Papier beaux-arts Somerset

Deep Ocean, Vast Sea, édition limitée, aérosol et sérigraphie ornés à la main sur papier Somerset 250 g/m² à bords frangés Papier d'archivage de l'artiste Dee Dee, art pop moderne. Édition limitée à 10 exemplaires, signée et numérotée, 2020. Dimensions de l'œuvre : 43-7/8 x 30-1/2 pouces. Dee Dee est une artiste de rue new-yorkaise qui utilise le collage, la peinture et la sérigraphie pour donner vie à des rêveries et des cauchemars surréalistes et cinématographiques. C’est dans cet univers – entre sommeil et rêve, entre surface et subconscient – ​​que le spectateur est invité à pénétrer. Son œuvre explore les thèmes du visible et de l’invisible, du caché et du révélé, des masques que nous portons et de ceux que nous choisissons d’ôter.

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« Ce n'est pas facile d'être vert » - Tirage d'art en édition limitée, grand format, pigmentaire d'archive, sur papier d'art Somerset Hot Press 290 g/m², par l'artiste de graffiti pop moderne Ben Frost. Édition limitée 2021, signée et numérotée à 25 exemplaires. Œuvre de 50,8 x 50,8 cm (20 x 20 pouces) représentant Kermit la Grenouille (Muppets) et Jim Henson. Impression pigmentaire d'archives sur papier d'art Somerset Hot Press 290 g/m². Signée et numérotée. « It's Not Easy Being Green - Oversized Edition » est une œuvre d'art engagée, profondément ancrée dans l'esprit du pop art moderne. Elle mêle des éléments de la culture populaire à une réflexion sociétale sous-jacente. Réalisée par Ben Frost, artiste de street art pop moderne et talentueux, cette œuvre fusionne le personnage emblématique de Kermit la Grenouille, tiré des Muppets de Jim Henson, avec l'image contrastée de tests de dépistage de marijuana. Cette juxtaposition invite le spectateur à s'interroger sur les enjeux de l'acceptation sociale, l'influence des médias et l'évolution culturelle. Grâce à l'utilisation de pigments d'archivage, Ben Frost garantit la pérennité et la netteté de l'œuvre. La texture et la richesse du papier d'art Somerset Hot Press 290 g/m² subliment l'expérience visuelle, offrant un support idéal pour mettre en valeur la finesse de l'œuvre. Le choix d'un papier aussi haut de gamme témoigne de la volonté de créer une œuvre aussi agréable au toucher qu'à la vue. Sortie en 2021, cette œuvre en édition limitée est tirée à seulement 25 exemplaires, chacun signé par l'artiste, gage d'authenticité. Avec « It's Not Easy Being Green - Oversized Edition », Ben Frost continue de bousculer les conventions, repoussant les limites du street art et du commentaire sur la culture populaire. Cette œuvre témoigne de la dynamique en constante évolution du street art et du graffiti, illustrant comment les artistes contemporains s'approprient les icônes de la culture populaire pour exprimer des problématiques sociétales plus profondes.

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Meeowie Wowie - Édition surdimensionnée, impression d'art pigmentaire d'archives en édition limitée sur papier d'art Somerset Hot Press 290 g/m² par l'artiste de graffiti pop moderne Ben Frost. Édition limitée 2021, signée et numérotée à 25 exemplaires. Œuvre de 20 x 20 pouces représentant Sylvester Looney Tunes. Tirage pigmentaire d'archives sur papier d'art Somerset Hot Press 290 g/m², signé et numéroté. Meeowie Wowie - Édition surdimensionnée est une œuvre d'art captivante, mêlant références emblématiques de la culture pop aux traits audacieux et vibrants caractéristiques du street art et du graffiti. Créée par le célèbre artiste de street art pop moderne Ben Frost, cette œuvre témoigne de l'évolution de l'art contemporain, où les limites sont constamment repoussées et où l'inconventionnel devient la nouvelle norme. Réalisée avec des pigments d'archivage, elle est la manifestation d'un dévouement sans faille au contenu et à la qualité. Chaque coup de pinceau, chaque nuance, est préservé avec une précision absolue, garantissant ainsi l'intemporalité de l'œuvre. Cet engagement envers la qualité est encore accentué par le choix du papier d'art Somerset Hot Press 290 g/m², un support qui met en valeur les détails et les couleurs, ajoutant profondeur et dimension à l'œuvre. La représentation de Sylvester des Looney Tunes, juxtaposée à un fond de tests de dépistage de marijuana, est un commentaire audacieux sur la culture populaire, les normes sociales et peut-être l'interaction entre innocence et maturité. Le titre « Meeowie Wowie » joue encore davantage sur cette dualité, établissant un lien entre le personnage félin et le thème de l'œuvre. Sortie en 2021, cette pièce est limitée à une édition signée et numérotée de seulement 25 exemplaires, garantissant son exclusivité. L'œuvre de Ben Frost dans l'édition surdimensionnée « Meeowie Wowie » invite les spectateurs à regarder au-delà des apparences, à trouver du sens dans le quotidien et à apprécier la beauté des contrastes. Ce faisant, Frost réaffirme le pouvoir transformateur de l'art et sa capacité à interpeller, inspirer et captiver.

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Mossiae - Bourgogne - Sérigraphie artisanale 24 couleurs sur papier satiné Somerset 330 g/m² par l'artiste pop graffiti Fin DAC - Œuvre d'art de rue rare en édition limitée Findac . Édition limitée à 150 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Dimensions de l'œuvre : 24,8031 x 33,8583 cm « Mossiae - Bourgogne » de Fin DAC : Une symphonie en sérigraphie L'œuvre « Mossiae - Burgundy » de Fin DAC illustre la transition du street art pop vers les beaux-arts grâce à un procédé d'impression sérigraphique méticuleux. Cette sérigraphie artisanale en 24 couleurs sur papier Somerset Satin 330 g/m² est une pièce rare dans l'œuvre de l'artiste, incarnant la rencontre entre le dynamisme brut du street art et la précision de la production artistique haut de gamme. Limitée à 150 exemplaires, chaque pièce est signée et numérotée par Fin DAC, attestant de son exclusivité et de l'implication directe de l'artiste dans sa création. Comprendre la nuance artistique de Fin DAC dans « Mossiae - Bourgogne » L'œuvre, mesurant 63 x 86 cm, illustre l'esthétique singulière de Fin DAC, qu'il nomme « Esthétique Urbaine ». Dans « Mossiae - Bourgogne », le sujet est une figure féminine à l'allure presque éthérée, se détachant sur un fond bordeaux profond. Le visage est marqué par le style caractéristique de Fin DAC : des lignes nettes et précises, et une touche de couleur vibrante autour des yeux, qui font office à la fois de masque et de fenêtre sur l'âme. Ce motif visuel est un clin d'œil à ses influences classiques du portrait, avec une touche contemporaine qui capture l'essence même du pop art graffiti. Impact culturel et réception de l'œuvre « Mossiae-Bourgogne » du CAD de Fin L'influence de Fin DAC sur le street art pop est manifeste dans des œuvres telles que « Mossiae - Burgundy », très recherchées par les collectionneurs et les amateurs. Cette estampe en édition limitée est bien plus qu'une simple création visuelle : c'est un véritable artefact culturel qui capture l'esprit du street art contemporain. L'accueil réservé à cette œuvre témoigne de la reconnaissance et de la valorisation croissantes de l'art inspiré du graffiti au sein des collections d'art. La vision de l'artiste en tirages en édition limitée Le choix de la sérigraphie pour « Mossiae - Burgundy » est délibéré, permettant à Fin DAC d'explorer le jeu des textures et des couleurs sur papier, un médium qui préserve l'essence tactile du street art. Le tirage limité de cette estampe garantit à chaque exemplaire une place unique dans le parcours artistique de Fin DAC, tout en offrant au collectionneur un lien tangible avec sa vision. En somme, « Mossiae - Burgundy » témoigne de la maîtrise de son médium par Fin DAC et de sa capacité à communiquer des récits profonds à travers le langage visuel du pop art urbain. Son œuvre, à la croisée de l'expression spontanée et de la sophistication des galeries, fait de lui une figure incontournable de l'art contemporain.

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Ceci n'est Pas Un Singe Impression giclée par Brett Crawford Œuvre d'art en édition limitée sur papier d'art Somerset Fine Art Artiste de graffiti pop de rue. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2018. Dimensions de l'œuvre : 22 x 22 pouces. Pliure dans la marge supérieure gauche. Ceci n'est pas un Singe de Brett Crawford – Identité, ironie et envol dans l'art urbain pop et le graffiti « Ceci n'est pas un Singe » est une estampe giclée en édition limitée de 2018, réalisée par l'artiste américain Brett Crawford sur papier d'art Somerset, au format 56 x 56 cm. Tirée à 50 exemplaires signés et numérotés, cette œuvre illustre le mélange caractéristique de réalisme, de parodie et de surréalisme propre à Crawford, dans le contexte du street art et du graffiti. La figure centrale est un chimpanzé ganté de rouge, arborant un masque de super-héros et un sac à dos jaune vif orné d'écussons pop culture. Perché sur un casque d'astronaute flottant dans un ciel de nuages ​​aux doux dégradés, le chimpanzé fait le signe de la paix, le regard perdu au loin. Chaque détail, de la texture de la fourrure à la brillance du casque, en passant par l'éclat subtil des yeux, est rendu avec soin, alliant la rigueur de la peinture classique à l'humour irrévérencieux et au remixage culturel qui définissent le langage visuel de Crawford. Jeux de mots visuels et le défi de la classification Le titre « Ceci n'est pas un singe » emprunte à la célèbre phrase surréaliste de René Magritte tout en soulevant des questions d'identité, de représentation erronée et de contexte. Crawford joue avec l'interprétation littérale et symbolique. Le chimpanzé, figure emblématique du comportement humain et de la curiosité scientifique, devient un personnage complexe : rebelle, enfant, cosmonaute et écho culturel, tout à la fois. L'utilisation d'un protagoniste non humain, associé à des accessoires et des postures humaines, invite le spectateur à repenser la signification profonde des symboles. Au sein du Street Pop Art et du graffiti, où l'iconographie est constamment réinterprétée et recontextualisée, l'œuvre de Crawford puise sa force dans l'absurde. Le message n'est pas explicite, mais transmis par le ton, le détail et la contradiction visuelle. Précision technique et densité symbolique Réalisée en impression giclée haute résolution, « Ceci n'est pas un singe » atteint une profondeur remarquable, reproduisant fidèlement chaque poil du chimpanzé, chaque reflet sur le sac à dos et chaque nuage du ciel. Le papier beaux-arts Somerset offre un support doux et velouté qui sublime l'éclat de la palette de couleurs de Crawford. La maîtrise de la lumière et des textures par l'artiste confère une clarté photographique à ces sujets fantastiques, permettant à chaque élément symbolique de s'imposer visuellement avant même d'être compris conceptuellement. Le sac à dos du chimpanzé arbore des écussons faisant référence à la culture populaire – comme le raton laveur masqué et les visages animés – invitant à l'interprétation tout en ancrant l'œuvre dans un lexique visuel partagé. Commentaire de Brett Crawford sur l'aventure, le personnage et la mythologie urbaine Les récits visuels de Brett Crawford mettent souvent en scène des créatures hybrides ou des personnages anthropomorphes dans des contextes surréalistes ou héroïques. Dans « Ceci n'est pas un singe », cette figure est à la fois exploratrice et objet de plaisanterie, astronaute et marginale. Son geste de paix atténue la gravité du titre tout en renforçant le mystère de son intention. Le casque flottant en dessous évoque le vol, l'exploration, ou peut-être l'abandon. Sans terre en vue, la figure est littéralement et métaphoriquement suspendue. Cette estampe, comme une grande partie de l'œuvre de Crawford, distille humour, réflexion et spectacle en un seul instant. Elle s'exprime par la suggestion plutôt que par l'affirmation, une caractéristique du Street Pop Art et du graffiti où la puissance visuelle est amplifiée par des fragments culturels, une attitude et l'inattendu. Le chimpanzé de Crawford n'est pas qu'un simple personnage : c'est un avatar de l'exploration, de l'incertitude et de la transformation.

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Aimez le monde dans lequel vous vivez, Puzzle Heart HPM, sérigraphie ornée par Kunstrasen, tirée à la main, 16 couleurs sur papier d'art Somerset, édition limitée. 2023 Sérigraphie en sérigraphie, signée et numérotée 1/1, représentant un cœur puzzle HPM, réalisée à la peinture aérosol et rehaussée de techniques mixtes. Édition limitée à 1 exemplaire. Format : 24 x 24 pouces. Aimez le monde dans lequel vous vivez – Puzzle Heart HPM par Kunstrasen dans Street Pop Art & Graffiti Artwork « Love The World You Live In – Puzzle Heart HPM » est une sérigraphie artisanale 16 couleurs de 2023, réalisée par l’artiste street pop allemand Kunstrasen. Cette œuvre unique, signée et numérotée 1/1, est sublimée par un procédé mixte mêlant peinture aérosol et techniques d’ornementation complexes. Imprimée sur papier d’art Somerset 61 x 61 cm, cette pièce HPM (Hand Painted Multiple) transforme la sérigraphie originale en une expression profondément personnelle et visuellement riche. Dans cette version, le cœur rouge vif tenu par la figure centrale est recouvert de contours de pièces de puzzle, faisant évoluer le sens de la solidarité universelle vers une introspection personnelle et une unité fragmentée. Cette altération visuelle rend l’édition absolument unique, amplifiant la profondeur émotionnelle et symbolique inhérente au style minimaliste et conceptuel de Kunstrasen. Symbolisme et pouvoir du cœur énigmatique Au centre de cette œuvre, une jeune fille en niveaux de gris, assise en tailleur sur une surface de carton hyperréaliste, tient un cœur rouge vif orné d'une carte du monde et de lignes de puzzle. Ce cœur est le point d'ancrage émotionnel et symbolique de la pièce, représentant à la fois la fragilité de la planète et la complexité du processus de guérison émotionnelle. L'ajout des lignes de puzzle enrichit le message : le monde n'est pas seulement un trésor à aimer, mais un édifice que nous devons activement reconstruire. La posture grave de la jeune fille et son regard baissé invitent le spectateur à la réflexion. L'alliance de l'innocence et du poids du fardeau confère à cette œuvre une force particulière dans le contexte culturel et environnemental actuel. Il ne s'agit pas d'une affirmation abstraite, mais d'un appel direct à la compassion, à l'unité et à la responsabilité individuelle. L'évolution des œuvres d'art street pop et graffiti de Kunstrasen Kunstrasen, artiste allemand, est reconnu pour son approche conceptuelle de la société, véhiculée par des visuels au pochoir et une ironie subtile. Son nom d'artiste, qui signifie « gazon artificiel », critique la superficialité tandis que son art révèle des vérités sociales profondes. « Love The World You Live In – Puzzle Heart HPM » marque une rupture particulièrement introspective avec son style habituel, souvent ironique ou critique. Ici, le message est subtil, non sarcastique. L'œuvre mêle un style graphique épuré à un motif de carton brut, évoquant simultanément la rue et les galeries. Son travail tisse constamment des liens entre culture matérielle et émotion, utilisant le contraste visuel pour explorer les contradictions humaines. Cette estampe ne renie pas ses thèmes de prédilection, mais les enrichit d'une maturité émotionnelle et d'une nuance symbolique que peu d'artistes du Street Pop Art et du Graffiti parviennent à atteindre avec une telle sobriété visuelle. Savoir-faire et valeur unique pour les collectionneurs Cette œuvre est imprimée sur papier Somerset de qualité archive selon un procédé de sérigraphie à 16 couches. Elle est ensuite rehaussée à la main à la peinture aérosol, garantissant ainsi son caractère unique. La texture, la précision et la variation conceptuelle la caractérisent comme une HPM (Helper-Managed Masterpiece) : une œuvre d’art initialement imprimée, métamorphosée par la main de l’artiste. L’illusion du carton renforce le réalisme tactile, tandis que le motif de puzzle superposé au cœur personnalise le thème universel, l’évoquant non seulement l’amour abstrait, mais aussi ses fragments brisés qui exigent soin, attention et effort pour être réassemblés. Pour les collectionneurs, cette édition unique représente une rare convergence de concept, de savoir-faire et de résonance émotionnelle au sein du mouvement plus large du Street Pop Art et du graffiti. Bien plus qu’une simple estampe, c’est un moment unique de poésie visuelle, un appel à restaurer, connecter et reconstruire ce qui compte le plus.

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Achetez TITLE Sérigraphie 4 couleurs tirée à la main sur une œuvre d'art Pop Street Art en édition limitée MEDIUM. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Pochoir Heist Eyes HPM, peinture en aérosol, sérigraphie par Prefab77, peint à la main, multiple sur papier d'art Somerset 300 g/m², graffiti unique, artiste de rue, pop art moderne. Édition 2023 signée et numérotée à 60 exemplaires. Œuvre unique au pochoir peinte à la main à la bombe aérosol, format 15x22, sérigraphie d'un gros plan des yeux d'une femme avec des figures de la culture pop. En plongeant au cœur de l'univers du pop art et du street art contemporain, on ne peut qu'être captivé par les créations peintes à la main de PREFAB77. Cet artiste, reconnu pour son mélange unique de techniques de graffiti et d'éléments de la culture pop, nous offre une fois de plus une œuvre exceptionnelle intitulée « Heist Eyes ». Cette œuvre est une brillante fusion de pochoirs, de peinture aérosol et de sérigraphie, unissant harmonieusement les deux formes d'art. Imprimée sur un papier d'art Somerset de haute qualité (300 g/m²), « Heist Eyes » présente un gros plan du regard d'une femme, à la fois intense et mystérieux. Les yeux, miroirs de l'âme, sont au centre de cette œuvre, symbolisant peut-être la profondeur et la complexité de notre culture moderne. La singularité de cette pièce réside dans la finesse de ses détails. Au-delà de ce regard intense, elle entrelace subtilement des éléments de la culture pop, offrant à la fois un reflet de la société contemporaine et une mise en garde contre la nature éphémère de la gloire et de la reconnaissance. Cette œuvre est bien plus qu'une simple impression ; Il s'agit d'une œuvre multiple peinte à la main (HPM). Chaque pièce, bien qu'appartenant à une série, possède donc une signature unique. L'utilisation de sept couleurs distinctes donne vie à l'estampe, et la luxueuse couche d'encre noire UV sur fond peint à la main ne fait qu'accentuer son charme. Limitée à 60 exemplaires, chacun signé, estampillé et numéroté, cette œuvre témoigne du dévouement de PREFAB77 à l'artisanat et à l'exclusivité. Dans le domaine du pop art, du street art et du graffiti, ces œuvres soulignent l'évolution des formes artistiques traditionnelles. Elles marquent le passage du conventionnel au contemporain, apportant des perspectives nouvelles tout en restant ancrées dans des techniques authentiques. « Heist Eyes » n'est pas qu'une simple œuvre d'art ; c'est un récit de notre époque, invitant les spectateurs à approfondir leur compréhension, à regarder au-delà des apparences et à interpréter la multitude d'histoires qu'elle cherche à raconter.

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« La Cage et le Cœur de la Bête », épreuve d'imprimerie en sérigraphie sur papier d'art Somerset, par l'artiste Sandra Chevrier, œuvre en édition limitée. Épreuve d'imprimerie PP 2019 Signée et marquée PP. Dimensions : 27 x 35,5 pouces. Sandra Chevrier (née en 1983) La Cage et le Cœur de la Bête, 2019. Sérigraphie en couleurs sur papier Somerset. 35,5 x 27 pouces (90,2 x 68,6 cm) (feuille). Signée et numérotée au crayon en bas. Éditeur : Graffiti Prints, Royaume-Uni. La puissance émotionnelle dans l'art de Chevrier « La Cage et le Cœur de la Bête » de Sandra Chevrier est une sérigraphie saisissante qui mêle l'intensité visuelle du street art à la profondeur émotionnelle du pop art. Cette épreuve d'artiste (PP), réalisée en 2019, est une œuvre emblématique qui confirme le talent exceptionnel de Chevrier dans le domaine de l'art contemporain. Publiée par Graffiti Prints au Royaume-Uni, cette pièce représente une confluence de techniques et de thèmes qui résonnent profondément au sein de la communauté artistique. « La Cage et le Cœur de la Bête » explore visuellement les notions d'identité, de contrainte et de libération. L'œuvre de Chevrier met souvent en scène le visage d'une femme dissimulé par des images de bande dessinée, une représentation des « cages » sociales qui peuvent définir et contraindre. Dans cette œuvre, les couleurs vives et les scènes de bande dessinée dynamiques et humoristiques qui recouvrent le visage du sujet servent à la fois de masque et de révélation du tumulte intérieur et de la force qui animent la femme. Cette estampe, mesurant 90 x 69 cm, témoigne de la maîtrise et de la précision de l'artiste en matière de sérigraphie, une technique qui permet une restitution fidèle d'images complexes. Le choix du papier Somerset pour cette estampe illustre l'exigence de qualité de Chevrier ; ce papier est réputé pour sa capacité à absorber l'encre et à produire des images riches et éclatantes. Commentaire de Chevrier sur la féminité et la force « La Cage et le Cœur de la Bête » de Chevrier est imprégnée d'un récit de féminité et de force. Elle invite le spectateur à contempler la juxtaposition de la vulnérabilité et du pouvoir, du visible et de l'invisible, du personnel et du collectif. L'intégration d'images de super-héros superposées au visage de la femme introduit un dialogue entre le fantastique et le quotidien, incitant à une réflexion sur l'héroïsme présent dans les combats personnels que nous menons. Cette œuvre, marquée « Épreuve d'imprimeur », souligne son statut unique dans le processus d'impression, étant généralement réservée à l'artiste et à l'imprimeur avant le tirage de l'édition finale. La désignation « EI » renforce la valeur de collection de l'œuvre, la désignant comme une pièce rare de Chevrier. Influence du street art, du pop art et du graffiti Dans l'univers du pop art urbain et du graffiti, l'estampe de Chevrier illustre avec éclat la rencontre entre l'intimité des beaux-arts et l'audace publique du street art. Son œuvre capture l'esprit d'accessibilité du street art et sa capacité à susciter une profonde résonance émotionnelle, tout en préservant le caractère précieux des estampes d'art en édition limitée. « La Cage et le Cœur de la Bête » de Sandra Chevrier est bien plus qu'une simple sérigraphie : c'est une œuvre narrative qui explore les thèmes de l'émancipation, de la contrainte et de l'identité. Elle reflète la place singulière de l'artiste dans le paysage du pop art urbain et du graffiti, où les frontières entre expression personnelle et commentaire culturel plus large s'estompent subtilement. À travers son art, Chevrier nous invite à prendre conscience des cages qui nous emprisonnent et à réfléchir au potentiel qui sommeille en chacun de nous pour révéler notre propre part d'ombre.

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Œuvre d'art Lost Highway, sérigraphie en édition limitée 12 couleurs sur papier satiné Somerset 300 g/m² par l'artiste de graffiti pop culture Handiedan x Ramon Meidan. 2022. Sérigraphie 12 couleurs signée avec réalité augmentée. Papier satiné Somerset 300 g/m². 65 x 83 cm. Signée par les deux artistes. Logo en relief. Édition limitée à 75 exemplaires. Réalité augmentée (RA) : https://vimeo.com/710845162 Utilise l' application Artivive

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Échos - Impression sérigraphique artisanale 14 couleurs sur papier satiné Somerset 300 g/m² par l'artiste urbain moderne Nafir - Œuvre d'art rare en édition limitée. Édition limitée 2022, signée et numérotée, à 90 exemplaires. Format : 19,29 x 29,52 cm.

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Re-Vandalism - Sérigraphie en édition limitée rouge 11 couleurs tirée à la main sur papier satiné Somerset 300 g/m² par Outis Rare Street Art Famous Pop Artwork Artist. Édition 44 signée et numérotée de 2015 par l'artiste Outis (variante rouge). Sérigraphie 11 couleurs sur papier Somerset 300 g/m². 70 x 52 cm. Œuvre représentant un tag graffiti dans une galerie d'art à l'ambiance industrielle, avec une foule de personnes prenant des photos et admirant le street art. Re-Vandalisme Rouge par Outis « Re-Vandalism Red » est une sérigraphie artisanale en 11 couleurs, puissante et stimulante, créée par l'énigmatique artiste de street art Outis. Sortie en 2015 en édition limitée à seulement 44 exemplaires, cette estampe fusionne l'esprit rebelle du graffiti avec l'élégance d'une galerie d'art. Mesurant 70 x 52 cm et imprimée sur papier Somerset Satin 300 g/m², l'œuvre explore les thèmes de l'expression urbaine, de l'acceptation culturelle et de l'évolution des relations entre le street art et l'art institutionnel. Un commentaire audacieux sur l'art et la culture Cette estampe représente une scène saisissante : un tag graffiti rouge vif, réalisé à la volée, trône fièrement sur un piédestal dans une galerie d'art. La scène, avec sa foule admirative, ses tableaux classiques encadrés et détaillés, et son agent de sécurité, crée un contraste fascinant. Le graffiti rouge proclame fièrement « Street Art » sur un fond de mur de briques, invitant le spectateur à repenser la perception du street art et du graffiti dans le contexte traditionnel des beaux-arts. Le rouge éclatant attire le regard et souligne la confrontation entre l'énergie brute de l'art urbain et l'atmosphère feutrée de la galerie. La vision artistique d'Outis Outis, dont le nom fait référence au mot grec signifiant « personne », est une figure mystérieuse, célèbre pour son commentaire social incisif et son approche unique du street art. Son œuvre critique souvent les normes sociétales, mettant en lumière la frontière floue entre vandalisme, rébellion et art. « Re-Vandalism Red » incarne cette philosophie en plaçant le street art dans un espace traditionnellement réservé aux beaux-arts, interrogeant les notions de légitimité, de valeur et de hiérarchie culturelle. L'utilisation d'une sérigraphie méticuleuse en 11 couleurs témoigne du souci du détail d'Outis, tout en préservant la dimension brute des thèmes inspirés du graffiti. Une édition limitée collector « Re-Vandalism Red » fait partie d'une édition limitée très exclusive de 44 exemplaires, chacun signé et numéroté par Outis. L'utilisation d'un papier Somerset Satin de haute qualité (300 g/m²) garantit la préservation des couleurs vibrantes et des détails complexes, conférant à l'œuvre une force visuelle saisissante et une grande pérennité. La taille relativement importante de l'œuvre renforce sa présence et en fait une pièce maîtresse pour toute collection d'art contemporain. La combinaison de sa disponibilité limitée, de son récit visuel audacieux et de sa signification culturelle l'élève au rang de pièce de collection précieuse. « Re-Vandalism Red » d'Outis célèbre le pouvoir transformateur du pop art urbain et du graffiti. En intégrant le graffiti dans un contexte artistique institutionnalisé, l'artiste invite les spectateurs à repenser leurs préjugés culturels et à explorer les définitions évolutives de l'art. Cette estampe en édition limitée est bien plus qu'une simple œuvre d'art : elle témoigne du dialogue permanent entre tradition et rébellion, et s'impose comme un incontournable pour les collectionneurs et les amateurs d'art.

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Hesit VI AP Épreuve d'artiste Impression giclée unique par Prefab77 Œuvre d'art en édition limitée sur papier d'art Somerset 300 g/m² Artiste graffiti pop de rue. Épreuve d'artiste AP 2023 Signée et marquée AP Édition unique « Coupable par association » Dimensions de l'œuvre : 22,05 x 35,43 Les épreuves d'artiste dans le monde de la gravure Les épreuves d'artiste ont une histoire riche dans la tradition de l'estampe. Contrairement aux tirages classiques d'une édition limitée, les épreuves d'artiste sont un petit nombre d'exemplaires mis de côté pour l'usage personnel de l'artiste. Historiquement, ces épreuves servaient à contrôler l'avancement d'une estampe, permettant à l'artiste d'apporter des modifications avant le tirage final. Dans le cas de « Heist VI AP », Prefab77 a signé et marqué l'œuvre comme une AP, soulignant son caractère unique. Ces épreuves sont souvent plus précieuses en raison de leur rareté et de l'implication directe de l'artiste. Le street art, le pop art et le graffiti font désormais partie intégrante de la culture visuelle contemporaine, mêlant des éléments de divers mouvements artistiques et le dynamisme brut des espaces urbains. Un exemple frappant de cette fusion est « Heist VI AP (Artist Proof) » de l'artiste connu sous le nom de Prefab77. Cette estampe giclée unique témoigne de la relation complexe entre les techniques artistiques traditionnelles et l'univers subversif, souvent provocateur, du street art. La technique giclée et son impact sur la reproduction d'art Le procédé d'impression giclée utilisé pour « Heist VI AP » est réputé pour reproduire avec une fidélité remarquable les couleurs et les détails des œuvres originales. Les tirages giclée sont réalisés grâce à une méthode d'impression jet d'encre sophistiquée, qui projette des millions de gouttelettes d'encre sur un papier de haute qualité, tel que le papier beaux-arts Somerset 300 g/m² choisi par Prefab77. Ce type de papier est particulièrement apprécié pour sa durabilité et sa capacité à conserver les couleurs sans altération, garantissant ainsi que l'œuvre reste aussi éclatante qu'au jour de son impression. Art urbain pop et graffiti : un phénomène culturel Comme en témoigne « Heist VI AP » de Prefab77, le street art et le graffiti se caractérisent par leur mélange de références à la culture populaire, un graphisme audacieux et, souvent, un commentaire sur les enjeux sociaux et politiques. La conception complexe de « Heist VI AP », avec ses images superposées et ses couleurs vibrantes, reflète la complexité de la vie moderne et le tumulte des rues où ce genre d'art est fréquemment rencontré. Mesurant 56 x 90 cm, la taille imposante de l'estampe attire immédiatement le regard et invite le spectateur à s'immerger dans son récit détaillé. Prefab77 : Une voix dans l’art urbain pop et le graffiti modernes Prefab77, créateur de « Heist VI AP », s'impose comme une voix incontournable du street art contemporain. Son œuvre incarne souvent l'esprit de rébellion propre à cet art, mêlant imagerie iconographique issue de la pop culture et références historiques. Cette estampe, une épreuve giclée de la série emblématique « Heist », a servi de test de mise en page et de couleur pour l'élaboration d'une œuvre originale, lui conférant une dimension expérimentale et transitoire qui témoigne d'une étape du processus créatif de l'artiste. La signification de « Heist VI AP » dans l'art contemporain « Heist VI AP » n'est pas qu'une simple œuvre d'art ; c'est un instantané du parcours artistique de l'artiste. Édition unique, elle occupe une place particulière dans l'œuvre de Prefab77, marquant un moment de réflexion et d'attente. Avec son souci du détail et sa texture riche, cette estampe illustre parfaitement comment la technique de la giclée peut faire le lien entre la vision de l'artiste et l'expérience du public. « Heist VI AP » de Prefab77 est une illustration remarquable du Street Pop Art et du graffiti, capturant l'essence d'un genre qui ne cesse de repousser les limites de l'art. L'utilisation d'une épreuve d'artiste, la méthode d'impression giclée sur papier Somerset de haute qualité et son format en font une pièce majeure dans l'œuvre de l'artiste et au sein du mouvement artistique. Alors que le street art gagne en reconnaissance dans les galeries et les institutions autrefois réfractaires à son charme, des œuvres comme « Heist VI AP » soulignent l'impact indéniable et la pertinence culturelle de cette forme d'art.

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Bulle iconique - Sérigraphie en édition limitée, 8 couleurs, feuille d'or blanc 24 carats, tirée à la main, sur papier satiné Somerset 300 g/m² par Cope2. Œuvre rare de street art et d'un artiste pop célèbre. Édition limitée à 25 exemplaires, signée par l'artiste. Sérigraphie 8 couleurs sur papier Somerset 300 g/m² avec feuille d'or 24 carats. Dimensions : 75 x 55 cm. Année : 2019.

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Bud Heads - Tirage d'art en édition limitée surdimensionné, pigmentaire d'archive, sur papier d'art Somerset Hot Press 290 g/m², par l'artiste de graffiti pop moderne Ben Frost. Édition limitée 2021, signée et numérotée à 25 exemplaires. Œuvre de 50,8 x 50,8 cm (20 x 20 pouces) inspirée du dessin animé Bevis & Butthead (MTV). Tirage pigmentaire d'archives sur papier d'art Somerset Hot Press 290 g/m², signé et numéroté. « Bud Heads - Édition surdimensionnée » est une contribution originale au paysage en constante évolution du pop art moderne. Cette œuvre propose un récit visuel qui entremêle des éléments iconiques de la culture pop des années 90 et des observations sociétales contemporaines. Initiée par le célèbre artiste de street art Ben Frost, figure emblématique du pop art moderne, cette pièce fusionne harmonieusement les personnages déjantés de Beavis et Butt-Head, issus de la célèbre série animée de MTV, avec l'univers intrigant des tests de dépistage de marijuana. Cette synthèse invite le spectateur à contempler la juxtaposition de la nostalgie télévisuelle et des débats actuels autour de la consommation de drogues récréatives. Réalisée avec la précision et la clarté des pigments d'archivage, cette œuvre promet une longévité exceptionnelle grâce à son éclat et à sa richesse de détails. Le support choisi, le papier d'art Somerset Hot Press de 290 g/m², sublime son attrait visuel, offrant un médium qui reflète fidèlement les intentions artistiques et la finesse des détails de l'œuvre. Ce papier, réputé pour sa texture impeccable et sa capacité à saisir les nuances les plus subtiles, offre un écrin idéal à ces personnages iconiques pour dialoguer avec le spectateur. Sortie en 2021, « Bud Heads - Oversized Edition » est une pièce de collection limitée à seulement 25 exemplaires, garantissant son exclusivité. Chaque exemplaire est authentifié par la signature de Ben Frost, attestant de son authenticité. À l'instar de ses autres chefs-d'œuvre, Frost démontre ici son talent pour fusionner les icônes de la télévision classique avec des thèmes de société actuels, se créant une place à la croisée du street art, de la culture pop et du discours contemporain. C'est une œuvre qui résonne, qui invite à la réflexion tout en offrant une bonne dose de nostalgie.

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Jusqu'à la fin des temps - Impression sérigraphique en édition limitée, 6 couleurs, non coupée et vernie, tirée à la main, sur papier satiné Somerset 300 g/m² par Cept Rare Street Art Famous Pop Artwork Artist. Édition limitée à 4 exemplaires, signée et numérotée, 2013. Dimensions de l'œuvre : 22 x 29,92 cm. Épreuve d'artiste (EA) – Seulement 4 exemplaires produits – Non coupée et vernie – 56 x 76 cm – Sérigraphie 6 couleurs sur papier Somerset 300 g/m². 2013 « Jusqu'à la fin des temps » – Épreuve d'artiste jaune non coupée et vernie – Sérigraphie de Cept

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Sérigraphie Haiconca Or Jaune Métallique par Fin DAC Tirage à la main 8 couleurs sur papier d'art Somerset 410 g/m² à fond perdu et bordé à la main Édition limitée Œuvre d'art Findac . Édition limitée à 40 exemplaires, signée et numérotée, 2023. Œuvre d'art de format 20 x 31,5 cm. Sérigraphie. Sérigraphie Haiconca Or jaune métallisé par Fin DAC « Haiconca Metallic Yellow Gold » est une sérigraphie magistrale de 2023, signée Fin DAC, artiste renommé du street art pop. Imprimée sur papier d'art Somerset 410 g/m² à bords frangés, sans marges, cette œuvre de 50,8 x 80 cm (20 x 31,5 pouces) fait partie d'une édition strictement limitée à 40 exemplaires signés et numérotés. Réalisée selon un procédé de sérigraphie complexe en 8 couleurs, elle présente un portrait monochrome finement rendu, électrisé par un motif de masque audacieux en or jaune métallique. Cette juxtaposition d'hyperréalisme en niveaux de gris et de couleurs symboliques vibrantes est une signature du langage visuel de Fin DAC et contribue à son exploration constante de la beauté culturelle et du pouvoir féminin. Style et emblèmes culturels distinctifs de Fin DAC Fin DAC, artiste irlandais de renommée internationale, a redéfini le portrait féminin dans le street art et le graffiti grâce à un symbolisme visuel constant et délibéré. ​​Son esthétique signature se caractérise par des femmes masquées, ornées de motifs faciaux colorés évoquant des éléments cérémoniels traditionnels asiatiques, sud-américains ou tribaux. « Haiconca Metallic Yellow Gold » illustre parfaitement cette approche thématique. La femme représentée fixe le spectateur, à la fois digne et sur la défensive, son regard perçant contrastant avec le masque doré qui recouvre le haut de son visage. Son anneau de nez, sa bague texturée et ses ongles vernis contribuent à la narration complexe qui caractérise souvent les sujets de Fin DAC : puissants et introspectifs, parés et pourtant intacts. Processus, matériaux et exécution artistique L'utilisation du papier Somerset 410 g/m² est un choix délibéré, qui accentue la profondeur tactile de l'œuvre et permet au pigment métallique de refléter la lumière en différentes nuances selon l'angle de vue. La sérigraphie artisanale en huit couleurs offre un contrôle et une superposition extrêmes, donnant naissance à une estampe à l'aspect quasi photographique, tout en conservant son authenticité issue du street art. Les bords frangés à la main confèrent à l'estampe une qualité brute et sculpturale, en parfaite adéquation avec la démarche artistique de Fin DAC, qui fait le lien entre la rue et la galerie. Ces détails de production ne sont pas anodins : ils sont essentiels pour comprendre comment le pop art urbain est devenu un art à part entière, prisé des collectionneurs. Pertinence contemporaine de l'art urbain pop et du graffiti Haiconca Metallic Yellow Gold est une œuvre visuellement saisissante qui interroge l'identité, le pouvoir d'agir et la perception. Le masque jaune métallique est à la fois un bouclier et une affirmation, une métaphore visuelle des rôles que les femmes adoptent ou refusent dans la société contemporaine. Le travail de Fin DAC continue de mettre en lumière des femmes d'horizons culturels divers, non pas comme des symboles exotiques, mais comme des individus émancipés qui imposent leur présence dans les paysages urbains et artistiques. Dans le contexte du street art et du graffiti, cette œuvre fait le lien entre le portrait photoréaliste et une iconographie audacieuse, soulignant la place de Fin DAC comme figure incontournable du genre. Tirée à seulement 40 exemplaires, cette édition de 2023 offre aux collectionneurs une œuvre rare et puissante, résolument contemporaine tout en conservant une esthétique et une profondeur émotionnelle intemporelles.

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Épreuve d'imprimerie Mr A PP, sérigraphie de M. André Saraiva, tirée à la main sur papier d'art, édition limitée. Épreuve d'imprimeur PP 2020 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 12x28 Sérigraphie Épreuve d'imprimerie de M. A PP par M. André Saraiva – Romance de personnages dans l'art pop urbain et le graffiti « Mr A PP » est une sérigraphie artisanale de 2020 réalisée par l'artiste de rue franco-portugais André Saraiva. Imprimée sur papier d'art au format vertical 30,5 x 71 cm, cette œuvre est une épreuve d'artiste signée et numérotée, issue d'une édition limitée, témoignant de la précision et du caractère unique du procédé d'impression. Mettant en scène l'alter ego emblématique de l'artiste, Mr A, l'œuvre capture l'esprit de joyeuse rébellion, l'espièglerie romantique et la personnalité intemporelle du graffiti qui définissent l'héritage de Saraiva dans le Street Pop Art et le Graffiti. Mr A se dresse, grand et mince, son large sourire et ses yeux louches dessinés d'un trait noir assuré sur un fond bleu électrique vif réalisé à la bombe. Autour de lui, des symboles ludiques – cœurs, boucles et marques flottantes – transforment la figure en un emblème charismatique d'amour, d'ironie et de liberté. Monsieur A, icône urbaine et modèle émotionnel Le personnage de Mr A, avec son chapeau haut-de-forme, son œil unique qui cligne et son sourire perpétuel, s'est invité sur les murs, les ruelles, les toits et les galeries du monde entier depuis la fin des années 1980. Dans cette estampe, Saraiva le représente dans une pose à la fois simplifiée et expressive : ses membres allongés, sa présence aérienne et sa posture décontractée reflètent à la fois élégance et absurdité. Le XO sur son visage exprime à parts égales affection et irrévérence. Cette version de Mr A flotte avec grâce dans un océan de brume bleue, sa silhouette fantaisiste flanquée de cœurs dessinés à la main et de gribouillis abstraits. Le personnage devient un haïku visuel : minimaliste, codé et expressif. Dans le cadre du Street Pop Art et du graffiti, Mr A fonctionne à la fois comme un avatar personnel et un symbole universel, capable d'exprimer charme, distance et attitude en quelques traits et gestes. Technique de pulvérisation et de sérigraphie sur papier beaux-arts Cette sérigraphie est bien plus qu'une reproduction : c'est une œuvre artisanale qui allie la précision de l'impression à la spontanéité du graffiti. Le fond présente des motifs de peinture superposés dans des tons turquoise et bleu canard profonds, avec des nuages ​​de peinture et des projections qui confèrent à l'arrière-plan profondeur et dynamisme. Sur ce fond vibrant, le personnage de Mr A est imprimé en sérigraphie à l'encre noire intense, préservant la vitalité spontanée des dessins originaux de Saraiva. La verticalité de l'impression accentue la légèreté de la figure, comme si elle lévitait entre les couches de peinture. Le papier beaux-arts restitue chaque coup de pinceau et chaque contour sans brillance, conservant l'aspect brut de l'art urbain tout en offrant la durabilité et la netteté attendues des éditions d'art contemporaines. Monsieur André Saraiva et la frontière entre romantisme et rébellion L'œuvre d'André Saraiva se situe au carrefour de l'élégance et du graffiti, de la séduction et de la permanence. « Mr A PP » distille cet esprit en une seule figure : les bras tendus, une présence indomptable, un sourire désarmant. L'œuvre ne mise pas sur le volume ni le bruit, mais sur le caractère. Mr A se présente comme un ambassadeur romantique de l'expression urbaine, à la fois comme une trace de l'artiste et une invitation à la légèreté. Dans le langage du Street Pop Art et du graffiti, cette estampe est un objet parfait : expressive, minimaliste, affirmée et instantanément iconique. À travers Mr A, Saraiva écrit une ode aux villes, à la spontanéité et au pouvoir intemporel d'un simple trait, capable de porter un sens profond.

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Achetez Deep Ocean, Vast Hell Limited Edition Aérosol embelli à la main et sérigraphie sur papier d'archives Sommerset Deckled 250gsm par l'artiste Dee Dee Modern Pop art. 2020 Édition limitée signée et numérotée de 5 illustrations Taille 43-7/8 x 30-1/2 pouces Dee Dee est une artiste de rue basée à New York qui utilise le collage, la peinture et la sérigraphie pour donner vie à des rêveries et des cauchemars surréalistes et cinématographiques. C'est dans ce monde – entre sommeil et rêve, entre surface et subconscient – ​​que le spectateur est invité à entrer. Le travail résume les thèmes du visible et de l'invisible, du caché et du révélé, des masques que nous portons et de ceux que nous choisissons d'enlever.

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Art Rodeo² Estampe principale en sérigraphie de Kunstrasen Tirée à la main 12 couches sur papier d'art satiné Somerset Édition limitée. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2024. Dimensions de l'œuvre : 23,62 x 23,62 cm. Sérigraphie. Exploration des différentes strates de « Art Rodeo² Main » de Kunstrasen « Art Rodeo² Main », une sérigraphie de Kunstrasen, illustre à merveille la rencontre dynamique entre culture urbaine et beaux-arts. Sortie en 2024, cette estampe artisanale en 12 couches sur papier d'art Somerset Satin témoigne du savoir-faire méticuleux et de l'expression vibrante propres au genre. Chaque exemplaire, signé et numéroté, est tiré à 100 exemplaires seulement, ce qui en fait une pièce de collection très recherchée (60 x 60 cm). La maîtrise de la sérigraphie par Kunstrasen La maîtrise technique de Kunstrasen s'exprime pleinement dans « Art Rodeo² Main », où la profondeur de l'image est obtenue grâce à douze couches distinctes. Cette technique de superposition, essentielle au procédé de sérigraphie, permet une richesse de couleurs et de détails qui confère à l'œuvre vie et texture. Le papier Somerset Satin, référence en matière d'estampes d'art, sublime les encres éclatantes utilisées, créant ainsi une œuvre qui captive le regard et invite au toucher. Le commentaire culturel du pop art urbain Cette œuvre est un récit du spectacle du monde de l'art, du rodéo de la création et de la critique, mettant en scène des figures à la fois intégrées et détachées du chaos coloré qui les entoure. Ainsi, « Art Rodeo² Main » reflète l'essence même du street art et du graffiti, où l'espace public devient une toile d'expression personnelle et collective. Kunstrasen, figure majeure du street art contemporain, utilise « Art Rodeo² Main » pour explorer le dialogue entre l'artiste et le spectateur, le créateur et le consommateur. La juxtaposition d'éléments graphiques audacieux et de pochoirs complexes en arrière-plan crée une impression de mouvement et d'énergie, symbolisant l'effervescence et la rébellion inhérentes au street art. « Art Rodeo² Main » de Kunstrasen n'est pas une simple œuvre d'art ; c'est un commentaire sur le monde dynamique du street art. Chaque tirage de cette édition limitée est un instantané de la vision de l'artiste, où les couches de peinture sur le papier reflètent les différentes strates de sens de l'œuvre. C'est une affirmation du pouvoir de l'art à captiver, à interpeller et à communiquer, perpétuant ainsi l'influence du street art sur la culture contemporaine.

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Sérigraphie « Le trésor que vous cherchez » de Lee Eelus, imprimée à la main en 4 couleurs sur papier d'art Somerset 300 g/m², édition limitée, œuvre d'art pop street art. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2023. Œuvre d'art de 19,69 x 20,48 pouces. Sérigraphie L'art urbain et le pop art contemporains reflètent sans cesse la psyché de la société, explorant les thèmes de la lutte, de la transformation et de la découverte de soi. Parmi les œuvres particulièrement fascinantes qui incarnent ces thèmes, on trouve la sérigraphie artisanale de Lee Eelus intitulée « Le Trésor que vous cherchez ». Réalisée avec une précision méticuleuse sur un papier d'art Somerset de 300 g/m², cette œuvre illustre la rencontre entre un savoir-faire d'exception et un message profond. Elle se distingue non seulement par sa palette vibrante de quatre couleurs, mais aussi par la richesse de son symbolisme. Mesurant 52 x 50 cm, la sérigraphie met en valeur la technique complexe d'Eelus et son sens aigu du détail, accentués par les encres nacrées et brillantes utilisées pour représenter une perle, contrastant avec le fini mat du fond. Ce choix d'encre confère à l'œuvre une dimension symbolique forte, représentant le potentiel insoupçonné qui se cache au cœur des épreuves. S'inspirant de la profonde citation de Joseph Campbell, « La caverne que vous craignez d'explorer recèle le trésor que vous cherchez », l'œuvre d'Eelus témoigne de la nécessité d'affronter ses peurs et ses incertitudes. Bien plus qu'une simple œuvre d'art, c'est une allégorie de la persévérance, de la détermination et de la résilience de l'esprit humain. L'histoire qui se cache derrière cette œuvre lui confère une profondeur supplémentaire : Eelus l'a dédiée à sa fille, Pearl, mêlant le symbolisme de la perle à l'essence même des relations personnelles les plus précieuses. Afin d'affirmer son originalité et son caractère unique, chaque tirage est accompagné du cachet à sec d'Eelus et d'un certificat d'authenticité, confirmant ainsi sa place singulière dans l'histoire du pop art et du street art. Pour les amateurs d'art contemporain, « Le Trésor que vous cherchez » est bien plus qu'un régal pour les yeux ; c'est un voyage au cœur de l'expérience humaine et des trésors qu'elle recèle.

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Calla | Terre - Impression sérigraphique surdimensionnée à 10 couleurs tirée à la main sur papier d'art Somerset Satin Tub de 410 g/m² par l'artiste de graffiti pop Jet Martinez. Œuvre d'art de rue rare en édition limitée. Édition limitée à 80 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Dimensions de l'œuvre : 31 x 23 cm. « Cette estampe, représentant un arum, fait partie d'un ensemble d'œuvres plus vaste que j'explore depuis le début de la pandémie. Les tons feutrés de ces pièces reflètent un état d'esprit plus sombre, dans lequel je ne jugeais pas opportun de créer des œuvres vives et colorées. Cette période a été marquée par l'incertitude et le flou. Il a été difficile de faire des projets d'avenir, tant le présent était incertain. De même, réaliser des œuvres très colorées et « joyeuses » m'a semblé quelque peu insensible à la situation mondiale. Je ressens toujours le besoin de créer et de réaliser de belles choses, mais j'explore une dimension plus intimiste de cette créativité. » – Jet Martinez

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Papel 25 3-Color Hand-Tited Limited Edition Silkscreen Print on 330gsm Somerset Radiant White Paper by Tavar Zawacki- Above Rare Street Art Famous Pop Artwork Artist. 2022 Signé et numéroté TAVAR ZAWACKI PAPEL 25 (ÉDITION), 2022 Sérigraphie 3 couleurs sur papier Somerset Radiant White 330 g/m² 70 x 70 cm 27 1/2 x 27 1/2 po Tirage limité à 50 exemplaires

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Deep Ocean, Vast Hell, édition limitée, aérosol et sérigraphie ornés à la main sur papier Somerset 250 g/m² à bords frangés Papier d'archivage de l'artiste Dee Dee, art pop moderne. Édition limitée à 5 exemplaires, signée et numérotée, 2020. Dimensions de l'œuvre : 43-7/8 x 30-1/2 pouces. Dee Dee est une artiste de rue new-yorkaise qui utilise le collage, la peinture et la sérigraphie pour donner vie à des rêveries et des cauchemars surréalistes et cinématographiques. C’est dans cet univers – entre sommeil et rêve, entre surface et subconscient – ​​que le spectateur est invité à pénétrer. Son œuvre explore les thèmes du visible et de l’invisible, du caché et du révélé, des masques que nous portons et de ceux que nous choisissons d’ôter.

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Sérigraphie en édition limitée Basquiat Boxer Everlast 10 couleurs, tirée à la main, sur papier d'art satiné Somerset 410 g/m² à bords frangés, par Ron English - POPaganda Rare Street Art, artiste pop célèbre. Signée et numérotée. Sérigraphie 10 couleurs sur papier d'art satiné Somerset 410 g/m² à bords frangés. Format : 66 x 94 cm. Sortie : 11 juin 2021. Tirage : 150 exemplaires. « Mêlant imagerie, médiums et procédés empruntés à des maîtres qui m’ont inspiré, tels que Warhol, Pollock et Picasso, et y intégrant une sélection singulière de symboles populaires, du fast-food aux dessins animés, je construis des récits continus où mes multiples alter ego se heurtent de plein fouet à la Grande Illusion, où les normes culturelles sont questionnées et mises à nu. » – Ron English – POPaganda

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Sérigraphie 3 couleurs Marilyn Pure Joy Yellow par Pure Evil, tirée à la main sur papier d'art Somerset Fine Art Paper 300 g/m² à bords frangés, édition limitée. Édition limitée signée et numérotée 2025 (à déterminer). Format de l'œuvre : 16x20. Sérigraphie représentant l'actrice hollywoodienne Marilyn Monroe stylisée en noir et jaune. Marilyn Pure Joy Yellow par Pure Evil, une œuvre d'art pop art et graffiti de rue « Marilyn Pure Joy Yellow » est une sérigraphie artisanale en trois couleurs, créée par l'artiste londonien Pure Evil, de son vrai nom Charles Uzzell-Edwards. Imprimée sur un papier d'art Somerset 300 g/m² à grain frangé, cette édition signée et numérotée de 2025 exemplaires capture l'essence de l'iconographie pop et du minimalisme émotionnel à travers le prisme unique du commentaire urbain. Mesurant 40,6 x 50,8 cm, l'œuvre présente un portrait stylisé de la légende hollywoodienne Marilyn Monroe, rendu dans des tons de noir et de jaune doux, sur lequel se superpose le motif de la larme emblématique de Pure Evil : une épaisse ligne noire jaillissant d'un œil et traversant verticalement le papier. Ce procédé visuel saisissant est devenu la marque de fabrique de l'artiste et constitue une forme puissante de commentaire au sein du street art et du graffiti. L'icône pop réinventée à travers le prisme du graffiti Pure Evil recontextualise Marilyn Monroe, non plus comme une déesse du cinéma à la perfection irréprochable, mais comme un symbole brisé de glamour et de vulnérabilité. Plutôt que de privilégier le réalisme, le portrait embrasse la stylisation et l'abstraction, permettant ainsi de réinterpréter le mythe de la figure. Les touches de jaune dans les cheveux évoquent les canons de beauté du milieu du XXe siècle, tandis que les contrastes monochromes saisissants soulignent un sentiment de perte ou de distorsion. Il ne s'agit pas simplement d'une célébration de la célébrité, mais d'une méditation sur son prix. La larme noire verticale, récurrente dans l'œuvre de Pure Evil, n'est pas un simple ornement. Elle évoque les thèmes du traumatisme, de la fragilité et de la perte d'identité liés au culte des célébrités. En mêlant esthétique du graffiti et sujets de la culture pop, cette œuvre déstabilise la nostalgie et invite à repenser la mémoire collective. Matériaux d'art contemporain à vocation urbaine Bien qu'ancrée dans la tradition du street art, cette sérigraphie est imprimée selon des techniques et avec des matériaux dignes des beaux-arts. Le papier Somerset 300 g/m² et les bords frangés à la main témoignent de la maîtrise de l'artiste par le système des galeries, tout en conservant des références visuelles issues du milieu urbain. Les contours marqués, l'application à la manière d'un pochoir et la palette saturée puisent leur inspiration dans l'esthétique graphique du graffiti. Chaque tirage est réalisé à la main, ce qui confère à chaque édition une subtile variation et une authenticité uniques. Ce travail artisanal affirme que, même si l'imagerie s'inspire d'une iconographie produite en masse, l'exécution est profondément intentionnelle et personnelle. Simplicité émotionnelle et symbolisme dans l'art urbain contemporain L'œuvre « Marilyn Pure Joy Yellow » de Pure Evil s'inscrit dans un débat contemporain plus large sur les dimensions émotionnelles de l'iconographie dans le street art et le graffiti. La force émotionnelle de l'œuvre est accentuée par sa sobriété formelle : une palette de couleurs restreinte, une géométrie audacieuse et le geste symbolique solitaire d'une larme. À l'ère du numérique, cette pièce invite le spectateur à ralentir son regard. Elle l'incite à réfléchir aux raisons de notre idolâtrie et à ce que nous ignorons. À travers cette œuvre, Pure Evil enrichit la réflexion sur la célébrité, la fragilité et les répercussions psychologiques qui accompagnent souvent l'ascension culturelle. À la fois hommage et critique, l'œuvre illustre avec force comment la culture urbaine peut imprégner et enrichir le discours de l'art contemporain sans renier ses racines contestataires.

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Sérigraphie en édition limitée 7 couleurs tirée à la main sur papier satiné Somerset 300 g/m² de Martin Whatson, un artiste pop art rare et célèbre dans le milieu de la rue. Œuvre d'art en édition limitée, 2021, avec timbre en relief. Dimensions : 9,84 x 19,68 cm. Papier gaufré autour de la fissure pour un effet 3D, avec le graffiti en arrière-plan. Timbre réalisé par Martin Whatson et Graffitiprints. Technique et conception de « La Fissure » « The Crack » est une sérigraphie artisanale en sept couleurs, réalisée par Martin Whatson, artiste de street art et de graffiti. Tirée sur papier Somerset Satin 300 g/m², un support de choix pour les impressions de haute qualité grâce à son fini exceptionnel et son grammage optimal, cette œuvre en édition limitée de 2021 mesure 25 x 50 cm. Elle reflète le style de Whatson, qui met souvent en valeur le contraste entre le noir et le blanc et des touches de graffiti coloré. Soulignant la profondeur et la texture, « The Crack » présente un papier gaufré autour de la fissure représentée, créant un effet 3D qui donne vie au graffiti en arrière-plan. Cette technique de gaufrage enrichit l'expérience tactile de l'œuvre, invitant le spectateur à observer et à ressentir l'interaction entre les éléments bidimensionnels et tridimensionnels. Chaque tirage porte un tampon d'authenticité en relief, attestant qu'il s'agit d'une œuvre originale de Whatson. Il est également estampillé Graffitiprints, témoignant d'une collaboration entre l'artiste et l'imprimerie. Le symbolisme dans l'œuvre de Martin Watson L'œuvre « The Crack » de Whatson peut être interprétée comme une métaphore de la beauté et de la complexité insoupçonnées qui se cachent sous la surface du paysage urbain. La figure représentée soulève une couche de mur pour révéler un monde vibrant de couleurs et de vie, symbolisant la quête de beauté de l'artiste dans des lieux inattendus. Cette métaphore visuelle est un thème récurrent dans le travail de Whatson, qui explore souvent la relation entre le monde monochrome et structuré et la vitalité chaotique du street art. Contribution au street art pop et au graffiti Martin Whatson a marqué de son empreinte les mouvements du street art et du graffiti en repoussant les limites de l'art urbain traditionnel. Son utilisation de la sérigraphie, technique issue du pop art, fait le lien entre l'atelier et la rue, permettant la reproduction de ses œuvres tout en préservant leur caractère artisanal. « The Crack » illustre parfaitement cette fusion, alliant la précision du pochoir à l'énergie brute du graffiti. Cette œuvre témoigne de l'approche novatrice de Martin Whatson en matière de street art et de graffiti. Elle illustre son engagement à explorer et à mettre en lumière le contraste entre le potentiel expressif et brut du graffiti et la précision maîtrisée du pochoir, aboutissant à des pièces visuellement saisissantes et conceptuellement profondes.

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Endian Redux PP Sérigraphie Giclée par Fin DAC Printers Épreuve Sérigraphie 12 Couleurs Tirée à la Main sur Papier d'Art Vernis Somerset 330 g/m² Édition Limitée Pop Street Artwork & Graffiti. Épreuve d'imprimeur PP Findac 2021 Signée et marquée PP Tirage limité Taille de l'œuvre 24,61x34,65 Impression giclée à gauche Sérigraphie à droite. Technique et composition d'Endian Redux PP « Endian Redux PP », une sérigraphie giclée de l'artiste renommé Fin DAC, illustre la fusion harmonieuse des techniques traditionnelles et contemporaines, s'imposant comme une œuvre marquante dans le domaine de l'art urbain pop en édition limitée. Cette pièce, intitulée « Épreuve d'imprimeur » (PP) et faisant partie d'une édition limitée, révèle le style caractéristique de Fin DAC : un mélange de photoréalisme et d'éléments graphiques inspirés du graffiti. L'œuvre juxtapose une impression giclée à gauche et une sérigraphie à droite, chacune apportant sa texture et son impact visuel distincts. La technique giclée, reconnue pour sa reproduction de haute précision, permet une représentation photoréaliste du sujet. Parallèlement, la sérigraphie, clin d'œil aux racines street art de l'artiste, insuffle des couleurs vives et des éléments graphiques, créant un contraste dynamique au sein de la même œuvre. Cette sérigraphie artisanale en 12 couleurs sur vernis est superposée à un papier d'art Somerset de 330 g/m², choisi pour sa capacité à retenir des couleurs éclatantes et des détails complexes, garantissant ainsi que chaque nuance de l'œuvre d'art soit capturée avec clarté. Pertinence culturelle dans l'art contemporain « Endian Redux PP » reflète l’exploration par l’artiste des thèmes de l’identité et de la féminité, fréquemment abordés dans son œuvre. Le sujet de l’estampe, une femme au regard évocateur ornée de motifs évoquant des tatouages, illustre la rencontre entre beauté traditionnelle et esthétique moderne. L’utilisation du vernis confère à l’œuvre une dimension texturée et joue avec la lumière et les reflets, invitant le spectateur à l’appréhender sous de multiples angles. Influence artistique de Fin DAC Fin DAC s'est forgé une solide réputation en créant des œuvres qui transcendent les frontières conventionnelles du street art et du graffiti. Son approche de la sérigraphie, souvent caractérisée par un mélange unique de pochoirs et de techniques à main levée, donne naissance à des œuvres d'une grande minutie, empreintes de spontanéité. « Endian Redux PP », qui combine giclée et sérigraphie, illustre la volonté de l'artiste de repousser les limites de ces médiums, offrant aux collectionneurs une pièce qui n'est pas qu'une simple estampe : un véritable témoignage du potentiel de la sérigraphie comme art à part entière. Importance des épreuves d'imprimeur dans les collections d'art L'appellation « Épreuve d'imprimeur » indique une rareté et une exclusivité très recherchées par les collectionneurs. Ces épreuves sont généralement les premiers tirages sortis de presse et servent à vérifier la qualité de l'impression avant la production de l'édition complète. De ce fait, elles sont souvent considérées comme les plus prisées des collectionneurs en raison de leur place dans le processus d'impression et de leur nombre limité. Le choix de Fin DAC de signer et de marquer ces épreuves authentifie davantage leur statut d'œuvres d'art en édition limitée. « Endian Redux PP » de Fin DAC est une incarnation saisissante de la capacité du pop art urbain à intégrer les techniques traditionnelles des beaux-arts à l'énergie et à la spontanéité du street art et du graffiti. L'œuvre témoigne avec éclat de l'évolution du pop art, faisant écho aux racines historiques du genre tout en le propulsant vers l'avenir grâce à des méthodes innovantes et une exploration thématique. Elle capture un moment de l'art contemporain où les frontières entre les différentes formes d'art s'estompent et s'entremêlent harmonieusement.

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Œuvre d'art Dali Pop Street peinte à la main, impression giclée HPM en édition limitée multiple sur papier satiné Somerset 300 g/m² par l'artiste moderne de graffiti urbain PANG - Fipsi Seilern. Édition HPM signée à 40 exemplaires. Tirage giclée sur papier Somerset Satin 300 g/m². Finition à la main par l'artiste. Chaque exemplaire est unique et signé. Dimensions : 60 x 72 cm. 2021

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Into The Great Wild Open Limited Edition Hand-Embelled HPM 28-Color Silkscreen Print on 300gsm Somerset Satin Paper by Alice Pasquini Graffiti Street Artist Modern Pop Art. Sérigraphie 28 couleurs sur papier Somerset 300 g/m², finitions à la main aux encres Windsor & Newton et aux feutres Posca. Chaque exemplaire est unique. Édition limitée à 100 exemplaires, signés et numérotés par l'artiste. 52,5 x 72 cm. 2015

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Lasagnes au four - Édition surdimensionnée, impression d'art pigmentaire d'archives en édition limitée sur papier d'art Somerset Hot Press 290 g/m² par l'artiste de graffiti pop moderne Ben Frost. Édition limitée 2021, signée et numérotée à 25 exemplaires. Œuvre de 20 x 20 pouces (50,8 x 50,8 cm). Impression pigmentaire d'archives sur papier d'art Somerset Hot Press 290 g/m², signée et numérotée par Garfield. « Baked Lasagna - Oversized Edition » de Ben Frost est une œuvre d'art contemporain impressionnante, fusionnant des éléments de la culture pop avec les techniques audacieuses et éclatantes propres au street art et au graffiti. Créée avec une méticulosité extrême, cette pièce utilise des pigments d'archivage pour garantir sa longévité et son éclat, ce qui en fait une œuvre précieuse pour les collectionneurs et les amateurs d'art. Imprimée sur du papier d'art Somerset Hot Press de 290 g/m², l'œuvre se distingue non seulement par son contenu, mais aussi par la qualité du support utilisé. Le papier Somerset Hot Press est réputé pour sa capacité à restituer les détails les plus fins et les nuances de couleur, assurant ainsi une présentation optimale de chaque centimètre carré de l'œuvre. Le choix d'un papier d'art aussi raffiné témoigne de l'engagement de l'artiste à présenter son travail sous son meilleur jour. Puisant son inspiration dans la culture populaire, Ben Frost a intégré le personnage emblématique de Garfield à cette œuvre. L'œuvre intitulée « Garfield Signed & Numbered Weed Tests » présente le chat roux sous un jour nouveau, soulignant la juxtaposition entre la nostalgie de l'enfance et la réalité crue du street art. Sortie le 26 novembre 2021, cette édition limitée à seulement 25 exemplaires est devenue une pièce de collection très recherchée. Le street art, le graffiti et le pop art ont depuis longtemps permis aux artistes de commenter les normes sociales, la culture populaire et la condition humaine. « Baked Lasagna - Oversized Edition » de Ben Frost fait le lien entre ces genres avec brio. En utilisant un personnage aussi emblématique que Garfield, Frost invite les spectateurs à reconsidérer leurs perceptions et à trouver un sens plus profond à ce qui pourrait au premier abord apparaître comme une simple œuvre de pop art. C'est un témoignage de l'évolution constante de l'art contemporain et des artistes qui repoussent sans cesse ses limites.

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Achetez Deep Ocean, Vast Hell Limited Edition Aérosol embelli à la main et sérigraphie sur papier d'archives Sommerset Deckled 250gsm par l'artiste Dee Dee Modern Pop art. 2020 Édition limitée signée et numérotée de 5 illustrations Taille 43-7/8 x 30-1/2 pouces Dee Dee est une artiste de rue basée à New York qui utilise le collage, la peinture et la sérigraphie pour donner vie à des rêveries et des cauchemars surréalistes et cinématographiques. C'est dans ce monde – entre sommeil et rêve, entre surface et subconscient – ​​que le spectateur est invité à entrer. Le travail résume les thèmes du visible et de l'invisible, du caché et du révélé, des masques que nous portons et de ceux que nous choisissons d'enlever.

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Time To Totality I AP Sérigraphie d'archive par Prefab77 Épreuve d'artiste Sérigraphie 3 couleurs tirée à la main sur papier d'art Somerset 350 g/m² Édition limitée Œuvre d'art pop street et graffiti. Épreuve d'artiste AP 2018 Signée et marquée AP Tirage limité Dimensions de l'œuvre 22,05 x 29,92 Sérigraphie et impression pigmentaire d'archives Technique mixte sur papier Somerset Finition à la main. Décryptage du langage visuel de « Time To Totality I AP » par Prefab77 « Time To Totality I AP » de Prefab77 est une œuvre expressive, fruit de la fusion entre le street art, le pop art et le graffiti. Sa complexité visuelle et ses références culturelles captivent le regard. Épreuve d'artiste d'une édition limitée, cette pièce constitue une étape cruciale du processus d'impression, témoignant de la vision initiale de l'artiste et de l'intégrité de l'œuvre. Mesurant 56 x 76 cm, cette sérigraphie trois couleurs, réalisée à la main, exploite la résistance et la texture du papier beaux-arts Somerset 350 g/m², reconnu pour sa qualité supérieure et sa capacité à sublimer l'intensité des pigments. Ce tirage particulier, marqué « AP » par l'artiste, sert de référence pour toutes les impressions ultérieures. Cette appellation d'« épreuve d'artiste » suggère également un lien plus étroit avec les créateurs, car ces épreuves sont généralement conservées par les artistes eux-mêmes. Dans le cas de « Time To Totality I AP », la finition à la main témoigne d'une attention et d'une intention particulières qui dépassent le cadre de l'édition standard, faisant de cette œuvre une pièce de collection unique. L'œuvre est une fusion de techniques de sérigraphie et d'impression pigmentaire d'archives, alliant la précision de la sérigraphie à la richesse des encres pigmentaires. Ce mélange permet une gamme de textures et de finitions, de la planéité affirmée des aplats de couleurs aux subtiles variations des détails appliqués à la main. Les éléments techniques mixtes de l'estampe ajoutent une dimension tactile qui invite le spectateur à considérer la surface comme un élément essentiel du récit de l'œuvre. Réflexions sur la signification et l'impact du « Temps jusqu'à la totalité I AP » Dans « Time To Totality I AP », Prefab77 livre une œuvre visuelle puissante qui transcende la simple esthétique. Le contenu explore les thèmes de la temporalité et de la transformation, comme le suggère le titre. « Time to Totality » peut évoquer le compte à rebours d'un événement majeur, une éclipse ou un moment de rupture, à l'instar du street art qui capture souvent l'esprit d'un lieu et d'une époque. Comme une grande partie du travail de Prefab77, cette œuvre se caractérise par une fusion d'éléments graphiques puisant dans diverses sources telles que la musique, la politique et la culture populaire. La superposition complexe des images et la juxtaposition des plans créent une interaction dynamique, invitant le spectateur à la découverte et au déchiffrement des symboles et messages dissimulés dans la composition. Le choix du papier Somerset est particulièrement significatif dans le contexte du street art et du graffiti. Ce matériau haut de gamme, généralement associé à la gravure traditionnelle, est ici intégré au street art, remettant en question les notions de valeur et de classe dans le monde de l'art. La finition manuelle sur ce support souligne l'engagement du collectif envers le savoir-faire artisanal et la reconnaissance des techniques du street art comme une forme d'art à part entière. L'impact culturel de « Time To Totality I AP » est multiple. Cette œuvre crée des liens entre différentes communautés artistiques et interroge la nature éphémère du street art face à la pérennité des estampes d'art. Alors que le street art gagne en reconnaissance dans le monde de l'art contemporain, des œuvres comme celle-ci jouent un rôle crucial en faisant évoluer les mentalités et en ouvrant le dialogue sur la légitimité et l'importance du graffiti et des œuvres d'art inspirées par la rue au sein du marché de l'art. Commentaire culturel et expression artistique dans « Time To Totality I AP » « Time To Totality I AP » de Prefab77 n'est pas une simple image statique, mais un commentaire culturel, un instantané de l'esprit du temps encapsulé dans un mélange d'iconographie et de couleurs. La sérigraphie, technique souvent associée à la production de masse et à une large diffusion, est ici utilisée pour créer une œuvre profondément personnelle et éphémère. Le caractère limité de l'édition fait écho aux instants fugaces que le graffiti capture souvent sur les murs des villes, tandis que la qualité d'archivage de l'impression garantit sa pérennité. L'œuvre capture l'essence du Street Pop Art et du graffiti, où l'esprit rebelle et l'accessibilité publique du street art fusionnent avec les processus réfléchis et calculés du pop art. « Time To Totality I AP » représente un dialogue entre ces univers, révélant la beauté et la complexité qui émergent de leur convergence. Dans cette pièce, Prefab77 continue de repousser les limites du street art, élargissant son champ d'expression au-delà des environnements urbains.

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Estampe typographique Heart #063 par Swoon- Caledonia Curry, édition limitée sur papier d'art blanc velours Somerset 300 g/m², style graffiti, street art et pop. Édition limitée 2020, signée et numérotée, à 75 exemplaires. Impression typographique au format 11x8 pouces. Estampe typographique Heart #063 de Swoon – Une fusion délicate d'intimité et d'activisme « Heart #063 » de Swoon, alias Caledonia Curry, est une œuvre typographique qui incarne son esthétique complexe tout en s'ancrant dans le langage émotionnel profond qui caractérise son art urbain, pop et graffiti. Sortie en 2020 en édition limitée, signée et numérotée, à seulement 75 exemplaires, cette pièce de 28 x 20 cm est imprimée sur un papier d'art haut de gamme Velvet White Somerset de 300 g/m², réputé pour sa texture riche et sa qualité d'archivage. Chaque tirage révèle les qualités tactiles de l'impression typographique : l'encre pénètre profondément dans les fibres du papier, renforçant ainsi la présence visuelle et physique des compositions organiques de Swoon. Motif du cœur : un design complexe et un symbolisme riche. Le style distinctif de Swoon puise son inspiration dans le découpage de papier, la gravure traditionnelle et les installations in situ. Heart #063 fusionne cette sensibilité en un symbole unifié : un cœur formé de boucles géométriques hypnotiques, de motifs floraux radiaux et d’entrelacs architecturaux. Le motif évoque la géométrie sacrée et la croissance végétale tout en conservant une chaleur humaine caractéristique de son œuvre axée sur le portrait. Plutôt que de se concentrer sur des figures humaines, cette composition abstraite exprime le cadre émotionnel du soin, du lien et du renouveau, particulièrement poignant durant la période de bouleversements sociaux et sanitaires de 2020. Art urbain pop et graffiti dans le contexte des beaux-arts Swoon est reconnue internationalement pour avoir intégré le Street Pop Art et le graffiti dans les musées et les galeries sans jamais renier l'essence même de sa démarche artistique. Ses interventions dans l'espace public sont tout aussi importantes que ses estampes et sculptures. En publiant Heart #063 en édition typographique, elle transforme son vocabulaire visuel imprégné de graffiti en une œuvre de collection, tout en préservant l'accessibilité et le message qui fondent son héritage. L'œuvre devient une sorte de fresque portable, un fragment condensé de son univers visuel bien plus vaste. Avec un format idéal pour une exposition intimiste, Heart #063 devient un objet personnel de l'une des figures féminines les plus influentes du street art mondial. L'héritage et l'influence persistante de Swoon Née aux États-Unis en 1977, Caledonia Curry poursuit son œuvre engagée, empreinte de compassion et de guérison. Figure de proue du street art, elle a su élargir le champ expressif du pop art et du graffiti en l'intégrant à des pratiques communautaires, à l'intervention publique et à la gravure d'art. L'œuvre « Heart #063 » illustre parfaitement son talent pour allier maîtrise technique et narration émotionnelle profonde. Elle témoigne de sa capacité à fusionner éléments mythiques, esthétique urbaine et iconographie personnelle en des œuvres à la fois visuellement denses et spirituellement riches. Tirée en édition limitée et réalisée artisanalement en typographie, cette pièce est devenue un incontournable des collections d'art contemporain.

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Sérigraphie anaglyphique Pride en édition limitée, 9 couleurs, tirée à la main, avec vernis sélectif sur papier Somerset Satin 310 g/m², format baignoire, par l'artiste Insane51. Œuvre d'art rare et célèbre du pop art. Édition limitée signée 2021, sérigraphie 9 couleurs avec vernis sélectif sur papier Somerset Satin 310 g/m², format baignoire, dimensions : 23,62 x 23,62 pouces (60 x 60 cm), sortie : 10 avril 2021, tirage de 125 exemplaires. Chaque estampe, réalisée en neuf couleurs, est une sérigraphie multicouche avec vernis sélectif et bords frangés à la main. L'édition spéciale limitée présente un fond à effet de dégradé orné d'encre dorée métallisée. Insane51 est un muraliste grec de 26 ans, installé à Athènes, et l'un des pionniers des fresques murales 3D de grande envergure. Il a débuté en 2007 comme graffeur et, depuis, il n'a jamais cessé de vivre de sa passion.

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Dab Devil - Édition surdimensionnée, impression d'art pigmentaire d'archives en édition limitée sur papier d'art Somerset Hot Press 290 g/m² par l'artiste de graffiti pop moderne Ben Frost. Édition limitée 2021, signée et numérotée à 25 exemplaires. Œuvre de 20 x 20 pouces représentant le Diable de Tasmanie (Loony Toons). Impression pigmentaire d'archives sur papier d'art Somerset Hot Press 290 g/m². L'œuvre « Dab Devil - Oversized Edition » incarne la confluence de la culture pop et de l'esprit audacieux du street art, incarnée par le célèbre artiste de street art moderne Ben Frost. À travers cette œuvre, Frost intègre avec brio l'emblématique Diable de Tasmanie des Looney Tunes dans un contexte contemporain, suscitant un dialogue sur les normes sociales, les juxtapositions et la nature évolutive de l'art. Réalisée avec des pigments d'archivage, cette pièce met en valeur non seulement la brillance du thème, mais aussi une approche méticuleuse visant à garantir la longévité et l'éclat de chaque détail. Imprimée sur papier d'art Somerset Hot Press 290 g/m², elle sublime la qualité de l'œuvre, rehaussant la richesse des couleurs et la netteté des détails. Ce support est réputé pour donner vie aux œuvres, assurant à chacune une résonance optimale avec son message et son attrait. Le choix du Diable de Tasmanie sur fond de tests de dépistage de marijuana constitue un commentaire audacieux, voire impertinent, sur la culture populaire et son intersection avec les problématiques contemporaines. En 2021, ce chef-d'œuvre a été réédité en édition signée et numérotée, limitée à seulement 25 exemplaires. Cette rareté renforce son exclusivité et sa valeur auprès des collectionneurs et amateurs d'art. Avec Dab Devil - Oversized Edition, Ben Frost invite le spectateur à plonger dans un univers où la nostalgie des dessins animés traditionnels rencontre des thèmes contemporains. Cette œuvre témoigne de la capacité de l'artiste à bousculer les perceptions, à susciter l'introspection et à célébrer le dynamisme du pop art, du street art et du graffiti.

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Sérigraphie 3 couleurs Marilyn Pure Joy Oxblood par Pure Evil, tirée à la main sur papier d'art Somerset Fine Art Paper 300 g/m² à bords frangés, édition limitée. Édition limitée signée et numérotée 2025 (à déterminer). Format de l'œuvre : 16x20. Sérigraphie représentant l'actrice hollywoodienne Marilyn Monroe stylisée en bleu turquoise, rose et bordeaux. Marilyn Pure Joy Oxblood par Pure Evil dans l'art pop art et graffiti de rue « Marilyn Pure Joy Oxblood » est une sérigraphie audacieuse en édition limitée (2025) de Charles Uzzell-Edwards, artiste reconnu dans le milieu de l'art contemporain sous le pseudonyme de « Pure Evil ». Imprimée en trois couleurs et tirée à la main sur un papier d'art Somerset 300 g/m² à bords frangés, cette œuvre de 40,6 x 50,8 cm s'inscrit dans la continuité de la série de portraits de l'artiste, qui rend hommage aux icônes historiques à travers le prisme de la subversion moderne. Marilyn Monroe, sans doute l'un des visages les plus reconnaissables de l'histoire de la culture populaire, est ici représentée dans un contraste saisissant de rose bordeaux et de blanc, avec des reflets glacés et le motif en larme, signature de « Pure Evil », qui se déverse vers le bas dans un contraste visuel saisissant. La palette de couleurs utilisée transforme Monroe, d'icône nostalgique, en un sujet poignant d'introspection, révélant la coexistence de la célébrité et de la fragilité. Recontextualiser les icônes dans la tradition du pop art de rue Cette œuvre puise dans le langage du pop art traditionnel et les codes du street art, mêlant esthétique de la haute couture et commentaire incisif. Pure Evil utilise la sérigraphie dans la lignée d'Andy Warhol, mais explore des territoires émotionnels plus sombres en introduisant la larme noire, un motif récurrent dans son œuvre. La larme n'est pas seulement un élément stylistique, mais aussi un procédé narratif, suggérant le deuil d'une innocence perdue ou une critique de la façon dont la célébrité consume l'individualité. En plaçant Monroe dans une teinte rouge bordeaux saturée, l'estampe souligne le drame, la sensualité et l'intensité émotionnelle, conférant une nouvelle profondeur à une figure souvent idéalisée et aplatie par la culture commerciale. Le rôle de la couleur et de la technique d'impression dans l'impact émotionnel La palette rouge sang de bœuf joue un rôle central dans la manière dont cette version de la série Pure Joy communique l'urgence et la tristesse. Elle s'écarte des palettes chaudes et traditionnelles d'Hollywood, généralement utilisées pour représenter Monroe. Le rouge profond suggère la passion, l'obsession, voire la violence en filigrane. Se détachant sur des fonds blancs éclatants et des détails ombrés, la silhouette de Monroe devient encore plus obsédante. L'impression sérigraphique, avec ses contours nets et ses superpositions précises, renforce la dualité entre maîtrise esthétique et chaos émotionnel. Le bord frangé du papier Somerset ajoute une dimension tactile et physique qui ancre l'œuvre, faisant le lien entre sa présence digne d'une galerie et ses racines dans les pratiques urbaines du pochoir. Le commentaire du mal pur à travers le portrait de célébrités La réinterprétation de Marilyn Monroe par Pure Evil dépasse le simple remix culturel. Elle dénonce avec subtilité la manière dont les médias de masse instrumentalisent la beauté, l'iconographie et l'exploitation émotionnelle. L'image de Monroe, jadis auréolée d'un glamour discret, nous fixe désormais du regard, révélant une tension complexe entre attrait et traumatisme. La teinte bordeaux exprime sa vulnérabilité humaine sans altérer sa puissance symbolique. Charles Uzzell-Edwards, alias Pure Evil, a développé un style reconnaissable entre tous, fusionnant le graffiti et la précision de la sérigraphie. Avec l'édition « Marilyn Pure Joy Oxblood », il contribue à un débat plus large au sein du street art et du graffiti, invitant le public à s'interroger sur ce qui se cache derrière l'image de la célébrité et à en mesurer les conséquences.

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Impression giclée Sirena Exotic Ride par Brett Crawford, œuvre d'art en édition limitée sur papier d'art Somerset Fine Art, artiste graffiti pop de rue. Édition limitée de 50 exemplaires, signée et numérotée, 2018. Dimensions de l'œuvre : 22 x 28 pouces. Légères traces le long de la marge gauche et de la marge inférieure gauche ; pliure dans le coin inférieur droit. Sirena Exotic Ride par Brett Crawford – Mouvement surréaliste dans l'art de rue pop art et graffiti « Sirena Exotic Ride » est une estampe giclée en édition limitée de 2018, signée et numérotée à 50 exemplaires, réalisée par l'artiste américain Brett Crawford. Mesurant 56 x 71 cm et imprimée sur papier d'art Somerset, cette œuvre vibrante capture le style inimitable de Crawford, mélange d'humour urbain, d'absurdité inspirée de la culture pop et de précision picturale. Au centre de la composition, un guépard menaçant chevauche de façon improbable un grand-bi vintage. Les membres de l'animal sont tendus dans un mouvement cinétique, tandis que son dos devient une scène surréaliste pour des personnages et des figures symboliques : une souris délicate en équilibre sur un haut-de-forme posé sur la tête du guépard, et une petite femme assise sereinement sur sa queue sous un parapluie cramoisi. Le tout se déroule sur un fond hypnotique de paysage aux dégradés de violet et d'une lune cyan surdimensionnée, plongeant le spectateur dans un espace entre fantaisie et chaos urbain. Couches symboliques et humour au sein d'une composition pop surréaliste L'œuvre de Brett Crawford se nourrit de contradictions, et « Sirena Exotic Ride » ne fait pas exception. Le guépard, icône de vitesse, est absurdement associé à un grand-bi, symbole lent et désuet des premiers modes de déplacement. Ce duo ironique, complété par des miniatures équilibrées sur sa tête et sa queue, crée un récit à la fois humoristique et ouvert à l'interprétation. Il invite le spectateur à réfléchir à l'équilibre, à l'absurdité et au rôle de chacun dans la circulation de l'énergie collective. L'utilisation par Crawford de métaphores anthropomorphiques et de compositions hyper-surréalistes rappelle les traditions du street art et du graffiti, où la narration se mêle à l'attitude et à l'ironie. Ses personnages ne sont pas des acteurs au sens propre, mais des avatars de tension et de transformation, baignés de couleurs vibrantes et de paysages surréalistes qui font écho à la logique onirique. Artisanat, couleur et empreinte de l'esthétique urbaine La technique d'impression giclée utilisée pour Sirena Exotic Ride garantit une netteté muséale à chaque détail, des taches acérées du pelage du guépard aux subtiles nuances de l'arrière-plan. Le papier d'art Somerset rehausse la texture et la profondeur de l'image, conférant à son récit fantastique une dimension tactile. Le langage visuel de Crawford emprunte au graffiti, aux affiches de rue et à l'illustration dessinée à la main, mais il est sublimé par sa maîtrise picturale et sa connaissance approfondie de la composition. Les lignes audacieuses, les changements d'échelle exagérés et les aplats de couleur flottants témoignent de l'évolution du Street Pop Art et du graffiti en une pratique complexe et riche, bien au-delà de ses origines murales et de ses rames de métro. Fusion culturelle du jeu et de la provocation selon Brett Crawford L'œuvre de Crawford continue d'alimenter le dialogue entre culture populaire et culture savante, beaux-arts et récit urbain. Avec Sirena Exotic Ride, il insuffle une malice visuelle à une estampe soignée, transformant la sauvagerie de la rue en un format raffiné sans rien perdre de sa force. Ses personnages, à la fois théâtraux et caricaturaux, restent néanmoins profondément ancrés dans l'émotion, la psychologie et le symbole. Le guépard devient une bête de somme, la souris une artiste, la femme un mystère. Ces juxtapositions invitent à d'innombrables interprétations tout en préservant l'énergie brute du Street Pop Art et du graffiti. Brett Crawford demeure une voix unique dans l'art contemporain, n'hésitant pas à mêler satire et sincérité, élégance et absurde, au sein d'un univers visuel aux couleurs éclatantes et au chaos joyeux.

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Edition limitée sur papier Moab Entrada 290gsm par Urban Pop Artist ARTIST Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Bugged Out - Édition surdimensionnée, impression d'art pigmentaire d'archives en édition limitée sur papier d'art Somerset Hot Press 290 g/m² par l'artiste de graffiti pop moderne Ben Frost. Warner Brothers Looney Tunes Bugs Bunny - Tirage pigmentaire d'archives signé et numéroté sur papier d'art Somerset Hot Press 290 g/m² - Format : 50,8 x 50,8 cm (20 x 20 pouces) - Sortie : 26 novembre 2021 - Tirage : 25 exemplaires Ce n'est pas un hasard si une grande partie de son œuvre consiste en des images de dessins animés détournées, comme celles des Looney Tunes, qu'elle transpose dans un nouveau contexte artistique sans en altérer les connotations originales. Cette réinterprétation visuelle, que Frost déploie dans son travail, est suffisamment nostalgique pour nous paraître immédiatement familière, mais aussi troublante, au point de capter notre attention et de nous empêcher de détourner le regard.

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Pop Tart - Impression sérigraphique encadrée en 7 couleurs, tirée à la main, jaune, sur papier satiné blanc Somerset 410 g/m² par l'artiste D*Face - Dean Stockton, œuvre d'art en édition limitée. Édition limitée à 125 exemplaires, signée et numérotée, encadrée. 2007. Sérigraphie en couleurs sur papier, 76,2 x 73,7 cm (30 x 29 pouces). Encadrement sur mesure avec passe-partout. Pop Tart (Jaune), 2007. Tirage limité à 125 exemplaires. Signée et numérotée au crayon en bas. Édité par Black Rat Press. D*Face Dean Stockton Pop Tart Jaune Sérigraphie 2007 La sérigraphie « Pop Tart Yellow » de 2007, réalisée par l'artiste britannique Dean Stockton, alias D*Face, est une œuvre majeure de sa vision satirique du street art et du graffiti. Mesurant 76 x 74 cm et imprimée à la main en sept couleurs sur papier Somerset Satin White 410 g/m², cette édition limitée à 125 exemplaires a été éditée par Black Rat Press, l'un des studios d'impression londoniens les plus influents auprès des artistes de rue contemporains. Chaque exemplaire est signé et numéroté par l'artiste au crayon sur le bord inférieur, garantissant son authenticité et sa valeur de collection. Iconographie et critique culturelle L'imagerie de Pop Tart Yellow s'inspire indéniablement des célèbres portraits de Marilyn Monroe par Andy Warhol, mais DFace y superpose sa propre touche irrévérencieuse. Le visage de Marilyn se métamorphose partiellement en crâne, avec des yeux creux et un effet de peinture dégoulinante qui évoque à la fois la fragilité de la célébrité et l'inéluctabilité du déclin. Des détails cartoonesques, tels des ailes jaillissant de sa tête, ajoutent une dimension surréaliste et satirique, rappelant comment la célébrité élève souvent les figures culturelles au rang de mythes tout en les déshumanisant. Cette dualité entre beauté et mortalité est un thème récurrent dans l'œuvre de DFace, amplifiant la critique de l'idolâtrie et de la manipulation de la perception publique par les médias de masse. Technique et exécution Réalisée en sérigraphie sept couleurs, l'œuvre associe des aplats de couleurs vives à des textures plus granuleuses, évoquant des coulures et des détails patinés. Le fond jaune canari accentue le dynamisme pop art tout en créant un contraste saisissant avec la superposition noire squelettique et les lèvres rouge vif de Marilyn. Le choix du papier Somerset Satin 410 g/m² par D*Face souligne le statut d'œuvre d'art de cette estampe, mariant l'esthétique urbaine à une qualité muséale. Cette approche témoigne de sa capacité à intégrer un design inspiré du graffiti dans l'espace d'une galerie sans rien perdre de la force et de l'immédiateté qui caractérisent ses interventions en extérieur. Le rôle de D*Face dans l'art urbain contemporain Né à Londres en 1978, Dean Stockton s'est imposé comme une figure centrale du mouvement street art international, mêlant graphisme punk, esthétique de la bande dessinée et satire de la culture pop. Ses œuvres interrogent souvent les thèmes de la célébrité, du consumérisme, de l'amour et de la mortalité, utilisant des icônes culturelles reconnaissables comme vecteurs de critique. « Pop Tart Yellow » illustre parfaitement sa stratégie de réinterprétation des images de Warhol et Marilyn Monroe, figures emblématiques de la marchandisation de la beauté et de la célébrité. En y insufflant des nuances plus sombres et un humour irrévérencieux, D*Face transforme un classique du pop art en une œuvre qui trouve un écho auprès du public contemporain, tout en questionnant les fondements mêmes de la culture de la célébrité. Cette sérigraphie en édition limitée demeure l'une de ses œuvres d'art les plus emblématiques, faisant le lien entre ses racines graffiti et le marché des estampes de collection.

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Aperçu exclusif d'une sérigraphie en édition limitée, tirée à la main en 7 couleurs sur papier satiné Somerset 300 g/m², par Martin Whatson, un artiste pop art de rue rare et célèbre. Œuvre d'art en édition limitée, 2021, avec timbre en relief. Dimensions : 24,4 x 9,84 cm. Papier gaufré sur le pourtour du rideau pour un effet 3D, avec un graffiti en arrière-plan. Timbre réalisé par Martin Whatson & Graffitiprints. Éléments artistiques de « Sneak Peek » « Sneak Peek » est une sérigraphie en édition limitée de l'artiste norvégien Martin Whatson, reconnu pour sa fusion unique d'images en niveaux de gris et d'éléments vibrants de street art. Créée en 2021, cette œuvre est une impression artisanale en sept couleurs sur papier Somerset Satin 300 g/m², réputé pour son fini lisse et sa grande qualité, un support de choix pour les estampes d'art. L'œuvre présente un tampon en relief et mesure 62 x 25 cm. L'un des aspects les plus saisissants de « Sneak Peek » est le papier gaufré sur le bord du rideau, qui confère un effet 3D au graffiti en arrière-plan. Cette technique illustre l'approche novatrice de Whatson en matière d'estampe, alliant précision et qualité tactile des techniques traditionnelles. Style signature Martin Watson L'art de Whatson est un commentaire visuel sur les contrastes saisissants entre le paysage urbain et l'expérience humaine. Dans « Sneak Peek », l'utilisation du gris pour représenter la main et le rideau symbolise les aspects souvent monochromes et banals de la vie. Parallèlement, les graffitis colorés en arrière-plan représentent les strates vibrantes, souvent cachées, de la ville et sa culture expressive du street art. Intégration du street art pop et du graffiti « Sneak Peek » incarne l'esprit du street art et du graffiti en combinant références à l'art classique et techniques contemporaines du graffiti. L'œuvre est signée Martin Whatson et Graffitiprints, gage d'authenticité et hommage à la nature collaborative du street art. Le travail de Whatson est un dialogue entre tradition et modernité, et cette estampe témoigne de cette conversation permanente. En conclusion, « Sneak Peek » est une pièce de collection qui résume la perspective unique de Martin Whatson au sein du mouvement street art et graffiti. Elle met en lumière son talent pour fusionner différentes formes d'art et créer une œuvre à la fois accessible et complexe, offrant un aperçu du monde riche et nuancé du street art.

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Blotto - Édition surdimensionnée, impression d'art pigmentaire d'archives en édition limitée sur papier d'art Somerset Hot Press 290 g/m² par l'artiste de graffiti pop moderne Ben Frost. Édition limitée à 25 exemplaires, signée et numérotée, 2021. Œuvre de 20 x 20 pouces (50,8 x 50,8 cm) d'Otto Simpson, « Weed Tests », impression pigmentaire d'archives sur papier d'art Somerset Hot Press 290 g/m². Blotto - Édition surdimensionnée est une représentation par excellence de la fusion harmonieuse entre la culture pop et l'énergie brute du street art, magistralement orchestrée par Ben Frost, artiste de street art pop moderne de renom. À travers cette œuvre évocatrice, Frost a capturé l'essence du personnage emblématique d'Otto des Simpson, transposée dans le contexte des tests de dépistage de marijuana. Cette juxtaposition offre une réflexion profonde sur l'évolution des valeurs et de l'acceptation au sein de la société, ainsi que sur l'influence complexe des médias populaires sur nos perceptions. Réalisée avec des pigments d'archivage, cette œuvre est un véritable régal pour les yeux et est conçue pour traverser les âges. Chaque nuance, chaque teinte, est rendue avec une précision extrême, garantissant à l'œuvre une vitalité et un impact intacts pour les années à venir. Imprimée sur le luxueux papier d'art Somerset Hot Press de 290 g/m², la profondeur et la finesse de l'œuvre sont accentuées, offrant un toucher à la fois haut de gamme et immersif. L'année 2021 a vu la révélation de ce chef-d'œuvre, limité à une édition spéciale de 25 exemplaires. Chaque tirage est signé et numéroté, ce qui en fait une pièce de collection prisée des amateurs d'art. Avec Blotto - Oversized Edition, Ben Frost propose une perspective fascinante, invitant le spectateur à réfléchir aux mutations culturelles, à l'humour, aux ironies et aux messages sous-jacents que les médias populaires et le street art véhiculent souvent, tantôt ouvertement, tantôt avec une subtilité nuancée.

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Impression giclée Hangry par Brett Crawford, œuvre d'art en édition limitée sur papier d'art Somerset Fine Art, artiste graffiti pop de rue. Édition limitée 2019 signée et numérotée à 25 exemplaires. Format de l'œuvre : 24x24. Hangry par Brett Crawford – Le chaos de l'enfance rencontre le pop art urbain et le graffiti « Hangry » est une estampe giclée en édition limitée de 2019, signée par l'artiste américain Brett Crawford, connu pour son imagination débordante et ses réinterprétations culturelles. Imprimée sur papier d'art Somerset au format 61 x 61 cm, cette édition a été éditée à seulement 25 exemplaires numérotés et signés. L'œuvre met en scène Cookie Monster, l'un des personnages les plus emblématiques de la télévision américaine, pris dans un élan de joie espiègle. Il agrippe un tricycle géant et traverse le cadre à toute allure. D'une main, il croque un biscuit entamé, tandis qu'Oscar le Grognon, réinventé en figurine incrustée dans le guidon, réagit avec une alarme comique. Derrière eux, le mot « BIG », en lettres magenta et jaunes audacieuses, domine la composition, créant un fond typographique pop rétro à la fois ludique et iconique. Satire, échelle et iconographie de l'enfance L'œuvre « Hangry » de Brett Crawford exploite la nostalgie tout en la déconstruisant avec énergie et humour. Cookie Monster, dans cette image, n'est pas une gentille marionnette, mais le symbole d'un appétit chaotique – littéralement affamé. La taille absurde du tricycle, l'inclinaison frénétique du mouvement et l'expression exagérée traduisent un état émotionnel oscillant entre l'exaltation et la crise de nerfs. Cette représentation n'est pas destinée aux enfants, mais aux adultes qui ont grandi avec ces personnages et qui les perçoivent désormais comme des symboles d'émotion, de souvenirs et de marketing. Dans le contexte du street art et du graffiti, l'interprétation de Crawford devient une critique de la surconsommation et de la culture consumériste, dissimulée sous des airs burlesques. C'est une ironie sucrée, peinte à la perfection. Maîtrise du médium et détails éclatants Imprimée grâce à des techniques d'impression giclée de pointe, l'estampe Hangry offre des couleurs éclatantes et une netteté exceptionnelle, préservant ainsi la profondeur et la superposition des plans de l'œuvre originale de l'artiste. Le papier beaux-arts Somerset, réputé pour sa qualité d'archivage et sa texture subtile, met en valeur les teintes saturées et les nuances dynamiques qui caractérisent le travail de Crawford. De la texture de la fourrure bleue de Cookie Monster au reflet sur la carrosserie en plastique du véhicule miniature, chaque détail est rendu avec précision et clarté. La composition capture le mouvement et le volume avec la sensibilité d'un peintre, tout en respectant la simplicité et l'audace du langage visuel pop. Le format de l'estampe renforce sa présence, lui conférant une dimension hors du commun, à l'image de son sujet. Brett Crawford et l'évolution du jeu vers le commentaire pop Hangry est l'expression pure de l'exploration constante que Crawford mène de la culture pop à travers l'exagération et un humour surréaliste. En combinant des figures familières des médias pour enfants avec des accessoires surdimensionnés et des émotions exacerbées, il réinvente la nostalgie sous forme de satire. L'ajout d'Oscar le Grognon, en tant qu'objet passif, presque décoratif, ajoute des couches de sous-texte sur la société de consommation et la domestication de la rébellion. La faim primale de Cookie Monster devient une métaphore des pulsions modernes – qu'il s'agisse de nourriture, de célébrité ou de divertissement. À travers cette composition vibrante et résolument exubérante, Crawford transforme une scène simple en un récit visuel complexe. En tant qu'œuvre de Street Pop Art et de graffiti, Hangry se présente comme une pièce colorée et provocatrice, à la croisée du souvenir d'enfance et du commentaire adulte.

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Un Falcaroo nommé Knievel, estampe giclée de Brett Crawford, œuvre en édition limitée sur papier d'art Somerset Fine Art, artiste graffiti pop de rue. Édition limitée signée et numérotée de 50 exemplaires, 2018. Dimensions de l'œuvre : 22x22. Un fauconneau nommé Knievel par Brett Crawford – Un élan fantastique dans l'art urbain pop et le graffiti « Un Faucon Nommé Knievel » est une estampe giclée en édition limitée, créée en 2018 par l'artiste américain Brett Crawford. Imprimée sur papier d'art Somerset et mesurant 56 x 56 cm, l'œuvre a été éditée à 50 exemplaires signés et numérotés. Connu pour ses hybrides animaux surréalistes et sa satire ludique, Crawford nous offre ici une œuvre qui mêle fantaisie, références à l'Amérique et humour symbolique à travers une imagerie hyper-détaillée. La figure centrale est un kangourou aux ailes délicatement emplumées, coiffé d'un casque brillant rouge, blanc et bleu étoilé. Perché avec assurance sur le casque, un petit oiseau orné d'une coiffe assortie. Cette créature – mi-faucon, mi-kangourou, mi-aventurier – captive le regard par son anatomie singulière et son intensité subtile. Le fond bleu profond dégradé amplifie l'atmosphère onirique, tandis que la texture lisse de la composition, réalisée à l'aérographe, contraste avec la netteté du rendu de la fourrure et des reflets du verre, créant une tension à la fois raffinée et sauvage. Êtres hybrides et satire symbolique dans l'univers narratif de Crawford L'œuvre de Brett Crawford, « A Falcaroo Named Knievel », illustre sa capacité à tisser la logique en une absurdité poétique. La fusion du kangourou et de l'oiseau, enveloppée dans un nom faisant référence à la légende américaine des cascades, Evel Knievel, enrichit l'espace visuel de multiples significations. Cette créature hybride est à la fois humoristique, héroïque et étrange ; elle représente le risque, l'ambition et le sens du spectacle à l'américaine. Le falcaroo est immobile, mais son casque aérodynamique et ses ailes suggèrent une aptitude à décoller ou à bondir. La juxtaposition d'un symbolisme de haute performance et d'un surréalisme subtil s'inscrit dans la démarche artistique de Crawford, qui s'inscrit dans le courant du street art et du graffiti, où icônes et créatures sont réinventées comme métaphores de l'identité, de l'ambition et de la mythologie culturelle. Exécution technique et pouvoir du papier et de l'encre Imprimée en impression giclée haute résolution, cette œuvre restitue fidèlement les textures et les dégradés de couleurs originaux de Crawford. Le papier beaux-arts Somerset sublime les détails, préservant la profondeur des ombres et la netteté des lumières caractéristiques du style visuel de Crawford. Le corps arrondi du falcaroo est recouvert de fines couches d'ombres et de demi-teintes, conférant à la créature un réalisme saisissant. La surface brillante du casque est rendue avec une distorsion lumineuse parfaite, rappelant la précision des finitions des fresques de graffiti, tout en offrant la permanence des supports beaux-arts. Cette estampe est un exemple parfait de la manière dont le street art et le graffiti contemporains peuvent s'affranchir des murs : conçue pour les collectionneurs, elle n'en perd ni son énergie ni son humour. Mémoire culturelle, mutation et rébellion ludique Le choix de Brett Crawford de fusionner l'hybridité animale avec le symbolisme pop américain illustre parfaitement sa démarche. « Un falcaroo nommé Knievel » n'est pas qu'une simple plaisanterie visuelle : c'est une sculpture qui évoque les cascades télévisées, l'imagination débordante et l'héroïsme exacerbé. Elle rend hommage à la confiance téméraire d'Evel Knievel, tout en reconnaissant avec malice l'absurdité de telles créations mythiques. En plaçant un petit oiseau au sommet de cette créature déjà surréaliste, Crawford rappelle aux spectateurs que les notions d'échelle, de leadership et de bravoure sont souvent bouleversées. Le falcaroo ne sautera peut-être jamais, mais il porte en lui l'iconographie du mouvement et de la rébellion. S'inscrivant dans la tradition du street art et du graffiti, l'œuvre célèbre l'individualité par l'étrangeté, le respect par la moquerie et l'immobilité par l'énergie potentielle. Crawford continue d'inventer un univers visuel où tout peut devenir symbole et où l'humour est omniprésent.

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