Papier beaux-arts Moab Entrada

Avant l'aube, estampe d'art en édition limitée, réalisée à partir de pigments d'archives, sur papier Moab Entrada 290 g/m² par l'artiste Alexis Price, légende du street art pop et du graffiti. Édition 2022 signée et numérotée à 12 exemplaires, format 14x17 pouces N° 1 sur 12

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Summer MCA G Spot Paul's Boutique LA Los Angeles 1988 Tirage d'archives par Ricky Powell x Kristin Farr Édition limitée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m² Pop Graffiti Street Artiste Œuvre d'art moderne. 2019. Tirage signé par Powell, avec certificat d'authenticité et numéroté. Édition limitée à 50 exemplaires. Format : 13 x 9 pouces. Impression pigmentaire d'archives. Illustration de Hnagin, artiste des Beastie Boys, représentant une personne dormant sur la plage sous un soleil stylisé. Série « Le respect mutuel est une belle chose » de Ricky Powell. Summer MCA G Spot Paul's Boutique LA 1988 Tirage d'archive par Ricky Powell x Kristin Farr L'estampe d'archive « The Summer MCA G Spot Paul's Boutique LA 1988 » de Ricky Powell et Kristin Farr est une œuvre visuellement saisissante qui capture l'essence de la créativité décontractée et l'énergie culturelle de la fin des années 1980. Tirée en édition limitée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², cette estampe immortalise un instant volé d'Adam Yauch, alias MCA, membre des Beastie Boys, se relaxant sur la plage sous un soleil stylisé. Signée et numérotée par Ricky Powell (édition 2019), cette œuvre fait partie de la série « Mutual Respect is a Beautiful Thing » de l'artiste. Tirée à seulement 50 exemplaires, cette estampe pigmentaire d'archive de 33 x 23 cm fusionne musique, art et esthétique pop urbaine. Ricky Powell : Chroniqueur de la culture urbaine Ricky Powell, né et élevé à New York, était un photographe de rue renommé dont l'objectif a capturé l'essence de la culture urbaine des années 1980 et 1990. Connu comme le quatrième Beastie Boy en raison de sa relation étroite avec le groupe, il a été témoin de certains des moments les plus emblématiques de leur carrière. Ses photographies ont documenté non seulement les membres des Beastie Boys, mais aussi la révolution culturelle plus large qu'ils représentaient, incluant la musique, l'art et la mode de rue. En collaboration avec Kristin Farr, artiste reconnue pour ses motifs géométriques colorés, cette œuvre combine le talent de Powell pour la photographie spontanée avec le style artistique audacieux de Farr. Le soleil stylisé dans l'œuvre apporte une touche de couleur vibrante, contrastant avec la photographie en noir et blanc et soulignant l'atmosphère décontractée de la scène. Le contexte culturel de la boutique de Paul et de Los Angeles La fin des années 1980 a marqué une période charnière pour les Beastie Boys, notamment avec la sortie de leur album « Paul's Boutique » en 1989. Enregistré à Los Angeles, cet album reflétait une rupture avec leurs débuts et explorait une approche plus expérimentale, faisant la part belle aux samples. La photo de MCA se prélassant sur la plage est emblématique de cette époque, capturant l'esprit créatif et insouciant qui caractérisait leur travail et leur mode de vie à Los Angeles. L'inclusion de ce moment dans la série « Mutual Respect is a Beautiful Thing » de Powell souligne l'admiration mutuelle entre Powell et les Beastie Boys. Elle met également en lumière l'interconnexion entre la musique, l'art et le Street Pop Art à cette période. Cette image n'est pas seulement le portrait d'un musicien, mais un instantané d'un mouvement culturel qui a fait le lien entre la sensibilité hip-hop de la côte Est et l'atmosphère décontractée de la côte Ouest. Attrait artistique et de collection L'estampe « Summer MCA G Spot Paul's Boutique LA 1988 » témoigne de la puissance de la collaboration dans l'art contemporain. Les matériaux de qualité archivistique garantissent la préservation des détails complexes de la photographie et des couleurs vibrantes du soleil géométrique pour les années à venir. Son format 13x9 en fait une pièce à la fois intime et percutante, idéale pour les collectionneurs d'objets des Beastie Boys, de photographies de Ricky Powell ou d'art urbain pop moderne. Fruit de la collaboration entre Ricky Powell et Kristin Farr, cette estampe constitue une représentation unique de l'histoire culturelle et de l'innovation artistique. Elle célèbre l'esprit créatif qui transcende les médiums et souligne l'influence durable des Beastie Boys et de leur entourage. Cette œuvre est à la fois un rappel nostalgique d'une époque charnière de la musique et une création d'art moderne vibrante qui continue de résonner.

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Tirages d'art pigmentaires d'archives en édition limitée Grin Guard sur papier d'art Moab Entrada par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Ron English - POPaganda. Édition limitée à 150 exemplaires, signée et numérotée, 2021. Tirage pigmentaire couleur sur papier d'art Moab Entrada. Format : 24 x 20 pouces. « Grin Guard » est une illustration saisissante de la vision artistique de Ron English-POPaganda, où il intègre avec brio satire, culture pop et art urbain. Reconnu pour son regard critique et humoristique sur la société contemporaine, English a créé une série limitée à 150 exemplaires, signés et numérotés, chacun réalisé avec des pigments d'archivage sur papier Moab Entrada Fine Art. Ce papier est réputé pour sa capacité à restituer une large palette de couleurs vibrantes et à préserver la finesse des détails, ce qui en fait un support idéal pour le style précis d'English. Chaque pièce de cette série, au format 61 x 51 cm, est une œuvre d'art et un objet de collection. Cette estampe représente une phalange de stormtroopers de la saga culte « Star Wars », chacun arborant une expression différente du sourire emblématique de Ron English-POPaganda – un motif récurrent dans son œuvre, symbolisant souvent les courants subversifs de la culture pop. Sur un fond évoquant un paysage surréaliste sous un OVNI menaçant, la scène, à la fois familière et étrangement irréelle, contraste fortement avec la démarche de Ron English, qui place souvent des personnages reconnaissables dans des contextes inattendus pour critiquer et commenter les médias, la société de consommation et la mainmise des entreprises sur la culture américaine. À travers « Grin Guard », English explore le concept du « soldat », non seulement comme un homme de main anonyme, mais aussi comme un être doté d'une identité propre, bien que dissimulée. Les crânes grimaçants ornant leurs casques suggèrent un sentiment macabre de mortalité et d'individualité au sein de la conformité de leurs rangs. Cette œuvre constitue un puissant commentaire sur l'identité et l'anonymat, notamment dans les médias de masse et le divertissement, où les personnages deviennent souvent de simples extensions de leurs univers fictionnels plutôt que des reflets de la nature humaine. Le travail de Ron English-POPoganda continue de provoquer la réflexion et le débat, en utilisant les médiums accessibles du street art et du pop art. « Grin Guard » ne fait pas exception, offrant non seulement une esthétique qui séduit les amateurs du genre, mais véhiculant également un message plus profond sur l'interaction complexe entre individualité et iconographie culturelle. À travers de telles œuvres, English confirme son statut d'artiste novateur capable d'estomper les frontières entre les beaux-arts et l'esprit rebelle du street art.

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Estampe d'archive Winter Cabin par Aron Wiesenfeld, édition limitée sur papier d'art Cotton Moab Entrada 300 g/m², style pop graffiti, art urbain moderne. Tirage d'art signé et numéroté 2015, réalisé à l'encre Epson HDR Ultrachrome. Édition limitée à 50 exemplaires. Format : 20 x 16 pouces. Encre pigmentaire d'archivage. « La cabane d'hiver » d'Aron Wiesenfeld et l'essence du pop art urbain L'estampe d'archives « Cabane d'hiver » d'Aron Wiesenfeld capture l'introspection silencieuse de l'hiver avec la finesse caractéristique des beaux-arts, tout en faisant écho à l'expressivité brute du street art et du graffiti. Cette œuvre en édition limitée, sortie en 2015, utilise l'encre Epson HDR Ultrachrome, un médium reconnu pour sa longévité et son spectre de couleurs vibrant, pour créer une image qui évoque la solitude et la contemplation dans un murmure apaisant. Imprimée sur un papier d'art Cotton Moab Entrada de 300 g/m², l'œuvre se distingue par sa texture riche et sa capacité à restituer les couleurs avec une précision qui donne vie à la vision de Wiesenfeld. Cette estampe de 50 x 40,6 cm (20 x 16 pouces) fait partie d'une édition exclusive de 50 exemplaires, chacun signé et numéroté par l'artiste, garantissant aux collectionneurs son authenticité et son exclusivité. L'œuvre de Wiesenfeld se situe au carrefour du Pop Graffiti contemporain et des beaux-arts traditionnels, un chemin peu fréquenté qu'il explore avec grâce et originalité. « Winter Cabin » témoigne des possibilités offertes par l'application de l'esprit novateur du street art au contexte de l'art moderne. Bien que plus souvent associé aux performances vibrantes et souvent publiques du graffiti, l'esprit du street art se retrouve également dans la quiétude de l'estampe de Wiesenfeld. Elle transmet un récit profondément personnel et pourtant universel, caractéristique du Street Pop Art le plus marquant. L'imagerie évocatrice de « Cabane d'hiver » Dans « Cabane d'hiver », Wiesenfeld nous offre une scène empreinte de tranquillité et de mystère. Le sujet, une silhouette solitaire nichée au cœur d'un paysage hivernal, est rendu avec un niveau de détail qui invite à la contemplation. Le contraste entre la chaleur du corps humain et la froideur du décor environnant suscite une profonde introspection, un thème souvent exploré dans le Street Pop Art, bien que généralement à travers des manifestations plus publiques et exubérantes. Le jeu d'ombre et de lumière, le positionnement de la figure et le choix du décor s'harmonisent pour créer un instant suspendu, reflétant la nature éphémère du street art et de la vie elle-même. Le tirage limité de « Cabane d'hiver » confirme son statut d'œuvre d'art de collection. À l'instar des graffitis les plus recherchés, chaque estampe renferme un fragment de l'âme de l'artiste, une pièce d'un récit plus vaste déployé à travers les cinquante exemplaires, tous aussi précieux les uns que les autres. Cette rareté crée un lien entre l'artiste et le propriétaire, semblable à celui qui se tisse face à une œuvre de street art dans son environnement urbain. La signature et la numérotation de Wiesenfeld attestent de l'authenticité de l'œuvre et établissent un pont intime entre son processus créatif et l'expérience personnelle du collectionneur avec celle-ci. Fusion de l'art moderne et des sensibilités pop urbaines « Winter Cabin » se situe à la frontière entre l’éphémère du street art et la pérennité des estampes d’art. Le choix des matériaux par Wiesenfeld garantit la longévité de l’œuvre, contrairement à la durée de vie souvent limitée des fresques et graffitis. Pourtant, l’esprit de la rue imprègne l’émotion qui s’en dégage. La pose du sujet, les motifs complexes de ses vêtements et le décor témoignent de la compréhension qu’a l’artiste de la condition humaine, un thème profondément ancré dans le Street Pop Art. Cette appréhension des expériences humaines universelles, alliée à une touche personnelle, élève « Winter Cabin » au-delà de la simple représentation ; elle devient un récit, un poème visuel façonné par le langage des couleurs et des formes. « Winter Cabin » d’Aron Wiesenfeld est une œuvre d’art moderne imprégnée de l’esprit du Street Pop Art et du graffiti. Elle renferme un récit qui, tout en puisant son inspiration dans le calme d'un instant intime, fait écho à la nature dynamique, accessible et chargée d'émotion du street art. Chaque tirage en édition limitée invite à un profond voyage intérieur, offre une parenthèse de sérénité au cœur du tumulte urbain et nous rappelle le pouvoir d'influence que l'art peut exercer sous toutes ses formes.

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Tirages d'art pigmentaires d'archives en édition limitée South Station sur papier Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Adam J O'Day. Station Sud • Tirage pigmentaire d'archive autographié • Imprimé sur papier d'archive Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² • 40,6 x 50,8 cm (16 x 20 pouces) • Signé et numéroté à la main par l'artiste Adam J. O'Day • Édition limitée à 20 exemplaires

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L'art en action - Estampe d'art en édition limitée Lichtenstein Archival Pigment Fine Art sur papier Moab Entrada 290 g/m² par l'artiste Jeff Gillette, légende du street art pop graffiti. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Tirage pigmentaire d'archive sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m². Format : 16 x 20 pouces. « Art en action » est une estampe d'art en édition limitée, réalisée sur papier pigmentaire d'archives, signée Jeff Gillette, légende du street art et du graffiti. Imprimée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², cette œuvre captivante de 40,6 x 50,8 cm (16 x 20 pouces) capture la rencontre dynamique entre la sensibilité pop art et l'essence brute et énergique du street art. Signée et numérotée à seulement 100 exemplaires en 2022, cette estampe imprègne le regard critique et incisif de Gillette de graphismes colorés et audacieux, évoquant le style iconique de Roy Lichtenstein. L'œuvre de Gillette se caractérise par une juxtaposition du fantaisiste et du fragile, contrastant souvent des images dignes de Disney avec des environnements dystopiques, créant ainsi un dialogue stimulant sur la société de consommation, la culture et les enjeux sous-jacents de la société. Son œuvre « Art en action » illustre parfaitement ce thème. L'allusion visuelle au pop art dans l'estampe, qui reflète le style de Lichtenstein inspiré des bandes dessinées, est habilement détournée par l'infusion d'une attitude urbaine par Gillette, ajoutant une dimension satirique et critique aux explosions vibrantes et à l'esthétique des comics qui ont marqué l'art d'une génération. Le « WHAM ! » explosif en arrière-plan fait directement référence au style de Lichtenstein. Pourtant, Gillette veille à ce que son interprétation reste singulière, invitant à une réflexion sur les implications de telles images dans un monde bien éloigné des cases innocentes des bandes dessinées du milieu du XXe siècle. L'inclusion de ces personnages chaotiques offre un contraste saisissant et introspectif avec la précision nette et mécanisée du travail de Lichtenstein, suggérant un récit plus profond sous l'apparence superficielle de la culture pop. En fusionnant les techniques et le rendu des estampes d'art avec l'impact viscéral du street art et du graffiti, Gillette établit un pont entre deux univers souvent opposés. Son œuvre ne se contente pas d'être accrochée aux murs d'une galerie ; Elle évoque l'engagement de rue et la critique sociale qui caractérisent l'art graffiti le plus percutant. Les collectionneurs et les amateurs du genre trouveront dans « Art in Action » une œuvre stimulante qui enrichira leur collection, offrant un sujet de réflexion aussi important qu'esthétiquement captivant.

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Boule disco - Taches rouges, édition limitée, impressions pigmentaires HPM d'archives embellies à la main sur papier Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² par Adam J O'Day, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Boule disco : Taches rouges • Tirage pigmentaire d'archives autographié • Variante unique peinte à la main sur papier d'archives Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² • 61 x 61 cm. Peinte à la main, signée et numérotée par l'artiste Adam J. O'Day, cette édition limitée unique est disponible en 5 exemplaires. Adam J. O'Day « Boule disco : Taches rouges » - Tirage unique peint à la main - 61 x 61 cm

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L'art en action - Tirage d'art en édition limitée, pigment d'archive, sur papier Moab Entrada 290 g/m² par l'artiste Jeff Gillette, Urban Pop Art. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Tirage pigmentaire d'archive sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m². Format : 16 x 20 pouces. « Art en action – Voler Banksy » de Jeff Gillette est une estampe provocatrice en édition limitée qui interpelle le spectateur par un commentaire percutant sur la marchandisation et l’appropriation du street art. Tirée en 2022 sur papier d’art Moab Entrada 290 g/m², cette estampe pigmentaire d’archives, éditée à 100 exemplaires signés et numérotés, présente une composition saisissante en noir, blanc et rouge de 40,6 x 50,8 cm, conçue pour marquer les esprits. L’œuvre de Gillette explore souvent avec satire la rencontre entre la culture pop mondiale et les dures réalités urbaines, et « Voler Banksy » ne fait pas exception. On y retrouve une image au pochoir, rappelant le style iconique du mystérieux artiste de rue Banksy, représentant des personnages détachant une œuvre murale, sur laquelle figure en évidence le mot « À MOI ». La palette monochrome austère, ponctuée par le texte rouge vif, attire immédiatement le regard sur le message central de l'œuvre : la pratique controversée consistant à retirer physiquement des œuvres de street art de leur emplacement public d'origine pour les intégrer à des collections privées à des fins lucratives. Dans cette estampe, Gillette joue avec les concepts complexes d'art, de propriété et de valeur. En représentant le vol d'une œuvre de Banksy, l'artiste interroge la nature du street art : est-il censé être une forme d'art librement accessible ou une marchandise à vendre au plus offrant ? L'image rappelle avec force les tensions entre l'art comme patrimoine public et comme luxe privé. Pour les collectionneurs, « Art en action – Voler Banksy » n'est pas seulement une œuvre d'art ; elle contribue au débat actuel sur la place du street art dans la société. Le tirage limité reflète l'exclusivité inhérente au monde de l'art, mais le sujet, lui, la remet en question. La signature de Gillette sur chaque estampe confère à l'œuvre une authenticité indéniable et un lien direct avec l'artiste, renforçant ainsi les thèmes de l'auteur et de la propriété inhérents au récit. À travers « Stealing Banksy », Jeff Gillette nous invite à réfléchir aux paradoxes de l'art urbain : son caractère éphémère et son statut simultané d'objet convoité sur le marché de l'art.

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Ting - Estampe d'art en édition limitée, rehaussée de pigments d'archives, sur papier Moab Entrada 290 g/m², par l'artiste Sket One, légende du street art pop graffiti. Édition 2022 HPM embellie à la main, signée et numérotée à 15 exemplaires, format 18x24 L'estampe HPM ornée « Ting » de Sket-One, pionnière du mouvement des figurines de collection, fusionne sa passion pour le graffiti, le graphisme et la culture du jouet afin de créer des pièces uniques dans l'univers urbain des figurines en vinyle. Ses œuvres satirisent souvent la culture pop et la société de consommation, utilisant des logos ou des personnages familiers comme support. Les collectionneurs apprécient le travail de Sket-One pour son originalité, sa créativité et le commentaire social subtil qui l'accompagne souvent.

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Edition limitée sur papier Moab Entrada 290gsm par Urban Pop Artist ARTIST Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Un empire en déclin, estampe d'art en édition limitée à base de pigments d'archives sur papier Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² par l'artiste de graffiti pop moderne Al Diaz x Jilly Ballistic. Al Diaz & Jilly Ballistic « UN EMPIRE EN DÉCLIN » - Tirage d'art en édition limitée - 20 x 61 cm (8 x 24 pouces) UN EMPIRE EN DÉCLIN • Tirage pigmentaire d'art signé • Imprimé sur papier d'art Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² • 20 x 61 cm (8 x 24 pouces) Signé et numéroté à la main par les artistes Al Diaz et Jilly Ballistic, édition limitée à 40 exemplaires

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Medusae PP, épreuve d'imprimerie d'archives par Sarah Joncas, tirage en édition limitée sur papier d'art Moab 290 g/m², œuvre d'art moderne d'artiste pop. Épreuve d'imprimerie PP 2019 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 12x16 Pigments d'archivage Plongée dans « Méduse PP » de Sarah Joncas « Medusae PP », une estampe d'archive de Sarah Joncas, est une symphonie visuelle où se mêlent résonance mythologique et finesse contemporaine. Épreuve d'artiste (PP) d'une édition limitée de 2019, cette œuvre marque un tournant unique dans le travail de Joncas, où l'éthéré rencontre le tangible sur papier d'art. Signée et dessinée par l'artiste, l'œuvre mesure 30,5 x 40,6 cm. Imprimée sur papier d'art Moab 290 g/m², elle témoigne de sa qualité exceptionnelle et de l'engagement de l'artiste à préserver l'intégrité de sa vision. Symbolisme et féminité dans l'œuvre de Joncas L'estampe, intitulée « Méduses », explore la féminité et la transformation, représentant une femme dont la chevelure et la silhouette prolongent la mer, avec des tentacules semblables à des méduses qui suggèrent une aura envoûtante, voire légèrement inquiétante. Cette imagerie évoque le mythe de Méduse, figure à la fois crainte et vénérée, et résonne avec le pouvoir transformateur de la nature – un thème que Joncas tisse avec habileté tout au long de son œuvre. Dans « Méduses PP », le sujet de Joncas est énigmatique, son regard fuyant le spectateur, invitant à une interprétation aussi ouverte que l'immensité de l'océan. Les tons froids et le contraste avec la chevelure chaude et ondulante du sujet captivent l'attention du spectateur, l'entraînant dans un monde où mythe et modernité se confondent. Processus artistique et éditions limitées La création d'une épreuve d'artiste comme « Medusae PP » repose sur une étroite collaboration entre l'artiste et l'imprimeur, garantissant que chaque couleur et chaque trait reflètent l'essence de la peinture originale. La mention « PP » indique que cette épreuve précède l'édition numérotée, réservée à l'artiste et généralement très prisée des collectionneurs pour sa rareté et son authenticité. Le choix par Joncas d'utiliser des pigments d'art de qualité archivistique témoigne de son engagement à créer des œuvres qui perdurent au-delà de l'éphémère souvent associé au street art. Ce faisant, elle élève le médium, l'inscrivant dans la durée de vie des beaux-arts tout en préservant l'accessibilité et l'attrait propres au pop art urbain. L'influence de Sarah Joncas sur l'art moderne L'influence de Sarah Joncas sur la scène artistique contemporaine se manifeste par sa capacité à conférer à ses sujets une profondeur qui transcende la toile. Son œuvre est souvent perçue comme un pont entre l'immédiateté du pop art urbain et la minutie de l'estampe d'art, la consacrant comme une figure incontournable des deux domaines. « Medusae PP » n'est pas qu'une simple image : c'est une invitation à explorer la psyché pour confronter les récits que nous construisons autour de la féminité, de la beauté et de la transformation. L'œuvre de Joncas, et notamment cette estampe, témoigne du pouvoir intemporel du mythe et du discours en constante évolution du pop art, du street art et du graffiti. À travers son art, Joncas continue de questionner, d'enchanter et d'inspirer, confirmant ainsi son rôle d'artiste majeure dans l'histoire de l'art moderne.

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Et Jai Retenu Mon Souffle Paris Sérigraphie par Faile Tirée à la main sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m² Édition limitée Sérigraphie et œuvre d'art acrylique. Édition limitée à 325 exemplaires, signée et numérotée, 2024. Œuvre d'art de format 13,5 x 22,5 cm. Sérigraphie. Une fusion exaltante de couleurs et de mouvements L'estampe sérigraphique « Et Jai Retenu Mon Souffle Paris » de Faile réunit une palette d'images vibrantes qui captivent l'imagination du spectateur. Les couches d'encre, appliquées à la main sur un papier d'art Moab Entrada de 290 g/m², confèrent à cette composition de 34,3 x 57,2 cm une profondeur tactile. Cette édition de 2024, signée et numérotée à 325 exemplaires, illustre le jeu dynamique que Faile entretient entre motifs contemporains et éléments d'inspiration vintage. Une figure centrale semble bondir dans les airs, exhalant un sentiment de liberté et de joie qui fait écho à un désir universel de s'affranchir des contraintes du quotidien. Des teintes pastel douces et des tons néon plus vifs se mêlent à des formes géométriques en arrière-plan, suggérant un paysage urbain où se mêlent réalité et fantaisie. Il en résulte une célébration de l'expression, de la nostalgie et de l'espoir. Influences du street art, du pop art et du graffiti La démarche de Faile s'inspire souvent du street art et du graffiti, transposant l'énergie brute de l'art urbain dans une édition imprimée d'une grande finesse. Les motifs éclatants et la structure, semblable à un collage, évoquent les affiches collées et les fresques murales monumentales qui ornent les rues. Ce lien se manifeste clairement dans la manière dont l'estampe fusionne des images en apparence disparates : personnages de bande dessinée classiques, éléments typographiques et aperçus d'une silhouette architecturale. Une tension se crée entre la précision formelle et les explosions de couleurs spontanées, conférant à l'œuvre une dimension qui dépasse la simple illustration. Faile utilise cette méthodologie inspirée de la rue pour créer une œuvre visuelle percutante, faisant écho à la riche diversité des influences présentes dans l'art public contemporain. Couches complexes et composition audacieuse Les différentes couches d’« Et Jai Retenu Mon Souffle Paris » suggèrent un procédé de sérigraphie complexe, où chaque couleur a été soigneusement alignée et appliquée à la main. De subtiles variations de teinte créent une impression de mouvement, faisant écho à la pose fluide et gracieuse du personnage central. Des touches d’acrylique ajoutent une dimension supplémentaire, conférant à certains segments un éclat brillant qui capte la lumière différemment des encres mates. Faile excelle dans l’art de mêler imagerie ludique et technique raffinée, garantissant ainsi que chaque regard révèle de nouveaux détails. Le collage de références architecturales et de formes stylisées évoque des scènes d’une métropole trépidante, invitant à la réflexion sur l’interaction entre l’art et la vie urbaine. Cette juxtaposition sert de toile de fond à des méditations plus larges sur la liberté, l’aspiration et le métissage culturel. Une édition limitée pour collectionneurs avertis Cette œuvre, réalisée en sérigraphie et acrylique, est très appréciée des amateurs d'esthétique pop et de savoir-faire méticuleux. Imprimée sur un papier d'art Moab Entrada de qualité supérieure (290 g/m²), chaque exemplaire offre une grande longévité et une netteté exceptionnelle. La technique de la sérigraphie artisanale garantit de légères variations, rendant chaque édition unique. La signature de Faile est un gage d'authenticité qui inscrit cette œuvre dans le débat actuel autour de l'art contemporain imprégné d'une sensibilité urbaine. Les passionnés louent souvent le design captivant et le message inspirant véhiculé par la figure bondissante. Sa capacité à susciter des émotions complète le dynamisme visuel de l'œuvre, faisant de cette pièce un exemple éloquent du mélange de techniques et d'influences propre à Faile.

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Achetez A Quiet Dream Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print on Fine Art Paper par Nature Pop Artist Chris Austin Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de la taille de l'œuvre TBD 30x24

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Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée Star Wars Church sur papier Moab Fine Art 290 g/m² par Ron English - POPaganda Graffiti Street Artist Modern Pop Art. Édition limitée 2020, signée et numérotée à 100 exemplaires. Format : 30,5 x 30,5 cm. Tirage pigmentaire d’archives. Depuis les années 1980, Ron English – POPaganda est considéré comme un pionnier du street art, ayant repoussé les limites du lettrage traditionnel et exploré des formes d'expression visuelle plus sophistiquées. Ses fresques et panneaux d'affichage illégaux sont réputés pour leur imagerie saisissante et leur commentaire incisif sur la politique, la société de consommation et le surréalisme. À travers son art, English a investi l'espace public à travers le monde, le transformant en œuvres d'art stimulantes qui invitent à porter un regard neuf sur le monde.

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Dieu est mort, mais...#13 Tirage d'archives par Hikari Shimoda Édition limitée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m² Œuvre d'art moderne d'artiste de rue, de graffiti pop. Tirage d'art signé et numéroté, édition limitée à 50 exemplaires, format 22 x 22 pouces, impression pigmentaire d'archives, édition limitée à 50 exemplaires (2023). La signification culturelle de « Dieu est mort, mais...#13 » de Hikari Shimoda L'œuvre visuelle d'Hikari Shimoda, « God Is Dead, But...#13 », dépeint un récit profond à travers le Street Pop Art et le graffiti. Tirage d'art en édition limitée sur papier Moab Entrada, cette pièce témoigne du talent de Shimoda pour fusionner l'esthétique de la pop culture et l'esprit du graffiti. Tirée à 50 exemplaires, chacun signé et numéroté par l'artiste, elle souligne l'exclusivité et la valeur de collection de son travail. Mesurant 56 x 56 cm, l'œuvre impose le regard par sa taille et la force de son message. Le langage visuel de « Dieu est mort, mais… #13 » Cette œuvre est une exploration vibrante des récits émotionnels et sociaux complexes qui font la renommée de Shimoda. Elle met en scène une figure enfantine, motif récurrent dans son œuvre, sur un fond qui dégage une énergie à la fois onirique et troublante. Les yeux, grands et constellés de galaxies, suggèrent un univers de pensées et de sentiments au-delà de l'impact visuel immédiat. Ce symbolisme est caractéristique de la volonté du Street Pop Art de communiquer des significations profondes sous une surface visuellement accessible. L'utilisation de pigments d'archivage pour le tirage d'art garantit la préservation de la profondeur des couleurs et des détails, et donc de l'intensité émotionnelle de l'œuvre originale. L'intégration des idéaux du street art dans l'art moderne par Shimoda Dans « Dieu est mort, mais… n° 13 », Shimoda illustre comment le pop art urbain peut transcender les frontières du graffiti traditionnel pour accéder au domaine des beaux-arts. L’œuvre n’est pas seulement une représentation des réflexions intérieures de Shimoda, mais aussi un commentaire culturel qui reflète l’esprit du temps. Le titre lui-même, « Dieu est mort », fait écho aux méditations philosophiques de Friedrich Nietzsche, suggérant une société en proie à une profonde introspection existentielle. Ceci s’inscrit dans l’esprit du street art, qui s’intéresse souvent aux grands récits de l’existence et de l’identité au sein du paysage urbain. La résonance émotionnelle de l'estampe en édition limitée de Shimoda La résonance émotionnelle de cette œuvre est palpable. L'expression de l'enfant est ambiguë, oscillant entre l'innocence et une tristesse consciente qui évoque la perte de la certitude divine suggérée par le titre. Les larmes, telles des galaxies, évoquent le deuil de cette perte, ou peut-être un appel à une nouvelle forme de divinité ou d'espoir au sein du vide. Le choix d'un papier beaux-arts et la précision de la technique d'impression pigmentaire d'archivage confèrent une dimension durable à la nature éphémère du sujet, permettant à l'œuvre de s'imposer comme une icône pérenne du street art et du graffiti contemporains. Avec « Dieu est mort, mais… n° 13 », Shimoda affirme sa place dans le monde de l’art moderne, démontrant que le street art et le graffiti ont un rôle essentiel dans le discours artistique contemporain. Son estampe en édition limitée n’est pas seulement un objet de collection, mais une œuvre culturelle majeure qui incarne l’esprit de notre époque.

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Achetez The Sacrifice of Color... Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print sur 290gsm Moab Entrada Paper par l'artiste Adrian Cox, Street Pop Art Graffiti Legend. 2022 Édition signée et numérotée de 100 - 13x24

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Slum Park - Tirage d'art en édition limitée, réalisé avec des pigments d'archivage standard sur papier Moab Entrada 290 g/m² par Jeff Gillette, artiste de graffiti pop moderne. Tirage pigmentaire d'archives sur papier Moab Entrada Fine Art 290 g/m² ; Format : 61 x 38 cm ; Sortie : 20 octobre 2021 ; Tirage : 50 exemplaires

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Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée Vader Grin sur papier d'art Moab 290 g/m² par Ron English - POPaganda Graffiti Street Artist Modern Pop Art. 2020 Signé et numéroté #2 (Initialement réservé comme épreuve d'imprimeur PP) Édition limitée à 100 exemplaires. Format de l'œuvre : 12x12. Star Wars Dark Vador squelette souriant. Le sourire de Vader de Ron English et le langage déformé de l'iconographie « Vader Grin » de Ron English fusionne le symbolisme dystopique de la science-fiction avec le vocabulaire subversif du street art et du graffiti. Sortie en 2020 en tirage pigmentaire d'archive en édition limitée, cette œuvre de 30,5 x 30,5 cm est imprimée sur papier d'art Moab 290 g/m². Cette édition particulière, initialement considérée comme l'épreuve d'imprimerie n° 2, fait partie d'un tirage de 100 exemplaires, chacun signé et numéroté par l'artiste. L'œuvre réinterprète le visage casqué de Dark Vador – l'une des figures les plus emblématiques du cinéma – en intégrant harmonieusement le sourire squelettique caractéristique d'English sous le masque. Il en résulte un hybride saisissant et fascinant qui, simultanément, rend hommage au pouvoir des icônes culturelles tout en le parodiant. L'œuvre repose sur la contradiction visuelle. Le casque noir ultra-brillant, aux reflets bleus froids et rouges menaçants, dégage une impression à la fois inquiétante et théâtrale. Pourtant, le sourire qui se cache en dessous introduit une légèreté grotesque. Ce n'est pas simplement un crâne, mais un sourire déformé et caricatural qui sape le pouvoir mythique habituellement associé au personnage. English utilise cette tension visuelle pour créer un malaise, invitant les spectateurs à s'interroger sur ce qui se cache derrière leurs obsessions culturelles. En fusionnant un personnage des médias traditionnels avec son sourire squelettique, English distille les thèmes de la décadence, de la marchandisation et du spectacle. Tactiques visuelles ancrées dans le street art pop et le graffiti Ron English a bâti sa carrière sur le détournement des systèmes visuels. Son approche mêle photoréalisme et absurde, fusionnant des techniques d'art raffinées avec une esthétique empruntée aux fresques murales et à la culture graffiti. « Vader Grin » se situe au carrefour de ces traditions. Bien que l'impression soit réalisée avec une précision d'archivage, la lueur électrique qui entoure le casque imite l'énergie des néons ou les dégradés de peinture aérosol. Le halo bleu contraste fortement avec les reflets rouge sang sur un côté du masque, conférant à l'image une aura radioactive à la fois synthétique et urgente. L'expérience d'English dans le domaine des appropriations de panneaux publicitaires et des fresques murales illégales imprègne chaque détail de l'œuvre. Son choix de défigurer un archétype de méchant de cinéma par un sourire fait écho à la fonction de résistance culturelle du graffiti. Cela reflète l'intérêt de longue date de l'artiste pour la manière dont les images dominent l'espace urbain et l'imaginaire collectif. Le street art, le pop art et le graffiti abolissent souvent la frontière entre beaux-arts et médias de masse, et « Vader Grin » s'épanouit dans cette fusion. L'œuvre fonctionne à la fois comme parodie et portrait, critique et célébration. Symboles squelettiques et politique de la satire Le sourire squelettique, motif récurrent dans l'œuvre de Ron English, dépasse la simple plaisanterie visuelle. Il constitue une critique du pouvoir, souvent superposé à des figures symbolisant l'autorité, la manipulation des consommateurs ou une violence mythifiée. Dans « Vader Grin », ce sourire mortel dépouille le personnage de toute gravité, révélant une coquille vide sous des couches de récit et de merchandising. Le masque n'est plus un outil d'intimidation ; il devient un réceptacle de vide, le visage d'une marque conçue pour plaire au plus grand nombre, mais vidée de toute substance humaine. Cette œuvre s'inscrit dans l'histoire plus large du Street Pop Art, où les artistes interrogent le pouvoir de fascination des héros et des méchants créés par les médias. La satire d'English ne se contente pas de tourner en dérision la culture populaire ; elle expose la manière dont les symboles sont consommés sans analyse critique. La transformation squelettique représente l'érosion du sens sous l'effet d'une reproduction incessante. Dans Vader Grin, le spectateur est confronté à un visage familier devenu étranger, un symbole du mal transformé en relique narquoise, souriant malgré l'effondrement de sa propre mythologie.

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée Star Wars Guernica sur papier d'art Moab 290 g/m² par Ron English - POPaganda Graffiti Street Artist Modern Pop Art. Édition limitée 2020, signée et numérotée à 200 exemplaires. Œuvre de 27,5 x 15 cm. Tirage d'archive Star Wars Guernica par Ron English - POPaganda L'estampe d'archive Star Wars Guernica de Ron English-POPoganda est une œuvre d'art qui associe l'imagerie emblématique de l'univers Star Wars au célèbre tableau « Guernica » de Pablo Picasso. Ron English-POPoganda est un artiste contemporain reconnu pour sa fusion unique de culture pop et d'œuvres d'art classiques, souvent teintée de satire. Dans cette œuvre, English rend hommage au chef-d'œuvre antimilitariste de Picasso en intégrant des personnages et des éléments de la franchise Star Wars, tels que Dark Vador, les Stormtroopers et l'Étoile de la Mort. En mêlant ces deux univers distincts, English propose une réflexion profonde sur la guerre, le pouvoir et la condition humaine. Cette estampe d'archive garantit une reproduction de haute qualité de l'œuvre originale, grâce à une technologie d'impression avancée et un papier d'archivage sans acide, assurant ainsi la longévité et la préservation de l'image. Elle constitue un excellent choix pour les collectionneurs d'art et les passionnés de Star Wars.

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Madame de Bionville - Tirages d'art HPM en édition limitée, rehaussés de pigments d'archives, sur papier Moab Fine Art 290 g/m², par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Michele Melcher. Édition limitée à 5 exemplaires, signée et numérotée HPM, rehaussée à la main (2021). Format : 11 x 17 pouces. ChatGPT a dit : Estampe d'art embellie Madame de Bionville de Michele Melcher, 2021 L'estampe Madame de Bionville de 2021, signée et numérotée, de Michele Melcher, est une œuvre pigmentaire d'archives rehaussée à la main. Tirée à seulement cinq exemplaires, elle mesure 28 x 43 cm et est imprimée sur papier d'art Moab 290 g/m². Cette édition limitée HPM (multiple peint à la main) reflète le mélange saisissant de portrait historique, de références à la culture populaire et d'imagerie macabre propre à Melcher. Chaque exemplaire a été rehaussé de façon unique par l'artiste, ce qui garantit leur caractère unique et renforce la rareté et la valeur de collection de cette édition. Imagerie et langage visuel Madame de Bionville présente une figure squelettique parée d'un habit aristocratique, sa cage thoracique et son crâne apparents contrastant avec les détails ornementaux du costume et un chapeau à plumes. La soie d'un bleu vif et le délicat col de dentelle évoquent l'élégance des portraits du XVIIIe siècle, mais le visage squelettique transforme l'image en une méditation sur la mortalité et la vanité. Ce jeu entre luxe raffiné et déchéance saisissante rappelle la tradition des vanités, revisitée par la touche graphique contemporaine de Melcher. Les embellissements réalisés à la main sur chaque estampe ajoutent profondeur, texture et singularité, renforçant la tension entre reproduction mécanique et intervention directe de l'artiste. Thèmes artistiques et influence L'œuvre de Michele Melcher explore souvent les thèmes de la mortalité, de la mémoire et du symbolisme culturel en réinterprétant des figures historiques et l'iconographie. Dans Madame de Bionville, elle interroge les notions d'impermanence et l'effondrement inéluctable de la richesse, du pouvoir et de la beauté face à l'universalité de la mort. La théâtralité et l'élégance de l'œuvre contrastent avec sa présence squelettique et sinistre, créant un paradoxe qui fait écho à la fois aux traditions des beaux-arts et à la force brute du street art et du graffiti. Cette juxtaposition invite le spectateur à questionner l'obsession sociétale du statut et de l'apparence, établissant des parallèles entre l'aristocratie historique et la société de consommation contemporaine. La place de Michele Melcher dans le pop art urbain contemporain Michele Melcher est reconnue pour sa capacité à fusionner les techniques picturales classiques et le commentaire contemporain, brouillant ainsi la frontière entre l'art de galerie et l'esthétique inspirée de l'art urbain. Ses œuvres se distinguent par leur profondeur narrative et leur équilibre entre hommage historique et critique actuelle. Madame de Bionville, avec son édition limitée rehaussée à la main et son exécution méticuleuse, témoigne de son attachement au savoir-faire artisanal tout en conservant l'esprit rebelle propre à l'art urbain et à la pop culture. Cette œuvre illustre comment la pratique de Melcher réinterprète et recontextualise le passé, offrant au public un regard neuf sur l'histoire et la culture contemporaine.

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L'Île d'Aladdin Sane PP Épreuve d'impression d'archives par Scott Listfield Tirage en édition limitée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m² Œuvre d'art moderne d'artiste pop. Épreuve d'imprimerie PP 2019 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 15x12 Pigments d'archivage « L'île d'Aladdin Sane » de Scott Listfield « Island Of Aladdin Sane » de Scott Listfield est une estampe d'art en édition limitée qui mêle imagerie de la culture pop et présence énigmatique de son sujet, un astronaute. Épreuve d'artiste de 2019, signée et marquée d'un numéro distinctif, cette œuvre capture un moment de contemplation : l'astronaute y dévisage le visage iconique d'Aladdin Sane, personnage incarné par David Bowie, gravé sur une île solitaire. Imprimée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², l'œuvre mesure 38 x 30,5 cm. Sa disponibilité limitée renforce son attrait pour les collectionneurs et son importance en tant qu'œuvre d'art moderne s'inscrivant dans les courants pop, street art et graffiti.

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Au-Dream, tirages d'art en édition limitée à base de pigments d'archives sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Ellen Gobeille. Tirage pigmentaire d'archives sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m² Format : 35,6 x 35,6 cm (14 x 14 pouces) Sortie : 7 mai 2021 Tirage : 25 exemplaires

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Rainbow Two PP, épreuve d'impression, tirage d'art pigmentaire d'archivage en édition limitée sur papier Moab Fine Art 310 g/m², par l'artiste de graffiti pop moderne Scott Listfield. Épreuve d'impression PP 2019 Signée et marquée PP Édition limitée Tirage pigmentaire d'archive sur papier Moab Fine Art 290 g/m² Format : 30,5 x 45,7 cm Sortie : 22 novembre 2019 « Curieusement, je pensais à la palette de couleurs de Thor : Ragnarok. C'est l'un de mes films préférés de ces dernières années, et il dégage une ambiance spatiale psychédélique et lumineuse, typique des années 70, que l'on retrouve dans certains décors et affiches. Je voulais m'inspirer de cet arc-en-ciel exubérant et voir comment il s'intégrerait à cet univers étoilé sur lequel je travaillais. » – Scott Listfield Exploration des récits chromatiques de « Rainbow Two » de Scott Listfield L'épreuve d'imprimerie « Rainbow Two PP » de Scott Listfield est une œuvre marquante du street art pop contemporain. Sortie le 22 novembre 2019, en même temps que son prédécesseur, « Rainbow One », cette édition limitée est imprimée sur papier d'art Moab 310 g/m² avec des pigments d'archives. Signée et marquée « Épreuve d'imprimerie », cette estampe de 30,5 x 45,7 cm (12 x 18 pouces) fait partie d'une édition limitée, réputée pour sa qualité et sa rareté. Puisant son inspiration dans la palette de couleurs éclatantes de « Thor : Ragnarok », Listfield capture l'esthétique spatiale psychédélique des années 70, l'intégrant à ses paysages étoilés caractéristiques. Cette estampe, mettant en scène son astronaute iconique, poursuit l'exploration par Listfield des thèmes de la culture pop et de la société sur fond d'immensité spatiale.

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Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Day Dream PP, épreuve d'impression d'archives par Sarah Joncas, édition limitée sur papier d'art Moab 290 g/m², œuvre d'art moderne d'artiste pop. Épreuve d'imprimerie PP 2020 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 17x12 Pigments d'archivage « Rêverie » de Sarah Joncas et la fusion du pop art urbain « Day Dream » de Sarah Joncas est un exemple saisissant de Street Pop Art, où l'intime thématique, si caractéristique du pop art, rencontre l'audace visuelle du street art. Cette épreuve d'artiste (PP) de 2020, issue d'une édition limitée, est signée et marquée par l'artiste, gage de sa rareté et de son intérêt pour les collectionneurs. Imprimée sur papier d'art Moab 290 g/m², elle utilise des pigments d'archivage, garantissant ainsi la préservation des couleurs vives et des nuances subtiles pour de nombreuses années. Brillance technique dans l'art moderne Le choix du papier beaux-arts Moab témoigne de l'exigence de qualité de Joncas. Réputé pour son toucher riche et sa capacité à restituer des couleurs nettes et précises, ce papier est le support idéal pour « Day Dream », qui repose en grande partie sur de subtiles gradations de tons et de couleurs pour créer une atmosphère onirique. L'utilisation de pigments d'archivage renforce encore le charme de cette estampe, lui conférant un niveau de détail et une longévité essentiels aux œuvres d'art Street Pop et Graffiti haut de gamme. Mesurant 43 x 30,5 cm, l'œuvre offre un large espace d'expression qui permet aux spectateurs de s'immerger dans l'univers serein créé par Joncas. Le pouvoir narratif de l'art de Joncas Le récit de « Rêverie » est aussi saisissant que sa composition visuelle. L’image d’une femme au repos, entrelacée de coquelicots rouges éclatants, suggère une histoire d’évasion et de sérénité. Son expression paisible permet aux spectateurs de projeter leurs propres aspirations ou leur propre contentement sur la scène. Ce lien personnel est un aspect fondamental du Street Pop Art, où l’accessibilité au public et l’engagement émotionnel avec l’œuvre sont primordiaux. Joncas capture cet esprit en créant un récit visuel à la fois unique et universel. Les éditions limitées comme déclarations culturelles La désignation PP de « Day Dream » est significative au sein de la communauté des collectionneurs d'art. Les épreuves d'imprimerie sont souvent imprimées en très petite quantité et servent de contrôle qualité avant le tirage définitif. Ces épreuves peuvent différer légèrement de l'édition finale, ce qui les rend souvent plus recherchées par les collectionneurs pour leur caractère unique. La signature de Joncas sur l'estampe confirme son authenticité et son implication directe dans sa création, instaurant une relation d'intimité entre l'artiste et le collectionneur très prisée dans le milieu du street art et du graffiti. Embrasser l'essence du pop art « Day Dream » incarne l'essence du pop art par son imagerie explicite et puissante, et par l'utilisation d'une iconographie du quotidien – ici, les coquelicots – pour susciter une émotion. Cependant, Joncas transcende ce concept en l'imprégnant de tranquillité et d'introspection, souvent associées aux beaux-arts. Ce brouillage des frontières entre culture populaire et art savant est une caractéristique déterminante de l'œuvre de Joncas et témoigne de la versatilité du Street Pop Art. Dans le paysage de l'art contemporain, « Day Dream PP Printer Proof » de Sarah Joncas occupe une place à part. Cette œuvre d'art encapsule la nature évolutive du pop art, puisant dans ses racines culturelles et embrassant son potentiel d'expression personnelle profonde. La qualité d'archivage de l'impression garantit sa pérennité, permettant aux générations futures de continuer à s'imprégner de son récit intemporel et de sa qualité d'exécution irréprochable.

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Edition limitée sur papier Moab Entrada 290gsm par Urban Pop Artist ARTIST Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Blue Mask PP Printers Proof HPM Archival Print par Mysterious Al, édition limitée, plusieurs exemplaires peints à la main sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², œuvre d'art moderne d'artiste pop. Épreuve d'impression PP 2018 Signée et marquée PP HPM Impression embellie à la main Édition limitée Œuvre d'art Format 18x18 Pigment d'archivage Beaux-Arts. Plongez dans « Blue Mask » : une création unique du mystérieux Al Mysterious Al, artiste contemporain qui fait sensation sur les scènes pop art et street art, présente « Blue Mask », une série d'épreuves d'imprimerie (PP) et de tirages d'art peints à la main (HPM). Cette œuvre en édition limitée de 2018, signée et marquée « épreuve d'imprimerie », illustre parfaitement le style unique de l'artiste, qui fusionne la spontanéité du street art et la précision des beaux-arts. Imprimée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², chaque estampe de 45,7 x 45,7 cm est rehaussée à la main, conférant à chaque pièce de cette édition limitée un caractère unique et riche. « Blue Mask » témoigne de l'exploration par Mysterious Al de l'iconographie culturelle, du mysticisme et de la condition humaine à travers le prisme du street art. Le jeu dynamique de couleurs vives et de formes abstraites crée un visuel saisissant, à la fois primitif et avant-gardiste. Son utilisation du noir pour souligner et segmenter les couleurs renforce la présence énigmatique du masque, invitant les spectateurs à une exploration plus profonde de sa signification et de l'intention de l'artiste. La technique et le processus artistique de Mysterious Al La création d'une HPM, telle que « Blue Mask », requiert un savoir-faire et une créativité qui distinguent ces œuvres des tirages classiques. Chaque exemplaire de l'édition PP est rehaussé à la main par Mysterious Al, conférant à la série une originalité généralement associée aux œuvres d'art uniques. La mention PP ajoute une touche d'exclusivité, désignant traditionnellement des tirages de qualité supérieure conservés à titre de référence ou pour l'usage personnel de l'artiste. La signature de Mysterious Al sur chaque tirage est un gage d'authenticité et un lien privilégié entre l'artiste et le collectionneur. Le tirage d'archive HPM PP « Blue Mask » témoigne de l'engagement de Mysterious Al à repousser les limites du street art. En intégrant des embellissements manuels, l'artiste bouleverse le processus de reproduction mécanique, introduisant une dimension humaine qui fait écho à la fluidité et à l'expressivité du street art. Cette fusion d'éléments artisanaux et imprimés illustre la nature évolutive de l'art contemporain, où les frontières entre les différentes formes artistiques s'estompent. Résonance culturelle du « masque bleu » dans le pop art urbain « Blue Mask » de Mysterious Al occupe une place unique au sein du street art et du graffiti. Cette œuvre est non seulement un régal pour les yeux, mais aussi un artefact culturel qui explore la psyché de la société moderne. Le motif du masque, thème récurrent dans le travail de Mysterious Al, sert de métaphore à l'identité, à la transformation et aux multiples facettes que les individus incarnent dans leur vie publique et privée. La portée culturelle de « Blue Mask » est amplifiée par son support : l'utilisation de pigments d'archivage sur papier beaux-arts garantit sa longévité, permettant à l'œuvre de s'inscrire durablement dans le dialogue du street art. Cette durabilité contraste avec la nature traditionnellement éphémère du street art, offrant une permanence à une forme d'art caractérisée par son existence fugace. « Blue Mask » de Mysterious Al témoigne avec éclat de l'approche novatrice de l'artiste et de sa capacité à fusionner habilement les techniques du street art avec les pratiques artistiques reconnues. En tant que PP HPM, elle incarne la vision de l'artiste sous une forme tangible à la fois accessible et exclusive, invitant les amateurs d'art et les collectionneurs à découvrir une œuvre de pop art urbain empreinte d'une touche personnelle et d'un commentaire culturel.

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Boba Fett - Tirages d'art en édition limitée, variante, à base de pigments d'archivage, sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Marly Mcfly. Édition limitée signée et numérotée de 15 exemplaires, 2021. Format de l'œuvre : 16x16. Impression pigmentaire d'archives sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m². Boba Fett, anti-héros et méchant stylisé de Star Wars. L'œuvre « Boba Fett-Variant » de Marly McFly est une édition limitée dynamique qui incarne l'esprit de l'une des figures les plus énigmatiques de la saga Star Wars. Ce tirage d'art fait partie d'une série exclusive, limitée à seulement 15 exemplaires signés et numérotés, garantissant une rareté à la hauteur du personnage représenté. Imprimé avec des pigments d'archivage sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², chaque tirage de 40,6 x 40,6 cm vibre de l'énergie et de l'intensité propres au street art, tout en reflétant l'esthétique raffinée du pop art. L'œuvre représente Boba Fett, le célèbre chasseur de primes dont le statut culte auprès des fans de Star Wars l'a élevé du statut de personnage secondaire à celui de figure légendaire. McFly capture l'essence du mystère de Boba Fett grâce à une combinaison de couleurs vives et contrastées et d'éléments textuels fragmentés, évoquant le langage visuel complexe du graffiti. Ces éléments se combinent pour créer une image immédiatement reconnaissable, tout en affirmant une vision artistique unique. Mcfly s'est imposé comme un artiste incontournable du street art et du pop art, reconnu pour son talent à distiller les icônes de la culture populaire en compositions graphiques audacieuses qui transcendent les frontières de l'art traditionnel. Son choix de représenter Boba Fett souligne l'importance du personnage, symbole à la fois de la nature sombre et complexe de l'héroïsme et de la complexité de la « vilainerie ». L'interprétation de Mcfly explore en profondeur cette complexité, offrant une exploration visuelle du récit du personnage autant qu'une déclaration iconographique. L'œuvre se distingue non seulement par sa représentation saisissante, mais aussi par la qualité de son support. Le papier d'art Moab Entrada, matériau de choix pour les tirages d'art, permet une reproduction fidèle de la vision originale de l'artiste. Chaque nuance, de la plus vive bande de jaune à la plus petite lettre griffonnée, est capturée avec une clarté remarquable. Cette association d'une figure emblématique de la culture pop, de matériaux de haute qualité et d'un tirage limité crée une estampe qui constitue un atout pour les collectionneurs et les passionnés d'art et de l'univers Star Wars.

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Achetez TITLE Edition Limitée sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Archival Pigment Fine Art INFO

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Lowbrow - Et toujours le perdant. Œuvre d'art en édition limitée, impression giclée sur papier Moab Entrada 290 g/m² par l'artiste moderne Luke Chueh. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2011. Format de l'œuvre : 18 x 24 pouces. « Lowbrow - And Still The Loser » de Luke Chueh est une œuvre singulière du pop art, où chaque jour se charge de significations profondes. Cette œuvre, une impression giclée sur papier Moab Entrada 290 g/m², s'inscrit pleinement dans le discours du street art et du graffiti par sa représentation évocatrice de sentiments universels. Créée en 2011, elle a été proposée en édition limitée, signée et numérotée, à seulement 50 exemplaires (45,7 x 61 cm), soulignant son exclusivité et son potentiel de collection. L'œuvre met en scène le personnage emblématique de Chueh, un ours, représenté en monochrome sur un fond épuré. Le geste de l'ours est au cœur du récit : un salut du perdant qui, dans le contexte de l'œuvre de Chueh, peut être interprété comme une réflexion sur l'acceptation de soi face à l'échec ou au jugement de la société. Le terme « lowbrow » s'impose avec audace dans la composition visuelle, clin d'œil autoréférentiel au mouvement artistique lowbrow et affirmation ironique de l'autodérision de l'ours. Cette estampe poursuit l'exploration par Luke Chueh de la juxtaposition entre l'innocence des personnages de dessins animés et la complexité des émotions humaines, un thème récurrent dans la narration du street art. L'œuvre de Chueh est souvent reconnue pour sa force émotionnelle brute, encapsulée dans la forme accessible de figures animées. « Lowbrow - And Still The Loser » résonne particulièrement par sa simplicité, reflétant la capacité de l'artiste à communiquer des expériences profondes à travers des images simples et universelles. Le choix du papier Moab Entrada, réputé pour sa qualité d'archivage, suggère une volonté délibérée de préserver la profondeur des nuances de noir et blanc, garantissant à chaque collectionneur une œuvre fidèle à l'impact visuel de l'original. Le tirage limité de cette estampe la rend particulièrement précieuse aux yeux des collectionneurs et des amateurs, qui perçoivent l'œuvre de Chueh comme un pont entre les univers souvent distincts du pop art et du street art. Ici, le langage émotionnel du graffiti, la force visuelle du pop art et l'introspection du mouvement lowbrow fusionnent pour former une œuvre marquante qui invite le spectateur à chercher du sens au-delà de la simplicité apparente.

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Tirage d'art en édition limitée Pyramid Cheech Archival Pigment sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m² par l'artiste de graffiti pop moderne Mark Bode. Tirage pigmentaire d'archives sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m² + briquet Zippo en métal. Dimensions : Tirage : 40,6 x 50,8 cm ; Zippo : 6,1 x 1,3 cm. Sortie : 29 juillet 2021. Tirage : 50 exemplaires.

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Stormtrooper Grin PP, épreuve d'impression en édition limitée, tirages pigmentaires d'archives sur papier d'art Moab 290 g/m² par Ron English - POPaganda, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Épreuve d'imprimerie PP 2020 Signée et marquée PP Édition limitée Format 12x12 Analyse de « Stormtrooper Grin » par Ron English - POPaganda « Stormtrooper Grin » est une œuvre provocatrice de Ron English (POPaganda), figure emblématique du pop art, du street art et du graffiti. Cette épreuve d'artiste (PP), tirage pigmentaire d'archive en édition limitée de 2020, signée et marquée en anglais, témoigne de sa fusion caractéristique entre art contemporain et culture urbaine. Imprimée sur papier Moab Fine Art 290 g/m², cette estampe de 30,5 x 30,5 cm (12 x 12 pouces) capture l'essence même de l'esthétique percutante d'English. Reconnu pour son utilisation de la couleur et de la distorsion, English métamorphose des images familières issues de la culture populaire en créations inédites, souvent teintées de subversion. Ron English - La vision de POPaganda sur le pop art et la culture urbaine L'œuvre « Stormtrooper Grin » d'English réinterprète le casque iconique du Stormtrooper de la saga Star Wars en le recouvrant d'un crâne humain. Cette juxtaposition est caractéristique du style d'English, qui associe souvent une palette de couleurs vives, presque caricaturales, à des thèmes plus sombres. Son travail est reconnu pour son commentaire critique sur la société de consommation, les stratégies d'entreprise et l'idolâtrie des icônes de la culture populaire. En plaçant un sourire squelettique au sein d'un symbole associé au conformisme et à la perte d'individualité, English invite les spectateurs à réfléchir à la nature de l'identité et de la mortalité dans le contexte apparemment inoffensif du divertissement. L'influence de l'œuvre de Ron English - POPaganda sur le Street Pop Art Ron English (POPoganda) est reconnu pour avoir popularisé le « culture jamming », une pratique consistant à détourner des symboles visuels familiers pour remettre en question l'ordre établi. Son œuvre « Stormtrooper Grin » en est un parfait exemple : elle s'empare d'un symbole omniprésent de la science-fiction et le transforme en un sujet de conversation qui interroge les récits que nous consommons et les idéologies qu'ils perpétuent. Cette estampe incarne le potentiel transformateur du street art et du graffiti, où les frontières entre art commercial et contre-culturel s'estompent, créant un espace de dialogue et de contestation. Le savoir-faire méticuleux de « Stormtrooper Grin » transparaît dans la précision de l'impression pigmentaire d'archives, une méthode choisie pour sa fidélité à la vision originale de l'artiste. Cette technique permet une large palette de couleurs vibrantes et de noirs profonds, faisant de cette œuvre une pièce de street art et un objet de collection. Le choix par English d'un papier d'art et de pigments d'archives contribue à ancrer durablement une œuvre qui, dans un autre contexte, aurait pu n'être qu'une installation éphémère sur un mur de la ville. Avec « Stormtrooper Grin », Ron English-POPoganda continue de bousculer les idées reçues, utilisant son art pour susciter la réflexion et encourager une analyse plus approfondie des symboles qui imprègnent notre culture. Sa capacité à intégrer l'esthétique du street art à l'estampe d'art contemporain l'a consacré comme une figure incontournable du mouvement pop art urbain. À l'instar de la plupart de ses œuvres, cette pièce nous rappelle avec force le pouvoir du langage visuel pour exprimer, critiquer et redéfinir les récits véhiculés par les médias de masse et les conglomérats du divertissement.

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Achetez The Sacrifice of Color... Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print sur 290gsm Moab Entrada Paper par l'artiste Adrian Cox, Street Pop Art Graffiti Legend. 2022 Édition signée et numérotée de 100 - 13x24

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Covid No 19 - Rouge Édition Limitée Tirage Pigmentaire d'Archives sur Papier Beaux-Arts MOAB 290 g/m² par Graffiti Pop Art et Street Artist Denial. Édition limitée 2021, signée et numérotée à 19 exemplaires : Rouge Covid19 Chanel, désinfectant pour les mains inspiré du virus. Tirage pigmentaire d'archives sur papier MOAB Fine Art 290 g/m², numéroté, signé et estampillé au verso. Format : 45,7 cm x 61 cm. Le déni face à la COVID-19 : Le marketing de luxe à l’ère des crises mondiales « COVID No. 19 » de Denial est une saisissante estampe pigmentaire d'archives, éditée en 2021 à seulement 19 exemplaires, chacun signé, numéroté et estampillé à la main sur papier d'art MOAB 290 g/m². L'œuvre s'approprie la forme d'un flacon de parfum Chanel N° 5, remplaçant son étiquette iconique par un nom de produit fictif : Gel hydroalcoolique COVID No. 19. D'une précision numérique extrême, l'image reconfigure l'esthétique de la haute couture pour commenter les absurdités du consumérisme à l'ère de la pandémie. Le flacon de gel hydroalcoolique est présenté avec toute l'autorité visuelle d'un produit de luxe, transformant un objet de première nécessité en une parodie de statut et de désir. Au cœur de cette œuvre se trouve une observation culturelle brutale : lors d'une crise sanitaire mondiale, les outils de survie du quotidien – comme le gel hydroalcoolique et les masques – ont été érigés en symboles d'identité, de mode et d'accès économique. La réinterprétation par Denial du parfum Chanel en un produit de consommation à l'ère du virus confronte de front cette transformation. Cette œuvre ne se contente pas de parodier le luxe ; elle révèle comment les systèmes marketing peuvent absorber les traumatismes, les reconditionner et les revendre au public. L’étiquetage, à la manière de Chanel, est à la fois clinique et élégant, un clin d’œil à la façon dont le minimalisme visuel masque souvent la manipulation des entreprises. L'esthétique commerciale comme arme subversive La stratégie artistique de Denial repose sur le vol et la recontextualisation du langage commercial. Avec COVID No. 19, l'utilisation de lignes vectorielles nettes, de reflets lumineux réalistes et d'un design de produit précis imite la publicité jusqu'à la tromperie. Cette imitation est intentionnelle. Le spectateur est d'abord censé percevoir l'image comme authentique – tirée d'un magazine de mode ou d'une campagne de cosmétiques – avant que l'ironie du slogan ne lui apparaisse clairement. La dissonance entre la forme et le contenu invite à une critique de la tendance capitaliste à esthétiser la souffrance. Cette méthodologie visuelle s'inscrit pleinement dans l'esprit du Street Pop Art et du graffiti. Les racines de Denial dans la communication publique non autorisée et la subversion des images subculturelles demeurent présentes, même si l'œuvre se présente sous une forme d'art contemporain. L'absence de coulures de peinture ou de textures rugueuses n'atténue en rien la rébellion. Au contraire, elle réinterprète le langage graphique de la persuasion commerciale pour le subvertir de l'intérieur. Ce qui ressemble à une présentation de produit est, en réalité, une accusation visuelle. Ce n'est pas la pandémie en elle-même qui est critiquée, mais la manière dont elle est présentée. Le pop art urbain comme documentation de la pandémie COVID No. 19 fonctionne à la fois comme une satire et un témoignage historique. L'œuvre saisit un moment culturel où les outils de survie sont devenus des symboles de luxe, où la rareté était synonyme d'exclusivité et où le marketing s'étendait jusqu'aux fournitures médicales. L'œuvre de Denial illustre la manière dont les crises modernes sont non seulement vécues, mais aussi commercialisées : comment la peur de la maladie a été filtrée par les mêmes systèmes qui vendent beauté, mode et art de vivre. Le flacon de gel hydroalcoolique devient un symbole non de protection, mais de consommation. En fusionnant l'iconographie de la mode avec la réalité d'une pandémie mondiale, Denial oblige le spectateur à repenser les frontières entre design et éthique, entre marketing et survie. La simplicité visuelle de COVID No. 19 dissimule une critique subtile de la rapidité avec laquelle l'esthétique commerciale peut vider les événements de leur sens. Dans la lignée du street art et du graffiti, cette œuvre retourne les symboles familiers contre eux-mêmes, révélant la fragilité des apparences face à l'urgence humaine.

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Tirages d'art pigmentaires d'archives en édition limitée Aquarian sur papier d'art brillant Moab Entrada Rag 290 g/m² par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Robert Mars. Tirage pigmentaire d'archives de Jimmi Hendrix (Aquarian), imprimé sur papier d'archivage Moab Entrada Rag Bright 290 g/m², 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces), signé et numéroté à la main par l'artiste Robert Mars.

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Laid Up - Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée jaune sur papier Moab Fine Art Rag 290 g/m² par Freddy Diaz, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Freddy Diaz est un artiste né à Détroit et ayant grandi dans le sud-ouest de la ville. Il réalise des peintures à l'aérographe personnalisées pour des événements d'entreprise, des fêtes d'enfants et des fresques murales de graffiti, à Détroit et dans le monde entier. Initié à l'art dès son plus jeune âge par le graffiti, il est profondément influencé par les trains.

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Estampe d'art en édition limitée Wonder Woman, réalisée à partir de pigments d'archives sur papier Moab Entrada 290 g/m² par l'artiste Alex Garant, légende du street art pop et du graffiti. 2017, tirage 16x20 signé et numéroté, édition limitée à 75 exemplaires représentant Wonder Woman (Gal Gadot) avec ses huit yeux psychédéliques. Dans l'univers coloré et souvent avant-gardiste du pop art, du street art et du graffiti, certaines créations captivent le regard et remettent en question les perceptions conventionnelles. L'une d'elles est l'estampe d'art « Wonder Woman Archival Pigment Fine Art Print » du célèbre artiste Alex Garant. Reconnu pour son style unique qui fusionne l'esprit du street art et les références à la culture pop, Garant propose ici une interprétation inédite de la figure iconique de Wonder Woman, particulièrement inspirée par l'incarnation du personnage par Gal Gadot. Cette œuvre fascinante, datant de 2017, captive par sa représentation insolite et psychédélique de Wonder Woman, caractérisée par ses huit yeux. L'effet, à la fois troublant et hypnotique, invite à une exploration plus profonde de sa signification. Peut-être évoque-t-elle les sens aiguisés de Wonder Woman ou sa capacité à percevoir des vérités inaccessibles au commun des mortels. Le choix du papier Moab Entrada 290 g/m² sublime l'œuvre, lui conférant une richesse tactile et préservant l'éclat des couleurs. Mesurant 40,6 x 50,8 cm, cette œuvre, bien que limitée à 75 exemplaires, impose sa présence. Chaque pièce, signée et numérotée par Alex Garant, témoigne de son engagement envers l'authenticité et l'excellence artistique. Alors que les débats sur les liens entre culture pop et art urbain continuent d'évoluer, l'interprétation de Wonder Woman par Garant s'impose comme un emblème de pensée novatrice, illustrant comment les icônes traditionnelles peuvent être réinventées pour refléter l'esthétique et les sensibilités contemporaines.

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Storm On The Horizon AP Artist Proof Giclee Print by Curiot Tlalpazotl Artwork Limited Edition Print on Moab Entrada Fine Art Paper Graffiti Pop Street Artist. Épreuve d'artiste AP 2014 Signée et marquée AP Édition limitée Œuvre d'art Taille 20x16 Thème mexicain, indien et latin Folklore tribal stylisé. Tempête à l'horizon : une interprétation visionnaire de Curiot Tlalpazotl « Tempête à l'horizon », une épreuve d'artiste (EA) de la célèbre Curiot Tlalpazotl, est un récit poignant imprimé sur papier d'art de Moab Entrada. Cette œuvre de 2014, signée et marquée EA par l'artiste, fait partie d'une série limitée explorant les thèmes amérindiens et latino-américains à travers une interprétation stylisée du folklore tribal. Chaque tirage de 50 x 40 cm vibre de la vitalité et des couleurs caractéristiques du Street Pop Art et du graffiti de Curiot, invitant le spectateur à un dialogue intemporel et spatial. Récit artistique de Curios Tlalpazotl Dans « Tempête à l'horizon », Curiot Tlalpazotl invite le spectateur dans un univers où le mythe se confond avec la réalité et où l'essence spirituelle de la culture indigène est célébrée à travers l'art contemporain. À l'instar de la plupart de ses œuvres, cette pièce est imprégnée de symboles qui racontent des histoires du monde naturel et de son lien avec l'esprit humain. La vivacité des couleurs et le dynamisme de la composition font écho à l'héritage mexicain de l'artiste et à son dialogue avec la société contemporaine. Symbolisme et technique dans l'estampe giclée de Curiot L'utilisation par Curiot de l'impression giclée pour « Tempête à l'horizon » témoigne de son attachement à la fois à la tradition et à l'innovation. Cette technique permet une reproduction haute fidélité de ses peintures originales, préservant ainsi la finesse des détails et la richesse des textures. L'emploi d'encres d'archivage sur papier Moab Entrada garantit la pérennité de chaque tirage, qui conservera toute sa vivacité pour le plus grand plaisir des générations futures. Impact et influence culturels L'impact culturel de « Tempête à l'horizon » dépasse son attrait visuel, reflétant l'interaction entre l'être humain et les forces de la nature. L'art de Curiot fait le lien entre l'ancien et le nouveau, mêlant la sagesse des civilisations passées aux préoccupations pressantes d'aujourd'hui. Son œuvre contribue non seulement au Street Pop Art et au graffiti, mais constitue également un chapitre vibrant de l'histoire de l'art latino-américain. Valeur de collection de « Storm On The Horizon » Tirage en édition limitée, « Storm On The Horizon » revêt une grande valeur pour les collectionneurs et les amateurs de street art, de pop art et de graffiti. La mention « Épreuve d'artiste » en fait une pièce particulièrement recherchée, souvent convoitée pour sa proximité avec l'œuvre originale. Les collectionneurs qui acquièrent une épreuve d'artiste possèdent un fragment de la vision de l'artiste, dont la valeur et l'importance pourraient croître à mesure que la renommée de Curiot s'accroît dans le monde de l'art. L'héritage de l'œuvre d'art de Curios Tlalpazotl L'héritage de Curiot Tlalpazotl dans le monde de l'art moderne se caractérise par une réinterprétation saisissante des récits culturels et une célébration du patrimoine à travers le street art. « Tempête à l'horizon », incarnation de l'esprit de Curiot, témoigne du pouvoir de l'art à susciter la réflexion et l'émotion, confirmant son rôle de figure incontournable de l'évolution du street art et du graffiti.

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BORI PP Épreuve d'impression d'archives par Nicer - Hector Nazario Tirage en édition limitée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m² Œuvre d'art moderne d'artiste pop. Épreuve d'imprimeur PP 2021 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 14x17 Pigment d'archivage Beaux-Arts. L'importance de l'épreuve d'impression BORI PP dans l'art pop urbain et le graffiti Hector Nazario, alias « Nicer », présente une estampe en édition limitée, fruit de la rencontre entre le pop art urbain et le graffiti. Son œuvre, intitulée « BORI PP Printer Proof », célèbre la vibrante culture urbaine à travers le prisme des beaux-arts. Cette estampe d'archives témoigne non seulement des racines de Nazario dans l'univers dynamique du street art, mais aussi de l'évolution du graffiti en tant que forme d'art contemporain reconnue. « BORI PP Printer Proof » est une estampe d'archives en édition limitée, réalisée avec soin sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m². L'utilisation de pigments d'archivage garantit la longévité de l'estampe, préservant les couleurs vives et les détails complexes caractéristiques du travail de Nazario. D'un format de 14 x 17 pouces (35,5 x 43 cm), cette estampe est à la fois une pièce de collection et une œuvre d'art, reflétant l'esprit du street art dans un format traditionnellement associé aux beaux-arts haut de gamme. Cette estampe fait partie d'une série très exclusive, marquée « Épreuve d'imprimeur » (EP), ce qui atteste de sa rareté et de sa valeur exceptionnelles, supérieures à celles des éditions courantes. Traditionnellement conservées par l'imprimeur pour ses archives, les Épreuves d'imprimeur sont ici proposées par l'artiste comme une pièce unique et précieuse pour les collectionneurs. Chaque exemplaire est signé par Nicer lui-même, ajoutant une touche personnelle qui relie directement le collectionneur à la vision de l'artiste. À la découverte de l'artiste : Nicer - Hector Nazario Hector Nazario, alias « Nicer », est un nom indissociable de l'héritage du mouvement graffiti new-yorkais. Son parcours artistique a débuté dans la rue, où la nature brute et rebelle du graffiti lui offrait un terrain d'expression créative. Au fil du temps, Nicer est passé des murs éphémères de la ville à la permanence des estampes d'art, sans jamais renier l'essence de ses racines street art. Son œuvre incarne l'esprit du Pop Art en intégrant des références à la culture populaire, des graphismes audacieux et une esthétique accessible qui parle à un large public. « BORI PP Printer Proof » de Nicer n'est pas qu'une simple œuvre d'art ; c'est un récit d'identité culturelle, de vitalité urbaine et d'évolution artistique. Elle se dresse comme un vibrant hommage au street art, capturant la spontanéité et l'énergie du graffiti dans un médium promis à la pérennité. Réflexions culturelles dans « BORI PP Printer Proof » Cette estampe de Nicer est une œuvre culturelle qui transcende les frontières habituelles du street art et du graffiti. Elle s'inscrit dans un mouvement plus large où les artistes de rue cherchent à inscrire leur travail dans le canon de l'histoire de l'art. En intégrant des éléments de culture populaire aux beaux-arts, Nicer fait le lien entre les origines underground du street art et les galeries et collections où il est de plus en plus reconnu. « BORI PP Printer Proof » est une œuvre visuellement saisissante, un commentaire social imprégné du point de vue et des expériences de l'artiste. Dans la tradition du Pop Art, elle utilise une imagerie et une iconographie familières, mais elle est aussi profondément personnelle, offrant un aperçu du bagage culturel et des influences artistiques de Nicer. En résumé, « BORI PP Printer Proof » de Nicer-Hector Nazario est une œuvre majeure du Street Pop Art et du graffiti. Elle reflète l'héritage de l'artiste, célèbre la place du street art dans la culture contemporaine et constitue un précieux trésor artistique pour les collectionneurs avertis. Alors que le street art continue de gagner en reconnaissance et en estime, des estampes comme « BORI PP Printer Proof » jouent un rôle crucial dans la définition de l'histoire et de l'avenir de cette forme d'art dynamique.

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CCB Cold Crush Brothers Photoshoot 84 Tirage photo par Joe Conzo Jr Édition limitée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m² Pop Graffiti Street Artiste Œuvre d'art moderne. Tirage signé de 2023, édition limitée à 5 exemplaires, format 16x20, impression pigmentaire d'archives, représentant le groupe de rap Cold Crush Brothers en costumes et tenues vintage. Séance photo CCB Cold Crush Brothers, tirage 84 par Joe Conzo Jr. Le tirage photographique « CCB Cold Crush Brothers Photoshoot 84 » de Joe Conzo Jr est une remarquable représentation de la culture hip-hop à son apogée. Ce tirage pigmentaire d'archive en édition limitée de 2023, réalisé sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², immortalise le groupe de rap iconique Cold Crush Brothers dans un portrait studio dynamique et stylé. Limitée à seulement cinq exemplaires signés, cette œuvre de 40 x 50 cm (16 x 20 pouces) capture le groupe dans leurs costumes vintage, soulignant leur contribution à la musique et leur influence sur le street art et le graffiti. Cold Crush Brothers : Pionniers du Hip-Hop Formé en 1978 dans le Bronx, à New York, le groupe Cold Crush Brothers est largement reconnu comme l'un des plus influents des débuts du hip-hop. Réputés pour leur virtuosité lyrique, leur présence scénique et leurs performances novatrices, ils ont joué un rôle déterminant dans la définition de l'art du MCing. Les membres du groupe, parmi lesquels Grandmaster Caz, JDL, Almighty KG et Easy AD, ont établi une norme de créativité et de performance qui a inspiré d'innombrables artistes du genre. La séance photo de 1984, réalisée par Joe Conzo Jr, met en lumière le sens de la mode et l'individualité des Cold Crush Brothers. Chaque membre arbore des costumes élaborés, reflets de la théâtralité et du charisme qu'ils insufflaient à leurs performances. Les motifs audacieux et les couleurs vibrantes de leurs tenues symbolisent l'énergie créative qui caractérisait le mouvement hip-hop de l'époque. Cette photographie n'est pas seulement un témoignage visuel de leur style, mais aussi un hommage à leur importance culturelle et à leur vision artistique. Joe Conzo Jr : Chroniqueur de l'histoire du hip-hop Joe Conzo Jr, originaire du Bronx, est reconnu pour son talent à documenter les débuts du hip-hop à travers ses photographies. Son travail capture l'esprit du mouvement, des performances live aux moments intimes des coulisses. Cette séance photo avec les Cold Crush Brothers illustre parfaitement son don pour fusionner art et histoire, présentant ses sujets avec authenticité et talent artistique. L'œuvre de Conzo est intimement liée à l'évolution du Street Pop Art et du graffiti, car il a su capturer non seulement les artistes, mais aussi le paysage culturel qui a donné naissance au hip-hop. Ses photographies, empreintes d'un sens aigu du lieu et de l'époque, préservent la vitalité du Bronx à la fin des années 1970 et dans les années 1980. La série de photos « CCB Cold Crush Brothers Photoshoot 84 » illustre parfaitement son talent pour créer des images qui traversent les générations. La signification artistique de la séance photo 84 de CCB Cold Crush Brothers Cette estampe en édition limitée est bien plus qu'une simple photographie : c'est un témoignage historique qui fait le lien entre musique et art visuel. Les matériaux de qualité archivistique garantissent la préservation de chaque détail, des textures des costumes aux expressions des membres du groupe. Son format 40 x 50 cm renforce son impact visuel et en fait une pièce maîtresse pour toute collection d'art urbain ou d'objets liés au hip-hop. Le tirage CCB Cold Crush Brothers Photoshoot 84 témoigne avec force de l'innovation culturelle née dans le Bronx dans les années 1980. À travers l'objectif de Joe Conzo Jr, cette photographie célèbre le talent artistique, l'individualité et l'héritage de l'un des groupes fondateurs du hip-hop. Un incontournable pour les amateurs de street art, de graffiti et pour tous ceux qui apprécient la richesse de la culture hip-hop.

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Higher Ground AP Artist Proof Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print on 290gsm Moab Entrada Paper by Urban Pop Artist Casey Weldon Modern Artwork. Épreuve d'artiste AP 2019 Signée et marquée Œuvre d'art AP Taille 24x20 420 Holiday Marijuana/Cannabis Spécial Rolling Mountainians dans du papier à joint. Casey Weldon, artiste ayant marqué de son empreinte le monde du pop art urbain, nous offre un chef-d'œuvre intitulé « Higher Ground ». Créée en 2019, cette œuvre évocatrice entremêle la beauté de la nature aux sous-cultures contemporaines, proposant un récit visuel qui interroge nos perceptions et invite à la réflexion. Dans « Higher Ground », le spectateur découvre un paysage montagneux d'une grande finesse, où la végétation luxuriante et les cascades sont parfaitement rendues. Mais ce qui distingue cette œuvre, c'est sa présentation ingénieuse : la scène immaculée est représentée sur une feuille à rouler, délicatement tenue entre deux doigts, une allusion à la culture du cannabis (420). Cette épreuve d'artiste (AP), une variante généralement réservée à l'artiste, est exclusive et recherchée par les collectionneurs. Imprimée avec des pigments d'archivage sur papier Moab Entrada 290 g/m², elle préserve chaque détail, chaque nuance et chaque teinte de l'œuvre originale. Cette méthode garantit non seulement la longévité de l'estampe, mais aussi une expérience visuelle fidèle à la vision de l'artiste. Mesurant 61 x 51 cm, « Higher Ground » allie harmonieusement grandeur et intimité. L'approche artistique novatrice de Weldon transparaît dans cette œuvre, où il juxtapose la tranquillité du monde naturel à l'effervescence des sous-cultures urbaines. En intégrant le geste symbolique du roulage à la sérénité des montagnes, il livre une réflexion sur l'évasion, les loisirs et la quête d'expériences transcendantes. « Higher Ground » témoigne de l'évolution constante du paysage de l'art moderne, où tradition et motifs contemporains coexistent harmonieusement.

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Achetez TITLE Edition Limitée sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Archival Pigment Fine Art INFO

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Tirage photo Tony Tone 79 par Joe Conzo Jr, édition limitée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², style pop graffiti, art de rue moderne. Tirage signé de 2023, édition limitée à 5 exemplaires, format 16x20, pigments d'archivage, œuvre d'art représentant DJ Tony Tone en tant que MC lors d'un spectacle en 1979. Photo de Tony Tone 79 par Joe Conzo Jr. Le tirage photographique « Tony Tone 79 » de Joe Conzo Jr. est une saisissante capture visuelle des débuts de la culture hip-hop. Ce tirage pigmentaire d'archive en édition limitée, réalisé sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², immortalise DJ Tony Tone en 1979, pleinement investi dans son art lors d'une performance live. Signée par Joe Conzo en 2023 et limitée à seulement cinq exemplaires, cette œuvre de 40 x 50 cm (16 x 20 pouces) se dresse à la fois comme un document historique et une œuvre d'art, faisant le lien entre le street art, le graffiti et l'énergie musicale qui a nourri l'essor du hip-hop. DJ Tony Tone : Un pilier des Cold Crush Brothers Tony Tone, membre fondateur des Cold Crush Brothers, est l'un des héros méconnus des débuts du hip-hop. DJ et MC, son rôle dépassait largement celui de simple DJ ; il était un véritable artisan du son, de l'ambiance et de la créativité, insufflant l'énergie nécessaire au mouvement hip-hop. Formé dans le Bronx à la fin des années 1970, le groupe Cold Crush Brothers est devenu une référence, célèbre pour ses joutes verbales, ses performances dynamiques et ses contributions culturelles novatrices. Cette photographie immortalise Tony Tone au sommet de son art, révélant le travail minutieux d'un DJ qui était à la fois performeur et artiste. Sa posture concentrée, ses mains sur les platines et le matériel technique présent dans le cadre soulignent le dévouement et le talent nécessaires à la création d'expériences musicales live exceptionnelles. C'est un aperçu intime de l'univers d'un DJ qui a joué un rôle déterminant dans la définition du son et de la structure des débuts du hip-hop. Joe Conzo Jr : Le chroniqueur visuel de la naissance du hip-hop La photographie de Joe Conzo Jr. est indissociable de l'émergence du hip-hop comme force culturelle. Comptant parmi les premiers photographes à documenter le genre, Conzo a capturé non seulement les performances, mais aussi l'esprit et l'énergie du Bronx à la fin des années 1970 et au début des années 1980. Son œuvre reflète le point de rencontre entre musique, art et communauté qui a marqué cette époque, offrant un regard authentique et sans fard sur la vie des pionniers du hip-hop. Le tirage « Tony Tone 79 » illustre parfaitement la capacité de Conzo à transformer des moments de performance en œuvres d'art intemporelles. Ses compositions mettent souvent l'accent sur la relation entre l'artiste et son environnement, conférant profondeur et contexte à ses sujets. Cette image ne fait pas exception : elle immortalise Tony Tone en pleine création, soulignant la maîtrise technique et artistique que les DJs ont apportée au hip-hop. L'importance artistique et culturelle de Tony Tone 79 Le tirage photographique « Tony Tone 79 » fait le lien entre musique et art urbain, rappelant la créativité qui imprégnait les débuts du hip-hop. L’utilisation de matériaux de qualité archivistique garantit la préservation de chaque détail, de la texture des disques vinyles au subtil jeu d’ombres et de lumières, pour les générations futures. Son format 40 x 50 cm (16 x 20 pouces) en amplifie l’impact, en faisant une pièce maîtresse pour les collectionneurs et les passionnés d’art urbain et d’histoire de la musique. Cette œuvre d’art en édition limitée est bien plus qu’une simple photographie : c’est un hommage à l’ingéniosité et à la passion qui ont façonné le hip-hop. En capturant Tony Tone en pleine action, Joe Conzo Jr a créé une œuvre qui résonne avec l’importance culturelle de l’âge d’or du Bronx, célébrant les DJs qui ont transformé les platines en instruments et les performances live en art. Le tirage photographique « Tony Tone 79 » est un incontournable pour tous ceux qui apprécient le croisement entre musique, histoire et art urbain.

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