Circa 98 - Edición limitada azul de 2 colores, serigrafía impresa a mano sobre papel grueso de archivo libre de ácido por Mike Giant x Dave Kinsey, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. 2014 Firmado y numerado por Dave Kinsey x Mike Giant. Edición limitada de 100 ejemplares. Tamaño de la obra: 18 x 24 pulgadas. Serigrafía.

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Vans x David Bowie Old Skool Aladdin Sane White, talla 12, nuevas de stock antiguo. Zapatillas raras de edición limitada con diseño artístico de colección. Zapatillas Vans Old Skool David Bowie de edición limitada 2019, nunca usadas, nuevas en caja, talla 12. Saca a relucir tu espíritu Ziggy Stardust con las zapatillas Old Skool Aladdin Sane blancas de Vans x David Bowie. Como parte de la colección Vans y David Bowie Archive, estas zapatillas rinden homenaje a uno de los talentos musicales más extraordinarios de todos los tiempos: ¡David Bowie! Con una parte superior blanca iridiscente y los característicos rayos rojos y azules de Bowie estampados en los laterales, estas zapatillas no pasarán desapercibidas. El nombre de David Bowie aparece impreso en el talón con un estilo inspirado en la portada de su álbum de estudio de 1972, Aladdin Insane, mientras que la silueta Old Skool sigue siendo una de las favoritas. -Vans. La fusión artística de las zapatillas Vans x David Bowie Old Skool Aladdin Sane blancas Las zapatillas Vans x David Bowie Old Skool Aladdin Sane blancas fusionan a la perfección el arte pop urbano con el estilo legendario de una de las figuras más icónicas de la música. Lanzadas como edición limitada en 2019, estas zapatillas rinden homenaje al extraordinario legado de David Bowie, en particular a su personaje Aladdin Sane, convertido en símbolo de la expresión vanguardista. La colaboración entre Vans y el Archivo David Bowie dio vida a una colección de calzado que trasciende el mero accesorio de moda para convertirse en una pieza de arte coleccionable. Confeccionadas con una parte superior blanca nacarada, estas zapatillas de talla 46 (12 US) son un lienzo que exhibe el inconfundible rayo rojo y azul, un tributo a la impactante portada del álbum de estudio de Bowie de 1972, "Aladdin Sane". Este elemento de diseño eleva instantáneamente las zapatillas a la categoría de obra de arte para vestir, reflejando la estética glam rock que caracterizó a Bowie. Su diseño distintivo captura el espíritu de rebeldía y la ruptura con las convenciones, características que están en el corazón del legado de David Bowie y del espíritu del arte pop callejero y del grafiti. Resonancia cultural y valor coleccionable de las zapatillas Vans x David Bowie Las zapatillas Vans x David Bowie Old Skool no son solo calzado, sino una declaración de principios que conecta con los fans de Bowie, los coleccionistas de zapatillas y los amantes del arte. Su rareza, sumada a su estado impecable, sin estrenar y en su caja original, aumenta su atractivo como pieza de colección. Estas zapatillas representan la convergencia de la música, el arte y la cultura urbana, encapsulando un momento en el que el espíritu rebelde de la música de Bowie se reflejaba en la escena del arte urbano. La decisión de imprimir el nombre de Bowie en el talón con la tipografía estilizada de la portada del álbum "Aladdin Sane" funciona como una firma, autentificando aún más estas zapatillas como objeto de colección. El valor coleccionable de las Vans x David Bowie Old Skool se ve incrementado por su condición de edición limitada. Al igual que las ediciones limitadas en el mundo del arte, la escasez de estas zapatillas crea una sensación de urgencia y exclusividad entre los coleccionistas. Este atractivo no reside únicamente en su estética, sino también en el prestigio cultural que conlleva llevar o poseer un par de estas zapatillas. En el contexto del arte urbano pop y el grafiti, estas Vans son como una obra de arte de edición limitada, plasmada por un artista en un muro urbano, siendo dicho artista la fusión de la visión creativa de Vans y el Archivo de David Bowie. El legado de Vans y David Bowie en el mundo del arte y la moda La colaboración entre Vans y el legado de David Bowie representa una fusión de moda, música y arte, reflejando el panorama cultural actual donde los límites son cada vez más difusos. La silueta Old Skool de estas zapatillas tiene una rica historia dentro de la cultura del skate y la calle, convirtiéndolas en candidatas ideales para este tipo de intervención artística. La colaboración rinde homenaje a la influencia de la visión artística de Bowie en diversos ámbitos, incluyendo la estética del arte urbano. Bowie era conocido por su capacidad camaleónica de adaptación e influencia, y estas zapatillas fruto de esta colaboración sirven como testimonio de esa adaptabilidad e impacto perdurables. Las zapatillas Vans x David Bowie Old Skool Aladdin Sane White son más que un simple homenaje; son un puente entre el pasado y el presente, entre formas de arte y culturas. Encapsulan el espíritu de una era donde el arte pop callejero y el grafiti no se veían solo como actos de vandalismo, sino como formas legítimas de arte que comentan, reflejan e incluso, en ocasiones, moldean la cultura. A medida que el arte urbano ha ganado reconocimiento en galerías y casas de subastas, estas zapatillas simbolizan el diálogo constante sobre el lugar de la cultura callejera en el discurso artístico y cultural más amplio. Las zapatillas Vans x David Bowie Old Skool Aladdin Sane White son un icono cultural dentro del movimiento del arte pop urbano y el grafiti. Son un emblema portátil de la fusión entre arte, música y moda, que captura el espíritu de la obra revolucionaria de David Bowie y la esencia misma del arte urbano, capaz de conectar con las masas. Como objeto de colección, ocupan un lugar de honor entre quienes valoran la intersección entre el arte y la vida cotidiana, personificando el poder de la colaboración y la perdurabilidad de los iconos culturales.

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Tabla Arts-Rec x Usagi Yojimbo 2022 - Edición limitada de arte fino en blanco y negro, impresión de pigmento de archivo sobre tabla de monopatín de madera de arce de 7 capas por artistas de graffiti de arte callejero en Arts-Rec. Arts-Rec™ se ha unido nuevamente al creador de Usagi Yojimbo, Stan Sakai. Sakai, una leyenda del cómic, ha sido la única mente creativa detrás de Usagi Yojimbo durante más de 30 años. Sakai ha vendido innumerables cómics y ha ganado múltiples premios Eisner (el equivalente en la industria del cómic a los Grammy o los Óscar). Colaboramos con Stan y su equipo para crear estas tablas de skate de edición limitada. Solo se fabricaron 100 tablas en todo el mundo. Cóncavo medio. Construcción de arce de 7 capas. Ancho: 8,7". Largo: 31,75". Distancia entre ejes: 14".

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Basquiat on The Street, edición limitada. Impresiones fotográficas de pigmento de archivo en papel de bellas artes de Ricky Powell, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. 2020 Firmado, numerado y titulado a mano por Ricky Powell. Edición limitada de 75 ejemplares. Tamaño de la obra: 20 x 15 pulgadas. Impresión fotográfica de archivo con pigmentos. Incluye certificado de autenticidad firmado por Powell por segunda vez. «Basquiat en la calle» es una impresión de archivo del fallecido Ricky Powell, un renombrado fotógrafo callejero neoyorquino que capturó la vibrante cultura de la ciudad durante las décadas de 1980 y 1990. Conocido como «The Rickster», Powell fotografió a numerosas figuras icónicas del mundo de la música, el arte y la moda. Esta impresión en particular presenta al legendario Jean-Michel Basquiat, artista estadounidense de ascendencia haitiana y puertorriqueña que alcanzó la fama durante la década de 1980. La obra de Basquiat se caracteriza por su estilo crudo y expresivo, así como por su crítica a la raza, la clase social y la cultura. Su arte a menudo incorporaba elementos similares al grafiti, lo que lo convirtió en una figura clave del movimiento del arte callejero. En «Basquiat en la calle», Ricky Powell captura a Basquiat en su entorno natural, rodeado del paisaje urbano que inspiró su arte. Es probable que la impresión de archivo se haya producido con materiales de alta calidad y libres de ácido para garantizar la durabilidad de la imagen. Estas láminas son muy buscadas por coleccionistas y aficionados tanto de la obra de Basquiat como de la fotografía de Powell.

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Insomnia Artist Proof AP Pop Street Artwork Edición Limitada Impresión Giclée en Papel de Bellas Artes de 300 g/m² del Artista Moderno de Graffiti Urbano Bezt-Etam Cru. Prueba de artista AP 2016 Firmada y marcada "#1" Edición limitada Tamaño 24x14 Edición regular de 100

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Alfombra Mega Keep Watch Edición Limitada Objeto de Arte de Diseño Coleccionable Obra de Arte de Artistas Punk Mishka NYC- МИШКА. Alfombra Mega Keep Watch de edición limitada 2021, 60x60, objeto de arte de Mishka NYC- МИШКА. En excelente estado, usada con cuidado. La alfombra Mega Keep Watch: Una declaración audaz del arte punk En 2021, Mishka NYC, pionera en el mundo de la moda urbana y los accesorios de inspiración punk, lanzó la alfombra Mega Keep Watch. Esta pieza de diseño de edición limitada plasma el icónico motivo "Keep Watch" de Mishka, expandiendo el lenguaje visual característico de la marca al ámbito de la decoración del hogar. Con un impresionante tamaño de 152 x 152 cm, esta alfombra transforma la imagen familiar del ojo vigilante en una obra de arte funcional que capta la atención en cualquier espacio. La fusión visionaria de arte y función de Mishka NYC La alfombra Mega Keep Watch no es una alfombra cualquiera; es un testimonio del compromiso de Mishka NYC con la fusión de la estética punk con objetos cotidianos. El gigantesco diseño de ojo, un elemento constante en el repertorio gráfico de Mishka, es más que un simple logotipo: es un símbolo del espíritu de la marca, caracterizado por una autoexpresión sin complejos y un estilo subversivo. Con su textura esponjosa y borde cosido, la alfombra ofrece durabilidad y comodidad, garantizando que sea tan práctica como visualmente impactante. Al llevar este diseño audaz al hogar, Mishka NYC continúa difuminando las fronteras entre el arte pop urbano, el grafiti y el diseño de interiores. La alfombra Mega Keep Watch se erige como una pieza de arte coleccionable, invitando al hogar al mismo espíritu de rebeldía e inconformismo propio del arte urbano. El significado cultural de los objetos artísticos de Mishka El impacto de la alfombra Mega Keep Watch va más allá de su atractivo estético inmediato; se erige como un artefacto cultural dentro de la narrativa más amplia del arte urbano y el arte pop. Mishka NYC ha explorado constantemente los temas de la vigilancia, el ojo que todo lo ve y el movimiento contracultural, y esta alfombra es una encarnación física de dichos temas. Refleja los orígenes de la marca en las calles de Nueva York, donde el diálogo entre el arte y el entorno urbano es omnipresente. Al ofrecer esta alfombra, Mishka NYC brinda a sus seguidores y coleccionistas un objeto artístico que se inscribe en la tradición del arte urbano. La marca ha logrado capturar la naturaleza efímera del arte urbano —a menudo temporal y expuesto a la intemperie— y transformarla en algo permanente y personal para el hogar. La alfombra Mega Keep Watch de Mishka NYC representa la intersección entre arte, comercio y cultura, ilustrando cómo la sensibilidad punk y del arte urbano puede impregnar y enriquecer los espacios cotidianos. Se trata de una obra impactante que encarna el espíritu del arte pop callejero y el arte del grafiti, continuando el legado de Mishka NYC como proveedor de arte punk en todas sus formas.

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Hirst Dots - Escultura de lata de pintura en aerosol blanca de edición limitada. Obra de arte del artista callejero, leyenda del graffiti y de la cultura pop, Mr Brainwash - Thierry Guetta. 2020 Edición limitada de 150 ejemplares, firmada y numerada. Tamaño de la obra: 3x8. Firmado con huella dactilar y numerado. Incluye caja de presentación personalizada. Pieza de colección ultra rara y de edición limitada de la obra maestra de arte Mr Brainwash de Thierry Guetta: una lata de aerosol pintada con aerosol.

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Compra SKATEBOARD Fine Art Edición limitada Archival Pigment Print Transfer en Cold Pressed Steep Natural Skateboard Deck por Street Artwork Graffiti Artist ARTIST. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Skateboard Artwork Tamaño XXXX INFORMACIÓN

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Obey Star - Serigrafía de gran formato, edición limitada, impresa a mano en 2 colores sobre papel Coventry Rag, 100% algodón, papel de archivo personalizado de Shepard Fairey, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Edición limitada firmada y numerada 2019-2020. Serigrafía de gran formato. Tamaño: 30 x 41 cm. «Obey Star» de Shepard Fairey: Una declaración audaz en el arte pop moderno La obra "Obey Star" de Shepard Fairey es una pieza fundamental en la historia del arte pop urbano y el grafiti. Esta serigrafía de gran formato, impresa a mano sobre papel Coventry Rag —un papel de archivo 100% algodón—, alcanza unas impresionantes dimensiones de 76 x 104 cm. Firmada y numerada por el propio Fairey, esta edición limitada forma parte de una exclusiva serie de 89 ejemplares, lo que refleja su singularidad y la meticulosa atención al detalle del artista. Fairey, figura clave en el mundo del arte desde finales del siglo XX, continúa desafiando los límites con su campaña "Obey", que se ha convertido en sinónimo de su nombre. La obra "Obey Star", creada entre 2019 y 2020, es la esencia de su estilo icónico: un estilo inconfundible e incesantemente imitado. Inspirándose en la obra de Barbara Kruger, el arte de Fairey combina colores vibrantes, imágenes impactantes y una innegable llamada a la acción que resuena profundamente en el ámbito del arte pop moderno. El proceso de serigrafía empleado en "Obey Star" implica una meticulosa técnica de impresión manual que garantiza que cada lámina sea una obra de arte única, con bordes deshilachados a mano que realzan su carácter exclusivo. La firma de Fairey, sello de autenticidad, es un preciado distintivo tanto para coleccionistas como para aficionados. Impacto cultural e innovación artística de "Obey Star" La obra de Fairey se caracteriza a menudo por sus sólidos temas sociopolíticos, y "Obey Star" no es una excepción. La obra es una declaración visual y un comentario sobre la obediencia y las estructuras de poder, temas recurrentes en su producción. La estrella, símbolo frecuentemente utilizado en su trabajo, se transforma en un lienzo para la reflexión y la crítica; su simplicidad oculta la complejidad de su mensaje. La edición limitada de "Obey Star" amplifica su importancia en la comunidad artística. Con solo 89 piezas, la obra es un testimonio del compromiso de Fairey con la calidad y la exclusividad. Los coleccionistas de arte pop urbano y grafiti valoran estas piezas por su mensaje intrínseco, su relevancia cultural y el diálogo que provocan en espacios públicos y privados. A través de "Obey Star", Shepard Fairey continúa desafiando el statu quo, animando a los observadores a cuestionar su entorno y las fuerzas que lo moldean. Su serigrafía sobre papel Coventry Rag no es solo una pieza de coleccionista; Es una obra que captura el espíritu de la época, una declaración de un artista que ha dedicado su carrera a la vanguardia del activismo artístico. En el continuo del arte pop urbano y el grafiti, "Obey Star" es un poderoso ejemplo del potencial del arte para suscitar la reflexión y fomentar el cambio. La creación de Shepard Fairey es un faro del movimiento "Obey", que invita a los espectadores a interactuar con la obra tanto como público pasivo como participantes activos en el diálogo que genera. Esta pieza encarna el espíritu rebelde del arte urbano y la estética refinada del arte pop, tendiendo un puente entre dos mundos que Fairey ha conectado magistralmente a través de su obra.

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Compra TITLE Arte de impresión de pigmentos de archivo de bellas artes de edición limitada en papel secante perforado. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XX Archival Pigment Print en papel secante perforado Tamaño: 7,5 x 7,5 pulgadas Lanzamiento: 19 de abril de 2022 Las ediciones limitadas de papel secante están perforadas a mano por Zane Kesey.

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Let Us Prey - Tatted Marble - Juguete de arte coleccionable de vinilo de edición limitada. Obra de arte del artista de graffiti callejero Frank Kozik. Con sus 25 cm de altura, la figura de vinilo "Let Us Prey" de Frank Kozik representa cómo la cultura pop dedica tiempo a reflejar nuestra economía y posición social actuales, y es la pieza perfecta para recordarnos el equilibrio entre nuestras personalidades en las redes sociales y nuestros verdaderos objetivos de autorrealización. Se muestra con caja

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Toxoplasmosis 1 Impresión artística de edición limitada con pigmentos de archivo en papel Moab Entrada de 290 g/m² del artista pop Casey Weldon. Obra de arte moderna. Edición limitada de 100 ejemplares, firmada y numerada (2017). Tamaño de la obra: 12 x 12 pulgadas.

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Cici N'est Pas Une Mickey Mouse PP Printer Proof Archival Print by Shark Toof Limited Edition Print on 310gsm Fine Art Paper Pop Artist Modern Artwork. Prueba de imprenta PP 2018. Firmada y marcada. Edición limitada PP. Tamaño de la obra: 24 x 18 pulgadas. Impresión artística con pigmentos de archivo. Cici N'est Pas Une Mickey Mouse, o "Esto no es un Mickey Mouse". Explorando "Ceci N'est Pas Une Mickey Mouse" de Shark Toof «Ceci N'est Pas Une Mickey Mouse» es una prueba de imprenta (PP) de archivo que destaca la presencia de Shark Toof en el movimiento del arte pop contemporáneo. Producida en 2018, esta obra es una afirmación artística, firmada y marcada como PP, lo que certifica su autenticidad y rareza como edición limitada. Impresa en papel Fine Art de 310 g/m², la obra emplea pigmentos de archivo, lo que garantiza la viveza de sus colores y la precisión de sus líneas. Con unas dimensiones de 61 x 46 cm (24 x 18 pulgadas), la obra ofrece un gran impacto visual, reflejando la intención del artista de fusionar el mundo del arte pop urbano con la sofisticación de las bellas artes. Arte pop callejero e imágenes icónicas En esta obra, Shark Toof se apropia de la icónica imagen de Mickey Mouse, transformándola en una pieza que trasciende los límites del grafiti y el arte pop urbano. Mickey Mouse, creado por Walt Disney y Ub Iwerks, simboliza la inocencia infantil y la cultura popular estadounidense desde 1928. La interpretación de Shark Toof desafía esta imagen aparentemente inocente, presentando una versión que invita a los espectadores a confrontar los significados complejos que se esconden tras un símbolo tan reconocido mundialmente. De este modo, Shark Toof participa de la gran tradición del arte pop: recontextualizar imágenes familiares para provocar la reflexión y el diálogo. Reflexiones contemporáneas en el arte moderno El título de la obra, "Ceci N'est Pas Une Mickey Mouse", hace referencia directa a "La traición de las imágenes" de René Magritte, una obra que desafía la percepción de la realidad. De manera similar, la obra de Shark Toof invita al público a reconsiderar la imagen de Mickey Mouse, instándolo a profundizar en su comprensión de los iconos de la cultura pop y su significado. Esta pieza no se limita a representar a Mickey Mouse; es un complejo comentario sobre el personaje como producto cultural y su omnipresencia en la conciencia colectiva. Shark Toof utiliza un collage de elementos dispares para componer la figura, insinuando la naturaleza multifacética de Mickey Mouse como un personaje reinventado y reinterpretado a lo largo de décadas: los dientes afilados y la composición fragmentada critican la comercialización de la infancia y la naturaleza depredadora de la cultura de consumo. El Mickey Mouse de Shark Toof simboliza la pérdida de la inocencia ante la explotación comercial. El papel de bellas artes y el pigmento de archivo sitúan esta obra dentro del discurso de la conservación del arte, yuxtaponiendo la naturaleza efímera del arte urbano con la permanencia que buscan las obras de arte clásicas. De este modo, Shark Toof eleva el estatus del arte pop urbano, equiparándolo a las formas artísticas tradicionales y asegurando su legado. «Ceci N'est Pas Une Mickey Mouse» es un testimonio de la habilidad de Shark Toof para explorar las intersecciones entre la cultura pop, el arte urbano y el arte consagrado. Su obra declara que el arte pop urbano y el grafiti no son meras imágenes fugaces en el paisaje urbano, sino declaraciones significativas con el poder de influir, criticar y enriquecer el mundo del arte. A través de esta pieza, Shark Toof contribuye al debate actual sobre el papel y el impacto de la cultura popular en el arte, invitándonos a reflexionar sobre las imágenes que consumimos y los significados que les atribuimos.

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Japón x Times Square - Impresión giclée de edición limitada de 18x24 pulgadas de arte callejero pop en papel de bellas artes del artista moderno de graffiti urbano Shishidomia. Edición limitada de 250 ejemplares, 18x24, impresión japonesa, 2022.

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En la tienda: Impresión giclée de edición limitada de 18x24 pulgadas de una obra de arte pop callejera en papel de bellas artes del artista moderno de graffiti urbano Shishidomia. Edición limitada de 250 ejemplares, 18x24, impresión japonesa, 2022.

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Impresiones de edición limitada Night Nest con pigmentos de archivo sobre papel de acuarela de alta calidad por Jeff Soto, artista callejero de graffiti, arte pop moderno.

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La tabla de skate Juice is Loose Deck Limited Edition Silkscreen presenta un diseño artístico del artista de la cultura pop callejera Hot Fire For Hire.

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José Uribe/ Robot de Futurama - Gigantes. Collage único de técnica mixta, intervenido a mano, sobre tarjeta de béisbol vintage por Pat Riot. Tarjeta vintage Topps de la MLB, original estampada en técnica mixta con capas y arte pop al estilo de José Uribe/Robot de Futurama - Gigantes.

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Shangri-La Blue Edición Limitada Obra de Arte Moderna Enmarcada Impresión Serigráfica Offset Cold Lait Stamp & High Gloss Barnized sobre Papel de Bellas Artes UV del famoso artista pop asiático Takashi Murakami TM/KK. Edición limitada de 100 ejemplares, firmada y numerada (2018). Dimensiones de la obra: 29,5 x 29,5 cm. Dimensiones de la imagen: 26 x 26 cm. Dimensiones del marco: 40,25 x 40,25 cm. Enmarcado a medida con paspartú de 4 pulgadas y cristal acrílico con protección UV. El espectro del arte moderno en Shangri-La Blue En el diverso campo del arte contemporáneo, ciertas obras cautivan la imaginación con sus ricos colores y estética única, convirtiéndose en un fenómeno tanto en la cultura popular como en los círculos artísticos más exigentes. La edición limitada Shangri-La Blue es una de esas obras, magistralmente creada por el famoso artista pop asiático Takashi Murakami. Conocido por su prolífica obra en el ámbito del arte urbano y el grafiti, Murakami presenta una propuesta que fusiona la energía de las calles con la sofisticación del arte de galería, una tendencia que ha experimentado un crecimiento constante en los últimos años. Takashi Murakami: Una figura destacada del arte pop callejero Nacido en Tokio, Takashi Murakami ha dejado una huella imborrable en el panorama del arte moderno, desafiando las categorías tradicionales y adoptando una identidad híbrida que conecta con un público global. Su enfoque, a menudo categorizado como Superflat —término acuñado por él mismo—, refleja una estética plana en el contexto posmoderno japonés que fusiona el diseño gráfico, la cultura pop y las bellas artes. Shangri-La Blue, publicada en 2018, continúa esta tradición con una edición limitada de 100 ejemplares firmados y numerados, lo que garantiza su rareza y atractivo para coleccionistas y aficionados al arte. La obra en sí es un cuadrado de considerables dimensiones, 75 x 75 cm, enmarcado en un marco de 102 cm x 102 cm, lo que le confiere una presencia imponente dondequiera que se exhiba. La imagen, de 66 x 66 cm, ofrece un deleite visual de colores y texturas. El método elegido para su realización —estampado en frío con lámina, combinado con serigrafía con barniz de alto brillo sobre papel artístico UV— subraya el compromiso de Murakami no solo con el impacto visual, sino también con la perdurabilidad y la conservación de su obra. Integridad artística e impacto visual La composición de Shangri-La Blue es una maravilla en sí misma, con una variedad de alegres motivos florales que se han convertido en sinónimo del lenguaje visual de Murakami. Esta obra destaca por su encanto sofisticado y a la vez caprichoso, plasmado en el uso característico de papel artístico con protección UV y barniz de alto brillo que realzan la profundidad y la viveza de los colores. El enmarcado personalizado, que incluye un passepartout de 10 cm y cristal acrílico con protección UV, añade un toque de elegancia y protege la obra de posibles daños ambientales. La obra no es solo un espectáculo visual, sino también una experiencia intelectual, como suele ocurrir con el arte del grafiti, donde la simplicidad superficial a menudo oculta una narrativa más profunda, a veces crítica. Shangri-La Blue de Murakami podría interpretarse como un comentario sobre la comercialización del arte, el placer de la creación o la omnipresencia de la cultura de consumo en la sociedad moderna. Esta ambigüedad es parte de lo que hace que la obra de Murakami sea tan cautivadora y estimulante. En el mundo del arte pop urbano, el nombre de Takashi Murakami se menciona con reverencia; su estilo es inconfundible y frecuentemente imitado, pero jamás igualado. Shangri-La Blue, con su edición limitada y estética distintiva, sigue cautivando al público, fusionando diversas formas de arte y filosofías. Poseer una obra como esta es mucho más que una simple adquisición; es sumergirse en el innovador universo de uno de los artistas más visionarios de nuestro tiempo. La obra de Murakami, con Shangri-La Blue como ejemplo brillante, es una celebración de la vitalidad de la vida y una exploración de los matices de la cultura contemporánea. Es una fusión del pasado y el presente, de Oriente y Occidente, cada vez más relevante en nuestro mundo interconectado. Su obra no se limita a colgar en la pared; vive, respira y sigue influyendo en la trayectoria del arte moderno. Como cada pieza que Murakami crea, Shangri-La Blue es un testimonio de su genio: un genio que continúa definiendo y redefiniendo la esencia del arte pop urbano y el grafiti.

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Marcador Supreme Pilot - Edición Limitada Negra, Escultura de Pintura, Diseño Artístico. Temporada FW18 Color Negro Fecha de lanzamiento 10/11/2018.

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Melting Dob - Edición limitada azul hielo, juguete de arte coleccionable de PVC, obra de arte del artista de la cultura pop moderna Takashi Murakami TM/KK. 2022 16x15x11.5 Edición Limitada Vinilo PVC Fundido Pintado con Soporte de Disco Metálico Nuevo en Caja. "Melting Dob - Ice Blue" es una cautivadora pieza de arte coleccionable de Takashi Murakami, pionero del arte pop contemporáneo. Esta edición limitada de 2022 es una representación distintiva del icónico estilo "Superflat" de Murakami, término que él mismo acuñó para describir la fusión única de las tradiciones artísticas clásicas japonesas con la cultura pop contemporánea. Esta pieza en particular es un testimonio de la maestría de Murakami para difuminar las fronteras entre la alta y la baja cultura, un concepto profundamente arraigado en la esencia del arte pop. "Melting Dob - Ice Blue" está elaborada en vinilo PVC fundido y pintado, y se presenta sobre una brillante base metálica en forma de disco, resaltando la predilección del artista por combinar técnicas artísticas tradicionales con materiales industriales. Las dimensiones de esta impactante pieza son 40,6 x 38,1 x 29,2 cm, lo que subraya su imponente presencia como obra escultórica. El personaje de Murakami, el Sr. Dob, convertido en un ícono cultural, da vida a esta interpretación. Los rasgos del personaje se derriten, sugiriendo un estado de cambio constante o un comentario sobre la naturaleza efímera de la cultura pop. Esta expresión resuena con la fluidez y la dinámica siempre cambiante del arte pop urbano y el grafiti, donde la permanencia suele ser esquiva. Cada "Melting Dob - Ice Blue" forma parte de una edición limitada, nueva en su caja, lo que garantiza que los coleccionistas adquieran una pieza de arte y una experiencia envuelta en la novedad de la visión creativa de Murakami. Esta obra ejemplifica la influencia de Murakami en el movimiento de los juguetes de arte, que fusiona el coleccionismo con las bellas artes, un ámbito que Murakami explora con reconocido éxito. Los coleccionistas y entusiastas del arte pop urbano y el grafiti aprecian piezas como "Melting Dob - Ice Blue" por su capacidad de capturar la esencia de la cultura contemporánea a la vez que se fundamentan en el discurso artístico. La obra de Murakami une lo coleccionable y lo conceptual, una encarnación física del legado perdurable del arte pop en el mundo del arte moderno.

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Cabina telefónica - Impresión giclée de edición limitada de 18x18 de una obra de arte pop callejera sobre papel de bellas artes del artista moderno de graffiti urbano Shishidomia. Edición limitada de 250 ejemplares, 18x18, impresión japonesa, 2022.

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Rascal en el Fleetline '47 PP. Prueba de impresión de archivo de Estevan Oriol. Edición limitada impresa en papel Moab Entrada Fine Art de 290 g/m². Obra de arte moderna de artista pop. Prueba de imprenta PP 2018. Firmada y marcada. Edición limitada PP. Tamaño de la obra: 24 x 17 pulgadas. Impresión artística con pigmentos de archivo. Revelando narrativas callejeras en el arte El arte pop callejero y el grafiti son distintivos de la cultura visual contemporánea, difuminando a menudo las fronteras entre el arte elevado y la experiencia urbana cotidiana. La obra "Rascal In The '47 Fleetline" de Estevan Oriol es un ejemplo impactante de este género, donde la imaginería es tan potente en su estética como en su comentario cultural. Esta pieza en particular es una impresión de archivo, una prueba de imprenta (PP) de 2018, y ofrece una mirada cruda y sin filtros a la cultura callejera a través del prisma del arte moderno. La obra de Estevan Oriol captura la esencia de la calle de una manera que transmite autenticidad y una crudeza que suele estar ausente en las formas de arte tradicionales. El Fleetline del '47, un automóvil que resuena con la cultura chicana y la comunidad lowrider, se convierte en un lienzo para expresar identidad, resiliencia y orgullo. El personaje de Oriol, Rascal, no es simplemente una figura, sino la representación de una narrativa más amplia que refleja las experiencias de quienes a menudo son marginados en la sociedad. La intensidad de la mirada de Rascal y los nítidos detalles de los tatuajes que adornan su piel cuentan una historia personal y colectiva. Técnica y medio en el arte pop callejero Los aspectos técnicos de la impresión de Oriol son tan notables como su temática. La elección del papel Moab Entrada Fine Art de 290 g/m² es deliberada, ya que ofrece un gramaje y una textura que aportan profundidad a las imágenes en blanco y negro. El pigmento de archivo utilizado en la impresión garantiza su durabilidad, permitiendo que la obra se conserve como un documento histórico de la época que representa. La firma de Oriol y la indicación de «Prueba de Imprenta» señalan su exclusividad y su valor como pieza de colección dentro del mundo del arte pop urbano. Resonancia cultural del arte del grafiti Aunque no se trata de grafiti en el sentido tradicional, la obra de Oriol posee una energía e impacto similares. El término «arte urbano» suele evocar imágenes de paredes pintadas con aerosol y grafitis, pero ha evolucionado hasta abarcar un espectro más amplio de expresiones visuales callejeras. Con su cuidada composición y sus marcados contrastes, la impresión de Oriol comunica la rebeldía y la audacia del grafiti. Es un instante preciso de la cultura callejera, elevado a la categoría de arte, pero inseparable del asfalto y el hormigón que conforman su telón de fondo. La intersección de la cultura callejera con el mundo del arte, como se aprecia en «Rascal In The '47 Fleetline» de Oriol, es un testimonio de la evolución de las percepciones sobre lo que constituye el arte. Esta pieza de edición limitada no es solo la representación de un momento o de un individuo, sino un profundo comentario sobre la sociedad de la que surge. Captura el espíritu del arte pop urbano y del grafiti, transmitiendo un mensaje que se siente tanto como se ve.

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Cuarenta obras de arte de Joe Hood Goodz Metal, edición limitada, impresión UV sobre letrero de metal del artista de graffiti de la cultura pop Sket-One. Letrero metálico artístico 2021 Forty Joe Hood Goodz de Sket-One - Edición abierta exclusiva de IamRetro, 30,5 x 45,7 cm (12 x 18 pulgadas), impresión UV, orificios centrales superior e inferior para colgar fácilmente. Diseñado por Sket-One.

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Freddie Mercury Queen Edición Super Limitada Británica Impresión Giclée en Papel de Bellas Artes por Mike Mitchell Artista Callejero Contracultural. 2013 Firmado y numerado en el reverso. Edición limitada de 100 ejemplares. Tamaño de la obra: 4x6. Impresión giclée de Mike Mitchell de Superman Clark Kent en pose estilizada con Freddie Mercury, de la famosa banda de rock and roll inglesa Queen. Freddie Mercury en el arte pop callejero y el grafiti Freddie Mercury sigue siendo una de las figuras más icónicas visualmente y aclamadas artísticamente en la historia de la música. Su presencia en el arte urbano y el grafiti es testimonio de su perdurable influencia como artista, ícono de estilo y símbolo cultural. La imaginería asociada a él, desde sus extravagantes atuendos de escenario hasta su legendario vestuario en Live Aid, ha inspirado a artistas urbanos y creadores de arte pop a reinterpretar su figura de maneras audaces y poco convencionales. El impacto de la imagen de Freddie Mercury en el arte Freddie Mercury fue conocido por sus actuaciones teatrales, su audaz autoexpresión y su estética vanguardista, convirtiéndolo en un sujeto ideal para el arte pop urbano y el grafiti. Su inconfundible bigote, sus gafas de sol de aviador y su dinámica presencia escénica han sido plasmados en murales, plantillas y grafitis de gran formato por todo el mundo. Los artistas suelen representarlo con su atuendo del Live Aid, coronas regias o trajes vibrantes, a menudo utilizando colores neón brillantes y fondos psicodélicos para reflejar su personalidad audaz. Los artistas urbanos han incorporado sus letras, eslóganes y retratos al paisaje urbano, transformando los espacios públicos en homenajes a su influencia. Su potente voz y su innegable carisma lo convierten en una musa natural para los artistas pop que celebran la individualidad, la excentricidad y la rebeldía. La fusión de la música y las artes visuales permite que la imagen de Freddie Mercury siga inspirando a nuevas generaciones a través de interpretaciones urbanas contemporáneas. Freddie Mercury como símbolo cultural en el grafiti y el arte pop Artistas de grafiti y creadores de arte pop han adoptado a Freddie Mercury como símbolo de confianza, autoexpresión y ruptura con las normas sociales. Su presencia en el arte pop urbano y el grafiti suele representar temas de libertad, rebeldía y orgullo LGBTQ+, ya que sigue siendo una figura perdurable en los debates sobre identidad y valentía artística. Su singular capacidad para fusionar rock, ópera y teatro ha inspirado a innumerables artistas a representarlo de formas dinámicas y poco convencionales, desde retratos hiperestilizados con esténcil hasta murales de gran formato. Los artistas frecuentemente lo sitúan en paisajes oníricos psicodélicos, contrastes minimalistas en blanco y negro o expresivos collages de arte pop, a menudo rindiendo homenaje a sus extravagantes actuaciones. Muchas obras incorporan letras de las canciones más famosas de Queen, como "We Will Rock You" o "Don't Stop Me Now", reforzando la energía y la pasión que transmitía en cada actuación. El legado de Freddie Mercury en el arte urbano Freddie Mercury sigue siendo una figura emblemática del arte pop urbano y el grafiti, célebre por su presencia electrizante y su influencia sin parangón en la música y la cultura. Su capacidad para trascender géneros, estilos y normas garantiza que siga siendo un referente en las artes visuales, especialmente en obras que celebran la audacia y la creatividad. Ya sea representado en colores vibrantes, murales callejeros con esténcil o grabados conceptuales de arte pop, la presencia artística de Freddie Mercury continúa inspirando y cautivando al público de todo el mundo.

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Ganas Dignidad y Amor - Serigrafía de edición limitada en crema, de 3 colores, impresa a mano sobre papel de bellas artes por Ernesto Yerena. Arte callejero raro. Famoso artista de arte pop. Edición limitada de 100 ejemplares, firmada y numerada, de 2014. Obra de arte de 8x10 pulgadas.

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Orientaciones de la noche I Serigrafía de Cleon Peterson sobre papel Coventry Rag Fine Art Paper de 290 g/m² con bordes irregulares. Obra de edición limitada. 2025 Firmado y numerado Cleon Peterson Edición limitada de 50 obras de arte Tamaño de la obra 12x16 Impresión serigráfica. Orientaciones de la noche II por Cleon Peterson Orientations of the Night II es una serigrafía de 2025 de Cleon Peterson, realizada sobre papel Coventry Rag de 290 g/m² con bordes irregulares. Con un tamaño de 30,5 x 40,6 cm, esta edición limitada de 50 ejemplares, firmada y numerada, refleja la incesante exploración de Peterson sobre la dominación, el conflicto y el desequilibrio a través del lenguaje del minimalismo moderno y la alegoría antigua. Reconocido por sus siluetas gráficas y composiciones viscerales, Peterson fusiona las prácticas de las bellas artes con una estética urbana cruda, vinculando esta obra directamente con las corrientes visuales y filosóficas del arte pop urbano y el grafiti. Lenguaje visual y marco conceptual La imaginería de Orientations of the Night II presenta dos figuras humanas entrelazadas, ejecutadas en un marcado contraste de negro, blanco y oro metálico. Cada figura está dibujada con una anatomía exagerada y una distorsión estilizada, encajadas en una composición que evoca combate, intimidad y tensión psicológica. Los cuerpos blancos y dorados se entrelazan en una lucha simétrica, sugiriendo una eterna tensión entre dualidades: luz y sombra, contención y agresión, víctima y opresor. A diferencia de muchas composiciones tradicionales de equilibrio, la obra de Peterson despoja a la simetría de su serenidad, revelando en su lugar una escena de inestabilidad envuelta en armonía visual. Esta doble lectura es un rasgo distintivo de su arte pop callejero y su obra de grafiti: la seducción a través de la belleza formal, seguida de la confrontación a través de la incomodidad narrativa. Producción y presentación La técnica de serigrafía empleada en Orientations of the Night II realza los marcados contrastes y la precisión textural de la obra. La tinta dorada se imprime junto a pigmentos blancos y negros sobre papel Coventry Rag de 290 g/m², un papel de alta calidad conocido por su durabilidad y sus elegantes bordes irregulares. Este método refleja no solo la maestría técnica de Peterson, sino también su compromiso con la elevación de temas urbanos contemporáneos dentro de un contexto formal de bellas artes. La edición limitada de la obra subraya su valor para coleccionistas, pero también la sitúa dentro de un ensayo visual más amplio, donde cada edición aborda diferentes aspectos de la exploración, en constante evolución, de las estructuras de poder por parte de Peterson. El lugar de Cleon Peterson en el arte pop callejero y el grafiti Cleon Peterson, nacido en Estados Unidos, se ha convertido en uno de los artistas más provocadores, tanto intelectual como visualmente, dentro del movimiento del arte pop urbano y el grafiti. Su imaginería, si bien influenciada por figuras clásicas y composiciones mitológicas, siempre refleja la lucha contemporánea. Sus figuras suelen estar inmersas en una violencia ritual, que alude a los ciclos de abuso, la corrupción institucional y la fractura social. Lo que distingue su obra en el panorama del arte urbano no son las letras del grafiti ni las piezas de gran formato, sino una gramática visual cruda que comparte la urgencia y la rebeldía de la cultura del grafiti. «Orientations of the Night II» es una continuación de esta filosofía, plasmada con un detalle impactante y cargada de la energía de la resistencia y la reflexión. No es solo una obra de arte: es una confrontación, una meditación y un espejo que refleja las estructuras que definen y dividen la experiencia humana moderna.

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Serigrafía "Blue & Baby Blue Sedation in Bloom" de Shepard Fairey- OBEY. Impresa a mano sobre papel de bellas artes color crema con motas. Edición limitada. Obra de arte de Obey, artista de la cultura pop. 2021 Firmado por Shepard Fairey- OBEY y Edición Limitada Numerada de 150 Tamaño de la obra 18x24 Serie de serigrafías Sedation in Bloom. «Originalmente, trabajé en este diseño de amapolas como parte de mi colaboración con el artista Gordon Cheung. En nuestra obra, abordamos el trágico asesinato de Vincent Chin y el uso histórico de imágenes y símbolos anti-asiáticos en la cultura occidental. La amapola es una flor hermosa con muchas interpretaciones simbólicas, como la paz, la muerte, el sueño y la sedación. A menudo incorporo motivos florales y decorativos en mi arte para atraer al espectador y hacer más accesibles conceptos complejos. Sin embargo, el atractivo decorativo puede adormecer a las personas y distraerlas de problemas sociales más importantes. Ya sea en el entretenimiento, el alcohol, las drogas o el consumo ostentoso, creo que la sedación es una de las principales causas de la complacencia e ignorancia social y política. ¡Estas láminas de "Sedación en Flor" cumplen la doble función de ofrecer una vía de escape decorativa y, a la vez, recordarnos que debemos permanecer despiertos y conscientes!» -Shepard Fairey- OBEY. El lenguaje visual de la vigilancia: Los tonos azules de Shepard Fairey La serigrafía «Blue & Baby Blue Sedation in Bloom» de Shepard Fairey encapsula la esencia del arte pop urbano y el grafiti, fusionando una sólida estética con un profundo comentario social. Fairey, artista urbano contemporáneo estadounidense, surgió del mundo del skateboarding y rápidamente alcanzó la fama, dejando su huella con su estilo distintivo y sus mensajes de fuerte contenido político. La resonancia de las amapolas en la obra de arte de Fairey La serie «Sedation in Bloom», con sus vibrantes tonos azules, refleja la profunda conexión de Fairey con esta forma de arte y el mensaje que transmite. Cada pieza de esta edición limitada de 150 ejemplares está impresa a mano sobre papel de bellas artes color crema con motas, lo que garantiza la calidad y textura únicas de cada impresión. Las dimensiones de la obra, 45,7 x 61 cm, ofrecen un lienzo lo suficientemente amplio para que los intrincados detalles y las sutiles interacciones de color se manifiesten plenamente. En esta serie, la amapola funciona como un símbolo rico en contradicciones. Representando la paz, la muerte, el sueño y la sedación, estas flores son más que simples elementos decorativos; comentan las múltiples maneras en que la sociedad se relaciona con estos conceptos. Fairey atrae a los espectadores mediante el uso de motivos florales y ornamentales, solo para confrontarlos con las implicaciones más profundas e inquietantes de la obra. Las cualidades seductoras de las amapolas se yuxtaponen con la idea de que tal belleza puede distraer de problemas sociales acuciantes, sumiendo al público en un estado de complacencia. El arte de Fairey como recordatorio para permanecer conscientes La colaboración de Fairey con Gordon Cheung en este proyecto trasciende el lienzo, adentrándose en la trágica narrativa del asesinato de Vincent Chin y el contexto histórico del sentimiento anti-asiático. El arte con motivos de amapolas surgió de este esfuerzo conjunto, enfatizando aún más el potencial del arte pop urbano no solo para representar, sino también para desafiar y deconstruir narrativas históricas y culturales. Las impresiones de «Blue & Baby Blue Sedation in Bloom» son emblemáticas de la visión artística de Fairey: servir como vía de escape estética y, a la vez, como un poderoso recordatorio para permanecer alerta y consciente. A través de esta obra, Fairey reafirma su convicción de que la sedación, ya sea mediante el entretenimiento, el abuso de sustancias o el atractivo del consumo, juega un papel significativo en el fomento de la ignorancia social. En la serena belleza de los tonos azules reside una llamada a despertar del letargo seductor y a involucrarse activamente con las realidades más desafiantes del mundo. La obra «Blue & Baby Blue Sedation in Bloom» de Shepard Fairey no solo da testimonio de su destreza artística, sino que también ilustra vívidamente la doble naturaleza del arte en la cultura pop urbana. Encapsula la dualidad entre la sedación y la vigilancia, instando a apreciar la belleza a la vez que aboga por una sociedad consciente y comprometida. A través de esta serie, Fairey continúa demostrando el papel influyente del arte pop urbano para generar diálogo e inspirar un despertar colectivo a las corrientes sociales y políticas de nuestra época.

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Sueños de verano: Impresión giclée de edición limitada con ilustraciones de HPM en papel de bellas artes del artista de graffiti de la cultura pop Alex Garant. Decorado y dibujado/pintado a mano con gran detalle, incluyendo pintura metálica dorada. Serie de 15 piezas.

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Objeto artístico de cereal Monsters Franken Berry de Kaws - Brian Donnelly, edición limitada, pieza de colección de diseño, obra de arte pop. Cereal de desayuno Franken Berry Ghost de General Mills, estilo Kaws. 2022. Ya no se fabrica. Producto sin abrir. No apto para el consumo humano. Tamaño: 7,5 x 10 cm. No ingerir. Objeto artístico de cereal Franken Berry de Monsters, por Kaws La obra de arte Monsters Franken Berry Cereal Object Art de Kaws, también conocido como Brian Donnelly, es una pieza de colección de edición limitada que reinterpreta el popular cereal de General Mills a través del prisma del arte pop urbano. Lanzada en 2022, esta caja de cereal sin abrir ya no se fabrica, lo que la convierte en una pieza de arte rara y muy codiciada. Con unas dimensiones de 19 x 25 cm, la obra presenta al icónico personaje Franken Berry con el estilo artístico distintivo de Kaws. Si bien esta pieza se asemeja a un cereal de desayuno tradicional, está explícitamente etiquetada como no apta para el consumo y está destinada a ser un objeto de arte. La nostalgia se encuentra con el arte contemporáneo El cereal Franken Berry, lanzado en 1971, es un clásico de la línea de cereales de monstruos de General Mills. La reinterpretación del personaje por parte de Kaws incorpora sus característicos ojos en forma de X y sutiles retoques de diseño que le dan un toque moderno y transgresor a la nostálgica imagen de marca. Los vibrantes tonos rosas de la caja, combinados con la representación lúdica y surrealista de Franken Berry, la convierten en una pieza visual impactante. Esta fusión de nostalgia y arte contemporáneo ejemplifica la habilidad de Kaws para transformar objetos de consumo cotidianos en coleccionables que invitan a la reflexión y desafían los límites tradicionales del arte y el diseño. La visión de Brian Donnelly (Kaws) Brian Donnelly, conocido artísticamente como Kaws, es un aclamado artista cuyo trabajo abarca el grafiti, el arte pop urbano y el diseño de objetos de colección. Su carrera comenzó con el grafiti en la década de 1990 y evolucionó hasta convertirse en un fenómeno global que fusiona el arte comercial y las bellas artes. Los motivos característicos de Kaws, como los ojos en forma de X y los personajes inspirados en dibujos animados, son fácilmente reconocibles y se han aplicado a diversos medios, incluyendo esculturas, moda y obras de arte de edición limitada. La obra de arte «Monsters Franken Berry Cereal Object Art» refleja el enfoque lúdico pero crítico de Kaws hacia la cultura de consumo, transformando un producto cotidiano en un objeto de arte coleccionable. Un artefacto raro y de colección Esta pieza de colección de edición limitada es un ejemplo de cómo Kaws transforma artículos de producción masiva en objetos de arte exclusivos. La caja de cereal sin abrir conserva su forma original, con añadidos artísticos que la elevan más allá de un simple empaque. Su tamaño compacto de 19 x 25 cm permite diversas opciones de exhibición, convirtiéndola en el complemento perfecto para cualquier colección de arte pop urbano o juguetes de diseño. La rareza de la pieza, combinada con su conexión con un producto icónico y un artista consagrado, garantiza su valor como objeto de colección. «Monsters Franken Berry Cereal Object Art» de Kaws es más que un guiño nostálgico a un clásico de la infancia: es una ingeniosa exploración de la cultura de consumo a través del arte pop urbano. Al fusionar el conocido personaje de Franken Berry con su estilo distintivo, Kaws crea un diálogo entre pasado y presente, producción masiva y bellas artes, convirtiendo esta pieza en una joya de las colecciones de arte contemporáneo.

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Compre TÍTULO Impresión de serigrafía de 4 colores tirada a mano en MEDIANO por Desirable Artist ARTIST Obra de arte pop de edición limitada. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Tamaño de la obra de arte XXXX INFORMACIÓN

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El perdón es divino. Edición limitada. Serigrafía de dos colores impresa a mano sobre papel de bellas artes por Mitch Ansara, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Nunca pagues el precio completo por una pizza que llega tarde. Publicidad de Pizza Hut con estilo pop art.

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Compre TÍTULO Edición limitada Impresión tipográfica a mano en 2 colores en MEDIANO por ARTISTA Arte pop graffiti artista famoso arte. INFORMACIÓN

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Cabeza de oso disecada - Edición limitada de Kickstarter, juguete de vinilo coleccionable, obra de arte del grafitero callejero Luke Chueh. El icónico diseño de cabeza de oso de Luke Chueh, con un cuarto de corte al descubierto que deja ver el cráneo humano en su interior. Fabricado en vinilo totalmente pintado.

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Headspace - Set 1 - Edición Limitada - Juguete de Vinilo Coleccionable - Obra de Arte del artista de graffiti callejero Luke Chueh. Figura de vinilo de edición limitada Headspace 2016, exhibida en su caja. Criatura diabólica original con traje blanco y varios cascos con máscaras faciales de osos y un conejo. La fusión del arte pop callejero y el grafiti en Headspace Set 1 de Luke Chueh En el dinámico ámbito del arte contemporáneo, la fusión del arte pop urbano y el grafiti ha dado lugar a cautivadoras y provocadoras piezas de colección. El Headspace Set 1 emerge como la quintaesencia de este género híbrido. Esta figura coleccionable de vinilo de edición limitada, creada por el renombrado artista de grafiti urbano Luke Chueh, representa una intersección tangible entre el arte accesible y la narrativa personal del artista. Lanzada en 2016, esta colección no es simplemente un juguete, sino una declaración, una muestra de la psique del artista plasmada en tres dimensiones. El Headspace Set 1 es un testimonio de la estética distintiva de Chueh, un estilo que ha consolidado su lugar en la historia del arte urbano. El set se compone de un cuerpo y tres cabezas intercambiables, lo que permite un grado de personalización que refleja el lienzo en constante evolución del paisaje urbano. El impoluto traje blanco de la figura central es un lienzo en sí mismo, que evoca los muros en blanco sobre los que los artistas urbanos plasman sus visiones. Las cabezas adicionales —osos y un conejo, junto con la criatura diabólica original— funcionan como máscaras, revelando la naturaleza multifacética de la identidad y la percepción en el mundo moderno. La obra de Luke Chueh se caracteriza por su dinamismo, que a menudo yuxtapone la inocencia con lo macabro. La serie Headspace es particularmente ilustrativa, ya que se inspira en las diversas influencias que han moldeado la vida y la carrera de Chueh. Cada cabeza intercambiable representa un aspecto diferente de las experiencias e inspiraciones del artista. El oso, un motivo recurrente en su obra, podría simbolizar la lucha y la resiliencia en su trayectoria. En contraste, la cabeza de conejo podría significar astucia y adaptabilidad, mientras que la fachada diabólica quizá refleje las reflexiones más oscuras del artista. El impacto de Headspace en el arte coleccionable y la cultura pop El lanzamiento de Headspace Set 1 fue mucho más que una simple iniciativa comercial; fue un evento cultural que resonó entre coleccionistas y entusiastas del arte pop urbano. Su carácter de edición limitada añade un toque de exclusividad y deseo, reflejando la naturaleza efímera del arte urbano: presente hoy, ausente mañana. Los coleccionistas de estas piezas no solo adquieren un objeto físico, sino que se hacen con un fragmento de la narrativa, un capítulo de la historia del artista. Además, la serie Headspace ha desempeñado un papel fundamental en la consolidación de los juguetes de vinilo en el mercado del coleccionismo. Estos artículos han pasado de ser simples juguetes a codiciadas obras de arte, ocupando un nicho único donde el arte y la producción se fusionan. Headspace Set 1 de Chueh ejemplifica cómo el espíritu rebelde del arte urbano y el atractivo masivo del arte pop pueden condensarse en una sola forma tangible. El juguete de vinilo se convierte en un medio a través del cual la narrativa del arte pop urbano puede seguir expandiéndose más allá de los límites de las galerías. El espacio mental y la evolución del arte del grafiti callejero El Headspace Set 1 también reflexiona sobre la evolución del arte del grafiti. Considerado antaño una actividad marginal, el mundo del arte ha acogido el grafiti, y artistas como Chueh han sido fundamentales en esta transición. Al incorporar la esencia del grafiti a sus creaciones en vinilo, Chueh desafía los límites tradicionales de las bellas artes. Traslada la voz cruda y sin filtros de la calle a un formato accesible y digno de galería. El éxito y la popularidad de este set subrayan la evolución de la percepción del arte urbano y sus creadores. Lejos de ser vilipendiados como vándalos, artistas como Luke Chueh son reconocidos como contribuyentes legítimos e influyentes al diálogo del arte contemporáneo. Con sus figuras de vinilo, la serie Headspace se convierte en un medio que democratiza el arte, ofreciendo una puerta de entrada a quienes quizás no tengan acceso o interés en los ámbitos más esotéricos de las bellas artes. En conclusión, el Headspace Set 1 de Luke Chueh se erige como un hito en el arte pop urbano y el grafiti. Encapsula la esencia de la expresión personal y cultural que constituye el núcleo de la visión artística de Chueh. El set no es solo un objeto de colección, sino una narrativa multifacética, una pieza de la historia del arte y un puente entre la calle y la galería. Su influencia trasciende los límites de sus componentes, moldeando el debate sobre qué es y qué puede ser el arte en el contexto de la cultura popular.

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Pup Art - Escultura de lata de pintura en aerosol roja de edición limitada. Obra de arte del artista callejero, leyenda del graffiti y de la cultura pop, Mr Brainwash - Thierry Guetta. Edición limitada de 150 ejemplares, firmada y numerada (2020). Tamaño de la obra: 3x8 pulgadas. Firmado con huella dactilar y numerado. Incluye caja de presentación personalizada. Exclusivo y muy raro: Mr. Brainwash, la obra de arte en aerosol de edición limitada de Thierry Guetta.

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Impresiones de edición limitada Float con pigmentos de archivo en papel Moab Fine Art de 290 g/m² de Josh Keyes, artista callejero de graffiti y arte pop moderno. La idea de ambas pinturas me rondó la cabeza durante meses antes de que la imagen tomara forma. Pasé tiempo viendo vídeos de misiones de la NASA y mirando las estrellas por la noche, pensando en qué pasaría si... Estuve mucho tiempo indeciso sobre si pintarlas o no. El espacio exterior era un escenario muy diferente a mi trabajo anterior. Trabajé en otras pinturas, pero la idea del espacio profundo e infinito seguía presente. Supongo que el punto de inflexión fue simplemente lanzarme y ver qué pasaba. Conocía las hermosas pinturas de astronautas de Jeremy Geddes y quería encontrar mi propia voz para abordar este tema. Creo que logré expresar lo que me propuse. Me gustaría retomar este tema en el futuro. Creo que las imágenes son interesantes y originales, y cuando veo la impresión, me transporta a un lugar muy, muy lejano. Me gusta el arte que me deja un poco confundido y con preguntas sin respuesta. Si necesitas otra razón, la calidad del papel y la impresión son excelentes. - Josh Keyes Josh Keyes se mueve con igual soltura entre el surrealismo y el realismo. Por contradictorio que parezca, su arte logra equilibrar la precisión fisiológica y un fotorrealismo extremo con una escenografía e interacciones eco-surrealistas. El contexto teórico de su obra se vincula con temas mitológicos y folclóricos —en especial las leyendas e historias de los nativos americanos— y con las imágenes que existen entre los sueños y las pesadillas, para expresar una profunda ansiedad e incertidumbre existenciales.

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OxyBunny Blotter Paper Edición Limitada Impresión de Pigmento de Archivo Arte en Papel Secante Perforado por Ben Frost Arte de la cultura pop y el LSD. Impresión de pigmentos de archivo sobre papel secante perforado. Tamaño: 7,5 x 7,5 pulgadas. Lanzamiento: 19 de abril de 2021. Las ediciones limitadas en papel secante están perforadas a mano por Zane Kesey y pueden variar ligeramente del ejemplo mostrado. La esencia del comentario de Frost se basa en subvertir el significado y los mensajes promovidos por los medios de comunicación convencionales. En otras palabras, y como él mismo ha afirmado: «Cuanto menos llenes tu mente con las trampas de la publicidad y la mala televisión, más espacio tendrás en tu cerebro para cosas valiosas». Al mismo tiempo, su visión de la cultura pop moderna resulta igualmente convincente. Los medios de comunicación convencionales, la publicidad y la política se identifican como algunos de sus principales campos de interés, que utiliza y mezcla de forma provocadora. El término «provocador» no se emplea al azar. Lo que hace el arte de Ben Frost es, esencialmente, la apropiación y la instrumentalización de imágenes contra el mismo sistema que las originó.

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Obra de arte "Dulces Sueños", impresión giclée de edición limitada en papel Hahnemühle Museum Etching 100% algodón, del artista de graffiti de la cultura pop Victo Ngai. Edición limitada de 100 ejemplares. Firmada y numerada. Imagen original creada para el relato romántico "Dulces sueños" de Peter Stamm, publicado en la revista The New Yorker. Debido a la forma en que el artista creó y almacenó esta obra, muchas de las impresiones antiguas de Ngai presentan un ligero amarilleo en los márgenes blancos superior e inferior, de aproximadamente 1 mm de longitud. Esto no afecta en absoluto a la imagen y, salvo este detalle, las impresiones son perfectas.

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Si el dinero no existiera, ¿seguirías persiguiendo tu sueño? Serigrafía de edición limitada, impresa a mano en un solo color sobre papel de bellas artes por Hijack. Arte callejero raro. Famoso artista de arte pop. Título: Si el dinero no existiera, ¿seguirías persiguiendo tus sueños? Artista del póster: Hijack, hijo de Mr. Brainwash MBW. Edición: Primera edición firmada a mano, numerada y con huella dactilar impresa (solo 92 ejemplares). Año: 2015. Tipo: Póster serigrafiado de edición limitada sobre papel de archivo rasgado a mano. Tamaño: 22,5 x 30 cm.

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Escultura de madera de edición limitada "Zapato blanco", obra impresa del legendario artista callejero de graffiti Skewville. 2021. Firmadas en el lateral con 99-14. Consigue una pieza de historia con un par de zapatillas Skewville. Serigrafía sobre madera. 30,5 x 10 cm. Edición limitada de 15 unidades.

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Serigrafía Twenty One AP de SNO x Shepard Fairey - OBEY Prueba de artista Serigrafía impresa a mano en papel de bellas artes Edición limitada Obra de arte pop callejero. Prueba de artista AP 2017. Firmada y marcada AP. Edición limitada original. Tamaño de la obra: 18 x 24 pulgadas. Impresión serigráfica. «Diseñé originalmente este póster para la primera exposición de mi galería Subliminal Projects en el 95 y ahora lanzan una serigrafía de edición limitada, remezclada por mi agencia creativa Studio Number One» - Shepard Fairey La serigrafía "Twenty One AP" es una pieza cautivadora que encapsula una época significativa en el mundo del arte contemporáneo, magistralmente creada por la colaboración entre SNO y el icónico Shepard Fairey, más conocido como OBEY. Esta prueba de artista (AP), serigrafiada a mano sobre papel de bellas artes, es un testimonio del brillante arte urbano que evolucionó hasta convertirse en una forma de expresión reconocida y prestigiosa. Curiosamente, esta obra no solo encarna la destreza artística, sino que también rinde homenaje a la rica historia de sus orígenes. El propio Shepard Fairey explicó la creación de esta obra, revelando que su diseño original se concibió para la exposición inaugural de su galería, Subliminal Projects, en 1995. En 2017, el mismo diseño cobró nueva vida y se reinterpretó a través de una serigrafía de edición limitada. Esta visión innovadora fue posible gracias a la agencia creativa de Fairey, Studio Number One, que fusionó la estética original con influencias modernas. La obra impresa representa una fusión de lo antiguo y lo nuevo, al igual que los artistas a quienes representa. Coincidiendo con este lanzamiento, se inauguró "Veintiuno", una exposición colectiva que conmemora los 21 años de trayectoria de Subliminal Projects. Celebrada en junio de 2017, la exposición buscó recuperar la esencia de las primeras exposiciones de estilo "hazlo tú mismo" que sentaron las bases de la identidad de Subliminal. "Veintiuno", como su nombre indica, rindió homenaje a los artistas clave en la historia de la galería, celebrando a quienes han dado forma a su pasado y a quienes prometen un futuro dinámico. La obra impresa y la exposición, entrelazadas, ofrecen una visión del espíritu perdurable y la evolución del arte urbano a lo largo de las décadas.

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Obra de arte "Grooming Day", impresión giclée de edición limitada en papel Hahnemühle Museum Etching 100% algodón, del artista de graffiti de la cultura pop Victo Ngai. Edición limitada de 100 ejemplares. Firmada y numerada. Debido a la forma en que el artista creó y almacenó esta obra, muchas de las impresiones antiguas de Ngai presentan un ligero amarilleo en los márgenes blancos superior e inferior, de aproximadamente 1 mm de longitud. Esto no afecta en absoluto a la imagen y, salvo este detalle, las impresiones son perfectas.

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Oso de confeti. Pintura original de técnica mixta sobre papel de bellas artes, enmarcada a medida por Phil Lumbang, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Pintura original y única de un oso blanco de pie, realizada con papel de seda Confetti de colores.

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Figura coleccionable de vinilo de edición limitada "Alitas Calientes y Sudorosas del General Janky" de King Janky, edición 5.5, SuperPlastic. Arte urbano. 2020. Se exhibe en caja. Al quinto heredero y medio al trono le gustan sus alas como le gustan sus aventuras: ¡picantes y sudorosas! Incluye letrero, corona de chile, cartón de leche y mucha salsa para compartir.

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Un sueño tranquilo. Impresión artística de edición limitada con pigmentos de archivo sobre papel de bellas artes del artista pop naturalista Chris Austin. Obra de arte moderna. Edición limitada firmada y numerada de 2022 (por determinar). Tamaño de la obra: 30 x 24 pulgadas.

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Serigrafía "Black & Cream Sedation in Bloom" de Shepard Fairey - OBEY. Impresa a mano sobre papel de bellas artes color crema con motas. Edición limitada. Obra de arte de Obey, artista de la cultura pop. 2021 Firmado por Shepard Fairey- OBEY y Edición Limitada Numerada de 150 Tamaño de la obra 18x24 Serie de serigrafías Sedation in Bloom. «Originalmente, trabajé en este diseño de amapolas como parte de mi colaboración con el artista Gordon Cheung. En nuestra obra, abordamos el trágico asesinato de Vincent Chin y el uso histórico de imágenes y símbolos anti-asiáticos en la cultura occidental. La amapola es una flor hermosa con muchas interpretaciones simbólicas, como la paz, la muerte, el sueño y la sedación. A menudo incorporo motivos florales y decorativos en mi arte para atraer al espectador y hacer más accesibles conceptos complejos. Sin embargo, el atractivo decorativo puede adormecer a las personas y distraerlas de problemas sociales más importantes. Ya sea en el entretenimiento, el alcohol, las drogas o el consumo ostentoso, creo que la sedación es una de las principales causas de la complacencia e ignorancia social y política. ¡Estas láminas de "Sedación en Flor" cumplen la doble función de ofrecer una vía de escape decorativa y, a la vez, recordarnos que debemos permanecer despiertos y conscientes!» -Shepard Fairey- OBEY. Sedación en flor: Un diálogo visual sobre la complacencia de Shepard Fairey Shepard Fairey, artista callejero contemporáneo estadounidense, diseñador gráfico, activista, ilustrador y fundador de OBEY Clothing, ha estado a la vanguardia del movimiento del arte pop urbano. Nacido el 15 de febrero de 1970, Fairey saltó a la fama con su campaña de pegatinas "Andre the Giant Has a Posse", que evolucionó hasta convertirse en la icónica obra "OBEY". Su trabajo se caracteriza por su provocativo comentario sociopolítico, profundamente arraigado en el arte del grafiti y la tradición de la participación ciudadana. Fairey sigue siendo una figura clave en el mundo del arte, radicado en Los Ángeles, California, donde continúa influyendo en el diálogo en torno al arte pop urbano. En 2021, Shepard Fairey presentó la serie de serigrafías "Sedation in Bloom", una edición limitada de 150 ejemplares, cada uno firmado y numerado por el propio artista. Esta obra en particular se distingue por su llamativa combinación de colores negro y crema, que sumerge al espectador en un cuadro floral estéticamente bello y significativo. El papel de bellas artes color crema con motas proporciona un delicado fondo a las líneas audaces y los intrincados patrones que definen la obra. Con unas dimensiones de 45,7 x 61 cm, estas láminas son una muestra de la maestría de Fairey en la serigrafía, una técnica que ha perfeccionado a lo largo de décadas de práctica. El simbolismo tras la sedación en Bloom «Sedación en flor» es mucho más que un deleite visual. Encierra una profunda narrativa que Fairey ha entretejido en su esencia, abordando cuestiones históricas y contemporáneas. El uso de amapolas en esta obra es particularmente significativo. Si bien las amapolas suelen asociarse con la memoria y las secuelas de los conflictos, también simbolizan el sueño, la paz e incluso la muerte. En manos de Fairey, estas flores representan la doble cara de la belleza y la distracción, un motivo que refleja la preocupación del artista por la complacencia social. Su colaboración con el artista británico-chino Gordon Cheung inspiró en parte su trabajo en este grabado. Juntos, abordaron el asesinato de Vincent Chin y exploraron el tema del sentimiento antiasiático en la cultura occidental. Al integrar estas flores en su arte, Fairey invita a los espectadores a descubrir algo más allá de lo evidente. Es una invitación a desvelar las capas de belleza para revelar problemas sociales subyacentes que a menudo pasan desapercibidos debido a los efectos sedantes del entretenimiento, el consumismo y otras formas de distracción que adormecen a las sociedades hasta la pasividad. Impacto en el arte pop callejero y el grafiti La influencia de Fairey en el arte pop urbano y el grafiti es inmensa. Sus obras suelen tender puentes entre el arte y el activismo, desafiando al espectador a reflexionar sobre su papel en un contexto sociopolítico más amplio. «Sedation in Bloom» es una pieza decorativa que oculta un mensaje más profundo y conmovedor de concienciación y acción. Invita a reflexionar sobre cómo la sedación, en sus múltiples formas, conduce a la complacencia política y la ignorancia social. En el arte urbano, que se nutre de la visibilidad y la accesibilidad, la obra de Fairey destaca por su capacidad de captar la atención y provocar la reflexión en el ámbito público. Esta impresión en particular es un testimonio del poder perdurable del arte pop urbano para comentar e influir en la cultura contemporánea. Su carácter de edición limitada, junto con su elaboración artesanal, aumenta su atractivo, garantizando que cada pieza sea única y conserve su valor como objeto de colección y como punto de partida para la conversación. La dedicación de Shepard Fairey a su arte y a su mensaje refuerza la importancia del arte urbano como plataforma para la disidencia, el diálogo y el cambio. «Sedation in Bloom» de Shepard Fairey es una obra fundamental dentro de la trayectoria del artista. Encapsula la esencia de su visión del arte pop urbano y el grafiti, que desafían constantemente los límites entre el arte culto y el popular, entre la galería y la calle. Con esta pieza, Fairey captura la belleza inherente al mundo que nos rodea y la responsabilidad que tenemos de mantenernos conscientes y críticos en él. A través de su obra, Fairey afirma que el arte no es solo para la contemplación, sino una herramienta para el despertar.

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Despierta y huele la corrupción. Impresión artística de edición limitada con pigmentos de archivo en papel Moab Entrada de 290 g/m² del artista Terry Urban, leyenda del graffiti y el arte pop callejero. 2022 Despierta y huele la corrupción. Impresión pigmentada de archivo firmada por el artista Terry Urban. Papel de archivo Moab Entrada Rag Bright de 290 g/m². 45,7 x 61 cm. Edición limitada de 100 ejemplares. Firmada y numerada a mano por el artista.

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