Arbre & Bois

Nemeta II, œuvre d'art imprimée en édition limitée par giclée sur papier d'art, par l'artiste de graffiti pop culture Rodrigo Rod Luff. Édition limitée à 30 exemplaires, signée et numérotée, 2016. Tirage giclée de 24 x 16 pouces. « Nemeta II » de Rodrigo Luff est une estampe giclée sur papier d'art, témoignant de son talent pour fusionner les éléments fantastiques de la culture pop avec la précision esthétique des beaux-arts. Signée et numérotée en édition limitée à 30 exemplaires, cette œuvre de 2016, au format 61 x 41 cm, incarne le style caractéristique de Luff. Son édition limitée renforce sa valeur auprès des collectionneurs et des admirateurs de son travail, qui explore souvent l'interaction onirique entre l'humain et la nature. « Nemeta II » illustre la vision artistique de Luff, qui allie l'accessibilité et la force expressive du street art aux techniques raffinées de la gravure traditionnelle.

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« Meet Me On Cloud Nine », sérigraphie en édition limitée tirée à la main en 15 couleurs sur papier Arches Velin Blanc 300 g/m² par Rhymezlikedimez - Robin Velghe, artiste de street art rare et célèbre du pop art. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Sérigraphie 15 couches, tirage à la main sur papier Arches Vélin Blanc 100 % coton 300 g/m². Ses dimensions uniques (99,7 cm de large sur 31 cm de haut) offrent un format horizontal idéal pour la narration. Cette estampe a été approuvée, signée et numérotée par l'artiste. Imprimée à la main à Anvers, Belgique. Année de sortie : 2022. « J’ai initialement créé ce visuel pour ma première exposition éphémère à Miami. Je voulais montrer à quoi ressemble généralement un de mes rêves. C’est un collage à la Dali, une compilation d’impressions rencontrées au fil de la journée. Dans mon monde onirique, le soleil ne cesse jamais de se coucher. » – Robin Velghe « Meet Me On Cloud Nine » est une sérigraphie de l'artiste talentueux Robin Velghe, alias Rhymezlikedimez. Illustrateur, animateur et graphiste belge, Robin Velghe se distingue par un mélange unique de couleurs vibrantes, de mouvements dynamiques et de détails minutieux. Ses illustrations mettent souvent en scène des personnages aux proportions exagérées et à l'allure fluide, conférant à son travail un attrait visuel singulier. Rhymezlikedimez a collaboré avec diverses marques, musiciens et événements, réalisant illustrations, animations et créations de produits dérivés. Parmi ses collaborations notables, on peut citer celles avec des artistes comme Anderson .Paak, BROCKHAMPTON et Aminé. Son travail lui a permis de se constituer une large communauté sur les réseaux sociaux, où il partage ses illustrations et ses projets d'animation. La sérigraphie « Meet Me On Cloud Nine » présente certaines des caractéristiques propres à son style, telles que des couleurs éclatantes, des éléments fantaisistes et des personnages attachants. Les sérigraphies sont créées à l'aide d'un procédé d'impression au pochoir, ce qui permet à l'artiste de produire des images audacieuses et éclatantes dotées d'une esthétique unique.

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Tirages d'art en édition limitée Arcane Science, réalisés à partir de pigments d'archives sur papier d'archivage 100 % coton, par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Ben Kehoe. 20 po x 20 po, bordure blanche de 1 po x 1 po incluse. Imprimé sur coton lisse Innova 315 g/m², blanc pur, 100 % coton.

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Organica Utopia, tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier beaux-arts 310 g/m² par Melody Avis, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Melody Avis est une artiste qui vit et travaille avec 808 Urban, une association à but non lucratif basée à Honolulu, Hawaï. 808 Urban est un collectif d'acteurs culturels communautaires : artistes, organisateurs et bénévoles engagés à améliorer la qualité de vie de leurs communautés grâce à des programmes artistiques. Dans toutes nos actions, nous nous efforçons d'allier l'innovation artistique la plus aboutie à l'organisation culturelle de terrain pour un changement social systémique et progressiste.

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Relik Limited Edition Archival Pigment Fine Art Prints on Moab Entrada Rag Bright 290gsm Fine Art Paper par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Stephanie Buer. Édition limitée signée Relik 2020 (20 exemplaires), format 17x14

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OFF_WERK GI Joe Snake Eyes Figurine de collection en vinyle édition limitée, œuvre d'art réalisée par l'artiste de graffiti de rue Mighty Jaxx x Hasbro. Jouet d'art en vinyle de 6,5 pouces (2021) Snake Eyes est un maître du ninjutsu et un escrimeur hors pair, aussi bien en combat rapproché qu'en tir de précision. Maniant avec aisance armes traditionnelles et modernes, il réalise des prouesses athlétiques exceptionnelles et se déplace avec une agilité remarquable. Mais que fait le combattant le plus talentueux des GI Joe une fois la bataille terminée ? OFF_WERK GI Joe Snake Eyes répond à cette question : que fait ce mystérieux guerrier pendant son temps libre ? Qu'il savoure un café ou s'occupe de son bonsaï, Snake Eyes se sent toujours à l'aise dans sa robe. Même en dehors du service, il ne quitte jamais son casque. OFF_WERK est une série originale de Mighty Jaxx qui explore la vie de nos personnages préférés durant leurs moments de détente.

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Sérigraphie couleur artisanale sur papier beaux-arts, réalisée par l'artiste recherché Hijack, édition limitée, œuvre d'art pop. Édition limitée 2022, signée et numérotée à 35 exemplaires. Dimensions de l'œuvre : 30 x 22,5 cm.

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Sérigraphie artisanale bicolore en édition limitée « Genévrier » sur papier beaux-arts, par John Vogl, artiste de rue graffiti, art pop moderne.

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Walking Shadows AP, épreuve d'artiste giclée, par Brian Mashburn. Œuvre d'art en édition limitée sur papier beaux-arts, artiste graffiti pop de rue. Épreuve d'artiste (EA) 2018, signée et marquée, édition limitée, format 24 x 13,75 pouces Walking Shadows AP : Une impression giclée sublimant le street art pop et le graffiti. « Walking Shadows AP », une épreuve d'artiste (giclée) de Brian Mashburn, est une synthèse entre l'esthétique du street art et la précision des beaux-arts. Réalisée en 2018, cette épreuve occupe une place de choix dans la collection de Mashburn et offre un aperçu de son processus créatif. Mesurant 61 x 35 cm, elle permet une immersion totale. Signée et marquée par l'artiste, cette édition limitée constitue un lien tangible avec sa vision et une pièce de collection recherchée par les amateurs de l'intégration subtile du graffiti dans la culture pop. Signature et signification dans l'art urbain pop et le graffiti La signature apposée sur une œuvre comme Walking Shadows AP est bien plus qu'un simple autographe ; elle est un gage d'authenticité et symbolise le lien intime de l'artiste avec son travail. Dans le contexte du Street Pop Art et du graffiti, une telle signature transforme l'estampe, d'une simple reproduction, en un objet d'une grande importance culturelle. La mention AP souligne d'autant plus sa rareté, les épreuves d'artiste étant généralement réservées à l'usage personnel de l'artiste ou à un cercle restreint de collectionneurs. Éléments artistiques de Walking Shadows AP Le titre de l'œuvre, « Ombres errantes », évoque la nature éphémère de la lumière et de la vie, thèmes récurrents dans l'œuvre de Mashburn. L'impression giclée est particulièrement adaptée à la restitution des subtiles nuances d'ombre et de ton qui caractérisent les paysages de Mashburn, emplis de brume et parsemés de troncs d'arbres décharnés. Les dimensions de cette estampe ont été choisies pour accentuer la dimension éthérée de la scène représentée, invitant le spectateur à contempler les instants fugaces qu'elle saisit. L'interaction entre le médium et le message Dans Walking Shadows AP, le choix du papier beaux-arts pour l'impression giclée confère à l'œuvre une texture et une profondeur supplémentaires. Ce choix témoigne de la volonté de Mashburn de combler le fossé souvent perçu entre l'énergie brute du street art et les techniques raffinées de la gravure d'art. Il en résulte une œuvre qui résonne avec l'authenticité du graffiti tout en conservant la délicatesse de l'esthétique pop art. Impact et héritage des estampes de Brian Mashburn L'influence de Brian Mashburn sur le Street Pop Art et le graffiti est considérable, et Walking Shadows AP en est un parfait exemple. Tirée en édition limitée, cette estampe est une pièce de collection précieuse, garantissant à chaque exemplaire un caractère exclusif. Alors que le street art gagne en reconnaissance dans le monde de l'art, les estampes de Mashburn constituent des jalons qui témoignent de l'évolution de cette forme d'art dynamique. Résonance culturelle de Walking Shadows AP L'impact culturel d'une œuvre comme Walking Shadows AP est indéniable. Dans un monde où la frontière entre art savant et art urbain s'estompe, le travail de Mashburn témoigne du potentiel du graffiti à exprimer des thèmes profonds et à trouver sa place dans les galeries. Cette épreuve d'artiste, par son imagerie évocatrice et son exécution impeccable, incarne l'esprit du pop art urbain et du graffiti, et continue de susciter l'admiration et le dialogue parmi les amateurs d'art et les critiques.

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Tirages d'art en édition limitée Monolithic Interruption, réalisés à partir de pigments d'archives sur papier d'archivage 100% coton, par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Ben Kehoe. 20 po x 16 po, bordure blanche de 1,25 po x 1 po incluse. Imprimé sur coton lisse Innova 315 g/m², blanc pur, 100 % coton – signé et numéroté.

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Estampe sérigraphique artisanale en édition limitée 6 couleurs « Old Oak » sur papier beaux-arts, par Jay Ryan, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Signée et numérotée par Jay Ryan, édition limitée à 200 exemplaires.

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UnReal Estate - M. St Hilary - Glow Followed, édition limitée phosphorescente, sérigraphie artisanale 4 couleurs sur papier beaux-arts par Tim Doyle, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Transformers, Super-héros, Télévision, Film, Vaisseau spatial, Montagne, Avion, Jet, Forêt, Nature, Immobilier

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Sighting, édition limitée, sérigraphie artisanale en 4 couleurs sur papier d'archivage 100% coton, par Mario Wagner, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée de 2012, signée et numérotée à 75 exemplaires. Format : 11 x 14 pouces. De BLK/MRKT. Légères traces d'adhésif dues au montage sur les coins.

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Achetez Smokey Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print sur 290gsm Moab Entrada Paper par Urban Pop Artist Scott Listfield Modern Artwork. 2020 Signé & Numéroté Edition Limitée de 50 Oeuvre Taille 16x23

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Green Tea Walk Art Toy de Vandul, sculpture en résine en édition limitée, œuvre d'art de collection d'un artiste pop de rue. Œuvre d'art en édition limitée 2023, format 3x7, neuve en boîte, estampillée/imprimée, thème peint du logo de la canette de thé vert Arizona représentant un arbre en fleurs. Exploration de la fusion entre le pop art urbain et le graffiti dans les objets de collection modernes La scène artistique contemporaine s'est considérablement enrichie grâce à l'introduction des art toys, notamment ceux imprégnés de l'esprit du Street Pop Art et du graffiti. La sculpture en résine « Green Tea Walk » de Vandul, en édition limitée, illustre parfaitement cette synergie culturelle. Cette pièce de collection de 2023 est non seulement un régal pour les yeux, mais aussi une représentation de la convergence entre l'esthétique du street art et la culture des objets de collection, un phénomène en pleine expansion. Mesurant 7,6 x 17,8 cm, cette œuvre d'art est présentée neuve dans sa boîte, garantissant un état impeccable aux collectionneurs et amateurs d'art. L'ingéniosité de Vandul, artiste de street art reconnu, est incarnée dans cette sculpture en résine en édition limitée, qui reflète une esthétique singulière puisant son inspiration dans le paysage urbain. La figurine, caractérisée par ses traits exagérés et sa palette de couleurs soigneusement choisie, incarne à merveille la fantaisie et l'audace qui sont la marque de fabrique de l'œuvre de Vandul. La sculpture, dont la conception est une réflexion sur la commercialisation de l'art et la marchandisation des éléments naturels, est illustrée par le thème du thé vert. Cette œuvre incarne le regard critique et l'esprit créatif de l'artiste, rendus en trois dimensions. Chaque pièce est estampillée ou imprimée d'un poinçon d'authentification, garantissant son caractère unique et sa valeur en tant qu'œuvre de collection. L'emballage participe à l'expression artistique, avec des motifs qui reflètent le style caractéristique de Vandul. Ce style intègre souvent des éléments empruntés au graffiti, tels que des lignes audacieuses, des couleurs vibrantes et des motifs iconiques. La fusion de ces éléments dans la conception de la pièce en fait un objet de collection très recherché, notamment par les amateurs d'art qui apprécient le point de rencontre entre l'art et l'environnement urbain. La signification des jouets d'art dans le paysage de l'art moderne Les objets d'art, comme le Green Tea Walk de Vandul, occupent une place unique dans l'art moderne. Ils témoignent concrètement de la créativité et de l'énergie subversive qui animent le Street Pop Art et le mouvement du graffiti. Bien plus que de simples jouets, ils constituent un médium permettant aux artistes de toucher un public plus large, s'affranchissant des murs traditionnels des galeries. L'œuvre de Vandul illustre une tendance plus significative : celle d'utiliser des objets du quotidien comme supports d'expression, intégrant ainsi l'art dans la vie de tous les jours. La popularité des objets d'art témoigne également d'une évolution dans la manière dont l'art est consommé et apprécié. N'étant plus cantonné aux cercles restreints des ventes aux enchères et des expositions prestigieuses, l'art devient plus accessible, et les objets d'art de collection illustrent cette démocratisation. Ils permettent à chacun de posséder une part de la vision d'un artiste, créant ainsi un lien personnel et intime avec l'œuvre. Le caractère limité de ces pièces ajoute une touche d'exclusivité et de désirabilité, créant un marché de niche à la fois culturellement pertinent et commercialement viable. L'œuvre d'art « Green Tea Walk » de Vandul est particulièrement significative car elle représente un instantané de l'air du temps. Elle capture un commentaire à la fois ludique et poignant sur la culture contemporaine et son intersection avec le consumérisme, souvent explorée dans le Street Pop Art et le graffiti. Son édition limitée garantit sa valeur en tant qu'objet de collection, tandis que son attrait esthétique en fait une pièce d'exposition attrayante qui suscite la conversation et la réflexion. La culture des objets d'art repousse les frontières de l'art. Elle remet en question les idées préconçues sur la forme et la fonction de l'art et, ce faisant, invite un nouveau public à s'intéresser à l'expression artistique. L'œuvre « Green Tea Walk » de Vandul est un parfait exemple de cette évolution : un objet de collection qui est autant une œuvre d'art qu'un message, un reflet de son époque et un clin d'œil ludique à l'avenir de l'expression artistique.

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UnReal Estate - Catbus - Glow Followed Édition limitée phosphorescente 4 couleurs imprimée à la main sur papier beaux-arts par Tim Doyle, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Chat, bus, voiture, animal, maison, ballon, ciel, étoiles, nuit, enfants, phosphorescent, arbre, Mon voisin Totoro, anime, asiatique, Japon, Totoro, immobilier, télévision, bâtiment

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Œuvre d'art Red Snow, impression giclée en édition limitée sur papier Hahnemühle Fine Art Rag par l'artiste de graffiti pop culture Nimit Malavia. Nimit Malavia est un artiste visuel et illustrateur canadien reconnu pour ses œuvres complexes et imaginatives. Son style allie souvent la finesse du trait à une forte dimension narrative, puisant son inspiration dans diverses sources telles que la mythologie, les contes de fées et la culture contemporaine. L'œuvre de Malavia intègre généralement un mélange de techniques traditionnelles et numériques, notamment l'encre, l'aquarelle et Photoshop.

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Tom Dula Black AP Artist Proof Silkscreen Print par Shepard Fairey - OBEY Tirage à la main sur papier d'art Cream Speckletone, édition limitée. Œuvre d'art Obey Pop Culture Artist. Épreuve d'artiste (EA) 2012, signée et marquée. Édition limitée. Sérigraphie 18 x 24 pouces (45,7 x 61 cm) – Arbre solitaire. Arbre noueux stylisé dans un décor désertique de l'Ouest. Thomas C. Dula était un ancien soldat confédéré condamné pour le meurtre de Laura Foster, inspiré d'une chanson popularisée par le Kingston Trio. « Tom Dula Black AP » de Shepard Fairey est une sérigraphie qui fusionne récit historique et style graphique caractéristique de l'artiste. Créée en 2012, cette œuvre fait partie d'une édition limitée, tirée à la main selon un procédé colorimétrique sur le support de prédilection de Fairey : un papier beaux-arts crème moucheté. Chaque tirage de la série porte la signature de Fairey et la mention « AP », indiquant qu'il s'agit d'une épreuve d'artiste. Ce statut est souvent prisé en raison de sa rareté et de son lien direct avec la vision originale de l'artiste. Mesurant 45,7 x 61 cm, l'œuvre représente un arbre solitaire et stylisé dans un paysage désertique de l'Ouest américain. Ce paysage aride sert de toile de fond symbolique à la tragique histoire de Thomas C. Dula, ancien soldat confédéré dont le nom a été immortalisé par la chanson folklorique « Tom Dooley » suite à sa condamnation et son exécution controversées pour le meurtre de Laura Foster. Le choix de Fairey de représenter ce récit par un arbre solitaire et austère au milieu d'un paysage aride reflète l'isolement et le caractère définitif du destin de Dula. Cette estampe se distingue dans le pop art et le street art par sa narration à travers un symbolisme visuel. L'œuvre ne se contente pas de captiver le regard par son esthétique, mais invite également à s'engager dans un récit historique plus profond, une caractéristique récurrente dans l'œuvre de Fairey. Elle illustre la capacité de l'artiste à naviguer à la croisée de la culture populaire et des beaux-arts, où les références historiques s'intègrent au lexique visuel moderne. L'œuvre de Shepard Fairey recèle souvent plusieurs niveaux de signification, avec une propension au commentaire social. Avec « Tom Dula Black AP », l'art ne se limite pas à présenter un récit visuel ; il suscite également une émotion qui relie le passé historique à la culture contemporaine. Cette œuvre est un exemple poignant de la façon dont le street art peut transcender ses origines urbaines et investir l'espace des galeries comme un puissant médium narratif, faisant le lien entre contexte historique et expression moderne.

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« Why You Fail », impression giclée par Dave Pollot, œuvre d'art en édition limitée sur toile, artiste graffiti pop de rue. Édition limitée signée et numérotée 2025 (à déterminer) - Œuvre d'art de taille 13,19 x 20 - Star Wars - Édition spéciale du 4 mai - Impression sur toile roulée. Pourquoi tu échoues ? Impression giclée de Dave Pollot : L’univers Star Wars peint à travers la nostalgie américaine « Why You Fail » de Dave Pollot est une édition limitée numérotée et signée de 2025 exemplaires, imprimée sur toile au format 13,19 x 20 pouces et faisant partie de la série spéciale Star Wars du 4 mai. Cette œuvre met en scène un moment de calme lors de l'entraînement d'un Jedi, au sein d'un paysage boisé serein, typique des peintures américaines du milieu du XXe siècle. La juxtaposition saisissante entre l'univers fantastique de Star Wars et le réalisme paisible de l'art décoratif traditionnel inscrit résolument cette pièce dans le panthéon du street art et du graffiti. La subtile narration de Pollot confère une gravité à une composition humoristique, invitant à la réflexion sur le mentorat, l'échec et l'héritage. Paysage classique encadré par un reflet de science-fiction La scène met en scène le Maître Jedi Yoda, debout au pied d'un grand arbre, le regard pensif tourné vers l'arrière-plan, où le jeune Luke Skywalker s'entraîne au bord d'un lac brumeux. Le regard du spectateur est attiré par les reflets de l'eau, au-delà du feuillage verdoyant et de la canopée baignée de soleil, vers un espace où se mêlent imagination et nostalgie. Si l'arrière-plan évoque les peintures rustiques américaines qui ornaient autrefois les brocantes et les maisons familiales, la présence de Yoda et de Luke lui confère une dimension narrative nouvelle. Le titre, « Pourquoi tu échoues », fait allusion à l'un des enseignements les plus célèbres de Yoda, renforçant le thème de la croissance personnelle et du dépassement des difficultés. La technique et le message de Dave Pollot Dave Pollot est un artiste américain qui a commencé à réinterpréter des estampes traditionnelles mises au rebut en y intégrant des éléments de la culture pop de manière à la fois fluide et subversive. Chaque figure qu'il incorpore est méticuleusement assortie en termes de lumière, d'échelle et de perspective, créant des illusions si naturelles qu'elles semblent faire partie intégrante de l'œuvre originale. Dans « Why You Fail », sa maîtrise de la technique picturale permet à Yoda de paraître presque organiquement intégré au paysage. Le calme environnant de la forêt, contrastant avec l'intensité de la discipline Jedi, confère une sagesse tranquille à la composition. Le cadre naturaliste devient un théâtre d'introspection, habilement dissimulé sous un voile de nostalgie et de passion. Art urbain pop et graffiti à travers la réutilisation narrative La place de cette œuvre dans le dialogue plus large entre le street art et le graffiti réside dans sa capacité à réinterpréter le familier à travers un contexte subversif. L'œuvre de Pollot ne se limite pas à l'espace d'exposition, mais s'inscrit dans un remixage culturel. Sa démarche rejoint la narration visuelle moderne, où des icônes du cinéma, de la musique et des jeux vidéo sont intégrées à des formats autrefois considérés comme traditionnels. « Why You Fail » invite les spectateurs à s'interroger non seulement sur la manière dont les histoires sont racontées, mais aussi sur le lieu où elles le sont. En plaçant Yoda dans une scène initialement dépourvue d'épopée galactique, l'œuvre encourage la méditation sur l'héritage, l'apprentissage et les moments de calme qui définissent la transformation personnelle. L'estampe devient à la fois objet de collection et réflexion philosophique, redéfinissant notre rapport à la culture populaire à travers le prisme des beaux-arts.

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Au Naturel 2014 Édition limitée 1 couleur, sérigraphie artisanale sur papier beaux-arts par Aelhra, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Format de l'œuvre : 18 x 24 pouces.

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Leaf Fox, édition limitée, sérigraphie artisanale en 4 couleurs sur papier beaux-arts, par John Vogl, artiste de rue graffiti, art pop moderne.

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Estampe d'archives Consoling Spirit 2 de Graham Yarrington sur papier d'art en coton, œuvre d'art moderne de style pop graffiti street artiste. Estampe signée en édition ouverte, format 10x10 pouces, imprimée sur papier pigmentaire d'archivage, édition 2023 Estampe d'archive Consoling Spirit 2 de Graham Yarrington : L'empathie sous une forme surréaliste « Consoling Spirit 2 » de Graham Yarrington est une œuvre poignante et visuellement saisissante qui contribue à l’évolution du street art et du graffiti. Tirée en 2023 en édition ouverte signée, cette œuvre de 25 x 25 cm, réalisée avec des pigments d’archives sur papier d’art en coton, est à la fois intimiste par son format et universelle par son message. Elle juxtapose une immobilité monochrome à une explosion de couleurs éclatantes, mettant en scène deux figures assises sur une branche noueuse, suspendues dans un monde onirique et vaporeux. L’une, rendue en nuances de gris foncé, adopte une posture de deuil ou d’introspection, tandis que l’autre rayonne de teintes vibrantes de rose, d’orange et de jaune, posant une main réconfortante sur l’épaule de la première. Le geste et le contraste des tons évoquent un récit d’une force tranquille, empreint de compassion, de vulnérabilité et de transcendance. Esthétique et symbolisme dans la vision pop de la rue de Yarrington Yarrington, connu pour ses forêts surréalistes, ses figures fantasques et ses thèmes chargés d'émotion, crée des images qui s'apparentent à un folklore visuel. « Consoling Spirit 2 » ne fait pas exception. Le fond en niveaux de gris, parsemé d'une flore minimaliste évoquant des champignons, instaure un paysage émotionnel feutré. Sur ce fond, la figure de l'esprit en néon se détache comme un phare de chaleur et d'empathie, sa palette de couleurs vibrant de vie et de réconfort. Les lignes lumineuses qui soulignent son corps, notamment la forme concentrique autour de sa poitrine, symbolisent l'énergie intérieure, la présence et la bienveillance. Ce contraste rend non seulement le cœur émotionnel de l'estampe visuellement accessible, mais inscrit également l'œuvre dans la lignée du street art, qui valorise l'émotion brute, l'expression spontanée et la richesse des significations. Le ritualisme moderne de Graham Yarrington L'œuvre de Graham Yarrington explore souvent la intersection du fantastique et de l'émotion, où des figures d'un autre monde servent d'avatars à des expériences humaines complexes. La branche d'arbre assise dans *Consoling Spirit 2* imite une scène, plaçant le spectateur dans le rôle d'un observateur invisible d'une interaction sacrée. L'utilisation du noir et blanc pour représenter la tristesse d'une figure et des couleurs néon pour l'éclat spirituel de l'autre témoigne de la maîtrise de la métaphore visuelle par Yarrington. Ses personnages sont réduits à leur essence symbolique, canalisant la résonance émotionnelle du graffiti contemporain et de la culture visuelle pop. À travers ce minimalisme, Yarrington exprime des récits sur la présence, l'absence et la reconnaissance mutuelle, invitant les spectateurs à la réflexion. L'intimité spirituelle dans le contexte du pop art urbain et du graffiti Bien que « Consoling Spirit 2 » ne ressemble pas de prime abord au graffiti urbain traditionnel ni à l'exubérance pop, elle s'inscrit pleinement dans le mouvement du street art grâce à sa clarté conceptuelle et à l'émotion accessible qu'elle dégage. L'estampe de Yarrington est conçue pour parler sans prétention, délivrant un message de bienveillance, de soutien et de connexion humaine dans un format à la fois méditatif et subversif. Le choix de présenter cette œuvre en édition ouverte souligne sa vocation d'artefact émotionnel largement partageable — moins un objet d'exclusivité qu'un message universel transmis de main en main. Cette approche fait écho à l'esprit du graffiti, où les messages ne sont pas destinés à être vendus, mais laissés pour les âmes qui ont besoin de les voir. Graham Yarrington continue d'enrichir le vocabulaire visuel de l'art contemporain avec des œuvres comme « Consoling Spirit 2 », où beauté, empathie et surréalisme convergent sur une branche paisible dans une forêt imaginaire.

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Achetez TITLE Sérigraphie 4 couleurs tirée à la main sur une œuvre d'art Pop Street Art en édition limitée MEDIUM. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Impression giclée « The High Ground » par Dave Pollot, œuvre d'art en édition limitée sur toile, artiste graffiti pop de rue. Édition limitée signée et numérotée 2025 (à déterminer) - Œuvre d'art de taille 20x13 - Star Wars - Édition spéciale du 4 mai - Impression sur toile roulée. Impression giclée « The High Ground » de Dave Pollot : Star Wars dans la nature sauvage américaine « The High Ground » est une estampe giclée de 2025 de Dave Pollot, une œuvre en édition limitée de 50,8 x 33 cm sur toile roulée. Signée et numérotée par l'artiste, cette édition spéciale a été créée pour célébrer la Journée Star Wars, mêlant iconographie de science-fiction et symboles de l'Amérique classique. Dave Pollot, connu pour réinterpréter la culture pop à travers des paysages traditionnels et des objets chinés, met en scène Dark Vador, des stormtroopers et des canards colverts dans une paisible scène de chasse en pleine nature, transformant ainsi une œuvre inspirée par les fans en une création contemplative et visuellement satirique, s'inscrivant dans le courant du street art pop et du graffiti. Star Wars et la nostalgie américaine se rencontrent Cette œuvre évoque le stoïcisme serein des peintures animalières américaines du milieu du XXe siècle, un genre associé à l'immobilité, à la solitude et au respect de la nature. Cependant, Pollot y introduit une perturbation aussi inattendue qu'humoristique : Dark Vador, en grande tenue, tient un appeau à canard camouflé et lève la main tandis que des canards s'éparpillent dans un marais givré. À l'arrière-plan, des stormtroopers, fusils à la main, posent en chasseurs, comme s'ils ignoraient participer à une parodie. Les arbres au loin et la palette de couleurs discrètes créent une atmosphère paisible, subtilement troublée par ces intrusions fictives. L'Étoile de la Mort plane faiblement dans la lune brumeuse, remplaçant le soleil telle une présence omniprésente. C'est dans cet équilibre subtil entre humour et respect que Pollot excelle, critiquant avec finesse la commercialisation de la mythologie tout en la célébrant. Le langage satirique de Dave Pollot Dave Pollot est un artiste américain reconnu pour sa capacité à réinterpréter des œuvres d'art délaissées à travers le prisme de la culture populaire. Ses créations mêlent souvent esthétique vintage et personnages modernes issus des jeux vidéo, du cinéma et de la télévision, transformant des toiles oubliées ou négligées en commentaires perspicaces. « The High Ground » s'inscrit dans cette démarche en préservant l'atmosphère originelle du tableau – une nature sauvage et paisible – mais en remplaçant les figures humaines par des légendes galactiques. Cette approche métamorphose le familier en surréaliste et invite le spectateur à repenser l'image et son contexte. L'œuvre fonctionne à la fois comme un hommage et une subtile subversion, intégrant harmonieusement l'univers de Star Wars à ce paysage bucolique. Art pop urbain moderne sur toile traditionnelle « The High Ground » n'est pas qu'une simple estampe originale pour les fans de science-fiction ; c'est une exploration délibérée des superpositions culturelles. Dans le contexte du street art et du graffiti, elle utilise une esthétique hybride pour refléter la manière dont la culture populaire imprègne la mémoire et la nostalgie collective. En imprimant sur toile et en imitant l'art animalier classique, Pollot abolit la distance entre le fandom de l'ère numérique et les traditions artistiques analogiques. Sortie en édition limitée pour le 4 mai, jour anniversaire de Star Wars, l'estampe transcende la simple fidélité à la franchise. Elle devient un récit sur la saturation culturelle, montrant comment des icônes comme Dark Vador ne sont pas de simples personnages de fiction : elles habitent nos paysages, nos métaphores et notre humour. « The High Ground » de Dave Pollot incarne cette philosophie avec intelligence et maîtrise, ce qui en fait une pièce remarquable dans le monde de l'art contemporain de collection.

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Papier buvard « Chillin' In Da Woods », édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Mark Bode, œuvre d'art pop culture LSD. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey et peuvent légèrement différer de l'exemple présenté.

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Edition limitée sur papier Moab Entrada 290gsm par Urban Pop Artist ARTIST Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Idolize Blotter Art, œuvre d'art surréaliste, lithographie offset en édition limitée sur feuille de papier perforée, par l'artiste Naoto Hattori. Édition limitée à 150 exemplaires, signée et numérotée à la main, 2014. Dimensions de l'œuvre : 8,3 x 10,8 pouces. Feuille buvard perforée

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Dessin original à l'encre de Gustav, réalisé à la main sur papier d'art par Nicole Gustafsson, artiste de street art contemporaine très en vogue. Dessin original signé de 2013, format 5x5

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Être pétrifié, édition limitée, sérigraphie artisanale 6 couleurs sur papier coton Coventry 290 g/m² par Dave Kinsey, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Sérigraphie 6 couleurs sur papier 100 % coton Coventry 290 g/m² Signée : KINSEY / Numérotée / Estampillée Édition limitée à 65 exemplaires Dimensions : 46,67 x 54,34 cm (18,375 x 21 pouces) Année : 2021

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Là où les séquoias rencontrent la mer, tirage d'art en édition limitée AP Archival Pigment Fine Edition sur papier Signa Smooth 300 g/m² par l'artiste Amy Sol, légende du street art pop graffiti. Épreuve d'artiste AP 2021 Signée et numérotée 19,5 x 19,5 cm Édition limitée à 35 exemplaires Là où les séquoias rencontrent la mer : une épreuve d'artiste en édition limitée d'Amy Sol « Là où les séquoias rencontrent la mer » est une œuvre saisissante d'Amy Sol, artiste reconnue pour sa contribution unique au Street Pop Art et son talent pour fusionner la beauté de la nature avec la présence sereine et contemplative de ses sujets. Créée en 2021 comme épreuve d'artiste, cette œuvre capture l'instant magique où les séquoias géants rencontrent les douces vagues de la mer. Tirée à seulement 35 exemplaires, chacun signé et numéroté par Sol elle-même, cette édition limitée confère à cette pièce une valeur inestimable en tant qu'objet de collection dans le domaine de l'art contemporain et de l'inspiration graffiti. Imprimée sur papier Signa Smooth 300 g/m², elle offre une grande fidélité des couleurs et une texture remarquable, donnant vie à la composition sereine d'Amy Sol. L'exploration artistique de la nature et de la solitude par Amy Sol Le style d'Amy Sol est profondément ancré dans une imagerie douce et naturaliste, mêlant souvent des éléments naturels à des figures humaines contemplatives. Dans « Là où les séquoias rencontrent la mer », son art transporte le spectateur dans une scène forestière sereine où l'immensité des séquoias contraste avec la délicatesse d'une silhouette solitaire, debout à la lisière de la forêt, le regard tourné vers l'eau. Ses tons pastel feutrés et ses ombres délicates confèrent à la scène une atmosphère onirique, permettant au spectateur de ressentir le calme et l'isolement qui s'en dégagent. Les ombres de créatures ressemblant à des ours, projetées entre les arbres, ajoutent une dimension intrigante à la composition, suggérant une harmonie tacite entre la présence humaine et la faune sauvage. Cette scène paisible illustre la capacité d'Amy Sol à transmettre des émotions et des récits par la subtilité des détails et de la composition. En inscrivant la figure féminine dans l'immensité du paysage d'arbres et d'eau, Sol explore les thèmes de la solitude et de la contemplation, soulignant le lien profond qui unit l'individu au monde naturel. Son approche caractéristique, qui consiste à combiner des couleurs douces à des détails complexes, invite le spectateur à explorer la profondeur et l'harmonie de la scène, offrant un moment d'introspection et de paix. Le pop art urbain et l'influence des graffitis Bien que l'œuvre d'Amy Sol ne présente pas d'emblée les visuels audacieux du graffiti traditionnel, son intégration des principes du Street Pop Art est manifeste dans la manière dont elle propose ses créations sous forme d'estampes de collection en édition limitée. Le Street Pop Art, mouvement qui fusionne l'accessibilité de la culture pop et l'expressivité brute du street art, s'accorde parfaitement avec la démarche de Sol, qui consiste à produire des éditions limitées, à l'instar de cette épreuve d'artiste. Cette approche préserve l'exclusivité et la valeur de chaque pièce, à l'image des œuvres éphémères et symboliques que les graffeurs créent souvent. « Where Redwoods Meet the Sea » de Sol incarne cette philosophie, offrant une œuvre à la fois accessible à tous et précieuse pour les collectionneurs. Le recours aux éditions limitées permet à l'œuvre d'Amy Sol de se situer à la croisée des beaux-arts et du street art, séduisant ainsi les collectionneurs d'art traditionnel comme les amateurs d'art urbain. Son choix de ne produire que 35 épreuves d'artiste pour cette œuvre confère à chaque tirage une rareté particulière, reflétant la nature éphémère du street art et le désir de saisir l'instant. Cette pratique moderne, propre au Street Pop Art, en accroît la valeur et en fait une pièce de choix pour les amateurs d'art contemporain imprégné d'esthétique urbaine. La valeur de collection du lieu où les séquoias rencontrent la mer En tant qu'épreuve d'artiste en édition limitée, « Là où les séquoias rencontrent la mer » acquiert une valeur particulière, notamment auprès des collectionneurs en quête d'œuvres uniques, signées directement par l'artiste. Chaque tirage, réalisé sur un papier Signa Smooth 300 g/m² de haute qualité, garantit la longévité et la richesse des détails de la scène imaginée par Sol. Ce type de papier sublime les subtiles transitions de couleurs, permettant au spectateur d'apprécier chaque nuance de ce paysage paisible. Ses dimensions de 49,5 x 49,5 cm (19,5 x 19,5 pouces) lui confèrent une grande polyvalence et lui permettent de s'intégrer harmonieusement à tous les intérieurs, apportant une présence à la fois discrète et marquante à toute collection. « Là où les séquoias rencontrent la mer » d'Amy Sol est bien plus qu'une simple estampe : c'est une réflexion intime sur la solitude, la nature et le mouvement de l'art moderne. Le mariage réussi du pop art urbain et d'éléments naturalistes par Amy Sol offre aux collectionneurs une œuvre contemporaine d'une grande profondeur émotionnelle et d'une qualité artistique indéniable. Chaque épreuve d'artiste en édition limitée témoigne de son talent pour créer des œuvres aussi captivantes visuellement que significatives, offrant un espace où les spectateurs peuvent renouer avec la nature et explorer la sérénité de son art.

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Achetez VINYLTOY Dunny édition limitée Kidrobot Vinyl Art Toy Collectible Artwork par l'artiste ARTIST. 2022 Édition limitée de XXXX Taille XXXX INFO

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Papier buvard d'art en édition limitée Palm Tree, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé, par l'artiste moderne Mike Giant. Édition limitée 2020, signée et numérotée à 50 exemplaires. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 12 septembre 2020. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey.

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Primer I, tirages d'art en édition limitée à base de pigments d'archives sur papier chiffon velours mat 315 g/m² par Dave Pollot, artiste de graffiti, de street art et de culture pop. Édition limitée à 100 exemplaires. Dimensions : 61 x 87 cm (marge de 5 cm incluse). Imprimé sur papier chiffon mat velours, 315 g/m². Signé et numéroté par l’artiste.

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Édition limitée Alone, sérigraphie artisanale monochrome sur papier Cougar Natural 130 lb, par Bernie Wrightson, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Épreuve d'artiste AP 2014 Signée et marquée AP Œuvre d'art en édition limitée, format 20x30 Chaque estampe mesure 20 × 30 cm et est signée par l'artiste lui-même, Bernie Wrightson. Il s'agit d'impressions sérigraphiques réalisées à la main sur papier Cougar Natural épais de 130 lb.

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Montagnes Pourpres - Épreuve d'imprimeur PP, tirage d'art pigmentaire d'archives en édition limitée sur papier Moab Entrada 290 g/m² par l'artiste Scott Listfield, œuvre d'art moderne. Épreuve d'imprimerie PP 2020 signée et marquée, format 30x16 Scott Listfield, artiste reconnu pour son œuvre moderne et saisissante, à la croisée du pop art et du street art, présente « Purple Mountains ». Cette pièce captivante, datant de 2020, propose un récit visuel où la grandeur de la nature se mêle à la douce introspection humaine. L'œuvre représente une figure solitaire, contemplant une majestueuse chaîne de montagnes baignée par la lueur éthérée d'un crépuscule pourpre. Le soleil couchant projette un mélange de pourpres, de rouges et de bleus, peignant les sommets enneigés et les forêts denses de nuances qui évoquent à la fois émerveillement et mélancolie. Tirée en épreuve d'artiste (PP), cette pièce se distingue des éditions standard, offrant une variante unique généralement réservée à la collection personnelle de l'artiste ou à des occasions spéciales. L'impression utilise des pigments d'archivage, une technique réputée pour sa capacité à reproduire fidèlement les détails et les couleurs de l'œuvre originale. Imprimée sur papier Moab Entrada 290 g/m², cette œuvre bénéficie d'une excellente durabilité et sublime les couleurs éclatantes, garantissant une netteté optimale pour chaque nuance et chaque contour. Mesurant 76 x 41 cm, elle offre un équilibre parfait entre l'immensité du paysage et la précision des détails au premier plan. « Montagnes Pourpres » illustre à merveille le style unique de Listfield, qui intègre harmonieusement des figures humaines contemporaines à des paysages à couper le souffle, invitant le spectateur à s'interroger sur sa propre place au sein de l'immensité de la nature et du temps. Plus qu'un simple régal pour les yeux, cette œuvre est un témoignage poignant de solitude, de contemplation et de la beauté omniprésente du monde qui nous entoure.

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« Doing It All », tirages d'art giclée en édition limitée sur papier photo d'archivage, par Ben Kehoe, artiste de graffiti, de street art et de culture pop. Tirage giclée en édition limitée à 30 exemplaires. Format total : 20,3 cm x 20,3 cm ; format de l’image : 15,2 cm x 15,2 cm. Imprimé sur papier Innova Photo Rag 315 g/m². Signé et numéroté.

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Achetez Strawberry Cough Stoned Eye Mini Nug Limited Run Handmade & Painted Art Toy Collectible Artwork par les artistes pop Nugg Life NY. Hommage aux plantes sur le thème du cannabis/marijuana avec des accents colorés peints à la main. Mini Nug mesure environ 2,5 à 3 pouces de haut et est fait à la main, peint et assemblé avec un conteneur de livraison NYC. Tirage limité à 15 exemplaires signés et numérotés.

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« Into The Forest », une œuvre originale unique en son genre, peinture acrylique sur toile tendue sur châssis, par la célèbre artiste de graffiti de rue Mandy Tsung. 2013. Acrylique originale sur toile de Mandy Tsung, 12 x 9 pouces.

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Face Yachting 84 Œuvre d'art originale et unique, peinture à l'huile et techniques mixtes sur panneau de masonite, par le célèbre artiste impressionniste moderne Peter Keil. Peinture originale signée de Peter Keil, datant de 1984, mesurant 24 x 12 pouces (61 x 30,5 cm), représentant un grand visage et des bateaux sur le lac. Le visage d'enfant de Peter Keil en 1984 : une fusion entre l'expressionnisme et le pop art urbain « Visage d'enfant '84 » de Peter Keil illustre avec éclat la rencontre entre les techniques impressionnistes modernes et l'esprit du street art et du graffiti. Cette œuvre originale, une peinture à l'huile sur carton, mesure 30 x 40 cm et révèle le style singulier de Keil, souvent reconnu pour son approche spontanée et audacieuse de l'art moderne. Représentant un visage d'enfant géant, le tableau capture l'innocence et l'expressivité propres à l'enfance, à travers le prisme du style impressionniste et vibrant de Keil. Caractéristique des œuvres originales de Peter Keil, cette pièce présente quelques écaillures de peinture sur la joue, conséquence naturelle de la technique de l'empâtement et de la fragilité du carton. Ces écaillures n'altèrent en rien l'impact de l'œuvre ; au contraire, elles enrichissent son récit, reflétant le passage du temps et l'histoire tactile du processus créatif de Keil. Cet élément de texture, fréquent dans les œuvres originales de Keil, souligne l'émotion brute et sans filtre qu'il cherche à capturer chez ses sujets. Interprétation du langage artistique de Keil dans Child's Face '84 Interpréter « Visage d'enfant '84 » de Keil exige de comprendre son langage artistique, qui fusionne les formes abstraites de l'impressionnisme avec les couleurs vibrantes et l'immédiateté émotionnelle du street art. Le portrait qu'il dresse dépasse la simple représentation des traits d'un enfant ; il explore le caractère et les émotions transmis par des formes exagérées et une riche palette de couleurs. Les grands yeux lumineux dominent la composition, véritables fenêtres sur l'âme de l'enfant, et font écho à la profondeur de l'expérience humaine que Keil cherche à explorer à travers son art. Le choix du carton comme support témoigne de la volonté de Keil de combler le fossé entre les beaux-arts conventionnels et les matériaux plus accessibles et quotidiens souvent utilisés dans le street art, le pop art et le graffiti. Ce choix non conventionnel reflète une démocratisation de l'art, thème central du street art, qui vise à rendre l'art accessible et compréhensible par un large public. En utilisant le carton, Keil remet en question les normes artistiques traditionnelles et s'inscrit dans une forme d'expression artistique ancrée dans les réalités de la vie urbaine. L'influence durable de l'approche de Keil en matière de portrait L'influence durable de l'approche de Peter Keil en matière de portrait est manifeste dans « Visage d'enfant '84 ». Son œuvre, souvent rattachée à l'impressionnisme moderne, trouve un écho dans un large éventail de formes artistiques, notamment le pop art urbain et le graffiti. La contribution de Keil à ces genres réside dans sa capacité à insuffler à la peinture de portrait traditionnelle une immédiateté et une authenticité brute, caractéristiques de l'art urbain. Ce tableau, avec ses contours audacieux et ses couleurs éclatantes, témoigne de l'esprit novateur de Keil et de son impact sur l'art contemporain. De plus, la vivacité de l'œuvre, une signature de Keil, souligne le potentiel expressif du pop art urbain et du graffiti. « Visage d'enfant '84 » illustre comment ces genres peuvent transmettre des récits émotionnels complexes, remettant en question l'idée reçue selon laquelle le street art se limite au commentaire public ou à la critique sociale. Le portrait de Keil est une célébration de l'individualité et de l'esprit humain, capturées dans le regard d'un enfant et exprimées par la peinture. « Visage d'enfant '84 » de Peter Keil est une œuvre majeure qui illustre la rencontre entre l'impressionnisme moderne et l'univers dynamique du street art et du graffiti. La spontanéité de son exécution, l'éclat de ses couleurs et la richesse de ses textures contribuent à son attrait intemporel et à son statut de témoignage éloquent de la vision artistique de Keil. Portant les marques de sa création, cette œuvre continue de fasciner et d'inspirer, offrant un aperçu de la profondeur et de la diversité de son travail.

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« Sleeping Horse », édition limitée, sérigraphie artisanale en 3 couleurs sur papier d'archivage 100 % coton, par Mike Stilkey, artiste de rue graffiti, art pop moderne. BLK/MARKT

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« Coucher de soleil au moulin », œuvre d'art en édition limitée (impression giclée) sur papier d'art de qualité supérieure, par l'artiste de graffiti pop culture Nicole Gustafsson.

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Tirages d'art en édition limitée « Only Wild Around People » sur papier beaux-arts, réalisés par Ben Kehoe, artiste de rue graffiti et pop art moderne.

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Island Yachting 84 Coucher de soleil Peinture à l'huile originale de Peter Keil Œuvre unique sur panneau Masonite par The Wild Man of Berlin, un artiste contemporain célèbre. Peinture à l'huile sur panneau de masonite, signée et datée de 1984. Œuvre originale de 61 x 61 cm (24 x 24 pouces). Peter Keil utilise une peinture épaisse, ce qui explique la présence possible de quelques écaillures, dues à l'âge et à la nature de son travail. Représentation de trois voiliers sur un lac au coucher du soleil. Écaillures de peinture sur un arbre. Interprétation de « Island Yachting '84 Sunset » de Peter Keil « Island Yachting '84 Sunset » témoigne avec éclat du génie créatif de Peter Keil, plus connu sous le nom de « L'Homme Sauvage de Berlin ». Cette saisissante huile sur panneau de Masonite, réalisée en 1984 et signée de sa main, se déploie sur une généreuse toile de 61 x 61 cm. L'utilisation caractéristique de la peinture épaisse et texturée par Keil est pleinement visible, une technique signature qui peut entraîner un léger écaillage au fil du temps, reflétant le passage des années et le caractère intrinsèque de son œuvre. Cette toile représente trois voiliers sur un lac, baignés par la splendeur d'un coucher de soleil captivant – une scène qui fusionne la tranquillité de la nature et l'énergie dynamique du coup de pinceau de Keil. Le tableau incarne la vitalité du Street Pop Art et du graffiti par ses choix de couleurs audacieux et la représentation dramatique du coucher de soleil. L'application de la couleur par Keil, en larges gestes amples, capture la beauté éphémère du soleil couchant, son reflet sur l'eau et les silhouettes se détachant sur le lac. Ce récit visuel saisissant est rendu avec une immédiateté souvent associée à l'art du graffiti. Parallèlement, le sujet et son traitement reflètent l'influence de la fascination du pop art pour les scènes et les objets du quotidien. L'héritage artistique et le médium de Peter Keil Le choix du panneau de Masonite par Peter Keil comme support témoigne de son attachement à l'esprit du street art, qui intègre souvent des matériaux non conventionnels. La robustesse du Masonite se marie parfaitement à la technique de l'empâtement employée par Keil, conférant à l'œuvre une profondeur de texture et une impression de durabilité qui font écho à la permanence des peintures murales. La surface offre également un support stable pour l'application en couches successives de peinture à l'huile, favorisant ainsi la richesse des empâtements et les contrastes de textures vibrants caractéristiques du style de Keil. Cette toile, « Island Yachting '84 Sunset », illustre l'exploration par Keil du jeu d'ombre et de lumière, un thème central du Street Pop Art et du graffiti. Les silhouettes et le coucher de soleil flamboyant créent un dialogue entre l'audace de l'œuvre et la subtilité de son sujet, un équilibre que Keil parvient à trouver à chaque coup de pinceau. L'œuvre est un régal pour les yeux et un récit du temps et de l'espace, capturant les instants sereins et fugaces du crépuscule sur l'eau. L'impact de « Island Yachting '84 Sunset » dans l'art contemporain L'impact de « Island Yachting '84 Sunset » sur la scène artistique contemporaine est multiple. D'une part, il témoigne de l'influence profonde de Keil sur le développement de l'art moderne, notamment au sein des genres du street art, du pop art et du graffiti. Sa capacité à transposer la spontanéité du street art en une forme plus durable remet en question et élargit les frontières de la perception et de l'expérience artistiques traditionnelles. D'autre part, la toile célèbre la liberté esthétique qui caractérise l'œuvre de Keil, illustrant son aptitude à saisir des émotions et des instants complexes sur un support rigide. De plus, elle nous rappelle la nature éphémère de l'art, à l'image du street art en perpétuelle évolution que Keil imite. Si l'écaillage de la peinture témoigne de son ancienneté, il lui confère une authenticité et une valeur historique indéniables, incarnant l'acceptation par l'artiste de l'imperfection et du changement comme éléments intrinsèques de son travail. Cette acceptation et cette célébration du passage du temps font d'« Island Yachting '84 Sunset » bien plus qu'une simple peinture : un véritable témoignage vivant de l'histoire de l'art. « Island Yachting '84 Sunset » de Peter Keil est une œuvre exemplaire qui, par sa réalisation vibrante et sa profondeur émotionnelle, incarne l'essence même du Street Pop Art et du graffiti. Elle illustre avec force le talent artistique de Keil et sa contribution au dialogue entre les techniques picturales traditionnelles et le mouvement contemporain du street art. L'œuvre, qui continue de fasciner et d'inspirer, témoigne de la pérennité du travail de Keil et de son statut de figure majeure de l'art contemporain.

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Œuvre d'art Windmill Root Village, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti pop culture Nicole Gustafsson.

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« Le vent du nord et le soleil », œuvre surréaliste, impression giclée en édition limitée sur papier d'art 100 % coton, par l'artiste populaire Naoto Hattori. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée à la main, 2014. Format de l'œuvre : 16 x 20 pouces. Impression originale

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Estampe d'art en édition limitée Purple Haze Archival Pigment sur papier aluminium argent satiné par l'artiste Naoto Hattori, légende du street art pop graffiti. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, tirage pigmentaire d'archives sur papier aluminium argenté satiné. Format : 21,6 x 30,5 cm. Sortie : 14 décembre 2015. « Parfois, j'ai l'impression que mes pensées se forment avec force et se fondent peu à peu dans le monde, comme une brume de fumée de cigarette se mêle à l'air. » – Naoto Hattori

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Island Yachting 84 Œuvre d'art originale et unique à l'huile, technique mixte, sur panneau de masonite, par le célèbre artiste impressionniste moderne Peter Keil. Peinture originale signée de Peter Keil, 1984, 24 x 12 pouces, représentant des bateaux sur le lac Dévoilement de « Island Yachting '84 » par Peter Keil « Island Yachting '84 » est une peinture à l'huile originale, technique mixte sur panneau de fibres de bois (Masonite), une œuvre marquante de Peter Keil, artiste impressionniste moderne de renom. Signée et datée de 1984, cette œuvre de 61 x 30,5 cm (24 x 12 pouces) représente une scène vibrante de bateaux sur un lac, un sujet que Keil aborde avec son style abstrait caractéristique et une palette de couleurs éclatantes. Sa représentation de la navigation de plaisance ne se limite pas à une simple imitation, mais exprime avec force le rythme de la scène et l'émotion ressentie par l'artiste. Cette œuvre illustre l'intégration par Keil des esthétiques du pop art urbain et du graffiti à son style impressionniste. Cette synthèse a marqué sa place dans l'art moderne. Le choix du panneau de fibres de bois comme support reflète son affinité pour les médiums qui résonnent avec l'authenticité et la spontanéité du street art. La durabilité intrinsèque et la surface lisse du matériau en font un support idéal pour le style pictural vigoureux de Keil, permettant l'application épaisse de peinture à l'huile, une caractéristique de son travail. Les qualités texturées de « Island Yachting '84 » lui confèrent une présence tactile et capturent les effets transitoires de la lumière et du mouvement, à l'image de la nature éphémère de l'art du graffiti. La valeur artistique de « Island Yachting '84 » Le mérite artistique de « Island Yachting '84 » réside dans sa composition dynamique et la puissance expressive de sa touche. Les gestes amples et les contours marqués qui définissent les bateaux et leurs reflets dans l'eau témoignent de la maîtrise de Keil pour rendre le mouvement et la profondeur. Le premier plan est dominé par des silhouettes sombres qui contrastent fortement avec les yachts aux couleurs vives, créant un dialogue visuel entre les éléments. Cette technique de mise en valeur de la lumière et de l'ombre, de la couleur et de la forme, rappelle la tension dramatique des peintures murales et de l'imagerie pop art, une qualité que Keil intègre avec brio à son œuvre. L'utilisation de techniques mixtes par Keil indique également son approche expérimentale de la création artistique. En combinant divers matériaux et techniques, il façonne une expérience visuelle complexe qui remet en question les frontières traditionnelles et évoque les textures superposées du street art. « Island Yachting '84 » n'est donc pas seulement la représentation d'une activité de loisirs au bord d'un lac, mais aussi une manifestation de l'esprit novateur de l'artiste et sa contribution au discours du street art et du graffiti. Impact et héritage de l'œuvre de Peter Keil L'impact et l'héritage de l'œuvre de Peter Keil, illustrés par « Island Yachting '84 », résident profondément dans sa capacité à insuffler aux motifs impressionnistes traditionnels l'énergie et la spontanéité du street art. Son style distinctif, caractérisé par une utilisation expressive de la ligne et de la couleur, a influencé toute une génération d'artistes désireux de jeter un pont entre la galerie et la rue. Les peintures de Keil sont reconnues pour leur vivacité et leur capacité à toucher les spectateurs tant sur le plan esthétique que viscéral. De plus, « Island Yachting '84 » reflète la vision plus large de Keil d'un art accessible et universel. Son choix délibéré de travailler avec des matériaux et des sujets directement liés au quotidien témoigne de son désir de démocratiser l'art, un principe fondamental du Street Pop Art et du graffiti. À travers des œuvres comme celle-ci, Keil invite le spectateur à un voyage visuel à la fois intime et universel, un voyage porté par le pouvoir unificateur de l'art. « Island Yachting '84 » témoigne du mélange novateur des genres opéré par Peter Keil, une œuvre vibrante qui capture l'essence de sa recherche artistique. Elle illustre avec force comment les sensibilités du pop art urbain et du graffiti peuvent se transposer dans une forme d'art plus traditionnelle, tout en conservant leur dynamisme et leur immédiateté intrinsèques. Alors que l'œuvre de Keil continue d'inspirer et de toucher le public, « Island Yachting '84 » demeure une pièce majeure dans le parcours d'un artiste qui n'a cessé de repousser les limites de l'expression et de la forme.

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