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Flags AP Artist Proof, impression sérigraphique manuelle en 9 couleurs sur papier Coventry Rag 290 g/m² par l'artiste pop graffiti Dalek - James Marshall. Œuvre d'art urbain rare en édition limitée. Épreuve d'artiste AP 2018 Signée et marquée AP Édition limitée Format 24x18 Sérigraphiée par Serio Press. Œuvre d'art en édition limitée de Dalek : une étude du street art pop et du graffiti Dalek, pseudonyme de l'artiste James Marshall, incarne la fusion du street art et du graffiti, un phénomène qui a profondément marqué la scène artistique contemporaine. Son œuvre de 2018, une épreuve d'artiste intitulée « Flags », est une sérigraphie artisanale en neuf couleurs sur papier Coventry Rag 290 g/m². Rare et exquise, elle témoigne de sa maîtrise dans l'art de fusionner la force brute du street art et la finesse du pop art grâce à la sérigraphie. Les « drapeaux » des Daleks – Un déploiement éclatant de couleurs et de formes « Flags » de Dalek est une œuvre visuelle captivante, mettant en scène son personnage emblématique de Space Monkey dans une composition répétitive, presque rythmique. Cette édition limitée, sérigraphiée par Serio Press, est signée par l'artiste et estampillée « Épreuve d'artiste », soulignant sa rareté et sa valeur pour les collectionneurs et les amateurs. L'œuvre mesure 61 x 46 cm, une taille qui permet à chaque élément d'attirer le regard tout en contribuant à un ensemble harmonieux. Technique et exécution artistiques La création de « Flags » est un processus aussi méticuleux que créatif. L’impression sérigraphique en neuf couleurs témoigne de la maîtrise de Dalek en matière de théorie des couleurs et de sa précision dans le travail manuel. Le choix du papier Coventry Rag, réputé pour sa durabilité et sa texture luxueuse, souligne la qualité et la longévité de l’œuvre. Chaque couleur est appliquée avec soin, garantissant ainsi que l’éclat caractéristique de Dalek soit présent sur toute la surface. Influence et signification du Street Pop Art Dans le paysage du street art et du graffiti, « Flags » est une œuvre culturelle qui incarne l'esprit de ces deux mouvements. Dalek a puisé dans l'énergie rebelle du graffiti et l'a canalisée à travers un processus généralement associé aux formes plus traditionnelles du pop art, créant ainsi un pont entre deux univers souvent perçus comme disparates. Il en résulte une œuvre à la fois marquante et pièce de collection, reflétant la nature évolutive de l'art inspiré du street art. Collectibilité et impact La valeur de collection de « Flags » est renforcée par son statut d'épreuve d'artiste, une distinction accordée aux tirages réalisés avant l'édition courante pour l'usage personnel de l'artiste. Ces épreuves servent souvent à vérifier la qualité et les couleurs du tirage et sont généralement produites en plus petit nombre, ce qui les rend plus recherchées par les collectionneurs. La signature de Dalek et la mention « AP » authentifient l'originalité et l'exclusivité de ce tirage. L'héritage continu des Daleks « Flags » de Dalek est bien plus qu'une simple œuvre d'art ; c'est le récit du parcours d'un artiste qui repousse sans cesse les limites du street art et du graffiti. À travers cette œuvre et d'autres du même genre, Dalek interroge les perceptions, invite à l'échange et élargit notre compréhension du street art. Ses œuvres sont appréciées pour leur esthétique et leur capacité à susciter la réflexion et le débat sur le statu quo du monde de l'art. « Flags » de Dalek est une contribution remarquable au discours sur le street art et le graffiti. Elle incarne le dynamisme de la vision artistique de Dalek et illustre le potentiel du street art à imprégner et à enrichir le domaine des beaux-arts. Avec ses couleurs subtiles, son imagerie iconique et sa disponibilité limitée, cette estampe continue de captiver le public et de confirmer la position de Dalek comme pionnier dans le monde de l'art.

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Œuvre d'art Eclipse, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti de la culture pop Julian Callos. Julian Callos - « Éclipse », tirage d'art giclée en édition limitée, signé et numéroté par l'artiste, limité à 40 exemplaires, 30,5 x 40,5 cm. Tirage giclée « Éclipse » de Julian Callos.

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Strangekiss Anarchy Black Cat Qee, figurine de collection en vinyle en édition limitée, œuvre d'art réalisée par l'artiste de graffiti de rue Frank Kozik. Édition limitée signée de 2007 à 300 exemplaires. Œuvre de Frank Kozik, 20 cm de haut. Figurine signée Toy2R Strangekiss Anarchy Black Cat Qee avec boîte. Strangekiss Anarchy Black Cat Qee par Frank Kozik – Œuvre d'art pop et graffiti La figurine Strangekiss Anarchy Black Cat Qee, créée par Frank Kozik, figure emblématique du street art pop, est une pièce de collection incontournable dans l'univers des figurines en vinyle. Sortie en 2007 chez Toy2R et distribuée par Strangekiss, elle fusionne la force esthétique de l'anarchie punk avec l'attrait underground de la culture graffiti. Limitée à seulement 300 exemplaires dans le monde, chaque pièce est signée par Frank Kozik lui-même, ce qui renforce son importance en tant qu'œuvre d'art et témoignage culturel. Cette figurine en vinyle de 20 cm est bien plus qu'un simple jouet : c'est une incarnation sculpturale de la rébellion, de la contestation créative et d'un commentaire avant-gardiste sur le design. L'utilisation par Kozik d'un noir profond, de touches de vert pâle et d'une expression faciale minimaliste canalise l'esprit des fanzines punk et l'éthique du « fait maison », pour créer une œuvre d'art qui ravira collectionneurs et amateurs. Le style caractéristique de Frank Kozik dans l'art urbain pop et le graffiti Frank Kozik, né en Espagne et ayant principalement œuvré aux États-Unis jusqu'à sa mort en 2023, s'est imposé comme une figure emblématique grâce à son langage visuel sans concession, présent sur des affiches, des supports musicaux et des figurines en vinyle. Reconnu pour son mélange de satire politique et d'esthétique subculturelle, son œuvre a toujours insufflé l'énergie irrévérencieuse du punk, de la bande dessinée underground et du graffiti. La figurine Strangekiss Anarchy Black Cat Qee illustre le goût de Kozik pour l'association de graphismes audacieux et d'influences issues de l'art populaire. Avec ses sourcils anguleux, le symbole de l'anarchie sur son front et une cigarette au bec, ce personnage incarne une position de défi face à l'uniformisation du design dominant. La silhouette féline exagérée est adoucie par des membres arrondis et des pattes surdimensionnées, créant un contraste humoristique avec l'allure agressive du personnage. Les jouets Qee Platform comme objets d'art dans le graffiti et la culture pop La plateforme Qee, développée par Toy2R à Hong Kong, est un pilier du mouvement des figurines de créateurs depuis le début des années 2000. Véritable toile vierge pour certains des artistes de graffiti et de street art les plus créatifs au monde, la série Qee a accueilli des créations personnalisées de grands noms tels que Shepard Fairey, Sket One et Kozik. La figurine Qee « Anarchy Black Cat » s'inscrit dans cette tradition tout en repoussant les limites grâce à son symbolisme engagé et son attitude expressive. Chaque exemplaire de cette édition limitée était présenté dans une boîte rose et jaune éclatante ornée de phrases comme « The Future Is Stupid », reflétant la propension de Kozik à contester l'autorité et la société de consommation tout en interpellant les collectionneurs par un humour provocateur et subversif. Art urbain pop et graffiti dans le mouvement de l'art vinyle Cette figurine Qee en édition limitée témoigne du métissage entre le pop art urbain, le graffiti et la culture des figurines de collection. En s'inspirant des symboles de la contre-culture et en les réinterprétant sous forme de figurines en vinyle à collectionner, Frank Kozik a forgé un nouveau langage visuel qui trouve sa place aussi bien dans les galeries d'art que dans la scène streetwear. Ses collaborations avec des marques comme Toy2R ont permis à une nouvelle génération d'artistes d'accéder au marché de l'art avec des œuvres tridimensionnelles qui font écho à l'éphémère et à l'esprit subversif du graffiti. La figurine Strangekiss Anarchy Black Cat Qee, avec son allure anarchiste et son sourire narquois, reste l'un des exemples les plus marquants de la manière dont la création de jouets par des artistes a contribué à façonner l'art urbain au début des années 2000. Cette figurine n'est pas qu'un simple objet en vinyle ; c'est une œuvre sculptée qui incarne un esprit contestataire, imprégné de l'expression du graffiti et du pop art.

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Reconnaissance Spirituelle - Tirages Pigmentaires d'Archives en Édition Limitée sur Papier Blanc Naturel 290 g/m² par Ben Kehoe, Artiste de Rue Graffiti, Art Pop Moderne. « Spiritual Reconnaissance » est une édition limitée à 100 exemplaires de l'estampe de Ben Kehoe. L'image mesure environ 28 cm de haut sur 58 cm de large. L'œuvre est imprimée sur un papier blanc naturel épais de 290 g/m².

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Achetez Young Until I Die 1 Original One of a Kind Mixed Media Spray Paint, Acrylic & Stencil Painting Artwork on 270gsm Royal Sundance Paper by Popular Street Graffiti Artist Pez. 2021 Signed Mixed Media on Royal Sundance 270gsm paper 19.69" × 27.56" / 50 × 70 cm Taille de l'œuvre, Noir Encadré professionnellement avec tapis flottant

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Achetez une œuvre d'art de collection VINYLTOY Sculpture en vinyle en édition limitée par Pop Street Artist. 2022 Édition limitée de XXX Taille de l'œuvre XXX Nouveau dans la boîte Estampillé/Imprimé/COA INFO

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« You Have A Sexy Mouth », estampe d'art en édition limitée (Giclée) sur papier d'art de l'artiste pop moderne Alexis Price. Édition limitée à 10 exemplaires, signée et numérotée, format 16x20, 2019

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Achetez Emotions - Green Stencil 2-Color Silkscreen Limited Edition Art sur papier Fine Art par l'artiste Aiko Contemporary Pop Artwork. 2020 Signé et numéroté à la main au pochoir édition limitée de 5 œuvres d'art taille 20 x 24 "Entre hommes et femmes, nous nous disputons depuis longtemps sur l'égalité et les choses sont peut-être beaucoup plus confortables maintenant, et les nouvelles générations semblent avoir de meilleures idées. Le sujet a beaucoup changé depuis l'époque de nos grands-parents ou même avant. Pourtant, les femmes et les minorités sont toujours confrontées à des obstacles que nous devons aider à résoudre : l'éducation, les opportunités d'emploi et la santé. J'espère que la chance de vivre équitablement est donnée à tout le monde et que tout le monde peut saisir le jour." -AIKO

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Votre peau est un tel marais. Estampe d'art en édition limitée Giclée sur papier d'art de qualité supérieure par l'artiste pop moderne Alexis Price. Édition limitée à 20 exemplaires, signée et numérotée, format 11x14 pouces (2015).

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Sérigraphie en noir et or « The Return » de Cleon Peterson sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés, édition limitée. Édition limitée signée et numérotée de Cleon Peterson (2025). Tirage sérigraphique 20x20 représentant un guerrier à cheval brandissant une épée ensanglantée. Sortie en janvier 2025, en pleine période des incendies en Californie. Le Retour Sérigraphie Noir et Or : Un récit saisissant de Cleon Peterson « The Return » de Cleon Peterson est une œuvre saisissante, à la croisée du street art, du pop art et du graffiti, mêlant minimalisme et narration profonde. Cette sérigraphie en édition limitée, sortie en janvier 2025, est réalisée sur un papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés, offrant une profondeur visuelle et tactile unique. Mesurant 50,8 x 50,8 cm, elle arbore le style caractéristique de Peterson, marqué par des contrastes audacieux et des figures graphiques. Représentant un guerrier à cheval, brandissant une épée ensanglantée, l'œuvre aborde les thèmes du conflit, de la domination et de la survie. Publiée durant les incendies de Californie de 2025, elle résonne d'une atmosphère de destruction et de résilience, établissant un parallèle entre les combats personnels et les luttes sociétales de plus grande ampleur. La voix artistique distinctive de Cleon Peterson Cleon Peterson est reconnu pour son style graphique et épuré, mêlant des éléments du pop art à l'intensité de l'esthétique graffiti. Son œuvre explore souvent les thèmes des rapports de force, du chaos et des aspects les plus sombres de la nature humaine. « Le Retour » s'inscrit dans cette tradition, avec la figure centrale d'un guerrier à cheval symbolisant la conquête et la survie. L'utilisation du noir et de l'or confère à l'œuvre une tonalité à la fois majestueuse et inquiétante, accentuant la tension de la scène. La capacité de Peterson à condenser des récits complexes en formes simplifiées crée un impact visuel immédiat tout en invitant à une réflexion plus profonde sur les thèmes abordés. Design et symbolisme dans Le Retour « Le Retour » présente une composition saisissante où la figure centrale du guerrier domine l'espace visuel. Le cheval, rendu dans le minimalisme caractéristique de Peterson, évoque le mouvement et la force, tandis que l'épée ensanglantée rappelle brutalement la violence et ses conséquences. Le fond noir amplifie la teinte dorée de la figure, soulignant sa prééminence et l'isolant dans un espace quasi vide. Cette dualité d'ombre et de lumière symbolise non seulement le conflit, mais aussi la résilience et la survie. L'esthétique dépouillée reflète la violence brute de la lutte, rendant l'œuvre à la fois visuellement saisissante et thématiquement intense. Édition limitée : savoir-faire et contexte Imprimée sur papier d'art haut de gamme Coventry Rag, l'œuvre « The Return » est bordée à la main, ce qui lui confère un aspect artisanal sublimant l'intensité graphique de l'œuvre. Signée et numérotée par Cleon Peterson, cette édition limitée garantit son exclusivité et sa valeur de collection. Sa sortie, coïncidant avec les incendies en Californie, lui confère une résonance particulière, reliant les thèmes de la destruction et de la survie à l'actualité. « The Return » illustre la fusion entre le street art et le graffiti, capturant à la fois l'énergie brute de l'art urbain et les récits universels de conflits et de résilience humaine. Cette œuvre témoigne du talent de Peterson pour allier design minimaliste et narration puissante.

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Shadowplay, impression sérigraphique bicolore réalisée à la main sur papier Mohawk Superfine UltraWhite par l'artiste de graffiti pop Baghead, œuvre d'art de rue rare en édition limitée. Édition limitée 2019, signée et numérotée à 50 exemplaires, format 20x24

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« Never Look Back 1 », une œuvre d'art en édition limitée, imprimée en giclée sur papier d'art de l'artiste de graffiti pop culture Andrew Bell.

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Papier buvard Polygondwanaland, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Ed Irmen, œuvre d'art pop culture LSD. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey et peuvent légèrement différer de l'exemple présenté.

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Après la tempête, impression d'art giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste pop moderne Alexis Price. Édition limitée à 20 exemplaires, signée et numérotée, format 24x30, 2019

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Kettle AP Artist Proof Giclée Print de Brian Mashburn, œuvre d'art en édition limitée, imprimée sur papier beaux-arts, artiste graffiti pop de rue. Épreuve d'artiste (EA) 2018 Signée et marquée EA Édition limitée Dimensions : 16,75 x 20 Dévoilement de Kettle AP : un chef-d’œuvre giclée de Brian Mashburn La fusion des influences urbaines et des références à la culture pop dans l'art a donné naissance à des formes uniques comme le Street Pop Art et le graffiti. « Kettle AP » de Brian Mashburn est une épreuve d'artiste (ou tirage giclée) par excellence, témoignant de cette fusion. Sortie en 2018, cette œuvre en édition limitée est un élément essentiel du travail de Mashburn, reconnu pour son subtil jeu entre urbanité, pastorale et éléments industriels. Chaque épreuve d'artiste est une étape indispensable du processus d'impression ; elle permet de garantir la qualité du tirage avant la production de l'édition finale et porte la mention « AP » pour indiquer son statut d'épreuve. Signatures distinctives de Kettle AP Les collectionneurs d'art urbain et de graffitis recherchent souvent l'authenticité et un contact direct avec l'artiste. « Kettle AP » répond à cette exigence grâce à la signature de Brian Mashburn, gage d'originalité et lien direct avec l'artiste. La signification de l'autographe de Mashburn dépasse la simple certification ; il représente un lien entre le créateur et le collectionneur, un moment partagé immortalisé sur le papier d'art qui sert de support à cette superbe impression giclée. Les dimensions artistiques de Kettle AP Mesurant 42,5 x 50,8 cm, « Kettle AP » est une œuvre imposante qui impose sa présence. Ses dimensions ont été soigneusement choisies pour que la finesse des traits, la délicatesse des nuances et la composition d'ensemble soient mises en valeur avec l'impact voulu par Mashburn. Le format de l'estampe est à la fois esthétique et pratique, offrant une grande polyvalence d'exposition, des intérieurs intimes aux galeries plus vastes. Résonance culturelle dans l'art urbain pop et le graffiti « Kettle AP » de Brian Mashburn est non seulement un régal pour les yeux, mais aussi un témoignage culturel qui capture l'esprit du paysage urbain moderne. Son œuvre dépeint souvent un monde où nature et constructions humaines coexistent, tantôt en harmonie, tantôt en tension. À l'instar de nombre de ses créations, cette estampe invite à la contemplation de l'interaction entre les différents éléments du cadre, incitant le spectateur à s'interroger sur la relation entre l'environnement et le monde bâti. Investir dans des estampes en édition limitée L'attrait des œuvres en édition limitée comme « Kettle AP » réside dans leur position unique sur le marché de l'art. Elles constituent un point d'entrée accessible pour les nouveaux collectionneurs tout en conservant leur valeur pour les investisseurs avertis. La rareté d'une épreuve d'artiste, surtout lorsqu'elle est signée et approuvée par l'artiste, renforce son attrait. Avec le temps, ces œuvres peuvent prendre encore plus de valeur, car elles sont recherchées par les collectionneurs pour leur mérite artistique et leur potentiel d'investissement. Impact et héritage de Kettle AP « Kettle AP » est une œuvre majeure du paysage du street art et du graffiti. Son édition limitée, le soutien de l'artiste et son évocation de thèmes contemporains contribuent à sa pérennité. L'œuvre transcende sa fonction décorative pour devenir l'expression de la vision de Brian Mashburn, un instantané de son époque et un commentaire culturel durable qui continuera de résonner auprès du public pendant des années.

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Tirages d'art giclée en édition limitée « Loner Days » sur papier photo d'archivage, par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Ben Kehoe.

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Estampe d'art en édition limitée, « Mimetic Failure Archival Pigment Fine Edition Print », sur papier photo Hahnemühle 308 g/m², par l'artiste Isaac Cordal, légende du street art pop et du graffiti. Édition limitée à 25 exemplaires, signée et numérotée, 2016. Format A4 (29,8 x 22,2 cm). Impression pigmentaire d'archives sur papier Hahnemühle 308 g/m² (21 x 30 cm). L'échec mimétique par Isaac Cordal « Mimetic Failure » ​​est une estampe d'art saisissante, réalisée à partir de pigments d'archives, par Isaac Cordal, figure internationalement reconnue du street art et du graffiti. Sortie en 2016, cette édition limitée fait partie d'une série de 25 tirages, chacun signé et numéroté par l'artiste. Mesurant 21 x 30 cm (11,75 x 8,75 pouces) et imprimée sur papier Hahnemühle Photo Rag 308 g/m², l'œuvre illustre le style caractéristique de Cordal, qui mêle sculptures miniatures et environnements urbains pour créer des récits visuels stimulants. L'art reflète la société « Mimetic Failure » ​​met en scène l'une des figurines miniatures minutieusement réalisées par Cordal, placée dans un décor urbain surréaliste. Le personnage principal, tenant un canard gonflable et vêtu d'une tenue de tous les jours, se tient devant un petit portrait encadré, fixé sur un mur de béton. La juxtaposition de l'attitude humble et quelque peu fantaisiste de la figurine miniature avec le fond industriel rigide évoque les thèmes de l'aliénation sociale et de l'absurdité de l'existence moderne. L'humour subtil de la scène, combiné à son commentaire poignant sur le comportement humain, fait de cette œuvre un exemple saisissant de la capacité du street art à susciter des émotions profondes. L'approche visionnaire d'Isaac Cordal Isaac Cordal, originaire de Galice, en Espagne, est reconnu pour son approche singulière du street art. À travers des sculptures miniatures stratégiquement placées dans le paysage urbain, Cordal crée des scènes qui invitent à la réflexion sur l'humanité, la politique et les complexités de la vie contemporaine. Ses œuvres mêlent souvent un humour subtil à une critique sociale incisive, capturant des moments de vulnérabilité et d'absurdité. « Mimetic Failure » ​​illustre le talent de Cordal pour transformer les espaces du quotidien en lieux d'introspection, invitant les spectateurs à considérer les petits détails, souvent négligés, de leur environnement et leur lien avec les enjeux de société plus vastes. Un objet de collection rare Cette estampe en édition limitée est réalisée selon les normes les plus exigeantes en matière d'impression pigmentaire d'archivage sur papier Hahnemühle Photo Rag 308 g/m², reconnu pour sa qualité et sa durabilité exceptionnelles. L'utilisation de matériaux d'archivage garantit la préservation de l'éclat et des détails de l'œuvre au fil du temps, en faisant un ajout précieux à toute collection. Tirée à seulement 25 exemplaires, « Mimetic Failure » ​​est une pièce rare et recherchée par les collectionneurs d'art urbain et d'œuvres inspirées du graffiti. Le format A4 offre une grande flexibilité d'exposition, tandis que son échelle intimiste renforce la profondeur narrative de l'œuvre. « Mimetic Failure » ​​d'Isaac Cordal témoigne du pouvoir de l'art urbain à susciter la réflexion et le dialogue. En combinant son savoir-faire sculptural complexe à la brutalité des environnements urbains, Cordal crée un récit à la fois ludique et profond. Cette estampe en édition limitée illustre son talent pour transformer des moments ordinaires en réflexions extraordinaires sur la condition humaine.

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Achetez Tour de Finch sérigraphie 3 couleurs tirée à la main sur papier Fine Art par l'artiste souhaitable Nate Duval édition limitée Pop Art Artwork. 2014 Signé Edition Limitée Oeuvre Taille 10x8

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Achetez SUPERKRANKY édition limitée Janky Vinyl Art Toy oeuvre de collection par Modern Design Artist x Sket-One. 2022 édition limitée SuperKranky Janky superplastique vinyle Art jouet œuvre taille XXXXX

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Estampe d'art en édition limitée Ting Archival Pigment Fine Art sur papier Moab Entrada 290 g/m² par l'artiste Sket One, légende du street art pop graffiti. Édition 2022 signée et numérotée à 35 exemplaires, format 18x24 Ting par Sket One « Ting » est un exemple éclatant de la fusion unique, propre à Sket One, entre culture graffiti, surréalisme pop et satire ludique de la consommation. La composition, foisonnante de mouvement et de répétition, met en scène l'éléphant fantaisiste de l'artiste, flottant dans un tourbillon de roses, de crèmes et de bruns chocolat. L'image, d'abord légère et joyeuse, reflète subtilement l'intérêt constant de l'artiste pour l'excès, la répétition et le langage visuel de la culture populaire. Le fond tourbillonnant crée une impression de rotation infinie, attirant le regard du spectateur tandis que la répétition des figures renforce les thèmes de l'abondance et de la débauche. Le trait net et inspiré des dessins animés de Sket One se marie à des dégradés doux et des textures fluides, faisant le lien entre l'esthétique de l'animation classique et la sensibilité du street art contemporain. Il en résulte une œuvre énergique, accessible et indéniablement ancrée dans la culture graffiti pop moderne. Cette édition 2022 est un tirage d'art pigmentaire de qualité archivistique sur papier Moab Entrada 290 g/m², au format 45,7 x 61 cm. Chaque exemplaire est signé et numéroté par l'artiste et édité à seulement 35 exemplaires. Avec sa palette de couleurs éclatantes, sa forte présence graphique et son tirage relativement restreint, « Ting » s'impose comme une œuvre de collection très recherchée, qui capture le style caractéristique de Sket One et sa critique ludique de la culture visuelle contemporaine.

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Andy Warhol X Jean Michel Basquiat #3 100% 400% BE@RBRICK Édition Limitée Medicom Vinyle Œuvre d'art Jouet Figurine de Collection. 2022 Medicom Toy : Deux artistes réunis sur une seule Bearbrick ! Andy Warhol et Jean-Michel Basquiat signent leur troisième collaboration avec Bearbrick et Medicom Toy. Ce troisième opus de la collection Bearbricks Andy Warhol x Jean-Michel Basquiat est une véritable œuvre d'art ! La technologie de transfert à l'eau garantit un placement unique des motifs. Les Bearbricks, disponibles en tailles 100 % et 400 %, mesurent respectivement 7 cm et 28 cm de hauteur.

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Keiko la carpe koï ! Sérigraphie artisanale en édition limitée 3 couleurs sur papier beaux-arts par Clint Wilson, artiste pop art célèbre et rare. Keiko, une carpe rouge Ryukin de 2013 (5x5), vit au Japon où elle a été adoptée par des familles de carpes koï. Les jardins de thé japonais lui offrent une vie de rêve, avec nourriture à profusion et compagnie agréable. Elle rêve souvent de ce que serait la vie dans l'océan. Peut-être qu'un jour, elle rencontrera une créature marine qui lui racontera tout.

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Impression risographique Sing Songs HPM par MCXT - Monica Canilao x Xara Thustra - Impression risographique bicolore sur papier beaux-arts - Édition limitée - Œuvre d'art pop de rue. Édition limitée à 30 exemplaires, signée et numérotée, avec détails holographiques et découpe HPM. Format : 14 x 8,5 pouces. Innovation artistique et technique L'estampe risographique « Sing Songs HPM », fruit de la collaboration créative MCXT (Monica Canilao et Xara Thustra), est une œuvre marquante du street art et du graffiti. Cette impression risographique bicolore sur papier beaux-arts allie la spontanéité du street art à la précision du pop art, créant ainsi une œuvre en édition limitée, à la fois exclusive et expressive. La technique d'impression risographique utilisée se distingue par son approche écologique et sa capacité à produire des couleurs vibrantes et saturées, évoquant la sérigraphie, mais avec une texture et une profondeur uniques. La série « Sing Songs », limitée à 30 exemplaires signés et numérotés, présente des détails holographiques et des découpes, ajoutant une dimension tactile et visuelle rarement vue dans les estampes. Ces embellissements rehaussent non seulement l'attrait de l'œuvre, mais font également écho à la démarche artisanale du street art, où la texture et la matérialité sont essentielles à son impact. Résonance culturelle et esthétique Avec ses dimensions de 35,5 x 21,5 cm, chaque pièce de cette série captive le regard par sa taille et la complexité de ses éléments. Le choix de l'impression risographique souligne le lien de l'œuvre avec les mouvements alternatifs et la culture underground, les imprimantes risographiques étant depuis longtemps l'outil de prédilection des fanzines et des publications indépendantes grâce à leur rapport coût-efficacité et leur aspect artisanal. L'estampe « Sing Songs », avec son jeu de seulement deux couleurs, démontre comment les approches minimalistes peuvent engendrer des expériences visuelles complexes, un thème récurrent dans le street art et le pop art. La dualité du pop art de rue à l'époque moderne La collaboration entre Canilao et Thustra pour la série d'estampes « Sing Songs » est un jeu de contrastes et d'harmonies. Le goût de Canilao pour les motifs inspirés de l'art populaire et les détails minutieux fait écho à l'inclination de Thustra pour des expressions graphiques audacieuses. Cette dualité reflète le mouvement plus large du pop art urbain, qui allie souvent une expression personnelle nuancée à un commentaire accessible et complet. Symbolisme et narration dans l'art visuel « Sing Songs » propose un récit ouvert à l'interprétation, à l'instar du street art qui investit l'espace public, invitant les passants à s'interroger sur son imagerie et son symbolisme. L'intégration d'éléments découpés suggère une transgression des conventions ou un aperçu d'une autre dimension, caractéristique du caractère subversif du street art. Chaque élément visuel choisi par les artistes engage le spectateur dans un dialogue, une histoire se déployant au sein même du papier. L'estampe « Sing Songs HPM Risograph Print » témoigne de la vision créative de MCXT et de la force de la collaboration au sein de la scène du street art et du graffiti. L'utilisation de l'impression risographique, associée au tirage limité, garantit que chaque exemplaire demeure une pièce unique, un instantané de l'expression collective des artistes au moment de sa création. Cette œuvre célèbre l'ingéniosité et l'esprit du street art, se manifestant comme une pièce de collection qui renferme l'essence même d'un mouvement culturel.

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Achetez BEARBRICK BE @ RBRICK Édition limitée Medicom Vinyl Artwork Toy Figurine d'art à collectionner. 2022 Bearbrick Medicom Collectible Taille 400% ICI

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Sighting, édition limitée, sérigraphie artisanale en 4 couleurs sur papier d'archivage 100 % coton, par Mario Wagner, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée de 75 exemplaires, signée et numérotée, 2012. Œuvre de format 11 x 14 pouces. De BLK/MRKT. Légères traces d'adhésif dues au montage sur les coins.

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Lucky Cat - Red Pop Street Artwork, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure par l'artiste moderne de graffiti urbain Shane Jessup. Série de 10 exemplaires numérotés et signés de 2013 (5x5)

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L'inconscient de l'artiste (Autoportrait, impression numérique Ultrachrome Giclée par Turf One - Œuvre de Jean LaBourdette, tirage en édition limitée sur papier photo Hahnemühle Fine Art, artiste graffiti pop de rue). Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2010. Format de l'œuvre : 16 x 24 pouces. L'inconscient de l'artiste : un aperçu de la psyché de Turf One « L’Inconscient de l’artiste (Autoportrait) » est une estampe numérique giclée ultra-chrome de Jean LaBourdette, alias Turf One. Tirée en édition limitée à 50 exemplaires signés et numérotés, cette estampe, parue en 2010, illustre parfaitement son exploration du street art et du graffiti. Imprimée sur papier d’art Photo Rag Hahnemühle, au format 40,6 x 61 cm (16 x 24 pouces), elle témoigne de l’exigence de qualité de Turf One et de son respect pour l’art de l’impression d’art. Symbolisme et technique dans l'impression giclée de Turf One Cette œuvre se distingue par sa complexité symbolique et sa minutie, caractéristiques du travail de Turf One. Le choix d'un chimpanzé coiffé d'un fez et contemplant un crâne humain évoque le thème classique de la vanité, touchant à la nature éphémère de la vie et à la quête du savoir. Ce motif récurrent dans l'histoire de l'art, rendu célèbre par le tableau « Les Ambassadeurs » d'Holbein, trouve une nouvelle dimension dans l'interprétation contemporaine de Turf One. L'utilisation de l'ultrachrome, une technique d'impression moderne reconnue pour sa fidélité des couleurs et sa longévité, fait le lien entre les supports artistiques traditionnels et l'ère numérique. Ce procédé permet de restituer avec une grande fidélité la profondeur et les nuances des peintures originales de Turf One, rendant ainsi les estampes fidèles à la vision de l'artiste. L'intersection du street art et de l'imagerie traditionnelle L'œuvre de Turf One mêle souvent la réalité brute du street art à la nature complexe et symbolique de l'imagerie traditionnelle. « L'Inconscient de l'Artiste » ne fait pas exception. Elle propose un commentaire sur le dialogue intérieur de l'artiste et la rencontre entre les instincts animaux et la quête intellectuelle de la conscience de soi. En juxtaposant le primitif et l'éclairé, Turf One présente un tableau propice à l'interprétation et à la réflexion. Le fez, souvent associé au mysticisme et à la philosophie orientaux, suggère un lien entre la sagesse et les aspects primordiaux de notre nature. La posture quasi humaine du chimpanzé et son regard contemplatif évoquent un sentiment de parenté avec le règne animal, un clin d'œil subtil à la dimension évolutive de la conscience et de la création artistique humaines. L'influence du pop art urbain sur l'expression de Turf One Dans « L'Inconscient de l'Artiste », Turf One intègre l'immédiateté et la spontanéité souvent associées au pop art urbain et au graffiti. Le papier beaux-arts choisi pour l'estampe confère une qualité tactile qui fait écho à la texture des murs servant de toiles dans l'univers du street art. Même sous forme d'estampe, l'œuvre possède la force et la présence d'une pièce pouvant orner un paysage urbain, transportant la dimension introspective des beaux-arts dans l'espace public. L'approche de Turf One vis-à-vis du street art ne relève ni du vandalisme ni du marquage territorial, mais d'une exploration plus profonde de l'identité personnelle et collective. Son travail transcende les frontières habituelles du street art, invitant les spectateurs à s'interroger sur les questions existentielles et personnelles, tout en conservant un lien avec les racines urbaines de son médium. Valeur de collection et impact des tirages en édition limitée de Turf One La valeur de collection de « L'Inconscient de l'Artiste » est renforcée par son tirage limité, faisant de chaque estampe une pièce convoitée par les collectionneurs et les admirateurs de l'œuvre de Turf One. La rareté des estampes garantit que chaque exemplaire demeure un précieux témoignage de l'exploration par l'artiste des profondeurs de l'inconscient. À l'instar de nombreuses éditions limitées, cette œuvre est bien plus qu'une simple représentation du talent artistique de Turf One ; elle est le réceptacle des idées et des thèmes qui imprègnent son œuvre. L'estampe est une manifestation physique du dialogue entre l'artiste et le public, un dialogue qui continue d'évoluer à chaque regard. Réflexions sur le parcours artistique de Turf One « L'Inconscient de l'artiste (Autoportrait) » retrace le parcours de Turf One à travers le pop art urbain et l'estampe d'art. Cette œuvre est un miroir reflétant la dualité de son univers : un pied dans le monde brut et expressif du graffiti, l'autre dans celui, contemplatif et introspectif, des beaux-arts. Elle témoigne du pouvoir intemporel de l'art à transmettre des idées et des émotions complexes, quel que soit le médium. À ce titre, elle constitue une œuvre majeure dans le travail de Turf One, incarnant l'essence de son esprit artistique et le potentiel transformateur du pop art urbain.

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Ceet - Black Édition Limitée Rare Bombe de Peinture Aérosol Œuvre d'Art Croisement du célèbre fabricant de peinture graffiti Montana MTN. Les poules de CEET tentent de décrire, en substance, les émotions et la personnalité des êtres humains. À travers une approche colorée et ludique, il critique la société moderne en désignant les « suiveurs » comme ceux qui ont peur de tracer leur propre chemin et se comportent donc comme des poules ! Lorsque CEET a atterri dans la Chine surpeuplée, il s'est senti comme l'une de ces poules au milieu de la foule.

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Impression giclée translucide par Dalek - Œuvre de James Marshall, édition limitée sur papier d'art Hahnemühle 308 g/m², artiste graffiti pop de rue. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Dimensions de l'œuvre : 19,69 x 19,69 cm. Translucide par Dalek : Géométrie psychédélique et déconstruction des personnages dans l’art urbain pop et le graffiti Translucid est une estampe giclée en édition limitée de 2022, signée James Marshall, alias Dalek. Tirée à 50 exemplaires sur papier d'art Hahnemühle 308 g/m², cette œuvre de 50 x 50 cm est signée et numérotée par l'artiste. Le travail de Dalek explore la intersection du surréalisme numérique, de l'abstraction animée et du démantèlement de personnages, le tout à travers le prisme d'une saturation à contraste élevé et d'une syntaxe visuelle urbaine. Dans Translucid, Dalek revisite son univers Space Monkey en le propulsant par une explosion de superpositions translucides, de mouvements déconstruits et de répétitions psychédéliques, incarnant pleinement l'énergie et la philosophie du Street Pop Art et du graffiti. Au centre de la composition se dresse une figure hyper-stylisée aux membres bulbeux, aux yeux cyclopéens et à la posture agressive. Les couleurs sont électriques : verts néon, roses acides, bleus ciel et noir profond s’entrechoquent au sein d’un motif rythmé et bouclé. Chaque forme semble se dupliquer en traînées décalées, créant une impression de mouvement, d’écho et de distorsion dimensionnelle. Les bras s’étendent sauvagement, l’un d’eux se tendant vers l’espace tandis que des faisceaux géométriques jaillissent de la tête de la figure, tels un cri visuel. Derrière le personnage principal, des répliques semi-transparentes ondulent, évoquant un accéléré, un décalage numérique ou une animation multi-images figée dans une immobilité stratifiée. Couleur, répétition et chaos hyper-contrôlé La structure visuelle de Dalek dans Translucid est loin d'être fortuite. Sa maîtrise précise des lignes, des courbes et des aplats crée une impression d'hallucination assistée par la machine : un équilibre harmonieux et ordonné, tout en conservant une vitalité fiévreuse. L'arrière-plan se pare d'ombres circulaires douces et de formes évoquant des bulles, contrastant avec les explosions plus nettes du premier plan. Il en résulte une tension entre folie cinétique et symétrie graphique. Ce jeu imite la philosophie visuelle du graffiti, où la répétition, les tags et les symboles superposés deviennent des marques d'identité au sein d'un chaos maîtrisé. L'effet de translucidité est un élément clé. Ombres, lignes fantomatiques et silhouettes en écho suggèrent la multiplicité d'un sujet unique, brouillant la frontière entre l'original et le dupliqué. Cette approche reflète la saturation numérique de la culture visuelle contemporaine, où les icônes sont constamment remixées, réutilisées et diffusées en boucle sur les écrans. Dalek capture cette sensation d'écho et de surcharge visuelle sous forme d'œuvre d'art, reflétant le pouls de la rue dans un carré de 50 cm. Mutation du singe de l'espace et dialogue visuel avec la culture moderne La figure de Translucid pourrait bien provenir de l'emblématique Space Monkey de Dalek, mais elle a ici muté en quelque chose de plus abstrait et dynamique. Alors que les œuvres précédentes présentaient Space Monkey comme un observateur plat et énigmatique, Translucid métamorphose le personnage en un vecteur de mouvement, de forme et de puissance. Il danse, attaque et dysfonctionne, n'étant plus passif mais pleinement intégré au chaos qu'il contemplait autrefois. Le sourire déformé, les yeux irradiants et les membres déconnectés créent une atmosphère de joie paradoxale et d'épuisement numérique. L'œuvre de Dalek s'inscrit parfaitement dans le langage du Street Pop Art et du graffiti, grâce à une énergie vibrante et une liberté conceptuelle qui n'en demeurent pas moins rigoureuses. Il distille la culture pop, le rythme des jeux vidéo et l'esthétique des murs de graffiti en une composition qui communique sans récit. Translucid ne raconte pas d'histoire ; elle émet une fréquence. C'est une peinture que l'on peut presque entendre en l'observant attentivement. Translucide comme artefact de l'abstraction pop et de l'identité contemporaine Imprimée sur papier d'art Hahnemühle 308 g/m², la texture et la tenue des pigments confèrent à Translucid une dimension de collection, tout en préservant l'esthétique urbaine caractéristique de l'œuvre de Dalek. Chaque exemplaire offre la même intensité et la même profondeur de couleur, capturant avec une précision absolue chaque ombre portée et chaque point de collision. À la fois objet et symbole, elle nous rappelle que la culture visuelle n'est pas linéaire et que la répétition peut être à la fois expressive et déstabilisante. La contribution de James Marshall au canon du Street Pop Art et du graffiti continue de s'enrichir grâce à des œuvres comme Translucid. Cette pièce encapsule le langage de la répétition, le design cinétique et le commentaire psychédélique, tout en respectant l'attachement de Dalek à l'abstraction ancrée dans l'évolution du personnage. Translucid ne vise pas la résolution ; elle explore le mouvement, la multiplicité et la joie fragmentée de naviguer dans un monde où le sens se superpose, se duplique et vibre d'une vie infinie.

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Thalassa Braddock, Pennsylvanie, 2012. Impression giclée par Swoon-Caledonia Curry. Œuvre d'art en édition limitée sur papier chiffon épais de qualité supérieure. Artiste de rue graffiti pop. Édition limitée signée et numérotée de 175 exemplaires, 2016. Œuvre de 19 x 13 pouces issue de la collection d'estampes de la série Swoon Street. Caledonia Curry Street Pop Art : Thalassa Braddock, Pennsylvanie, 2012. Impression giclée par Swoon. « Thalassa Braddock Pennsylvania 2012 » est une puissante estampe giclée de l'artiste américaine Caledonia Curry, alias Swoon, figure majeure du street art et du graffiti. Cette œuvre, photographiée à partir d'une fresque murale monumentale collée sur le mur d'un bâtiment en briques délabré à Braddock, en Pennsylvanie, a été publiée en 2016 en édition limitée, signée et numérotée, à 175 exemplaires. Imprimée au format 48 x 33 cm sur un papier chiffon épais de qualité beaux-arts, elle fait partie de la collection d'estampes « Swoon Street Series », qui archive des interventions in situ en format collector, tout en préservant la matérialité et l'esprit des installations de rue. Thalassa de Swoon comme présence mythique et politique La figure de Thalassa dans cette œuvre est emblématique de la pratique de Swoon, qui mêle souvent allégorie mythologique et commentaire sur le monde réel. Représentée par des lignes fluides, des textures complexes et un regard radieux tourné vers le ciel, elle émerge d'une surface fracturée, incarnant une forme divine de transformation et de force. Braddock, ville industrielle de Pennsylvanie marquée par une histoire de difficultés économiques, était un lieu en phase avec les projets à vocation sociale de Caledonia Curry. Dans ce contexte, Thalassa est devenue un symbole de renaissance et de conscience environnementale. Créée à l'origine comme une installation monumentale au Musée d'art de La Nouvelle-Orléans, la figure de Thalassa acquiert ici une nouvelle résonance en se fondant avec un mur portant les stigmates de l'abandon, du déclin et de la résilience. Braddock et le contexte social de l'œuvre d'art de Caledonia Curry Depuis longtemps, Caledonia Curry intègre l'art socialement engagé à sa pratique, et sa collaboration avec Braddock s'est étendue à des projets communautaires allant au-delà des fresques murales. Cette estampe immortalise l'un de ces moments visuels clés où l'art métamorphose l'espace et insuffle une nouvelle signification à des structures délaissées. La brique apparente et la peinture défraîchie du bâtiment contrastent avec l'énergie luxuriante de la figure, dont les vêtements aux allures de tentacules s'enroulent en spirale vers le bas, fusionnant le langage visuel classique et l'urgence de la culture urbaine. L'œuvre comprend également des motifs rouges sérigraphiés qui remplissent les espaces des fenêtres, renforçant l'esthétique artisanale et superposée qui caractérise les œuvres de Street Pop Art et de graffiti de Swoon. Ces choix environnementaux et compositionnels offrent une vision globale de la manière dont Curry réinvente les environnements urbains en supports pour la narration visuelle. Collection d'estampes de la série Swoon Street et préservation des œuvres éphémères L'édition giclée 2016 de l'œuvre « Thalassa Braddock Pennsylvania » offre aux collectionneurs l'opportunité de préserver un fragment éphémère de l'histoire de l'art public. Faisant partie de la collection d'estampes « Swoon Street Series », cette estampe représente une période charnière où les collages de Curry, disséminés dans des villes comme New York, Philadelphie et Braddock, ont acquis une renommée internationale grâce à leur capacité à fusionner savoir-faire, compassion et conscience politique. Imprimée avec une fidélité des couleurs et une précision exceptionnelles, cette édition limitée rend hommage au site original tout en élargissant l'accès à son œuvre à un public plus large. Caledonia Curry continue d'influencer non seulement le langage visuel du street art et du graffiti, mais aussi le rôle des artistes dans la construction d'un discours social porteur de sens.

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Edition limitée sur papier Moab Entrada 290gsm par Urban Pop Artist ARTIST Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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BOOM Ting, figurine de collection en vinyle en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de graffiti de rue Sket-One. Édition limitée 2021 à 150 exemplaires dans le monde. Hauteur : 19 cm. Boîte signée. Présenté avec boîte.

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Œuvre d'art « Gardien de la Mer », impression giclée en édition limitée sur papier aquarelle français pressé à froid, par l'artiste de graffiti pop culture Dragon76. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2021. Format de l'œuvre : 18 x 24 pouces. Impression giclée d'art 45,7 x 61 cm sur papier aquarelle français pressé à froid. Édition limitée à 50 exemplaires + 10 tirages uniques rehaussés à la main. Signé et numéroté. Imprimé avec ♥ par Static Medium.

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« Speaking in Tongues », estampe d'art en édition limitée Giclée sur papier d'art de l'artiste pop moderne Alexis Price. Édition limitée à 20 exemplaires, signée et numérotée, format 16x20 pouces (40,6 x 50,8 cm).

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Night Owl - Estampe sérigraphique bicolore dorée, tirée à la main sur papier beaux-arts, par l'artiste recherché Nate Duval. Œuvre d'art pop en édition limitée. Édition limitée à 10 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Format : 20 x 25 cm. Encre métallisée.

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Frogtar - Sérigraphie monochrome blanche réalisée à la main sur papier beaux-arts par l'artiste Nate Duval. Œuvre d'art pop en édition limitée. Œuvre d'art signée en édition limitée de 2014, format 4x4

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Estampe sérigraphique en édition limitée, tirée à la main, 24 couleurs, série Eastern Suspenso SSYM, sur papier Coventry Rag 310 g/m² (bord frangé), par Faile, artiste de street art rare et célèbre du pop art. Voici la quatrième estampe de notre série « Esprit sauvage, sacré et jeune », issue de notre exposition éponyme au Brooklyn Museum en 2016. Cette nouvelle œuvre est une magnifique sérigraphie en 24 couleurs, réalisée à partir d'un recadrage de la toile « Eastern Suspenso » présentée lors de l'exposition. « Eastern Suspenso » est imprimée sur un papier épais Coventry Rag 325 g/m² à bords frangés, mesurant 58 x 89 cm. « Eastern Suspenso », 24 couleurs, encre sérigraphique sur papier Coventry Rag 325 g/m², 58 x 89 cm. Tirage limité à 300 exemplaires, signé, estampillé et numéroté. 2016

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Achetez TITLE Édition limitée Fine Art Archival Pigment Print Art sur papier buvard perforé. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XX Tirage pigmentaire d'archivage sur papier buvard perforé Taille : 7,5 x 7,5 pouces Sortie : 19 avril 2022 Les éditions limitées de buvard sont perforées à la main par Zane Kesey.

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Tub Chum, édition limitée, sérigraphie artisanale 5 couleurs sur papier moucheté blanc cassé de poids moyen, par John Vogl, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Signé et numéroté au crayon par John Vogl.

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JP the Money Bear Wave Deck - Impression pigmentaire d'archives en édition limitée, bleu, sur planche de skateboard naturelle pressée à froid, par l'artiste de street art et de graffiti King Saladeen. Édition limitée 2019 à 250 exemplaires, signée, avec certificat d'authenticité, neuve sous emballage.

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Minnie Period 12 Édition limitée, pochoir aérosol HPM 9 couleurs et acrylique sur toile tendue sur châssis, par Jeff Gillette, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Œuvre originale signée de 2020, réalisée au pochoir, à la peinture acrylique en aérosol, format 20 x 24 pouces. L'œuvre « Minnie Period 12 Hand Stencil Original Canvas » de Jeff Gillette est une pièce majeure du pop art, du street art et du graffiti. Caractérisée par l'utilisation d'images iconiques mêlées à des paysages urbains âpres, elle offre un commentaire percutant sur la société de consommation et le déclin social. Jeff Gillette, artiste américain de renom, est surnommé « l'homme qui détruit Disneyland », car il utilise fréquemment des figures Disney familières et nostalgiques sur des fonds dystopiques. Dans cette œuvre, la figure reconnaissable de Minnie Mouse est manipulée dans un style de pochoir graffiti non conventionnel, soulignant l'essence même du street art à l'état brut. « Period 12 » fait référence aux règles prématurées de Minnie et au numéro de la toile. Gillette imprègne cette œuvre d'un mélange paradoxal d'innocence et de désespoir. Ce contraste critique non seulement notre société saturée de médias, mais invite également les spectateurs à s'interroger sur l'influence des entreprises sur notre conscience culturelle collective. Avec sa représentation sans fard de la tension entre culture populaire et réalité, la toile originale « Minnie Period 12 Hand Stencil » de Jeff Gillette s'impose comme un exemple éloquent d'art pop et urbain contemporain.

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Estampe typographique Rise Above Bird de Shepard Fairey - OBEY Tirage à la main sur papier d'art en coton crème, édition limitée, œuvre d'art d'un artiste de la culture pop. Édition limitée 2021, signée et numérotée, à 450 exemplaires. Impression typographique 13x10 pouces représentant un oiseau volant avec une fleur et le texte « Rise Above ». « The Rise Above Bird » est une variation simple sur le thème de la colombe blanche de la paix avec un rameau d'olivier, mais les gentils ne s'habillent pas toujours en blanc ! « Rise Above » est un appel à emprunter la voie de la sagesse, en référence à l'une de mes chansons préférées de Black Flag. La paix, c'est du punk radical ! – Shepard Fairey – OBEY. L'estampe typographique « Rise Above Bird » de Shepard Fairey s'impose comme une œuvre marquante, un commentaire visuel saisissant dans le domaine du street art et du pop art. Tirée à la main en édition limitée sur papier d'art crème en coton, cette œuvre témoigne du talent de Fairey pour allier messages forts et imagerie iconique. Limitée à 450 exemplaires, chaque pièce est signée et numérotée par l'artiste, ce qui souligne son exclusivité et son caractère de collection. L'estampe, mesurant 33 x 25 cm, représente un oiseau en plein vol, portant une fleur – un symbole qui s'éloigne de la traditionnelle colombe blanche de la paix. L'image se détache sur un fond d'éléments stylisés et sur les mots « Rise Above », une devise encourageante et un hommage à la chanson préférée de l'artiste, du groupe Black Flag. Cette œuvre symbolise le travail plus vaste de Fairey, qui explore souvent les thèmes de la rébellion et de la paix, une juxtaposition au cœur de nombreux graffitis et œuvres de street art. L'expression « s'élever au-dessus » ne suggère pas simplement une ascension sociale ; c'est un appel idéologique, incitant les spectateurs à dépasser l'ordinaire, à surmonter l'adversité et à rejeter la complaisance. Le talent de Fairey réside ici non seulement dans l'attrait visuel de l'œuvre, mais aussi dans sa capacité à susciter la réflexion et à inspirer l'action. L'influence de Shepard Fairey sur le street art et le graffiti contemporains est indéniable. Ses œuvres sont imprégnées de sous-entendus politiques et sociaux, appelant à remettre en question l'ordre établi et prônant une forme radicale de paix, en accord avec l'éthique punk. « L'Oiseau s'élever au-dessus » témoigne de la vision constante de Fairey, qui a consolidé sa place de figure incontournable de l'art contemporain. Cette œuvre constitue une affirmation forte dans le débat actuel sur le pouvoir de l'art à engendrer le changement et sur le rôle de l'artiste dans une société qui a souvent besoin d'être incitée à regarder au-delà des apparences.

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Autoportrait du musée Van Gogh 1000% BE@RBRICK Édition limitée Œuvre d'art en vinyle Medicom Toy Figurine de collection. Autoportrait de Van Gogh 2021, chapeau en feutre gris, Bearbrick Medicom Toy 1000%

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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King of Clubs, édition limitée, sérigraphie artisanale monochrome sur papier beaux-arts, par Philip Lumbang, artiste de rue graffiti, art pop moderne.

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Très grand petit ami - Blanc 400% BE@RBRICK Édition limitée Medicom Vinyle Illustration Jouet Figurine de collection. Bearbrick édition limitée 2022, édition 30e anniversaire

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Miss Piggy sur papier buvard Ozempic, estampe d'archives par Ben Frost, édition limitée, impression pigmentaire d'art sur papier buvard perforé. Édition limitée signée et numérotée 2025 de tirage pigmentaire d'archives à déterminer sur papier buvard perforé. Format : 7,5 x 7,5 pouces. Sortie : 19 avril 2025. Les éditions limitées sur buvard sont perforées à la main par Zane Kesey. Miss Piggy sur Ozempic par Ben Frost : Glamour, médicaments et satire pop urbaine L'estampe d'archives « Miss Piggy On Ozempic Blotter Paper » de Ben Frost, sortie en 2025, marque une nouvelle étape dans l'exploration par l'artiste de l'esthétique pharmaceutique et des icônes de la culture pop. Imprimée en édition limitée sur papier buvard perforé avec des pigments d'archives, cette œuvre de 19 x 19 cm place Miss Piggy – sans doute le personnage le plus exubérant et soucieux de son corps des Muppets – au cœur d'une fusion satirique entre la vanité des célébrités et l'obsession contemporaine pour les médicaments amaigrissants. Miss Piggy est représentée dans son glamour rose classique, avec ses cils, ses perles et son insolence caractéristiques, contrastant avec le design commercial austère de l'emballage d'Ozempic. Faisant référence au sémaglutide, aux étiquettes des ordonnances et au coût exorbitant des soins de santé américains, l'œuvre dénonce la dépendance croissante de la société aux produits pharmaceutiques à visée esthétique. L'art urbain pop et le graffiti rencontrent le consumérisme médical Ben Frost, connu pour son utilisation audacieuse et controversée des emballages commerciaux comme support visuel, transforme le marketing pharmaceutique en outil narratif. Le choix de Miss Piggy comme personnage confère au message une ironie mordante. La collision entre le divertissement enfantin et les complexes des adultes concernant la beauté, la taille et le contrôle résonne tout au long de la composition. Cette œuvre n'est pas seulement une parodie, mais aussi une critique visuelle, interrogeant le rapport du public à une santé commercialisée comme un produit de vanité et la marchandisation de l'estime de soi. Le format du buvard, perforé et à collectionner, renforce l'idée du médicament comme un artefact culturel consommable : quelque chose à prendre, à partager, à diviser ou à utiliser pour construire son identité. Le rôle des icônes féminines dans les récits de la pop urbaine L'exagération de la féminité de Miss Piggy et son statut d'icône culturelle sont habilement détournés dans cette composition. Son personnage devient une métaphore visuelle de la quête incessante de la perfection visuelle. L'œuvre de Ben Frost interroge souvent ceux qui définissent ces normes et ceux qui en profitent. Ici, l'emballage d'un médicament contre le diabète, autrefois confidentiel, désormais associé à la chirurgie esthétique pour la perte de poids, devient le piédestal moderne sur lequel les icônes sont érigées et critiquées. Cette collision entre design commercial et pouvoir d'attraction des stars animées crée une tension entre innocence et marchandisation, utilisant les techniques du street art et du graffiti pour satiriser la rapidité avec laquelle la culture recycle ses idoles et ses problématiques. Support buvard et provocation psychédélique Réalisée en collaboration avec Zane Kesey, qui a perforé à la main les éditions buvard, cette œuvre fait subtilement référence à la contre-culture et à l'histoire des médias psychédéliques. Si Ozempic est commercialisé comme une drogue transformatrice, le format imprimé lui-même évoque des états de conscience modifiés. L'utilisation d'une icône pop comme Miss Piggy confère à l'estampe une dimension critique, non seulement des normes de beauté, mais aussi de la consommation en général – qu'il s'agisse de drogues, de célébrité ou de nostalgie des dessins animés. « Miss Piggy On Ozempic » est une satire mordante des priorités culturelles à l'ère du bien-être factice et de la manipulation de l'image. C'est une œuvre audacieuse, subversive et indéniablement signée Frost.

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