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Planche de skateboard en édition limitée Delorean, sérigraphiée par l'artiste de la culture pop urbaine DKNG. 2020 Célébrez le 35e anniversaire de Retour vers le futur avec un skateboard en forme de DeLorean (Partie II), conçu par DKNG et fabriqué par Madrid Skateboards. Édition limitée à 200 exemplaires.

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Achetez Joshua Vides X CC Cone édition limitée en céramique Traffic Cone Sculpture Artwork par le légendaire artiste de rue Joshua Vides. Édition limitée 2021 de 100 - 9,5" de haut x 6" de base. dans ComplexCon Exclusive

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Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

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Épreuves d'impression UltraS PP en édition limitée, tirages pigmentaires d'archives sur papier beaux-arts 310 g/m² par David Molesky, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Épreuve d'imprimerie PP 2016 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 24x20 « Ce tableau est le chef-d'œuvre de ma série inspirée des images médiatiques de la révolution de Kiev. C'est le plus grand des huit et celui auquel j'ai consacré le plus de temps. La figure capture l'énergie qui m'a d'abord attiré vers ce sujet. Les tableaux de cette série marquent une rupture avec mes précédentes œuvres figuratives. Ces dix dernières années, j'ai cherché à représenter le temps universel et à éviter les objets artificiels. J'ai abandonné ce dogme. J'aime le fait que le sujet soit actuel et contienne des éléments qui semblent appartenir à une autre époque. Par exemple, la doudoune vintage et la palette de couleurs évoquent un peu les vieux films. » – David Molesky. La convergence de la révolution et de l'art dans « UltraS » de David Molesky L'« Épreuve d'impression UltraS PP » de David Molesky se distingue comme une œuvre majeure qui capture l'essence du Street Pop Art et du graffiti, tout en s'ancrant profondément dans le contexte historique de la révolution de Kyiv. Tirage pigmentaire d'archive sur papier beaux-arts 310 g/m², cette pièce revêt une grande valeur, tant par la qualité de ses matériaux que par la profondeur de son contenu thématique. Ce tirage en édition limitée, marqué et signé par Molesky lui-même, mesure 61 x 51 cm, offrant un support de choix à la vision de l'artiste. Avec « UltraS », le parcours artistique de Molesky à travers la représentation universelle du temps et de l'espace prend un tournant décisif. L'œuvre abandonne son refus antérieur des éléments temporels et artificiels pour plonger au cœur de l'actualité, offrant un portrait brut et saisissant de l'esprit humain en temps de conflit. La série « UltraS », et plus particulièrement ce tirage, s'éloigne des peintures figuratives précédentes de Molesky, explorant un territoire plus dynamique et narratif. L'œuvre est une fusion du passé et du présent, un dialogue visuel entre l'histoire dont elle s'inspire et le médium contemporain de son expression. L'épreuve d'imprimerie, unique en son genre, est un précurseur du tirage final en édition limitée, portant l'empreinte et la signature de l'artiste. Les marques et la signature apposées sur chaque épreuve d'imprimerie confirment son authenticité et son exclusivité, en faisant une pièce de collection très prisée des amateurs de pop art moderne. Dans « UltraS », Molesky atteint un équilibre saisissant entre l'immobilité et le mouvement. L'image de la silhouette solitaire, se détachant sur un fond de chaos incandescent, capture un instant d'action intense et de profonde quiétude. Cette figure, vêtue d'une doudoune vintage, est un point d'ancrage anachronique, plongeant le spectateur dans un espace liminal où le temps converge. La palette de couleurs de l'épreuve, évoquant les teintes des vieux films, confère à la scène une dimension historique et une gravité particulières. L'évolution artistique de David Molesky à travers « UltraS » L'œuvre « UltraS » n'est pas seulement une œuvre d'art, mais un document historique et un commentaire visuel, capturant l'enthousiasme et l'esprit de la rue. En adoptant des éléments du graffiti, Molesky insuffle à l'œuvre une authenticité et une force généralement réservées aux créations les plus marquantes du street art. L'inscription « UltraS » griffonnée sur le flanc du véhicule en flammes est un clin d'œil à la tradition du graffiti, une signature qui affirme à la fois sa présence et sa résistance. Cette épreuve d'artiste d'« UltraS » témoigne de la maturité artistique de Molesky. Elle illustre sa volonté de s'engager dans le présent, de le documenter et d'y réfléchir à travers son art. La série révèle une progression narrative claire dans son travail, embrassant l'époque actuelle avec toutes ses complexités et ses contradictions. L'impact d'« UltraS » réside dans sa capacité à transcender les frontières temporelles qui définissent souvent le street art. L'estampe de Molesky est à la fois un instantané d'un événement unique et une exploration plus large de la condition humaine face aux bouleversements de la société. Cette œuvre résonne avec l'urgence du présent tout en capturant les échos du passé. Pour le monde de l'art, « UltraS » représente une contribution majeure au discours du street art et du graffiti. Elle invite à la contemplation, parle à l'âme du spectateur et nous incite à réfléchir au rôle de l'art dans la construction de notre perception des événements historiques. « UltraS » de David Molesky n'est pas qu'une simple œuvre à contempler ; c'est une expérience à vivre, un dialogue à engager et une réflexion sur notre monde.

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599 tirages d'art pigmentaires d'archives en édition limitée Ferrari sur papier beaux-arts 310 g/m² par Camilo Pardo, artiste de rue graffiti, art pop moderne. L'œuvre de Camilo Pardo, créée au fil des ans, est omniprésente à Détroit. On en croise une quantité considérable sur nos autoroutes à toute heure du jour et de la nuit. Surtout connu pour son travail de conception sur la Ford GT, Camilo a insufflé une énergie nouvelle aux courbes de l'acier et nous a rappelé que la première combustion interne d'une voiture prend naissance dans l'esprit d'un artiste.

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Tasse et pinceaux, sculpture originale en céramique peinte à la main par Joshua Vides, série Shattered Dreams, œuvre d'un artiste de rue spécialisé dans le graffiti. Sculpture originale signée de 2023, pièce unique en céramique et peinture acrylique , format 3x10, logo BMW sur une grande tasse fine contenant des pinceaux ayant servi à peindre des couleurs vives. Tasses et pinceaux par Joshua Vides : Commentaire artisanal sur l’art urbain pop et le graffiti « Cup & Brushes » est une sculpture en céramique originale de Joshua Vides, créée en 2023. Peinte et sculptée à la main, cette pièce unique fait partie de sa série « Shattered Dreams ». Haute de 25 cm et large de 7,5 cm, elle est composée de céramique et de peinture acrylique. Elle représente un gobelet de peintre stylisé, rempli de pinceaux trempés dans différentes couleurs. L'objet est orné d'un logo BMW déformé, rendu avec le trait noir et blanc caractéristique de Vides et son aspect imparfait, presque caricatural. Il en résulte une fusion satirique entre image de marque et réalisme d'atelier, réalisée sous une forme statique en céramique, mais qui résonne de l'énergie vibrante et subversive du street art et du graffiti. La sculpture frappe d'emblée, apparaissant comme un objet du quotidien figé dans le temps. Le gobelet haut et fin imite un récipient standard en plastique ou en verre, typique de l'atelier d'un artiste, ici transposé dans la céramique. À l'intérieur, cinq pinceaux, chacun trempé dans une couleur primaire différente, émergent, leurs angles et leurs pointes variant, comme figés en pleine utilisation. Des éclaboussures de peinture ornent les manches des pinceaux, évoquant des actions, des mouvements et une présence humaine passés. Le logo BMW, volontairement imprécis, semble dessiné d'une main irrégulière, suggérant une critique ou une pointe d'humour plutôt qu'une admiration. Vides métamorphose le symbolisme des entreprises en une texture malléable, déstabilisant son autorité ostentatoire en le réinsérant dans l'environnement brut du travail créatif. Tension matérielle et commentaire visuel Joshua Vides est connu pour sa capacité à distordre la réalité à travers des formes sculpturales aux allures d'esquisses, aplatissant des objets tridimensionnels en représentations caricaturales. Dans « Cup & Brushes », cette illusion visuelle est secondaire par rapport à la texture et au concept. Les surfaces en céramique brillante sont rehaussées de coulures, de taches et de coups de pinceau, célébrant le désordre de la création tout en pointant du doigt la culture de l'image lisse qui occulte souvent le travail. En peignant le logo d'une voiture de luxe sur une tasse utilitaire servant à nettoyer les pinceaux, Vides crée un contraste saisissant entre aspiration et effort, entre fantasme consumériste et réalité créative. Ce type de subversion visuelle est au cœur du Street Pop Art et du graffiti. Vides utilise la matérialité de la sculpture pour interroger la valeur perçue de la marque par rapport au processus. Les pinceaux, outils souvent négligés dans la création du spectacle, deviennent le spectacle lui-même. La tasse, humble et fonctionnelle, devient alors un piédestal pour la critique. En figeant une scène d'atelier dans la céramique, Vides invite les spectateurs à s'interroger sur ce qui est glorifié et ce qui est caché derrière un design soigné et une image de marque mondiale. Joshua Vides et le langage de la ligne en trois dimensions Joshua Vides est reconnu internationalement pour ses transformations monochromes, dans un style bande dessinée, d'objets du quotidien, d'environnements et de collaborations de mode. Si nombre de ses installations utilisent des lignes nettes et des contrastes marqués pour simuler la bidimensionnalité, « Cup & Brushes » met en avant la texture, la couleur et le volume. Cette œuvre marque une évolution significative dans sa pratique : il ne se contente plus de contours plats, mais construit une critique émotionnelle et culturelle à travers l'objet et la forme. La série « Shattered Dreams », dont est issue cette sculpture, explore en continu l'interaction entre ambition, identité, finalité artistique, capitalisme et fidélité à la marque. L'emblème BMW, déformé et placé négligemment, symbolise les thèmes plus larges de la consommation et du rêve de réussite. La sculpture suggère que derrière chaque marque prestigieuse se cache un assemblage désordonné de pinceaux : utilisés, trempés, tachés et réutilisés dans une quête d'expression créative. Tasses et pinceaux : protestation statique et hommage artistique Cup & Brushes est bien plus qu'une nature morte rendant hommage aux outils : c'est un poème sculptural sur le travail invisible qui sous-tend la culture visuelle. L'œuvre invite le spectateur à regarder au-delà du logo, au-delà de l'espace épuré de la galerie, pour pénétrer dans l'atelier de l'artiste, où les objets ne sont sacrés que lorsqu'ils sont signés, ni valorisés tant qu'ils ne sont pas vendus. Joshua Vides fait émerger cette tension, la capturant dans la céramique et la scellant dans l'esthétique du Street Pop Art et du graffiti. Cette sculpture nous rappelle que même le luxe naît du labeur, et que chaque coup de pinceau recèle une histoire digne d'être sculptée.

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Retour vers le futur 3, tirage giclée en édition limitée sur papier d'art par Andy Fairhurst, artiste de rue de la contre-culture. Épreuve d'artiste signée et marquée AP, édition limitée, format 12x24 Tirages d'artiste (épreuves AP) sous licence officielle « Retour vers le futur 3 », réalisés pour Bottleneck Gallery et Vice Press. Numérotés et signés à la main par l'artiste. 30,5 x 61 cm.

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French Connection, édition limitée, sérigraphie artisanale bicolore sur papier beaux-arts, par Jeremy Wheeler, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Projection du film French Connection au Michigan Theater les 27 et 29 juin 2010.

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Sérigraphie Florence Aubenas par Shepard Fairey - OBEY x Blek le Rat Tirée à la main sur papier d'art de qualité supérieure Édition limitée Œuvre d'art pop et de rue. 2008. Signée par Shepard Fairey et Blek le Rat. Édition limitée numérotée à 100 exemplaires. Format : 18 x 24 pouces. Sérigraphie. Shepard Fairey x Blek le Rat Florence Aubenas Sérigraphie 2008 La sérigraphie Florence Aubenas de 2008 est le fruit d'une collaboration exceptionnelle entre l'artiste de rue américain Shepard Fairey, alias OBEY, et le pionnier français du pochoir, Blek le Rat. Mesurant 45,7 x 61 cm, cette sérigraphie artisanale a été produite en édition limitée à 100 exemplaires, signés et numérotés. Chaque exemplaire porte la signature des deux artistes, témoignant ainsi de son importance en tant que dialogue intergénérationnel au sein du Street Pop Art et du graffiti. Le sujet, la journaliste française Florence Aubenas, a été enlevée et retenue en otage en Irak en 2005, faisant de cette œuvre un puissant symbole de résilience et du rôle de l'art dans la mise en lumière des enjeux liés aux droits humains. Imagerie et symbolisme Cette estampe fusionne le style graphique et engagé de Shepard Fairey avec la technique classique du pochoir de Blek le Rat. Sur fond de place Saint-Michel à Paris, l'œuvre intègre photographie et pochoir pour créer une composition urbaine riche et nuancée. Aubenas y est représentée debout, sereine, sa silhouette se détachant en un pochoir noir intense sur le mur de pierre, évoquant les interventions de Blek le Rat dans l'espace public. Ce contraste avec la précision du décor urbain capturée par la sérigraphie de Fairey crée une tension entre la permanence de l'architecture historique et l'urgence des luttes politiques contemporaines. Le placement de la figure sous le panneau de signalisation ancre l'œuvre dans le contexte parisien, tout en symbolisant la portée universelle de son histoire. Collaboration entre icônes Blek le Rat, né Xavier Prou ​​en France en 1951, est considéré comme l'un des fondateurs du graffiti au pochoir, ayant influencé des générations d'artistes de rue à travers le monde, dont Banksy. Shepard Fairey, né à Charleston, en Caroline du Sud, en 1970, s'est fait connaître grâce à sa campagne OBEY et à des œuvres engagées, comme l'affiche « Hope » de Barack Obama. Leur collaboration sur « Florence Aubenas » a réuni deux approches distinctes mais complémentaires : l'engagement de Blek envers la puissance de l'image directe au pochoir dans l'espace public et l'activisme de Fairey, guidé par le graphisme. Il en résulte une œuvre qui résonne à la fois comme un manifeste politique et comme un jalon dans l'histoire du street art. Résonance politique et héritage artistique Cette sérigraphie souligne comment l'art peut devenir un outil de sensibilisation et d'engagement. En immortalisant Florence Aubenas dans leur langage visuel, Fairey et Blek le Rat mettent en lumière les risques encourus par les journalistes travaillant dans les zones de conflit et l'importance de la liberté d'expression. Tirée en édition limitée, signée par les deux artistes et riche de sa thématique, cette sérigraphie de Florence Aubenas est considérée comme une pièce de collection majeure, non seulement pour les admirateurs de Shepard Fairey et Blek le Rat, mais aussi pour tous ceux qui reconnaissent l'importance d'un art socialement engagé. Elle demeure un exemple frappant de la manière dont le street art et le graffiti peuvent transcender l'esthétique pour aborder des réalités politiques urgentes.

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Plateau Super Sport Camaro Supreme, édition limitée, assiette de collection en porcelaine et verre d'art, œuvre d'art de l'artiste de rue OG Lady Pink. Plateau Lady Pink/Supreme 2021 - Camaro Super Sport - Boutique - Supreme. Plateau en porcelaine avec motif imprimé et logo imprimé au dos. 15 x 18 cm

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Sérigraphie Invader de Mike Giant, tirée à la main en 3 couleurs sur papier beaux-arts, édition limitée. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2023. Œuvre d'art de taille 18x24, sérigraphie. Exemples de tatouages ​​et d'iconographie : crâne, squelette, cerveau égyptien, femme, voiture de sport. Décryptage de la sérigraphie « Invader Green Blue » de Mike Giant L'estampe sérigraphique « Invader Green Blue » de Mike Giant est une œuvre audacieuse, à la croisée du pop art, du street art et du graffiti. Tirée à la main en trois couleurs sur papier d'art, cette sérigraphie fait partie d'une édition limitée à seulement 100 exemplaires, chacun signé et numéroté par l'artiste. Créée en 2023, cette œuvre de 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces) rassemble une multitude d'éléments iconographiques chers à Mike Giant : des exemples de tatouages, une figure égyptienne, un cerveau humain, un portrait de femme et une voiture de sport, le tout dans une palette de couleurs vert et bleu saisissante. Le lexique artistique de Mike Giant dans « Invader » Le vocabulaire artistique de Mike Giant est un confluent d'influences diverses, allant de la précision graphique du tatouage à la profondeur symbolique de l'iconographie égyptienne. L'estampe « Invader » sert de toile de fond à ces éléments variés pour former un récit cohérent. La juxtaposition d'une voiture de sport moderne et d'une figure égyptienne antique témoigne de la fascination intemporelle de l'humanité pour le progrès et le pouvoir. Parallèlement, l'inclusion d'un cerveau humain détaillé et l'image troublante d'un crâne invitent à une réflexion sur la conscience et la mortalité humaines. Le portrait féminin, réalisé dans un style pop art classique, ainsi que le texte et les motifs stylisés, rappellent les publicités et l'art de propagande d'antan. Ensemble, ces éléments critiquent le consumérisme, la célébrité et la marchandisation des valeurs et de l'identité humaines. Ils illustrent le potentiel du pop art urbain à communiquer des messages complexes grâce à une imagerie visuellement saisissante. Savoir-faire en sérigraphie L'estampe « Invader Green Blue Silkscreen Print » témoigne de l'attachement de Mike Giant aux techniques artistiques traditionnelles. La sérigraphie, technique issue des arts industriels et graphiques du début du XXe siècle, a été adoptée par les artistes du pop art et du street art pour sa capacité à produire des images nettes et éclatantes, capturant le dynamisme de la vie urbaine. Dans cette estampe, la technique artisanale garantit que chaque pièce est unique, imprégnée de la touche de l'artiste et des subtiles variations propres à l'impression manuelle. Symbolisme et narration dans l'art urbain moderne Le symbolisme joue un rôle crucial dans la force narrative de l'estampe « Invader ». Chaque élément iconographique est soigneusement choisi pour représenter des facettes de la société moderne et de l'expérience humaine. Le crâne et le squelette, souvent associés au danger ou à la mortalité, sont juxtaposés à des symboles de richesse et de recherche du plaisir, tels que l'argent et les voitures de sport. Ce jeu de symboles suscite un dialogue sur les dichotomies présentes dans la vie contemporaine : entre la vie et la mort, la spiritualité et le matérialisme, l'histoire et le progrès. L'estampe sérigraphique « Invader Green Blue » de Mike Giant, œuvre de street art et de graffiti, témoigne de l'influence durable de ces formes d'art dans la culture contemporaine. Elle incarne l'essence même de la capacité du street art à imprégner la conscience collective de messages à la fois universels et profondément personnels. Pour les collectionneurs et les amateurs, l'estampe « Invader » n'est pas qu'un simple spectacle visuel ; elle est un emblème du pouvoir de l'art à refléter et à critiquer le monde qui nous entoure au quotidien.

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Œuvre d'art sur toile Vegas Bound, impression giclée en édition limitée sur toile par l'artiste de graffiti pop culture Leslie Ditto. 2014 Signée et numérotée. Inspirée par Las Vegas Parano. Impression sur toile en édition limitée 27" x 18" par Leslie Ditto. Tirage limité à 30 exemplaires. Prête à être accrochée sur toile tendue. L'œuvre sur toile « Vegas Bound » de Leslie Ditto : une fusion en édition limitée de street art pop et de cinéma « Vegas Bound » est une œuvre sur toile de Leslie Ditto, artiste reconnue pour sa contribution au mouvement pop art urbain. Elle est réputée pour imprégner ses créations de commentaires sociaux et de visuels vibrants. Cette édition limitée, une reproduction giclée sur toile, est un hommage saisissant au film culte « Las Vegas Parano ». Signée et numérotée par l'artiste, cette impression de 68,5 x 45,7 cm (27 x 18 pouces) a été éditée en 2014 à seulement 30 exemplaires, ce qui en fait une pièce de collection rare. L'œuvre de Leslie Ditto puise souvent son inspiration dans la culture populaire, et « Vegas Bound » ne fait pas exception. Soigneusement préparée sur une toile tendue, prête à être accrochée, elle témoigne avec brio du style unique de Ditto. Le récit visuel de « Vegas Bound » capture l'essence de l'expérience hallucinatoire dépeinte dans « Las Vegas Parano ». Les personnages principaux, qui rappellent les protagonistes du film, se détachent sur un décor typiquement las Vegasien, avec son énergie extravagante et démesurée. L'utilisation par Ditto de couleurs saturées et de traits exagérés fait écho au voyage surréaliste et chaotique au cœur du rêve américain, tel que vécu par les personnages. Le rendu détaillé des sujets, la décapotable classique et l'emblématique panneau de Las Vegas s'harmonisent pour transporter le spectateur dans l'univers vibrant de l'œuvre. Analyse des éléments esthétiques de « Vegas Bound » Les éléments esthétiques de « Vegas Bound » puisent leurs racines dans le street art et le graffiti. La technique de Ditto révèle un équilibre subtil entre réalisme et exagération, caractéristique de l'influence du pop art. L'œuvre met en scène des créatures hallucinatoires et des perspectives déformées, symbolisant l'influence psychédélique sur le street art, tandis que le souci du détail reflète la précision du graffiti. Les figures, avec leurs expressions stylisées et leurs contours marqués, témoignent de l'esprit rebelle qui anime les mouvements street art et pop art. La capacité de Leslie Ditto à capturer l'énergie frénétique du Strip de Las Vegas et la réalité décousue du récit du film transparaît dans la composition chaotique de l'œuvre. Chaque élément, de la fumée d'une cigarette au sourire maniaque de la créature anthropomorphe sur la banquette arrière, contribue à une impression saisissante de mouvement et d'émotion. Cette œuvre n'est pas une simple représentation statique ; Elle réinvente activement un phénomène culturel, capturant le dynamisme et le caractère éphémère du pop art urbain. Importance et impact de « Vegas Bound » de Leslie Ditto dans l'art et la culture « Vegas Bound » est une œuvre majeure dans le travail de Leslie Ditto et s'inscrit pleinement dans le contexte plus large du street art et du graffiti. La rareté de cette estampe en fait une pièce très recherchée par les collectionneurs et les amateurs de street art. L'interprétation que fait Ditto de « Las Vegas Parano » à travers le prisme de l'esthétique du street art offre une perspective inédite sur les thèmes de l'excès, de l'évasion et de la quête de sens dans un monde postmoderne. Elle explore visuellement les frontières entre art savant et art populaire, entre l'univers des galeries d'art et l'expression débridée de la rue. Avec des œuvres comme « Vegas Bound », Leslie Ditto contribue au débat actuel sur la légitimité et le potentiel du street art en tant que forme d'expression artistique. Son travail remet en question les barrières traditionnelles du monde de l'art, démontrant comment les motifs et les thèmes typiques du graffiti et du street art peuvent trouver leur place sur une toile. « Vegas Bound » n'est pas un simple hommage à un film, mais une œuvre à part entière, vibrante et stimulante, illustrant la convergence de la culture pop et de l'art pour créer une œuvre inédite et profondément marquante. « Vegas Bound » de Leslie Ditto est une puissante pièce de street art qui capture l'esprit d'une époque, l'essence d'un voyage cinématographique et le charme intemporel de Las Vegas. Son édition limitée ne fait qu'accroître son aura de mystère, en faisant une pièce de choix pour les collectionneurs qui apprécient l'interaction subtile entre cinéma, culture urbaine et art visuel.

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Big Rock, tirages d'art giclée en édition limitée sur papier Entrada 290 g/m², par Scott Listfield, artiste de graffiti, de street art et de culture pop. Estampe giclée Big Rock avec finition sérigraphique brillante par Scott Listfield 24" x 20" Impression giclée avec finition sérigraphique brillante sur papier entrada 290 g/m² Édition de /50 Signée

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Sérigraphie en édition limitée de l'œuvre « Han's Van » sur papier Metallic Star Dream Cover Stock de 100 lb, par l'artiste de graffiti pop culture Lil Tuffy. Lil Tuffy - « La camionnette de Han » Sérigraphie 1 couleur, édition limitée à 100 exemplaires, papier métallisé Star Dream 100 lb, 44,5 x 58,5 cm

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New Yorker - Trains aériens - Taxis en circulation - Édition limitée - Sérigraphie technique mixte embellie à la main sur papier épais de 200 livres par Bobby Hill, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Chaque pièce est unique et les couleurs, la peinture et les effets de peinture au pistolet réalisés à la main par l'artiste sont aléatoires et variables ; vous pourriez donc ne pas recevoir l'article exact présenté sur la photo ! « J’utilise des images photographiques comme base pour mon art, mais il m’arrive de dessiner directement sur l’acétate avant de graver les écrans afin de faire ressortir des détails que je juge importants. Chaque pièce de cette série a été sérigraphiée individuellement et peinte à la main avec divers médiums acryliques et autres. Concentrez-vous sur les couleurs plutôt que sur l’image, même si cela peut parfois s’avérer difficile. Les couleurs représentent ce qui se passe dans ma vie à chaque instant. » – Bobby Hill

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« Meet Me On Cloud Nine », sérigraphie en édition limitée tirée à la main en 15 couleurs sur papier Arches Velin Blanc 300 g/m² par Rhymezlikedimez - Robin Velghe, artiste de street art rare et célèbre du pop art. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Sérigraphie 15 couches, tirage à la main sur papier Arches Vélin Blanc 100 % coton 300 g/m². Ses dimensions uniques (99,7 cm de large sur 31 cm de haut) offrent un format horizontal idéal pour la narration. Cette estampe a été approuvée, signée et numérotée par l'artiste. Imprimée à la main à Anvers, Belgique. Année de sortie : 2022. « J’ai initialement créé ce visuel pour ma première exposition éphémère à Miami. Je voulais montrer à quoi ressemble généralement un de mes rêves. C’est un collage à la Dali, une compilation d’impressions rencontrées au fil de la journée. Dans mon monde onirique, le soleil ne cesse jamais de se coucher. » – Robin Velghe « Meet Me On Cloud Nine » est une sérigraphie de l'artiste talentueux Robin Velghe, alias Rhymezlikedimez. Illustrateur, animateur et graphiste belge, Robin Velghe se distingue par un mélange unique de couleurs vibrantes, de mouvements dynamiques et de détails minutieux. Ses illustrations mettent souvent en scène des personnages aux proportions exagérées et à l'allure fluide, conférant à son travail un attrait visuel singulier. Rhymezlikedimez a collaboré avec diverses marques, musiciens et événements, réalisant illustrations, animations et créations de produits dérivés. Parmi ses collaborations notables, on peut citer celles avec des artistes comme Anderson .Paak, BROCKHAMPTON et Aminé. Son travail lui a permis de se constituer une large communauté sur les réseaux sociaux, où il partage ses illustrations et ses projets d'animation. La sérigraphie « Meet Me On Cloud Nine » présente certaines des caractéristiques propres à son style, telles que des couleurs éclatantes, des éléments fantaisistes et des personnages attachants. Les sérigraphies sont créées à l'aide d'un procédé d'impression au pochoir, ce qui permet à l'artiste de produire des images audacieuses et éclatantes dotées d'une esthétique unique.

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« The Cook », une sérigraphie artisanale en édition limitée 6 couleurs sur papier beaux-arts, par Tim Doyle, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Inspiré de la série télévisée Breaking Bad.

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Planche de skateboard Unconscious Monster Deck en édition limitée, sérigraphiée, par l'artiste de la culture pop urbaine Fuel TV x Rick Maderis. Planche de skateboard Unconscious Monster en édition limitée, créée par Fuel TV et Rick Maderis

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Œuvre d'art Delorean, impression giclée en édition limitée sur papier Photo Rag blanc brillant par l'artiste de graffiti de la culture pop Kilian Eng (DW Design). Tirage en édition limitée signé et numéroté de 2013 sur papier (Photo Rag Bright White 310 g/m²), 43,2 x 61 cm. L'artiste suédois Kilian Eng (DW Design) possède un style et un langage visuel uniques, parfois qualifiés de rétro-futuristes. Eng illustre et anime des images et des estampes à l'atmosphère onirique qui éveille la curiosité, à l'image de cette DeLorean, manifestement inspirée de la trilogie Retour vers le futur. « Je m'intéresse beaucoup à la création d'environnements dans mon travail. Je suis fasciné par l'architecture – ancienne, futuriste, fantastique – et j'intègre donc souvent des bâtiments ou des structures. Les personnages qui peuplent les images sont plongés dans ces décors inattendus. » – Kilian Eng Voyage à travers le temps : la Delorean rétro-futuriste de Kilian Eng Dans l'univers dynamique de l'art pop, rares sont les images qui évoquent aussi bien l'esprit d'aventure et l'esthétique rétro-futuriste que la DeLorean. Ce véhicule iconique, gravé dans la mémoire collective des années 80 et au-delà, renaît sous la plume de l'artiste suédois Kilian Eng. Connu sous le nom de DW Design, Eng insuffle à son sujet une nostalgie et une fantaisie futuriste uniques grâce à une édition limitée de tirages giclée sur papier Photo Rag Bright White. Né en Suède, Kilian Eng se distingue par son style singulier, mêlant art urbain et graffiti, tout en s'orientant davantage vers l'illustration, avec une forte influence du fantastique et de la science-fiction. Son œuvre représentant la DeLorean, un tirage en édition limitée signé et numéroté de 2013, illustre parfaitement ce style. Mesurant 43 x 61 cm et imprimé sur papier Photo Rag Bright White 310 g/m², ce tirage témoigne de l'exigence de qualité d'Eng et de sa passion pour la création d'univers immersifs. Visions oniriques : L'architecture du temps dans l'œuvre d'Eng L'intérêt d'Eng pour l'architecture est bien connu et constitue la structure même de nombre de ses œuvres. Son estampe représentant la DeLorean ne fait pas exception. Le véhicule se détache sur un fond onirique mêlant sensibilités antiques et futuristes, une marque de fabrique de l'artiste. Ce décor n'est pas un simple arrière-plan passif ; il fait partie intégrante du récit qu'Eng tisse à travers son art. La DeLorean, symbole du voyage dans le temps dans la saga « Retour vers le futur », est représentée au sein d'un paysage à la fois familier et étrange, incarnant la convergence du passé, du présent et du futur. La propension de l'artiste à placer des personnages – ou, en l'occurrence, des voitures iconiques – dans des environnements inattendus s'inscrit dans l'esprit du graffiti, où l'effet de surprise et l'audace de la présentation sont essentiels. Dans l'estampe de la DeLorean d'Eng, la voiture occupe le devant de la scène, sa forme familière contrastant fortement avec le paysage extraterrestre, qui pourrait provenir d'une planète lointaine ou d'un univers parallèle. Le langage visuel d'Eng : un portail vers l'exploration rétro-futuriste Le langage artistique de Kilian Eng exprime la curiosité et l'exploration, deux thèmes profondément ancrés dans le concept de la DeLorean. La voiture, symbole d'innovation technologique et des possibilités infinies du voyage dans le temps, est un sujet idéal pour l'exploration de l'espace et de l'environnement par Eng. Le choix de la DeLorean, notamment dans le contexte d'une édition limitée, témoigne également de la compréhension qu'a l'artiste de la nature éphémère mais percutante de la culture pop. L'estampe elle-même, avec son souci méticuleux du détail et des couleurs, reflète la qualité que l'on attend d'un chef-d'œuvre du graffiti. Bien que l'œuvre d'Eng ne soit pas peinte sur un mur ou un wagon de train, elle porte le même esprit que le street art : elle est accessible, elle s'adresse au public et elle véhicule un message. Ce message est un message d'émerveillement, le même que celui que le street art cherche à susciter chez les passants. La DeLorean de Kilian Eng n'est pas qu'une simple estampe ; C'est une fenêtre ouverte sur un monde rétro-futuriste qui n'existe que dans les rêves collectifs de ceux qui ont grandi avec « Retour vers le futur » comme référence. C'est un témoignage de l'attrait intemporel de la DeLorean comme icône, non seulement d'une franchise cinématographique, mais aussi d'une époque où les voitures étaient bien plus que de simples véhicules : elles étaient la clé de l'aventure, les vaisseaux de l'imagination. L'estampe d'Eng capture cet esprit d'une manière qui à la fois honore et transcende l'inspiration originale, ce qui en fait une œuvre majeure dans le domaine du street art et du graffiti.

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Ceci est Bad Lands - Tirage sérigraphique HPM en édition limitée, orné de motifs rouges et bleus, réalisé à la main en 3 couleurs sur papier Lenox 100 à bords frangés par Faile, artiste de street art rare et célèbre du pop art. Édition limitée à 250 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Œuvre multiple peinte à la main. Format : 12,5 x 19 pouces. L'estampe « Bad Lands » de Faile – un chef-d'œuvre en édition limitée à seulement 250 exemplaires dans le monde. Dernière-née de la série 150, cette édition propose environ sept variations uniques, incluant différentes combinaisons de couleurs, des versions peintes à la main, teintées et imprimées. Imprimée sur un papier d'archivage épais et résistant, la version rouge et bleue, au rendu saisissant, est une pièce très recherchée pour sa texture extraordinaire. L'estampe mesure 31,75 cm x 48,26 cm et présente deux bords frangés et deux bords droits. Le recto et le verso sont minutieusement détaillés, le verso étant orné d'impressions, de tampons et d'autres éléments. Chaque exemplaire est signé, numéroté, daté, tamponné et gaufré par l'artiste, ce qui en fait une pièce de collection véritablement exclusive et précieuse. Ne manquez pas cette occasion unique de posséder cette incroyable estampe – découvrez son impact visuel saisissant en personne ! L'estampe sérigraphique « This Is Bad Lands Red/Blue HPM » est une création de Faile, un duo d'artistes formé par Patrick McNeil et Patrick Miller. Faile est reconnu pour son style unique, qui mêle art urbain, graphisme, culture pop et beaux-arts. Dans cette œuvre, le titre « This Is Bad Lands Red/Blue HPM » désigne une sérigraphie multiple (HPM) peinte à la main, représentant un cowboy au volant d'une voiture de sport classique, dans des tons rouges et bleus. « Bad Lands » évoque un environnement désolé ou hostile, suggérant que l'œuvre peut transmettre un sentiment de danger ou de conflit. Le travail de Faile se caractérise souvent par la superposition d'images et de détails complexes, et leurs sérigraphies font généralement appel à de multiples couches de couleurs et de textures. Ils intègrent fréquemment des matériaux de récupération, des pochoirs et de la colle de farine, créant ainsi une esthétique singulière qui fusionne art urbain et art contemporain.

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Estampe d'art en édition limitée Junkyard Archival Pigment Fine Edition sur papier Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² par l'artiste de graffiti pop moderne Stephanie Buer. 2021 Junkyard • Tirage pigmentaire d'archive autographié • Imprimé sur papier d'archive Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² • 30,5 x 30,5 cm • Signé et numéroté à la main par l'artiste Stephanie Buer • Édition limitée à 20 exemplaires

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Estampe d'art en édition limitée Continental Motors Archival Pigment Fine Art sur papier Moab Entrada 290 g/m² par l'artiste Stephanie Buer, légende du street art pop graffiti. Tirage pigmentaire d'archive signé et numéroté 2019 sur papier Moab Fine Art 290 g/m². Format : 61 x 30,5 cm. Sortie : 30 novembre 2019. Tirage : 50 exemplaires. « Ce tableau est un portrait de l'usine Continental Motors à East Detroit. J'explore Detroit depuis 17 ans et c'était la toute première fois que je visitais cette usine. J'adore le fait qu'il y ait toujours de nouveaux endroits à découvrir dans cette ville. Continental Motors est la plus grande toile que j'aie jamais réalisée ; l'original mesure 1,50 m de long. Le bâtiment et la neige étaient tellement magnifiques que je voulais vraiment créer une image qui capture tout cela. » – Stephanie Buer

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« La Fin de la Fin », œuvre originale peinte à la main à l'aérosol sur un panneau de bois de bouleau encadré, prête à être accrochée, par Denial Graffiti Street Artist, art pop moderne. Édition limitée HPM de 10 exemplaires, signée et numérotée, 2016. Dimensions de l'œuvre : 24 x 36 pouces. DENIAL est une artiste canadienne dont l'œuvre critique le consumérisme et la condition humaine. Basée à Windsor, en Ontario, DENIAL passe une grande partie de l'année à voyager et à exposer au Canada et aux États-Unis. Elle a notamment présenté des expositions individuelles à Los Angeles, Chicago, Detroit, New York, Toronto et Vancouver. Denial s'est imposé comme l'une des figures les plus marquantes de la pop art contemporaine. Toujours aussi pertinent, il s'attache à susciter la réflexion. Son travail explore depuis longtemps les limites de l'appropriation culturelle, qu'il utilise pour subvertir la valeur des produits culturels inscrits dans la mémoire collective occidentale. En d'autres termes, son œuvre invite le spectateur à réinventer notre société dystopique afin de la confronter, l'humour et l'ironie étant ses principaux outils.

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Safari Inn Lounge - Tirages d'art en édition limitée, pigmentaires et d'archives, sur papier d'art Hahnemühle William Turner 310 g/m², par Robert Mars, artiste de graffiti, de street art et de pop culture. Tirage pigmentaire d'archives Safari Inn sur papier Hahnemühle William Turner Matte Fine Art, 310 g/m² • Vernis à la main • 61 x 61 cm • Signé et numéroté à la main par l'artiste Robert Mars

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Sérigraphie Logan Square Chicago par Ian Ferguson-Hydeon, édition limitée 1 couleur tirée à la main sur papier beaux-arts, art urbain rare, artiste pop célèbre. Édition limitée signée et numérotée de 35 exemplaires, 2013. Œuvre de format 16x20, série « Neighborhood Art » par Ian Ferguson. Sérigraphie Logan Square Chicago par Ian Ferguson – Hydeon La sérigraphie « Logan Square Chicago » d'Ian Ferguson, alias Hydeon, est une superbe estampe en noir et blanc, tirée à la main et en édition limitée, qui capture l'essence de l'un des quartiers les plus appréciés de Chicago. Créée en 2013, cette sérigraphie de 40 x 50 cm fait partie de la série « Neighborhood Art » de Ferguson, une collection qui met en lumière avec finesse le tissu urbain de Chicago à travers des influences de street art et de graffiti. Tirée à 35 exemplaires numérotés et signés, cette œuvre témoigne du talent de Ferguson pour l'illustration architecturale, les paysages urbains surréalistes et son profond attachement aux espaces communautaires. Éléments architecturaux et naturels de Logan Square Logan Square est réputé pour ses maisons de pierre grise historiques, ses boulevards et ses monuments culturels, autant d'éléments que Ferguson intègre avec un souci exceptionnel du détail dans son estampe. La composition superpose maisons victoriennes, églises et immeubles d'appartements, créant un paysage urbain dense et immersif. L'un des éléments caractéristiques est le Monument du Centenaire de l'Illinois, un obélisque imposant au cœur de Logan Square, que Ferguson a inclus dans la superposition d'images urbaines, soulignant ainsi l'importance historique du quartier. Au-delà de son environnement bâti, Logan Square abrite des rues bordées d'arbres, des espaces verts et une culture cycliste dynamique, autant d'éléments qui se retrouvent dans l'estampe de Ferguson. L'inclusion d'un vélo, de paysages naturels et d'oiseaux indigènes ajoute un contraste poétique au paysage urbain structuré, renforçant l'équilibre de Logan Square entre densité urbaine et nature. Le style d'illustration en noir et blanc à fort contraste de Ferguson amplifie la profondeur et la complexité de l'identité visuelle du quartier. Symbolisme et éléments surréalistes dans l'œuvre d'art Bien que l'estampe soit profondément ancrée dans le réalisme architectural, l'approche de Ferguson intègre des éléments surréalistes qui transcendent la simple documentation. La chouette géante perchée parmi les immeubles, un aigle majestueux et un chat stylisé enrichissent le récit, insufflant la vie au paysage urbain. L'inclusion du métro aérien de Chicago, de rames d'époque et d'enseignes emblématiques relie l'identité actuelle de Logan Square à son riche passé, soulignant l'évolution historique du quartier. L'utilisation par Ferguson d'une typographie flottante épelant « Logan Square » se fond harmonieusement dans l'environnement bâti, devenant ainsi partie intégrante de la composition plutôt qu'un simple élément textuel. Cette technique contribue au dynamisme de l'estampe, reflétant l'énergie de la scène artistique et culturelle en constante évolution de Logan Square. La contribution d'Ian Ferguson à l'art urbain pop et au graffiti Ian Ferguson, alias Hydeon, a développé une esthétique monochrome et très détaillée qui le place à la croisée des beaux-arts, du street art et du graffiti. Sa série « Neighborhood Art », comprenant des estampes de Wicker Park, Pilsen et Humboldt Park, témoigne d'un profond attachement aux paysages architecturaux et culturels des milieux urbains. Sa capacité à fusionner réalisme et onirisme confère à son œuvre une dimension à la fois nostalgique et tournée vers l'avenir. Cette sérigraphie de Logan Square illustre parfaitement la démarche de Ferguson, basée sur le dessin à la main et l'estampe, préservant ainsi le patrimoine visuel de Chicago d'une manière à la fois profondément personnelle et accessible à tous. Son travail trouve un écho auprès des collectionneurs sensibles aux récits urbains, à la préservation du patrimoine et au savoir-faire artistique, confirmant sa place au sein du mouvement contemporain du street art et du graffiti.

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Où ? Impression giclée HPM K30 rehaussée à la main par OG Slick Artwork, édition limitée sur papier beaux-arts 310 g/m² à bords frangés, impression rehaussée à la main, artiste graffiti pop de rue. 2025 HPM signé et numéroté, embelli à la main par OG Slick. Impression giclée et peinture aérosol. Édition limitée à 25 exemplaires. Format : 30 x 30 cm. Impression giclée HPM embellie à la main. Les motifs, les coups de pinceau et les couleurs de peinture varient. Chaque HPM est unique. Vous recevrez peut-être un exemplaire différent de celui présenté sur la photo ; le choix est aléatoire.

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Œuvre d'art « Évasion de New York », impression giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure par l'artiste de graffiti pop culture Scott Listfield . Évasion de New York. Tirage limité à 50 exemplaires. Matériaux : Papier. Dimensions : 22,9 cm x 40,6 cm.

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Tirage giclée en édition limitée Retour vers le futur 2 sur papier d'art de qualité supérieure par Andy Fairhurst, artiste de rue de la contre-culture. Épreuve d'artiste signée et signée Marqué AP Œuvre d'art en édition limitée, format 12x24 Tirages d'artiste (épreuves AP) sous licence officielle « Retour vers le futur 2 », réalisés pour Bottleneck Gallery et Vice Press. Numérotés et signés à la main par l'artiste. 30,5 x 61 cm.

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Hands Up - Édition limitée verte, sérigraphie artisanale 11 couleurs sur carton 50 pt par Sever, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2016. Format de l'œuvre : 24 x 18 pouces. « Hands Up », une œuvre en édition limitée de Sever, incarne avec force le mouvement du street art et du graffiti. Cette sérigraphie artisanale en neuf couleurs, réalisée sur un carton robuste de 50 points, révèle l'approche intelligente de Sever en matière de pop art moderne, à travers des graphismes inspirés de la rue. Créée en 2016, chaque exemplaire de cette édition limitée à 50 exemplaires est méticuleusement signé et numéroté par l'artiste, garantissant son authenticité et son exclusivité dans le monde de l'art de collection. L'œuvre, mesurant 61 x 46 cm, représente une voiture de police renversée, où l'on peut lire clairement le mot « Police », entourée d'une foule de silhouettes, les mains levées. La scène est à la fois une exploration graphique de la forme et de la couleur et un commentaire percutant sur les tensions et les confrontations sociales devenues synonymes de manifestations et de protestations publiques. Sever utilise le langage visuel du graffiti, avec ses lignes audacieuses et ses couleurs vives, pour capturer l'intensité et l'énergie de ces moments, les transformant en un message qui résonne sur les plans esthétique et sociopolitique. « Hands Up » n'est pas seulement le reflet du talent de Sever en tant qu'artiste, mais aussi un miroir de son époque, capturant l'essence même du street art et sa capacité à commenter et à dialoguer avec l'actualité. Le style brut et expressif de l'œuvre est caractéristique du travail de Sever, souvent marqué par un mélange de satire et de critique des problématiques de la société contemporaine. À travers des œuvres telles que « Hands Up », Sever contribue au récit plus large du street art et du graffiti, servant constamment de baromètre des sentiments culturels et de plateforme d'expression au sein du paysage urbain.

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Retour vers le futur - Glow Print Édition limitée Sérigraphie artisanale 8 couleurs sur papier Natural Cougar Cover 100lb par l'artiste Tim Doyle Art pop moderne. Édition limitée signée et numérotée de 150 exemplaires (2015) - Format de l'œuvre : 16 x 24 pouces Retour vers le futur, film, homme, femme, voiture, requin, poisson, tireur sauvage, voyage dans le temps, science-fiction

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NRVOUS Édition Limitée Série ICON Impression Sérigraphique Manipulée à la Main en 4 Couleurs sur Papier Beaux-Arts par DKNG Artiste de Rue Graffiti Art Pop Moderne. La Ferrari GT de 1961 du film rétro Ferris Bueller's Day Off. Chaque film en possède une. Un accessoire, un décor ou un lieu emblématique. Quelque chose qui, en une seule image, peut représenter tout le film. L'équipe de designers Dan Kuhlken et Nathan Goldman, alias DKNG, nomme ces images « Icônes », et elles sont au cœur de leur toute première exposition personnelle à la Gallery 1988 West de Los Angeles. Intitulée simplement ICON, l'exposition présente 50 œuvres mettant en scène des lieux et des objets iconiques issus de vos films et séries préférés de tous les temps. Chaque œuvre, de petit format (30 cm de côté), représente un élément qui résume un film entier. Et bien sûr, chacune est réalisée dans le style distinctif de DKNG : lumineux, géométrique et pourtant riche en détails.

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Camion de glaces - Sérigraphie artisanale en édition limitée 10 couleurs sur papier gris Stonehenge 250 g/m² par Giorgiko, célèbre artiste pop. Édition limitée 2022, signée et numérotée, à 60 exemplaires. Format de l'œuvre : 20 x 28 pouces. 2022 GIORGIKO « Camion de glaces » Édition de 60 exemplaires 20 x 28 pouces Sérigraphie 10 couleurs tirée à la main Imprimée sur papier d'art Stonehenge gris 250 g/m² 100 % coton Bords frangés à la main Signée et numérotée par Darren et Trisha de Giorgiko Imprimée par Serio Press (Los Angeles).

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Impression d'archives The Take Over PP par Wane One Cod, édition limitée sur papier d'art naturel de musée 310 g/m², œuvre d'art moderne d'artiste pop. Épreuve d'imprimerie PP 2016 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 24x17 Pigments d'archivage « The Take Over » de Wane One Cod : une œuvre marquante du pop art urbain « The Take Over », une épreuve d'imprimerie (PP) de Wane One Cod, capture l'essence du pop art urbain à travers sa représentation vibrante de graffitis sur un support mouvant : un camion de livraison en milieu urbain. Cette édition limitée de 2016, imprimée sur papier d'art naturel de qualité musée de 310 g/m² et mesurant 61 x 43 cm, est une pièce de collection, chaque exemplaire étant méticuleusement signé et marqué « Épreuve d'imprimerie ». L'œuvre reflète les racines de Wane One Cod dans le mouvement graffiti new-yorkais des débuts et sa transition vers une figure majeure du pop art, dont les œuvres sont reconnues sur la scène artistique contemporaine. Avec « The Take Over », Wane One transmet l'énergie brute et la présence imposante du graffiti, qui s'affranchit des murs statiques pour devenir partie intégrante du paysage urbain dynamique. Cette estampe témoigne de l'influence durable du street art et de sa capacité à transformer les objets du quotidien en vecteurs d'expression artistique.

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Achetez VINYLTOY Dunny édition limitée Kidrobot Vinyl Art Toy Collectible Artwork par l'artiste ARTIST. 2022 Édition limitée de XXXX Taille XXXX INFO

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Boyz N The Hood, impression giclée en édition limitée 4 couleurs sur papier d'art de Joshua L Johnson, artiste de rue rare et célèbre du pop art. Impression giclée 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces), signée et numérotée, édition limitée à 60 exemplaires, inspirée de Boyz N The Hood.

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La beauté de la liberté et de l'égalité PP Épreuve d'imprimerie Fresque d'Austin par Jon Furlong Lithographie offset Édition limitée sur papier beaux-arts par Shepard Fairey X Sandra Chevrier, artiste de rue pop graffiti urbain. Épreuve d'artiste AP 2020 Signée par Shepard Fairey et Sandra Chevrier & Marquée AP Tirage lithographique offset Taille de l'œuvre 18x24 Beauté de la liberté Égalité PP Impression murale Austin par Shepard Fairey x Sandra Chevrier x Jon Furlong. Shepard Fairey, Sandra Chevrier et la synergie artistique dans les paysages urbains Le pop art urbain et le graffiti sont des chroniques vibrantes de la culture contemporaine, souvent capables de saisir l'esprit socio-politique du temps à travers leurs tableaux saisissants. La fresque « Beauty of Liberty & Equality » à Austin, minutieusement reproduite par Jon Furlong, est une illustration magistrale de ce genre. Cette œuvre, fruit d'une collaboration entre Shepard Fairey et Sandra Chevrier, est une lithographie qui capture l'essence même de l'interaction du pop art avec les paysages urbains. Créée initialement dans le bouillonnement d'Austin, la fresque se veut une installation d'art public et un dialogue avec les passants, les invitant à réfléchir aux thèmes de la liberté et de l'égalité. Shepard Fairey, célèbre pour sa campagne « OBEY » et son affiche emblématique « HOPE » pour Obama, apporte à cette œuvre son style distinctif basé sur le pochoir et son engagement politique. Sandra Chevrier, quant à elle, est reconnue pour sa série « Cages », où elle représente souvent des visages de femmes dissimulés par des images de bande dessinée, explorant ainsi les « cages » que la société érige autour des individus. L’œuvre, de dimensions généreuses (45,7 x 61 cm), attire immédiatement le regard tout en invitant à une réflexion intime. « La Beauté de la Liberté et de l’Égalité » est une épreuve d’artiste (EA) 2020, signée par Fairey et Chevrier. Cette signature témoigne de la touche personnelle des artistes et du lien direct qu’ils tissent avec les créateurs, un élément souvent recherché par les collectionneurs et les amateurs de street art. Héritage et valeur de collection des estampes d'art pop urbain en édition limitée L'art urbain, intrinsèquement lié au graffiti, se nourrit d'accessibilité et d'interaction avec le public. Cette estampe murale, conçue dans cet esprit, transforme un mur urbain en une toile qui interroge les idéaux de société et la quête permanente d'égalité. C'est cette interaction entre art et idéologie, puissamment rendue par les styles distincts de Fairey et Chevrier, qui confère à l'œuvre sa profonde résonance. Tirée en édition limitée sur papier d'art, l'estampe « La Beauté de la Liberté et de l'Égalité » est non seulement un discours visuel, mais aussi un artefact d'une grande importance culturelle. Les éditions limitées rehaussent souvent la valeur de l'art urbain, qui est, par nature, éphémère. Grâce à la technique de la lithographie offset, le transitoire devient permanent et l'instant fugace d'une expression artistique est préservé pour la postérité. Dans le domaine de l'art urbain et du graffiti, cette estampe témoigne du pouvoir durable de l'art visuel à questionner, célébrer et méditer les grands idéaux de liberté et d'égalité. La collaboration entre Shepard Fairey, Sandra Chevrier et Jon Furlong pour immortaliser et partager ce moment constitue un chapitre important de l'histoire du street art contemporain.

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Sérigraphie du marathon de Los Angeles par Cleon Peterson, couleur tirée à la main sur papier d'art de qualité supérieure, édition limitée, œuvre d'art pop et urbain. Édition limitée signée et numérotée de 1050 exemplaires, 2010. Sérigraphie au format 20 x 29 pouces. Le marathon de Los Angeles, l'un des événements sportifs les plus prestigieux au monde, attire non seulement les coureurs, mais aussi les artistes désireux d'en saisir l'essence. L'une de ces représentations saisissantes est la sérigraphie du marathon de Los Angeles, une œuvre magistralement créée par Cleon Peterson. Bien plus qu'une simple estampe commémorative, cette œuvre incarne l'esprit et l'énergie de la course. Réalisée avec une minutie extrême, cette estampe couleur, tirée à la main, se pose avec élégance sur un papier d'art de qualité supérieure. L'approche de Peterson allie l'esthétique du pop art urbain à la précision de la sérigraphie. Le résultat ? Une œuvre vibrante, qui capture le mouvement et le dynamisme des marathoniens. Ce qui rend cette estampe si particulière, c'est son tirage limité. Seuls 1 050 exemplaires ont été produits en 2010, signés et numérotés, chacun mesurant 51 x 74 cm. Cette exclusivité garantit à chaque acquéreur un souvenir unique de cet événement marquant. Le choix des éléments par Peterson témoigne de la profondeur thématique de l'œuvre. Trois figures emblématiques de Los Angeles se trouvent immortalisées, se mêlant harmonieusement au départ du marathon et à ses participants. Un hommage particulièrement émouvant est rendu à la championne de 2009, la Russe Tatiana Petrova. Sa présence témoigne de l'excellence individuelle au sein d'un événement collectif. À travers cette sérigraphie, Cleon Peterson ne se contente pas de dépeindre un spectacle sportif, il célèbre également la persévérance, le dévouement et le triomphe de l'esprit humain.

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Ready to Believe You, édition limitée, sérigraphie artisanale 4 couleurs sur papier beaux-arts, par Tim Doyle, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 200 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Format de l'œuvre : 12 x 24 pouces. Prêt à te croire, sérigraphie de Tim Doyle « Ready to Believe You » de Tim Doyle est une œuvre saisissante de street art et de graffiti qui rend hommage à un moment iconique de l'histoire du cinéma. Sortie en 2014 sous forme de sérigraphie artisanale en quatre couleurs sur papier d'art, cette œuvre capture l'énergie atmosphérique d'une caserne de pompiers légendaire du cinéma. Tirée à 200 exemplaires numérotés et signés, l'œuvre mesure 30 x 60 cm, créant une perspective verticale allongée qui plonge le spectateur au cœur de la scène. L'association de bleus profonds, de rouges éclatants et d'un éclairage dramatique intensifie l'instant, témoignant du talent de Doyle pour fusionner la nostalgie de la culture pop avec les techniques artistiques modernes. L'influence cinématographique et l'esthétique urbaine L'estampe transporte instantanément le spectateur dans un décor familier, évoquant l'un des films de comédie fantastique les plus appréciés de tous les temps. Le bâtiment représenté est immédiatement reconnaissable, avec son imposante entrée voûtée, ses grandes fenêtres à l'étage et sa maçonnerie historique. La scène saisie est pleine de mouvement : les portes de la caserne de pompiers s'ouvrent brusquement et un véhicule reconnaissable surgit, phares allumés, tandis que des papiers jonchent le trottoir. Cette effervescence est amplifiée par le contraste saisissant entre la lueur rouge inquiétante du ciel nocturne et la lumière artificielle éclatante qui émane de l'intérieur. L'utilisation de la perspective par Doyle intensifie le drame, l'angle de vue donnant au bâtiment une apparence imposante et plus grande que nature. Cette technique, qui rappelle l'illustration classique des bandes dessinées, crée une composition dynamique presque animée. La précision des détails architecturaux, associée à une vue au niveau de la rue, confère un réalisme urbain qui séduira les amateurs de street art et de graffiti. L'intégration de papiers épars et de petits éléments de rue ancre l'œuvre dans un environnement urbain habité, renforçant ainsi la maîtrise de Doyle en matière de narration à travers l'art visuel. Le style emblématique de Tim Doyle Tim Doyle est reconnu pour sa capacité à réinterpréter l'imagerie de la culture pop grâce à un dessin au trait audacieux, réalisé à la main, et à la sérigraphie. Son œuvre explore souvent des lieux et des personnages emblématiques, leur insufflant une énergie brute et néon, à la fois nostalgique et novatrice. Dans « Ready to Believe You », Doyle utilise son jeu d'ombres à fort contraste, créant des ombres profondes qui renforcent le mystère et l'intensité de l'atmosphère. L'utilisation sélective des couleurs, notamment les bleus lumineux et les rouges vifs, confère à l'œuvre une qualité cinématographique qui rappelle les affiches de films classiques. Le procédé de sérigraphie en quadrichromie enrichit l'impression, chaque couche d'encre étant appliquée avec soin pour créer profondeur et texture. Le résultat final est une œuvre tangible, qui capture l'essence du lieu d'une manière que les reproductions numériques ne peuvent égaler. Cette méthode s'inscrit parfaitement dans les principes du street art, où les techniques d'impression traditionnelles rencontrent des sujets contemporains pour créer des œuvres visuellement saisissantes et très recherchées. L'impact culturel et l'héritage de l'œuvre d'art Dans le cadre de sa série explorant les lieux emblématiques de la culture populaire, « Ready to Believe You » rend hommage à un décor de film légendaire tout en le réinterprétant. Son impact dépasse la simple nostalgie, offrant un regard neuf sur un lieu iconique tout en préservant l'énergie et l'esprit rebelle propres au street art et au graffiti. La finesse de la réalisation et la palette de couleurs vibrantes font de cette œuvre une véritable déclaration d'innovation artistique et d'appréciation culturelle. Pour les collectionneurs et les passionnés d'histoire du cinéma et d'estampe contemporaine, « Ready to Believe You » représente une fusion parfaite entre ces deux univers. Elle immortalise un moment culte avec une approche artistique qui transcende la simple reproduction. À travers cette estampe, Doyle confirme une fois de plus pourquoi son travail est si apprécié de ceux qui valorisent les intersections entre culture populaire, beaux-arts et narration visuelle urbaine.

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée Alonzo Liter sur papier beaux-arts 310 g/m² par Camilo Pardo, artiste de rue graffiti, art pop moderne. L'œuvre de Camilo Pardo, créée au fil des ans, est omniprésente à Détroit. On en croise une quantité considérable sur nos autoroutes à toute heure du jour et de la nuit. Surtout connu pour son travail de conception sur la Ford GT, Camilo a insufflé une énergie nouvelle aux courbes de l'acier et nous a rappelé que la première combustion interne d'une voiture prend naissance dans l'esprit d'un artiste.

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Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée Gulf Girl sur papier beaux-arts 310 g/m² par Camilo Pardo, artiste de rue graffiti, art pop moderne. L'œuvre de Camilo Pardo, créée au fil des ans, est omniprésente à Détroit. On en croise une quantité considérable sur nos autoroutes à toute heure du jour et de la nuit. Surtout connu pour son travail de conception sur la Ford GT, Camilo a insufflé une énergie nouvelle aux courbes de l'acier et nous a rappelé que la première combustion interne d'une voiture prend naissance dans l'esprit d'un artiste.

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Mad Max : Fury Road, édition limitée, sérigraphie artisanale en 4 couleurs sur papier beaux-arts, par Ken Taylor, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Sérigraphie. Numérotée à la main.

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Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée Red GT sur papier beaux-arts 310 g/m² par Camilo Pardo, artiste de rue graffiti, art pop moderne. L'œuvre de Camilo Pardo, créée au fil des ans, est omniprésente à Détroit. On en croise une quantité considérable sur nos autoroutes à toute heure du jour et de la nuit. Surtout connu pour son travail de conception sur la Ford GT, Camilo a insufflé une énergie nouvelle aux courbes de l'acier et nous a rappelé que la première combustion interne d'une voiture prend naissance dans l'esprit d'un artiste.

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Mug à peindre avec pinceaux, sculpture originale en céramique peinte à la main par Joshua Vides, série Shattered Dreams, œuvre d'un artiste de rue spécialisé dans le graffiti. Sculpture originale signée de 2023, pièce unique en céramique et peinture acrylique , format 4x7, mug noir et blanc mat avec marqueur, crayon et stylo, statue. Mug à peindre avec pinceaux par Joshua Vides : Illusion sculpturale dans l’art urbain pop et graffiti « Paint Mug With Brushes » est une sculpture originale en céramique peinte à la main, réalisée en 2023 par Joshua Vides, artiste de graffiti et innovateur visuel. Créée dans le cadre de sa série « Shattered Dreams », cette œuvre unique mesure 10 x 18 cm et est composée de céramique et de peinture acrylique. Elle représente une tasse à café blanche, stylisée dans le style graphique noir et blanc caractéristique de Vides, remplie d'outils de création hyper-stylisés : un crayon jaune, un feutre et un stylo noir. La sculpture capture une scène d'atelier sous une forme physique, utilisant des matériaux artisanaux pour simuler des objets généralement jetables, éphémères et négligés. Ce qui rend cette pièce si particulière, c'est non seulement sa précision visuelle, mais aussi sa subversion conceptuelle : transformer un objet utilitaire en un emblème sculptural de la pratique artistique et une parodie culturelle dans le contexte du street art et du graffiti. La tasse est ornée d'un motif en demi-teintes audacieux, façon bande dessinée, et d'une bulle de dialogue où l'on peut lire « MATTE BLACK », en lettres capitales stylisées qui font référence à l'esthétique du pop art et de la publicité des années 80. Les coulures noires sur le bord de la tasse sont minutieusement peintes pour imiter de véritables débordements d'encre, mais elles sont figées dans l'émail. Chaque outil à l'intérieur de la tasse est fixé de manière permanente, transformant ainsi des instruments de dessin du quotidien en éléments d'une illusion travaillée. Les surfaces sont couvertes d'éclaboussures et de marques d'usure, évoquant l'énergie brute d'un atelier en activité, tout en étant entièrement sculptées et scellées dans la céramique. Vides joue avec la texture, le contraste et les associations culturelles, créant une sculpture à la fois ludique et dérangeante. Transformation matérielle et geste statique Joshua Vides est surtout connu pour transformer des objets et des environnements réels en représentations audacieuses en noir et blanc, évoquant des croquis ou des celluloïds d'animation anciens. « Paint Mug With Brushes » s'inscrit dans cette démarche, mais à une échelle compacte et intimiste. La tasse et son contenu simulent les artefacts du travail créatif, tout en les réinterprétant comme des objets permanents. Cette transformation de l'éphémère en objet de collection souligne la tension entre processus et présentation, thèmes centraux de l'œuvre sculpturale de Vides. Le motif en demi-teintes et les éléments de bande dessinée font un clin d'œil aux traditions du pop art, tout en étant réinterprétés à travers le prisme du graffiti. Les outils à l'intérieur de la tasse sont exagérés en taille et en forme, créant une légère distorsion qui apporte humour et stylisation à l'œuvre. Bien que chaque élément semble familier, leur présentation collective en fait une réflexion visuelle sur la répétition, l'effort et la valeur du processus créatif. Joshua Vides et le langage de la culture des objets urbains Vides est devenu une figure majeure du dialogue entre les beaux-arts, la mode et la culture graffiti, reconnu pour son esthétique épurée et la cohérence de ses thématiques. Sa série « Shattered Dreams » prolonge son exploration du travail artistique et de l'identité commerciale, intégrant une critique au sein de formes d'une simplicité trompeuse. « Paint Mug With Brushes » transpose cette réflexion à une échelle domestique et personnelle. La surface en céramique, habituellement associée à l'artisanat utilitaire, est ici réinterprétée comme un médium sculptural au service de la métaphore visuelle. Cette sculpture ne s'attache pas à la fonction, mais au sens, à ce que signifie créer et aux outils que nous utilisons pour y parvenir. La bulle de dialogue contenant l'inscription « MATTE BLACK » fonctionne également comme un code culturel, faisant référence à la fois à l'esthétique littérale de la sculpture et à l'obsession contemporaine pour le marketing et le raffinement des éditions limitées. Entre les mains de Vides, la tasse n'est pas qu'un simple récipient, mais un commentaire sur le goût, les tendances et l'expression artistique. Elle reflète un mélange d'ironie de bande dessinée, de pratiques urbaines et de conceptualisme pop qui définit le Street Pop Art et le Graffiti dans toute leur intensité. Mug à peindre avec pinceaux comme icône du processus et symbole personnel Cette sculpture est plus qu'un objet : elle symbolise l'univers intérieur et extérieur de l'artiste, où les outils deviennent des trophées et les marques d'usage, des éléments stylistiques. « Paint Mug With Brushes » célèbre visuellement l'imperfection, le processus créatif et la persévérance. Elle immortalise une scène familière et paisible – le pot à crayons de l'artiste – et la rend permanente, sublime et empreinte de satire. Joshua Vides transforme le banal en iconographie, puisant dans le même instinct qui anime le street art : marquer ses outils, laisser une trace, raconter une histoire par des traits audacieux. Dans l'univers plus vaste du street art et du graffiti, « Paint Mug With Brushes » se dresse comme un autel miniature dédié à la créativité. À la fois épurée et brute, ludique et chargée de sens, sculptée et esquissée, elle fige l'instant où l'art prend naissance – le geste de saisir le stylo, le trempage du pinceau – offrant une performance statique d'énergie créatrice. À la fois relique d'atelier et artefact culturel, son message est simple mais puissant : même les plus petits outils peuvent porter une voix forte.

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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