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Achetez TITLE Édition limitée Fine Art Archival Pigment Print Art sur papier buvard perforé. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XX Tirage pigmentaire d'archivage sur papier buvard perforé Taille : 7,5 x 7,5 pouces Sortie : 19 avril 2022 Les éditions limitées de buvard sont perforées à la main par Zane Kesey.

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Four Tablets Daily, impression d'archives par Ben Frost, édition limitée sur papier Canson Cotton Rag Photographique Fine Art 310 g/m², style pop graffiti, art urbain moderne. Tirage signé et numéroté de 2024, édition limitée à 15 exemplaires, format 11,7 x 11,7 pouces, pigments d'archivage, beaux-arts, femme sur un emballage pharmaceutique pour Ritalin 10. L'emballage pharmaceutique comme support dans l'art urbain pop et le graffiti « Four Tablets Daily », de l’artiste australien Ben Frost, est une œuvre saisissante et percutante, à la croisée du street art, du pop art et du graffiti. Tirage pigmentaire d’archive sur papier Canson Cotton Rag Photographique 310 g/m², cette édition limitée de 2024 fusionne avec audace l’esthétique des médicaments et l’imagerie pop classique. Le style distinctif de Frost mêle des visuels épurés, inspirés de la publicité, aux thèmes de la consommation, de l’identité et des effets anesthésiants de la médecine moderne. L’artiste utilise ici une véritable boîte de Ritalin 10 comme support, la transformant en un portrait ironique et troublant de la dépendance et des idéaux de beauté contemporains. La fusion de la culture de consommation et du commentaire artistique Ben Frost, connu pour son détournement d'emballages, de logos et de symboles culturels, utilise cette œuvre pour interroger le rapport de la société aux médicaments sur ordonnance et aux médias de masse. L'estampe présente le visage stylisé d'une femme, dont les yeux bleus et les lèvres rouges évoquent les héroïnes de bandes dessinées du milieu du XXe siècle, se détachant sur les contraintes géométriques d'un emballage pharmaceutique. La juxtaposition entre son regard sensuel et construit et le langage clinique de l'étiquetage du Ritalin suggère une tension entre plaisir artificiel et contrôle médical. En conservant la majeure partie du texte de l'emballage original, Frost permet à l'œuvre de préserver son contexte initial, rendant le spectateur mal à l'aise face à l'idée qu'il ne s'agit pas seulement d'art, mais aussi d'un artefact issu d'une utilisation réelle. Édition limitée : l'art rencontre le graffiti et la satire pop Tirée en édition très exclusive à seulement 15 exemplaires, chaque estampe est signée et numérotée par l'artiste. Ses dimensions de 29,7 x 29,7 cm en font une œuvre compacte et percutante, qui condense le commentaire visuel de Frost en un carré incisif et satirique. Réalisée sur papier coton de qualité muséale, avec des pigments d'archivage, cette estampe transforme la nature éphémère du consumérisme et le commentaire social en une œuvre d'art durable. À la croisée de l'art contemporain de collection et de la contestation, cette estampe puise son énergie aussi bien dans les galeries que dans la rue. Le rôle particulier de Ben Frost dans l'art pop et graffiti moderne Ben Frost est un artiste de street art basé à Sydney, reconnu internationalement pour sa critique acerbe de la culture populaire, de l'industrie pharmaceutique et du marketing de consommation. Ses œuvres ont été exposées dans des villes comme Londres, New York et Tokyo, et sont devenues emblématiques de la critique post-pop. Dans « Four Tablets Daily », Frost confirme sa place dans le graffiti pop contemporain en détournant des formats familiers et en les transformant en réflexions sociétales incisives. Cette œuvre, à l'instar de nombre de ses travaux, brouille la frontière entre présentation en galerie et confrontation dans la rue, incitant les spectateurs à s'interroger sur leurs habitudes, leurs dépendances et les images soigneusement conditionnées qu'ils consomment quotidiennement.

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Planche de skateboard Bodies Deck FW21 Édition Limitée, sérigraphiée par Supreme, artiste de la culture pop urbaine. Saison FW21 - Date de sortie : 19/08/2021

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Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

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Impression giclée en édition limitée « Fuck Forever » sur papier Hahnemühle Bamboo 290 g/m² par l'artiste de graffiti pop culture Jamie Reid. Édition limitée à 300 exemplaires, signée et numérotée, 2021. Dimensions de l'œuvre : 24 x 33,5 pouces. Tiré d'une numérisation d'un collage original réalisé pour une affiche des Sex Pistols utilisée dans le film « The Great Rock 'n Roll Swindle ». Ce tirage a été préparé en 2006 mais n'a jamais été publié.

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Pop Tart - Impression sérigraphique encadrée en 7 couleurs, tirée à la main, jaune, sur papier satiné blanc Somerset 410 g/m² par l'artiste D*Face - Dean Stockton, œuvre d'art en édition limitée. Édition limitée à 125 exemplaires, signée et numérotée, encadrée. 2007. Sérigraphie en couleurs sur papier, 76,2 x 73,7 cm (30 x 29 pouces). Encadrement sur mesure avec passe-partout. Pop Tart (Jaune), 2007. Tirage limité à 125 exemplaires. Signée et numérotée au crayon en bas. Édité par Black Rat Press. D*Face Dean Stockton Pop Tart Jaune Sérigraphie 2007 La sérigraphie « Pop Tart Yellow » de 2007, réalisée par l'artiste britannique Dean Stockton, alias D*Face, est une œuvre majeure de sa vision satirique du street art et du graffiti. Mesurant 76 x 74 cm et imprimée à la main en sept couleurs sur papier Somerset Satin White 410 g/m², cette édition limitée à 125 exemplaires a été éditée par Black Rat Press, l'un des studios d'impression londoniens les plus influents auprès des artistes de rue contemporains. Chaque exemplaire est signé et numéroté par l'artiste au crayon sur le bord inférieur, garantissant son authenticité et sa valeur de collection. Iconographie et critique culturelle L'imagerie de Pop Tart Yellow s'inspire indéniablement des célèbres portraits de Marilyn Monroe par Andy Warhol, mais DFace y superpose sa propre touche irrévérencieuse. Le visage de Marilyn se métamorphose partiellement en crâne, avec des yeux creux et un effet de peinture dégoulinante qui évoque à la fois la fragilité de la célébrité et l'inéluctabilité du déclin. Des détails cartoonesques, tels des ailes jaillissant de sa tête, ajoutent une dimension surréaliste et satirique, rappelant comment la célébrité élève souvent les figures culturelles au rang de mythes tout en les déshumanisant. Cette dualité entre beauté et mortalité est un thème récurrent dans l'œuvre de DFace, amplifiant la critique de l'idolâtrie et de la manipulation de la perception publique par les médias de masse. Technique et exécution Réalisée en sérigraphie sept couleurs, l'œuvre associe des aplats de couleurs vives à des textures plus granuleuses, évoquant des coulures et des détails patinés. Le fond jaune canari accentue le dynamisme pop art tout en créant un contraste saisissant avec la superposition noire squelettique et les lèvres rouge vif de Marilyn. Le choix du papier Somerset Satin 410 g/m² par D*Face souligne le statut d'œuvre d'art de cette estampe, mariant l'esthétique urbaine à une qualité muséale. Cette approche témoigne de sa capacité à intégrer un design inspiré du graffiti dans l'espace d'une galerie sans rien perdre de la force et de l'immédiateté qui caractérisent ses interventions en extérieur. Le rôle de D*Face dans l'art urbain contemporain Né à Londres en 1978, Dean Stockton s'est imposé comme une figure centrale du mouvement street art international, mêlant graphisme punk, esthétique de la bande dessinée et satire de la culture pop. Ses œuvres interrogent souvent les thèmes de la célébrité, du consumérisme, de l'amour et de la mortalité, utilisant des icônes culturelles reconnaissables comme vecteurs de critique. « Pop Tart Yellow » illustre parfaitement sa stratégie de réinterprétation des images de Warhol et Marilyn Monroe, figures emblématiques de la marchandisation de la beauté et de la célébrité. En y insufflant des nuances plus sombres et un humour irrévérencieux, D*Face transforme un classique du pop art en une œuvre qui trouve un écho auprès du public contemporain, tout en questionnant les fondements mêmes de la culture de la célébrité. Cette sérigraphie en édition limitée demeure l'une de ses œuvres d'art les plus emblématiques, faisant le lien entre ses racines graffiti et le marché des estampes de collection.

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Achetez PEINTURE One of a Kind Artwork on MEDIUM par Street Art Pop Artist. 2022 Signé MEDIA Peinture Oeuvre Originale Taille XXXX INFO

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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« Soon I'll Let You Go », tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier beaux-arts 310 g/m² par Craww, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2016. Format de l'œuvre : 12 x 16 pouces.

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Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

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Sérigraphie Florence Aubenas par Shepard Fairey - OBEY x Blek le Rat Tirée à la main sur papier d'art de qualité supérieure Édition limitée Œuvre d'art pop et de rue. 2008. Signée par Shepard Fairey et Blek le Rat. Édition limitée numérotée à 100 exemplaires. Format : 18 x 24 pouces. Sérigraphie. Shepard Fairey x Blek le Rat Florence Aubenas Sérigraphie 2008 La sérigraphie Florence Aubenas de 2008 est le fruit d'une collaboration exceptionnelle entre l'artiste de rue américain Shepard Fairey, alias OBEY, et le pionnier français du pochoir, Blek le Rat. Mesurant 45,7 x 61 cm, cette sérigraphie artisanale a été produite en édition limitée à 100 exemplaires, signés et numérotés. Chaque exemplaire porte la signature des deux artistes, témoignant ainsi de son importance en tant que dialogue intergénérationnel au sein du Street Pop Art et du graffiti. Le sujet, la journaliste française Florence Aubenas, a été enlevée et retenue en otage en Irak en 2005, faisant de cette œuvre un puissant symbole de résilience et du rôle de l'art dans la mise en lumière des enjeux liés aux droits humains. Imagerie et symbolisme Cette estampe fusionne le style graphique et engagé de Shepard Fairey avec la technique classique du pochoir de Blek le Rat. Sur fond de place Saint-Michel à Paris, l'œuvre intègre photographie et pochoir pour créer une composition urbaine riche et nuancée. Aubenas y est représentée debout, sereine, sa silhouette se détachant en un pochoir noir intense sur le mur de pierre, évoquant les interventions de Blek le Rat dans l'espace public. Ce contraste avec la précision du décor urbain capturée par la sérigraphie de Fairey crée une tension entre la permanence de l'architecture historique et l'urgence des luttes politiques contemporaines. Le placement de la figure sous le panneau de signalisation ancre l'œuvre dans le contexte parisien, tout en symbolisant la portée universelle de son histoire. Collaboration entre icônes Blek le Rat, né Xavier Prou ​​en France en 1951, est considéré comme l'un des fondateurs du graffiti au pochoir, ayant influencé des générations d'artistes de rue à travers le monde, dont Banksy. Shepard Fairey, né à Charleston, en Caroline du Sud, en 1970, s'est fait connaître grâce à sa campagne OBEY et à des œuvres engagées, comme l'affiche « Hope » de Barack Obama. Leur collaboration sur « Florence Aubenas » a réuni deux approches distinctes mais complémentaires : l'engagement de Blek envers la puissance de l'image directe au pochoir dans l'espace public et l'activisme de Fairey, guidé par le graphisme. Il en résulte une œuvre qui résonne à la fois comme un manifeste politique et comme un jalon dans l'histoire du street art. Résonance politique et héritage artistique Cette sérigraphie souligne comment l'art peut devenir un outil de sensibilisation et d'engagement. En immortalisant Florence Aubenas dans leur langage visuel, Fairey et Blek le Rat mettent en lumière les risques encourus par les journalistes travaillant dans les zones de conflit et l'importance de la liberté d'expression. Tirée en édition limitée, signée par les deux artistes et riche de sa thématique, cette sérigraphie de Florence Aubenas est considérée comme une pièce de collection majeure, non seulement pour les admirateurs de Shepard Fairey et Blek le Rat, mais aussi pour tous ceux qui reconnaissent l'importance d'un art socialement engagé. Elle demeure un exemple frappant de la manière dont le street art et le graffiti peuvent transcender l'esthétique pour aborder des réalités politiques urgentes.

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Only You Can Hear 12 Color Glitter HPM Embellished Hand-Tired Limited Edition Serigraph Print on Thick Fine Art Paper by Romero Britto Rare Street Art Famous Pop Artwork Artist. Femme avec oiseau décontracté, édition limitée à 300 exemplaires, rehaussée de paillettes à la main, 1996, imprimée chez Serigraphic Technique Specialists et publiée par la galerie N Miller.

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The Raise - Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée 17x10 sur papier d'art naturel de musée par Earth Crusher, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « The Raise est mon interprétation du quotidien des dirigeants d'entreprise. Cette œuvre est la plus grande d'une série de quatre panneaux d'affichage que j'ai créés pour mon exposition solo « The Chosen One Percent » à Artgang à Montréal, Québec, en mars 2016. Je me suis intéressée à la publicité et à la propagande au début de ma carrière artistique, et j'ai particulièrement apprécié le panneau d'affichage comme médium, avec lequel j'ai commencé à expérimenter. Je perçois le panneau d'affichage comme un outil hors du contrôle du peuple, un symbole de pouvoir et de manipulation. J'ai donc décidé de créer le mien pour tenter de m'approprier ce pouvoir et de le mettre au service de mes propres messages. » – Earth Crusher

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Night Ride - Green People, édition limitée, sérigraphie artisanale bicolore sur papier beaux-arts, par John Vogl, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Femme, Vélo, Nuit, Lune, Cheveux verts, Vélo

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Walk on the Wild Side, estampe sérigraphique technique mixte de Faile, peinture acrylique en aérosol sur papier d'art épais Lennox à bords frangés, étiré à la main, œuvre d'art en édition limitée. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée (2023). Œuvre de 18,11 x 25 pouces, sérigraphie, peinture acrylique et peinture aérosol, technique mixte. Un chien qui aboie est collé sur un mur de briques tandis qu'une femme élégante passe avec son chien dans les rues de New York. Exploration du récit urbain : « Walk on the Wild Side » de Faile L'estampe sérigraphique « Walk on the Wild Side » de Faile, réalisée en technique mixte, témoigne avec force de l'interaction dynamique entre le pop art urbain et le graffiti. Cette œuvre en édition limitée à seulement cent exemplaires capture l'énergie de la vie urbaine grâce à ses couches méticuleusement travaillées d'acrylique et de peinture aérosol sur un papier d'art Lenox épais, frangé et étiré à la main. Mesurant 46 x 63,5 cm, cette œuvre est bien plus qu'une simple déclaration visuelle : elle s'inscrit dans le dialogue esthétique de New York. Faile, un duo d'artistes reconnu pour son art percutant qui orne souvent les espaces urbains, a su donner vie à l'essence même de la rue sur une toile tangible. L'utilisation du chien aboyant, motif emblématique récurrent dans leur travail, sur fond de mur de briques, en dit long sur l'énergie indomptée de la ville. Le contraste entre la rudesse de la rue et l'apparence soignée de la femme qui passe avec son chien crée une juxtaposition au cœur même du pop art urbain. Cette image capture l'essence même du caractère éclectique de New York, où le raffinement et la rudesse coexistent. La technique de sérigraphie employée par Faile pour cette œuvre est un clin d'œil aux méthodes traditionnelles du pop art, tandis que l'ajout d'acrylique et de peinture en aérosol lui confère une profondeur tactile souvent associée au graffiti. Le choix des matériaux – le papier d'art épais Lenox aux bords irréguliers et frangés – souligne davantage encore le mélange du raffinement et de l'énergie urbaine. Chaque élément de l'estampe, du support à l'image, est un choix délibéré qui met en lumière le récit de la coexistence et du contraste. Symbolisme et style dans l'art de Faile inspiré par la rue Le symbolisme de « Walk on the Wild Side » est complexe, les affiches représentant des chiens aboyant étant une signature de l'héritage urbain de Faile. Ces affiches, souvent présentes sur les murs de briques de la ville, incarnent la voix de la rue : forte, sans complexe et farouchement territoriale. En transposant ce symbole sur un papier d'art de qualité, Faile abolit le fossé entre la nature éphémère du street art et la permanence recherchée par les collectionneurs d'art. La femme, représentée dans un style classique, presque vintage, et son chien domestiqué contrastent fortement avec l'expression sauvage et indomptée des chiens aboyant. C'est un jeu visuel sur la dualité de la nature humaine et les normes sociales qui régissent notre image publique face à nos instincts profonds. Le style de Faile dans cette estampe est indéniablement ancré dans le pop art urbain. Les lignes audacieuses, les contrastes saisissants et la superposition de différents supports témoignent d'une esthétique née dans la rue. Leurs œuvres reflètent souvent le brouhaha visuel de la ville — publicités, affiches politiques, graffitis — qui rivalisent pour capter l'attention. « Walk on the Wild Side » est une sélection de ce chaos, présentée avec une clarté qui permet d'apprécier chaque élément pour sa valeur et sa contribution à l'ensemble. La résonance culturelle de l'estampe en techniques mixtes de Faile « Walk on the Wild Side » n'est pas qu'une simple œuvre d'art ; c'est un artefact culturel qui vibre au rythme de New York. Faile a capturé un instant, une scène quotidienne qui se déroule sur les trottoirs de la métropole, et l'a sublimée en une œuvre d'art qui invite à la contemplation. La sérigraphie nous rappelle le rythme effréné de la ville, le choc permanent des cultures et la beauté qui naît des associations inattendues. Cette œuvre célèbre l'identité new-yorkaise, un instantané du quotidien transformé en extraordinaire par le prisme du pop art urbain et du graffiti. Le tirage limité de l'estampe lui confère une exclusivité, créant un lien tangible entre son acquéreur et la scène du street art new-yorkais. Signée et numérotée par l'artiste, chaque estampe est une pièce originale de l'héritage artistique de Faile. Les collectionneurs de « Walk on the Wild Side » acquièrent bien plus qu'une simple œuvre d'art ; Ils préservent un fragment du récit culturel de la ville, qui continue d'influencer la trajectoire du street art et du graffiti à l'échelle mondiale. Au final, « Walk on the Wild Side » de Faile est bien plus qu'une simple sérigraphie en techniques mixtes ; c'est un emblème de la voix de la rue, un dialogue entre le sauvage et le cultivé, et un témoignage de l'attrait intemporel de l'art urbain. L'œuvre capture l'essence d'une ville à la fois toile et muse, inspirant sans cesse des artistes comme Faile à créer des œuvres aussi provocatrices que visuellement saisissantes.

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Peinture originale de Kim, technique mixte à l'aquarelle et à la bombe aérosol sur papier d'art, par Aelhra, artiste de rue graffiti, art pop moderne. 2014 Œuvre originale signée, technique mixte, peinture aérosol et aquarelle, format 15 x 22

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Beautiful Dreamer 3, édition limitée, sérigraphie artisanale bicolore sur papier beaux-arts, par Aelhra, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2010. Dimensions de l'œuvre : 18 x 24 pouces.

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Année du Tigre - Février - Tirage d'art en édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur planche de skateboard naturelle, par l'artiste de rue et de graffiti Mimi Yoon. Planche de skateboard en édition limitée (100 exemplaires), signée et numérotée par Mimi, avec certificat d'authenticité. Fabriquée aux États-Unis.

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Peinture originale Bardot, technique mixte aquarelle et aérosol sur papier d'art, par Aelhra, artiste de rue graffiti, art pop moderne. 2014 Œuvre originale signée, technique mixte, peinture aérosol et aquarelle, format 15 x 22

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Convergence des réalités alternatives - Tirages d'art en édition limitée, rehaussés à la main, avec pigments d'archivage, sur papier d'art blanc brillant de qualité musée 300 g/m² par l'artiste de la culture pop Ana Bagayan. Tirage d'art n° 35/35, rehaussé à la main, sur papier d'art blanc brillant de qualité musée (300 g/m²). Format : 43 x 56 cm. Sortie : 6 mai 2016. Tirage limité à 35 exemplaires. « J'ai créé cette œuvre en partie à l'envers, afin que la figure d'extraterrestre évoque un rêve familier. Je souhaitais recréer la sensation de se réveiller d'un rêve captivant, mais de n'en saisir que des bribes incohérentes, l'esprit conscient étant incapable de déchiffrer la chronologie non linéaire et déformée des événements. Le concept s'est développé organiquement, d'une simple esquisse à la version finale. Je ne savais pas précisément de quoi ce rêve allait parler avant que l'image ne commence à prendre forme en couleur. Elle a subi de nombreuses transformations durant la phase de peinture, au fur et à mesure que l'histoire se dévoilait. Bien que je pense que la relation entre les personnages soit ouverte à l'interprétation, l'idée est qu'il s'agit d'un lieu existant dans le subconscient, où l'on peut accéder et expérimenter simultanément de multiples dimensions parallèles. J'ai nommé ce lieu Germia, un mot qui revenait sans cesse à l'esprit pendant la création de l'œuvre. » - Ana Bagayan

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Il était une fois, plus rien 2. Œuvre d'art lenticulaire giclée en édition limitée sur papier d'art lenticulaire de qualité supérieure par l'artiste de graffiti de la culture pop Mimi Yoon. Œuvre lenticulaire signée et numérotée (2021), format 21 x 27 cm. L'image change selon l'angle de vue. Chicago Dior, Nike Shoes. La culture pop, le graffiti et le street art jouent un rôle essentiel dans la scène artistique contemporaine, proposant des interprétations originales de motifs traditionnels et embrassant la fusion de différentes formes artistiques. Mimi Yoon, artiste reconnue dans ce domaine, a rencontré un succès remarquable avec son œuvre intitulée « Once Upon A Time No More 2 ». Cette création témoigne de son ingéniosité, fusionnant harmonieusement l'imagerie des contes de fées classiques et les symboles culturels modernes. Réalisée en impression giclée, une méthode réputée pour sa capacité à reproduire les couleurs avec précision et une grande netteté, l'œuvre est présentée sur un papier d'art lenticulaire. Ce choix particulier de support est ce qui distingue « Once Upon A Time No More 2 ». L'impression lenticulaire est une technologie qui utilise des lentilles lenticulaires pour produire des images avec une illusion de profondeur ou la capacité de changer selon l'angle de vue. Cet effet visuel dynamique signifie que l'image se métamorphose en fonction de la perspective du spectateur, offrant une expérience interactive et riche. Le choix de cette technique par Mimi Yoon insuffle dynamisme et modernité à son œuvre, permettant au récit d'évoluer au gré des mouvements du spectateur. Le sujet, à la fois captivant et stimulant, met en scène une Cendrillon réinventée, juxtaposée aux iconiques chaussures Nike de Chicago Dior, remettant en question le récit traditionnel où les pantoufles de verre jouent un rôle central. Ce mélange délibéré de princesse de conte de fées et de streetwear contemporain reflète une mutation culturelle, suggérant un conte modernisé où logos de marques et style urbain occupent une place prépondérante. La présence de l'oiseau et de la souris, figures familières de l'histoire de Cendrillon, entremêle davantage l'ancien et le nouveau, ancrant le récit de Yoon comme un conte de fées des temps modernes. L'année 2021 a marqué une étape importante pour « Once Upon A Time No More 2 », avec sa sortie en édition limitée. Chaque exemplaire est signé par Mimi Yoon, garantissant son authenticité et une touche personnelle de l'artiste. Renforçant encore son caractère exclusif, l'œuvre est accompagnée d'un certificat d'authenticité signé et numéroté. Mesurant 53 x 69 cm, elle s'impose comme une pièce maîtresse, captivant le regard et suscitant le débat. « Once Upon A Time No More 2 » de Mimi Yoon est bien plus qu'une simple œuvre d'art : c'est une réflexion sur l'interaction entre la société contemporaine et les contes ancestraux. En chaussant Cendrillon de Nike, Yoon non seulement remet en question le récit, mais le renouvelle, le rendant pertinent pour le public d'aujourd'hui. S'inscrivant dans le contexte plus large du pop art, du graffiti et du street art, cette œuvre illustre comment des artistes comme Yoon réinventent les normes et repoussent les limites. Elle nous rappelle que l'art est en perpétuelle évolution, constamment influencé par les mutations sociétales, les avancées technologiques et la vision de l'artiste. À travers « Once Upon A Time No More 2 », Mimi Yoon invite les spectateurs à contempler et à s'approprier un conte de fées résolument ancré dans l'air du temps.

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Sérigraphie monotype Open Mouth FL rouge et verte par Pose- Jordan Nickel, réalisée à la main avec une encre bicolore à trois couleurs sur papier d'art Mohawk ultra-fin et blanc, édition limitée. Édition limitée à 2 exemplaires, signée et numérotée, 2023. Sérigraphie de 22 x 30 cm représentant un gros plan du visage et des lèvres d'une femme à la peau rouge et à la bouche ouverte. « Open Mouth FL Red & Green Emote Monoprints » témoigne du pouvoir évocateur de l'art contemporain. Créée par Pose, pseudonyme du célèbre artiste Jordan Nickel, cette sérigraphie est une fusion magistrale de pop art, de street art et d'esthétique graffiti. La technique artisanale de la fontaine divisée en trois couleurs intensifie la vivacité et la profondeur de l'image, plongeant le spectateur au cœur des émotions brutes et des récits qu'elle renferme. La sérigraphie, technique historiquement adoptée par des figures emblématiques du pop art comme Andy Warhol, est ici réinterprétée avec une fraîcheur et une sensibilité urbaines par Pose. Le contraste saisissant entre les teintes rouge et vert vifs, associé à l'image d'un visage de femme, notamment sa bouche ouverte et sa peau d'un rouge éclatant, capture un instant à la fois intime et universel. Le choix du papier d'art Mohawk SuperFine UltraWhite, à grain frangé à la main, confère une dimension tactile à l'estampe, ajoutant à son charme et en faisant une pièce maîtresse pour tout amateur d'art. L'exclusivité de cette œuvre est soulignée par sa disponibilité limitée. Limitée à l'édition 2023, avec seulement deux exemplaires signés et numérotés, cette œuvre d'art mesure 56 x 76 cm. Elle n'est pas une simple représentation, mais une invitation à explorer les débats en constante évolution autour des liens entre le pop art et le street art. La création de Pose nous rappelle comment les techniques traditionnelles peuvent être réinventées et réinterprétées dans l'art moderne, tout en préservant l'essence brute et spontanée qui caractérise l'esprit de la culture urbaine.

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Habibi - Dame HPM Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print With Acrylic & Diamond Dust on Photographique Rag Paper by Urban Graffiti Modern Artist Marwan Shahin. Édition limitée signée et numérotée de 33 exemplaires (2022) de la série « HABIBI » de Marwan Shahin, un portrait iconique de la chanteuse libanaise Fairuz interprété à travers différentes étapes de l'expérience amoureuse. Cette édition très limitée à 33 exemplaires, dont chaque tirage est agencé avec une délicatesse extrême grâce à un filigrane de poussière de diamant, produit des effets kaléidoscopiques visuellement enivrants. Habibi : Dame de Marwan Shahin – Un hommage étincelant à l'amour et à l'héritage L'œuvre « Habibi : Dame » de Marwan Shahin est un vibrant hommage visuel à Fairuz, la chanteuse libanaise légendaire et icône culturelle. Créée en 2022 dans le cadre de la série HABIBI, cette édition limitée à seulement 33 exemplaires signés et numérotés témoigne du talent unique de Shahin pour fusionner le portrait expressif avec l'esthétique du street art contemporain. Réalisée en impression giclée sur papier Photographique Rag et rehaussée à la main d'acrylique et de poudre de diamant, l'œuvre exhale à la fois respect et modernité, incarnant l'esprit intemporel de Fairuz à travers un langage visuel contemporain. L'œuvre présente un portrait en noir et blanc saisissant du visage de Fairuz, défini par le trait optique caractéristique de Shahin et un éclairage dramatique. Son regard, expressif et intemporel, est encadré par des vagues circulaires qui font écho à la chaleur et à la résonance de sa voix. Les motifs complexes qui ornent ses cheveux et son visage créent un rythme hypnotique, à la fois vintage et futuriste, qui fait le lien entre la mémoire culturelle de la chanteuse et l'esthétique contemporaine. L'utilisation d'une palette de couleurs minimaliste et d'un contraste saisissant confère à l'image une clarté captivante, faisant ressortir chaque courbe et chaque contour dans une aura presque céleste. Une sainte moderne auréolée de pop art Fairuz est l'une des voix les plus emblématiques de l'histoire de la musique arabe, souvent considérée comme une figure unificatrice au Moyen-Orient. Shahin, artiste égyptien reconnu pour sa capacité à réinterpréter les figures culturelles à travers le prisme du pop art urbain et du graffiti, l'élève au rang d'icône, transcendant le temps et les frontières. L'utilisation de poussière de diamant sur certaines parties du portrait confère à l'œuvre une qualité lumineuse et tactile qui imite l'impact rayonnant de sa présence dans le monde arabe. Cet éclat n'est pas qu'un simple ornement : il intensifie l'aura, transformant l'œuvre en une relique sacrée, symbole de dévotion culturelle. Le titre de Dame renforce cette vénération. Il place Fairuz non seulement au panthéon de l'excellence musicale mondiale, mais la présente également comme une figure matriarcale de l'identité arabe et une source de résilience artistique. Les anneaux auréolés derrière sa tête évoquent subtilement les disques vinyles et l'iconographie sainte, créant un pont esthétique entre héritage musical et inspiration divine. Amour, héritage et le cœur de la série HABIBI La série HABIBI de Marwan Shahin explore toute la palette des émotions amoureuses, du désir à la célébration, du chagrin à la transcendance. Dans « Dame », cette émotion se teinte d'admiration et de souvenirs. Cette série ne se contente pas de romantiser ; elle archive les différentes phases de l'affection et de la passion culturelle à travers le prisme de la pop arabe. Le style de Shahin, qui mêle les techniques traditionnelles de gravure à l'énergie du street art, confère à cette œuvre une double dimension : expression personnelle et monument public. Pour les collectionneurs et les amateurs de graffiti et d'esthétique arabe contemporaine, « Habibi : Dame » offre une occasion unique d'acquérir une pièce chargée d'histoire, à la croisée d'une musique intemporelle, d'une innovation visuelle et d'un profond respect pour la culture. Cette œuvre confirme la place de Shahin comme figure emblématique d'une nouvelle génération d'artistes du Moyen-Orient qui explorent l'identité, la nostalgie et la beauté à travers une narration visuelle audacieuse.

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Nemeta II, œuvre d'art imprimée en édition limitée par giclée sur papier d'art, par l'artiste de graffiti pop culture Rodrigo Rod Luff. Édition limitée à 30 exemplaires, signée et numérotée, 2016. Tirage giclée de 24 x 16 pouces. « Nemeta II » de Rodrigo Luff est une estampe giclée sur papier d'art, témoignant de son talent pour fusionner les éléments fantastiques de la culture pop avec la précision esthétique des beaux-arts. Signée et numérotée en édition limitée à 30 exemplaires, cette œuvre de 2016, au format 61 x 41 cm, incarne le style caractéristique de Luff. Son édition limitée renforce sa valeur auprès des collectionneurs et des admirateurs de son travail, qui explore souvent l'interaction onirique entre l'humain et la nature. « Nemeta II » illustre la vision artistique de Luff, qui allie l'accessibilité et la force expressive du street art aux techniques raffinées de la gravure traditionnelle.

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Papier buvard Acid B & V, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Glenn Barr, œuvre d'art LSD de la culture pop. Les créatures surréalistes, les spectres et les personnages tragiques de Glenn Barr évoluent dans un univers sordide, imprégné de la crasse et de la brume d'un paysage urbain onirique post-apocalyptique. Son œuvre, qui s'inspire de l'art de Détroit, a été qualifiée de pop surréalisme, de pop pluralisme, de lowbrow, d'art régional, d'art outsider, d'art underground ou, selon l'expression qu'il emploie, de « B Cultural-isme ».

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Papier buvard LSD « Summer of Love », édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Bob Masse, œuvre d'art LSD de la culture pop. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey et peuvent légèrement différer de l'exemple présenté.

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Monroe POPfolio - Photo Tear, sérigraphie artisanale 11 couleurs sur papier d'archivage par l'artiste pop moderne Mr Brainwash - Thierry Guetta. Œuvre d'art rare en édition limitée de Marilyn Monroe. Édition limitée 2022, signée et numérotée, à 75 exemplaires. Format de l'œuvre : 24 x 24 pouces. Straight Edges, sérigraphie 11 couleurs, signée et estampillée du pouce par l'artiste.

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Primer I, tirages d'art en édition limitée à base de pigments d'archives sur papier chiffon velours mat 315 g/m² par Dave Pollot, artiste de graffiti, de street art et de culture pop. Édition limitée à 100 exemplaires. Dimensions : 61 x 87 cm (marge de 5 cm incluse). Imprimé sur papier chiffon mat velours, 315 g/m². Signé et numéroté par l’artiste.

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The Future Is Equal AP Sérigraphie de Shepard Fairey - OBEY Couleur tirée à la main sur papier d'art crème moucheté Édition limitée Obey Pop Culture Épreuve d'artiste. Épreuve d'artiste AP 2022 signée par Shepard Fairey - OBEY et marquée AP. Œuvre d'art en édition limitée, format 18 x 24 pouces. Sérigraphie. « J’ai grandi à une époque où les droits des femmes étaient en plein essor et où l’adoption de l’ERA était considérée comme inévitable. Avec 38 États ayant ratifié l’ERA, il est temps que nos dirigeants prennent leurs responsabilités et mettent en œuvre la volonté du peuple en veillant à son adoption. Il est grand temps que l’égalité des sexes devienne la loi du pays. Ce projet me touche particulièrement car la lutte pour l’égalité des sexes a toujours été ancrée dans l’activisme pour la justice sociale et il reste encore beaucoup à faire. » – Shepard Fairey L'avenir est égal, sérigraphie AP de Shepard Fairey L'estampe sérigraphique « The Future Is Equal AP » de Shepard Fairey est une œuvre visuelle percutante dans l'univers du street art et du graffiti. Réalisée en 2022, cette épreuve d'artiste (AP) de 45,7 x 61 cm, imprimée à la main sur papier d'art Speckletone couleur crème, porte un message fort sur l'égalité des sexes et les droits civiques. Sa composition saisissante mêle références historiques, codes visuels contemporains et esthétique engagée. Au centre, une femme coiffée d'une casquette rouge et noire ornée du symbole féministe affiche un regard déterminé sur fond d'iconographie juridique et militante. Sa veste porte l'inscription « ERA NOW », un appel clair à la ratification de l'Equal Rights Amendment (amendement sur l'égalité des droits). Un avis public faisant référence à l'élection présidentielle de 1972 est également imprimé en dessous, renforçant la dimension juridique et historique de l'œuvre. Symbolisme visuel et éléments stylistiques Le langage visuel de Fairey puise ses racines dans l'art des affiches de propagande, et cette œuvre utilise des tons rouges, noirs et bleus vifs pour évoquer l'urgence et la clarté. La composition est organisée comme une page de journal révolutionnaire, faisant écho aux publications historiques sur les droits civiques. À gauche, une figure représentant la Justice apparaît, renforçant l'équilibre entre loi et équité. Une bannière en haut proclame « L'avenir est égal », dans un style de titre de journal, en référence au Daily Times, et annonce l'adoption de l'amendement sur l'égalité des droits. Dans le coin inférieur droit, des manifestants lèvent le poing et brandissent des pancartes, avec des slogans tels que « Femmes libres et puissantes », ancrant directement l'œuvre dans la culture contestataire et les mouvements féministes actuels. Ces motifs combinés témoignent de l'engagement constant de Shepard Fairey envers un art urbain pop et un graffiti à la fois accessibles et subversifs. L'activisme pour la justice sociale dans l'art contemporain Né aux États-Unis en 1970, Shepard Fairey utilise depuis longtemps son œuvre pour mettre en lumière les thèmes de la justice, du pouvoir et de l'égalité. Artiste de la culture populaire issu du mouvement du street art, il diffuse un commentaire social dans des espaces aussi bien officiels que clandestins, privilégiant souvent la sérigraphie pour sa reproductibilité et sa portée historique. Cette estampe s'inscrit pleinement dans la démarche de Fairey visant à utiliser l'art visuel comme outil de plaidoyer politique, notamment à travers des œuvres antérieures soutenant la sensibilisation au changement climatique, le mouvement pacifiste et la lutte pour la justice raciale. « The Future Is Equal AP » s'inscrit dans cette lignée, utilisant les outils visuels de la propagande urbaine pour exiger des changements législatifs et une prise de conscience publique des enjeux liés aux droits des femmes. L'estampe politique dans la tradition pop de rue Cette œuvre s'inscrit dans une tradition plus large des mouvements graffiti et street art, qui consiste à utiliser la gravure et l'imagerie publique pour amplifier les voix réclamant un changement systémique. L'épreuve d'artiste de Fairey lui confère rareté et valeur pour les collectionneurs, tout en incarnant l'esprit fondamental d'accessibilité et d'activisme. L'image invite le spectateur à prendre conscience du travail inachevé accompli en matière d'égalité des genres, évoquant à la fois l'héritage des premiers activistes et la responsabilité des générations contemporaines. La combinaison de l'échelle, de la texture et de l'urgence visuelle capture l'essence même de ce que le street art et le graffiti peuvent accomplir lorsqu'ils sont unis par un engagement et une conscience historique.

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Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Achetez Deep Ocean, Vast Hell Limited Edition Aérosol embelli à la main et sérigraphie sur papier d'archives Sommerset Deckled 250gsm par l'artiste Dee Dee Modern Pop art. 2020 Édition limitée signée et numérotée de 5 illustrations Taille 43-7/8 x 30-1/2 pouces Dee Dee est une artiste de rue basée à New York qui utilise le collage, la peinture et la sérigraphie pour donner vie à des rêveries et des cauchemars surréalistes et cinématographiques. C'est dans ce monde – entre sommeil et rêve, entre surface et subconscient – ​​que le spectateur est invité à entrer. Le travail résume les thèmes du visible et de l'invisible, du caché et du révélé, des masques que nous portons et de ceux que nous choisissons d'enlever.

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Œuvre d'art Hercules, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure, par l'artiste de graffiti pop culture Jason Levesque. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Format de l'œuvre : 12x12

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Tirages d'art en édition limitée, pigmentaires et d'archives, sur papier aquarelle, avec effet camouflage, par un artiste spécialisé dans le graffiti, le street art et la culture pop (droits d'auteur réservés). Estampe en édition limitée « Camouflage » © 2019. Encre d'archivage sur papier aquarelle beaux-arts. 23 ½ x 23 ½ po, 60 x 60 cm. Édition limitée à 30 exemplaires. Représentant une jeune femme aux cheveux noirs courts stylisés avec des papillons autour d'elle. Dans l'univers contemporain du graffiti, du street art et de la culture pop, les artistes repoussent sans cesse les limites, offrant des perspectives uniques et remettant en question l'ordre établi. Parmi ces œuvres remarquables, on trouve celle de l'artiste renommé Copyright. Célèbre pour sa maîtrise de l'intégration de motifs pop dans l'art urbain, cet artiste présente une création envoûtante intitulée « Camouflaged ». Réalisée avec minutie en 2019, « Camouflaged » est une estampe d'art en édition limitée, imprimée avec précision sur papier aquarelle. Mesurant 60 x 60 cm, ses dimensions renferment un univers d'une grande finesse et d'une imagerie saisissante. Au centre de la composition, une jeune femme, dont la courte chevelure noire contraste avec son teint pâle, attire immédiatement le regard. Mais ce qui captive véritablement l'observateur, c'est l'étourdissant essaim de papillons qui l'entoure, chaque détail étant finement ciselé et éclatant de couleurs. Ces créatures ailées, souvent emblématiques de transformation et de liberté, semblent danser autour de son visage, conférant à l'ensemble une qualité éthérée. Limitée à seulement 30 exemplaires, cette œuvre respire l'exclusivité et témoigne de l'engagement de Copyright à proposer un art non seulement visuellement saisissant, mais aussi profondément émotionnel. De tels chefs-d'œuvre d'artistes comme Copyright soulignent la nature évolutive du street art et du pop art. N'étant plus confinées aux murs des villes ni aux médias populaires, ces formes d'art transcendent leurs origines et trouvent leur place dans des galeries prestigieuses et des collections privées. « Camouflaged » est un exemple éclatant de cette évolution, mêlant harmonieusement techniques classiques et thèmes contemporains, et incarnant l'esprit de l'expression artistique moderne.

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Sérigraphie noire « Police Shooting » de Cleon Peterson sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés, édition limitée. 2015 Signée et numérotée Cleon Peterson Édition limitée à 150 exemplaires Œuvre d'art Format 14x18 Sérigraphie. Sérigraphie de Cleon Peterson (2015) « Police Shooting Black » – Une voix percutante dans l'art urbain pop et le graffiti. La sérigraphie en édition limitée de Cleon Peterson, intitulée « Police Shooting Black » (2015), est un exemple saisissant d'art urbain pop et graffiti engagé, sans concession. Imprimée sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à grain frangé, cette œuvre de 35,5 x 45,7 cm a été éditée à 150 exemplaires signés et numérotés. La silhouette noire et contrastée représente un policier sans visage frappant une personne sans défense au sol. Peterson utilise un style immédiatement reconnaissable : épuré, agressif et volontairement minimaliste pour se concentrer pleinement sur le récit du pouvoir, de la soumission et du conflit social. Plus qu'un commentaire, c'est une confrontation visuelle. Cleon Peterson : Un artiste américain dont la vision est ancrée dans la violence et les dynamiques de pouvoir Né en 1973 aux États-Unis, Cleon Peterson poursuit son œuvre en explorant en profondeur les thèmes du chaos, des abus institutionnels et des violences systémiques. Ancien artiste de rue ayant également travaillé dans l'illustration et la mode, Peterson centre souvent sa pratique sur la représentation de la lutte violente. Ses œuvres regorgent de figures archétypales qui réinterprètent les jeux de pouvoir brutaux de la société moderne. « Police Shooting Black » se distingue dans son œuvre, non seulement par son format d'art en édition limitée, mais aussi par sa représentation sans concession des violences policières à caractère raciste. L'image est d'une clarté saisissante. Les figures s'expriment avec une immédiateté percutante, transformant des incidents du monde réel en une allégorie saisissante. L'anonymat des oppresseurs comme des opprimés crée une universalité troublante, mettant en cause les systèmes plutôt que les individus. L'économie visuelle de la violence dans l'art urbain pop et le graffiti Cette estampe prolonge l'urgence brute du graffiti tout en tirant parti de la maîtrise formelle de la sérigraphie et de la présentation en galerie. Le street art, le pop art et le graffiti empruntent souvent leur langage visuel à la signalétique commerciale, à la propagande et à la rébellion, et l'œuvre de Peterson ne fait pas exception. Les figures sont iconographiques, chaque ligne est intentionnelle, chaque silhouette chargée de symbolisme. Peterson réduit l'image à son essence émotionnelle et psychologique, amplifiant le sentiment de déshumanisation et de brutalité systémique. L'utilisation du noir et blanc renforce la force émotionnelle sans pour autant distraire par la couleur. Chaque élément de la composition est provocateur et conçu pour susciter une réaction, un débat et un malaise. Papier chiffon de Coventry et technique de sérigraphie comme moyens de résistance L'utilisation du papier Coventry Rag 290 g/m², réputé pour sa qualité d'archivage et sa surface texturée, confère gravité et pérennité à ce qui pourrait autrement paraître une image de protestation éphémère. La sérigraphie, traditionnellement employée pour la production de masse, est ici élevée au rang de technique artistique à part entière, offrant précision et audace tout en évoquant ses origines underground et urbaines. Le choix du matériau et du médium par Peterson souligne la dualité du Street Pop Art et du graffiti : à la croisée des galeries et des murs politiques, entre objet de collection et contestation. Chaque tirage est frangé à la main, ce qui lui donne un aspect brut – au sens propre comme au figuré – témoignant de l'émotion brute et du message travaillé qui imprègnent l'œuvre. Souhaiteriez-vous des articles sur d'autres estampes ou projets de Peterson ?

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Hollow Breath, œuvre originale unique en son genre, peinture au fusain et acrylique sur bois encadré, par Craww, artiste de graffiti de rue populaire. Peinture acrylique originale signée de 2013, dimensions 23,5 x 31,5 cm, sur panneau de bois encadré, prête à être accrochée. Explorer les profondeurs du Souffle Creux de Craww « Hollow Breath », une œuvre originale et captivante du célèbre artiste de street art Craww, illustre avec force comment l'énergie brute du pop art et du graffiti peut être canalisée dans des médiums artistiques plus traditionnels. Cette pièce unique, créée en 2013, est une symphonie de fusain et d'acrylique sur un panneau de bois entoilé, témoignant de la maîtrise de l'artiste pour ces deux matériaux. L'œuvre de 59,7 x 80 cm offre un espace généreux à la vision sombre et onirique de Craww. Signée par l'artiste, « Hollow Breath » capture l'essence du style caractéristique de Craww, souvent marqué par des figures féminines éthérées enlacées à des éléments naturels. La peinture explore des thèmes récurrents dans son œuvre : la dualité de la beauté et de la mélancolie, et l'équilibre subtil entre la vie et la mort. Le fusain confère à la peinture une douceur, permettant des dégradés subtils et une certaine profondeur, tandis que l'acrylique apporte une vivacité qui perce le voile monochrome. Technique et symbolisme dans le souffle creux de Craww Dans « Souffle creux », l'utilisation du fusain et de la peinture acrylique par Craww n'est pas un simple choix de prédilection, mais une décision délibérée visant à exprimer des états émotionnels complexes. Le fusain, avec son aspect fumé et diffus, crée une impression d'impermanence et de fragilité, faisant écho à la nature éphémère de la vie. Parallèlement, l'acrylique, réputée pour son intensité et sa clarté, met en valeur les points focaux de la toile, tels que les lys et les roses, symboles de pureté et de passion. Le panneau de bois encadré constitue un support idéal pour cette œuvre, sa solidité contrastant fortement avec la délicatesse des images. Cette juxtaposition reflète les contrastes présents dans l'ensemble du travail de Craww, où force et vulnérabilité coexistent souvent. La texture du bois confère à l'œuvre une dimension organique, l'ancrant dans le monde naturel qui influence fréquemment l'art de Craww. La position unique de Craww dans l'art contemporain Craww occupe une place unique dans l'art contemporain, faisant le lien entre les univers souvent distincts du street art et des beaux-arts. « Hollow Breath » témoigne de sa capacité à naviguer entre ces deux mondes, insufflant l'immédiateté et l'authenticité du street art dans un format traditionnellement associé aux galeries et aux musées. L'originalité de cette œuvre et sa capacité à être accrochée immédiatement en font non seulement une œuvre d'art, mais une pièce maîtresse qui trouvera sa place dans la collection d'un amateur d'art. La beauté mélancolique de « Hollow Breath » trouve un écho chez ceux qui connaissent le travail de Craww dans l'espace public. Pourtant, elle s'impose également comme une œuvre d'art à part entière, invitant à l'interprétation et à l'admiration, que l'on soit familier ou non avec son street art. Cette polyvalence et cette large audience rendent l'œuvre de Craww particulièrement captivante sur la scène artistique contemporaine. « Hollow Breath » incarne le charme envoûtant de la vision artistique de Craww, fusionnant la fluidité du fusain avec l'intensité de l'acrylique sur une toile aussi résistante que le bois. Cette peinture originale est un exemple frappant de la façon dont le pop art urbain et le graffiti peuvent transcender leurs racines urbaines pour créer un art à la fois profond et accessible, capable d'émouvoir et de fasciner dans le calme d'un espace intérieur.

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La beauté de la liberté et de l'égalité PP Épreuve d'imprimerie Fresque d'Austin par Jon Furlong Lithographie offset Édition limitée sur papier beaux-arts par Shepard Fairey X Sandra Chevrier, artiste de rue pop graffiti urbain. Épreuve d'imprimeur PP 2020 Signée par Shepard Fairey & Sandra Chevrier & Marquée AP Lithographie Offset Taille de l'œuvre 18x24 Beauté de la Liberté Égalité PP Impression murale Austin par Shepard Fairey x Sandra Chevrier x Jon Furlong. « Ce centenaire historique offre une occasion unique de commémorer une étape marquante de la démocratie et d'en explorer la pertinence au regard des enjeux actuels de l'égalité des droits. L'Initiative du centenaire du droit de vote des femmes, fruit d'une collaboration entre institutions, organisations et chercheuses américaines œuvrant pour les droits des femmes, s'attache à ce que cet anniversaire et les 72 années de lutte pour y parvenir soient commémorés et célébrés dans tout le pays. » – Shepard Fairey « La beauté de la liberté et de l'égalité » de Shepard Fairey et Sandra Chevrier : une fresque des grandes étapes de la démocratie « La Beauté de la Liberté et de l'Égalité » PP (Épreuve d'Imprimeur) est une lithographie offset saisissante de Jon Furlong qui capture l'essence d'une fresque de Shepard Fairey et Sandra Chevrier, deux figures emblématiques du graffiti urbain et du pop art. Cette estampe, tirée à 500 exemplaires signés et numérotés en 2020, mesure 45,7 x 61 cm et témoigne d'un moment clé de l'histoire de la démocratie : le centenaire du droit de vote des femmes. La déclaration de Shepard Fairey souligne le lien de l'œuvre avec l'initiative plus large commémorant le suffrage féminin et sa pertinence actuelle face aux enjeux de l'égalité des droits. Fairey, artiste reconnu pour son œuvre engagée, et Chevrier, connue pour ses récits visuels percutants qui explorent souvent les questions de genre, ont collaboré à la création d'une fresque qui célèbre les acquis historiques tout en rappelant les luttes qui persistent. En tant qu'épreuve d'imprimerie, la lithographie jouit d'un statut particulier, souvent réservée au contrôle de la qualité finale avant le tirage final. Les collectionneurs et les amateurs d'art urbain et de graffiti apprécient ces épreuves pour leur fidélité à l'intention originale de l'artiste et leur rareté au sein d'une série d'estampes. Fusion artistique dans « La beauté de la liberté et de l'égalité » La fresque, et par extension la lithographie qui en est tirée, est une fusion vibrante du style graphique audacieux de Fairey et des portraits poignants de Chevrier, le tout enveloppé dans une palette qui captive le regard et invite à la réflexion. La composition en couches de l'œuvre – caractéristique du travail de Fairey et Chevrier – mêle texte, images et symbolisme pour raconter l'histoire complexe du chemin vers l'égalité et la liberté. Fidèle à l'esprit du street art, l'œuvre s'ancre dans son accessibilité et sa capacité à communiquer des messages forts grâce au langage visuel du graffiti. En donnant vie à cette œuvre, Fairey et Chevrier ont créé une pièce qui célèbre un centenaire et forgé un message qui résonne avec le débat actuel sur les droits et la représentation. « La Beauté de la Liberté et de l'Égalité » est un dialogue visuel sur le cheminement continu de la démocratie et le rôle de l'art dans la formation et le développement de la conscience collective. « La Beauté de la Liberté et de l'Égalité », une lithographie de la fresque murale d'Austin réalisée par Jon Furlong, Shepard Fairey et Sandra Chevrier, enrichit de manière significative l'histoire du pop art urbain et son lien avec l'activisme social. Cette épreuve d'imprimerie est une pièce de collection qui, en plus d'embellir l'environnement de ses détenteurs, rappelle avec force le pouvoir de l'art de commémorer, d'éduquer et d'inspirer des progrès constants vers l'égalité. Grâce à cette lithographie, le message de la fresque murale dépasse les frontières d'Austin, touchant un public international et s'inscrivant durablement dans l'histoire du pop art urbain et du graffiti.

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Impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'œuvre « Undead Uprising » de l'artiste de graffiti pop culture Jason Levesque. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Format de l'œuvre : 18 x 12 pouces.

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The Passions 1 Édition limitée 3 couleurs Sérigraphie artisanale sur papier d'archivage 100% coton chiffon par Cleon Peterson Artiste de rue graffiti Art pop moderne. Édition limitée numérotée et signée de 90 exemplaires, 2009. Format de l'œuvre : 18 x 18 pouces. Cleon Peterson, Les Passions, éditions BLK/MRKT 2009 L'art de Peterson se caractérise par un fort esprit contestataire, et la colère, en tant que force créatrice, imprègne la plupart de ses œuvres. L'artiste lui-même est le sujet de cette colère, et à travers son travail, il s'insurge contre le malaise et la lassitude les plus profonds de la société. Cet artiste basé à Los Angeles est le concepteur d'une série d'œuvres dystopiques – peintures, estampes, sculptures et fresques – exposées aux États-Unis, en Europe et en Asie.

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« Lightning Strikes HPM », sérigraphie en édition limitée rehaussée à la main sur papier Oralite Reflective Film Paper, par l'artiste Prefab77, œuvre d'art pop contemporaine. Édition limitée à 10 exemplaires, signée et numérotée HPM, embellie à la main (2012). Dimensions de l'œuvre : 22 x 33 cm. Prefab77 (XXe siècle) *Éclairs*, 2012. Sérigraphie en couleurs avec embellissements à la main sur film réfléchissant Oralite. 83,8 x 55,9 cm (feuille). Édition 8/10. Signée et numérotée à l'encre en bas. Publiée par Lazarides, Londres. « Lightning Strikes HPM » est une sérigraphie de Prefab77, un collectif d'artistes britannique reconnu pour son art urbain et contemporain. Fondé au début des années 2000, le collectif rassemble des artistes issus de divers horizons, tels que le graphisme, les beaux-arts et le street art. Prefab77 est réputé pour son style unique, qui mêle des éléments de la culture pop, de la politique et du commentaire social à une esthétique audacieuse et brute. « Lightning Strikes HPM » (Hand-Painted Multiple) est une sérigraphie en édition limitée qui présente vraisemblablement la signature stylistique de Prefab77 : des images saisissantes, des pochoirs et des textures superposées. L'estampe pourrait inclure un mélange d'éléments graphiques et d'iconographie inspirés de la culture populaire (musique, cinéma, mode, etc.) ainsi que de thèmes politiques et sociaux. La mention « HPM » signifie que, bien qu'il s'agisse d'une édition limitée, chaque exemplaire est peint ou fini à la main, ce qui rend chaque estampe unique. Les collectionneurs d'art urbain et contemporain pourraient trouver dans « Lightning Strikes HPM » de Prefab77 un ajout attrayant et précieux à leur collection, car le collectif a acquis une reconnaissance et un public fidèle au fil des ans.

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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En HDL We Trust PP Printers Épreuve Sérigraphie par Hygienic Dress League Tirage à la main 3 couleurs sur papier d'art vélin Coventry Rag 290 g/m² Édition limitée Œuvre d'art pop street art. Épreuve d'impression PP 2020 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 18x11 Impression sérigraphique Exploration des subtilités de « In HDL We Trust PP Printers Proof » par la Hygienic Dress League La sérigraphie « In HDL We Trust PP Printers Proof » est une œuvre captivante de pop art urbain, véritable concentré de commentaires socio-économiques contemporains. Créée par le duo Hygienic Dress League (HDL), reconnu pour son regard intelligent et satirique sur la culture d'entreprise et la société de consommation, cette œuvre se distingue par son tirage en édition limitée qui explore en profondeur les valeurs de la société moderne. Imprimée à la main selon un procédé trois couleurs sur papier d'art Coventry Rag Vellum 290 g/m², cette pièce témoigne de la qualité et du souci du détail que le HDL investit dans ses créations. Son édition limitée, marquée PP (Printer's Proof) et signée par les artistes, souligne son exclusivité et sa valeur de collection. Mesurant 45,7 x 27,9 cm, l'estampe met en valeur le langage visuel emblématique du HDL, souvent caractérisé par des personnages portant des masques à gaz. Ce motif anonymise les individus tout en abordant les thèmes de la dégradation et de la protection de l'environnement. La figure, immobile, présente un pigeon sur un fond circulaire doré et orné évoquant une pièce de monnaie — faisant directement référence au titre « In HDL We Trust ». Cette image détourne astucieusement la phrase « In God We Trust », que l’on retrouve traditionnellement sur la monnaie américaine, suggérant une critique de la déification des entreprises dans la culture moderne. Symbolisme et technique dans la sérigraphie HDL L'estampe « In HDL We Trust » de la Hygienic Dress League est bien plus qu'un simple régal pour les yeux : c'est un récit riche en symbolisme. La juxtaposition du pigeon, souvent perçu comme un animal ordinaire, voire importun, avec une iconographie sublime, presque religieuse, crée une dichotomie qui invite à l'interprétation. On pourrait y voir une réflexion sur la valeur accordée aux aspects quotidiens ou négligés de la vie, en opposition au grand récit de la confiance et du pouvoir des entreprises que la HDL critique. Le choix de la sérigraphie, une technique issue à la fois de l'art commercial et du street art, abolit la frontière entre l'art savant et les formes plus rebelles du pop art urbain. La sérigraphie, technique particulièrement significative dans le street art et le graffiti, est une méthode reconnue pour ses lignes nettes et précises et ses couleurs vibrantes, parfaitement adaptée au style graphique de la HDL. Le procédé trichromique utilisé pour « In HDL We Trust » permet un haut niveau de détail et une gamme de tonalités qui confèrent à l'œuvre profondeur et texture. L'utilisation du papier d'art Coventry Rag Vellum, un support épais et durable, garantit à l'œuvre une qualité perçue et une résistance à l'épreuve du temps. En résumé, « In HDL We Trust PP Printers Proof » est une œuvre de street pop qui invite à la réflexion et démontre le pouvoir de ce médium à interpeller et à critiquer. Son édition limitée, sa technique sophistiquée et son symbolisme profond en font une pièce majeure pour les collectionneurs d'art et pour quiconque s'intéresse aux interactions entre art, société et commentaire culturel. À travers cette estampe, la Hygienic Dress League continue d'interroger et de redéfinir les frontières du street pop et du graffiti, offrant une perspective inédite sur le rôle de l'art dans la formation et l'expression de la conscience collective.

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Œuvre d'art « Goddess In Us », impression giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure par l'artiste de graffiti pop culture Handiedan. Édition limitée 2020 signée et numérotée à 55 exemplaires, tirage giclée signé et numéroté par l'artiste. « La création de ces collages multicouches en techniques mixtes me permet d'explorer les différentes strates de la vie et de l'énergie. J'espère toujours susciter une belle interaction entre le regard et le cœur du spectateur. » - Handiedan

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Achetez Ms Rainbow Flower - SP 13 couleurs tirées à la main en sérigraphie en édition limitée sur papier d'art par Takashi Murakami TM / KK Rare Street Art Célèbre Pop Artwork Artist. Signé 2020 SP Edition de 25 Rare Takashi Murakami TM/KK Ms. Rainbow Flower Sérigraphie Artwork 19.68x19.68in 50x50cm

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Pigeons nourrissant une famille, Brooklyn, 2005. Impression giclée par Swoon-Caledonia Curry. Œuvre d'art en édition limitée sur papier chiffon épais de qualité supérieure. Artiste de rue, graffiti pop. Édition limitée signée et numérotée de 175 exemplaires, 2016. Œuvre de 19 x 13 pouces issue de la collection d'estampes de la série Swoon Street. Caledonia Curry Street Pop Art : Famille nourrissant des pigeons, Brooklyn, 2005. Impression giclée par Swoon. « Pigeon Feeding Family Brooklyn 2005 » est une estampe giclée signée et numérotée de Caledonia Curry, figure emblématique du street art et du graffiti américain, connue internationalement sous le nom de Swoon. Initialement collée sur un mur délabré de Brooklyn, l'œuvre a été photographiée puis transformée en une édition d'art, capturant la texture brute de l'environnement urbain et la tendresse des instants du quotidien. Imprimée sur un papier chiffon épais de qualité beaux-arts, cette pièce mesure 48 x 33 cm et a été éditée en 2016 à 175 exemplaires. Elle fait partie de la collection d'estampes « Swoon Street Series », qui immortalise ses interventions éphémères dans la rue en œuvres d'art de collection. Les œuvres d'art urbain pop et graffiti centrées sur l'humain de Swoon La pratique de Caledonia Curry mêle compassion et solidarité à des visuels engagés. Cette estampe giclée immortalise un collage de rue représentant une famille dans un moment de simplicité et de complicité : une famille nourrit des pigeons devant un mur peint à la main. La figure maternelle, empreinte de sérénité et de résilience, ancre la composition, tandis que les enfants apparaissent dans diverses poses, entre curiosité et soutien. Ce motif est une signature récurrente dans les œuvres de Street Pop Art et de graffiti de Swoon : des portraits intimes de l’humanité, créés à partir de blocs de linoléum gravés à la main, de découpages de papier et d’installations in situ. Chaque sujet puise son inspiration dans des communautés et des histoires réelles, reflétant souvent le travail collaboratif de Curry avec des populations défavorisées à travers le monde. Brooklyn comme toile de fond pour l'esthétique sociale de Caledonia Curry Au début des années 2000, les rues de Brooklyn ont servi de terrain d'expression à de nombreux artistes émergents, et les collages grand format de Caledonia Curry ont été particulièrement remarqués pour leur richesse émotionnelle et leur maîtrise technique. L'installation originale de « Pigeon Feeding Family » n'était pas seulement décorative, mais profondément ancrée dans le lieu, insufflant une présence humaine à ce mur délabré. L'engagement de Swoon envers l'art public dépasse la simple esthétique. Il incarne une forme de narration urbaine qui aborde les thèmes du déracinement, des difficultés économiques et de la résilience. La scène reproduite dans cette impression giclée illustre ces thèmes en transformant un geste humble – nourrir les pigeons – en un portrait de survie et de grâce face à l'adversité. Héritage et préservation dans la collection d'estampes de la série Swoon Street La parution en 2016 d'une giclée signée et numérotée de *Pigeon Feeding Family Brooklyn 2005* s'inscrivait dans un projet plus vaste d'archivage des œuvres murales éphémères de Swoon, datant des débuts de sa carrière. La collection d'estampes *Street Series* permet aux collectionneurs et aux institutions de préserver cette période charnière du pop art et du graffiti, qui, autrement, ne subsisterait que dans des photographies ou des souvenirs. Chaque estampe de la série est réalisée avec précision afin de refléter la texture, la couleur et le contexte environnemental de l'installation originale. Face à l'influence grandissante de Caledonia Curry dans le monde des beaux-arts et les milieux engagés, des œuvres comme celle-ci conservent toute leur valeur en tant que témoignages d'une époque où le street art était à la fois protestation et poésie.

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XXXRAY Deck Fine Art Édition Limitée Impression Pigmentaire d'Archives Transfert sur Planche de Skateboard Naturelle Pressée à Froid par l'Artiste de Rue Graffiti Denial. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et accompagnée d'un certificat d'authenticité (2020). Dimensions de l'œuvre : 8 x 31,875 pouces. Impression par transfert pigmentaire d'archives sur planche de skate naturelle pressée à froid. Dimensions : 8 x 31,875 pouces. Sortie : 20 juillet 2020. Tirage : 50 exemplaires. L'art de Denial est profondément politique et social, l'artiste prenant position contre des problématiques telles que le capitalisme, la société de consommation et la publicité. Plus important encore, il est conscient de ses choix et de ses motivations : « Je me considère comme un artiste pop engagé. Mon rapport aux dessins animés et aux illustrations est bien plus simple qu'avec le photoréalisme. » L'humour est un autre aspect essentiel du travail de Denial. Son œuvre est satirique, ce qui signifie, par définition, qu'elle utilise l'humour comme outil de confrontation.

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Ces fêtes me dégoûtent. Sérigraphie en édition limitée, tirée à la main en deux couleurs, sur papier d'art fin à motifs mouchetés, par l'artiste Shepard Fairey Street Art OBEY Artwork. Sérigraphie signée et numérotée de 2010, intitulée « Ces fêtes me dégoûtent ». Sérigraphie en couleurs sur papier crème moucheté, 61 x 45,7 cm (feuille). Tirage limité à 450 exemplaires. Signée, numérotée et datée au crayon en bas de page. Publiée par Obey Giant, Los Angeles. Cette image fait vaguement suite à celle de la Garde de la Paix de 2008 et nous rappelle que, paradoxalement, œuvrer pour la paix exige une vigilance constante. J'aime la juxtaposition de symboles apparemment contradictoires. La paix est une victoire sans guerre. C'est une bonne journée quand on n'a pas besoin de sortir son AK ! – Shepard

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Papier buvard Word Games, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Ben Frost, œuvre d'art inspirée de la culture pop et du LSD. L'artiste contemporain australien Ben Frost est surtout connu pour son Pop Art audacieux et irrévérencieux. Son approche immédiatement reconnaissable de la culture populaire détourne l'iconographie quotidienne des plus grandes marques mondiales. Subvertissant le sens et les messages des médias traditionnels, le commentaire acerbe de Frost sur la publicité, le divertissement et la politique est à la fois provocateur et controversé. L'essence du commentaire de Frost repose sur la subversion du sens et des messages véhiculés par les médias traditionnels. Autrement dit, et comme il l'a déjà affirmé : « Moins vous encombrez votre esprit des artifices de la publicité et des émissions de télévision de piètre qualité, plus vous libérez de l'espace pour des choses qui ont de la valeur. » Parallèlement, son regard sur la culture populaire contemporaine est tout aussi pertinent. Médias traditionnels, publicité et politique figurent parmi ses principaux centres d'intérêt, qu'il exploite et mêle de façon provocatrice. Le terme « provocateur » n'est pas employé au hasard. L'art de Ben Frost consiste, en substance, à s'approprier et à instrumentaliser l'imagerie contre le système même qui l'a engendrée.

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