces formes font écho à l'organique et à l'artificiel, présentant une dichotomie qui invite à la contemplation. Les structures évoquant un temple, juxtaposées à des motifs de faune et de flore, créent un espace sacré sur le papier, un sanctuaire où les mondes urbain et naturel fusionnent. Le choix des couleurs de cette estampe n'est pas fortuit. Chaque teinte est sélectionnée pour susciter une émotion particulière et se détacher sur le fond urbain souvent associé au graffiti. Les couleurs jaillissent du papier, créant un jeu dynamique d'ombre et de lumière qui donne vie à l'estampe. Le papier d'art Coventry Rag, reconnu pour sa durabilité et son exceptionnelle restitution des couleurs, garantit que chaque estampe conserve toute sa vivacité, la distinguant ainsi parmi les œuvres d'art de collection. Interactivité et personnalisation dans l'art Dans le contexte du Street Pop Art, l'interactivité est essentielle. Koralie conçoit cette interaction comme une communication entre l'œuvre et le spectateur. En concevant « Versus/Temple of Nature » de manière multidirectionnelle, elle permet au spectateur d'interagir personnellement avec l'œuvre, de déterminer son orientation et, par conséquent, sa perception. Ce choix reflète l'esprit démocratique du street art, où l'espace public et le regard du public dictent l'interprétation et la valeur de l'œuvre. L'idée de pouvoir personnaliser son expérience artistique en choisissant son orientation est à la fois moderne et révélatrice du désir de personnalisation de la société contemporaine. Cette estampe n'orne pas seulement un espace, elle s'intègre au tissu urbain, façonnée par l'esthétique et la perspective de son propriétaire. Ainsi, l'estampe de Koralie transcende la nature statique traditionnelle de l'art mural, devenant une œuvre vivante qui interagit avec son environnement. La signification culturelle des estampes en édition limitée L'exclusivité de l'estampe « Versus/Temple of Nature » ​​symbolise la valeur culturelle accordée aux éditions limitées au sein de la communauté Street Pop et Graffiti. Chaque tirage de 100 exemplaires confère à l'œuvre un caractère rare et unique, recherché par les collectionneurs et les amateurs. La signature et la numérotation de Koralie elle-même authentifient l'estampe et établissent un lien direct entre l'artiste et le collectionneur, une caractéristique essentielle de l'esprit du street art. Les collectionneurs de telles pièces n'acquièrent pas seulement une œuvre d'art ; ils préservent un patrimoine culturel, un instantané de la vision de l'artiste à un moment précis. Le tirage limité garantit que chaque exemplaire demeure une pièce précieuse des collections privées, sa valeur augmentant souvent avec la notoriété de l'artiste. L'œuvre « Versus/Temple of Nature » de Koralie est à la fois une œuvre d'art et un investissement, une dualité de plus en plus caractéristique du street art. La sérigraphie « Versus/Temple of Nature » de Carmen Flores célèbre le street art et le graffiti, incarnant le mouvement, le dynamisme et la personnalisation propres à ces formes artistiques. Elle se présente comme un dialogue entre l'artiste et le public, une œuvre à la fois évolutive et intemporelle, à l'image des rues qui l'inspirent.

Lis Plus Moins

Œuvre d'art Black Venus, impression giclée en édition limitée sur papier épais, par l'artiste de graffiti pop culture Lady Pink. Impression giclée sur papier épais. Format : 50,8 cm x 40,6 cm. Tirage limité à 50 exemplaires. Signée à la main par Lady Pink en 2021.

Lis Plus Moins

Œuvre originale unique de Lady Shiva, technique mixte (peinture et marqueurs), réalisée sur papier d'art artisanal à bords frangés par la célèbre artiste de graffiti de rue Lady Pink. Illustration originale signée et datée de 2019, réalisée aux marqueurs de peinture sur papier frangé fait main. Format : 6 x 18 pouces. Lady Shiva de Lady Pink : La mythologie rencontre la résistance dans le pop art urbain « Lady Shiva », une œuvre de Lady Pink créée en 2019 à l'aide de techniques mixtes et de marqueurs sur papier d'art artisanal à la texture irrégulière, fusionne la mythologie aztèque avec le symbolisme du graffiti et la résistance sociale. Mesurant 15 x 45 cm, cette pièce unique illustre son engagement constant pour l'émancipation féminine et la réappropriation culturelle à travers le langage du Street Pop Art et du graffiti. La figure centrale est une femme vibrante, quasi divine, dotée de six bras, ornée de crânes, de symboles de paix et de marques faciales audacieuses. Elle tient des bombes de peinture et des chaînes, une référence directe aux outils et aux luttes du mouvement graffiti. La composition mêle iconographie traditionnelle et énergie cartoonesque, puisant son inspiration dans l'art mésoaméricain et la rébellion visuelle contemporaine. La figure de la déesse centrale fait référence à la divinité hindoue Shiva, puissant symbole de destruction et de transformation, ici réinterprétée à travers le prisme de la culture urbaine. Son expression est féroce, provocante et jubilatoire. Elle est entourée de serpents, d'oiseaux et de symboles ornementaux dessinés dans une palette de roses, de violets et de verts saturés – un choix esthétique qui reflète l'histoire de Lady Pink, qui a défié les récits dominés par les hommes dans le graffiti en s'appropriant son espace avec des couleurs et des formes assumées. Allégorie visuelle du pouvoir, de la culture et de la résistance Le récit se déploie avec des contrastes saisissants et un symbolisme riche. D'un côté, un policier grotesque au visage de porc, menotté à la déesse, serre une bombe de peinture comme s'il l'avait confisquée ou qu'il était incompris. De l'autre, des figures mythiques – parées de colliers de crânes et de serpents – se rallient à la cause de la déesse. Le design des personnages est ludique, mais le message est sans équivoque. Lady Pink utilise l'humour et la caricature pour exposer les cycles de surveillance, d'effacement culturel et de contrôle systémique. Les chaînes et les poings serrés transforment l'œuvre en une allégorie de l'émancipation – où l'art, l'identité et l'héritage deviennent des instruments de résistance. Il ne s'agit pas d'une représentation passive de la rébellion – elle est active, dynamique et festive. La déesse manie le graffiti comme une arme de réinvention. Ses yeux, ourlés d'épais cils, laissent couler des larmes stylisées qui évoquent à la fois la tristesse et la force. Son sourire, aux dents acérées, interpelle le spectateur. Cette hybridité émotionnelle – la férocité mêlée à la joie – est au cœur du style de Lady Pink. Elle construit une mythologie visuelle où mémoire culturelle et rébellion contemporaine se rencontrent au carrefour du genre, de l'histoire et de la peinture. L'iconographie du graffiti repensée à travers une vision féministe Lady Pink, née Sandra Fabara en Équateur et ayant grandi à New York, est une figure pionnière du graffiti depuis les années 1980. Son œuvre fusionne avec constance l'énergie de la rue et des récits personnels et politiques, notamment d'un point de vue féministe. « Lady Shiva » témoigne de son rôle dans la transformation du graffiti en un espace d'inclusion et de critique culturelle. Plutôt que d'adhérer aux conventions hyper-masculines du tag et du bombing, elle intègre des motifs anciens, des illustrations de personnages et du symbolisme pour livrer un commentaire social plus profond. Dans « Lady Shiva », l'association du papier fait main, des traits épais de marqueur et du sujet mythologique s'accorde avec la nature tactile et éphémère du graffiti. Les bords non polis, les textures de pinceau visibles et les aplats de couleurs vives évoquent l'immédiateté des murs de la rue et des carnets de croquis. Cette physicalité renvoie aux racines du médium : accessible, brut et profondément personnel. L'œuvre refuse le lisse au profit de la présence, conférant à la déesse une qualité brute et vivante. À travers Lady Shiva, Lady Pink ne se contente pas de créer une déesse ; elle forge une arme narrative. L’œuvre se mue en une déclaration murale miniature, tissant un lien entre puissance spirituelle, art ancestral et résistance vécue par les femmes artistes qui revendiquent l’espace public. C’est un sortilège visuel lancé à la bombe et au marqueur, invoquant la transformation dans le langage du Street Pop Art et du graffiti.

Lis Plus Moins

La dernière carte du jeu - Pourquoi ? Affiche de concert en édition limitée Boston 2013, impression sérigraphique artisanale en 3 couleurs sur papier d'art Speckletone par James R Eads pour Why ?. « The Last Card in the Deck » est une affiche de concert sérigraphiée en trois couleurs (45,7 x 61 cm) pour le concert de WHY? le 19 juin au Brighton Music Hall de Boston (Massachusetts). Cette affiche s'inspire de l'album « Mumps » de WHY?.

Lis Plus Moins

Signs - Édition limitée noire, sérigraphie bicolore HPM ornée à la main sur papier aquarelle Fabriano, par un artiste de rue graffiti, art pop moderne protégé par le droit d'auteur. Copyright (XXe siècle) Signs (Black), 2016 Sérigraphie technique mixte en couleurs sur papier aquarelle Fabriano 19-3/4 x 13-3/4 pouces (50,2 x 34,9 cm) (feuille) Éd. 2/13 Signé et numéroté à l'encre le long du bord inférieur.

Lis Plus Moins

Xlarge Gorilla Dcon Cartoon OG 2019 - Figurine en vinyle édition limitée or avec chaîne en métal doré, œuvre d'art de collection créée par l'artiste de graffiti de rue D*Face x Medicom. Jouet d'art en édition limitée 2019 avec pendentif XL en métal véritable et logo, dimensions 6 x 9,5. Emballage d'origine inclus. L'intersection entre culture urbaine et expression artistique s'incarne dans la figurine Xlarge Gorilla DCon Cartoon OG 2019, une pièce de collection en vinyle en édition limitée. Fruit de la collaboration remarquable de D*Face avec Medicom, elle illustre la synergie entre le street art et le design d'objets de collection haut de gamme. Avec ses dimensions impressionnantes de 15 x 24 cm, cette œuvre d'art ne passe pas inaperçue. D*Face, alias Dean Stockton, s'est imposé comme une figure incontournable du street art. Originaire de Londres, son travail critique souvent les normes sociétales contemporaines, le consumérisme et l'influence de la culture pop, fortement inspirée par la culture streetwear à la fois brute et vibrante de Los Angeles, et plus particulièrement par la marque XLARGE. Cette pièce, agrémentée d'un pendentif en métal véritable orné du logo XL, est bien plus qu'un simple jouet : c'est une fresque portable, un fragment de street art destiné aux collectionneurs. Créée en 2019, cette pièce s'inscrit pleinement dans l'esprit du street art, où chaque objet est bien plus qu'un simple produit : c'est une histoire, un récit figé dans le temps, reflet de son environnement. L'éclat doré du vinyle et le poids de la chaîne métallique confèrent une touche de luxe tangible à la nature traditionnellement éphémère du street art. Elle capture l'essence du style iconique de D*Face, visible sur les murs du monde entier, des rues animées de Londres aux ruelles ensoleillées de Los Angeles. Les collectionneurs du Xlarge Gorilla DCon Cartoon OG n'acquièrent pas seulement une œuvre de street art ; ils héritent d'un fragment du dialogue entre culture urbaine et art contemporain. La disponibilité limitée de cette figurine en fait un objet de collection très recherché, séduisant non seulement les fans de D*Face, mais aussi tous ceux qui apprécient le croisement des formes artistiques. Pour ceux qui ont suivi l'ascension du street art vers la notoriété, cet objet de collection est une reconnaissance tangible de sa place légitime au panthéon de l'histoire de l'art.

Lis Plus Moins

Halftone Jesus - Néon 5 couleurs, sérigraphie en édition limitée tirée à la main sur papier beaux-arts par SSUR - Ruslan Karablin, artiste pop art célèbre et rare.

Lis Plus Moins

Skingirl II HPM, sérigraphie en édition limitée rehaussée à la main sur papier d'art vergé, par l'artiste Prefab77, œuvre d'art pop contemporaine. Édition limitée à 25 exemplaires, signée et numérotée HPM, embellie à la main (2020). Dimensions de l'œuvre : 27,5 x 39 cm. Sérigraphie HPM « Skingirl II » par Prefab77. « Skingirl II HPM » est une sérigraphie créée par le collectif d'artistes britannique Prefab77. Reconnu pour ses œuvres percutantes, provocatrices et engagées, Prefab77 mêle souvent street art, culture pop et esthétique punk rock. Son travail est fortement influencé par le mouvement punk des années 1970 et la scène artistique urbaine du début des années 2000. La sérigraphie « Skingirl II HPM » (Hand Painted Multiple) est une œuvre en édition limitée qui témoigne du style unique et du souci du détail du collectif. Le terme « HPM » désigne un procédé de création d'une série d'estampes uniques, finies à la main, au sein d'une édition limitée. Ainsi, même si les estampes partagent une image commune, chacune possède ses propres caractéristiques, ce qui les rend très recherchées par les collectionneurs. Dans cette œuvre, le personnage central est une femme vêtue dans le style « skinhead » classique, popularisé dans les années 1960 et 1970. Ce style se caractérise souvent par des cheveux très courts ou le crâne rasé, des jeans ou pantalons moulants et des bottes imposantes. L'image intègre également divers symboles et éléments reflétant les influences punk et street art, signatures de l'œuvre de Prefab77. Réalisée en sérigraphie, « Skingirl II HPM » est créée par l'application de couches d'encre à travers un écran à mailles fines, ce qui lui confère une image audacieuse et vibrante. Cette technique permet une grande précision et une saturation des couleurs intense, visibles dans les motifs complexes et les nuances de l'œuvre. En définitive, « Skingirl II HPM » est une pièce saisissante qui capture l'esprit de rébellion et de défi propre à l'œuvre de Prefab77, et qui en fait un ajout précieux à toute collection d'art contemporain.

Lis Plus Moins

« You Have A Sexy Mouth », estampe d'art en édition limitée (Giclée) sur papier d'art de l'artiste pop moderne Alexis Price. Édition limitée à 10 exemplaires, signée et numérotée, format 16x20, 2019

Lis Plus Moins

24 Vertus Sérigraphie noire par Cryptik Tirage à la main sur papier beaux-arts Édition limitée Édition limitée signée et numérotée de 117 exemplaires (2025). Œuvre d'art de taille 17x24,5. Impression sérigraphique en noir. Sérigraphie noire Cryptik 24 Vertus L'estampe sérigraphique « 24 Vertus » de Cryptik, à la fois rigoureuse et méditative, illustre le style street art pop et graffiti, puisant ses racines dans la tradition calligraphique et la philosophie urbaine contemporaine. La composition présente une grille de lettres stylisées, tracées à l'encre noire sur un fond clair, privilégiant la sobriété, l'équilibre et la répétition à l'exubérance. Chaque caractère est traité comme un objet visuel indépendant, tout en s'inscrivant dans un système unifié, renforçant l'idée que la vertu est cumulative et se pratique, plutôt que performative. Le noir accentue le contraste et la netteté, permettant aux lignes complexes et aux ornements de captiver le regard sans recourir à un symbolisme chromatique. Cette approche s'inscrit dans la démarche artistique de Cryptik, qui privilégie depuis longtemps le développement intérieur, la réflexion éthique et la discipline spirituelle, exprimés à travers une esthétique inspirée de la rue. Systèmes de vertus et structure calligraphique Le concept des 24 Vertus s'inspire des cadres moraux historiques de la philosophie orientale et des études religieuses, où les vertus servent de repères comportementaux plutôt que d'idéaux abstraits. Cryptik traduit ces concepts en un langage visuel influencé par les textes sacrés, les traditions manuscrites et le style du graffiti. Chaque glyphe est méticuleusement structuré, l'équilibre entre poids, espace négatif et flux directionnel reflétant à la fois maîtrise et retenue. La répétition sur la grille renforce l'idée de pratique et de discipline, illustrant comment les vertus se cultivent par la constance plutôt que par des actes isolés. Au sein du Street Pop Art et du Graffiti, cette œuvre s'oppose à la gestuelle impulsive ou chaotique souvent associée à la rue, affirmant au contraire que le contrôle, la patience et l'intentionnalité sont des expressions artistiques tout aussi radicales. Contexte et position artistique de Cryptik Cryptik est un artiste contemporain américain, actif aussi bien dans le street art que dans les ateliers. Son identité réelle n'est pas publique, ce qui reflète sa volonté de privilégier le message et la philosophie à l'identité personnelle. Cryptik est vivant et continue de créer. Issu de la culture graffiti, son travail a évolué vers des compositions à forte dimension spirituelle, mêlant calligraphie, symbolisme et questionnement éthique. Il est reconnu pour sa capacité à traduire des systèmes philosophiques complexes en formes visuelles accessibles, sans en diluer la profondeur. Au sein du mouvement plus large du Street Pop Art et du Graffiti, Cryptik occupe une place singulière, faisant le lien entre la pratique du street art et les traditions artistiques contemplatives. Ses œuvres sont à la fois des expressions visuelles et des outils de réflexion. Procédé de gravure et valeur culturelle Cette sérigraphie artisanale témoigne d'un attachement aux méthodes traditionnelles d'impression, où précision et maîtrise des matériaux sont essentielles. La matérialité du procédé renforce les thèmes de discipline et de répétition présents dans l'image elle-même. Chaque exemplaire de cette édition limitée est signé et numéroté, attestant de son statut d'œuvre d'art réalisée avec soin plutôt que de simple reproduction de masse. Le format de l'œuvre permet d'apprécier chaque forme en détail tout en percevant la grille comme un tout cohérent. En tant qu'œuvre d'art urbain, pop et graffiti, la sérigraphie noire « 24 Virtues » se veut non seulement un objet de collection, mais aussi un cadre visuel de réflexion éthique, la rendant particulièrement pertinente pour les collectionneurs sensibles au concept, au savoir-faire et à la profondeur culturelle.

Lis Plus Moins

Épreuve d'impression d'archives Age Of Reason PP par Dragon76, édition limitée sur papier d'art de musée 310 g/m², œuvre d'art moderne d'un artiste pop. Épreuve d'imprimerie PP 2019 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 14x14 Pigments d'archivage Analyse de « L'Âge de raison » par Dragon76 « Age Of Reason » est une épreuve d'artiste (PP) de 2019, réalisée par l'artiste Dragon76. Incarnation du pop art urbain et du graffiti, cette édition limitée est imprimée sur un papier d'art de qualité musée de 310 g/m², gage de sa qualité exceptionnelle et de l'engagement de l'artiste envers l'excellence. Signée et portant la mention « PP », elle présente toutes les caractéristiques d'une pièce de collection. Son format de 35,5 x 35,5 cm offre une dimension à la fois intime et saisissante. L'utilisation de pigments d'archivage garantit la préservation de l'éclat des détails et de la palette de couleurs au fil du temps. Convergence des thèmes dans l'art moderne Dragon76, reconnu pour son esthétique unique qui mêle des éléments du street art à une sensibilité artistique classique et délicate, présente une fresque des problématiques sociétales modernes à travers « L'Âge de la Raison ». L'œuvre est un commentaire visuel riche en symbolisme et composé de multiples motifs qui interrogent l'esprit du temps. Le titre est un appel à la pensée rationnelle dans une ère apparemment marquée par la confusion et les conflits. Chaque élément de l'estampe – des images percutantes aux symboles iconiques du pouvoir et de la rébellion – raconte la quête de la raison dans un monde en proie au chaos. Symbolisme et narration dans l'art urbain Cette œuvre se distingue comme un artefact culturel qui incarne l'esprit du street art. Dragon76 utilise la toile pour questionner et critiquer, abordant les thèmes du pouvoir politique, des troubles sociaux et de la quête de paix. Les images convergent pour former un champ de bataille d'idées, où chaque symbole rivalise pour s'imposer dans l'esprit du spectateur. « Age Of Reason » sert non seulement d'œuvre d'art, mais aussi de catalyseur de débat, incarnant l'essence même de ce que le graffiti aspire à accomplir : susciter la conversation et provoquer la réflexion. La superposition et la juxtaposition complexes des éléments indiquent les réalités complexes auxquelles le monde est confronté, incitant à une introspection sur la condition humaine. Par un mélange de texte, d'iconographie et de figuration, l'estampe de Dragon76 invite le public à analyser les différents composants, chacun étant une pièce du puzzle du message plus vaste qu'il souhaite transmettre. L'utilisation de matériaux d'art de qualité supérieure élève l'estampe au-delà de la nature éphémère du street art traditionnel. En choisissant un support durable généralement réservé aux beaux-arts, Dragon76 abolit la frontière entre l'éphémère et le permanent, permettant à « Age Of Reason » de faire écho à la nature éphémère du graffiti et à la pérennité des beaux-arts. Ce faisant, il inscrit le street art dans l'histoire de l'art, lui assurant ainsi une place dans le récit continu de l'expression artistique. En somme, « Age Of Reason » de Dragon76 témoigne du pouvoir du street art et du graffiti à refléter et à remettre en question les normes sociales. C'est un recueil visuel des luttes contemporaines, encapsulé dans un format qui transcende la nature fugace du street art, conçu pour perdurer tant par sa forme physique que par son impact sur le public. À travers cette œuvre, Dragon76 nous invite à la réflexion, au questionnement et, en fin de compte, à la raison.

Lis Plus Moins

Aide-nous, Père. Sérigraphie en édition limitée, 9 couleurs, tirée à la main, sur papier beaux-arts, par Frank Kozik. Rare œuvre de street art, célèbre artiste pop. Sérigraphie 9 couleurs 19″ x 16,5″, édition signée et numérotée à 100 exemplaires

Lis Plus Moins

Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

Lis Plus Moins

The Gang AP Artist Proof Archival Print par Dulk- Antonio Segura Donat, édition limitée sur impression pigmentaire d'archives à bords francs, style pop graffiti, art urbain, œuvre d'art moderne. Épreuve d'artiste AP 2023 Signée et marquée Tirage AP Édition limitée Œuvre d'art Format 9,84 x 12,83 Pigments d'archivage Beaux-Arts. La complexité fascinante de « The Gang AP » de Dulk Antonio Segura Donat, alias Dulk, crée un univers captivant dans « The Gang AP Artist Proof Archival Print », une épreuve d'artiste (AP) où la nature vibrante rencontre l'imagination. Cette édition limitée de 2023, signée et portant la mention AP, est une pièce de collection rare, antérieure à la sortie de l'édition générale. Mesurant 25 x 32,6 cm, elle témoigne du savoir-faire de Dulk en matière d'impression pigmentaire d'archives sur papier d'art. Célébrer le mérite artistique avec des tirages pigmentaires d'archives Le choix méticuleux d'un support d'impression pigmentaire d'archives, façonné à la main, témoigne d'un souci constant de la qualité, garantissant la pérennité des couleurs éclatantes et des détails minutieux de l'œuvre de Dulk. Cette recherche de la longévité est essentielle pour le street art et le graffiti pop, mouvements éphémères qui aspirent désormais à une forme de permanence dans le monde de l'art grâce à ces reproductions d'une telle fidélité. La vision de Dulk dans « The Gang AP » Dans cette œuvre, Dulk tisse un récit riche en symbolisme et vibrant de couleurs. « The Gang AP » met en scène un totem d'animaux, chaque personnage débordant de personnalité et de détails, se détachant sur un fond lumineux qui semble célébrer leur existence. Cette approche est caractéristique du travail de Dulk, qui explore souvent les thèmes de l'environnement, de la conservation et du règne animal à travers un regard à la fois critique et touchant. L'estampe témoigne des racines de Dulk dans le street art et le graffiti, où la narration est aussi essentielle que l'attrait esthétique. La superposition des personnages dans « The Gang AP » suggère l'unité et l'interdépendance, évoquant les dynamiques sociales souvent explorées dans les récits de l'art urbain. L'estampe « The Gang AP » de Dulk reflète l'évolution de la scène street art. Au-delà d'être une œuvre d'art de collection, elle s'impose comme un emblème de la narration contemporaine par l'art, puisant dans l'héritage du graffiti et la riche tapisserie de la culture pop. Cela souligne la place de Dulk dans le monde de l'art en tant que créateur qui fait le lien entre la nature sauvage et les paysages urbains structurés où le street art prospère.

Lis Plus Moins

Un œil pour un nid d'aigle - Rouge et or. Œuvre originale peinte à la main, réalisée à la bombe aérosol, à l'acrylique et en sérigraphie sur un panneau de bois découpé par CNC, prêt à être accroché, par Prefab77, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Nous avons toujours adoré le portrait. Notre style actuel mêle le portrait allégorique à un style incisif et rapide, souvent agrémenté de messages secrets, d'appartenances religieuses et d'iconographie pop. Dans cet album, nous avons exploré le style totémique pour véhiculer ces messages et créer une manière visuellement saisissante d'exprimer une idée abstraite ou de transmettre une signification non explicitement énoncée dans le récit. À l'image d'un excellent morceau pop/rock de trois minutes, il peut s'agir d'une fable, d'une histoire ou d'un avertissement ! » - Prefab77

Lis Plus Moins

Achetez The Sacrifice of Color... Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print sur 290gsm Moab Entrada Paper par l'artiste Adrian Cox, Street Pop Art Graffiti Legend. 2022 Édition signée et numérotée de 100 - 13x24

Lis Plus Moins