Sket-One Sharpie à pointe biseautée, édition limitée, objet d'art de collection créé par l'artiste Sket-One. Marqueur unique 2022

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Estampe d'art en édition limitée Continental Motors Archival Pigment Fine Art sur papier Moab Entrada 290 g/m² par l'artiste Stephanie Buer, légende du street art pop graffiti. Tirage pigmentaire d'archive signé et numéroté 2019 sur papier Moab Fine Art 290 g/m². Format : 61 x 30,5 cm. Sortie : 30 novembre 2019. Tirage : 50 exemplaires. « Ce tableau est un portrait de l'usine Continental Motors à East Detroit. J'explore Detroit depuis 17 ans et c'était la toute première fois que je visitais cette usine. J'adore le fait qu'il y ait toujours de nouveaux endroits à découvrir dans cette ville. Continental Motors est la plus grande toile que j'aie jamais réalisée ; l'original mesure 1,50 m de long. Le bâtiment et la neige étaient tellement magnifiques que je voulais vraiment créer une image qui capture tout cela. » – Stephanie Buer

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Peinture aérosol Dr. Revolt Ganges Yellow Wildstyle, œuvre d'art de Montana MTN, édition limitée, crossover graffiti street art. 2024 Dr. Revolt Ganges Jaune, édition limitée à 500 exemplaires. Bombe de peinture avec coffret en bois personnalisé. Format : 3 x 8 pouces. Motif : Montagnes du Montana. Remplie de peinture. Style graffiti, streetwear, wildstyle, tags et throw-ups. Dr. Revolt Wildstyle et Montana MTN : La synthèse de la peinture en aérosol et de l’héritage urbain Dans l'univers foisonnant du graffiti Wildstyle et du street art, la bombe aérosol n'est pas qu'un simple outil ; c'est un véritable emblème culturel. La collaboration de 2024 entre le légendaire graffeur Dr. Revolt et la célèbre marque Montana MTN illustre parfaitement cette réalité avec la bombe de peinture Ganges Yellow en édition limitée. Cette série exclusive, produite à seulement 500 exemplaires, célèbre la riche histoire du street art et capture l'essence même de cet art dans une seule bombe. Chaque bombe, mesurant 7,6 x 20,3 cm, est bien plus qu'un simple contenant de peinture de haute qualité : c'est une œuvre d'art qui porte en elle l'héritage de Dr. Revolt au sein de la communauté street art. Ornée de ses tags et throw-ups caractéristiques, la bombe se présente comme une fresque portable, une pièce de pop art urbain que les collectionneurs peuvent posséder. Logée dans un coffret en bois sur mesure, la bombe brouille les frontières entre utilité et art, entre l'énergie brute de la rue et l'esthétique soignée d'une galerie. L'iconographie du Dr Revolt : capturer l'esprit du graffiti L'illustration sur la bombe de peinture Ganges Yellow témoigne du statut iconique de Dr Revolt dans le monde du street art. Son style unique, né du mouvement artistique du métro new-yorkais, se caractérise par sa fluidité, ses lignes audacieuses et sa palette de couleurs vibrantes. Cette bombe en édition limitée est une véritable toile qui met en valeur son talent et l'évolution de son parcours artistique. Chaque élément, du style d'écriture aux choix de couleurs, raconte l'histoire d'une époque, d'un lieu et d'une culture que Dr Revolt a contribué à définir. En transposant son art sur un objet fonctionnel, Dr Revolt renforce le lien intrinsèque entre l'artiste et son outil de prédilection. La bombe, remplie de la célèbre peinture Montana MTN, symbolise le potentiel – chacune recelant la possibilité de nouvelles créations, de nouveaux murs et de nouvelles histoires. Cette collaboration crée un pont entre les générations, reliant les pionniers du graffiti aux artistes de rue et aux passionnés d'aujourd'hui. Canettes de collection : le point de rencontre entre l'art Wildstyle et l'objet de collection L'édition limitée Dr. Revolt Ganges Yellow, véritable objet de collection, témoigne d'une tendance croissante dans la culture du street art : la transformation d'objets du quotidien en pièces convoitées. Cet objet, véritable œuvre d'art, transcende sa fonction première et devient un souvenir précieux qui incarne l'esprit du pop art urbain et du graffiti. Pour les collectionneurs de Wildstyle, chaque bombe est un morceau d'histoire, un lien direct avec les artistes qui ont façonné le langage visuel de la rue. Ces bombes ne sont pas de simples produits, mais s'inscrivent dans un récit plus vaste qui explore les frontières de l'art et de son espace d'expression. En tant qu'objets en édition limitée, elles dégagent une aura d'exclusivité et de prestige souvent associée aux beaux-arts, tout en restant fidèles à l'esprit accessible du street art. La collaboration de Dr. Revolt avec Montana MTN illustre le pouvoir du street art d'innover, d'inspirer et d'imprégner tous les aspects de la culture populaire. Grâce à cette collaboration unique, Dr. Revolt et Montana MTN ont créé bien plus qu'une simple bombe de peinture Wildstyle ; Ils ont créé un objet aux multiples facettes, à la fois outil, œuvre d'art et document historique. Il incarne le passé, le présent et l'avenir du street art, et témoigne avec force de l'évolution constante de l'expression artistique urbaine.

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Série Portraits - Œuvre originale unique réalisée au marqueur sur papier beaux-arts par l'artiste de rue urbain JM Rizzi. Dessin original au feutre signé, 2022. Format : 9 x 12 pouces.

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Œuvre unique de l'artiste : Portrait de Bisco Smith, édition limitée, tirages d'art pigmentaires d'archives sur papier d'art brillant Moab Entrada Rag 290 g/m² par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Bisco Smith x KJ Shows. Œuvre unique de l'artiste : Portrait de Bisco Smith • Tirage pigmentaire d'archives autographié • Imprimé sur papier d'archives Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² • 35,5 x 43 cm (14 x 17 pouces) • Signé, daté, numéroté et estampillé à la main par KJ Shows • Signé également par Bisco Smith • Édition limitée à 25 exemplaires

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Impression pigmentaire d'archives sans titre sur papier beaux-arts 310 g/m² par Seen UA, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée 2019, signée et numérotée, à 73 exemplaires. Dimensions de l'œuvre : 17 x 25 pouces. Aujourd'hui, Mirando a plus de chances d'exposer ses toiles dans une galerie commerciale que de peindre illégalement la nuit. Pourtant, il estime que le street art n'est plus ce qu'il était. « Aujourd'hui, c'est allé tellement loin qu'on ne sait plus distinguer le vrai du faux. Il a perdu son côté mystérieux », déplore-t-il, ajoutant que les progrès technologiques ont également transformé le graffiti tel qu'on le connaît aujourd'hui.

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Train 39, sculpture originale en acrylique sur wagon de marchandises miniature à l'échelle HO, œuvre d'art de l'artiste de rue graffiti et artiste pop moderne LushSux. Œuvre originale de graffiti signée, réalisée en 2014 sur un wagon de train miniature HO (dimensions : 14 x 3). Lush est un mannequin et parfois un graffeur international notoire. « Train 39 » de LushSux : un modèle d'innovation en art urbain « Train 39 » est une œuvre captivante de LushSux, artiste de rue et pop contemporain qui s'est taillé une place unique sur la scène de l'art urbain. Cette pièce originale, créée en 2014, illustre parfaitement la manière dont LushSux transpose l'essence du graffiti sur un wagon de train miniature à l'échelle HO, mesurant seulement 35,5 x 7,5 cm. À travers cette œuvre, LushSux continue de remettre en question les perceptions conventionnelles du graffiti en explorant des domaines nouveaux et inattendus pour cette forme d'art autrefois exclusivement urbaine. La signature de LushSux authentifie non seulement l'œuvre, mais révèle également sa double identité d'artiste de rue et de « graffeur international arrogant » autoproclamé, témoignant de son approche ironique de son image publique. Exploration de la dichotomie du « Train 39 » Dans « Train 39 », LushSux juxtapose l'univers ordonné du modélisme ferroviaire à la nature souvent chaotique et libre du graffiti. L'œuvre présente un tag vibrant, ou « throw-up », caractérisé par ses lettres en relief et ses contours nets et marqués – une signature du style de LushSux. Le jeu des couleurs et le placement stratégique du tag bouleversent l'esthétique traditionnelle du train miniature, lui insufflant une dimension contemporaine à la fois saisissante et stimulante. Cette pièce illustre comment le pop art urbain peut s'étendre au-delà des murs des bâtiments et investir l'espace plus intime des collections privées, conservant ainsi son pouvoir de captiver et d'interpeller le spectateur. La résonance culturelle de « Train 39 » de LushSux La création de « Train 39 » et sa mise sur le marché de l'art soulignent l'évolution du street art en tant qu'expression culturelle. L'œuvre reflète une tendance plus large de l'art contemporain, où les frontières entre art savant et expressions subculturelles s'estompent. Le travail de LushSux sur ce train miniature a immortalisé un moment du mouvement street art où les artistes ont commencé à explorer de nouveaux horizons et supports. Objet de collection, « Train 39 » représente le point de rencontre de diverses communautés de passionnés, des amateurs de graffiti aux collectionneurs de trains miniatures, illustrant l'attrait universel de l'art de LushSux. Par son utilisation novatrice de supports non conventionnels, LushSux élargit la portée du graffiti, assurant sa présence au sein de divers contextes culturels.

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Action en toutes saisons - Tirages d'art en édition limitée, rehaussés à la main, sur papier Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Ces One-Rob Provenzano. Action en toutes saisons • Tirage pigmentaire d'archives autographié • Embellissements uniques supplémentaires à l'aérosol et à l'encre sur papier d'archives Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² • 35,5 x 43 cm (14 x 17 pouces) Embelli à la main, signé et numéroté par l'artiste CES dans une édition limitée embellie de 10 exemplaires

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Pup Art - Sculpture en bombe de peinture noire en édition limitée, œuvre d'art réalisée par l'artiste de rue, graffeur et légende de la culture pop Mr Brainwash - Thierry Guetta. Édition limitée 2020, signée et numérotée, à 150 exemplaires. Format de l'œuvre : 3 x 8 pouces. Signée par empreinte digitale et numérotée, avec coffret de présentation personnalisé. Pièce de collection ultra rare et exceptionnelle : Mr Brainwash – Thierry Guetta, édition limitée, œuvre d’art réalisée à la bombe de peinture.

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Figurine de collection Riot Cop 1000% BE@RBRICK en édition limitée, œuvre d'art en vinyle Medicom Toy par Brandalism. 2022 Neuf dans sa boîte Brandalised x Medicom Toy x Banksy Medicom Toys 2022 présente le Bearbrick Riot Cop, fruit de la collaboration entre le célèbre artiste Banksy et Brandalism. L'artiste est de retour ! Grâce à la technologie de transfert à l'eau, les motifs sont uniques. Cette grande figurine Bearbrick 1000% mesure 70 cm !

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Brut Island Funk HTF Sign Peinture à la bombe aérosol technique mixte originale Graffiti pop art moderne sur panneau commercial en tôle vintage par l'artiste DrNuse89. Peinture originale signée de 2022 sur une enseigne publicitaire vintage en tôle, dimensions 42 x 11 pouces.

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Étiquette d'expédition haute visibilité avec marquage original, peinture/dessin au marqueur, par la légende du graffiti Saber, artiste de rue urbain. 2020 Marqueur Signé Collection Quarantine Slap Up Graffiti Art Tag 6.5x3 Tagué sur Virus Covid Quarantine Étiquette d'avertissement orange fluo haute visibilité.

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SAMO©...Allongé sur un siège de voiture, West Broadway, 1978 Tirage d'art en édition limitée à l'encre pigmentaire d'archives sur papier d'art mat Hahnemühle William Turner 310 g/m² par l'artiste de graffiti pop moderne Al Diaz. Al Diaz « SAMO©...Allongé sur un siège auto, West Broadway, 1978» - Édition limitée à 25 exemplaires - 45,7 x 61 cm SAMO©...ALLONNÉ SUR UN SIÈGE AUTO, WEST BROADWAY, 1978 • Tirage pigmentaire d'archives autographié • Imprimé sur papier d'art mat Hahnemühle William Turner, 310 g/m² • Bords frangés à la main • Vernis à la main • 45,7 x 61 cm Signé, numéroté et daté à l'encre par Al Díaz dans une édition limitée à 25 exemplaires • Avec inscription supplémentaire à l'encre « WE WERE SAMO©... »

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Carte NY Tripway I Papier buvard Édition limitée Impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Cope2 Œuvre d'art LSD de la culture pop. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey et peuvent légèrement différer de l'exemple présenté. Fernando Carlo, alias COPE2, est un artiste américain, figure emblématique de la scène graffiti new-yorkaise. Son implication dans le street art des années 80 et 90 a progressivement contribué à forger sa réputation, faisant de lui l'un des graffeurs les plus connus des États-Unis. À la fois controversée et iconique, son parcours et son engagement dans le graffiti depuis les dernières décennies du XXe siècle éclairent l'histoire même du graffiti et son évolution au fil des ans.

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Mona Linesa - Sculpture en bombe de peinture noire en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de rue, graffeur et légende de la culture pop Mr Brainwash - Thierry Guetta. Édition limitée 2020, signée et numérotée, à 150 exemplaires. Format de l'œuvre : 3 x 8 pouces. Signée par empreinte digitale et numérotée, avec coffret de présentation personnalisé. Pièce de collection ultra rare et exceptionnelle : Mr Brainwash – Thierry Guetta, édition limitée, œuvre d’art réalisée à la bombe de peinture.

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Quarantaine liée au coronavirus : œuvre originale et multi-tags, réalisée au marqueur/dessin sur une étiquette d'avertissement par la légende du graffiti Saber, artiste de rue urbain. Marqueur signé 2020 Original Coronavirus Quarantine Jaune Biohazard Slap Up Graffiti Art Tag 7x5 Multi Tagged on High Visibility Virus Covid-19 Warning Label Rouge, Violet et Argent Marqueur. Faire face à une crise mondiale grâce au pop art urbain L'œuvre originale de Saber, « Coronavirus Quarantine », réalisée au marqueur et recouverte de multiples tags, capture l'esprit d'une époque dominée par la pandémie. Signée et datant de 2020, cette œuvre est bien plus qu'un simple graffiti : c'est un document historique qui immortalise un moment où le monde était aux prises avec le défi sans précédent de la COVID-19. Saber, figure influente de la scène graffiti, s'empare d'une étiquette jaune fluo de risque biologique, symbole désormais omniprésent du virus, et la transforme en une toile. Ses dimensions, 18 x 13 cm, peuvent paraître modestes, mais son impact est immense. Par l'utilisation de tags vibrants et chaotiques qui se superposent à l'avertissement clair « Coronavirus Quarantine », Saber détourne le message alarmiste de l'étiquette, invitant à une réflexion sur la nature de la pandémie qui dépasse la simple peur et la prudence. Cette œuvre constitue un commentaire profond sur les enjeux mondiaux durant la crise de la COVID-19. Les tags de l'artiste de graffiti détournent l'usage des étiquettes d'avertissement, objets censés signaler un danger et inciter à l'obéissance. Ces tags, souvent perçus comme un acte de rébellion dans l'espace public, remettent ici en question le discours dominant sur la pandémie en conférant une dimension individuelle et humaine à l'étiquette d'avertissement, par nature impersonnelle et clinique. L'impact de l'art de Saber dans le contexte du pop art urbain Dans le contexte du street art, l'œuvre « Coronavirus Quarantine » de Saber se distingue comme un reflet poignant de notre époque. Le street art a toujours eu cette capacité unique à interpeller son public de manière directe et urgente. Ici, l'œuvre exprime visuellement l'angoisse collective, la confusion et la résilience vécues pendant les périodes de confinement. La juxtaposition de tags de graffiti formels, presque anarchiques, dans l'œuvre de Saber témoigne de la nature incontrôlée de la réaction du public face à la pandémie : ordre et désordre, obéissance et rébellion. L'année 2020 restera marquée par ses bouleversements majeurs en matière de santé, d'économie et de société à l'échelle mondiale. Dans ce contexte, le street art et les graffitis comme celui de Saber deviennent des symboles de résistance et des témoignages de la résilience humaine. L'étiquette « risque biologique », autrefois simple panneau fonctionnel, est recontextualisée en une œuvre d'art qui provoque, interroge et perdure, à l'image de l'esprit humain face aux épreuves de la pandémie. Saber, l'artiste américain à l'origine de cette œuvre marquante, a une fois de plus prouvé pourquoi il est considéré comme une légende du graffiti. Sa capacité à capter l'air du temps et à le traduire en un art à la fois provocateur et introspectif garantit la pertinence et la résonance de son travail, non seulement au sein de la communauté du street art, mais aussi auprès de ceux qui découvrent son art dans ces mêmes espaces publics si profondément transformés par la pandémie de coronavirus.

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Riskoleum Single Can AP Édition Limitée Sérigraphie Embellie à la Main sur Papier Épais par Risk Graffiti Street Artiste Art Pop Moderne. Riskoleum Single Can, 2020. Sérigraphie sur papier épais 28 x 20 cm. Chaque exemplaire est rehaussé et signé à la main au crayon par Risk. Épreuve d'artiste

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Achetez One Love, une sérigraphie en édition limitée tirée à la main en 4 couleurs sur papier d'art de qualité supérieure, par 123Klan, artiste pop et street art rare. Édition limitée signée et numérotée de 100 exemplaires, 2011. Œuvre d'art de 18 x 24 pouces. Sérigraphie 4 couleurs sur papier sans acide de 100 lb. Imprimée par Ben LaFond.

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Achetez PEINTURE One of a Kind Artwork on MEDIUM par Street Art Pop Artist. 2022 Signé MEDIA Peinture Oeuvre Originale Taille XXXX INFO

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Estampe d'art en édition limitée Raspberry Swirl Archival Pigment sur papier photo Hahnemühle 308 g/m² par l'artiste de graffiti pop moderne Sheefy McFly-Tashif Turner. Édition limitée à 10 exemplaires, signée et numérotée, 2021. Format de l'œuvre : 17 x 17 pouces. Artiste : Tashif « Sheefy Mcfly » Turner Description : Tourbillon de framboise Tirage en édition limitée : Impression pigmentaire d'archives Papier : Hahnemühle Photo Rag® 308 Dimensions : 43,2 x 43,2 cm (17 x 17 pouces) Tirage limité à 10 exemplaires Signé et numéroté à la main par l'artiste

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Achetez Tour de Finch sérigraphie 3 couleurs tirée à la main sur papier Fine Art par l'artiste souhaitable Nate Duval édition limitée Pop Art Artwork. 2014 Signé Edition Limitée Oeuvre Taille 10x8

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Carte du métro de Toronto, peinture originale à la bombe jaune par RIFF 170, œuvre unique sur une carte de métro canadien recyclée par un artiste pop art de rue. Plan du métro de Toronto (Canada) 2021, peinture à la bombe signée, œuvre originale, format 16 x 8 pouces. Plan du métro de Toronto jaune par RIFF 170 – Œuvre originale à la bombe aérosol, style pop art et graffiti. « Toronto Subway Map Yellow » est une œuvre originale de 2021, réalisée à la bombe aérosol par RIFF 170, pionnier du graffiti, sur une authentique carte du métro canadien récupérée. Mesurant 40,6 x 20,3 cm, cette pièce unique fusionne l'orientation urbaine et l'autorité du style, marquant un tournant transnational dans l'histoire du graffiti : le créateur new-yorkais y appose sa marque sur le réseau métropolitain de Toronto. Utilisant une technique audacieuse et libre, RIFF 170 appose son nom iconique – RIFF – en grandes lettres capitales. Chaque lettre est remplie de dégradés texturés et mouchetés dans des tons bruns terreux et bleus ombrés, tandis qu'une lueur jaune vibrante entoure la forme, créant un halo de mouvement et de dynamisme. Le style évoque l'âge d'or du graffiti dans les trains, transformant un objet statique et informatif en une surface vivante et expressive. La métamorphose de cette carte utilitaire en une relique tachée de graffiti en fait à la fois une œuvre d'art et un document – ​​un témoignage du lieu, du voyage et de la maîtrise de la bombe aérosol. L'héritage du graffiti par-delà les frontières RIFF 170 compte parmi les figures fondatrices du graffiti américain. Issu des rangs des premiers graffeurs new-yorkais des années 1970, son œuvre a contribué à définir les codes stylistiques du lettrage, des aplats de couleur et de l'influence cartoon qui allaient dominer le graffiti à l'échelle mondiale. Dans « Toronto Subway Map Yellow », il transpose cet héritage brut et original dans un contexte canadien, mêlant un fragment du tissu urbain canadien à l'héritage iconique du graffiti new-yorkais. Cette transposition crée un dialogue visuel entre deux grandes métropoles, reliant l'expérience du métro à la présence du graffiti comme commentaire, empreinte et mouvement. La carte du métro canadien devient une toile de résistance, redéfinie par un artiste dont le nom a traversé les décennies et les frontières sans jamais perdre de son actualité. Couleur, texture et utilisation des matériaux de récupération Le choix des couleurs de cette œuvre est à la fois intentionnel et percutant. Le remplissage central de chaque lettre utilise une teinte terre d'ombre brûlée évoquant l'acier rouillé, la dégradation et les surfaces des wagons de train après des années de superposition de couches. Des projections de peinture sur ce remplissage simulent la saleté et le mouvement, créant une impression de profondeur et de texture qui rappelle les gares de triage et les tunnels du métro. Le contour jaune, tel un feu de signalisation clignotant, confère aux lettres un sentiment d'urgence et souligne leur dynamisme sur le réseau dense du métro torontois. La décision de RIFF 170 de recouvrir un plan de métro de sa peinture s'inscrit dans la tradition du graffiti qui consiste à utiliser des matériaux trouvés et éphémères, transformant ainsi l'objet quotidien de la navigation en un symbole de mouvement empreint d'une forte personnalité visuelle. Art urbain pop et graffiti en temps réel La carte du métro de Toronto (en jaune) est un exemple contemporain de street art et de graffiti dans ce qu'il a de plus brut et authentique. Elle réinterprète un vestige de l'infrastructure publique comme un panneau d'affichage, imprégnant la géographie de Toronto du nom emblématique d'une légende du Bronx. Ce faisant, RIFF 170 affirme la pertinence du graffiti, non seulement dans le passé, mais aussi dans la redéfinition constante de l'art urbain. Cette œuvre parle autant de lieu que d'identité : des endroits qui façonnent le mouvement et des noms qui les marquent. Le contour classique et dégoulinant de RIFF, ainsi que son inscription en lettres capitales, portent le poids de l'histoire avec l'énergie du présent. C'est un emblème de style transfrontalier, réalisé à la bombe aérosol, signé d'un héritage et inscrit dans la cartographie de la culture graffiti moderne.

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Toile sans titre I Œuvre originale du genre Technique mixte acrylique et peinture à la bombe sur toile tendue sur châssis par Crash - John Matos, artiste de graffiti de rue populaire. Peinture originale signée, réalisée à la bombe aérosol et à l'acrylique en 2022, format 12x12 Le langage visuel de Crash dans « Untitled Canvas I » « Untitled Canvas I », une œuvre originale du célèbre graffeur John Matos, alias Crash, illustre de façon saisissante la capacité du street art et du graffiti à saisir l'essence visuelle de la vie urbaine. Cette peinture de 30 x 30 cm, réalisée en technique mixte acrylique et aérosol sur une toile montée sur châssis, témoigne de l'influence durable de Crash sur la scène du graffiti. Signée, elle illustre le mélange unique de maîtrise technique et d'expression spontanée qui caractérise son œuvre. L'exploration des formes et des couleurs par Crash L'œuvre présente une symphonie de couleurs vibrantes et de formes abstraites, chaque élément étant méticuleusement superposé pour créer une composition harmonieuse. L'utilisation de la peinture en aérosol par Crash est manifeste dans les fonds doux et atmosphériques et les lignes angulaires et nettes, qui confèrent à la pièce sa texture et sa profondeur caractéristiques du graffiti. L'acrylique ajoute richesse et solidité aux formes, soulignant la polyvalence et l'étendue du talent de l'artiste. « Untitled Canvas I » est une danse vibrante de couleurs et de formes qui traduit l'énergie dynamique des rues dont Crash est issu. L'intersection du street art et du pop art dans l'œuvre de Crash « Untitled Canvas I » symbolise la capacité de Crash à fusionner la force brute du street art et l'imagerie audacieuse du pop art. Cette œuvre, par son utilisation saisissante de motifs issus de la culture pop et de techniques de street art, témoigne d'une profonde compréhension des deux genres. La fusion de ces styles opérée par Matos a joué un rôle déterminant dans l'ascension du graffiti des rues aux galeries, jetant ainsi un pont entre des univers artistiques distincts. La contribution de John Matos à l'art contemporain Avec des œuvres comme « Untitled Canvas I », John Matos s'est imposé comme un pionnier du pop art urbain et du graffiti. Ses contributions ont contribué à abolir les frontières entre l'art savant et la culture urbaine, instaurant un dialogue qui a enrichi le discours sur l'art contemporain. À l'instar de nombreuses de ses créations, cette œuvre n'est pas un simple objet, mais un élément vivant du récit vibrant et en constante évolution du street art. En substance, « Untitled Canvas I » de Crash est bien plus qu'une œuvre d'art : c'est un récit, une affirmation et une célébration de la culture qui a façonné John Matos en tant qu'artiste. C'est un vibrant témoignage du pouvoir du pop art urbain et du graffiti à communiquer, à interpeller et à captiver.

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Deux œuvres d'art inspirées d'un accident de train, imprimées en édition limitée sur papier épais par l'artiste de graffiti pop culture Lady Pink. Impression giclée sur papier épais. Format 28 x 43 cm. Image : 23 x 38 cm. Signée à la main par Lady Pink (promotion 2005). Extrait d'une fresque murale de Brooklyn. Tirage limité à 6 exemplaires.

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Lackawanna Hoboken NJ Édition limitée, sérigraphie technique mixte embellie à la main sur papier épais de 200 livres par Bobby Hill, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Chaque pièce est unique et les couleurs, la peinture et les effets de peinture au pistolet réalisés à la main par l'artiste sont aléatoires et variables ; vous pourriez donc ne pas recevoir l'article exact présenté sur la photo ! « J’utilise des images photographiques comme base pour mon art, mais il m’arrive de dessiner directement sur l’acétate avant de graver les écrans afin de faire ressortir des détails que je juge importants. Chaque pièce de cette série a été sérigraphiée individuellement et peinte à la main avec divers médiums acryliques et autres. Concentrez-vous sur les couleurs plutôt que sur l’image, même si cela peut parfois s’avérer difficile. Les couleurs représentent ce qui se passe dans ma vie à chaque instant. » – Bobby Hill

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Pont de Williamsburg, New York, édition limitée, sérigraphie technique mixte rehaussée à la main sur papier épais de 200 livres par Bobby Hill, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Chaque pièce est unique et les couleurs, la peinture et les effets de peinture au pistolet réalisés à la main par l'artiste sont aléatoires et variables ; vous pourriez donc ne pas recevoir l'article exact présenté sur la photo ! « J’utilise des images photographiques comme base pour mon art, mais il m’arrive de dessiner directement sur l’acétate avant de graver les écrans afin de faire ressortir des détails que je juge importants. Chaque pièce de cette série a été sérigraphiée individuellement et peinte à la main avec divers médiums acryliques et autres. Concentrez-vous sur les couleurs plutôt que sur l’image, même si cela peut parfois s’avérer difficile. Les couleurs représentent ce qui se passe dans ma vie à chaque instant. » – Bobby Hill

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Fuck The Law, œuvre d'art originale et unique en son genre, réalisée à la bombe de peinture sur toile par le célèbre artiste de graffiti de rue Sechor. 2021 Œuvre signée, technique mixte, sur toile non tendue de 16 x 20 pouces

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Contre toute attente - Édition limitée rose, sérigraphie bicolore sur papier Mint Speckletone par Jeff Soto, artiste de rue graffiti, art pop moderne.

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Kamayura Oaxaca 2013 Impression giclée par Swoon- Caledonia Curry Artwork Tirage en édition limitée sur papier chiffon épais de qualité supérieure, artiste graffiti pop de rue. Édition limitée signée et numérotée de 175 exemplaires, 2016. Œuvre de 19 x 13 pouces issue de la collection d'estampes de la série Swoon Street. Kamayura Oaxaca 2013 Impression Giclée par Swoon Une archive visuelle de la dignité humaine dans l'espace urbain L'estampe giclée « Kamayura Oaxaca 2013 » de Caledonia Curry, alias Swoon, est un exemple saisissant de street art et de graffiti transposés sur papier d'art. Créée pour sa collection d'estampes « Street Series », l'image reproduit l'une de ses installations originales de collage de rue à Oaxaca, au Mexique, représentant une figure féminine marquante mêlant attributs humains et mythologiques. Cette estampe giclée, signée et numérotée, éditée en 2016 à 175 exemplaires, mesure 48 x 33 cm et est imprimée sur un papier chiffon épais de qualité supérieure. L'œuvre témoigne non seulement de la présence de Swoon sur les murs d'Amérique latine, mais explore également le lien symbolique entre identité communautaire, résistance et caractère éphémère de l'intervention urbaine. Complexité stylistique et composition symbolique Kamayura Oaxaca 2013 reflète l'esthétique complexe du papier découpé et le récit humanitaire qui caractérisent le langage visuel de Swoon. La figure représentée – mi-guerrière, mi-sirène – serre deux crocodiles dans ses bras tandis qu'une armure d'écailles recouvre ses jambes. Des lignes rayonnantes s'étendent de son dos comme une auréole, tandis qu'en dessous se déploie un collage complexe de serpents, d'éléments architecturaux et de flore, le tout exécuté avec une grande précision. Ces motifs fusionnent le symbolisme indigène et la dégradation urbaine contemporaine, évoquant les thèmes de la transformation, de la résilience et de l'interdépendance des environnements naturels et construits. Le mur en stuc jaune vif et rouge profond, derrière l'affiche collée, crée un contraste de couleurs dynamique, ancrant l'image dans son contexte urbain d'origine tout en renforçant la présence mythique de la figure centrale. Les récits de rue mondiaux de Caledonia Curry Swoon, née Caledonia Curry aux États-Unis, est reconnue depuis longtemps pour sa capacité à fusionner les techniques classiques de la gravure avec l'accessibilité de l'art urbain. Son œuvre présente souvent des portraits de femmes, des figures communautaires et des représentations allégoriques abordant les thèmes de la justice sociale, de la restauration environnementale et du récit culturel. L'estampe Kamayura Oaxaca s'inscrit dans sa pratique consistant à apposer des découpages de papier complexes directement sur des surfaces urbaines dégradées à travers le monde, des murs de Brooklyn aux ruelles d'Haïti et d'Amérique latine. Au Mexique, son travail donne la parole aux peuples autochtones et résonne avec la mémoire postcoloniale, réaffirmant le rôle du graffiti comme forme d'embellissement de l'espace public et d'expression politique. L'importance de la collection d'estampes de la série Street L'édition Kamayura Oaxaca 2013 fait partie de la collection d'estampes Street Series, véritable archive tangible des installations éphémères de Swoon. Chaque estampe de la série offre aux collectionneurs et aux amateurs l'opportunité de découvrir l'œuvre urbaine de l'artiste dans un format préservé, digne d'une galerie. En transposant des œuvres temporaires en extérieur sur du papier d'archivage, la collection conserve l'immédiateté et la force brute du street art, tout en lui assurant une pérennité face à l'érosion naturelle due aux intempéries et à l'urbanisation. Cette série illustre également comment le street art, le pop art et le graffiti peuvent transcender leur environnement d'origine sans perdre de leur impact, de leur profondeur narrative ni de leur intensité visuelle.

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Aperçu exclusif d'une sérigraphie en édition limitée, tirée à la main en 7 couleurs sur papier satiné Somerset 300 g/m², par Martin Whatson, un artiste pop art de rue rare et célèbre. Œuvre d'art en édition limitée, 2021, avec timbre en relief. Dimensions : 24,4 x 9,84 cm. Papier gaufré sur le pourtour du rideau pour un effet 3D, avec un graffiti en arrière-plan. Timbre réalisé par Martin Whatson & Graffitiprints. Éléments artistiques de « Sneak Peek » « Sneak Peek » est une sérigraphie en édition limitée de l'artiste norvégien Martin Whatson, reconnu pour sa fusion unique d'images en niveaux de gris et d'éléments vibrants de street art. Créée en 2021, cette œuvre est une impression artisanale en sept couleurs sur papier Somerset Satin 300 g/m², réputé pour son fini lisse et sa grande qualité, un support de choix pour les estampes d'art. L'œuvre présente un tampon en relief et mesure 62 x 25 cm. L'un des aspects les plus saisissants de « Sneak Peek » est le papier gaufré sur le bord du rideau, qui confère un effet 3D au graffiti en arrière-plan. Cette technique illustre l'approche novatrice de Whatson en matière d'estampe, alliant précision et qualité tactile des techniques traditionnelles. Style signature Martin Watson L'art de Whatson est un commentaire visuel sur les contrastes saisissants entre le paysage urbain et l'expérience humaine. Dans « Sneak Peek », l'utilisation du gris pour représenter la main et le rideau symbolise les aspects souvent monochromes et banals de la vie. Parallèlement, les graffitis colorés en arrière-plan représentent les strates vibrantes, souvent cachées, de la ville et sa culture expressive du street art. Intégration du street art pop et du graffiti « Sneak Peek » incarne l'esprit du street art et du graffiti en combinant références à l'art classique et techniques contemporaines du graffiti. L'œuvre est signée Martin Whatson et Graffitiprints, gage d'authenticité et hommage à la nature collaborative du street art. Le travail de Whatson est un dialogue entre tradition et modernité, et cette estampe témoigne de cette conversation permanente. En conclusion, « Sneak Peek » est une pièce de collection qui résume la perspective unique de Martin Whatson au sein du mouvement street art et graffiti. Elle met en lumière son talent pour fusionner différentes formes d'art et créer une œuvre à la fois accessible et complexe, offrant un aperçu du monde riche et nuancé du street art.

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Prévention des pertes - Édition limitée - Sérigraphie 14 couleurs sur papier Coventry Rag 240 lb à bords frangés à la main par Sever, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « L’estampe que nous avons réalisée pour cette œuvre est basée sur la pièce originale et a été finalisée récemment, durant l’été 2014. Je pense que le concept est assez simple. Zorro, un Californien en pleine crise d’identité, prend plaisir à humilier publiquement les autorités et à inspirer le peuple, tout en laissant sa marque sur son passage. J’ai remplacé son épée fidèle par de la peinture Rustoleum empruntée dans cette version modernisée de ce personnage historique. » – Sever

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Attention Sechor Required, œuvre originale de Sechor, technique mixte (peinture en aérosol et acrylique), art pop moderne, graffiti sur véritable panneau de rue en métal. Peinture acrylique originale signée sur métal, 2021. 35,5 x 25,5 cm.

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Hirst Dots - Sculpture en bombe de peinture jaune en édition limitée, œuvre d'art réalisée par l'artiste de rue, graffeur et légende de la culture pop Mr Brainwash - Thierry Guetta. 2020 Édition limitée signée et numérotée à 150 exemplaires. Format de l'œuvre : 3 x 8 pouces. Signée par empreinte digitale et numérotée, avec coffret de présentation personnalisé. Pièce de collection ultra rare, œuvre du maître Mr Brainwash – Thierry Guetta, en édition limitée, peinte à la bombe.

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Van Gogh - Sculpture en bombe de peinture orange en édition limitée, œuvre d'art réalisée par l'artiste de rue, graffeur et légende de la culture pop Mr Brainwash - Thierry Guetta. Édition limitée 2020, signée et numérotée, à 150 exemplaires. Format de l'œuvre : 3 x 8 pouces. Signée par empreinte digitale et numérotée, avec coffret de présentation personnalisé. Pièce de collection ultra rare et exceptionnelle : Mr Brainwash – Thierry Guetta, édition limitée, œuvre d’art réalisée à la bombe de peinture.

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Tirage d'archive After Dark de Jessica Hess, édition limitée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², style pop graffiti, art urbain moderne. Tirage d'art signé et numéroté, édition limitée à 50 exemplaires (2024), format 24 x 20 pouces, impression pigmentaire d'archives. L'attrait du pop art urbain et du graffiti Le street art, le pop art et le graffiti sont devenus des incontournables des galeries d'art contemporain, incarnant l'énergie vibrante et l'expression brute des environnements urbains. Ces formes d'expression artistique ont transcendé leurs origines rebelles pour être célébrées sur les marchés de l'art haut de gamme et lors d'expositions prestigieuses. Parmi les artistes qui ont défendu ce mouvement, Jessica Hess se distingue par ses interprétations méticuleuses de graffitis et de paysages urbains. Ses œuvres, telles que « After Dark Archival Print », continuent d'émerveiller collectionneurs et amateurs par leur souci du détail et leurs récits visuels saisissants. Jessica Hess : Chroniqueuse moderne de la toile urbaine Jessica Hess, artiste américaine, immortalise la nature éphémère du street art grâce à ses tirages d'art. L'édition limitée « After Dark » témoigne de son talent pour saisir l'essence même de la culture urbaine. Imprimée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², cette œuvre illustre l'équilibre subtil entre la fugacité du graffiti et la pérennité des beaux-arts. Née aux États-Unis, Jessica Hess est toujours active sur la scène artistique et contribue au paysage contemporain inspiré du street art. Son talent transforme les murs couverts de graffitis en œuvres qui invitent à la contemplation et à l'admiration. Le tirage « After Dark » se distingue notamment par sa représentation du paysage urbain comme une toile d'une beauté nocturne. Limitée à 50 exemplaires, chaque pièce est signée et numérotée par l'artiste, offrant ainsi un sentiment d'exclusivité et un lien privilégié avec sa vision artistique. Les dimensions de l'œuvre, 24x20, offrent une fenêtre imprenable sur la scène, permettant aux spectateurs de s'immerger dans le jeu détaillé des ombres, de la lumière et des graffitis vibrants qui ornent les murs de la ville. L'intersection des beaux-arts et de l'expression urbaine L'estampe « After Dark » de Jessica Hess illustre l'évolution du graffiti, des coins de rue aux murs blancs des galeries. Ce changement témoigne d'une plus grande reconnaissance et appréciation du street art comme une forme d'art à part entière, à la fois légitime et profonde. En présentant le graffiti dans une estampe d'art pigmentaire de qualité archivistique, Hess préserve non seulement la nature éphémère du street art, mais l'élève également au rang d'œuvre susceptible d'évoluer au fil du temps. Le tirage limité d'« After Dark » souligne la notion de rareté et de collection propre au monde de l'art, tout en ancrant résolument le sujet dans les racines accessibles et démocratiques du street art. La démarche de Hess pour capturer ces scènes de rue dépasse la simple reproduction ; c'est un acte d'hommage et de préservation. Ses estampes, dont « After Dark », établissent un lien entre la violence des rues et l'élégance des galeries, instaurant un dialogue entre deux univers autrefois considérés comme opposés. Ce dialogue est essentiel au débat actuel sur la valeur et l'impact du street art et du graffiti au sein de la communauté artistique. L'œuvre « After Dark » offre un exemple saisissant de l'interaction complexe entre dégradation urbaine et création artistique. Le graffiti n'est pas un simple acte de vandalisme, mais une forme d'expression personnelle, une voix donnée aux sans-voix, une touche de couleur sur le fond monochrome du paysage urbain. Hess capture cette dynamique à travers ses tirages d'archives, lui conférant une permanence souvent absente du street art. La préservation de l'éphémère : l'importance des estampes d'archives Les tirages d'archives comme « After Dark » sont essentiels à la préservation du street art. Si les graffitis originaux peuvent disparaître sous l'effet des intempéries, du nettoyage urbain ou d'autres graffeurs, les tirages de Hess offrent un moyen d'immortaliser cet art au-delà de sa durée de vie physique. Le papier d'art de haute qualité Moab Entrada garantit la résistance des tirages à la dégradation, permettant ainsi aux couleurs riches et aux détails complexes de l'œuvre originale de traverser les siècles. Les pigments d'archivage assurent à chaque tirage la vivacité et la netteté de la scène originale, devenant ainsi un témoignage historique. L'importance du travail de Jessica Hess réside dans l'attrait esthétique de ses tirages et dans sa contribution à la documentation et à la préservation d'une forme d'art souvent éphémère. « After Dark » et les œuvres similaires constituent des documents historiques, capturant un moment et un lieu précis dans un paysage urbain en perpétuelle mutation. Ils témoignent des transformations urbaines et des strates de communication gravées sur les murs par des artistes anonymes. L'estampe d'archive « After Dark » de Jessica Hess offre un aperçu de l'univers subtil du street art et du graffiti, capturant la nature éphémère du street art au sein de la permanence des beaux-arts. La capacité de Hess à faire le lien entre ces deux mondes dans ses estampes d'archive élève le street art au sein de la hiérarchie artistique. Elle préserve la signification culturelle de ces marques urbaines pour les générations futures. En édition limitée, chaque estampe de Hess est une pièce précieuse, un fragment d'histoire urbaine et un témoignage du riche dialogue entre la rue et les galeries.

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Most Wanted - Épreuve d'imprimeur PP, sérigraphie artisanale sur papier beaux-arts par l'artiste de graffiti pop Cope2, œuvre d'art de rue rare en édition limitée. Épreuve d'imprimerie PP 2010, signée et numérotée, encadrée, édition limitée, format 22 x 17 pouces. Encadré sous verre. Non examiné hors de son cadre. Dimensions encadrées : 19 x 24 pouces.

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Arrêtez de demander la permission - Sérigraphie blanche en édition limitée avec transfert d'impression pigmentaire d'archives sur planche de skate naturelle pressée à froid. Art de skateboard par l'artiste de la culture pop urbaine Eddie Colla. Depuis 2005, ses collages et pochoirs ornent les espaces publics de la baie de San Francisco, de Los Angeles et de Miami. Le travail d'Eddie a commencé à se faire connaître au niveau national lorsque ses œuvres de street art ont intégré des images de Barack Obama durant la campagne présidentielle de 2008. Sa popularité grandissante lui a valu une reconnaissance sur les blogs, des mentions dans six ouvrages et une participation aux expositions de la « Manifest Hope Art Gallery » lors de la Convention nationale démocrate de 2008 et de l'investiture présidentielle à Washington D.C. Ses créations ont été déclinées sur de nombreux supports : autocollants, couvertures d'albums et de magazines.

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Plan du métro MTA - Vert citron et violet. Œuvre originale unique en son genre, technique mixte, peinture acrylique en aérosol sur un plan du métro new-yorkais en papier recyclé, par un artiste de rue populaire. Carte du métro new-yorkais peinte à la main, couleur vert citron et violet. Pièce unique originale. 56 x 84 cm. Au début du nouveau millénaire, Cope2 abordait une nouvelle étape de sa carrière, se concentrant de plus en plus sur sa place dans le milieu artistique des galeries et des musées. Bien qu'il ait commencé à travailler sur toile bien avant les années 2000, c'est à cette époque qu'il a opéré un tournant décisif en acceptant d'exposer systématiquement en intérieur. Que l'on considère le graffiti comme une forme d'art expressive et vivante ou comme un acte de vandalisme irresponsable, une chose est sûre : ces dernières années, il a attiré l'attention du grand public jusqu'aux plus grandes galeries du monde.

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Planche de skateboard New York Yankees Airbrush - White Deck, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur placage de bois naturel, réalisée par des artistes de street art et de graffiti chez Supreme. Planche de skate Supreme x New York Yankees Airbrush 2021 - Blanche (8,25" x 32"). Entièrement recouverte d'un revêtement en aluminium, elle arbore le logo Supreme imprimé sur le dessous et le logo Box imprimé sur le dessus. Produit officiel des Yankees de New York (MLB), créé exclusivement pour Supreme.

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Grems - Peinture aérosol rare en édition limitée noire, fruit de la collaboration entre le célèbre fabricant de peinture graffiti Montana MTN. Artiste complet à l'énergie débordante, Grems est de ces artistes infatigables qui repoussent sans cesse les limites. Ses deux principales tendances créatives, l'art et la musique, développées en parallèle, s'alimentent et se stimulent mutuellement pour une production toujours plus dynamique, créant ainsi l'inattendu tout en conservant son style unique et reconnaissable entre tous. Extrêmement actif et hyperproductif, sa créativité débordante a fait de son CV un véritable pavé : 6 albums solo, 8 collaborations avec Klub Sandwich, Disiz, Rouges à Lèvre, Olympe, PMPDJ, Foreign Beggars, 15 clips, de nombreuses expositions à travers le monde (Pékin, Perth, Séville, Mexique, Londres, Paris, Marseille, etc.), des murs couverts de ses graffitis (dont le Southbank Centre à Londres et le Musée Pompidou, le plus prestigieux musée d’art moderne de France), et des collaborations avec des marques comme Skullcandy, Nike, Swatch, Asics, Converse, Scott et Sixpack, pour n’en citer que quelques-unes. Grems a même trouvé le temps de créer Ussle, sa propre marque de vêtements.

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Studio Session 611 #15/60 Édition mixte 8 couleurs Tirage sérigraphique en édition limitée tiré à la main sur papier d'art Arches par Tim Oliveira Rare Street Art Artiste célèbre d'œuvres d'art pop. Séance Studio 2016 n° 611, édition limitée à 8 exemplaires, exemplaire n° 5/8. Format : 22 x 30 pouces. Signée et numérotée au crayon, imprimée sur papier beaux-arts Arches 100 % coton BFK Rives, avec deux bords frangés et deux bords naturels.

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Peinture acrylique originale « No Cure » réalisée à la bombe par Cope2 - Fernando Carlo. Œuvre unique sur toile par un artiste pop art de rue. Peinture originale signée, technique mixte (aérosol et acrylique), 2020. Dimensions : 43 x 53 cm sur toile non tendue. Explosion de couleurs : « No Cure » de Fernando Carlo Fernando Carlo, alias Cope2, artiste originaire du Bronx et figure emblématique du street art et du graffiti, puise son inspiration dans l'énergie vibrante de la vie urbaine. Son œuvre intitulée « No Cure Original Acrylic Spray Paint Painting » est une toile spectaculaire qui révèle l'énergie brute et le chaos coloré propres au street art. Créée en 2020, cette pièce unique est un amalgame d'acrylique et de peinture aérosol, témoignant de la maîtrise des techniques mixtes par Cope2 et de son profond ancrage dans la culture graffiti. Mesurant 109 x 135 cm sur une toile non tendue, « No Cure » atteste de l'influence durable de Cope2 sur la scène du street art contemporain. La toile déploie une profusion de couleurs et de formes, s'entrechoquant et se fondant dans une harmonie presque musicale. Signée par l'artiste, l'œuvre est authentifiée et reconnue comme une pièce majeure de son œuvre. La signature de Cope2 est mondialement reconnue, un gage de crédibilité dans l'univers du graffiti, en constante évolution. Avec « No Cure », Cope2 démontre sa polyvalence et son engagement envers son art, offrant un festin visuel qui est à la fois un clin d'œil au passé et un pas vers l'avenir du street art. L'audace artistique de Cope2 Le parcours de Fernando Carlo sous le nom de Cope2 est une histoire gravée dans le tissu même des rues de New York. Depuis les années 1980, il est une figure emblématique de la scène graffiti, souvent considéré comme l'un des pères fondateurs du graffiti dans le métro new-yorkais. Son style a évolué au fil des décennies, tout en conservant l'essence du mouvement : audacieux, provocateur et résolument public. « No Cure » capture cette évolution, sa toile étant une collision dynamique entre les éléments traditionnels du graffiti et l'esthétique expérimentale du pop art. Le titre « No Cure » évoque à lui seul une expression brute et débridée. Il suggère un mal incurable, peut-être une référence à la nature addictive de la création artistique, en particulier dans le contexte du street art où l'acte de peindre peut être aussi captivant que l'œuvre elle-même. Cette peinture ne cherche pas à guérir, mais à saisir et à transmettre les multiples facettes de la vie urbaine, le récit intérieur de l'artiste et le vibrant dialogue culturel des rues. La présence assumée de textes, de motifs abstraits et d'éclaboussures de peinture illustre l'approche intrépide de Cope2 vis-à-vis de l'art et de la vie. Contextualisation de « No Cure » dans le Street Pop Art « No Cure » n'est pas qu'une simple œuvre d'art, c'est une représentation visuelle de la culture dont elle est issue. Comprendre cette pièce, c'est plonger dans l'histoire du street art et son intégration dans l'espace des galeries. Le street pop art, puisant ses racines dans les mouvements contre-culturels du XXe siècle, cherche à insuffler la vitalité de la culture urbaine au monde souvent aseptisé des beaux-arts. Cope2 y parvient avec brio, s'appuyant sur son expérience de natif du Bronx pour imprégner son œuvre d'une authenticité indéniable. L'année 2020, année de création de « No Cure », a marqué une ère où le street art s'était solidement imposé comme un genre capable d'investir les murs des galeries prestigieuses tout en conservant son ancrage dans la rue. Dans cette perspective, l'œuvre de Fernando Carlo fait office de pont, reliant les trottoirs bruts couverts de graffitis aux murs blancs des collectionneurs d'art en quête d'une part de la culture urbaine. « No Cure » incarne l'esprit de l'art urbain contemporain, un phare témoignant de la vitalité et de l'évolution constante du street art et du graffiti. Dans le vaste champ du street art, « No Cure » de Cope2 constitue un chapitre vibrant qui illustre la diversité et la complexité du graffiti. Cette œuvre éclatante révèle la force artistique de Fernando Carlo et l'empreinte indélébile qu'il a laissée sur le paysage urbain. Alors que les frontières entre street art et beaux-arts s'estompent, des œuvres comme « No Cure » nous rappellent qu'au cœur de ce mouvement réside la puissance d'une expression brute et authentique – une puissance qui, en effet, est incurable.

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Laid Up - Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée rouge sur papier Moab Fine Art Rag 290 g/m² par Freddy Diaz, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Freddy Diaz est un artiste né à Détroit et ayant grandi dans le sud-ouest de la ville. Il réalise des peintures à l'aérographe personnalisées pour des événements d'entreprise, des fêtes d'enfants et des fresques murales de graffiti, à Détroit et dans le monde entier. Initié à l'art dès son plus jeune âge par le graffiti, il est profondément influencé par les trains.

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Tirages pigmentaires HPM d'archives en édition limitée, embellis à la main, sur papier Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² par Jessica Hess, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée signée 2020 « Fixer-Upper » • Tirage pigmentaire d'archives autographié • Embellissements uniques à la peinture sur papier d'archives Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² • 35,5 x 43 cm. Embellie à la main, signée et numérotée par l'artiste Jessica Hess. Édition limitée à 5 exemplaires.

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« Drippy Arrows », peinture acrylique originale à la bombe aérosol de Detor GAK - Rois du graffiti, œuvre unique sur toile par un artiste pop art de rue. Peinture originale signée à la bombe et à l'acrylique, 2022, format 14x14 Flèches dégoulinantes par Detor GAK – Toile originale par les rois du graffiti, œuvre d'art urbain pop et graffiti « Drippy Arrows » est une œuvre originale de 2022, réalisée à la bombe aérosol et sur toile acrylique par Detor GAK, figure emblématique de la culture graffiti américaine et membre éminent du collectif Graffiti Art Kings. Exécutée sur un support de 35,5 x 35,5 cm, cette pièce unique offre une expression vibrante et sans filtre de l'esthétique graffiti classique, à travers le regard d'un graffeur de rue chevronné. Au centre de la composition, le nom « Detor » apparaît en lettres blanches épaisses, soulignées d'un bleu vif, sur un fond jaune éclatant où rayonne une multitude de flèches rouges. Ces flèches symbolisent la direction, le mouvement et la confrontation des styles, chacune pointant vers l'extérieur dans une explosion visuelle qui affirme la présence et l'énergie. Derrière le nom, un mélange de couches de peinture à la bombe, mêlant des rouges brique, des jaunes et des violets, fait écho aux textures des murs de la ville et inscrit l'œuvre dans la continuité du langage visuel brut du graffiti. Identité et pouvoir visuel des bombes aérosol Dans le coin inférieur droit, la silhouette noire d'un personnage classique de bombe aérosol, capuchon et bombe à la main, rend hommage à l'image du graffeur. Cette figure représente l'esprit de l'artiste en action : dissimulé, en mouvement, à jamais anonyme et pourtant pleinement présent. Elle ancre la composition dans la mythologie urbaine, rappelant au spectateur que chaque tag, chaque flèche, chaque goutte est une marque née de la tension et de l'urgence. Les gouttes jaune vif qui s'échappent délibérément de la pointe des flèches soulignent la matérialité de l'aérosol tout en évoquant les débuts du graffiti, où les bavures et les débordements n'étaient pas des erreurs, mais une preuve d'authenticité. Dans cette œuvre, Detor GAK utilise ces éléments non seulement comme des choix décoratifs, mais aussi comme un langage codé propre à l'univers du graffiti. L'héritage des rois du graffiti Membre du collectif Graffiti Art Kings, Detor GAK incarne l'ADN stylistique du graffiti collectif, qui valorise la maîtrise des formes, la diversité des styles et la visibilité acquise par l'action. « Drippy Arrows » illustre parfaitement cette philosophie. Cette œuvre ne dénature pas le graffiti pour les galeries ; elle le transporte dans la rue, affirmant que les formes, les couleurs et les techniques développées sur les trains et les toits méritent d'être exposées sans compromis. La structure des flèches, la courbure du nom et le fond texturé à la bombe reflètent l'enseignement traditionnel du graffiti en tant que discipline. La capacité de Detor à transposer ce langage dans le format d'une œuvre d'art sans en altérer l'essence témoigne d'une maîtrise technique et d'une authenticité culturelle remarquables. Prêt pour le studio, mais résolument tourné vers la rue Drippy Arrows est une œuvre hybride, un objet qui fusionne l'esthétique du graffiti pur avec le Street Pop Art et le graffiti traditionnel, tout en préservant son authenticité. Il ne s'agit pas d'une réinterprétation ni d'un clin d'œil stylisé ; c'est du graffiti rendu professionnel, peint avec intention et présenté comme un récit à part entière. La toile porte en elle tous les marqueurs de la tradition graffiti : mouvement, contraste, anonymat, répétition et explosion. Pour les collectionneurs et les passionnés, cette œuvre représente non seulement une pièce unique, mais aussi un héritage direct d'une culture qui a façonné l'identité urbaine et la résistance visuelle. Drippy Arrows affirme avec force que le graffiti, lorsqu'il est signé par des artistes comme Detor GAK, s'exprime à travers les codes de la rébellion et de l'héritage – peint, modelé et estampillé de l'iconographie d'un véritable maître du graffiti.

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East 153rd St Deck Fine Art Original One of a Kind Spray Paint Painting on Natural Skateboard Deck by Street Artwork Graffiti Artist Cope2. Planche de skate peinte sur fond naturel. Dimensions : 14,9 x 58,4 cm (5,875 x 23 pouces). Sortie : 5 octobre 2021. Tirage : 1 exemplaire. Au milieu des années 1990, Cope2 a progressivement quitté la rue pour s'imposer dans le milieu artistique des galeries. À cette époque, le street art n'était pas aussi populaire qu'aujourd'hui et, pour le grand public, il restait inextricablement lié aux ghettos, au trafic de drogue, etc. L'artiste n'a jamais caché son passé difficile et se refuse à l'idéaliser pour valoriser sa carrière et son image artistique. Au contraire, il confie : « Franchement, il n'y a pas de quoi être fier de se débrouiller, mais j'ai eu mon premier enfant à 16 ans, mon fils. Alors, il fallait bien que je gagne ma vie pour subvenir à ses besoins et à ceux de sa mère. »

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