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Peinture originale à la bombe acrylique « Rabbit A Frame » (panneau de signalisation routière) par Blake Jones. Œuvre unique d'art urbain et d'artiste pop. Peinture originale signée, réalisée à l'acrylique et à la peinture en aérosol sur un panneau de signalisation routière recyclé (cadre en A). Dimensions : 23,75 x 45,25 pouces. Rabbit A Frame de Blake Jones – Fantaisie urbaine sur toile recyclée, œuvre d'art pop art et graffiti. « Rabbit A Frame » est une œuvre originale de 2020, réalisée à l'acrylique et à la bombe aérosol par l'artiste américain de street art Blake Jones. Elle est apposée sur un panneau de signalisation de chantier récupéré. Mesurant 60,3 x 115 cm, cette pièce unique transforme une infrastructure routière fonctionnelle en une toile ludique et dynamique. Peint directement sur le motif réfléchissant orange et blanc emblématique du panneau, le lapin, personnage caractéristique de Jones, apparaît avec curiosité dans le coin inférieur, insufflant humour et innocence à ce symbole de prudence. Cette collision inattendue entre forme et personnage est au cœur de la pratique du street art et du graffiti, où les déchets urbains deviennent un lieu d'expression créative, de subversion et de narration visuelle. Recontextualiser l'utilité par le biais du personnage L'inclusion du lapin – figure récurrente dans l'univers cartoon de Blake Jones – ancre l'œuvre dans sa pratique artistique plus large, qui consiste à utiliser le design de personnages pour susciter la joie, la curiosité et l'absurde. Les grands yeux et les lignes arrondies du lapin contrastent fortement avec la géométrie rigide et la fonction utilitaire du panneau de chantier en forme de A. L'artiste a laissé visible l'inscription « LYONS PINNER » au pochoir sur la barre inférieure, renforçant ainsi l'authenticité de l'œuvre en tant qu'objet récupéré d'une infrastructure urbaine réelle. Cette juxtaposition de fonction municipale et d'expression personnelle crée un récit à plusieurs niveaux, où le langage visuel rigide de la signalétique publique est adouci par une expression d'émerveillement. La démarche de Jones n'efface pas le passé de l'objet ; elle l'amplifie par une intervention esthétique. Esthétique des supports, des surfaces et de la rue Blake Jones utilise une combinaison de peinture acrylique au pinceau et d'aérosol pour obtenir un contraste saisissant et une netteté remarquable sur la surface métallique réfléchissante. La texture du panneau, avec ses rayures, ses bosses et sa peinture écaillée, offre un support granuleux et tactile qui renforce la présence physique de l'œuvre. Chaque imperfection de la surface devient partie intégrante de la composition finale, ancrant l'œuvre dans la rue. L'utilisation de matériaux provenant de panneaux de signalisation routière renforce l'essence même du Street Pop Art et du graffiti : un art créé dans, par et pour l'espace public. Le lapin, représenté en turquoise vif avec des détails noirs expressifs, apporte une touche de personnalité au panneau, transformant la prudence en une salutation ludique plutôt qu'en une mise en garde. Blake Jones et l'art de se réapproprier les récits urbains « Rabbit A Frame » est bien plus qu'une simple peinture d'objets astucieuse : c'est une réflexion sur la façon dont les matériaux du quotidien peuvent devenir porteurs de joie, de personnalité et de transformation artistique. Blake Jones continue d'estomper la frontière entre les déchets de la rue et l'art de collection, utilisant des matériaux trouvés comme support pour des récits centrés sur les personnages. Son œuvre réintroduit l'humanité dans des espaces souvent dominés par la standardisation et le silence. Cette pièce invite les spectateurs à percevoir l'humour et l'imagination qui se cachent dans le tissu même de leur environnement quotidien. S'inscrivant dans le mouvement Street Pop Art & Graffiti Artwork, elle nous rappelle avec éclat que l'art ne se limite pas aux toiles ou aux murs des galeries. Il peut s'épanouir dans la rue, sur les panneaux que nous ignorons, et à travers les personnages qui animent ces lieux. Blake Jones se réapproprie ces espaces avec style, malice et un charme indéniable.

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Sérigraphie Florence Aubenas par Shepard Fairey - OBEY x Blek le Rat Tirée à la main sur papier d'art de qualité supérieure Édition limitée Œuvre d'art pop et de rue. 2008. Signée par Shepard Fairey et Blek le Rat. Édition limitée numérotée à 100 exemplaires. Format : 18 x 24 pouces. Sérigraphie. Shepard Fairey x Blek le Rat Florence Aubenas Sérigraphie 2008 La sérigraphie Florence Aubenas de 2008 est le fruit d'une collaboration exceptionnelle entre l'artiste de rue américain Shepard Fairey, alias OBEY, et le pionnier français du pochoir, Blek le Rat. Mesurant 45,7 x 61 cm, cette sérigraphie artisanale a été produite en édition limitée à 100 exemplaires, signés et numérotés. Chaque exemplaire porte la signature des deux artistes, témoignant ainsi de son importance en tant que dialogue intergénérationnel au sein du Street Pop Art et du graffiti. Le sujet, la journaliste française Florence Aubenas, a été enlevée et retenue en otage en Irak en 2005, faisant de cette œuvre un puissant symbole de résilience et du rôle de l'art dans la mise en lumière des enjeux liés aux droits humains. Imagerie et symbolisme Cette estampe fusionne le style graphique et engagé de Shepard Fairey avec la technique classique du pochoir de Blek le Rat. Sur fond de place Saint-Michel à Paris, l'œuvre intègre photographie et pochoir pour créer une composition urbaine riche et nuancée. Aubenas y est représentée debout, sereine, sa silhouette se détachant en un pochoir noir intense sur le mur de pierre, évoquant les interventions de Blek le Rat dans l'espace public. Ce contraste avec la précision du décor urbain capturée par la sérigraphie de Fairey crée une tension entre la permanence de l'architecture historique et l'urgence des luttes politiques contemporaines. Le placement de la figure sous le panneau de signalisation ancre l'œuvre dans le contexte parisien, tout en symbolisant la portée universelle de son histoire. Collaboration entre icônes Blek le Rat, né Xavier Prou ​​en France en 1951, est considéré comme l'un des fondateurs du graffiti au pochoir, ayant influencé des générations d'artistes de rue à travers le monde, dont Banksy. Shepard Fairey, né à Charleston, en Caroline du Sud, en 1970, s'est fait connaître grâce à sa campagne OBEY et à des œuvres engagées, comme l'affiche « Hope » de Barack Obama. Leur collaboration sur « Florence Aubenas » a réuni deux approches distinctes mais complémentaires : l'engagement de Blek envers la puissance de l'image directe au pochoir dans l'espace public et l'activisme de Fairey, guidé par le graphisme. Il en résulte une œuvre qui résonne à la fois comme un manifeste politique et comme un jalon dans l'histoire du street art. Résonance politique et héritage artistique Cette sérigraphie souligne comment l'art peut devenir un outil de sensibilisation et d'engagement. En immortalisant Florence Aubenas dans leur langage visuel, Fairey et Blek le Rat mettent en lumière les risques encourus par les journalistes travaillant dans les zones de conflit et l'importance de la liberté d'expression. Tirée en édition limitée, signée par les deux artistes et riche de sa thématique, cette sérigraphie de Florence Aubenas est considérée comme une pièce de collection majeure, non seulement pour les admirateurs de Shepard Fairey et Blek le Rat, mais aussi pour tous ceux qui reconnaissent l'importance d'un art socialement engagé. Elle demeure un exemple frappant de la manière dont le street art et le graffiti peuvent transcender l'esthétique pour aborder des réalités politiques urgentes.

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New Yorker - Trains aériens - Taxis en circulation - Édition limitée - Sérigraphie technique mixte embellie à la main sur papier épais de 200 livres par Bobby Hill, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Chaque pièce est unique et les couleurs, la peinture et les effets de peinture au pistolet réalisés à la main par l'artiste sont aléatoires et variables ; vous pourriez donc ne pas recevoir l'article exact présenté sur la photo ! « J’utilise des images photographiques comme base pour mon art, mais il m’arrive de dessiner directement sur l’acétate avant de graver les écrans afin de faire ressortir des détails que je juge importants. Chaque pièce de cette série a été sérigraphiée individuellement et peinte à la main avec divers médiums acryliques et autres. Concentrez-vous sur les couleurs plutôt que sur l’image, même si cela peut parfois s’avérer difficile. Les couleurs représentent ce qui se passe dans ma vie à chaque instant. » – Bobby Hill

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« Meet Me On Cloud Nine », sérigraphie en édition limitée tirée à la main en 15 couleurs sur papier Arches Velin Blanc 300 g/m² par Rhymezlikedimez - Robin Velghe, artiste de street art rare et célèbre du pop art. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Sérigraphie 15 couches, tirage à la main sur papier Arches Vélin Blanc 100 % coton 300 g/m². Ses dimensions uniques (99,7 cm de large sur 31 cm de haut) offrent un format horizontal idéal pour la narration. Cette estampe a été approuvée, signée et numérotée par l'artiste. Imprimée à la main à Anvers, Belgique. Année de sortie : 2022. « J’ai initialement créé ce visuel pour ma première exposition éphémère à Miami. Je voulais montrer à quoi ressemble généralement un de mes rêves. C’est un collage à la Dali, une compilation d’impressions rencontrées au fil de la journée. Dans mon monde onirique, le soleil ne cesse jamais de se coucher. » – Robin Velghe « Meet Me On Cloud Nine » est une sérigraphie de l'artiste talentueux Robin Velghe, alias Rhymezlikedimez. Illustrateur, animateur et graphiste belge, Robin Velghe se distingue par un mélange unique de couleurs vibrantes, de mouvements dynamiques et de détails minutieux. Ses illustrations mettent souvent en scène des personnages aux proportions exagérées et à l'allure fluide, conférant à son travail un attrait visuel singulier. Rhymezlikedimez a collaboré avec diverses marques, musiciens et événements, réalisant illustrations, animations et créations de produits dérivés. Parmi ses collaborations notables, on peut citer celles avec des artistes comme Anderson .Paak, BROCKHAMPTON et Aminé. Son travail lui a permis de se constituer une large communauté sur les réseaux sociaux, où il partage ses illustrations et ses projets d'animation. La sérigraphie « Meet Me On Cloud Nine » présente certaines des caractéristiques propres à son style, telles que des couleurs éclatantes, des éléments fantaisistes et des personnages attachants. Les sérigraphies sont créées à l'aide d'un procédé d'impression au pochoir, ce qui permet à l'artiste de produire des images audacieuses et éclatantes dotées d'une esthétique unique.

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Punisher Crossing, peinture originale de panneau de rue par RD-357. Véritable œuvre d'art unique sur un véritable panneau de passage piéton en métal, par un artiste pop de graffiti. Peinture originale de 2012, signée, technique mixte acrylique et peinture aérosol sur un véritable panneau de passage piéton de New York récupéré. Dimensions : 30 x 37,5 cm. RD-357 : Art urbain pop pionnier sur toiles urbaines RD-357, artiste reconnu pour sa contribution singulière au street art et au graffiti, a exprimé sa créativité à travers un médium unique, saisissant et stimulant. Son œuvre originale, intitulée « Punisher Crossing Original Street Sign Painting », capture l'essence brute du street art tout en y intégrant avec ingéniosité des éléments iconographiques de la culture pop. Cette œuvre illustre parfaitement l'utilisation inventive par RD-357 d'objets du quotidien comme supports, transformant un banal panneau de passage piéton en métal en une œuvre vibrante qui captive le regard et suscite le dialogue. « Punisher Crossing » est une œuvre unique qui exhale l'esprit rebelle et subversif souvent associés au street art. Créée en 2012, cette œuvre mixte utilise de la peinture acrylique et de la peinture aérosol sur un véritable panneau de passage piéton de 76 x 95 cm. Le choix de RD-357 d'utiliser un véritable panneau de signalisation comme support de son œuvre ne se contente pas de détourner l'objet de son usage initial, mais ancre également l'œuvre dans le tissu urbain qu'elle cherche à commenter. Le panneau, autrefois simple indication pour les piétons, porte désormais un message visuel fort, d'autant plus puissant qu'il est apposé sur un élément de réglementation et d'ordre. Le langage artistique des peintures de panneaux de signalisation de RD-357 Dans « Punisher Crossing », RD-357 fait preuve d'une maîtrise exceptionnelle de la couleur et de la composition. Le fond de l'enseigne est embrasé par une gerbe de peinture jaune et rouge, vive et presque violente, évoquant le chaos et l'énergie des rues. Sur ce fond explosif, la figure du Punisher est rendue avec précision à l'acrylique, sa présence menaçante et imposante attirant immédiatement le regard. La main du personnage, tendue et tenant un pistolet, dépasse les limites du cadre, suggérant un défi aux contraintes et une libération des limites imposées. L'œuvre de RD-357 s'inscrit profondément dans le langage du street art, un genre qui combine l'esthétique brute et underground du street art avec la qualité graphique et lumineuse du pop art. Ses peintures, et notamment celle-ci, instaurent un dialogue entre l'artiste et le paysage urbain, entre les personnages fictifs de la culture pop et la réalité de l'environnement du spectateur. En intégrant le Punisher – symbole de justice privée et d'anti-héroïsme – à un panneau de passage piéton, RD-357 crée une juxtaposition à la fois saisissante et fascinante. L'œuvre devient ainsi une réflexion sur le contrôle et le chaos, le pouvoir et l'impuissance, et la frontière ténue entre ordre social et action individuelle. L'impact de RD-357 sur l'art urbain contemporain La contribution de RD-357 à la scène du street art est considérable, et son influence se perçoit dans l'évolution du pop art urbain au fil des ans. Ses œuvres, notamment celles apposées sur les panneaux de signalisation, dépassent le simple cadre de la peinture ; ce sont des interventions dans l'environnement urbain qui invitent le spectateur à repenser le rôle et le potentiel de l'espace public. Le panneau « Punisher Crossing » est emblématique de cette démarche, intégrant harmonieusement l'art au quotidien de la ville et enrichissant le débat autour du street art. En signant son œuvre, l'artiste s'approprie une pièce du domaine public, un acte qui constitue une forme de rébellion artistique. La signature sur « Punisher Crossing » n'est pas seulement une marque d'authenticité ; c'est une affirmation de présence, une preuve de l'interaction de l'artiste avec le monde qui l'entoure. Grâce à des œuvres comme celle-ci, RD-357 a inscrit son nom dans l'histoire du pop art urbain, s'imposant comme un artiste visionnaire qui a repoussé les limites du graffiti. L'œuvre « Punisher Crossing Original Street Sign Painting » de RD-357 témoigne du pouvoir du street art à communiquer, provoquer et inspirer. En transformant un simple panneau de signalisation en une œuvre d'art complexe et captivante, RD-357 remet en question les perceptions, invite à la réflexion et continue d'influencer le récit en constante évolution du street art et du graffiti.

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The Spinner, édition limitée, sérigraphie artisanale en 4 couleurs sur papier beaux-arts, par l'artiste pop Robert Wilson IV. Édition limitée à 75 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Dimensions de l'œuvre : 18 x 24 pouces. « The Spinner », sérigraphie artisanale de 18×24 pouces, signée et numérotée dans une édition de 75 exemplaires.

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Achetez This Is Bad Lands - Sérigraphie HOM embellie en édition limitée 3 couleurs tirée à la main sur du papier Lenox 100 par Faile Rare Street Art, célèbre artiste pop. Impression d'art Faile "This Is Bad Lands". Edition limitée à seulement 250 exemplaires dans le monde ! Il s'agit de la dernière version de la série 150 qui comportait environ 7 variations dans l'édition ...... plusieurs variations de couleurs, peintes à la main, teintées et imprimées, etc ...... Imprimé sur du papier d'archivage épais et agréable et comme d'habitude, le dos de ceux-ci est vraiment cool aussi avec l'impression, l'estampage, etc... C'est la variation rouge/bleu très recherchée et elle est incroyable en personne. La texture de ces imprimés est incroyable ! L'impression mesure 12,5 "x 19" et a deux bords frangés et deux droits. Signé, numéroté, daté, tamponné et embossé par l'artiste !

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Je vais à New York. Sérigraphie de Mr. Brainwash - Thierry Guetta. Tirage à la main, 16 couleurs sur papier d'art à bords frangés. Œuvre encadrée en édition limitée. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, encadrée sur mesure (2014). Sérigraphie de 46 x 25 cm représentant un taxi jaune new-yorkais sur fond flou de paysage urbain. Cadre sur mesure couleur bronze brun antique (51 x 30 cm). Hommage de Thierry Guetta à l'énergie de New York Thierry Guetta, alias Mr. Brainwash, est une figure emblématique de la fusion entre le street art et le pop art, créant des œuvres qui capturent l'essence de la vie urbaine contemporaine. Son estampe sérigraphique en édition limitée « Going to NY » (2014) illustre parfaitement cette synthèse. Elle immortalise l'image iconique d'un taxi jaune new-yorkais, symbole profondément ancré dans l'identité culturelle de la ville. L'œuvre est ornée des techniques visuellement saisissantes du street art et du graffiti. La technique employée par Guetta dans « Going to NY » témoigne de sa maîtrise de la sérigraphie, grâce à une remarquable palette de 16 couleurs sur papier beaux-arts. L'image du taxi est encadrée par les lignes floues du mouvement frénétique de la ville, traduisant une impression de vitesse et de vitalité, véritable âme de New York. Le taxi n'est pas qu'un simple véhicule : c'est une toile, recouverte de graffitis vibrants qui racontent les mille et une histoires de la ville qui ne dort jamais. Valeur de collection et symbolisme des éditions limitées Dans cette œuvre, Guetta met en scène un élément omniprésent des transports new-yorkais et capture l'essence même de la ville. Les graffitis qui ornent le taxi témoignent du rôle fondamental de cet art dans le paysage culturel new-yorkais. Plus qu'une simple image statique, cette œuvre est une capture du mouvement, une représentation du flux constant de la ville et de son inépuisable capacité de réinvention et d'expression. « Going to NY » se distingue par sa rareté et sa qualité d'exécution. Pièce de collection, elle fait partie d'une édition limitée à 100 exemplaires, chacun signé et numéroté par Guetta lui-même. Son cadre sur mesure, couleur bronze brun antique, mesurant 130 x 76 cm, contraste avec l'esthétique street art de l'œuvre, symbolisant son passage de la rue à la galerie privée du collectionneur. L'héritage des visions urbaines de M. Brainwash L'œuvre de Guetta, et notamment « Going to NY », a largement contribué à la reconnaissance et à l'appréciation croissantes du Street Pop Art et du graffiti au sein du monde des beaux-arts. En introduisant le langage visuel de la rue dans les galeries, Guetta remet en question les notions traditionnelles de ce qui constitue un art à part entière. Son travail instaure un dialogue entre l'art élitiste et le quotidien, célébrant le potentiel de beauté et de sens qui se cache dans les lieux les plus inattendus. « Going to NY » de Mr. Brainwash est bien plus qu'une simple œuvre d'art ; c'est une affirmation de la vitalité de la vie urbaine et de sa dimension artistique intrinsèque. Alors que le Street Pop Art continue d'évoluer, des œuvres comme celle-ci jalonnent le chemin de l'innovation artistique. Elles nous rappellent que l'art ne se limite pas aux salles sacrées des musées, mais qu'il est partout autour de nous, dans les rues que nous parcourons et dans les véhicules qui nous croisent. « Going to NY » de Guetta célèbre cette dynamique, témoigne de la beauté du chaos urbain et constitue une pièce précieuse pour tout amateur d'art sensible au pouls de la métropole.

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« The Cook », une sérigraphie artisanale en édition limitée 6 couleurs sur papier beaux-arts, par Tim Doyle, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Inspiré de la série télévisée Breaking Bad.

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Achetez This Is Bad Lands - Sérigraphie HOM embellie en édition limitée 3 couleurs tirée à la main sur du papier Lenox 100 par Faile Rare Street Art, célèbre artiste pop. Impression d'art Faile "This Is Bad Lands". Edition limitée à seulement 250 exemplaires dans le monde ! Il s'agit de la dernière version de la série 150 qui comportait environ 7 variations dans l'édition ...... plusieurs variations de couleurs, peintes à la main, teintées et imprimées, etc ...... Imprimé sur du papier d'archivage épais et agréable et comme d'habitude, le dos de ceux-ci est vraiment cool aussi avec l'impression, l'estampage, etc... C'est la variation rouge/bleu très recherchée et elle est incroyable en personne. La texture de ces imprimés est incroyable ! L'impression mesure 12,5 "x 19" et a deux bords frangés et deux droits. Signé, numéroté, daté, tamponné et embossé par l'artiste !

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Planche de skate en sérigraphie édition limitée DeLorean de Retour vers le futur, partie I, illustrée par l'artiste de Street Pop culture DKNG. 2020 Célébrez le 35e anniversaire de Retour vers le futur avec une planche de skate en forme de DeLorean de la PARTIE II, conçue par DKNG et fabriquée par Madrid Skateboards. Édition limitée à 200 exemplaires Sérigraphie Figment Green on Black de Ron English, 2013 L'œuvre *Figment: Green on Black* de Ron English est une rare sérigraphie deux couleurs sortie en 2013 dans le cadre du corpus d'œuvres POPaganda de l'artiste. Imprimée manuellement sur papier Coventry Rag 335 g/m² et mesurant environ 24 x 24 pouces (61 x 61 cm), cette impression a été produite en édition extrêmement limitée à seulement 10 exemplaires, chacun signé et numéroté par l'artiste. English, largement reconnu comme l'un des pionniers de l'art de rue moderne et du pop surréalisme, fusionne l'imagerie classique de la culture pop avec un symbolisme subversif. Cette sérigraphie en édition limitée souligne sa capacité à transformer un langage visuel familier en un art de rue pop et une œuvre de graffiti contemporains saisissants. POPaganda et le crâne de Warhol réimaginé L'œuvre représente un crâne vert luminescent coiffé de l'emblématique coupe de cheveux d'Andy Warhol, un hommage à la fois ludique et obsédant à l'une des figures les plus influentes du pop art. Ron English fait souvent référence à l'histoire de l'art et à la culture publicitaire, en les remixant à travers son prisme satirique caractéristique. En fusionnant le look instantanément reconnaissable de Warhol avec une forme squelettique, English réfléchit sur la célébrité, l'héritage et la mortalité au sein du canon du pop art. Le contraste saisissant entre la figure vert lumineux et le fond noir profond renforce l'impact dramatique, une approche stylistique qui accentue la force visuelle propre à l'art de rue pop et à l'œuvre de graffiti. L'influence de Ron English sur le pop art et le street art contemporains Ron English est largement crédité d'avoir façonné le croisement moderne entre l'activisme sur panneaux publicitaires, le street art et le commentaire sur la culture pop. À travers son mouvement POPaganda, il a défié l'imagerie d'entreprise et réinterprété des icônes culturelles bien avant que le street art n'entre dans les galeries grand public. *Figment: Green on Black* incarne cet héritage par sa simplicité audacieuse et ses références culturelles multicouches. En tant que sérigraphie en édition rare, l'œuvre incarne l'influence continue d'English sur l'art de rue pop et l'œuvre de graffiti contemporains tout en rendant hommage aux artistes et à l'imagerie qui ont contribué à définir le mouvement pop art lui-même.

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Boyz N The Hood, impression giclée en édition limitée 4 couleurs sur papier d'art de Joshua L Johnson, artiste de rue rare et célèbre du pop art. Impression giclée 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces), signée et numérotée, édition limitée à 60 exemplaires, inspirée de Boyz N The Hood.

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Épreuves d'impression UltraS PP en édition limitée, tirages pigmentaires d'archives sur papier beaux-arts 310 g/m² par David Molesky, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Épreuve d'imprimerie PP 2016 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 24x20 « Ce tableau est le chef-d'œuvre de ma série inspirée des images médiatiques de la révolution de Kiev. C'est le plus grand des huit et celui auquel j'ai consacré le plus de temps. La figure capture l'énergie qui m'a d'abord attiré vers ce sujet. Les tableaux de cette série marquent une rupture avec mes précédentes œuvres figuratives. Ces dix dernières années, j'ai cherché à représenter le temps universel et à éviter les objets artificiels. J'ai abandonné ce dogme. J'aime le fait que le sujet soit actuel et contienne des éléments qui semblent appartenir à une autre époque. Par exemple, la doudoune vintage et la palette de couleurs évoquent un peu les vieux films. » – David Molesky. La convergence de la révolution et de l'art dans « UltraS » de David Molesky L'« Épreuve d'impression UltraS PP » de David Molesky se distingue comme une œuvre majeure qui capture l'essence du Street Pop Art et du graffiti, tout en s'ancrant profondément dans le contexte historique de la révolution de Kyiv. Tirage pigmentaire d'archive sur papier beaux-arts 310 g/m², cette pièce revêt une grande valeur, tant par la qualité de ses matériaux que par la profondeur de son contenu thématique. Ce tirage en édition limitée, marqué et signé par Molesky lui-même, mesure 61 x 51 cm, offrant un support de choix à la vision de l'artiste. Avec « UltraS », le parcours artistique de Molesky à travers la représentation universelle du temps et de l'espace prend un tournant décisif. L'œuvre abandonne son refus antérieur des éléments temporels et artificiels pour plonger au cœur de l'actualité, offrant un portrait brut et saisissant de l'esprit humain en temps de conflit. La série « UltraS », et plus particulièrement ce tirage, s'éloigne des peintures figuratives précédentes de Molesky, explorant un territoire plus dynamique et narratif. L'œuvre est une fusion du passé et du présent, un dialogue visuel entre l'histoire dont elle s'inspire et le médium contemporain de son expression. L'épreuve d'imprimerie, unique en son genre, est un précurseur du tirage final en édition limitée, portant l'empreinte et la signature de l'artiste. Les marques et la signature apposées sur chaque épreuve d'imprimerie confirment son authenticité et son exclusivité, en faisant une pièce de collection très prisée des amateurs de pop art moderne. Dans « UltraS », Molesky atteint un équilibre saisissant entre l'immobilité et le mouvement. L'image de la silhouette solitaire, se détachant sur un fond de chaos incandescent, capture un instant d'action intense et de profonde quiétude. Cette figure, vêtue d'une doudoune vintage, est un point d'ancrage anachronique, plongeant le spectateur dans un espace liminal où le temps converge. La palette de couleurs de l'épreuve, évoquant les teintes des vieux films, confère à la scène une dimension historique et une gravité particulières. L'évolution artistique de David Molesky à travers « UltraS » L'œuvre « UltraS » n'est pas seulement une œuvre d'art, mais un document historique et un commentaire visuel, capturant l'enthousiasme et l'esprit de la rue. En adoptant des éléments du graffiti, Molesky insuffle à l'œuvre une authenticité et une force généralement réservées aux créations les plus marquantes du street art. L'inscription « UltraS » griffonnée sur le flanc du véhicule en flammes est un clin d'œil à la tradition du graffiti, une signature qui affirme à la fois sa présence et sa résistance. Cette épreuve d'artiste d'« UltraS » témoigne de la maturité artistique de Molesky. Elle illustre sa volonté de s'engager dans le présent, de le documenter et d'y réfléchir à travers son art. La série révèle une progression narrative claire dans son travail, embrassant l'époque actuelle avec toutes ses complexités et ses contradictions. L'impact d'« UltraS » réside dans sa capacité à transcender les frontières temporelles qui définissent souvent le street art. L'estampe de Molesky est à la fois un instantané d'un événement unique et une exploration plus large de la condition humaine face aux bouleversements de la société. Cette œuvre résonne avec l'urgence du présent tout en capturant les échos du passé. Pour le monde de l'art, « UltraS » représente une contribution majeure au discours du street art et du graffiti. Elle invite à la contemplation, parle à l'âme du spectateur et nous incite à réfléchir au rôle de l'art dans la construction de notre perception des événements historiques. « UltraS » de David Molesky n'est pas qu'une simple œuvre à contempler ; c'est une expérience à vivre, un dialogue à engager et une réflexion sur notre monde.

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La Fin de la Fin - Mini, faisant partie de la série True Facts Mini Multiple, œuvre originale peinte à la main (HPM) sur panneau en bois, prête à être accrochée, par Denial Graffiti Street Artist Modern Pop Art. 2020 Édition limitée HPM signée et numérotée à 20 exemplaires. Dimensions de l'œuvre : 24 x 36 pouces. « Mon œuvre évoque un désastre imminent et des thèmes sinistres et grossiers, mais cela ne signifie en aucun cas que je souhaite que cela se produise. J'espère au contraire qu'elle suggère l'absurdité de la situation et montre comment nous pouvons trouver de meilleures solutions pour l'avenir. » – Denial La mini-série « The End of the End » de Denial : Amour, apocalypse et satire dans l’art urbain pop et le graffiti. « The End of the End Mini » est une œuvre multiple peinte à la main de 2020, réalisée par l'artiste canadien Denial, reconnu pour sa fusion de satire, d'iconographie et d'humour subversif. Créée dans le cadre de la série « True Facts Mini Multiple », cette pièce mesure 61 x 91 cm et est imprimée sur un panneau encadré de bois, prête à être accrochée. Chaque exemplaire de la série est une œuvre HPM (Hand Painted Multiple) originale, offrant un travail de pinceau et des embellissements uniques sur un fond imprimé uniforme. Limitée à 20 exemplaires signés et numérotés, l'œuvre représente un couple en silhouette, enlacé dans une étreinte romantique à l'intérieur d'une voiture, tandis qu'ils observent un champignon atomique exploser au loin. La scène se termine par une légende manuscrite stylisée qui dit simplement « The End », suggérant une finalité avec un mélange de tragédie et d'humour. Cette juxtaposition à l'humour noir est une marque de fabrique du travail de Denial, parfaitement ancrée dans l'univers visuel du Street Pop Art et du graffiti. Romance nucléaire et catastrophe comique L'imagerie de la mini-série « The End of the End » joue avec le style rétro des dessins animés et les angoisses de la Guerre froide, juxtaposant des symboles de romance juvénile – voitures anciennes, panoramas pittoresques, silhouettes de amoureux – à l'icône de l'anéantissement global : le champignon atomique. L'explosion, rendue dans des tons orange et jaune vifs, contraste avec le ciel bleu et l'horizon verdoyant, créant une palette étrangement joyeuse pour une scène d'extinction planétaire. Le couple reste indifférent, absorbé par son amour, suggérant soit un détachement total, soit une forme de défi ironique. Dans le Street Pop Art et le Graffiti, de telles associations révèlent les contradictions des récits culturels, où romance et violence sont souvent vendues de concert. « Denial » utilise ce mariage absurde non pas pour promouvoir le nihilisme, mais pour susciter une réflexion sur la façon dont la société banalise les catastrophes à travers les médias et les mythes. Détails du matériau et format de collection Chaque panneau est peint sur un châssis en bois, offrant une dimension et une présence qui dépassent le cadre d'une simple impression. Les bords sont noircis pour créer un effet encadré, conférant à l'œuvre une qualité d'objet idéale pour les installations d'art contemporain comme pour les collections privées. L'image de base est sérigraphiée dans des tons graphiques nets, mais chaque édition est traitée de manière unique par des applications manuelles de peinture, des coulures, des bavures et des marques qui la personnalisent. Ainsi, chaque version de « The End of the End Mini » est une œuvre d'art singulière malgré son motif commun. L'édition limitée à 20 exemplaires renforce son attrait auprès des collectionneurs de pop art et de street art, où l'originalité et la rareté alimentent un intérêt durable. Le rôle du déni dans l'expression satirique contemporaine Denial, de son vrai nom Daniel Bombardier, est un artiste de Windsor, en Ontario, dont l'œuvre critique la société de consommation, l'absurdité sociale et la manipulation médiatique à travers un langage visuel puisant ses racines dans le graphisme propagandiste et l'esthétique urbaine. Fort d'une expérience en graffiti et en détournement de panneaux publicitaires, Denial transforme des formats familiers – bandes dessinées, publicités, affiches politiques – en énigmes visuelles complexes. L'œuvre « The End of the End Mini » s'inscrit dans ce récit continu, utilisant l'humour et l'horreur pour illustrer les contradictions humaines. Loin d'encourager le désespoir, l'œuvre met plutôt en lumière la banalisation ridicule du désastre dans l'imagerie populaire. C'est un instant figé dans un déni sublime, où intimité et destruction fusionnent sous un ciel bleu, incitant les spectateurs à rire, à s'exclamer et à repenser ce qu'ils célèbrent et ce qu'ils ignorent. Dans le lexique du street art et du graffiti, c'est une carte postale d'un futur absurde déguisé en présent.

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Puissance infinie ! Sérigraphie 4 couleurs en édition limitée, tirée à la main sur papier d'archivage 100 % coton à bords frangés, par Shepard Fairey, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Événement The Provocateurs (Chicago) : estampe de Shepard Fairey. Sérigraphie 61 x 91 cm, signée et numérotée, édition limitée à 200 exemplaires. Cachet de l'éditeur ART ALLIANCE en bas à gauche. Petrol Unlimited Future with Lung Tonic.

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Sérigraphie du marathon de Los Angeles par Cleon Peterson, couleur tirée à la main sur papier d'art de qualité supérieure, édition limitée, œuvre d'art pop et urbain. Édition limitée signée et numérotée de 1050 exemplaires, 2010. Sérigraphie au format 20 x 29 pouces. Le marathon de Los Angeles, l'un des événements sportifs les plus prestigieux au monde, attire non seulement les coureurs, mais aussi les artistes désireux d'en saisir l'essence. L'une de ces représentations saisissantes est la sérigraphie du marathon de Los Angeles, une œuvre magistralement créée par Cleon Peterson. Bien plus qu'une simple estampe commémorative, cette œuvre incarne l'esprit et l'énergie de la course. Réalisée avec une minutie extrême, cette estampe couleur, tirée à la main, se pose avec élégance sur un papier d'art de qualité supérieure. L'approche de Peterson allie l'esthétique du pop art urbain à la précision de la sérigraphie. Le résultat ? Une œuvre vibrante, qui capture le mouvement et le dynamisme des marathoniens. Ce qui rend cette estampe si particulière, c'est son tirage limité. Seuls 1 050 exemplaires ont été produits en 2010, signés et numérotés, chacun mesurant 51 x 74 cm. Cette exclusivité garantit à chaque acquéreur un souvenir unique de cet événement marquant. Le choix des éléments par Peterson témoigne de la profondeur thématique de l'œuvre. Trois figures emblématiques de Los Angeles se trouvent immortalisées, se mêlant harmonieusement au départ du marathon et à ses participants. Un hommage particulièrement émouvant est rendu à la championne de 2009, la Russe Tatiana Petrova. Sa présence témoigne de l'excellence individuelle au sein d'un événement collectif. À travers cette sérigraphie, Cleon Peterson ne se contente pas de dépeindre un spectacle sportif, il célèbre également la persévérance, le dévouement et le triomphe de l'esprit humain.

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Gun Culture - Tirage sérigraphique grand format en édition limitée, réalisé à la main en 4 couleurs sur papier d'archivage 100 % coton verni avec bords frangés à la main, par Shepard Fairey, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Sérigraphie quatre couleurs sur papier d'archivage 100 % coton verni. 76 x 102 cm. Signée par Shepard Fairey. Édition numérotée à 100 exemplaires. Jim Marshall a immortalisé ce qui, au premier abord, apparaît comme un enfant innocent jouant avec un pistolet jouet à Greenwich Village, New York, en 1963.

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Tapis P Zero Peel Out Medium Tire, œuvre d'art créée par Scuderia Ferrari x Joshua Vides, édition limitée, design, collection, tapis pop, œuvre d'art. Tapis d'art P Zero Peel Out Medium Tire en édition limitée rare 2023, dimensions 4 pieds x 4 pieds, noir, Joshua Vides, pneu stylisé P Zero Scuderia Ferrari avec bordure blanche, envers en coton. Scuderia Ferrari : Design et vision artistique La fusion de l'utilité et de l'art atteint des sommets avec le tapis P Zero Peel Out Medium Tire, fruit d'une collaboration entre Ferrari et l'artiste pop Joshua Vides. Cette pièce en édition limitée de la collection 2023 illustre parfaitement comment les objets fonctionnels sont réinventés dans le Street Pop Art et le graffiti, incarnant une esthétique contemporaine qui fusionne objets du quotidien et expression artistique de haut niveau. Au premier regard, le tapis P Zero Peel Out Medium Tire séduit par son design noir et blanc saisissant, un clin d'œil aux pneus Ferrari P Zero emblématiques, synonymes de performance et de luxe. La stylisation de Joshua Vides apporte une touche artistique à un objet familier, transformant un symbole de vitesse et de précision en une pièce maîtresse. Mesurant 122 cm sur 122 cm, le tapis offre une surface généreuse qui met en valeur le souci du détail et le talent créatif de cette collaboration. Le fond noir du tapis crée un contraste saisissant avec les accents blancs qui soulignent les contours du pneu. La démarche de Vides rappelle son style caractéristique, où il dessine souvent les contours des objets en traits marqués pour créer une réalité presque caricaturale, jouant avec les perceptions et invitant le spectateur à reconsidérer le quotidien. Le revêtement en coton de la moquette ancre davantage l'œuvre dans le domaine tactile et pratique, tandis que l'œuvre d'art elle-même en fait un objet de collection. Résonance culturelle Dans le paysage du pop art et du street art, les collaborations entre artistes et entreprises sont fréquentes. Pourtant, cette œuvre se distingue par son intégration harmonieuse de l'image de marque et de la réinterprétation artistique. Le pneu, objet généralement associé à la machinerie et à l'industrie, est métamorphosé par le prisme du street art, une démarche riche de implications culturelles et sociales. Dans cette œuvre, le pneu transcende sa fonction première et devient une toile reflétant les points de convergence entre sports mécaniques, marques de luxe et culture urbaine. Il incarne physiquement le dialogue entre ces univers, un dialogue de plus en plus présent dans la culture visuelle contemporaine. Impact sur l'art et le design L'importance du tapis P Zero Peel Out Medium Tire dépasse son attrait esthétique ; il symbolise la manière dont des artistes contemporains comme Vides peuvent influencer et redéfinir notre perception du design de produits. Le croisement entre l'art et les biens de consommation est une caractéristique du pop art depuis ses débuts, et cette pièce s'inscrit dans la continuité moderne de cette tradition. De plus, son édition limitée lui confère un statut d'objet de collection, convoité non seulement pour sa valeur artistique, mais aussi pour sa rareté. Dans l'univers dynamique du street art, les éditions limitées comme celle-ci constituent de véritables artefacts culturels, témoins d'une époque, instantanés des tendances actuelles et reflets de l'évolution des goûts de la société. Le tapis P Zero Peel Out Medium Tire illustre le potentiel synergique des collaborations entre artistes et marques. Il célèbre la capacité du street art à s'immiscer dans les objets du quotidien et à les sublimer, les transformant en œuvres d'art qui interpellent nos perceptions et enrichissent notre environnement. Cette pièce n'est pas qu'un simple tapis, mais un récit tissé des fils de l'innovation, de l'art et de l'industrie, qui se dévoile à chaque regard.

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TGIF V 20 Tirage d'archives par Dave Pollot Édition limitée sur toile PH neutre 17 mil Art de rue pop graffiti Œuvre d'art moderne d'artiste. Tirage d'art signé et numéroté, édition limitée à 57 exemplaires (2023), format 16 x 20 pouces, impression pigmentaire d'archives sur toile, représentant Jason du film d'horreur Vendredi 13 dans un marais. TGIF V 20 : Tirage d'archives par Dave Pollot L'estampe d'archive TGIF V 20 de Dave Pollot, sortie en 2023, est une fusion unique de références à la culture pop, de techniques des beaux-arts et d'esthétique du street art. Cette œuvre en édition limitée, signée et numérotée par Pollot, fait partie d'une série de seulement 57 exemplaires. Il s'agit d'une impression pigmentaire d'archive de 40,6 x 50,8 cm sur toile de 0,43 mm d'épaisseur, à pH neutre, garantissant sa longévité et sa résistance à la décoloration. L'œuvre met en scène le personnage emblématique de Jason Voorhees, tiré de la franchise cinématographique d'horreur Vendredi 13, dans un décor de marais serein, presque bucolique, mêlant ainsi les univers du cinéma d'horreur et de la peinture de paysage classique. Quand la culture pop rencontre les beaux-arts dans TGIF V 20 Dave Pollot est connu pour sa réinterprétation ingénieuse de l'art traditionnel, intégrant souvent des icônes de la culture pop et des éléments des médias contemporains dans des décors classiques ou idylliques. TGIF V 20 illustre parfaitement cette approche : Pollot y associe la figure menaçante de Jason Voorhees à un paysage champêtre paisible. Sur cette estampe, Jason se dresse, sinistre, dans un marais, son masque de hockey iconique reflétant la lumière d'un coucher de soleil lointain, tandis qu'une petite maison se niche à l'arrière-plan, apparemment indifférente à la terreur qui rôde à proximité. La capacité de Pollot à juxtaposer ces deux univers – l'horreur de Vendredi 13 et la quiétude d'une campagne idyllique – crée un sentiment de malaise et d'humour noir. Le spectateur est amené à contempler l'absurdité de Jason, figure de violence et de peur, évoluant sereinement dans un tel environnement. Cette contradiction ludique est une caractéristique du street art, où des symboles familiers sont recontextualisés de manière surprenante et souvent ironique. En plaçant Jason dans ce contexte inattendu, Pollot remet en question notre perception du personnage et du lieu, nous incitant à les voir sous un jour nouveau. L'influence du graffiti et du pop art urbain L'œuvre de Pollot, bien qu'ancrée dans les techniques traditionnelles des beaux-arts, est fortement influencée par l'esthétique et l'esprit du pop art urbain et du graffiti. Le pop art urbain est connu pour son utilisation audacieuse de la couleur, son intégration de la culture populaire et sa capacité à brouiller les frontières entre art savant et art populaire. Dans TGIF V 20, Pollot réunit ces éléments, utilisant Jason comme symbole de la culture de masse pour bouleverser les conventions de la peinture de paysage classique. La texture et la richesse de la toile, ainsi que la palette de couleurs vibrantes et équilibrées, renforcent l'impact visuel de l'œuvre. La scène, qui pourrait autrement ressembler à un paysage typique du XIXe siècle, est transformée par la présence de Jason. L'influence du graffiti et du street art se manifeste dans la manière dont Pollot insuffle une dimension urbaine et contemporaine au traditionnel. Jason, figure issue du cinéma d'horreur des années 1980, devient un intrus moderne dans un cadre intemporel, à l'image du graffiti qui perturbe souvent l'esthétique de l'environnement urbain en y introduisant des éléments nouveaux, souvent controversés. De plus, le fait que cette estampe soit numérotée à la main et en édition limitée souligne l'individualité et l'exclusivité souvent associées au street art. À l'instar des graffeurs qui signent leurs œuvres, Pollot signe et numérote chaque estampe, garantissant ainsi que chaque pièce est unique. Cela rejoint également la philosophie du street art, selon laquelle l'art est à la fois public et personnel, accessible et unique. Le contraste entre l'horreur et la beauté pastorale Au cœur de TGIF V 20 réside le contraste saisissant entre le genre horrifique et la quiétude du paysage naturel. Jason, habituellement vu traquant ses victimes dans des forêts sombres ou des campements déserts, est ici placé dans un décor qui évoque chaleur et nostalgie. Le chalet en arrière-plan, baigné par la douce lueur du soleil couchant, crée une atmosphère réconfortante qui s'oppose frontalement à l'imagerie violente souvent associée à Jason. Cette juxtaposition accentue le malaise, le spectateur s'interrogeant sur la présence d'une telle figure dans un lieu aussi paisible. Le titre de l'œuvre, TGIF V 20, joue également sur ce contraste. Si le vendredi 13 est synonyme de malchance et d'horreur, l'expression « TGIF » évoque généralement un sentiment de soulagement et l'anticipation d'un week-end de détente. Pollot utilise cette dualité pour brouiller davantage les frontières entre peur et réconfort, humour et horreur. Cette superposition de significations est caractéristique du street art, où de multiples interprétations peuvent coexister, incitant le spectateur à interagir avec l'œuvre à différents niveaux. Le choix de Pollot de représenter Jason dans un marais, plutôt que dans un décor d'horreur plus conventionnel, confère à l'œuvre une complexité supplémentaire. Les marais sont souvent associés à la décrépitude, au mystère et aux dangers cachés, ce qui en fait un cadre idéal pour la figure sombre et menaçante de Jason. Parallèlement, la manière dont Pollot rend la scène — avec des coups de pinceau doux, des tons chauds et une impression générale de calme — rend le marais presque accueillant. Cette tension entre beauté et menace est essentielle à l'attrait de l'œuvre, car elle invite le spectateur à s'interroger sur ce qui se cache sous la surface. L'approche moderne de Dave Pollot en matière d'art et de culture pop La démarche artistique de Dave Pollot s'ancre dans la fusion de l'art classique et de la culture populaire, une technique devenue emblématique du street art contemporain. Sa formation en techniques picturales classiques lui permet d'exécuter ses œuvres avec précision. Parallèlement, l'intégration d'icônes culturelles familières confère à ses créations une accessibilité et une pertinence nouvelles pour le public d'aujourd'hui. TGIF V 20 s'inscrit dans cette tradition, Pollot transposant l'univers du film d'horreur dans le cadre raffiné de la peinture de paysage. Symbole de peur et de violence, Jason Voorhees s'intègre au monde naturel sous la plume de Pollot, suggérant que même les aspects les plus terrifiants de notre imagination ont leur place dans le paysage culturel. En plaçant Jason dans un décor si serein et pittoresque, Pollot nous invite à repenser nos conceptions du beau et de l'effrayant. Cette fusion des univers est au cœur du street art, où le familier et l'inattendu se rencontrent pour créer une œuvre inédite. TGIF V 20 de Dave Pollot illustre avec force comment le street art contemporain peut enrichir et remettre en question notre perception de l'art et de la culture populaire. Grâce à son humour, ses contrastes et sa technique artistique affûtée, Pollot crée une œuvre visuellement saisissante et stimulante, offrant un regard neuf sur une figure emblématique du cinéma d'horreur.

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67 Mustang, tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier beaux-arts 310 g/m² par Camilo Pardo, artiste de rue graffiti, art pop moderne. L'œuvre de Camilo Pardo, créée au fil des ans, est omniprésente à Détroit. On en croise une quantité considérable sur nos autoroutes à toute heure du jour et de la nuit. Surtout connu pour son travail de conception sur la Ford GT, Camilo a insufflé une énergie nouvelle aux courbes de l'acier et nous a rappelé que la première combustion interne d'une voiture prend naissance dans l'esprit d'un artiste.

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Où ? Impression giclée HPM K30 rehaussée à la main par OG Slick Artwork, édition limitée sur papier beaux-arts 310 g/m² à bords frangés, impression rehaussée à la main, artiste graffiti pop de rue. 2025 HPM signé et numéroté, embelli à la main par OG Slick. Impression giclée et peinture aérosol. Édition limitée à 25 exemplaires. Format : 30 x 30 cm. Impression giclée HPM embellie à la main. Les motifs, les coups de pinceau et les couleurs de peinture varient. Chaque HPM est unique. Vous recevrez peut-être un exemplaire différent de celui présenté sur la photo ; le choix est aléatoire.

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Samiyam - Le Cochon Aveugle 2011 Édition Limitée Sérigraphie 6 Couleurs Tirée à la Main sur Papier Beaux-Arts par Jeremy Wheeler Artiste de Rue Graffiti Art Pop Moderne. Samiyam, Raj Mahal, Mogi Grumbles, Josef Deas, A Bomb, DJ Dick Jones, Charles Trees au Blind Pig le 26 mai 2011

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Estampe d'art en édition limitée Junkyard Archival Pigment Fine Edition sur papier Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² par l'artiste de graffiti pop moderne Stephanie Buer. 2021 Junkyard • Tirage pigmentaire d'archive autographié • Imprimé sur papier d'archive Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² • 30,5 x 30,5 cm • Signé et numéroté à la main par l'artiste Stephanie Buer • Édition limitée à 20 exemplaires

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Big Rock, tirages d'art giclée en édition limitée sur papier Entrada 290 g/m², par Scott Listfield, artiste de graffiti, de street art et de culture pop. Estampe giclée Big Rock avec finition sérigraphique brillante par Scott Listfield 24" x 20" Impression giclée avec finition sérigraphique brillante sur papier entrada 290 g/m² Édition de /50 Signée

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Estampes d'art en édition limitée, réalisées à partir de pigments d'archives, sur papier d'art Hahnemühle William Turner 310 g/m² par Robert Mars, artiste de graffiti, de street art et de culture pop. Estampe pigmentaire d'archives « Rest Haven Court » sur papier Hahnemühle William Turner Matte Fine Art, 310 g/m² • Vernis à la main • 61 x 61 cm • Signée et numérotée à la main par l'artiste Robert Mars

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Ecto-1 Rouge Édition Limitée Impression Sérigraphique Manipulée à la Main en 4 Couleurs sur Papier Beaux-Arts par DKNG Artiste de Rue Graffiti Art Pop Moderne. Extrait de la série commémorative du 30e anniversaire de 2014, issue de la galerie 1988 et du Comic Con de San Diego.

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French Connection, édition limitée, sérigraphie artisanale bicolore sur papier beaux-arts, par Jeremy Wheeler, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Projection du film French Connection au Michigan Theater les 27 et 29 juin 2010.

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Sous un ciel étoilé, nous avons confessé nos rêves. Sérigraphie en édition limitée, tirée à la main en 3 couleurs sur papier d'art de Russell Moore. Œuvre rare de street art, célèbre artiste pop. Eh bien, ma femme et moi avions l'habitude de prendre la voiture et d'aller quelque part loin des lumières de la ville pour contempler le ciel nocturne pendant des heures. Il n'y a rien de tel que de voir la Voie lactée en plein été, à la campagne, par une nuit noire. - Russ Moore

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« La Fin de la Fin », œuvre originale peinte à la main à l'aérosol sur un panneau de bois de bouleau encadré, prête à être accrochée, par Denial Graffiti Street Artist, art pop moderne. Édition limitée HPM de 10 exemplaires, signée et numérotée, 2016. Dimensions de l'œuvre : 24 x 36 pouces. DENIAL est une artiste canadienne dont l'œuvre critique le consumérisme et la condition humaine. Basée à Windsor, en Ontario, DENIAL passe une grande partie de l'année à voyager et à exposer au Canada et aux États-Unis. Elle a notamment présenté des expositions individuelles à Los Angeles, Chicago, Detroit, New York, Toronto et Vancouver. Denial s'est imposé comme l'une des figures les plus marquantes de la pop art contemporaine. Toujours aussi pertinent, il s'attache à susciter la réflexion. Son travail explore depuis longtemps les limites de l'appropriation culturelle, qu'il utilise pour subvertir la valeur des produits culturels inscrits dans la mémoire collective occidentale. En d'autres termes, son œuvre invite le spectateur à réinventer notre société dystopique afin de la confronter, l'humour et l'ironie étant ses principaux outils.

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Impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti pop culture Mark Hammermeister, intitulée « Breaking Bat Artwork ». Épreuve d'artiste AP : Illustration croisée avec la série télévisée Breaking Bad.

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Pleasure Paradise 1,21 Gigawatts, tirage giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure, par DXTR, artiste de rue de la contre-culture. Le collectif New Rule présente 1,21 GIGAWATTS, un hommage illustré à la trilogie culte Retour vers le futur ! L’histoire classique du jeune Marty McFly et du Doc Brown voyageant à travers le continuum espace-temps a inspiré toute une génération de passionnés de science-fiction et de voyages dans le temps à travers le monde, et reste encore aujourd’hui une œuvre cinématographique emblématique des années 80.

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Doc Rat Fink 1,21 Gigawatts, tirage giclée en édition limitée sur papier d'art de Liane Plant, artiste de rue de la contre-culture. Le collectif New Rule présente 1,21 GIGAWATTS, un hommage illustré à la trilogie culte Retour vers le futur ! L’histoire classique du jeune Marty McFly et du Doc Brown voyageant à travers le continuum espace-temps a inspiré toute une génération de passionnés de science-fiction et de voyages dans le temps à travers le monde, et reste encore aujourd’hui une œuvre cinématographique emblématique des années 80.

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Dessin original de style pop street art Pep Boys au stylo sur papier beaux-arts par l'artiste Mark Powell. Dessin signé au stylo à bille 2022 12,2x24, protégé par un vernis mat anti-UV d'archivage.

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La beauté de la liberté et de l'égalité. Fresque murale d'Austin par Jon Furlong. Lithographie offset en édition limitée sur papier d'art par Shepard Fairey et Sandra Chevrier, artiste de rue pop et de graffiti urbain. 2020 Signé par Shepard Fairey et Sandra Chevrier & Édition limitée numérotée de 500 exemplaires Lithographie offset Taille de l'œuvre 18x24 Beauté de la liberté Égalité Impression murale Austin Shepard Fairey x Sandra Chevrier x Jon Furlong. « Ce centenaire historique offre une occasion unique de commémorer une étape marquante de la démocratie et d'en explorer la pertinence au regard des enjeux actuels de l'égalité des droits. L'Initiative du centenaire du droit de vote des femmes, fruit d'une collaboration entre institutions, organisations et chercheuses américaines œuvrant pour les droits des femmes, s'attache à ce que cet anniversaire et les 72 années de lutte pour y parvenir soient commémorés et célébrés dans tout le pays. » – Shepard Fairey Vision commémorative de Shepard Fairey et Sandra Chevrier : fresque murale « La beauté de la liberté et de l’égalité ». La fresque « La Beauté de la Liberté et de l'Égalité » à Austin, reproduite en lithographie offset par Jon Furlong, illustre une puissante synergie entre graffiti urbain, art de rue et activisme politique. Cette œuvre en édition limitée, créée en 2020 par les artistes de renom Shepard Fairey et Sandra Chevrier, fait partie d'une série signée et numérotée à 500 exemplaires. Ses dimensions de 45,7 x 61 cm témoignent de la grandeur de la fresque et de la force de son message. Dans son texte, Shepard Fairey inscrit l'œuvre dans le contexte historique de l'Initiative du Centenaire du Droit de Vote des Femmes, établissant un lien entre la lutte pour les droits démocratiques et les enjeux contemporains d'égalité. Fairey, artiste reconnu pour son travail provocateur et engagé, s'associe à Sandra Chevrier, dont l'art explore souvent les limitations imposées aux femmes, pour créer une fresque qui célèbre le progrès et appelle à l'action. L'imagerie vibrante et l'iconographie percutante de la fresque puisent leur inspiration dans le langage visuel de l'art de rue et du graffiti. Dans le même temps, la lithographie étend la portée de la fresque murale des rues d'Austin à la communauté artistique mondiale. L'art et l'activisme se croisent dans l'espace public L'intersection entre l'art et l'activisme est illustrée avec force dans la fresque « La Beauté de la Liberté et de l'Égalité ». Fairey et Chevrier exploitent la puissance visuelle du pop art urbain pour communiquer et susciter le dialogue autour du centenaire du mouvement pour le suffrage féminin. Leur collaboration est un récit visuel commémorant la lutte historique pour le droit de vote des femmes et réfléchissant à son importance dans le combat actuel pour l'égalité des sexes. La fresque devient plus qu'une simple œuvre d'art ; elle est un marqueur historique et un reflet des progrès de la société et des défis qui persistent. Cette fresque d'Austin et sa lithographie associée incarnent les valeurs fondamentales du pop art urbain et du graffiti en fusionnant l'esthétique avec un message qui résonne au niveau sociétal. Les artistes utilisent leur notoriété pour amplifier des voix et des thèmes souvent marginalisés, démontrant le pouvoir de l'art public à susciter le changement et à alimenter la réflexion. La fresque « La Beauté de la Liberté et de l'Égalité » de Shepard Fairey et Sandra Chevrier, reproduite par Jon Furlong, est une œuvre emblématique du pop art urbain qui transcende son support pour devenir un symbole de conscience historique et de critique sociale. Cette lithographie en édition limitée est un objet de collection et un élément du patrimoine culturel qui continue de diffuser les idéaux de liberté et d'égalité grâce au langage universel de l'art.

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Endless Power Petrol Palace - Sérigraphie en édition limitée, 4 couleurs, tirée à la main, sur papier crème moucheté, par Shepard Fairey, artiste rare de street art OBEY Pop Artwork. Endless Power Petrol Palace (Bleu) 45,7 x 61 cm Édition limitée à 350 exemplaires 13 juin 2019 « L’affiche “Palais du pétrole au pouvoir infini” célèbre et critique à la fois la propagande graphique séduisante utilisée par l’industrie pétrolière. J’ai conçu cette affiche pour qu’elle évoque une publicité vintage célébrant l’abondance de l’Amérique et l’avenir radieux du rêve américain. Bien que le pétrole soit une ressource limitée, notre dépendance à son égard est si extrême que le pouvoir exercé par ceux qui le contrôlent est pratiquement illimité. » – Shepard Fairey

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Retour vers le futur - Glow Print Édition limitée Sérigraphie artisanale 8 couleurs sur papier Natural Cougar Cover 100lb par l'artiste Tim Doyle Art pop moderne. Édition limitée signée et numérotée de 150 exemplaires (2015) - Format de l'œuvre : 16 x 24 pouces Retour vers le futur, film, homme, femme, voiture, requin, poisson, tireur sauvage, voyage dans le temps, science-fiction

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Œuvre d'art Alien Crossing, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure par l'artiste de graffiti pop culture Scott Listfield .

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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La dernière carte du jeu - Pourquoi ? Affiche de concert en édition limitée Boston 2013, impression sérigraphique artisanale en 3 couleurs sur papier d'art Speckletone par James R Eads pour Why ?. « The Last Card in the Deck » est une affiche de concert sérigraphiée en trois couleurs (45,7 x 61 cm) pour le concert de WHY? le 19 juin au Brighton Music Hall de Boston (Massachusetts). Cette affiche s'inspire de l'album « Mumps » de WHY?.

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Tasse et pinceaux, sculpture originale en céramique peinte à la main par Joshua Vides, série Shattered Dreams, œuvre d'un artiste de rue spécialisé dans le graffiti. Sculpture originale signée de 2023, pièce unique en céramique et peinture acrylique, format 3x10, logo BMW sur une grande tasse fine contenant des pinceaux ayant servi à peindre des couleurs vives. Tasses et pinceaux par Joshua Vides : Commentaire artisanal sur l’art urbain pop et le graffiti « Cup & Brushes » est une sculpture en céramique originale de Joshua Vides, créée en 2023. Peinte et sculptée à la main, cette pièce unique fait partie de sa série « Shattered Dreams ». Haute de 25 cm et large de 7,5 cm, elle est composée de céramique et de peinture acrylique. Elle représente un gobelet de peintre stylisé, rempli de pinceaux trempés dans différentes couleurs. L'objet est orné d'un logo BMW déformé, rendu avec le trait noir et blanc caractéristique de Vides et son aspect imparfait, presque caricatural. Il en résulte une fusion satirique entre image de marque et réalisme d'atelier, réalisée sous une forme statique en céramique, mais qui résonne de l'énergie vibrante et subversive du street art et du graffiti. La sculpture frappe d'emblée, apparaissant comme un objet du quotidien figé dans le temps. Le gobelet haut et fin imite un récipient standard en plastique ou en verre, typique de l'atelier d'un artiste, ici transposé dans la céramique. À l'intérieur, cinq pinceaux, chacun trempé dans une couleur primaire différente, émergent, leurs angles et leurs pointes variant, comme figés en pleine utilisation. Des éclaboussures de peinture ornent les manches des pinceaux, évoquant des actions, des mouvements et une présence humaine passés. Le logo BMW, volontairement imprécis, semble dessiné d'une main irrégulière, suggérant une critique ou une pointe d'humour plutôt qu'une admiration. Vides métamorphose le symbolisme des entreprises en une texture malléable, déstabilisant son autorité ostentatoire en le réinsérant dans l'environnement brut du travail créatif. Tension matérielle et commentaire visuel Joshua Vides est connu pour sa capacité à distordre la réalité à travers des formes sculpturales aux allures d'esquisses, aplatissant des objets tridimensionnels en représentations caricaturales. Dans « Cup & Brushes », cette illusion visuelle est secondaire par rapport à la texture et au concept. Les surfaces en céramique brillante sont rehaussées de coulures, de taches et de coups de pinceau, célébrant le désordre de la création tout en pointant du doigt la culture de l'image lisse qui occulte souvent le travail. En peignant le logo d'une voiture de luxe sur une tasse utilitaire servant à nettoyer les pinceaux, Vides crée un contraste saisissant entre aspiration et effort, entre fantasme consumériste et réalité créative. Ce type de subversion visuelle est au cœur du Street Pop Art et du graffiti. Vides utilise la matérialité de la sculpture pour interroger la valeur perçue de la marque par rapport au processus. Les pinceaux, outils souvent négligés dans la création du spectacle, deviennent le spectacle lui-même. La tasse, humble et fonctionnelle, devient alors un piédestal pour la critique. En figeant une scène d'atelier dans la céramique, Vides invite les spectateurs à s'interroger sur ce qui est glorifié et ce qui est caché derrière un design soigné et une image de marque mondiale. Joshua Vides et le langage de la ligne en trois dimensions Joshua Vides est reconnu internationalement pour ses transformations monochromes, dans un style bande dessinée, d'objets du quotidien, d'environnements et de collaborations de mode. Si nombre de ses installations utilisent des lignes nettes et des contrastes marqués pour simuler la bidimensionnalité, « Cup & Brushes » met en avant la texture, la couleur et le volume. Cette œuvre marque une évolution significative dans sa pratique : il ne se contente plus de contours plats, mais construit une critique émotionnelle et culturelle à travers l'objet et la forme. La série « Shattered Dreams », dont est issue cette sculpture, explore en continu l'interaction entre ambition, identité, finalité artistique, capitalisme et fidélité à la marque. L'emblème BMW, déformé et placé négligemment, symbolise les thèmes plus larges de la consommation et du rêve de réussite. La sculpture suggère que derrière chaque marque prestigieuse se cache un assemblage désordonné de pinceaux : utilisés, trempés, tachés et réutilisés dans une quête d'expression créative. Tasses et pinceaux : protestation statique et hommage artistique Cup & Brushes est bien plus qu'une nature morte rendant hommage aux outils : c'est un poème sculptural sur le travail invisible qui sous-tend la culture visuelle. L'œuvre invite le spectateur à regarder au-delà du logo, au-delà de l'espace épuré de la galerie, pour pénétrer dans l'atelier de l'artiste, où les objets ne sont sacrés que lorsqu'ils sont signés, ni valorisés tant qu'ils ne sont pas vendus. Joshua Vides fait émerger cette tension, la capturant dans la céramique et la scellant dans l'esthétique du Street Pop Art et du graffiti. Cette sculpture nous rappelle que même le luxe naît du labeur, et que chaque coup de pinceau recèle une histoire digne d'être sculptée.

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Édition limitée et estampillée, sérigraphie artisanale 3 couleurs sur papier kraft moucheté français, par Krush, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « LA Marked » est une sérigraphie trois couleurs sur papier Speckleton, réalisée en collaboration avec Krush et The Seventh Letter. Ce livre est une estampe parue à l'occasion de l'exposition « LA Marked ». Il s'agit d'une estampe classique qui capture l'atmosphère onirique et envoûtante de Los Angeles, avec des publicités et une typographie du XXe siècle en voie de disparition dans des lieux emblématiques comme le quartier underground de Los Angeles.

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Panneaux routiers - Big Boy, édition limitée, sérigraphie embellie à la main sur papier épais par Risk, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Sérigraphie rehaussée à la main sur papier épais - 45,7 x 58,4 cm - Date de création : 2018 - Reprenant le décor désormais emblématique de Risk : plaque d’immatriculation, panneau routier et Bob’s Big Boy. Chaque estampe est rehaussée à la main par l’artiste.

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Tirage giclée en édition limitée « Retour vers le futur » sur papier d'art de qualité supérieure, par Andy Fairhurst, artiste de rue et de contre-culture. Épreuve d'artiste signée et signée Marqué AP Œuvre d'art en édition limitée, format 12x24 Tirages d'artiste (épreuves AP) sous licence officielle « Retour vers le futur », réalisés pour Bottleneck Gallery et Vice Press. Numérotés et signés à la main par l'artiste. 30,5 x 61 cm.

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La beauté de la liberté et de l'égalité PP Épreuve d'imprimerie Fresque d'Austin par Jon Furlong Lithographie offset Édition limitée sur papier beaux-arts par Shepard Fairey X Sandra Chevrier, artiste de rue pop graffiti urbain. Épreuve d'imprimeur PP 2020 Signée par Shepard Fairey et Sandra Chevrier & Marquée AP Lithographie Off Set Taille de l'œuvre 18x24 Beauté de la Liberté Égalité PP Impression murale Austin par Shepard Fairey x Sandra Chevrier x Jon Furlong. « Ce centenaire historique offre une occasion unique de commémorer une étape marquante de la démocratie et d'en explorer la pertinence au regard des enjeux actuels de l'égalité des droits. L'Initiative du centenaire du droit de vote des femmes, fruit d'une collaboration entre institutions, organisations et chercheuses américaines œuvrant pour les droits des femmes, s'attache à ce que cet anniversaire et les 72 années de lutte pour y parvenir soient commémorés et célébrés dans tout le pays. » – Shepard Fairey « La beauté de la liberté et de l'égalité » de Shepard Fairey et Sandra Chevrier : une fresque des grandes étapes de la démocratie « La Beauté de la Liberté et de l'Égalité » PP (Épreuve d'Imprimeur) est une lithographie offset saisissante de Jon Furlong qui capture l'essence d'une fresque de Shepard Fairey et Sandra Chevrier, deux figures emblématiques du graffiti urbain et du pop art. Cette estampe, tirée à 500 exemplaires signés et numérotés en 2020, mesure 45,7 x 61 cm et témoigne d'un moment clé de l'histoire de la démocratie : le centenaire du droit de vote des femmes. La déclaration de Shepard Fairey souligne le lien de l'œuvre avec l'initiative plus large commémorant le suffrage féminin et sa pertinence actuelle face aux enjeux de l'égalité des droits. Fairey, artiste reconnu pour son œuvre engagée, et Chevrier, connue pour ses récits visuels percutants qui explorent souvent les questions de genre, ont collaboré à la création d'une fresque qui célèbre les acquis historiques tout en rappelant les luttes qui persistent. En tant qu'épreuve d'imprimerie, la lithographie jouit d'un statut particulier, souvent réservée au contrôle de la qualité finale avant le tirage final. Les collectionneurs et les amateurs d'art urbain et de graffiti apprécient ces épreuves pour leur fidélité à l'intention originale de l'artiste et leur rareté au sein d'une série d'estampes. Fusion artistique dans « La beauté de la liberté et de l'égalité » La fresque, et par extension la lithographie qui en est tirée, est une fusion vibrante du style graphique audacieux de Fairey et des portraits poignants de Chevrier, le tout enveloppé dans une palette qui captive le regard et invite à la réflexion. La composition en couches de l'œuvre – caractéristique du travail de Fairey et Chevrier – mêle texte, images et symbolisme pour raconter l'histoire complexe du chemin vers l'égalité et la liberté. Fidèle à l'esprit du street art, l'œuvre s'ancre dans son accessibilité et sa capacité à communiquer des messages forts grâce au langage visuel du graffiti. En donnant vie à cette œuvre, Fairey et Chevrier ont créé une pièce qui célèbre un centenaire et forgé un message qui résonne avec le débat actuel sur les droits et la représentation. « La Beauté de la Liberté et de l'Égalité » est un dialogue visuel sur le cheminement continu de la démocratie et le rôle de l'art dans la formation et le développement de la conscience collective. « La Beauté de la Liberté et de l'Égalité », une lithographie de la fresque murale d'Austin réalisée par Jon Furlong, Shepard Fairey et Sandra Chevrier, enrichit de manière significative l'histoire du pop art urbain et son lien avec l'activisme social. Cette épreuve d'imprimerie est une pièce de collection qui, en plus d'embellir l'environnement de ses détenteurs, rappelle avec force le pouvoir de l'art de commémorer, d'éduquer et d'inspirer des progrès constants vers l'égalité. Grâce à cette lithographie, le message de la fresque murale dépasse les frontières d'Austin, touchant un public international et s'inscrivant durablement dans l'histoire du pop art urbain et du graffiti.

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Achetez It's a Nightmare Charlie - Clockwork Orange Artwork Giclee Limited Edition Print on Fine Art Paper par Pop Culture Graffiti Artist Raid71. Peanuts Charlie Brown Halloween Déguisé en voyou Orange Mécanique. 5" x 5" Giclee signé, numéroté.

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Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

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Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée Alonzo Liter sur papier beaux-arts 310 g/m² par Camilo Pardo, artiste de rue graffiti, art pop moderne. L'œuvre de Camilo Pardo, créée au fil des ans, est omniprésente à Détroit. On en croise une quantité considérable sur nos autoroutes à toute heure du jour et de la nuit. Surtout connu pour son travail de conception sur la Ford GT, Camilo a insufflé une énergie nouvelle aux courbes de l'acier et nous a rappelé que la première combustion interne d'une voiture prend naissance dans l'esprit d'un artiste.

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