Femme

Rosalina, tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier beaux-arts 310 g/m² par Kukula, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Cette œuvre a été créée en mai 2009 à l'huile sur MDF. Elle a été exposée à la galerie Dorothy Circus en Italie, la même année, dans le cadre de mon exposition personnelle « Sugar & Blood ». J'ai réalisé une série de tableaux où des fleurs, des petits arbres et des buissons poussent sur les corps de mes personnages féminins, symbolisant la création, la création artistique ou la création de la vie. Je trouve cette œuvre très féminine, mais je suppose que chacun crée quelque chose, donc chacun peut s'identifier à ce sentiment. » – Kukula

Lis Plus Moins

Tirage d'art « Bring It Home » de Lee Eelus, édition limitée sur papier d'art en coton, art pop graffiti, art urbain, œuvre d'art moderne. Tirage signé et numéroté de 2023, édition limitée à 25 exemplaires. Dimensions de l'œuvre : 11,7 x 16,54 pouces. Pigments d'archivage. Reproduction d'une œuvre d'art représentant une femme tenant un grand arc-en-ciel à l'envers sous un soleil stylisé. « Bring It Home » est une estampe d'art captivante du célèbre artiste Lee Eelus, figure emblématique du street art pop graffiti contemporain. Créée en 2023, cette œuvre est une édition limitée à seulement 25 exemplaires, ce qui en fait une pièce très recherchée par les collectionneurs et les amateurs d'art. Mesurant 42 x 29,7 cm, elle immortalise la beauté d'une femme tenant avec grâce un immense arc-en-ciel à l'envers, sous un soleil stylisé avec maestria. Les couleurs vibrantes et les détails minutieux de l'image sont rendus avec une grande précision sur un papier d'art 100 % coton, sans acide ni lignine, garantissant ainsi la longévité et la préservation de ses teintes éclatantes. Le choix d'un papier d'art aussi épais témoigne de l'exigence de qualité et du talent artistique d'Eelus. Chaque exemplaire est signé et numéroté à la main au crayon, et porte le cachet à sec unique de l'artiste, gage de son authenticité. En outre, l'œuvre est accompagnée d'un certificat numéroté, signé et tamponné à la main, attestant de son appartenance à cette édition limitée. Au-delà de sa beauté esthétique, « Bring It Home » symbolise l'importance de vivre pleinement le moment présent, l'acceptation de soi et la quête perpétuelle de positivité. L'inclusion d'une citation de Thich Nhat Hanh, maître zen vietnamien renommé, renforce ce message, invitant chacun à trouver la joie et le bonheur dans l'instant présent. Dans l'univers foisonnant du pop art et du street art, la création d'Eelus se distingue par son attrait visuel et son message plus profond et touchant sur la vie et l'art de vivre l'instant présent.

Lis Plus Moins

Peinture originale de nature Pasca sur papier aquarelle par Jon Burgerman, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Dessin original sur papier de l'artiste Jon Burgerman, 2014. Dimensions : 9 x 12 pouces. « Jon Burgerman crée des gribouillis néo-primitifs vibrants, mêlant formes et couleurs. Il a intégré ses personnages monstrueux dans des compositions où des formes caricaturales s'empilent les unes sur les autres, créant une masse d'énergie explosive. D'une productivité intense, il a propulsé l'obsession des personnages de la fin des années 90 vers une direction bien plus intéressante et percutante. Imaginez Walt Disney devant un monument inca sous l'influence de la mescaline. » – Francesca Gavin, rédactrice en chef de la section Arts visuels de Dazed & Confused et auteure de Street Renegades et 100 New Artists, publiés chez Laurence King.

Lis Plus Moins

Impression giclée en édition limitée « Magnolia Artwork » sur papier aquarelle pressé à froid 300 g/m² par l'artiste de graffiti pop culture Alex Kirzhner.

Lis Plus Moins

Marilyn Whaam New Love Forever, édition limitée, papier buvard d'art, impression pigmentaire d'archives, œuvre d'une artiste pop moderne, copyright. Édition limitée signée et numérotée de 35 exemplaires, tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé, 2022. Format : 7,5 x 7,5 pouces. Sortie : 19 avril 2022. Les éditions limitées sur papier buvard sont perforées à la main par Zane Kesey. Marilyn Whaam New Love Forever par Copyright : Icônes, psychédélisme et mythe moderne dans l'art urbain pop et le graffiti « Marilyn Whaam New Love Forever » est une estampe pigmentaire d'archive en édition limitée (2022) créée par l'artiste pop britannique Copyright. Tirée à seulement 35 exemplaires et mesurant 19 x 19 cm, cette œuvre d'art est imprimée sur du papier buvard perforé, un matériau associé depuis longtemps à la contre-culture psychédélique. La perforation, réalisée à la main par Zane Kesey, renforce l'ancrage de l'œuvre dans les traditions créatives underground et rebelles. Copyright, connu pour sa fusion d'iconographie pop et de critique sociale nuancée, construit un kaléidoscope visuel qui brouille les frontières entre art commercial, psychédélisme et symbolisme romantique. Le format de l'œuvre – estampe pigmentaire d'archive sur buvard – est aussi intentionnel que l'image elle-même, alliant le savoir-faire de la gravure à l'esthétique de l'esprit rebelle. Archétypes visuels et surcharge culturelle Au cœur de l'œuvre se trouve un portrait de Marilyn Monroe aux teintes cyan, réinterprété dans une palette de couleurs à la Warhol et stylisé par des coulures de peinture, des contours marqués et des ornements floraux. Son visage est recouvert de graphismes superposés : le mot « Forever » en lettres roses scintillantes, un crâne orné de pétales et de papillons, et un cœur tatoué où l'on peut lire « Love ». Au-dessus d'elle, des caractères de bande dessinée explosent en « Whaam », tandis que Mickey Mouse apparaît dans le cadre, à la fois témoin et acteur du chaos. Ce collage de personnages publicitaires, de clichés romantiques et de symboles subversifs crée une composition déroutante et chargée d'émotion. Dans la lignée du street art et du graffiti, l'œuvre utilise des figures universellement reconnaissables pour disséquer les constructions artificielles de la célébrité, de la mémoire, de la mortalité et du marketing. Héritage matériel et format psychédélique Le choix du papier buvard comme support d'impression est une référence délibérée à l'art psychédélique des années 1960 et 1970, où les buvards de LSD arboraient souvent des micro-images graphiques. Bien que cette œuvre n'ait aucune fonction pratique dans ce contexte, l'utilisation de feuilles perforées établit un lien évident avec la culture underground et l'esthétique de l'expansion de la conscience. Le procédé d'impression pigmentaire d'archivage garantit la fidélité des couleurs, la longévité et la finesse des détails, conférant une finition digne d'un musée à un matériau traditionnellement considéré comme éphémère ou illicite. Le format de 19 x 19 cm invite à une observation attentive, mettant en valeur la texture pixellisée de la grille de perforation sous l'image. Ce contraste entre le sacré et le jetable ajoute une dimension de tension au message de l'estampe, suggérant que les mythologies contemporaines sont aussi fragiles qu'omniprésentes. Le rôle du droit d'auteur dans la tradition du remix Copyright est un artiste pop urbain britannique qui réinvente sans cesse le familier à travers le prisme de la distorsion, de la nostalgie et de la rébellion. Mêlant graffiti, publicité de mode, beaux-arts et médias populaires, ses œuvres fonctionnent comme des archives remixées de la mémoire collective. « Marilyn Whaam New Love Forever » condense sa démarche en un carré saturé, puisant dans la sémiotique de l'amour, de la mort, du sexe, du capitalisme et de l'évasion pour créer une méditation maximaliste sur la saturation culturelle. L'inclusion de personnages comme Mickey et Marilyn Monroe fait office à la fois d'hommage et de critique : des icônes qui promettaient jadis le bonheur et qui hantent désormais les systèmes mêmes qu'elles ont contribué à définir. Dans l'univers du street art et du graffiti, cette œuvre s'affirme comme une explosion colorée d'une vénération paradoxale, où la beauté côtoie la décrépitude et où la permanence se trouve dans le jetable.

Lis Plus Moins

Estampe d'art en édition limitée Smash Archival Pigment Fine Art sur papier Moab Entrada 290 g/m² par l'artiste Adam Caldwell, œuvre d'art moderne. Édition limitée à 20 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Format de l'œuvre : 14 x 17 pouces. Smash • Tirage pigmentaire d'archive autographié • Imprimé sur papier d'archive Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² • 35,5 x 43 cm • Signé et numéroté à la main par l'artiste Adam Caldwell • Édition limitée à 20 exemplaires

Lis Plus Moins

Sérigraphie Clementine AP de Shepard Fairey - OBEY Épreuve d'artiste Sérigraphie tirée à la main sur papier d'art Speckletone Édition limitée Œuvre d'art pop de rue. Épreuve d'artiste AP 2012 Signée et marquée AP Tirage original limité Œuvre d'art Format 18x24 Sérigraphie d'une femme flottant dans l'eau, inspirée par la musique de Neil Young Sérigraphie Clémentine AP par Shepard Fairey « Clementine » est une sérigraphie d'artiste (AP) de 2012 de Shepard Fairey, réalisée dans le cadre de son exploration continue de la musique, des émotions et du symbolisme visuel au sein du Street Pop Art et du graffiti. Tirée à la main sur papier beaux-arts moucheté, cette sérigraphie porte la mention AP, indiquant son statut d'épreuve d'artiste issue du tirage original. Signée par Shepard Fairey, l'œuvre mesure 45,7 x 61 cm et, n'étant pas incluse dans l'édition numérotée standard, elle est particulièrement recherchée par les collectionneurs. La composition représente une femme flottant horizontalement dans l'eau, son corps suspendu entre immobilité et mouvement, évoquant à la fois sérénité et vulnérabilité. Le titre « Clementine » fait référence aux influences musicales et lyriques souvent associées à Neil Young, dont les thèmes d'introspection et de mélancolie correspondent étroitement à l'atmosphère de l'image. Atmosphère visuelle et éléments symboliques L'œuvre est construite autour de textures superposées et de tons terreux, où des bruns profonds, des noirs et des dorés forment un environnement dense, presque immergé, sous la figure. La ligne d'eau, près du haut de la composition, crée un seuil entre conscience et abandon, tandis que les bras tendus et la posture détendue de la femme suggèrent un moment de libération plutôt que de détresse. De subtils motifs ornementaux et des formes ombrées sous son corps ajoutent profondeur et complexité, suggérant des histoires insoupçonnées ou un poids émotionnel sous-jacent. L'utilisation du contraste par Fairey, tant dans la couleur que dans l'espace négatif, renforce le sentiment d'une tension contenue, où beauté et malaise coexistent. La typographie en bas ancre l'image sans la dominer, permettant à la scène de rester contemplative et ouverte à l'interprétation. Influence et place de la musique dans l'œuvre de Fairey Clementine s'inscrit pleinement dans l'œuvre de Shepard Fairey, qui puise son inspiration dans la musique comme vecteur de mémoire, d'émotion et de réflexion sociale. À l'instar de ses autres œuvres influencées par Neil Young, cette estampe privilégie la résonance émotionnelle au message politique explicite, tout en abordant les thèmes de la fragilité, de la résilience et du conflit intérieur. La figure flottante peut être interprétée comme une métaphore de la navigation face à l'incertitude personnelle ou culturelle, suspendue entre résistance et acceptation. En tant qu'épreuve d'artiste, cette édition revêt une importance particulière, témoignant de l'implication directe de Fairey dans le processus d'impression et de son souci du détail. Clementine constitue un exemple plus sobre et introspectif de son art urbain pop et graffiti, démontrant que la retenue et l'atmosphère peuvent être tout aussi puissantes qu'une iconographie audacieuse.

Lis Plus Moins

Reproduction d'art de la cathédrale, impression giclée en édition limitée sur papier beaux-arts 290 g/m², par l'artiste de graffiti pop culture Kari-Lise Alexander. Édition limitée à 25 exemplaires, signée et numérotée, 2017. Tirage giclée de 18 x 18 pouces. « Cathédrale », une estampe giclée sur papier d'art 290 g/m² de Kari-Lise Alexander, est une œuvre captivante qui fusionne l'esthétique de la pop culture et l'authenticité brute du graffiti. Cette édition limitée de 25 exemplaires, signée et numérotée, datant de 2017 et mesurant 45,7 x 45,7 cm, témoigne de la vision unique d'Alexander dans l'art contemporain. Bien que distincte du street art et du graffiti traditionnels, son œuvre porte en elle le même esprit d'expression personnelle et la même résonance culturelle qui caractérisent ces formes artistiques. « Cathédrale » d'Alexander invite à l'introspection et à l'admiration, et trouvera assurément une place de choix dans les collections des amateurs d'art moderne.

Lis Plus Moins

Ces fêtes me dégoûtent. Sérigraphie en édition limitée, tirée à la main en deux couleurs, sur papier d'art fin à motifs mouchetés, par l'artiste Shepard Fairey Street Art OBEY Artwork. Sérigraphie signée et numérotée de 2010, intitulée « Ces fêtes me dégoûtent ». Sérigraphie en couleurs sur papier crème moucheté, 61 x 45,7 cm (feuille). Tirage limité à 450 exemplaires. Signée, numérotée et datée au crayon en bas de page. Publiée par Obey Giant, Los Angeles. Cette image fait vaguement suite à celle de la Garde de la Paix de 2008 et nous rappelle que, paradoxalement, œuvrer pour la paix exige une vigilance constante. J'aime la juxtaposition de symboles apparemment contradictoires. La paix est une victoire sans guerre. C'est une bonne journée quand on n'a pas besoin de sortir son AK ! – Shepard

Lis Plus Moins

So Hood - PP Printers Proof Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print on 310gsm Bright White Fine Art Paper by Artist Bask, Street Pop Art Graffiti Legend. Tirage pigmentaire d'archive signé et numéroté sur papier beaux-arts blanc brillant 310 g/m². Format : 40,6 x 61 cm. Sortie : 28 août 2015. Tirage : 50 exemplaires. « Cette œuvre a été créée fin 2013 et comporte de nombreuses couches. J'ai d'abord traité des panneaux pour obtenir l'effet de carrelage souhaité. Ensuite, j'ai superposé des couches de texture, aboutissant finalement au portrait que vous voyez. Elle a été initialement conçue pour un événement au Musée d'Art de Saint-Pétersbourg. L'exposition réunissait cinq artistes et cinq chefs locaux renommés. Chaque chef devait créer un plat inspiré de l'œuvre. Cette pièce fait également partie d'une série de portraits, principalement peints en demi-teintes. J'aime travailler le vieux bois patiné pour la texture unique qu'il offre. Pour cette œuvre, je ne voulais pas utiliser une seule pièce de bois, mais plusieurs, afin d'obtenir un effet de carrelage, à l'image de la façade d'un bâtiment abandonné. J'espère que cette œuvre touchera les gens comme elle m'a touché lors de sa création. Je recommande également d'acheter le tirage, car les tirages de 1xRUN sont tout simplement géniaux ! » - Bask

Lis Plus Moins

Et puis les choses se sont améliorées - Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée hivernale sur papier beaux-arts 330 g/m² par Denial Graffiti Street Artist Modern Pop Art. Édition limitée 2021 signée et numérotée à 25 exemplaires. Format : 24x24. Variante hivernale. Et puis les choses se sont améliorées – Édition hivernale par Denial dans le domaine du street art pop et du graffiti « Et puis les choses se sont améliorées – Hiver » est une estampe pigmentaire d'archive en édition limitée de l'artiste canadien Denial, connu sous le nom de Daniel Bombardier. Sortie en 2021, cette édition est l'une des 25 estampes signées et numérotées, mesurant 61 x 61 cm et imprimées sur un papier d'art de qualité musée de 330 g/m². La variante Hiver transforme la composition pop art désormais iconique de Denial en une œuvre d'une clarté émotionnelle glaciale. Remplaçant les tons chauds par des gris froids et des bleus électriques, cette version évoque le calme, l'isolement et la froideur introspective souvent associés aux mois d'hiver. La figure centrale – une femme au style bande dessinée et aux traits nets – est saisie dans un moment de réflexion figée, ses cheveux balayés par des traits bleu givré. La légende « Et puis les choses se sont améliorées » apparaît en lettres noires nettes sur fond bleu, ancrant et complexifiant à la fois l'atmosphère émotionnelle. La couleur comme température émotionnelle dans la variante hivernale L'édition Hiver modifie la tonalité psychologique de la composition originale grâce à sa palette de couleurs soigneusement choisie. La peau en demi-teintes de gris contraste avec les bleus glacés des cheveux, des lèvres et des yeux, plongeant toute la scène dans une atmosphère de suspension émotionnelle. Là où d'autres variantes expriment le feu, l'éclosion ou la chaleur, Hiver instaure le calme. L'expression du personnage reste subtile, son regard levé vers le ciel n'exprimant ni espoir ni désespoir. Elle traduit plutôt la reconnaissance sereine que le changement est arrivé, mais non sans conséquences. Les lèvres bleues et l'œil cerné de larmes suggèrent une force froide et résiliente, évoquant une forme d'endurance silencieuse plutôt que de célébration. La capacité de Denial à utiliser la couleur comme structure narrative permet à cette édition de fonctionner comme une métaphore de l'hiver émotionnel – une période de repli sur soi, d'instinct de survie et de prise de conscience brutale. Le langage populaire et la crédibilité de rue du déni L'œuvre de Denial reste profondément ancrée dans le langage du Street Pop Art et du graffiti, mêlant avec constance esthétique commerciale, iconographie pop et sous-texte émotionnel. La série « And Then Things Got Better » explore les complexités de la survie, de l'identité et de la transformation à travers le format nostalgique des cases de bandes dessinées du milieu du XXe siècle. En associant ces visuels familiers à un contenu émotionnel ambigu, Denial invite les spectateurs à reconsidérer les récits inhérents à la culture populaire. L'édition hivernale, avec sa palette sobre et ses contrastes intenses, approfondit cette question. Elle plonge le spectateur dans une période de réflexion – au sens propre comme au figuré – et l'incite à réévaluer la véritable signification du terme « mieux ». L'ironie, la sincérité et la maîtrise visuelle impeccable dont fait preuve Denial confèrent à son œuvre une pertinence constante, tant dans la rue qu'en galerie. Qualité des matériaux et attrait pour les collectionneurs Imprimée sur papier beaux-arts 330 g/m² avec des encres pigmentaires d'archivage, cette édition promet une vivacité et une précision exceptionnelles. Les points de trame et les lignes d'un noir profond sont rendus avec une précision muséale, conférant à l'œuvre une qualité d'impression intemporelle qui rend hommage à ses racines pop art. Chaque exemplaire est signé à la main et numéroté individuellement par Denial, ajoutant une dimension personnelle à cette édition limitée à 25 exemplaires. L'édition Hiver constitue un chapitre marquant d'une série devenue l'une des plus recherchées de Denial. Pour les amateurs de street art et de graffiti, elle offre un moment de contemplation apaisante au milieu du tumulte visuel actuel. Cette estampe capture cette brève et froide pause entre deux fins et deux nouveaux départs – lorsque les choses se sont améliorées, mais que le dégel ne fait que commencer.

Lis Plus Moins

Au-Dream, tirages d'art en édition limitée à base de pigments d'archives sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Ellen Gobeille. Tirage pigmentaire d'archives sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m² Format : 35,6 x 35,6 cm (14 x 14 pouces) Sortie : 7 mai 2021 Tirage : 25 exemplaires

Lis Plus Moins

Peinture à l'huile originale Red Carpet Imperial de Dred66 - Tyree Davis, une œuvre d'art sur support en mousse montée sur une feuille acrylique, issue du street art pop. Peinture acrylique originale signée, réalisée en 2001. Dimensions : 32 x 12 pouces (81 x 30,5 cm). Elle représente deux personnes partageant un repas accompagné de vin sur un immense tapis rouge. Signée, datée et titrée au dos. Imperial / Red Carpet / Dred66 / Mars 2001 L'essence de « Red Carpet Imperial » par Tyree Davis « Red Carpet Imperial » témoigne avec brio du talent artistique de Tyree Davis, alias Dred66, figure emblématique du street art et du graffiti. Cette huile sur toile originale, œuvre unique réalisée sur un support en mousse contrecollée sur une plaque acrylique, illustre la fusion entre l'esthétique du street art et la technique traditionnelle de la peinture à l'huile. Créée en 2001, cette toile signée, de dimensions généreuses (81 x 30 cm), représente une scène à la fois intime et grandiose : deux personnes partageant un repas autour d'une table, une bouteille de vin à la main, sur un immense tapis rouge. « Red Carpet Imperial » de Davis incarne l'esprit du street art en faisant entrer l'intime dans la sphère publique. Les sujets de la peinture – deux individus savourant un simple repas partagé – sont universels. Pourtant, ils se détachent sur un fond qui évoque la grandeur et l'exubérance. Ce contraste, esquissé par les tons à la fois terreux et audacieux de la peinture à l'huile, évoque un récit qui célèbre et critique les dynamiques culturelles et sociales. C'est un instantané de vie qui s'intéresse autant à l'environnement qu'aux individus qui le composent. Style caractéristique de Dred66 et influence artistique Le style caractéristique de Tyree Davis transparaît dans « Red Carpet Imperial », une œuvre qui harmonise l'énergie brute du street art avec la sophistication d'une pièce de galerie. Le fond de la toile porte les marques distinctives du graffiti : tagué, signé et daté par l'artiste, un clin d'œil à la tradition où les artistes marquent leur territoire et s'approprient l'espace. Cet élément relie la pratique du street art aux conventions établies des beaux-arts, créant un dialogue entre deux univers souvent perçus comme disparates. La texture du support en mousse confère à la peinture une impression de relief. Parallèlement, le montage sur une plaque acrylique apporte une touche de modernité, évoquant le vitrage protecteur des installations de street art. Ces choix de matériaux témoignent d'une réflexion approfondie de Davis sur le médium et le message, assurant à « Red Carpet Imperial » une résonance authentique avec le street art, tout en occupant un espace physique et conceptuel différent. Avec « Red Carpet Imperial », Davis propose un commentaire culturel d'une actualité brûlante, aussi pertinent aujourd'hui qu'au début du millénaire. Le titre de l'œuvre, « Impérial », suggère une critique des structures sociales et de la séduction du luxe, un thème profondément ancré dans l'ADN du pop art urbain. Le tableau invite le spectateur à réfléchir aux inégalités et aux contradictions qui imprègnent la vie moderne en plaçant une scène du quotidien dans un contexte évoquant richesse et luxe. De plus, son année de création, 2001, le situe à une époque où le pop art urbain commençait à être largement reconnu comme une forme d'art à part entière. Tyree Davis a contribué à cette reconnaissance grandissante par son œuvre, jetant un pont entre la rue et la galerie et remettant en question les idées préconçues sur la valeur et la place du graffiti et du pop art urbain dans l'histoire de l'art. Héritage et influence continue L'œuvre « Red Carpet Imperial » de Tyree Davis continue d'influencer la communauté du street art et le monde de l'art en général. Elle illustre avec force comment l'esthétique et les thèmes du pop art urbain peuvent être transposés dans différents médiums et contextes, tout en conservant leur impact et leur résonance. L'œuvre de Davis, grâce à son langage visuel audacieux et à son commentaire social sous-jacent, invite à un dialogue permanent sur les intersections entre l'art, la culture et la société. Ce dialogue est aussi essentiel aujourd'hui qu'il y a vingt ans. « Red Carpet Imperial » est bien plus qu'une simple peinture ; c'est un fragment de tissu social, un document historique et un symbole de la capacité intemporelle du pop art urbain à communiquer, à interpeller et à captiver. Tyree Davis, alias Dred66, a créé une œuvre qui est à la fois le reflet et la critique du monde qui l'entoure, s'assurant ainsi une place de choix dans l'histoire du pop art urbain.

Lis Plus Moins

Œuvre originale unique de Mur, peinture à la bombe et acrylique sur toile tendue, par un artiste populaire de street art et de culture pop (droits d'auteur réservés). Peinture originale encadrée et signée de 2000, dimensions 32 x 40 pouces. Dimensions encadrées : 41,5 x 33,5 pouces

Lis Plus Moins

257 Days Édition Limitée Tirage Sérigraphique 3 Couleurs Fait Main sur Papier Beaux-Arts par Derek Hess Artiste de Rue Graffiti Art Moderne Pop Art. « Mon modèle, Kim-Fu, arbore ici les marques de bronzage les plus tendance du maillot de football. Le stade en arrière-plan est l'ancien stade municipal de Cleveland (RIP). » – Derek Hess

Lis Plus Moins

Pochoir Cold Tenderness, papier cartonné découpé au laser à la feuille d'or, par Snik. Œuvre d'art encadrée unique, réalisée par un artiste pop art de rue. Œuvre originale signée à la feuille d'or sur papier cartonné découpé au laser, 2019. Dimensions : 13,75 x 20 pouces (encadrée : 16 x 23 pouces). Cold Tenderness de Snik – Fragile et précision avec feuille d'or dans l'art urbain pop et graffiti « Cold Tenderness » est une œuvre originale de 2019 du duo britannique Snik, spécialisée dans le pochoir. Minutieusement réalisée à la feuille d'or sur un carton noir découpé au laser, cette pièce unique mesure 35 x 51 cm (encadrée à 41 x 58 cm). Elle illustre à merveille l'équilibre caractéristique des artistes entre maîtrise et émotion, savoir-faire et atmosphère. Le portrait d'une femme, rendu par d'innombrables incisions diagonales fines, scintille d'une subtilité et d'une élégance discrètes. Au gré de la lumière qui caresse la surface métallique, son regard apparaît et disparaît, révélant la tension entre permanence et éphémère. S'inscrivant dans le champ plus vaste du street art et du graffiti, « Cold Tenderness » se présente comme une exploration poétique de la fragilité des surfaces. Elle utilise des matériaux luxueux et des procédés industriels pour interroger la vulnérabilité, la mémoire et l'identité. Découpe laser artisanale et feuille d'or : une émotion Ce qui distingue cette œuvre, c'est la précision de sa construction. Snik a utilisé la découpe laser pour créer un réseau complexe de lignes au pochoir, chaque trait étant soigneusement étudié pour offrir des variations de tons et de profondeur d'ombre. Sur cette grille, des feuilles d'or ont été appliquées, créant une surface qui se transforme selon la lumière et le point de vue du spectateur. Cette technique métamorphose le carton en un écran réfléchissant où le portrait oscille entre image et abstraction. Alors que le street art est généralement rapide, brut et éphémère, cette œuvre est méthodique, réfléchie et d'une grande durabilité. La feuille d'or lui confère à la fois opulence et une impression de vétusté – fragile au toucher, toujours au bord de la dégradation. Ce paradoxe renforce la dimension émotionnelle de « Cold Tenderness », en faisant une contribution majeure au Street Pop Art et au graffiti. Le Visage et le Vide Au cœur de la composition se trouve la figure féminine, son visage se fondant doucement dans l'ombre. Le fond est absent. Le champ d'un noir profond, à la fois silence et espace, crée un vide qui encadre le regard introspectif du personnage. Chaque ligne de coupe, chaque trait doré, est significatif ; le visage n'est ni peint ni esquissé, mais gravé par l'absence. Le sujet apparaît non comme une actrice, mais comme une témoin – observant sans explication, présente sans certitude. Cette approche épurée du portrait met l'accent non sur le récit, mais sur la présence. Dans le langage du street art et du graffiti, cette réduction amplifie le sens, permettant aux petits gestes et aux subtiles variations de devenir le cœur émotionnel. Snik et l'alchimie du silence « Cold Tenderness » est emblématique de l'évolution de Snik, artistes qui ont redéfini le pochoir comme un outil de révolte silencieuse et d'affirmation poétique. En fusionnant artisanat et précision numérique, méthodes industrielles et sujets organiques, ils explorent sans cesse l'espace liminal entre design et émotion. Le choix de la feuille d'or dans cette œuvre n'est pas décoratif, il est symbolique. Il évoque la valeur, l'érosion, le temps et la façon dont la lumière peut à la fois révéler et dissimuler. Cette œuvre n'est pas ostentatoire, mais elle est profonde. Elle exige un regard attentif, une réflexion lente et une immersion patiente. Dans le Street Pop Art et le Graffiti, rares sont les œuvres qui communiquent la fragilité et la discipline avec autant de délicatesse. « Cold Tenderness » n'offre pas de réponses faciles, seulement la lueur d'une présence et la vérité poignante que la beauté, comme la mémoire, peut être à la fois solide et éphémère.

Lis Plus Moins

L'œuvre d'art La Marne, impression pigmentaire d'archives en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti de la culture pop Sergio Lopez. « La Marne » de Sergio Lopez. Tirage pigmentaire d'archives signé et numéroté par l'artiste. Édition limitée à 40 exemplaires. 45,7 x 50,8 cm.

Lis Plus Moins

Kryptonite Édition Limitée, œuvre d'art pop art réalisée à la main par l'artiste de rue urbaine Marly Mcfly. Technique : acrylique HPM, peinture en aérosol et encre sur panneau de bois. Édition limitée à 9 exemplaires, signée et numérotée HPM, embellie à la main . Œuvre de 11 x 14 pouces sur châssis en bois prêt à accrocher. « Je suis une artiste autodidacte originaire de Newport News, en Virginie. J'ai commencé à dessiner dès l'enfance, représentant toutes sortes de personnages : dessins animés, bandes dessinées, figurines, athlètes… Mes pensées et expériences intérieures sont retranscrites par des superpositions de couleurs vives et audacieuses, de motifs et d'images de mon enfance, qui me permettent de m'exprimer. Je considère mon art comme un mélange de pop art et de street art. » – Marly McFly Les récits saisissants de Marly McFly dans « Kryptonite » « Kryptonite », une œuvre en édition limitée de Marly Mcfly, retrace visuellement le parcours de l'artiste à travers le pop art et le street art. Cette œuvre HPM (Hand-Painted Multiple) rehaussée à la main, réalisée à l'acrylique, à la peinture aérosol et à l'encre sur un panneau de bois, témoigne de la maîtrise autodidacte de Mcfly et de l'évolution personnelle de son discours artistique. Signée et numérotée en 2021, cette collection est limitée à neuf exemplaires seulement, chacun mesurant 28 x 35,5 cm et présenté sur un châssis en bois prêt à être accroché, illustrant ainsi l'engagement de l'artiste envers l'accessibilité et le dialogue avec son public. Originaire de Newport News, en Virginie, Mcfly puise son inspiration dans l'essence du street art et du graffiti en fusionnant l'immédiateté et l'énergie du street art avec l'imagerie iconique et vibrante du pop art. « Kryptonite » illustre parfaitement cette fusion, avec ses couches de couleurs vives et audacieuses et ses motifs qui interagissent avec des images nostalgiques de l'enfance de l'artiste, se manifestant sous forme de super-héros, de personnages de dessins animés et d'icônes culturelles qui résonnent à un niveau universel. Explorer l'enfance et les icônes culturelles Dans « Kryptonite », McFly explore le pouvoir des icônes culturelles et leur impact sur l'identité et l'expression personnelles. L'œuvre est un dialogue avec le passé, une confrontation avec les symboles qui ont façonné les identités générationnelles et un témoignage de l'influence durable des impressions d'enfance sur la créativité adulte. Les embellissements réalisés à la main sur chaque pièce confèrent à la série une touche unique, garantissant que chaque œuvre, tout en faisant partie d'un thème collectif, se distingue par ses nuances et textures individuelles. Cette œuvre incarne le pouvoir transformateur du street art et du graffiti, révélant la capacité de McFly à communiquer des émotions et des expériences complexes à travers une tapisserie d'images personnelles et partagées. Avec « Kryptonite », Marly McFly contribue au récit dynamique du street art, créant des œuvres visuellement stimulantes, riches de sens et de contexte, invitant les spectateurs à établir des liens entre les différentes couches de peinture et d'encre.

Lis Plus Moins

Cacophonie, une impression pigmentaire d'archives multiple peinte à la main sur 3 niveaux de panneau acrylique découpé au laser, prête à être accrochée, par Eddie Colla, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée 2020, signée et numérotée à 25 exemplaires. Œuvre d'art en acrylique découpée au laser, format 18 x 18 pouces. « La Fille aux Poissons Rouges a été créée il y a près de dix ans. J'y reviens souvent, et c'est le personnage que j'ai créé depuis le plus longtemps. J'écris souvent des histoires pour ces personnages afin de m'aider dans la création de mes œuvres, mais elles ne sont généralement jamais partagées avec le public. La Fille aux Poissons Rouges est née en Chine continentale et a été élevée principalement par son père. Sa mère est décédée d'un cancer lorsqu'elle avait 18 mois. Enfant, elle était souvent très malade et on lui a finalement diagnostiqué une déficience du système immunitaire, bien qu'aucun diagnostic précis n'ait jamais été établi. C'est pourquoi elle porte toujours un masque et des gants. Son père élevait des poissons rouges pour gagner sa vie et lui a appris le métier dès son plus jeune âge. Ils travaillaient côte à côte et recevaient rarement des visites en raison de sa maladie. Être souvent très malade et avoir perdu sa mère ont rendu son enfance difficile. Comme la plupart des enfants, elle a cherché une explication à son malheur, une raison pour laquelle tout cela lui était arrivé, à elle et à son père. Finalement, elle a cru que sa maladie et le cancer de sa mère étaient une punition de la nature. Une malédiction pour avoir joué avec la nature en élevant des poissons rouges. » Finalement, son père décéda lui aussi. Contrainte de gagner sa vie et, par défi au destin, elle immigra clandestinement à Hong Kong. Il existe un célèbre marché aux poissons rouges à Mong Kok, rue Tung Choi, plus communément appelée « rue aux poissons rouges ». Son système immunitaire étant affaibli, le plus grand danger pour elle était les autres. En guise de défi au destin, elle s'installa dans l'une des villes les plus densément peuplées du monde. Elle obtint un étal rue Tung Choi. C'est là son défi : défier le destin et triompher, devenir maîtresse de son propre destin. Ces images sont des vignettes de sa vie à Hong Kong. Je n'ai jamais donné de nom à ce personnage. On la voit parfois avec un ghetto-blaster, car la musique devient une compagne essentielle de sa vie principalement solitaire. Dans l'œuvre « Cacophonie », je voulais qu'elle soit littéralement entourée par la ville. D'une certaine manière, je pense avoir essayé de créer un personnage qui incarne nombre de qualités auxquelles j'aspire. Pour me les rappeler. – Eddie Colla

Lis Plus Moins

El Halcon del Mar - Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée bleus avec sérigraphie noire sur papier beaux-arts 310 g/m² par Stinkfish, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « J'ai trouvé ce magazine dans une librairie d'occasion du centre de Bogota. J'ai utilisé un feutre fin à encre traditionnelle sur la couverture. C'est un magazine chilien de 1959. J'ai l'habitude de dessiner sur ce genre de supports, comme les vieux disques vinyles et les couvertures de magazines. C'est inspiré de mon travail de rue ; je réalise des portraits mêlés à des dessins à main levée à la bombe aérosol. » – Stinkfish Légères marques ou éraflures sur le papier, le long des marges blanches supérieures, sans perforation. Minimes. Fixé sur carton noir, sans cadre.

Lis Plus Moins

Born The Everlasting, tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier beaux-arts 310 g/m² par Vans The Omega + N. Corradi, artiste de rue graffiti, pop art moderne. INFO

Lis Plus Moins

Sam Amongst The Sporlings, œuvre d'art en édition limitée Giclée sur papier d'art de l'artiste de graffiti de la culture pop Jason Levesque. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Format de l'œuvre : 12x12

Lis Plus Moins

Gravity PP, épreuve d'impression d'archives par Sarah Joncas, édition limitée sur papier d'art Moab 290 g/m², œuvre d'art moderne d'artiste pop. Épreuve d'imprimerie PP 2019 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 12x15 Pigments d'archivage L'attrait de « Gravity PP » par Sarah Joncas L'épreuve d'artiste « Gravity PP » est une œuvre fascinante de Sarah Joncas, artiste pop contemporaine dont les créations subtiles font le lien entre la force évocatrice du street art et la précision des techniques classiques. Cette épreuve d'artiste (PP) de 2019, signée et marquée comme telle, témoigne de la vision de Joncas. Tirée en édition limitée, elle offre un aperçu du processus créatif méticuleux qui sous-tend son travail. Imprimée sur papier d'art Moab 290 g/m², cette œuvre de 30,5 x 38 cm, intitulée « Gravity », met en scène une figure féminine qui incarne la gravité non seulement des forces physiques, mais aussi des courants émotionnels profonds. Éléments visuels et symbolisme dans l'œuvre de Joncas Dans « Gravity PP », Joncas capture un instant céleste et intime. Le regard du sujet se détourne du spectateur, perdu dans la contemplation, face à une lune immense et un ciel étoilé. La présence de la lune, symbole universel du féminin, enrichit l'œuvre de significations liées aux cycles, à la réflexion et au changement. En écho à cette symbolique, les ondulations de ses cheveux et le tatouage de méduse dans son dos suggèrent fluidité et adaptabilité. La palette de couleurs est précise ; les tons froids évoquent la nuit et l'océan, univers de profondeur et de mystère. Cette estampe incarne l'essence même du pop art par sa représentation stylisée et ses images saisissantes. Elle porte également en elle la force émotionnelle propre aux tags et aux fresques murales expressives du street art. L'œuvre de Joncas est un dialogue avec le spectateur, l'invitant à une interprétation personnelle du récit intérieur du sujet. Savoir-faire et exclusivité des estampes de Joncas Le choix du papier beaux-arts Moab par Sarah Joncas pour « Gravity PP » témoigne de son engagement envers la qualité et la pérennité de ses estampes. L’utilisation d’encres pigmentaires garantit la longévité de l’œuvre, préservant la profondeur et l’éclat des couleurs. La mention « PP » est significative : les épreuves d’imprimerie sont souvent réservées à la collection de l’artiste ou servent de référence lors du processus d’impression, ce qui les rend très recherchées par les collectionneurs pour leur rareté et l’implication directe de l’artiste dans leur production. Le tirage limité de « Gravity PP » est une caractéristique de l’œuvre de Joncas, faisant écho à l’esprit des tirages limités des estampes de street art et à la vocation de collection des objets pop art. Cette rareté renforce l’attrait de l’estampe, offrant aux collectionneurs un fragment tangible de l’héritage de l’artiste. La voix artistique de Joncas dans le contexte du pop art et du street art La voix artistique de Sarah Joncas apporte un souffle nouveau à la scène artistique contemporaine, fusionnant avec brio l'esthétique du pop art et l'âme du street art. Son œuvre, dont « Gravity PP », célèbre la puissance du récit visuel, où chaque élément est soigneusement choisi pour susciter l'émotion et la réflexion. Dans le contexte du pop art et du street art, Joncas se distingue par sa capacité à exprimer des thèmes complexes à travers une seule image. Son travail transcende le cadre urbain et accède au domaine des beaux-arts sans rien perdre de l'accessibilité et de la résonance émotionnelle propres au street art. « Gravity PP » illustre parfaitement comment l'art de Joncas transcende les frontières, offrant un récit aussi infini que le ciel nocturne qu'il représente.

Lis Plus Moins

Papier buvard Eat Me, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Denial, œuvre d'art LSD de la culture pop. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey et peuvent légèrement différer de l'exemple présenté. Denial s'est imposé comme l'une des figures les plus marquantes de la pop art contemporaine. Toujours aussi pertinent, il s'attache à susciter la réflexion. Son travail explore depuis longtemps les limites de l'appropriation culturelle, qu'il utilise pour subvertir la valeur des produits culturels inscrits dans la mémoire collective occidentale. En d'autres termes, son œuvre invite le spectateur à réinventer notre société dystopique afin de la confronter, l'humour et l'ironie étant ses principaux outils.

Lis Plus Moins

Veil, édition limitée, sérigraphie artisanale 6 couleurs sur papier beaux-arts, par Joe King, artiste de rue graffiti, art pop moderne.

Lis Plus Moins

Épreuve d'imprimerie Lina PP, tirage d'archives par Mateo, édition limitée sur support MEDIUM, œuvre d'art moderne d'artiste pop. Épreuve d'imprimerie PP 2025 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 17x24 Pigments d'archivage Épreuve d'imprimerie Lina PP, impression d'archives par Mateo L'artiste français Mateo, reconnu pour son art urbain pop et ses graffitis novateurs, signe une œuvre culturelle forte avec Lina, une estampe pigmentaire d'archive de 2025, rare épreuve d'artiste. Mesurant 43 x 61 cm et imprimée sur un papier d'art de haute qualité, cette estampe s'inscrit dans la continuité de la démarche artistique de Mateo, qui fusionne le portrait et les traditions textiles ornementales. Signée et estampillée PP par l'artiste, cette pièce unique constitue une œuvre raffinée au sein d'un corpus limité célébrant l'identité, la force féminine et un langage visuel transculturel. Ornement et identité en harmonie Le sujet de Lina est une femme dont le regard direct fixe le spectateur avec une présence inébranlable. Son visage et sa silhouette sont partiellement dissimulés et mis en valeur par d'intrigants motifs de tapis persans, rendus avec une précision et un souci du détail exceptionnels. Mateo superpose harmonieusement ces motifs aux contours du visage, créant l'illusion que sa peau elle-même est imprégnée d'un héritage universel et d'une mémoire ancestrale. La palette bleue et or rayonne de dignité, de sérénité et de géométrie sacrée, invitant le spectateur à contempler la beauté de la complexité et de la résilience au sein des récits culturels modernes. Technique et artisanat des matériaux La technique employée dans Lina reflète la synthèse caractéristique de Mateo entre artisanat classique et esthétique de l'art urbain. Cette épreuve d'artiste a été réalisée selon des procédés pigmentaires d'archivage sur papier Moab Entrada 290 g/m², garantissant ainsi éclat et longévité. L'ornementation des détails textiles ne se limite pas à la décoration : elle constitue un système symbolique profondément ancré dans l'exploration constante par Mateo du symbolisme, du patrimoine et de l'identité hybride. La netteté de l'impression, associée à sa superposition ornementale, crée une surface quasi sculpturale sur le papier. Vision mondiale contemporaine L'œuvre de Mateo remet en question et enrichit le langage du Street Pop Art et du graffiti en intégrant des références aux traditions décoratives d'Afrique du Nord, du Moyen-Orient et d'Asie dans le portrait occidental contemporain. Lina est emblématique de cette synthèse, incarnant à la fois l'immédiateté brute du street art urbain et la dimension sacrée et intemporelle de l'artisanat culturel. Le format « épreuve d'artiste » de cette édition confère à l'œuvre une rareté et une authenticité accrues pour les collectionneurs, et souligne l'importance que Mateo accorde au processus créatif, au savoir-faire et à l'intégrité artistique. Lina est plus qu'une image : c'est une méditation sur la force féminine, l'histoire et l'imbrication du soi et de la culture. Par sa construction méticuleuse et sa résonance universelle, l'œuvre occupe une place essentielle dans le canon de l'art figuratif moderne et de l'art urbain, ce qui en fait une acquisition incontournable pour les collectionneurs en quête de profondeur narrative et d'impact visuel.

Lis Plus Moins

Sérigraphie Vertigo San Francisco de Justin Van Genderen, tirée à la main sur papier d'art, édition limitée. 2014 Signée et numérotée au dos Édition limitée à 100 exemplaires Dimensions de l'œuvre 18x24 Série Location, Location, Location Sérigraphie d'une femme dans la spirale de la ville de San Francisco tirée du film Vertigo. Sérigraphie Vertigo San Francisco par Justin Van Genderen L'estampe sérigraphique « Vertigo San Francisco » de Justin Van Genderen, réalisée à la main en 2014, fusionne la tension atmosphérique du film « Vertigo » d'Alfred Hitchcock avec l'esthétique stylisée du street art et du graffiti. Mesurant 45,7 x 61 cm et produite en édition limitée à 100 exemplaires, signés et numérotés, cette œuvre capture l'essence du suspense cinématographique et le charme envoûtant de la ville. Le motif en spirale saisissant, la silhouette d'une femme solitaire et l'incontournable skyline de San Francisco créent une expérience visuelle hypnotique qui fait écho aux thèmes psychologiques du film culte. Un chef-d'œuvre cinématographique et graphique Cette sérigraphie est un modèle de composition, utilisant la simplicité et le contraste pour créer une scène à la fois troublante et fascinante. Le fond est composé d'un motif en spirale audacieux qui s'étend depuis le centre, évoquant le célèbre effet Vertigo du film d'Hitchcock. La spirale domine la composition, attirant le regard du spectateur dans ses profondeurs tout en suscitant une sensation de mouvement et de désorientation. La figure centrale, une femme en silhouette marchant le long d'une rambarde, est écrasée par l'imposante spirale, renforçant les thèmes du film : l'obsession, le destin et le malaise psychologique. Les tons chauds de rouge et de beige confèrent à l'œuvre une allure à la fois vintage et moderne, faisant écho à l'affiche originale du film tout en la modernisant par une approche minimaliste. Dans la partie inférieure, des éléments reconnaissables de la silhouette de San Francisco, dont le Golden Gate Bridge, offrent une subtile mais efficace ancrage dans le lieu. Cet équilibre entre abstraction et réalisme rend l'œuvre visuellement captivante, établissant des liens entre la ville, son histoire cinématographique et sa réputation de lieu de mystère et de fascination. Influence du street art, du pop art et du graffiti Le style de Justin Van Genderen puise son inspiration dans l'esthétique du street art et du graffiti, et cette estampe illustre parfaitement son talent pour transformer des images familières en créations graphiques audacieuses. L'utilisation de silhouettes contrastées, d'abstractions géométriques et d'une palette de couleurs restreinte s'inscrit dans les techniques des fresques murales, du pochoir et de l'affiche urbaine. La spirale, référence directe à Vertigo, évoque également les motifs du street art : symboles du temps, de l'hypnose et de la perception. La texture en demi-teintes, présente sur l'ensemble de l'œuvre, imite les surfaces vieillies caractéristiques de l'art urbain, renforçant la dimension tactile de la sérigraphie. La typographie, utilisée avec sobriété dans la partie inférieure, avec ses lignes épurées et sa mise en page structurée, contribue à l'équilibre entre l'esthétique des affiches de cinéma et les influences de l'art urbain contemporain. Le jeu des espaces positifs et négatifs crée un rythme visuel saisissant, faisant de cette œuvre un hommage au cinéma classique et une interprétation novatrice du design moderne. Le rôle de San Francisco dans l'art et le cinéma urbains San Francisco inspire depuis longtemps cinéastes et artistes de rue. Ses paysages spectaculaires, ses rues escarpées et son brouillard épais créent une atmosphère unique, immortalisée dans d'innombrables films, dont Vertigo. La scène artistique urbaine, vibrante et dynamique, s'épanouit également grâce à ces contrastes visuels, avec des fresques, des affiches collées et des installations monumentales qui témoignent de la richesse culturelle et artistique de la ville. Cette sérigraphie capture la double nature de San Francisco, à la fois lieu réel et paysage onirique cinématographique, où réalité et illusion se confondent sans cesse. Tirage limité réalisé à la main, cette œuvre est très recherchée par les collectionneurs d'art urbain, de pop art et de graffiti, ainsi que par les cinéphiles. L'alliance d'un design audacieux, d'une profondeur psychologique et d'un hommage à l'un des films les plus marquants visuellement du cinéma fait de cette sérigraphie une pièce maîtresse. Qu'elle soit exposée en galerie ou intégrée à une collection privée, cette œuvre saisit l'essence même de Vertigo et de San Francisco : une ville d'une beauté mystérieuse et d'une source d'inspiration artistique inépuisable.

Lis Plus Moins

Première édition limitée, sérigraphie artisanale bicolore sur papier cartonné blanc coton de qualité archive rose et vert fluorescent, par MFG-Matt Goldman Artiste de rue graffiti, art pop moderne. Inspirée par « Explosion » de Roy Lichtenstein, cette estampe a servi d'affiche pour une exposition de la collection MFG-Matt Goldman. Réalisée avec DIESEL pour ma première exposition. Les fils fluorescents et le papier blanc éclatant sont conçus pour briller sous lumière noire tout en conservant une belle luminosité à la lumière du jour. À encadrer de préférence avec un passe-partout noir de 2,5 cm. Sérigraphie 45,7 x 45,7 cm (18 x 18 pouces), rose et vert fluorescents, sur papier cartonné blanc coton de qualité archive. Édition limitée à 80 exemplaires, sortie en 2008. Signée et numérotée par le fabricant, Matt Goldman. .

Lis Plus Moins

Sans titre, tiré de Crossroads, estampe giclée d'Alice Pasquini, œuvre en édition limitée sur papier d'art baryté 300 g/m², artiste graffiti pop de rue. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2019. Dimensions de l'œuvre : 13 x 17,83 cm. L'essence artistique de « Sans titre, au carrefour » « Sans titre, carrefour » d'Alice Pasquini est une estampe giclée qui capture l'essence du pop art urbain et du graffiti contemporains. Artiste reconnue, Pasquini présente ici une œuvre qui illustre son approche artistique singulière, à la croisée du street art et du muralisme. Cette estampe en édition limitée, avec ses figures vibrantes et ses formes abstraites, témoigne de son talent pour communiquer des récits captivants à travers son art. Imprimée en giclée sur papier d'art Baryta 300 g/m², cette œuvre se distingue par sa texture et la profondeur de ses couleurs, caractéristiques des tirages de haute qualité. Ses dimensions (33 x 45,3 cm) offrent à Pasquini un support généreux pour exprimer sa vision. Tirée à seulement 100 exemplaires signés et numérotés, cette pièce est exclusive et recherchée. Le portrait, centré sur une figure féminine, thème récurrent dans l'œuvre de Pasquini, dégage une impression de contemplation et de profondeur. Son regard est à la fois perçant et tendre, invitant les spectateurs à s'interroger sur les pensées qui se cachent derrière ces yeux. Langage visuel et symbolisme L'utilisation par Pasquini de couleurs vibrantes et contrastées sur le fond austère du papier baryté crée une dichotomie visuelle captivante. La fluidité et l'apparente spontanéité des coups de pinceau contrastent avec l'intensité délibérée du regard du sujet, créant un point focal puissant. Cette œuvre de la collection « Carrefour » symbolise le croisement des vies et des histoires au sein du paysage urbain, un carrefour de l'expérience humaine. Le choix par l'artiste d'un style pop inspiré du graffiti confère à l'œuvre une authenticité urbaine à la fois brute et magnifique. Compétences techniques et niveau intermédiaire La technique de production d'une impression giclée de cette qualité est une véritable prouesse technique, qui fait le lien entre l'impression traditionnelle et le numérique. Le terme « giclée », dérivé du verbe français « gicler », désigne le procédé de fabrication d'impressions d'art de haute qualité à partir d'une source numérique grâce à l'impression jet d'encre. Cette méthode reproduit les couleurs et les textures avec une fidélité remarquable à l'œuvre originale. C'est un médium idéal pour le pop art urbain, où l'accessibilité est essentielle, permettant ainsi à l'œuvre de toucher un public plus large sans compromis sur la qualité. Impact culturel et place dans l'art moderne « Sans titre, à la croisée des chemins » n’est pas qu’un simple objet décoratif ; c’est un artefact culturel qui capture l’esprit et l’éthique de la société contemporaine. Sa sortie en 2019 l’inscrit dans une période artistique où les frontières entre art savant et art urbain s’estompent et où la voix de la rue est aussi puissante et significative que celle des galeries. La contribution d’Alice Pasquini à ce mouvement est profonde, car elle ne cesse de remettre en question et d’enrichir le récit de ce que peut être le pop art urbain. Valeur de collection La valeur d'une estampe en édition limitée comme « Sans titre, carrefour » dépasse son attrait esthétique. Pour les collectionneurs, son attrait réside dans sa rareté et la touche personnelle de l'artiste : chaque estampe est signée et numérotée, ce qui la rend unique. Collectionner des œuvres comme celle-ci, c'est investir dans l'art, c'est investir dans l'héritage du pop art urbain et du graffiti. C'est posséder un fragment de ce mouvement, un instantané du parcours de l'artiste et un morceau d'histoire culturelle. L'estampe giclée « Sans titre, carrefour » d'Alice Pasquini exprime avec force le pop art urbain et le graffiti. Grâce à son utilisation caractéristique de la couleur, à ses portraits expressifs et à la technique innovante d'impression giclée, Pasquini continue de tisser un lien profond avec son public. Le caractère limité de cette estampe, associé à sa représentation évocatrice de la vie urbaine, souligne l'importance de l'artiste dans le paysage de l'art contemporain.

Lis Plus Moins

Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

Lis Plus Moins

« Still Human », une œuvre d'art en édition limitée, estampe giclée sur papier aquarelle pressé à froid 300 g/m², par l'artiste de graffiti pop culture Alex Kirzhner.

Lis Plus Moins

Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

Lis Plus Moins

Estampe d'archives Dance At The Garden Block par Faile, édition limitée sur papier d'art Entrada Rag 290 g/m² en coton à bords frangés, style pop graffiti, art urbain moderne. Estampe signée et numérotée, édition limitée à 250 exemplaires (2023). Format : 30,5 x 40,6 cm. Impression pigmentaire d'art. Danseuse dominant un lutteur lors d'un match. « Osez-vous danser au jardin ? » « Dance At The Garden Block » de Faile : une audacieuse intersection entre sport et art L'estampe d'archives « Dance At The Garden Block » de Faile est une œuvre provocatrice et vibrante qui capture l'essence du pop art urbain et du graffiti. Imprimée sur papier d'art Cotton Entrada Rag 290 g/m², cette édition limitée à 250 exemplaires, signée et numérotée (édition 2023), illustre la fusion unique du dynamisme de la culture pop et de l'énergie brute du street art. De format 30,5 x 40,5 cm, elle présente une scène saisissante : une danseuse domine un combat de lutte, une puissante représentation de force et de grâce. Faile, duo d'artistes reconnu pour son street art percutant, propose un récit visuellement saisissant et conceptuellement stimulant. L'image de la danseuse immobilisant son adversaire est riche de sens, remettant en question les représentations traditionnelles de la féminité et du pouvoir. Le texte en arrière-plan, « Do You Dare Dance at the Garden », suggère un défi, peut-être lancé aux normes du monde de l'art et de la société. L'utilisation de pigments d'archivage garantit la pérennité des couleurs et des détails de l'estampe, à l'image de l'impact durable de l'œuvre de Faile sur la conscience collective. Cette pièce, avec ses lignes audacieuses, son esthétique de bande dessinée et la juxtaposition de texte et d'images, illustre parfaitement sa démarche artistique. Ce mélange audacieux de genres et de styles a consolidé la réputation de Faile sur la scène du street art pop. Les lutteurs représentés sont enveloppés dans un fond aux couleurs et motifs éclatants, caractéristique du style de Faile, qui intègre souvent des éléments de publicités vintage et de magazines pulp. Ce mélange d'ancien et de nouveau, de classique et de contemporain, est la marque de fabrique du street art pop et du graffiti, genres connus pour leur réappropriation et leur remixage des références culturelles afin de créer une œuvre inédite. « Dance At The Garden Block » n'est pas une simple image statique ; c'est un dialogue dynamique entre l'œuvre et le spectateur, un dialogue révélateur de l'ensemble du travail de Faile. La capacité du collectif à puiser dans l'énergie et la spontanéité du street art tout en les restituant à travers le médium raffiné des estampes d'art lui permet de toucher un large public, créant ainsi un pont entre la rue et la galerie. Les collectionneurs et les admirateurs de l'œuvre de Faile apprécieront la qualité de l'estampe et l'importance de posséder une pièce représentant un moment charnière dans l'évolution du pop art urbain et du graffiti. « Dance At The Garden Block » témoigne de l'esprit novateur de Faile et de sa contribution durable au discours sur l'art moderne.

Lis Plus Moins

Sérigraphie en édition limitée 3 couleurs tirée à la main sur papier d'art de Shadow Cat X-Women par Rockets Are Red, artiste pop art célèbre et rare. Shadow Cat, personnage de super-héros stylisé de Marvel Comics n° 168

Lis Plus Moins

Lavender Book - Livre d'art rare en édition limitée, sérigraphié et signé, avec des œuvres d'art pop modernes de l'artiste de rue FAILE, issues d'un accord militaire. Édition limitée 2004 à 50 exemplaires. Couverture sérigraphiée représentant une femme triste et choquée, avec l'inscription « Military Deal » en style pochoir. Signée par FAILE au dos de la couverture intérieure. Le collectif d'art urbain new-yorkais Faile a invité des artistes de douze pays différents à créer des œuvres inspirées par la lavande et les a rassemblées dans son quatrième ouvrage thématique et collaboratif. Ce livre inclut un CD de 17 titres, LAVENDER Greatest Hits ! Des artistes, designers et photographes tels que Deanne Cheuk, David Ellis, Shepard Fairey et Stefan Sagmeister ont contribué à l'ouvrage en utilisant une palette de blanc, de noir et de toutes les nuances de violet imaginables. L'ouvrage comprend une introduction de Devon Dikeou (Zing Magazine), un recueil de nouvelles de Griffin Creech et un CD audio. Tirage limité à 3 000 exemplaires. Éditeur : Die Gestalten Verlag, 31 août 2004. ISBN : 3899550366. 140 pages, couverture rigide, avec CD audio.

Lis Plus Moins

Senorita Lockheart, tirages pigmentaires d'archives en édition limitée 16x20 sur papier beaux-arts par Pooch Graffiti Street Artist Modern Pop Art.

Lis Plus Moins

Achetez TITLE Édition limitée Fine Art Archival Pigment Print Art sur papier buvard perforé. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XX Tirage pigmentaire d'archivage sur papier buvard perforé Taille : 7,5 x 7,5 pouces Sortie : 19 avril 2022 Les éditions limitées de buvard sont perforées à la main par Zane Kesey.

Lis Plus Moins

Utopia Artwork Giclée Édition Limitée Impression d'Art de Qualité sur Papier à Gravure Musée Hahnemühle 100% Coton par l'artiste de graffiti pop culture Victo Ngai. Édition limitée à 100 exemplaires. Signée et numérotée. Du fait des conditions de fabrication et de conservation de ces œuvres par l'artiste, de nombreuses estampes anciennes de Ngai présentent un léger jaunissement des marges blanches supérieures et inférieures, sur environ 1 mm. Ce jaunissement n'altère en rien l'image et les estampes sont par ailleurs en parfait état.

Lis Plus Moins

Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

Lis Plus Moins

Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée Bang sur papier beaux-arts 310 g/m² par Camilo Pardo, artiste de rue graffiti, art pop moderne. L'œuvre de Camilo Pardo, créée au fil des ans, est omniprésente à Détroit. On en croise une quantité considérable sur nos autoroutes à toute heure du jour et de la nuit. Surtout connu pour son travail de conception sur la Ford GT, Camilo a insufflé une énergie nouvelle aux courbes de l'acier et nous a rappelé que la première combustion interne d'une voiture prend naissance dans l'esprit d'un artiste.

Lis Plus Moins

« Filles avec des étoiles dans les cheveux 4 », œuvre d’art, impression giclée en édition limitée sur papier d’art épais, par l’artiste de graffiti de la culture pop Gene Guynn.

Lis Plus Moins

Night Ride - Green People, édition limitée, sérigraphie artisanale bicolore sur papier beaux-arts, par John Vogl, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Femme, Vélo, Nuit, Lune, Cheveux verts, Vélo

Lis Plus Moins

Émotions - Pochoir vert, sérigraphie bicolore en édition limitée sur papier beaux-arts, par l'artiste Aiko, œuvre d'art pop contemporaine. Édition limitée à 5 exemplaires, signée et numérotée à la main au pochoir, 2020. Dimensions : 20 x 24 pouces. « Entre hommes et femmes, le débat sur l'égalité dure depuis longtemps, et la situation est sans doute bien plus confortable aujourd'hui. De plus, les nouvelles générations semblent avoir des idées plus pertinentes. Le sujet a beaucoup évolué depuis l'époque de nos grands-parents, voire même avant. Pourtant, les femmes et les minorités sont toujours confrontées à des obstacles que nous devons les aider à surmonter : l'éducation, l'emploi et la santé. J'espère que chacun aura la possibilité de vivre dignement et que chacun pourra saisir sa chance. » – AIKO « Émotions - Pochoir Vert » est une sérigraphie bicolore en édition limitée, réalisée sur papier d'art de haute qualité par la célèbre artiste AIKO. Fruit d'une fusion magistrale d'art pop contemporain, cette œuvre explore avec profondeur toute la gamme des émotions humaines, et plus particulièrement la dynamique entre hommes et femmes. Elle capture un instant, une émotion, une expression qui met en lumière le débat actuel sur l'égalité des genres et les défis rencontrés par les femmes et les minorités. La technique méticuleuse du pochoir, appliquée à la main par AIKO, est manifeste et souligne la force et l'authenticité de son message. Tirée à seulement cinq exemplaires signés et numérotés, cette œuvre mesure 50,8 x 61 cm, ce qui rend chaque tirage exceptionnellement exclusif. Les teintes vertes vibrantes, associées aux éléments contrastés, créent une œuvre visuellement captivante. La technique du pochoir employée par AIKO, traditionnellement associée au street art et au graffiti, insuffle à l'œuvre un sentiment d'urgence et de rébellion, la rendant d'autant plus saisissante. En réfléchissant à l'évolution de l'égalité des genres et des mentalités, AIKO reconnaît les progrès accomplis depuis l'époque de nos grands-parents. Pourtant, elle reste profondément consciente des défis que rencontrent encore les femmes et les minorités dans des domaines tels que l'éducation, l'emploi et la santé. À travers « Émotions - Pochoir Vert », AIKO exprime son espoir ardent d'un avenir où chaque individu, sans distinction de genre ou d'origine, bénéficiera des mêmes chances de s'épanouir. L'œuvre se veut un rappel et un appel à l'action, exhortant la société à garantir à chacun une chance égale de réussir. Dans son ensemble, elle témoigne de l'engagement d'AIKO à donner la parole à celles et ceux qui restent trop souvent inaudibles et de sa détermination inébranlable à susciter le changement par l'art.

Lis Plus Moins

Œuvre sans titre 6, impression giclée en édition limitée sur papier d'art 100% coton, par l'artiste de graffiti pop culture Naoto Hattori. SANS TITRE 6 50,8 x 61 cm (20 x 24 pouces) Impression giclée haute qualité sur papier beaux-arts 100 % coton. Édition signée et numérotée de 50 exemplaires.

Lis Plus Moins

Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

Lis Plus Moins

Sea Also Rises - Wolves of MekHead Island, édition limitée, sérigraphie artisanale 5 couleurs sur papier beaux-arts par Tim Doyle, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Première édition. « Les Loups de l'île de Mekhead », 61 x 91 cm, impression 5 couleurs, tirage limité à 125 exemplaires.

Lis Plus Moins

Safe Passage, dessin original au graphite et aux crayons de couleur, réalisé à la main sur papier d'art à bords frangés par l'artiste pop moderne Craww. Dessin original signé de 2014 sur papier frangé à la main, 13 x 22,5 cm.

Lis Plus Moins

Impression giclée à la peinture en aérosol HPM découpée à la main par Patricia Silver, œuvre de Kevin Stanton, édition limitée sur papier d'art à paillettes superposées, embellie à la main, artiste graffiti pop de rue. 2013. Œuvre signée et numérotée, réalisée à la main avec des paillettes et du papier pailleté. Découpée et embellie à la main. Édition limitée à 4 exemplaires. Dimensions : 11,75 x 15,75 pouces. Impression giclée HPM. Collage sur papier argenté représentant une femme stylisée par Anjelica Huston, inspirée du film « The Darjeeling Limited ». « Patricia Silver » de Kevin Stanton : un hommage d'une précision artisanale L'œuvre « Patricia Silver » de Kevin Stanton est une estampe en édition limitée qui témoigne du talent de l'artiste pour allier la technique traditionnelle du découpage de papier à des techniques modernes comme la peinture aérosol, créant ainsi des pièces résolument ancrées dans le Street Pop Art et le graffiti. Cette œuvre de 2013, signée et numérotée, est une pièce rare, éditée à seulement quatre exemplaires, chacun mesurant 29,8 x 40 cm et réalisé avec minutie sur un papier d'art pailleté multicouche. Cette estampe giclée HPM (multiple peint à la main), rehaussée à la main, présente un collage de papier argenté représentant une femme, offrant une représentation stylisée inspirée du personnage d'Anjelica Huston dans le film « À bord du Darjeeling Limited » de Wes Anderson. Fusion artistique : Esthétique urbaine et influence cinématographique L'œuvre de Stanton, « Patricia Silver », capture l'essence du personnage et du récit grâce à un jeu subtil de lumière, d'ombre et de texture. Elle s'inscrit pleinement dans l'esprit du street art, où des images du quotidien se transforment en icônes saisissantes et mémorables. La ressemblance avec Anjelica Huston est symbolique et évocatrice de la profondeur du personnage, reflétant la manière dont le street art parvient souvent à condenser des histoires complexes en images simples mais puissantes. Le choix du papier argenté évoque une impression d'évanescence, contrastant avec la solidité affirmée de la peinture aérosol – deux médiums qui soulignent la dualité souvent présente dans le street art entre l'éphémère et le permanent. La technique de découpe manuelle méticuleuse de Stanton ajoute une dimension supplémentaire à l'œuvre, témoignant du même soin et de la même attention aux détails que les artistes de rue apportent à leurs fresques monumentales. Célébrer le caractère : un carrefour de formes artistiques La confluence des sensibilités du street art et de l'inspiration cinématographique dans « Patricia Silver » illustre une tendance plus large de l'art contemporain, où les influences interdisciplinaires sont de plus en plus fréquentes. La transposition par Stanton d'un personnage de film en une œuvre découpée à la main témoigne de la perméabilité des disciplines artistiques. Elle célèbre le caractère et la personnalité, à l'instar du graffiti, souvent comme un hommage ou une prise de position socio-politique dans l'espace public. Dans cette œuvre, le personnage de Patricia du « Darjeeling Limited » n'est pas seulement commémoré, mais réinventé à travers le regard artistique unique de Stanton. Cette représentation témoigne de la capacité de l'artiste à distiller l'essence d'un sujet en une forme visuelle à la fois accessible et profonde, à l'image des figures iconiques représentées dans les fresques murales et les installations de street art. Kevin Stanton : Un visionnaire contemporain de l'art du papier découpé Kevin Stanton est une figure visionnaire de l'art contemporain, où les techniques traditionnelles sont réinterprétées avec une perspective résolument moderne. « Patricia Silver » témoigne de son approche novatrice, où l'ancien et le nouveau s'entremêlent harmonieusement en un récit unique et cohérent. Ses estampes en édition limitée ne sont pas de simples œuvres d'art ; ce sont des histoires racontées à travers le papier et la peinture, conçues pour captiver et toucher le public avec autant de force qu'une œuvre de rue. « Patricia Silver » demeure une étape essentielle du parcours artistique de Stanton, illustrant son dévouement à son art et son talent pour la communication visuelle. À l'instar du street art, devenu une composante respectée et incontournable du débat artistique, le travail de Stanton continue de repousser les limites de l'art traditionnel du papier découpé, en le reliant à l'énergie vibrante du pop art et du graffiti.

Lis Plus Moins