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Dessin original au stylo et au crayon « Hungry Eyes » par Atomik, œuvre d'art pop urbaine moderne. Dessin original signé de 2025, à l'encre, à la peinture, au crayon et au graphite sur papier, format 5x8, représentant le célèbre Atomik Orange de Miami, en Floride. Dessin original « Hungry Eyes » d'Atomik : une expression brute de la culture graffiti dans le pop art urbain L'œuvre de 2025 intitulée « Hungry Eyes », réalisée par Atomik, artiste de graffiti basé à Miami, est un exemple saisissant de street art brut et de graffiti capturé à l'aide de techniques traditionnelles. Mondialement connu pour son personnage orange animé, Atomik puise son inspiration dans les rues de Floride pour créer cette œuvre expressive de 12,7 x 20,3 cm, exécutée au stylo, au crayon, à l'encre et à la peinture blanche sur papier. Le dessin conserve les courbes dynamiques, les traits exagérés et l'iconographie forte qui définissent son langage visuel, tout en s'en démarquant par une approche privilégiant la profondeur, la texture et l'atmosphère plutôt que les murs publics ou les wagons de train. Cette œuvre originale signée revêt une importance particulière car elle confère au style explosif d'Atomik une dimension plus intime et tactile, révélant le même regard malicieux et la même émotion stylisée que l'on retrouve généralement sur les murs des villes ou les wagons de train. L'influence de Miami et l'évolution de l'orange d'Atomik Atomik, né et installé à Miami, en Floride, est une figure emblématique de l'évolution visuelle du graffiti dans le sud-est des États-Unis. Son personnage orange, devenu sa marque de fabrique, est né d'un hommage à un lieu emblématique disparu – le Miami Orange Bowl – et s'est depuis transformé en un symbole universel de rébellion urbaine, d'humour et de résilience. « Hungry Eyes » réduit cette icône à ses éléments les plus fondamentaux. Dessinée au stylo à bille, au graphite et rehaussée de traits blancs précis, cette œuvre révèle des nuances et une technique souvent négligées dans le graffiti extérieur. Des spirales et des hachures encadrent et définissent les contours du visage, fusionnant la maîtrise du dessin classique et la sensibilité urbaine. Le fond en papier kraft confère à la composition une énergie brute et authentique, fidèle au style et à l'immédiateté de l'artiste. Même dans ce format, l'image capte le regard comme si elle était placardée sur un pâté de maisons. Le pop art urbain transposé en dessin d'art Alors que l'héritage graffiti d'Atomik repose sur des teintes émaillées éclatantes et des traits de spray épais sur des surfaces très visibles, Hungry Eyes offre une perspective différente sur la psyché du graffiti : une œuvre sobre, détaillée et chargée d'émotions visuelles codées. Les traits d'encre anguleux traduisent des années de pratique du tag et une maîtrise impressionnante, tandis que les dégradés circulaires fantaisistes incrustés dans les yeux imitent les lettres bulles et les effets de la bombe aérosol. L'utilisation de reflets dessinés à la main plutôt que d'un vernis brillant emprunte à l'esthétique de la bande dessinée tout en restant ancrée dans la tradition DIY du graffiti. Ce dessin prouve que le Street Pop Art et le graffiti peuvent avoir autant de présence et de force sur papier que sur acier ou béton. Signature et valeur de collection dans l'art urbain contemporain Au verso de l'œuvre figure la signature de l'artiste, une inscription stylisée du nom Atomik et la date du 25, inscrite au crayon. Cette marque authentifie la pièce, attestant non seulement de son attribution, mais aussi de son appartenance à la tradition des œuvres originales et des éditions d'artistes de rue. Les collectionneurs et les amateurs de graffiti reconnaissent des œuvres comme « Hungry Eyes » comme la preuve que les artistes de rue ne se limitent pas aux bombes de peinture et aux fresques murales. La capacité d'Atomik à transposer son identité sur un support d'art contemporain fait de cette pièce une acquisition précieuse pour toute collection sérieuse de graffiti moderne ou d'art urbain d'inspiration pop. Ce dessin nous rappelle que le graffiti ne se résume pas à un lieu ou à la contestation ; il s'agit avant tout de création de marques, d'identité et de la capacité à réinterpréter des symboles commerciaux et personnels en expressions visuelles fortes.

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Achetez DropX Nerm Nermal Édition Limitée Anatomie Vinyle Art Toy Oeuvre de Collection par Street Brand Artists Rip N Dip. 2022 Édition limitée de 150 figurines en vinyle Nerm Nermal de 14 pouces de taille Terminator Dissected Art Toy. Nouveau dans la boîte

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IamRetroBot Canbot Canz, figurine de collection en vinyle en édition limitée, œuvre d'art créée par les artistes de la pop culture IamRetro x Clutter x Czee13 Édition limitée 2022 à 250 exemplaires, neuve en boîte, Canbot Canz stylisé style Game Boy rétro avec petites étoiles de style 8 bits et icônes liées aux jeux vidéo. IamRetroBot Canbot Canz : Une fusion entre la culture du jeu vidéo et le pop art urbain Le Canbot Canz d'IamRetroBot s'impose comme une fusion emblématique entre la nostalgie du jeu vidéo rétro et l'esprit novateur du street art et du graffiti. Cette figurine en vinyle en édition limitée, fruit d'une collaboration entre IamRetro, Clutter et Czee13, a été lancée en 2022 à seulement 250 exemplaires. Chaque Canbot Canz, présenté dans sa boîte d'origine, rend hommage à l'âge d'or du jeu vidéo, et plus particulièrement à la Game Boy, avec un design 8 bits et des icônes reconnaissables entre toutes. Cet objet de collection est une véritable œuvre d'art, un pont entre la nostalgie numérique d'antan et la culture artistique contemporaine. Le rétrogaming rencontre l'art contemporain Le design du Canbot Canz d'IamRetroBot témoigne de la convergence de différents univers culturels. Orné de petites étoiles façon 8 bits et d'un motif évoquant la console portable iconique, ce jouet d'art se situe au carrefour de la nostalgie pop culture et du street art contemporain. Il incarne un esprit du temps particulier, séduisant aussi bien les collectionneurs de figurines en vinyle que les passionnés d'histoire du jeu vidéo. Le design du Canbot Canz reflète les graphismes pixélisés devenus emblématiques d'une époque. Parallèlement, sa forme rend hommage à la forme cylindrique souvent présente dans les bombes de peinture utilisées en graffiti. L'exclusivité du Canbot Canz d'IamRetroBot fait écho à l'esprit du street art, caractérisé par sa nature éphémère et souvent limitée. À l'instar d'une œuvre de graffiti unique qui apparaît du jour au lendemain, chaque Canbot Canz est numéroté, créant un sentiment d'urgence et de collection chez les amateurs. Les artistes à l'origine de cette œuvre, IamRetro, Clutter et Czee13, ont chacun marqué de leur empreinte la culture pop et le street art. Leur collaboration sur ce projet fusionne leurs styles distinctifs en une pièce cohérente et captivante. Dans le contexte plus large du Street Pop Art, le IamRetroBot Canbot Canz est une manifestation physique des courants culturels qui définissent notre paysage contemporain. À la fois hommage au passé et réflexion sur l'évolution de l'art et des objets de collection, il constitue un ajout significatif au discours sur la culture pop et le street art.

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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En cas d'urgence, figurine de collection en vinyle en édition limitée, œuvre d'art créée par des artistes de la culture pop moderne chez Rip N Dip. Édition limitée 2022, 29,2 x 7,6 x 27,9 cm. Figurine « En cas d'urgence ». Porte en plastique transparent avec seringue remplie de Nerm et marteau. Poignées latérales.

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Dans cet abîme sauvage - Préservatif Paradise Lost, édition limitée, sculpture de préservatif avec trou, œuvre d'art du légendaire artiste de rue de graffiti Pat Riot. Ne pas utiliser dans cet abîme sauvage. Préservatif Paradise Lost, œuvre d'art de Pat Riot.

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Iron Skin Grin - Figurine de collection en vinyle édition limitée « Battle Damage », œuvre d'art créée par les artistes Ron English - POPaganda x Made By Monsters Édition limitée 2021 à 500 exemplaires, estampillée/imprimée - Boba Fett, Star Wars, sourire éclatant, couleurs abîmées par les combats, série Pop Art. Livrée avec un sac. Ron English – Iron Skin Grin Battle Damage dans le style street art pop et graffiti Iron Skin Grin – Battle Damage est une figurine de collection en vinyle en édition limitée, créée en 2021 par Ron English en collaboration avec Made by Monsters, et intégrée à son univers POPaganda. Limitée à seulement 500 exemplaires, cette pièce de collection présente une version stylisée et marquée par les combats de Boba Fett, réinterprétée à travers la série emblématique Grin d'English. Avec ses bosses détaillées sur le casque, ses aplats de couleurs audacieux et le sourire squelettique caractéristique visible sous la visière, cette pièce fusionne la culture fan et l'esthétique urbaine subversive. Plus qu'une simple figurine, c'est un commentaire sur le culte des icônes, la culture de la guerre et la mythologie plastique de l'Amérique moderne, le tout à travers le prisme du Street Pop Art et du graffiti. Cette figurine s'inscrit dans l'exploration au long cours par Ron English de la distorsion de la culture pop. Le motif Grin – un sourire squelettique intégré à des personnages célèbres – est ici utilisé pour déconstruire le légendaire chasseur de primes de Star Wars. English ne se contente pas de reproduire Boba Fett, il le fragmente. En ajoutant un sourire carnassier et en peignant des dégâts sur l'armure, English invite à une réflexion sur ce qui se cache derrière le mythe de l'héroïsme et de la violence. Il transforme une figure emblématique de la science-fiction en une effigie inquiétante de la nostalgie consumériste – et en une critique de celle-ci. Star Wars rencontre l'esthétique mutante du graffiti Le pop art urbain prospère grâce à la culture du remix, et la figurine Iron Skin Grin de Ron English illustre parfaitement cette approche. Elle s'inspire de l'un des récits les plus lucratifs de la culture populaire américaine – Star Wars – et l'imprègne d'une irrévérence propre au graffiti et d'une dégradation symbolique. Le design du personnage conserve son attrait pop : vinyle impeccable, lignes audacieuses, finitions lisses. Mais l'insertion du crâne Grin sous le masque métamorphose Boba Fett en une créature étrange, presque morte-vivante. Les bosses et les marques d'usure sculptées imitent de véritables dégâts de combat, contrastant parfaitement avec la structure caricaturale et le fini digne d'un jouet. Cela crée une tension entre authenticité et illusion – entre la violence glorifiée des icônes médiatiques et les conséquences réelles du pouvoir et de l'identité. C'est là que la logique du graffiti entre en jeu : prendre ce qui est familier, le marquer, le briser et le recréer avec sa propre vérité. Objets de collection en vinyle comme sculpture de rue subversive Les figurines en vinyle de Ron English, dont Iron Skin Grin, sont les héritières directes de l'esprit rebelle du street art. Conçues pour être exposées, elles résonnent pourtant des fresques, des pochoirs et des tags. Chaque figurine est en quelque sorte l'incarnation 3D d'une philosophie : accessible par sa forme, mais imprégnée d'une critique culturelle profonde. À l'instar d'un graffiti sur un panneau publicitaire ou d'une affiche représentant le visage déformé d'un politicien, ces sculptures en vinyle détournent les discours dominants pour en faire une satire. Ces objets de collection s'inscrivent dans une tradition grandissante où les figurines design deviennent les témoins de l'évolution de la culture graffiti : des sculptures urbaines portables pour un monde post-graffiti. Ron English, aux côtés d'artistes comme Sket-One et KAWS (Brian Donnelly), a contribué à façonner cette fusion entre design de personnages, parodie politique et art de collection, démontrant que l'énergie du street art peut s'épanouir dans des formes manufacturées. POPaganda et le sourire instrumentalisé La figurine Iron Skin Grin – Battle Damage est profondément ancrée dans la série POPaganda de Ron English, son univers artistique personnel où le capitalisme, le consumérisme et la mythologie pop sont à la fois célébrés et déconstruits. Les personnages Grin sont au cœur de cet univers, chacun étant un masque fissuré révélant le rire creux qui se cache derrière la culture pop américaine. En affublant Boba Fett du Grin, English transforme le mystère du personnage en quelque chose de plus sinistre : un produit de consommation façonné par la violence, la nostalgie et la soif insatiable des fans. Iron Skin Grin devient ainsi bien plus qu'un simple jouet. C'est une révolution miniature, une incarnation physique de la mission du Street Pop Art et du Graffiti : exposer les apparences trompeuses de la culture et montrer ce qui se cache réellement derrière. À travers cette figurine en vinyle, Ron English prouve une fois de plus que la subversion peut revêtir une armure, manier un blaster et continuer à narguer le système qui l'a rendue légendaire.

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Lecteur de cassettes Supreme ITS OK TOO - Rouge, édition limitée, objet d'art de collection créé par de célèbres artistes de la mode, Supreme. Lecteur de cassettes stéréo transparent FW22 2022. Compatible Bluetooth 5.0 avec prise casque 3,5 mm. Clip de fixation arrière inclus. Dimensions : 11,8 cm x 8,4 cm x 3,4 cm. Fabriqué exclusivement pour Supreme.

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It'sa Living - Peinture aérosol blanche en édition limitée, une œuvre rare issue d'une collaboration entre le célèbre fabricant de peinture graffiti Montana MTN. « IT'S A LIVING » n'est pas qu'un slogan, c'est une véritable philosophie de vie pour Ricardo Gonzalez, designer et artiste originaire de Durango, au Mexique, et installé à Brooklyn. Son style d'écriture unique est facilement reconnaissable, qu'il s'agisse de fresques murales monumentales, de collaborations avec de grandes marques ou même d'un simple autocollant dans la rue. L'ambiguïté de ses messages typographiques instaure un dialogue constant entre le spectateur et l'œuvre. « Un mot est une image », et une image peut être interprétée de mille façons. Cette approche directe de la typographie est pour lui un chemin d'exploration dont l'objectif principal est d'interroger notre quotidien et de susciter un impact positif. Après tout, c'est une façon de vivre.

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Figurine de collection Jack Skellington 100% & 400% BE@RBRICK Édition Limitée Medicom Vinyl Artwork Toy. Medicom Toys 2022 : Bienvenue à Halloween Town ! L’Étrange Noël de Monsieur Jack de Tim Burton s’associe à Medicom Toys pour une nouvelle version du Bearbrick Jack Skellington ! Collectionnez le set Bearbrick Jack Skellington 100 % + 400 %. Hauteur : 7 cm et 28 cm.

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Figurine de collection Jack Skellington 1000% BE@RBRICK en édition limitée, œuvre d'art en vinyle, Medicom Toy. Medicom Toys 2022 : Bienvenue à Halloween Town ! L'Étrange Noël de Monsieur Jack de Tim Burton s'associe à Medicom Toys pour une nouvelle version du Bearbrick Jack Skellington ! Collectionnez le Bearbrick Jack Skellington 1000 %. Cette grande figurine Bearbrick 1000 % mesure 70 cm !

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Drapeau d'écolière japonaise, édition limitée, vieilli à la main, plusieurs HPM sur panneau de bois encadré, prêt à être accroché, par Eddie Colla, artiste de rue graffiti, art pop moderne. 2012, 25 x 25 cm, signé et numéroté au verso, édition limitée à 20 exemplaires.

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Jean Michel Basquiat n° 7, figurines d'art urbaines de collection en vinyle BE@RBRICK édition limitée 100 % et 400 % 2021 : La 7e collaboration avec Medicom Toy présente l’œuvre de Basquiat de 1984 intitulée « Sans titre ». Basquiat a créé cette œuvre, ainsi que de nombreuses autres, durant sa période faste, marquée par la reconnaissance critique, où il s’est illustré dans le graffiti avant de devenir un artiste néo-expressionniste contemporain. Neuf dans sa boîte. Célébrer l'héritage néo-expressionniste : Jean-Michel Basquiat #7 Coffret BE@RBRICK À la croisée du street art et du marché des objets de collection urbains, le coffret BE@RBRICK Jean-Michel Basquiat #7 100% & 400% s'impose comme une œuvre marquante. Ce coffret de figurines en vinyle en édition limitée, sorti en 2021, témoigne de l'impact durable de l'œuvre de Jean-Michel Basquiat et de son rôle essentiel dans la transition du graffiti à l'art néo-expressionniste. Produit par Medicom Toy, le BE@RBRICK se présente comme une toile, reflétant l'essence brute et vibrante du chef-d'œuvre « Sans titre » de Basquiat (1984) et, à travers lui, sa période de créativité acclamée par la critique. Ce coffret est le fruit de la septième collaboration entre Medicom Toy et la succession de Jean-Michel Basquiat, et met en lumière le style unique de l'artiste, caractérisé par une fusion de mots, de symboles et de figures. Les Be@rbricks, d'une hauteur de 7 et 28 cm, sont réalisées par hydrographie, ce qui confère à chaque figurine un motif unique, à l'image de la spontanéité et de l'individualité des œuvres originales de Basquiat. Ce procédé célèbre non seulement le caractère distinctif de l'art de Basquiat, mais s'inscrit également dans la nature imprévisible du street art et du graffiti, où chaque pièce est intrinsèquement unique. La fusion du street art et de la culture des objets de collection La figurine BE@RBRICK témoigne de la polyvalence et de l'influence de Jean-Michel Basquiat, artiste qui a su faire le lien entre la scène underground du street art et le monde de l'art contemporain. En ornant la figurine d'une œuvre de Basquiat, Medicom Toy rend hommage à l'héritage de cet artiste qui déclarait : « Croyez-le ou non, je sais dessiner », défiant ainsi les critiques qui doutaient de la légitimité du graffiti. La sortie de ce coffret BE@RBRICK célèbre le talent de Basquiat et inscrit son œuvre au cœur du street art et du graffiti. Les figurines BE@RBRICK Jean-Michel Basquiat n° 7 symbolisent le pouvoir narratif des objets d'art à l'ère moderne. Chaque figurine renferme une histoire, un fragment de l'âme de Basquiat et un instantané de l'époque qu'il a profondément marquée. Ces figurines célèbrent à la fois son talent artistique et prolongent son dialogue avec le public contemporain, offrant une nouvelle plateforme pour apprécier son œuvre. Les collectionneurs n'acquièrent pas un simple objet, mais un morceau d'histoire de l'art. Les BE@RBRICKs sont des toiles tridimensionnelles qui portent en elles la contribution de Basquiat au street art, au pop art et au néo-expressionnisme. En édition limitée, elles incarnent l'appréciation toujours croissante d'un art qui transcende les médiums traditionnels pour s'ancrer dans le quotidien et l'intimité. Le coffret Jean-Michel Basquiat n° 7 100 % & 400 % BE@RBRICK est un objet de collection moderne qui perpétue l'héritage de l'un des artistes les plus importants de la transition du street art à l'art grand public. Il fait le lien entre passé et présent, entre rue et galerie, et continue de diffuser le message que l'art est accessible à tous, partout.

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Jerry - Figurine de collection Tom & Jerry BE@RBRICK en vinyle floqué à 100 % et 400 %. Les Bearbricks Tom et Jerry de Medicom Toy (édition 2021) sont désormais disponibles avec une texture floquée pour un réalisme accru ! Tom et Jerry sont proposés en coffrets Bearbrick 100 % et 400 %, ainsi qu'en Bearbrick 1000 %, vendus séparément. Ils mesurent 7 cm et 28 cm de haut.

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Joe Cool Snoopy 1000% Peanuts BE@RBRICK Édition Limitée Figurine Artistique en Vinyle Medicom Toy. 2021 Peanuts Snoopy Joe Cool Bearbrick

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Carte de recrue de John Titor - Édition non masquée. Impression sur carte à collectionner GAS. Édition limitée numérotée à 100 exemplaires (2022). GAS SERIES 2 #21 John Titor Rookie Unmasked Edition, objet d'art par GAS Trading Card L'énigme de John Titor : voyageur temporel ou légende d'Internet ? Aux balbutiements d'Internet, une figure a émergé, suscitant discussions, débats et intrigues pendant des années. Il s'agit de John Titor, autoproclamé voyageur temporel venu de 2036. GAS Trading Cards, surfant sur la vague culturelle de l'époque, a sorti en 2022 la carte de recrue John Titor – Édition Démasquée – en édition limitée et numérotée à 100 exemplaires. Cette carte GAS SERIES 2 n° 21 capture l'essence énigmatique d'une histoire devenue un pilier du folklore internet. L'héritage de John Titor et le phénomène des cartes à collectionner GAS L'histoire de John Titor a débuté en novembre 2000 lorsqu'il a commencé à publier sur des forums en ligne, prétendant être un militaire voyageant dans le temps en mission pour récupérer un rare ordinateur IBM 5100 de 1975. Son but ? Déboguer d'anciens programmes informatiques dans le futur. Son récit était riche en détails, notamment sur la construction d'une machine à voyager dans le temps et des prédictions inquiétantes de guerres nucléaires et de bouleversements sociaux. L'arrêt brutal de ses publications en mars 2001 a marqué durablement la communauté internet. Qu'il s'agisse d'une histoire vraie ou d'un canular bien ficelé, l'histoire de John Titor a été un élément fondamental pour d'innombrables théories du complot et discussions spéculatives en ligne. Cet impact culturel fait de la carte à collectionner John Titor GAS un hommage approprié à un individu – ou une idée – qui a captivé l'imagination de l'ère numérique. Voyage dans le temps et culture populaire : l'influence de John Titor sur l'art L'histoire de John Titor s'entremêle avec des thèmes récurrents dans le pop art, le street art et le graffiti. Ces formes d'art puisent souvent dans des icônes et des récits culturels, les réinterprétant dans l'espace public ou sur le support des objets de collection. La carte à collectionner GAS est un support moderne qui fait le lien entre narration et art visuel. Véritable artefact de la culture pop, elle est un fragment d'histoire qui incarne l'esprit d'une époque marquée par ses mystères et l'essor de la culture internet. L'édition « Unmasked » de la carte John Titor invite collectionneurs et passionnés à posséder un morceau de cette mythologie moderne. Son design reflète la capacité de la carte à collectionner à saisir et à préserver des phénomènes culturels, à l'instar du street art qui capte l'air du temps sur les murs des villes. Le phénomène John Titor L'histoire de John Titor, qu'elle soit un aperçu d'un univers parallèle ou une fiction narrative élaborée, s'est indéniablement inscrite dans le tissu culturel des débuts d'Internet. La carte à collectionner GAS dédiée à Titor rend hommage au pouvoir du récit et à la fascination de l'inconnu. Elle symbolise la manière dont les histoires peuvent transcender leurs origines pour s'intégrer à un dialogue plus vaste, influençant l'art, la culture et l'imaginaire collectif. La carte de recrue John Titor – Édition Démasquée de GAS Trading Cards n'est pas qu'un simple objet de collection ; c'est un sujet de conversation et un témoin de l'époque qu'elle représente. C'est un artefact qui nous rappelle le pouvoir d'Internet à diffuser des idées et des histoires, et comment ces histoires peuvent prendre vie, inspirant l'art, les discussions et même les cartes à collectionner. Alors que nous continuons à naviguer dans un océan toujours plus vaste d'informations et de récits en ligne, l'histoire de John Titor nous rappelle les débuts d'Internet et sa capacité indéfectible à faire naître des légendes qui captivent notre curiosité et notre esprit artistique.

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JP Money Bear, figurine de collection en vinyle en édition limitée, œuvre d'art réalisée par l'artiste de graffiti de rue King Saladeen. Boîte d'affichage personnalisée de 25 cm de haut (10 pouces) avec illustrations et panneaux en mousse $ (édition 2021) « Bonjour, je suis JP l'Ours Argenté, inspiré par John « JP » Thompson, le meilleur ami du Roi Saladeen, décédé d'un cancer du cerveau en 2013. Il a été ma principale source de motivation pour prendre ma passion pour l'art au sérieux, et il n'a cessé de me répéter que j'étais un roi, même quand j'en doutais ! Ce n'est pas un jouet, c'est un morceau de ma vie, une des raisons pour lesquelles je crée et j'inspire les autres à donner le meilleur d'eux-mêmes. Il m'a montré les plus beaux moments de la vie et que, grâce au travail d'équipe et à la foi, tout est possible ! JP vit à jamais à travers mon art ! Exposé pour la toute première fois à la Complex Con, le 3 novembre 2018, jour de l'anniversaire de JP. Ceci est uniquement destiné à des fins de motivation et d'inspiration. Créons ensemble pour sortir de l'obscurité avec couleur, style et individualité. Aimez ce que vous faites. » – Roi Saladeen

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JP Money Bear Triple Black Bobble Head, figurine de collection en vinyle, édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de graffiti de rue King Saladeen. Figurine à tête branlante JP Money Bear Triple Black 2022 par King Saladeen, édition limitée à 500 exemplaires

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Je plaisante - Sculpture en bombe de peinture cyan en édition limitée, œuvre d'art réalisée par l'artiste de rue, graffeur et légende de la culture pop Mr Brainwash - Thierry Guetta. 2020 Édition limitée signée et numérotée à 150 exemplaires. Format de l'œuvre : 3 x 8 pouces. Signée par empreinte digitale et numérotée, avec coffret de présentation personnalisé. Pièce de collection ultra rare et très cool, édition limitée Mr Brainwash, représentant une œuvre d'art réalisée à partir d'une bombe de peinture.

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Sculpture en résine polystone JV Baby Milo par Joshua Vides x Bape - A Bathing Ape Édition limitée Pop Graffiti Street Art Figure Artwork. Sculpture d'art pop art stylisé représentant de l'argent en noir et blanc avec ombrage cellulaire, édition limitée 2024, de la marque BAPE, artiste crossover, en édition limitée 5x10. Exploration de la sculpture en résine polystone de bébé Milo de JV Dans l'univers dynamique et en constante évolution de l'art contemporain, la sculpture en résine de polystone JV Baby Milo témoigne de la force synergique de la collaboration et de l'innovation. Cette création unique est née de la rencontre de deux figures incontournables de la pop culture et de la mode : l'artiste Joshua Vides et la marque japonaise emblématique de streetwear A Bathing Ape, plus connue sous le nom de BAPE. Cette sculpture en édition limitée incarne l'esprit du street art et du graffiti, offrant une incarnation physique de l'esthétique urbaine et de la mode de luxe. L'œuvre célèbre non seulement le pouvoir d'attraction des objets de collection, mais propose également une vision novatrice du langage visuel de l'art urbain. JV Baby Milo comme symbole du pop art urbain Cette sculpture est une représentation stylisée du personnage emblématique de BAPE, Baby Milo, réinterprétée par Joshua Vides, connu pour sa palette noir et blanc caractéristique et son approche illustrative de l'art des objets. Née de la rencontre entre la mode urbaine et le graffiti, cette œuvre reflète le style distinctif de Vides, le cell shading, qui confère aux objets tridimensionnels l'apparence de dessins bidimensionnels. Le contraste saisissant du noir et blanc évoque les lignes et les ombres marquées des bandes dessinées, créant une œuvre percutante qui captive le regard. En fusionnant l'iconique Baby Milo avec son expression artistique, Vides présente une forme unique de pop art urbain qui transcende les formes d'art traditionnelles. L'œuvre est une déclaration audacieuse sur l'évolution de la culture streetwear, devenant un support d'expression artistique qui encapsule l'énergie juvénile et la rébellion inhérentes au style urbain. Limitée à une production de seulement 2024 exemplaires, la sculpture en résine polystone JV Baby Milo est un objet convoité par les passionnés de culture urbaine, de mode et d'art. Le savoir-faire et l'influence de Joshua Vides Joshua Vides, artiste américain originaire de Californie, a marqué l'histoire du street art contemporain par son approche novatrice et son langage visuel unique. Chaque trait, chaque contour, dans son œuvre, interroge les perceptions, invitant le spectateur à appréhender le monde tridimensionnel à travers une perspective bidimensionnelle. La sculpture JV Baby Milo, mesurant 5 x 10 pouces, est bien plus qu'un simple objet de collection : c'est une œuvre d'art qui invite à la réflexion et qui résume le parcours artistique de Vides et sa contribution à l'univers du graffiti. La texture de la résine de polystone confère à la sculpture une impression de permanence et de durabilité, renforçant ainsi son statut d'œuvre majeure. Lors de ma dernière mise à jour en avril 2023, l'influence de Vides sur le street art se poursuit et se fait toujours sentir au sein de la communauté des amateurs et au-delà. En présentant la sculpture JV Baby Milo en résine de polystone, Joshua Vides et BAPE ont créé un récit qui dépasse le simple cadre de la mode ou de l'art. Véritable artefact de la culture contemporaine, cette œuvre incarne la fusion harmonieuse de l'énergie brute du street art et du raffinement de la haute couture. Collectionneurs et admirateurs, en explorant les multiples significations de sa conception, découvrent le potentiel infini que recèle la rencontre entre différents univers créatifs. Cette pièce en édition limitée n'est pas qu'une simple étincelle dans l'histoire de l'art, mais un symbole durable de la fusion entre l'ingéniosité urbaine et le génie artistique.

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K-Love Green Art Toy de Joan Cornellà, sculpture en vinyle en édition limitée, œuvre d'art de collection d'une artiste pop de rue. Œuvre d'art en édition limitée 2020, format 5x7, neuve sous blister, imprimée au pied. Kim Jong-un, le dirigeant suprême de la Corée du Nord, est représenté dans un costume vert inhabituel, une interprétation originale de sa tenue noire habituelle. Dans sa main gauche, il serre délicatement un petit cœur, et un léger sourire adoucit son expression. Fusion saisissante de commentaire politique et d'esthétique pop art, la sculpture en vinyle « K-Love Green Art Toy », en édition limitée, captive collectionneurs et amateurs d'art. Créée par Joan Cornellà, artiste de rue pop de renom dont l'œuvre oscille souvent entre le dérangeant et l'humoristique, cette pièce a été lancée en 2020. Elle est rapidement devenue un objet recherché pour son message audacieux et son exécution vibrante. De dimensions modestes (10 x 12,5 cm), la sculpture constitue une pièce à la fois intime et touchante pour toute collection. Cette œuvre en vinyle offre un portrait original de Kim Jong-un, le dirigeant suprême de la Corée du Nord, vêtu non pas de son habituel ensemble noir, mais d'un costume entièrement vert. Ce choix de couleur peut être interprété comme une variation ludique sur son image publique habituelle, ou comme un geste symbolique plus profond, un hommage à la vie, à la vitalité, voire à l'ironie, face à l'attitude souvent austère du dirigeant. La façade généralement sévère du dirigeant suprême est ici adoucie. On le voit tenant un petit cœur rouge dans sa main gauche et arborant un sourire discret. Ce contraste entre la représentation habituelle du leader et la pose douce, presque enfantine, qu'il adopte est emblématique du style de Cornellà, qui juxtapose souvent les aspects les plus sombres de la nature humaine à une narration visuelle d'une gaieté trompeuse. L'œuvre de Cornellà se caractérise par son ton incisif, souvent choquant, et sa satire mordante, qui exprime des idées fortes à travers une imagerie simple mais percutante. Cette pièce en édition limitée, livrée neuve dans un sachet à motif imprimé, confirme le penchant de l'artiste pour le mélange du macabre et du fantaisiste. « K-Love Green Art Toy » n'est pas qu'un simple objet de collection ; c'est une réflexion sur la culture contemporaine qui invite le spectateur à explorer les liens entre art, politique et culture populaire, l'incitant à une analyse plus approfondie des significations cachées derrière une figure en apparence anodine. Comme un dialogue silencieux avec ceux qui la découvrent, cette œuvre continue de faire écho aux complexités et aux contradictions du monde moderne.

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Coffret lecteur CD Karol G x Shishidomia x GAS Trading, édition limitée, objet d'art design, œuvre d'art de collection en boîte. Coffret en édition limitée 2022 comprenant un lecteur CD Karol G x SHISHIDOMIA, une pochette Karol G x SHISHIDOMIA, le CD Karol G KG0516 avec une nouvelle illustration alternative de SHISHIDOMIA et un paquet de 5 cartes à collectionner Karol G x SHISHIDOMIA GAS. Dimensions du coffret : 13,5 x 11,5 cm. Pour célébrer la force des femmes du monde entier, la star latine @karolg s'est associée à la talentueuse @shishidomia pour créer un coffret en édition limitée qui reflète le lien unique entre l'art et la musique. Karol G x Shishidomia x GAS : Fusion de la musique et de l'art dans un coffret en édition limitée En 2022, la collaboration créative entre la star de la musique latine Karol G et l'artiste Shishidomia a donné naissance à un coffret collector exceptionnel. Fruit d'un partenariat avec GAS Trading Cards, ce coffret célèbre la force des femmes et le lien indissociable entre l'art et la musique. Il comprend un lecteur CD exclusif conçu par Shishidomia, une pochette assortie, l'album « KG0516 » de Karol G avec une pochette alternative signée Shishidomia, ainsi qu'un jeu de cartes à collectionner GAS Trading Cards, le tout présenté dans un coffret au design raffiné. Œuvres d'art de collection avec une touche contemporaine Ce coffret est un rêve pour les collectionneurs, alliant œuvres d'art et musique dans un écrin au design contemporain et à la culture pop indéniable. Le lecteur CD Karol G x Shishidomia est une pièce d'art fonctionnelle, transformant l'utilitaire en extraordinaire : la pochette et le CD inclus arborent le style graphique distinctif de Shishidomia, caractérisé par une esthétique street art audacieuse. Les cartes à collectionner GAS incluses dans le coffret renforcent le lien entre l'aspect tactile des objets de collection et la nature éphémère de la musique. Le coffret Karol G x Shishidomia x GAS est un exemple remarquable du potentiel de la collaboration interdisciplinaire dans le monde de l'art moderne. Il reflète la tendance croissante à la convergence entre musique pop, street art et objets d'art design. Chaque élément du coffret a été soigneusement sélectionné pour refléter l'esprit des artistes impliqués, créant ainsi une expérience cohérente et immersive pour les fans et les collectionneurs. Art, musique et expression culturelle en harmonie Cette collaboration s'inscrit dans un mouvement plus large au sein des industries artistiques et musicales, où les frontières entre les disciplines s'estompent. Ce coffret est bien plus qu'un simple produit dérivé ; il constitue une affirmation sur l'expression culturelle et la représentation de figures féminines influentes dans l'art et la musique. La musique vibrante de Karol G et le style brut et évocateur du street art de Shishidomia tissent un récit qui trouve un écho auprès d'un public diversifié. Le coffret Karol G x Shishidomia x GAS illustre comment l'art peut transcender les formats traditionnels, offrant de nouvelles façons de vivre et d'interagir avec les expressions créatives. Disponible en quantité limitée, ce coffret revêt une valeur intrinsèque, à la fois en tant qu'objet de collection et en tant que témoignage de l'histoire culturelle, capturant l'esprit d'une époque. En conclusion, le coffret lecteur CD Karol G x Shishidomia x GAS Trading témoigne de la fusion des forces créatives qui définissent la scène artistique contemporaine. Célébrant l'innovation, rendant hommage aux femmes influentes de l'art et de la musique, ce coffret en édition limitée deviendra un objet de collection précieux. Il fusionne son, style et sensibilité urbaine, incarnant l'interaction dynamique entre le pop art moderne et le graffiti.

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Peinture aérosol Katsu Silver Chrome, illustration de Montana MTN Limited Edition Crossover. Bombe de peinture Katsu argentée chromée estampillée 2023, boîte signée, édition limitée à 500 exemplaires, illustration de 7,6 x 20,3 cm. À la croisée de l'utile et de l'art, la bombe de peinture chromée argentée Katsu est une œuvre d'art en édition limitée qui capture l'essence même de l'énergie brute du street art et l'esthétique raffinée des galeries. Fruit d'une collaboration avec Montana MTN, cette pièce de 2023 fusionne outils pratiques du street art et objets d'art de collection. Présentée dans un coffret signé, chaque bombe fait partie d'une série limitée à 500 exemplaires, soulignant son caractère exclusif. Avec ses dimensions de 7,6 x 20,3 cm, la bombe, malgré sa forme compacte, porte la marque d'une forte affirmation artistique. Signée par l'artiste Katsu, figure emblématique du street art, la bombe arbore sa signature, apposée directement sur le chrome argenté. Cette signature transforme la bombe, d'un simple récipient de peinture, en une œuvre d'art qui représente l'identité et l'héritage de l'artiste au sein du mouvement de l'art urbain. Elle est la manifestation concrète de l'engagement de Katsu dans l'espace public, lui qui est connu pour ses interventions qui interrogent les perceptions et suscitent la réflexion. La collaboration de Montana MTN sur ce projet allie son expertise dans la fabrication de peintures aérosol de haute qualité à la profondeur conceptuelle de l'œuvre de Katsu. Cette bombe de peinture symbolise le point de rencontre entre fonction et forme, où le potentiel de création artistique se trouve au cœur même de l'outil principal du street art. Elle constitue un métacommentaire sur la forme artistique elle-même, encapsulant le médium et le message en un seul objet. Pour les collectionneurs et les passionnés, la bombe de peinture Katsu Silver Chrome est plus qu'un simple artefact ; elle témoigne de l'évolution du graffiti et du street art. Elle rend hommage aux racines de cette culture, ancrées dans la rébellion et la démocratisation de la création artistique, tout en reconnaissant son statut actuel de forme d'art contemporain respectée et très recherchée. Ainsi, cette pièce en édition limitée possède une valeur non seulement due à sa rareté, mais aussi à sa place dans l'histoire de l'influence du street art sur le monde de l'art en général.

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Bombe de peinture aérosol chromée argentée Katsu, étiquetée et signée à la main, œuvre d'art de Montana MTN Limited Edition Crossover. Bombe de peinture Katsu Silver Chrome signée (édition limitée à 500 exemplaires, ???). Boîte signée. Dimensions de l'illustration : 3 x 8 pouces. La bombe et la boîte en bois sont signées, étiquetées et décorées à la main à la peinture aérosol. La bombe de peinture argentée chromée, signée et taguée à la main par Katsu, est une pièce de collection qui allie l'esprit rebelle du graffiti à l'exclusivité d'une édition limitée. Fruit d'un partenariat avec Montana MTN, marque de référence en matière de peinture aérosol de haute qualité plébiscitée par les artistes de rue du monde entier, cette édition 2023 capture l'essence même de l'art urbain. Présentée dans un coffret en bois, chaque bombe mesure 7,6 x 20,3 cm et est signée à la main par l'artiste Katsu, figure anonyme vénérée dans le milieu artistique underground. La signature de la bombe et du coffret authentifie chaque pièce et y appose la signature de Katsu, rendant chaque exemplaire unique. Cette série, limitée à 500 exemplaires (dont le nombre n'a pas été divulgué), est un objet de collection très prisé des amateurs de street art. Le tag iconique de Katsu, généralement visible dans l'espace public comme un acte de réappropriation et d'expression personnelle, se réinvente ici en une œuvre d'art à collectionner. Ce croisement entre art urbain et art de collection remet en question la perception traditionnelle du graffiti comme simple vandalisme, l'élevant au rang de forme d'art populaire à part entière, admirable et collectionnable. La finition chromée des bombes de peinture reflète l'esthétique caractéristique du graffiti scintillant sur les murs des villes, capturant la nature éphémère de ces œuvres, souvent éphémères. Chaque bombe et chaque boîte, ornée de peinture en aérosol, porte en elle les textures brutes et l'esthétique authentique de la rue, offrant un fragment de paysage urbain à apprécier dans l'intimité de son espace personnel. C'est un dialogue entre l'artiste et le collectionneur, un pacte tacite affirmant que l'art ne se limite pas aux galeries et aux musées, mais qu'il est partout autour de nous, dans les ruelles et sur les boulevards, vivant dans les lieux que nous fréquentons chaque jour. Cette série de Katsu et Montana MTN immortalise l'art éphémère du tag, conférant une permanence à ce qui est généralement éphémère et retraçant l'évolution de l'art contemporain.

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Ensemble d'assiettes en céramique Kaws x NGV - Édition limitée grise et blanche. Œuvre d'art réalisée à l'encre par le célèbre artiste de rue Kaws x NGV. 2019 Kaws - Brian Donnelly Édition épuisée Taille 6 pouces Art de collection Ensemble de 4 assiettes - Gris/Gris/Blanc Présenté avec boîte, aucun problème. Fusion d'art fonctionnel et de culture urbaine : ensemble d'assiettes en céramique KAWS x NGV Le service d'assiettes en céramique KAWS x NGV gris et blanc est une collection exquise qui allie la fonctionnalité des objets du quotidien au dynamisme du street art. Fruit d'une collaboration entre le célèbre graffeur KAWS, alias Brian Donnelly, et la National Gallery of Victoria (NGV), cette édition limitée, désormais épuisée, met en lumière la polyvalence et l'étendue du pop art urbain. Chaque assiette arbore les motifs et personnages emblématiques de KAWS, déclinés dans une palette sophistiquée de gris et blanc qui souligne la finesse des motifs et les références culturelles qui imprègnent l'œuvre. Cette collaboration témoigne du rayonnement du street art, qui s'affranchit des supports traditionnels et des environnements urbains pour investir la décoration intérieure et l'art fonctionnel. Chaque assiette, un cercle de 15 cm de diamètre, est une véritable toile qui permet à l'art de KAWS de s'intégrer pleinement à notre quotidien, insufflant l'énergie brute de la rue à l'élégance de notre table. KAWS x NGV : Une fusion d'expressions artistiques La collaboration entre KAWS et la NGV pour ce service d'assiettes en céramique représente une fusion d'expressions artistiques qui remet en question les frontières traditionnelles entre art et design commercial. Présenté dans un coffret immaculé, le service est en parfait état, garantissant ainsi la préservation du talent de KAWS sous une forme à la fois pratique et esthétique. La palette de gris et de blanc souligne le contraste et la profondeur des créations de KAWS, faisant de chaque assiette une œuvre d'art à part entière tout en contribuant à l'harmonie visuelle de l'ensemble. En transformant l'assiette du quotidien en un support pour le pop art urbain, KAWS et la NGV ont élevé le statut de l'art graffiti, l'inscrivant dans la catégorie des objets d'art de collection. Ce service séduira les collectionneurs d'art, les amateurs de l'œuvre de KAWS et tous ceux qui apprécient le lien entre art et vie, où chaque repas devient une invitation à la découverte de l'art contemporain. L'art de collection dans les objets du quotidien : la signification de l'exposition KAWS x NGV Le coffret d'assiettes en céramique KAWS x NGV est une pièce de collection majeure, notamment dans le domaine du street art et du graffiti. La rareté de cette édition épuisée renforce son attrait et en fait un objet très recherché. Au-delà de sa rareté, le design du coffret témoigne de l'influence constante de KAWS sur la perception du street art, le propulsant des marges de la culture urbaine au cœur de l'innovation artistique. Chaque assiette, ornée d'un motif détaillé à l'encre sur céramique, incarne l'essence du parcours créatif de KAWS, de ses débuts comme graffeur à son statut de figure emblématique de l'art contemporain. Dans toute sa splendeur grise et blanche, le coffret d'assiettes en céramique KAWS x NGV célèbre le potentiel créatif du street art, démontrant sa capacité à transcender les frontières et à s'intégrer pleinement au récit culturel.

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Dessin original à l'encre de Keith sur papier mat protégé anti-UV de qualité archive, par l'artiste pop art moderne Mark Powell. Croquis signé au stylo à bille, 2021, format A2, sans cadre. Le dessin est protégé par un vernis mat anti-UV. Dimensions : 16,5 x 23,25 pouces.

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KET RIS - Oxide Red Édition Limitée Rare Bombe de Peinture en Aérosol Illustration Croisement du célèbre fabricant de peinture graffiti Montana MTN. Ket est un artiste de graffiti, commissaire d'exposition et photographe actif. Il a récemment été commissaire d'expositions de graffiti et de street art à la Fondation Cartier à Paris, à la PowerHouse Arena à Brooklyn, au 55DSL à New York, au Hip Hop Theatre Festival de l'Université de New York et au MOCA à Los Angeles. Il a exposé ses œuvres dans le monde entier, notamment à Melbourne, Port-au-Prince, Copenhague et Lima, au Pérou.

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Kissing Coppers - Sculpture en polystone Gold Rush, édition limitée, œuvre de l'artiste Brandalised, célèbre pour ses peintures de graffiti pop et son art urbain. Dimensions du produit en polystone 2021 : Hauteur : 25,4 cm (10 po) * Dimensions de la boîte : Hauteur : 19 cm (7,50 po) Largeur : 20,3 cm (8 po) Profondeur : 36,2 cm (14,25 po) * Kissing Coppers est de retour ! La seconde version de cette pièce très recherchée arbore une luxueuse finition noire et or sur ce pochoir iconique. Des symboles d'autorité dans un moment d'intimité tendre. Un plaidoyer pour l'acceptation des différentes identités sexuelles par la société et une humanisation d'une force perçue comme violente ces derniers temps. Peu importe notre camp ou notre milieu social, nous aspirons tous à une émotion profondément humaine : l'amour. L'or est la couleur de l'amour, de la passion et de la magie. Laissez Kissing Coppers (Gold Rush) illuminer votre collection de sa finition éclatante. Ne manquez pas l'occasion de posséder cette œuvre d'art remarquable, désormais immortalisée sous la forme d'une figurine en polystone en édition spéciale.

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Kissing Coppers - Sculpture en polystone platine, édition limitée, œuvre de l'artiste Brandalised, célèbre pour ses peintures de graffiti pop et son art urbain. Dimensions du produit en polystone 2022 : Hauteur : 25,4 cm (10 po) * Dimensions de la boîte : Hauteur : 19 cm (7,50 po) Largeur : 20,3 cm (8,00 po) Profondeur : 36,2 cm (14,25 po) * Kissing Coppers est de retour ! Des figures d'autorité dans un moment d'intimité tendre. Plaidoyer pour l'acceptation des différentes identités sexuelles par la société et humanisation d'une force perçue comme violente ces derniers temps. Peu importe notre camp ou notre milieu social, nous aspirons tous à une émotion profondément humaine : l'amour.

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Masque Kitsune - Kurayami Édition Limitée Jouet d'Art en Polystone et Vinyle Œuvre d'Art de l'Artiste de la Culture Pop Moderne Jos Ros. Édition limitée 2022 à 300 exemplaires de 28 cm (11 pouces). Socle en polystone pouvant être posé sur une table ou fixé au mur. Fasciné par les masques, Jor Ros les intègre à son art dès qu'il le peut. S'inspirant des masques de renard japonais, il leur apporte sa propre touche avec le Masque Kitsune. De retour dans une seconde version, il arbore l'emblématique bleu marine foncé, omniprésent dans son œuvre, magnifiquement contrasté par des accents de rouge profond et d'orange. Rendez hommage à la créature légendaire avec le Masque Kitsune (Édition Kurayami) et donnez à votre collection une allure mystique grâce à cette pièce captivante !

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Knox CHKNHEAD Canbot Canz Édition Limitée Jouet d'Art en Vinyle de Collection Œuvre d'Art par les Artistes de la Culture Pop Creon x Czee13. Édition limitée 2022 à 150 exemplaires, neuve sous blister. Le Knox CHKNHEAD Canbot Canz : Un point de rencontre moderne entre le pop art urbain et la culture du jouet Le Knox CHKNHEAD Canbot Canz est un exemple éclatant de la fusion entre le pop art urbain et la culture des jouets design. Cette figurine en vinyle en édition limitée est née de la collaboration des artistes Creon et Czee13, dont la création est à la fois un objet de collection et un manifeste artistique. Sortie en 2022 à 150 exemplaires, chaque Canbot Canz témoigne du savoir-faire et de la vision créative de ses créateurs, incarnant l'esprit rebelle du street art dans une forme à la fois ludique et accessible. Créer un nouveau récit dans le domaine des objets de collection d'art Le Canbot Canz n'est pas qu'une simple figure passive ; c'est un véritable vecteur narratif, insufflant à la forme ludique d'un robot l'audace et la singularité propres au graffiti. La juxtaposition du corps en forme de canette et de la tête de poulet stylisée coiffée d'un casque de chantier témoigne d'une fusion entre motifs industriels et art urbain. Cette œuvre reflète la tendance croissante du street art à détourner et réinventer les objets du quotidien pour les transformer en créations extraordinaires et stimulantes. Reflet des tendances contemporaines du street art La production en édition limitée du Knox CHKNHEAD Canbot Canz reflète l'exclusivité et l'esprit éphémère du street art. À l'instar d'une fresque murale qui apparaît et disparaît du jour au lendemain, la rareté de ce jouet d'art crée une expérience similaire pour les collectionneurs. Chaque pièce, neuve dans sa boîte, devient une fresque portable, un fragment de rue qui s'invite dans l'espace personnel du collectionneur, permettant une interaction intime avec un art souvent perçu de loin ou dans l'espace public. Le Knox CHKNHEAD Canbot Canz, fruit de la collaboration entre Creon et Czee13, représente bien plus qu'un simple produit : c'est la convergence de la culture pop, du street art et du design de collection, marquant un tournant dans l'évolution des formes d'art contemporain.

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Kofie - Frisco Green Édition Limitée Rare Bombe de Peinture Aérosol Œuvre d'art croisée du célèbre fabricant de peinture graffiti Montana MTN. Ayant grandi à Los Angeles et étant très actif sur la scène graffiti de West LA depuis 1993, KOFIE, comme on l'appelle désormais, est un artiste de rue et de techniques mixtes talentueux et respecté. S'appuyant sur son expérience initiale en lettrage graffiti, il a développé une abstraction de ses premières œuvres qui transcende les trois dimensions traditionnelles de notre monde connu pour créer des compositions élaborées et imbriquées. Il possède un don inné pour allier une appréciation du passé et sa vision d'un avenir prometteur, tant dans ses fresques que dans son atelier, contribuant ainsi de manière significative au mouvement du graffitiuturisme.

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Kryptonite Édition Limitée, œuvre d'art pop art réalisée à la main par l'artiste de rue urbaine Marly Mcfly. Technique : acrylique HPM, peinture en aérosol et encre sur panneau de bois. Édition limitée à 9 exemplaires, signée et numérotée HPM, embellie à la main . Œuvre de 11 x 14 pouces sur châssis en bois prêt à accrocher. « Je suis une artiste autodidacte originaire de Newport News, en Virginie. J'ai commencé à dessiner dès l'enfance, représentant toutes sortes de personnages : dessins animés, bandes dessinées, figurines, athlètes… Mes pensées et expériences intérieures sont retranscrites par des superpositions de couleurs vives et audacieuses, de motifs et d'images de mon enfance, qui me permettent de m'exprimer. Je considère mon art comme un mélange de pop art et de street art. » – Marly McFly Les récits saisissants de Marly McFly dans « Kryptonite » « Kryptonite », une œuvre en édition limitée de Marly Mcfly, retrace visuellement le parcours de l'artiste à travers le pop art et le street art. Cette œuvre HPM (Hand-Painted Multiple) rehaussée à la main, réalisée à l'acrylique, à la peinture aérosol et à l'encre sur un panneau de bois, témoigne de la maîtrise autodidacte de Mcfly et de l'évolution personnelle de son discours artistique. Signée et numérotée en 2021, cette collection est limitée à neuf exemplaires seulement, chacun mesurant 28 x 35,5 cm et présenté sur un châssis en bois prêt à être accroché, illustrant ainsi l'engagement de l'artiste envers l'accessibilité et le dialogue avec son public. Originaire de Newport News, en Virginie, Mcfly puise son inspiration dans l'essence du street art et du graffiti en fusionnant l'immédiateté et l'énergie du street art avec l'imagerie iconique et vibrante du pop art. « Kryptonite » illustre parfaitement cette fusion, avec ses couches de couleurs vives et audacieuses et ses motifs qui interagissent avec des images nostalgiques de l'enfance de l'artiste, se manifestant sous forme de super-héros, de personnages de dessins animés et d'icônes culturelles qui résonnent à un niveau universel. Explorer l'enfance et les icônes culturelles Dans « Kryptonite », McFly explore le pouvoir des icônes culturelles et leur impact sur l'identité et l'expression personnelles. L'œuvre est un dialogue avec le passé, une confrontation avec les symboles qui ont façonné les identités générationnelles et un témoignage de l'influence durable des impressions d'enfance sur la créativité adulte. Les embellissements réalisés à la main sur chaque pièce confèrent à la série une touche unique, garantissant que chaque œuvre, tout en faisant partie d'un thème collectif, se distingue par ses nuances et textures individuelles. Cette œuvre incarne le pouvoir transformateur du street art et du graffiti, révélant la capacité de McFly à communiquer des émotions et des expériences complexes à travers une tapisserie d'images personnelles et partagées. Avec « Kryptonite », Marly McFly contribue au récit dynamique du street art, créant des œuvres visuellement stimulantes, riches de sens et de contexte, invitant les spectateurs à établir des liens entre les différentes couches de peinture et d'encre.

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Kuma Kush The Prisoner Cannabis Drug Bear Art Toy par Luke Chueh, œuvre d'art en vinyle en édition limitée, réalisée par un artiste de graffiti de rue. Œuvre d'art en édition limitée 2017 à 300 exemplaires, accompagnée d'un emballage en coton, d'un sac et d'un tube. Inspirée de la peinture originale de Luke Chueh, « Le Prisonnier » explore la captivité sous toutes ses formes : physique, mentale ou médicamenteuse. Le trouble de stress post-traumatique (TSPT) est un problème de santé mentale qui peut se développer après avoir vécu ou été témoin d'un événement potentiellement mortel tel qu'un combat, une catastrophe naturelle, un accident de voiture ou une agression sexuelle. Par ailleurs, la dépendance aux médicaments sur ordonnance comme le Percocet a engendré de nombreux problèmes d'addiction. Kuma Kush The Prisoner de Luke Chueh : Cannabis et captivité émotionnelle dans l’art urbain pop et le graffiti Kuma Kush The Prisoner est une figurine en vinyle en édition limitée, créée par l'artiste Luke Chueh, basé à Los Angeles, en 2017. Produite à 300 exemplaires, chaque figurine est présentée dans un emballage vert translucide, semblable à une ordonnance, accompagnée d'un sachet en coton et d'une étiquette imprimée imitant les emballages des dispensaires de cannabis. Cette pièce de collection fait partie de la série The Prisoner de Chueh, qui transpose sa peinture originale en vinyle tridimensionnel. La figurine représente un ours assis, les pattes croisées, les bras enlacés autour des genoux et la tête baissée, dans une posture de sevrage silencieux. Cette édition vert turquoise, surnommée Kuma Kush, déplace le regard sur le cannabis comme mécanisme d'adaptation, invitant à réfléchir aux implications psychologiques des médecines alternatives et de la dépendance affective. Profondément ancrée dans le langage et le symbolisme du Street Pop Art et du graffiti, cette œuvre transforme une figurine d'apparence mignonne en une sculpture émotionnelle profondément évocatrice. Couleur, forme et emballage comme commentaire social Le choix d'un tube en plastique vert, traditionnellement associé au stockage du cannabis, transforme l'ours en une métaphore de l'évasion, de l'automédication et de la quête d'apaisement face à la souffrance psychologique. Le nom de la variété, Kuma Kush, joue sur la culture populaire et le vocabulaire médical, mêlant une apparence ludique à une gravité sous-jacente. La figurine d'ours de Chueh, d'un vert menthe profond, est statique et introspective, prisonnière à la fois de sa posture et de l'enfermement symbolique du contenant. L'esthétique est épurée, minimaliste et chargée d'émotion. Cette retenue visuelle est essentielle à l'impact de l'œuvre : Chueh utilise le silence et l'immobilité pour exprimer une profonde réflexion. L'ours n'est pas une mascotte, mais un réceptacle, représentant le fardeau émotionnel que beaucoup portent en silence. En plaçant le jouet dans un emballage à connotation médicale, Chueh fait du contenant une extension de l'œuvre, transformant la présentation de l'objet en un outil narratif cohérent avec la nature provocatrice du Street Pop Art et du graffiti. Luke Chueh et l'art de l'exposition émotionnelle Luke Chueh s'est imposé comme une figure majeure de l'art pop et urbain contemporain grâce à son exploration des thèmes de la santé mentale, de l'addiction et de la vulnérabilité. Ses figures d'ours emblématiques sont devenues des symboles universels de la lutte, conçues pour susciter l'empathie sans avoir recours aux mots. Dans Kuma Kush The Prisoner, Chueh intègre la culture du cannabis à son récit sur la répression émotionnelle et la dépendance. Il ne s'agit ni d'une célébration ni d'une condamnation du cannabis, mais d'une observation sur la façon dont les individus se tournent vers les substances – légales ou non – pour faire face aux traumatismes, à l'anxiété et au syndrome de stress post-traumatique. La démarche de Chueh n'est ni cynique ni idéalisée. Elle se situe dans la zone grise où se croisent émotion, mécanismes d'adaptation et survie, plaçant ainsi son œuvre à l'avant-garde du street art et du graffiti qui abordent les problématiques sociales par le biais d'un design à forte résonance émotionnelle. La série Prisoner comme objet d'art et reflet culturel La figurine Kuma Kush « The Prisoner » est à la fois un objet de collection et une œuvre engagée. Tirée à seulement 300 exemplaires, elle est rare et porteuse d'un message fort. Malgré sa petite taille, elle transmet un message qui dépasse largement ses dimensions. Elle trouve sa place non seulement dans les vitrines, mais aussi dans l'esprit de ceux qui la contemplent, devenant une présence discrète et réconfortante pour ceux qui traversent des moments difficiles. Par une forme minimaliste et un symbolisme chargé d'émotion, Luke Chueh transforme cette figurine en vinyle en une véritable sculpture psychologique. S'inscrivant dans le mouvement du Street Pop Art et du graffiti, la série « The Prisoner » – et cette édition Kuma Kush en particulier – démontre comment l'art visuel peut aborder des vérités difficiles sur les médicaments, les traumatismes et la vulnérabilité humaine sans sacrifier la simplicité esthétique ni la clarté émotionnelle.

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Kuma OG The Prisoner Amarillo Verde Drug Bear Art Toy par Luke Chueh, œuvre d'art en vinyle en édition limitée par un artiste de graffiti de rue. Œuvre d'art en édition limitée 2017, tirée à 438 exemplaires, avec emballage en coton, sac et tube. Inspirée de la peinture originale de Luke Chueh, « Le Prisonnier » explore la captivité sous toutes ses formes : physique, mentale ou médicamenteuse. Le trouble de stress post-traumatique (TSPT) est un problème de santé mentale qui peut se développer après avoir vécu ou été témoin d'un événement potentiellement mortel tel qu'un combat, une catastrophe naturelle, un accident de voiture ou une agression sexuelle. Par ailleurs, la dépendance aux médicaments sur ordonnance comme le Percocet a engendré de nombreux problèmes d'addiction. Kuma OG The Prisoner Amarillo Verde de Luke Chueh : Expression vinyle de l’enfermement émotionnel dans l’art urbain pop et graffiti Kuma OG The Prisoner Amarillo Verde est une figurine en vinyle en édition limitée, créée en 2017 par Luke Chueh, un artiste de Los Angeles reconnu pour son style épuré et accessible, mêlant thèmes sombres et émotionnels. Cette version de The Prisoner, produite à 438 exemplaires, est accompagnée d'une pochette doublée de coton et d'un tube vert rappelant une ordonnance, renforçant ainsi le propos de la figurine sur les médicaments, la dépendance et les troubles de santé mentale. Inspirée d'une peinture originale de Chueh, The Prisoner représente un personnage à l'allure d'ours, figé dans une pose de désespoir, les genoux serrés contre sa poitrine, la tête baissée. Cette édition en vinyle vert, sous-titrée Amarillo Verde, prolonge la réflexion de la série sur le piège psychologique que beaucoup subissent suite à un traumatisme et à l'influence de la culture pharmaceutique moderne, tout en contribuant au langage visuel du Street Pop Art et du graffiti. Symbolisme pharmaceutique et langage émotionnel sur vinyle La palette de couleurs Amarillo Verde confère à l'œuvre une esthétique stérile et médicale, renforcée par son emballage : un tube translucide vert, semblable à un flacon de médicament, dont l'étiquette évoque une variété de cannabis. Ce choix rattache non seulement la figure au monde pharmaceutique, mais fait également allusion au cannabis et aux mécanismes d'adaptation alternatifs. La posture statique et affaissée de l'ours exprime la résignation et le détachement. Sa forme est simplifiée, mais chaque détail – de ses bras courbés à son regard fuyant – projette un paysage émotionnel intense. La figure n'est pas anthropomorphe au sens traditionnel du terme, mais son expression est profondément humaine. En l'enfermant dans un faux flacon de médicament, l'œuvre attire l'attention sur la manière dont la société appréhende la souffrance psychologique : par le confinement et la sédation, plutôt que par la résolution. Le choix du vinyle comme matériau par Luke Chueh rend la figure à la fois durable et intime, offrant une présence tactile qui souligne sa charge émotionnelle. Luke Chueh et le récit visuel de la douleur et de l'isolement Luke Chueh est une figure centrale du mouvement des art toys et du street art pop, explorant des réalités émotionnelles profondes à travers des personnages d'une apparence faussement innocente. Né aux États-Unis, son art aborde fréquemment la dépression, les traumatismes et la tension entre vie intérieure et perception extérieure. La série « Prisoner » est un pilier de sa réflexion sur la santé mentale et la culture pharmaceutique. Cette édition Amarillo Verde exprime une tristesse bien particulière, celle que masquent les pilules colorées et les diagnostics simplifiés. Elle est profondément ancrée dans le récit personnel de Chueh et sa critique sociétale plus large. La figure de l'ours, récurrente dans son œuvre, devient l'incarnation de la souffrance inexprimée, confinée dans son espace clos, en attente de reconnaissance. Ce jouet, minimaliste dans sa forme, est d'une richesse de sens immense et témoigne de la capacité des artistes de rue et pop à aborder les crises contemporaines par le biais de sculptures minimalistes et d'une grande puissance émotionnelle. Le prisonnier comme objet physique dans le vocabulaire du street art pop et du graffiti Kuma OG The Prisoner Amarillo Verde se présente comme un commentaire tactile sur la santé mentale à l'ère du recours aux médicaments. Chaque pièce en vinyle est emballée avec soin et une intention thématique précise : chaque élément, de l'étiquette au tube en plastique vert, renforce le cœur conceptuel de l'œuvre. Elle reflète l'expérience de la prescription et de l'enfermement, offrant un objet qui agit comme un artefact physique de l'emprisonnement émotionnel. Ce n'est pas simplement une figurine à exposer, mais à ressentir et à contempler. À travers son travail, Luke Chueh continue de redéfinir la manière dont la sculpture et l'art de collection peuvent servir de puissants vecteurs d'expression psychologique. Au sein du canon en constante évolution du Street Pop Art et du graffiti, cette œuvre affirme que les formes les plus minimalistes recèlent souvent les vérités les plus profondes, invitant collectionneurs et spectateurs à se confronter au malaise et à en reconnaître le poids.

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Kuma OG Chase Flocked Amarillo Verde The Prisoner Drug Bear Kickstarter Art Toy par Luke Chueh Édition Limitée Vinyle Œuvre d'art de collection par un artiste de graffiti de rue. Œuvre d'art en édition limitée 2017 à 62 exemplaires, avec emballage en coton, pochette et tube. Inspirée de la peinture originale de Luke Chueh, « Le Prisonnier » explore la captivité sous toutes ses formes : physique, mentale ou pharmaceutique. Édition floquée exclusive Kickstarter ultra rare. Kuma OG Chase Flocked Amarillo Verde The Prisoner par Luke Chueh : Pièce de collection ultra rare et chargée d'émotion, un véritable chef-d'œuvre du street art pop et du graffiti. Kuma OG Chase Flocked Amarillo Verde The Prisoner est une figurine d'art en vinyle ultra rare de Luke Chueh, sortie en 2017 en exclusivité sur Kickstarter. Limitée à seulement 62 exemplaires, cette édition spéciale est une version floquée de la figurine Kuma OG Amarillo Verde, ce qui en fait l'une des variantes les plus recherchées de la série The Prisoner. Emballée dans un emballage vert translucide rappelant une ordonnance, avec étiquette imprimée, intérieur en coton et pochette de protection, la figurine évoque à la fois l'esthétique et les implications de l'enfermement médical. The Prisoner, initialement inspiré d'une peinture poignante de Chueh, explore l'emprisonnement psychologique, physique et médicamenteux. Réalisée avec un flocage vert à la texture mousseuse, la surface douce et tactile de l'ours contraste fortement avec sa pose sombre : les bras enlacés autour des genoux, assis et émotionnellement replié sur lui-même. Ce contraste souligne le décalage entre la douceur extérieure et la souffrance intérieure, une caractéristique du Street Pop Art et du graffiti. Le flocage comme texture pour le traumatisme et l'ironie visuelle Ce qui distingue cette édition, c'est le flocage : une texture veloutée qui confère une douceur singulière à une œuvre par ailleurs chargée d'émotion. Cette surface tactile transforme l'objet en quelque chose de presque réconfortant au toucher, même s'il représente visuellement la douleur, la dépendance et l'enfermement. La couleur de la figurine, un vert Amarillo Verde éclatant, fait écho à l'esthétique des dispensaires de cannabis médical, évoquant subtilement d'autres formes d'évasion chimique. L'étiquette sur le contenant indique qu'il s'agit de la variété Kuma OG, un clin d'œil fictif à la fois à la culture du cannabis et au débat actuel autour de l'automédication. En plaçant l'ours dans un tube étiqueté comme un produit et une variété, Chueh utilise l'humour et des métaphores visuelles percutantes pour analyser la marchandisation du traumatisme et de la souffrance émotionnelle. Ces significations multiples, véhiculées par des formes sculpturales minimalistes et un emballage astucieux, inscrivent cette œuvre sans conteste dans le panthéon du Street Pop Art et du graffiti. La révolution discrète de Luke Chueh dans le domaine des jouets d'art design Luke Chueh, artiste basé à Los Angeles et reconnu pour ses personnages au design distinctif et son art narratif empreint d'émotion, a redéfini le rôle des jouets design dans l'art contemporain. Son œuvre puise largement dans son expérience personnelle des troubles mentaux, de l'identité culturelle et des conflits psychologiques. La figurine d'ours de la série « The Prisoner » est un motif emblématique que Chueh utilise pour exprimer des émotions brutes et inexprimées. Par sa posture et son expression minimaliste, l'ours devient l'incarnation de la fragilité que l'on endure souvent en silence. Cette version floquée ajoute une dimension supplémentaire d'ironie et de profondeur, transformant un récit émotionnel douloureux en un objet doux et apparemment câlin. La fusion opérée par Chueh entre design de jouet, sculpture et réalisme émotionnel continue d'influencer le mouvement du Street Pop Art et du graffiti, prouvant que la vulnérabilité peut être exprimée à travers les formes les plus petites et les plus trompeusement simples. Exclusivité et importance culturelle de Kickstarter Produite à seulement 62 exemplaires, l'édition Kuma OG Chase Flocked Amarillo Verde possède une valeur culturelle et de collection exceptionnelle. Sa sortie via Kickstarter associe directement l'œuvre au soutien des fans et collectionneurs qui partagent le message profond de la série The Prisoner. L'emballage, inspiré des ordonnances, est bien plus qu'une simple protection : il fait partie intégrante du récit, symbolisant le contrôle institutionnel, la normalisation pharmaceutique et le désespoir silencieux de la douleur gérée chimiquement. Cette édition n'est pas qu'un objet de décoration ; c'est une véritable prise de position. Elle représente le point de rencontre entre santé mentale, culture des médicaments et esthétique consumériste dans la société moderne. Dans le cadre du Street Pop Art et du graffiti, les éditions limitées de Luke Chueh deviennent de véritables monuments miniatures à la complexité émotionnelle de l'expérience humaine : des œuvres d'art dont la signification est aussi forte que leur présence culturelle.

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Kush XL 6in The Prisoner Flocked Drug Bear Art Toy par Luke Chueh Kickstarter Limited Edition Vinyl Collectible Artwork par un artiste de graffiti de rue. Œuvre d'art en édition limitée 2018 (93 exemplaires) avec emballage en coton, sac et tube. Inspirée de la peinture originale de Luke Chueh, « Le Prisonnier » explore la captivité sous toutes ses formes : physique, mentale ou médicamenteuse. Édition exclusive Kickstarter ultra rare, format XL 15 cm. Kush XL 6 pouces L'ours prisonnier de la drogue par Luke Chueh : Sculpter l'enfermement émotionnel dans l'art urbain pop et graffiti L'ours Kush XL 6in « The Prisoner Drug Bear » de Luke Chueh est une pièce de collection exclusive issue d'une campagne Kickstarter de 2018, limitée à seulement 93 exemplaires dans le monde. Cette rare édition extra-large en vinyle transforme l'ours emblématique de Chueh en une présence à la fois plus imposante et plus vulnérable. Mesurant 15 cm et recouvert d'un flocage vert vif, l'ours est assis, voûté et replié sur lui-même, les bras serrés autour des genoux, dans un geste de silence protecteur. Cette version est conditionnée dans un tube en plastique vert foncé, semblable à une boîte de médicaments, portant l'étiquette de la variété fictive Kuma OG. Accompagné d'une pochette doublée de coton et d'un étiquetage officiel, le jouet porte visuellement le poids du contrôle clinique et de la solitude émotionnelle. Faisant partie de la série « Prisoner », cette édition XL approfondit la critique que Luke Chueh poursuit sur l'enfermement psychologique et pharmaceutique à travers le langage visuel du Street Pop Art et du graffiti. Matériau et échelle comme outils d'impact conceptuel L'utilisation de l'échelle dans la version Kush XL intensifie la puissance émotionnelle de la figurine. Contrairement aux éditions plus petites, qui évoquent la délicatesse et l'intimité, cette taille plus imposante occupe davantage l'espace, obligeant le spectateur à se confronter à la souffrance silencieuse qu'elle représente. La surface verte floquée ajoute une dimension de contradiction visuelle, invitant au toucher tout en symbolisant l'apparence luxuriante du calme qui masque souvent la détresse. La présentation dans un tube rappelant une ordonnance fait écho à l'esthétique des dispensaires de cannabis et des emballages pharmaceutiques, plaçant l'ours au cœur du débat sociétal actuel sur les médicaments, la gestion des traumatismes et les thérapies alternatives. L'étiquette, semblable à une ordonnance, contextualise l'ours à la fois comme patient et comme produit, entouré par le contrôle implicite du dosage, de l'étiquetage et du suivi médical. Dans le domaine du Street Pop Art et du Graffiti, ce type d'objet remet en question les idées reçues sur la guérison et critique les systèmes qui monétisent le soulagement émotionnel. Luke Chueh et le vocabulaire émotionnel du pop art urbain basé sur les jouets Luke Chueh est un artiste californien reconnu pour son utilisation de personnages d'une simplicité trompeuse afin de traduire des états émotionnels profondément nuancés. Son ours, devenu un symbole iconique de son œuvre, n'est jamais neutre. Qu'il soit peint ou sculpté, il est toujours au cœur d'un dialogue intérieur silencieux. La figure du Prisonnier illustre la pratique de Chueh qui consiste à utiliser la posture, le minimalisme et le contexte pour explorer des thèmes tels que la dépression, l'anxiété, la dépendance et l'isolement. L'édition Kush XL ne s'éloigne pas de ces thèmes ; au contraire, elle les amplifie par la texture et la taille. L'œuvre de Chueh s'inscrit pleinement dans le canon du Street Pop Art et du Graffiti, non seulement pour son accessibilité visuelle, mais aussi pour son engagement audacieux face aux difficultés contemporaines liées à la santé mentale. L'ours est à la fois familier et troublant, pris entre réconfort et désespoir, entre traitement et dépendance. Le prisonnier comme déclaration sculpturale sur la santé mentale et le contrôle Kush XL 6in The Prisoner est bien plus qu'une simple figurine de collection : c'est une représentation sculpturale d'une vérité culturelle. Limitée à seulement 93 exemplaires exclusifs Kickstarter, elle revêt une valeur considérable pour les collectionneurs, non seulement en raison de sa rareté, mais aussi grâce à son message émotionnel brut et sans filtre. L'emballage n'est pas décoratif. Il fait partie intégrante du récit, renforçant le statut de la figurine comme symbole de la dépendance médicamenteuse. La couleur verte et l'étiquette inspirée des dispensaires introduisent un commentaire subtil sur la normalisation croissante du cannabis, à la fois comme soulagement et comme béquille, élargissant ainsi la critique de Chueh au-delà des seuls médicaments. Dans le registre du Street Pop Art et du Graffiti, la figurine fonctionne comme une fresque murale miniature : portable, puissante et engagée. Avec cette édition XL, Luke Chueh transforme les jouets design en plateformes de dialogue sur la santé mentale, utilisant le vinyle, le flocage et la forme pour refléter à la fois la vulnérabilité individuelle et la réponse systémique.

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Toilettes pour femmes chez Art And Design Supreme Tray, assiette de collection en porcelaine et verre d'art en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de graffiti de rue OG Lady Pink. Plateau Lady Pink/Supreme 2021 - Espace Femmes chez Art & Design - Supreme. Plateau en porcelaine avec motif et logo imprimés au dos. 15 x 18 cm.

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Peinture aérosol Lady Pink Erika, œuvre d'art de Montana MTN Limited Edition Crossover. Bombe de peinture aérosol 2018, boîte signée, édition limitée à 500 exemplaires, format 3 x 8 pouces (7,6 x 20,3 cm), bombe et boîte incluses Célébration du patrimoine du street art : L’œuvre de Lady Pink Erika réalisée à la bombe de peinture La bombe de peinture Lady Pink Erika, fruit d'une collaboration entre l'icône du graffiti Lady Pink et la prestigieuse marque Montana MTN, est un objet de collection qui capture l'essence même du pop art urbain et du graffiti. Sortie en 2018 en édition limitée à 500 exemplaires, chaque bombe, accompagnée de son coffret signé de 7,6 x 20,3 cm, témoigne de l'influence durable de la culture graffiti dans le monde de l'art. Cette édition transcende l'usage traditionnel de la bombe de peinture pour les graffeurs ; elle se métamorphose en une œuvre d'art qui célèbre l'héritage de l'une des pionnières du street art. Lady Pink, surnommée « la première dame du graffiti », est une figure incontournable de la scène artistique depuis le début des années 1980. Sa collaboration avec Montana MTN pour la création de cette bombe de peinture en édition limitée fait le lien entre l'esprit brut et énergique du street art et le désir des collectionneurs de posséder des objets emblématiques de cette culture. L'illustration de la bombe représente l'artiste en pleine création, capturant la vitalité et l'énergie rebelle propres au graffiti. La boîte signée ajoute une touche d'authenticité et d'exclusivité, élevant la bombe aérosol au rang d'œuvre d'art. L'impact de l'œuvre de Lady Pink sur le street art et la culture pop L'œuvre de Lady Pink a profondément marqué le street art et la culture pop, bousculant les idées reçues et ouvrant la voie aux générations futures d'artistes. Ses créations, exposées dans la rue ou en galerie, ont sans cesse repoussé les limites, explorant les thèmes de la féminité, de l'émancipation et du commentaire social. L'œuvre en édition limitée réalisée par Montana MTN sur une bombe de peinture perpétue son héritage, fusionnant son style visuel percutant avec un médium emblématique du mouvement street art. « Lady Pink Erika » célèbre la contribution de l'artiste et rend hommage à la culture graffiti. Elle met en lumière le parcours de cet art, des marges de l'espace public au monde des objets de collection et des beaux-arts. La richesse des couleurs et la vivacité du design reflètent les fresques vibrantes de Lady Pink, les murs ornés de ses villes et les paysages urbains animés. La bombe de peinture « Lady Pink Erika » de Montana MTN est une pièce majeure, à la croisée du street art, du graffiti et de la culture des objets de collection. Elle représente la fusion de l'art et de l'utilité, du passé et du présent, comme un témoignage tangible du pouvoir transformateur du street art et de sa capacité à influencer, mobiliser et inspirer à travers les décennies. Grâce à cette œuvre en édition limitée, le talent de Lady Pink continue de rayonner, confirmant son statut d'icône du street art et de pionnière pour les artistes du monde entier.

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Lampman, sculpture lumineuse, objet d'art de Joan Cornellà, édition limitée, pièce de collection d'artiste pop. Édition limitée 2024 à 300 exemplaires. Lampe sculpturale rare alimentée par piles. Dimensions : 6 x 9,8 cm. Explorer le monde fascinant des objets du pop art L'univers du Pop Art a toujours suscité l'intrigue et la fascination, avec des objets qui brouillent souvent les frontières entre expression artistique et utilité quotidienne. Parmi ces pièces captivantes, on trouve la lampe-sculpture « Lampman », un objet d'art conçu par le célèbre artiste espagnol Joan Cornellà. Cette pièce de collection en édition limitée allie la fonctionnalité d'une lampe au plaisir esthétique d'une sculpture, créant ainsi un objet à la fois pratique et d'une fantaisie surréaliste. L'art satirique unique de Joan Cornellà L'œuvre de Joan Cornellà est reconnue pour sa représentation colorée et souvent troublante des interactions sociales contemporaines, rendue dans son style inimitable, à la fois net et joyeux. « Lampman » poursuit cette exploration thématique, capturant l'absurdité et l'étrangeté de l'existence moderne. Sortie en 2024, cette œuvre d'art rare est une édition limitée à seulement 300 exemplaires, ce qui en fait une pièce recherchée par les collectionneurs et les admirateurs de Cornellà. Mesurant 15 x 25 cm, il s'agit d'une lampe-sculpture compacte, alimentée par piles, conçue pour s'intégrer dans divers espaces, de l'intimité d'un bureau à l'espace plus public d'une galerie. « Lampman » n'est pas qu'une simple lampe ; c'est une œuvre engagée, qui invite le spectateur à repenser les frontières entre art et design, forme et fonction, divertissement et critique. À travers ce travail, Cornellà continue de repousser les limites du Street Pop Art et du graffiti, explorant comment ces formes peuvent s'étendre au-delà des toiles et des murs traditionnels pour devenir des objets tridimensionnels qui habitent nos espaces quotidiens. Le « Lampiste » : une fusion entre l'art et la vie quotidienne La sculpture-lampe « Lampman » témoigne du talent exceptionnel de Joan Cornellà pour métamorphoser le banal en extraordinaire. Ses couleurs vives et son design audacieux font écho à l'esprit du Pop Art et du graffiti, où les objets du quotidien deviennent le support de l'expression créative. La lampe, caractérisée par sa silhouette singulière, la tête ornée d'un abat-jour et arborant un sourire serein, invite à la réflexion sur le jeu entre la lumière qu'elle diffuse et son expression ombrée. Cette œuvre symbolise un mouvement où l'art ne se limite plus aux murs des galeries ni aux façades des bâtiments, mais s'intègre aux objets de notre quotidien. « Lampman » de Cornellà fait office de pont, faisant entrer l'art dans nos espaces de vie et permettant un contact intime et constant avec la créativité. Le caractère à la fois ludique et provocateur de l'œuvre incarne l'essence même du Pop Art. Cette forme d'art est accessible, universelle et profondément ancrée dans la culture contemporaine. Le caractère de collection des créations de Cornellà Le caractère de collection de la sculpture lumineuse « Lampman » de Joan Cornellà témoigne de la convergence entre le marché de l'art et la satisfaction personnelle de posséder une œuvre d'art à la fois fonctionnelle et précieuse. L'édition limitée à 300 exemplaires confère à cette pièce un caractère exclusif et recherché auprès des collectionneurs et amateurs d'art. Artiste contemporain, Cornellà comprend parfaitement l'importance de créer une œuvre qui résonne à plusieurs niveaux : objet de plaisir esthétique, objet fonctionnel et pièce de collection de valeur. Avec « Lampman », Cornellà démontre une fois de plus son savoir-faire, capable de concrétiser l'imagination de l'artiste. Cette sculpture lumineuse n'est pas seulement un objet à contempler, mais à vivre ; sa lumière symbolise l'illumination que l'art apporte à nos vies. Figure active et influente du monde de l'art, Joan Cornellà continue d'explorer et d'élargir les possibilités du Street Pop Art et du graffiti, créant des œuvres à la fois familières et provocatrices, pratiques et exceptionnelles.

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Laocoon et ses fils - Entourés de serpents - Impression sur carte à collectionner GAS par SSUR - Ruslan Karablin. Œuvre imprimée 2022 pour les manifestations contre la guerre en Ukraine. Édition limitée à 50 exemplaires. SSURO Images jouit d'une renommée internationale depuis le début des années 90. Ses messages percutants et mémorables, d'une grande force visuelle, sont présents dans son art et ses marques de streetwear depuis près de trois décennies. SSUR a créé des visuels pour certaines des marques les plus prestigieuses au monde. Les cartes GAS sont inspirées par les racines et l'histoire de sa ville natale, Odessa, en Ukraine. Laocoon et ses fils de la SSUR : une interprétation moderne porteuse de sens La carte « Laocoon And Sons - Surrounded By Serpents » est une œuvre d'art imprimée saisissante, créée par SSUR, pseudonyme de l'artiste Ruslan Karablin, pour la série de cartes à collectionner GAS. Tirée à 50 exemplaires en 2022, cette édition limitée offre un commentaire poignant sur la guerre en Ukraine, illustrant comment l'art peut être un vecteur de protestation et de narration. Artiste de renommée internationale depuis le début des années 1990, SSUR est reconnu pour ses messages percutants et marquants, transmis à travers ses créations visuelles et ses marques de streetwear. SSUR : Un héritage d’art et de streetwear percutants Ruslan Karablin, plus connu sous le pseudonyme de SSUR, s'est imposé dans le street art et le graffiti grâce à ses graphismes audacieux et à son commentaire social incisif. Son œuvre véhicule souvent des messages forts qui trouvent un écho auprès d'un large public, grâce à une franchise aussi directe que visuellement saisissante. Depuis près de trente ans, SSUR collabore avec certaines des marques les plus prestigieuses au monde, leur insufflant son style et ses valeurs uniques. Cartes GAS et l'art du commentaire culturel La carte « Laocoon et ses fils » illustre parfaitement comment l'art de SSUR transcende les supports traditionnels, s'intégrant au tissu culturel grâce à des médias tels que les cartes à collectionner. Cette œuvre particulière puise son inspiration dans les racines et l'histoire de la ville natale de l'artiste, Odessa, en Ukraine. Elle s'inscrit dans la démarche de GAS Trading Cards visant à créer des objets de collection à forte valeur esthétique, porteurs de messages culturels et politiques puissants. Le choix du groupe du Laocoon, sculpture antique représentant le prêtre troyen Laocoon et ses fils attaqués par des serpents de mer, symbolise les luttes et les bouleversements vécus par le peuple ukrainien. En adaptant cette image classique, SSUR offre un contexte contemporain qui reflète le conflit actuel, démontrant comment les motifs historiques peuvent être réinterprétés pour communiquer des récits modernes. Réponses artistiques aux événements mondiaux L'intégration de SSUR à la série de cartes à collectionner GAS avec la carte « Laocoon And Sons - Surrounded By Serpents » témoigne de la puissance de l'art comme forme de résistance et d'expression. Cette œuvre est une réponse créative aux événements mondiaux, captivant l'attention des collectionneurs et des amateurs d'art attirés par le croisement entre art, activisme et collection. En tant qu'artiste, SSUR continue d'influencer et d'inspirer la culture pop, le streetwear et l'art en général. Sa capacité à aborder des problématiques urgentes à travers son travail, tout en restant fidèle à ses racines, souligne le rôle des artistes comme témoins de la condition humaine. La carte « Laocoon And Sons » n'est pas qu'un simple objet de collection : c'est une œuvre d'art qui invite le spectateur à se confronter aux réalités du monde qui l'entoure, reflétant le pouvoir durable de l'art visuel à émouvoir le public et à susciter la réflexion.

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