Nouveau

Frank Sinatra 1998 à l'Université Hofstra. Affiche de concert en édition limitée, signée à la main par l'artiste, imprimée sur papier d'art par LeRoy Neiman. Frank Sinatra à Hofstra en 1998. Affiche signée par Leroy Neiman. Description : Artiste : LeRoy Neiman, américain (1921-2012) Titre : Frank Sinatra - La Conférence Année : 1998 Support : Affiche, signée à l'encre Dimensions de l'image : 79 x 50 cm Dimensions du cadre : 114 x 85 cm Notes : Pop Art, Art musical, Nom de l'artiste : LeRoy Neiman Support : Affiche, signée à l'encre Circa : 1998 Hempstead, New York

Lis Plus Moins

Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

Lis Plus Moins

Tu veux m'emmener voir un film de kung-fu ? Lithographie offset de Madsaki, imprimée sur papier beaux-arts lisse, édition limitée, tirée à la main, style street art pop graffiti. 2020. Édition limitée à 300 exemplaires, signée et numérotée. Lithographie offset. Format : 27,5 x 27,5 pouces. La synthèse de la culture pop et du graffiti L'œuvre de Madsaki capture un moment de nostalgie cinématographique, faisant référence au phénomène social des salles obscures et au genre spécifique des films de kung-fu, qui ont eu un impact considérable sur la culture populaire. Le titre, « Tu veux m'emmener voir un film de kung-fu ? », évoque une invitation ludique et un retour aux sources. Les personnages représentés, aux traits simplistes et aux contours vifs et marqués, rappellent l'animation contemporaine et le style graffiti traditionnel, caractérisé par des lignes rapides et précises. L'œuvre instaure un dialogue entre l'ancien et le nouveau : le sujet renvoie à une époque révolue tandis que le style est résolument moderne. L'utilisation de couleurs vibrantes, ainsi que le jeu des textures et des superpositions, reflètent la spontanéité et l'immédiateté propres au street art. Les effets de coulures et de bavures intentionnels ajoutent du dynamisme et du mouvement, suggérant l'action et l'énergie typiques des films de kung-fu auxquels elle fait référence. Cette lithographie offset, imprimée sur papier d'art lisse à vélin, est un exemple saisissant d'art urbain et de graffiti réalisé par l'artiste Madsaki. Tirée à la main en édition limitée à 300 exemplaires numérotés et signés, elle a été éditée en 2020. Ses dimensions (70 x 70 cm) offrent un support idéal à l'œuvre expressive de Madsaki, qui explore la culture populaire, l'iconographie et les codes du graffiti. Expression artistique contemporaine Dans le contexte de l'art contemporain, « Wanna Take Me To A Kung Fu Movie? » témoigne de la pertinence durable du Street Pop Art et du graffiti. L'influence de ce genre sur l'art dominant ne cesse de croître, avec des artistes comme Madsaki à l'avant-garde, repoussant les limites des beaux-arts. Tirée en édition limitée, cette œuvre devient un objet de convoitise pour les collectionneurs et les amateurs d'art qui apprécient le mélange de sensibilité street art et de l'intérêt du pop art pour la culture de masse. L'œuvre de Madsaki incarne l'esprit d'accessibilité et d'engagement du street art auprès du public. En intégrant des éléments universellement reconnaissables, l'artiste crée un lien avec un large public. Cette inclusivité est une caractéristique essentielle du Street Pop Art et du graffiti, reflétant les racines démocratiques du genre dans une forme d'expression artistique ouvertement visible et accessible à tous. « Wanna Take Me To A Kung Fu Movie? » de Madsaki est une œuvre d'art visuellement saisissante et une déclaration culturelle qui illustre la fusion du street art et de la culture pop. Elle représente un moment charnière où le cinéma, la nostalgie et l'esthétique inimitable du graffiti convergent pour créer une œuvre qui reflète la société contemporaine tout en rendant hommage à ses prédécesseurs artistiques. Le mélange d'humour, d'histoire et d'audace technique qui s'en dégage en fait une pièce marquante du paysage de l'art moderne.

Lis Plus Moins

Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

Lis Plus Moins

Œuvre d'art « 2Vth Revolution Under Construction », impression giclée en édition limitée sur papier chiffon de coton, par l'artiste de graffiti pop culture Marwan Shahin. « Révolution en construction » 2018 77,7 x 63,5 cm (30,6 x 25 pouces) Giclée sur papier coton. Chaque tirage est signé, numéroté et marqué.

Lis Plus Moins

Sans excuse PP Épreuve d'imprimeur HPM rehaussée à la main Impression d'archives par Eddie Colla Édition limitée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m² Œuvre d'art moderne d'artiste pop. Épreuve d'imprimerie PP 2020 Signée et marquée PP HPM Édition limitée embellie Format 18x24 Pigments d'archivage Beaux-Arts « Sans excuse » d'Eddie Colla : une fusion de rébellion artistique et de technique « Without Excuse » d’Eddie Colla incarne l’esprit rebelle du pop art urbain et du graffiti, fusionnant les techniques artistiques traditionnelles et la contestation propre à la culture du street art. Cette épreuve d’artiste (PP) HPM (Hand Painted Multiple), réalisée en 2020 et signée par l’artiste, est une édition limitée reflétant l’approche singulière de Colla en matière d’art moderne. Mesurant 45,7 x 61 cm et imprimée sur papier d’art Moab Entrada 290 g/m², cette œuvre est un chef-d’œuvre rehaussé à la main, témoignant de l’engagement de Colla à lutter contre la commercialisation de l’espace public. « Without Excuse » illustre la maîtrise de Colla dans l’art de fusionner les beaux-arts et l’expressivité brute du street art, affirmant une position forte tant par son contenu que par son style.

Lis Plus Moins

Sideshow Buzz - Édition surdimensionnée, impression d'art pigmentaire d'archives en édition limitée sur papier d'art Somerset Hot Press 290 g/m² par l'artiste de graffiti pop moderne Ben Frost. Estampe signée et numérotée « Tests de cannabis » de Sideshow Bob Simpsons, imprimée sur papier d'art Somerset Hot Press 290 g/m² avec des pigments d'archives. Format : 50,8 x 50,8 cm. Sortie : 26 novembre 2021. Tirage : 25 exemplaires. En réalité, l'artiste souhaite que le public réfléchisse aux notions de haute et de basse valeur et, par extension, à leur signification profonde. La matérialité, les valeurs sociétales et le sens sont autant d'éléments que Frost intègre activement à son art, sans pour autant apporter de réponses, créant ainsi un espace de réflexion ouvert.

Lis Plus Moins

Achetez TITLE Sérigraphie 4 couleurs tirée à la main sur une œuvre d'art Pop Street Art en édition limitée MEDIUM. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

Lis Plus Moins

Young Until I Die 1 Œuvre originale unique en son genre, technique mixte (peinture en aérosol, acrylique et pochoir) sur papier Royal Sundance 270 g/m² par le célèbre artiste de graffiti de rue Pez. 2021. Œuvre signée, technique mixte sur papier Royal Sundance 270 g/m², 50 × 70 cm (19,69 × 27,56 pouces), encadrée professionnellement en noir avec passe-partout flottant.

Lis Plus Moins

Achetez TITLE Sérigraphie 4 couleurs tirée à la main sur une œuvre d'art Pop Street Art en édition limitée MEDIUM. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

Lis Plus Moins

« You Lose », œuvre originale peinte à la main, technique mixte, à la bombe aérosol, sur panneau de bois découpé au laser, prête à être accrochée, par Denial Graffiti Street Artist, art pop moderne. 2020 Édition limitée HPM signée et numérotée à 1 exemplaire. Dimensions de l'œuvre : 6,5 x 8,5 pouces. « Mon œuvre évoque un désastre imminent et des thèmes sinistres et grossiers, mais cela ne signifie en aucun cas que je souhaite que cela se produise. J'espère au contraire qu'elle suggère l'absurdité de la situation et montre comment nous pouvons trouver de meilleures solutions pour l'avenir. » – Denial Denial est un artiste canadien qui expérimente avec l'aérosol et le pochoir. Ses principaux centres d'intérêt sont la société de consommation, la politique et la condition humaine dans la société contemporaine. Face à la popularité croissante du graffiti aux États-Unis et en Europe, les graffeurs devaient faire preuve d'une originalité toujours plus grande pour se démarquer. Leurs signatures sont devenues plus grandes, plus stylisées et plus colorées.

Lis Plus Moins

Sérigraphie Eye Love Superflat Pink par Louis Vuitton x Takashi Murakami TM/KK Tirée à la main sur papier d'art vélin Encadrée Édition limitée. 2003 Signée et numérotée Louis Vuitton x Takashi Murakami Édition limitée à 50 exemplaires Œuvre d'art Sérigraphie 6,9 ​​x 11,75 pouces dans un cadre sur mesure de style cuivre. Sérigraphie rose Superflat Eye Love par Louis Vuitton x Takashi Murakami L'estampe sérigraphique Eye Love Superflat Pink, créée en 2003 par Takashi Murakami en collaboration avec Louis Vuitton, représente un moment charnière dans la convergence de la haute couture et de l'esthétique pop urbaine contemporaine. Tirée à la main en édition limitée à 50 exemplaires, cette sérigraphie est imprimée sur papier d'art vergé et présente la fusion caractéristique de Murakami entre iconographie du luxe et langage visuel ludique. Mesurant 17,5 x 29,8 cm, cette œuvre illustre l'influence de l'artiste japonais au sein du mouvement du street art et du graffiti du début des années 2000. La philosophie superplate de Murakami dans la mode et l'art Cette estampe fusionne l'identité visuelle audacieuse de Louis Vuitton avec le style Superflat emblématique de Murakami, un terme qu'il a forgé pour décrire l'aplatissement esthétique et culturel de l'art traditionnel et numérique, du consumérisme et des beaux-arts. L'œuvre présente une composition verticale centrée, ornée d'emblèmes Louis Vuitton – deux Fleurs Monogram et les initiales LV iconiques – encadrant le motif de l'œil de méduse de Murakami. Cet œil, détaillé de couleurs vives contrastées et de cils dynamiques évoquant un dessin animé, est un personnage récurrent chez Murakami, reflétant à la fois une fantaisie ludique et un commentaire culturel. Le contraste saisissant entre la bande verticale blanche immaculée et la bordure blanc cassé environnante amplifie l'élégance minimaliste de la pièce. Encadrée d'un somptueux cadre sur mesure aux tons cuivrés, l'œuvre souligne davantage encore la convergence entre l'art subversif de Murakami et l'univers du luxe. La juxtaposition de l'esthétique de la culture urbaine et de la marque mondialement connue Louis Vuitton souligne un commentaire plus large sur le consumérisme et l'identité au XXIe siècle. Importance culturelle collaborative La collaboration entre Louis Vuitton et Murakami a marqué un tournant dans l'évolution du streetwear et du luxe. La réinterprétation du monogramme LV par Murakami a donné à la maison de couture une image iconique, insufflant à son quotidien une énergie jeune et irrévérencieuse. La série Eye Love Superflat est devenue un incontournable de cette période, célèbre pour ses tirages rares et sa place pionnière dans la collaboration entre mode et art. Chaque sérigraphie est signée par Takashi Murakami et numérotée, confirmant son statut d'œuvre d'art multiple digne d'un musée. La technique artisanale de la sérigraphie confère à l'œuvre une profondeur tactile et une richesse de détails, contrastant avec la planéité du concept Superflat tout en embrassant la simplicité visuelle de l'univers visuel de Murakami, inspiré des dessins animés. L'héritage et l'attrait pour les collectionneurs Cette estampe, créée au plus fort de l'engagement de Murakami envers le luxe international, continue de fasciner collectionneurs et institutions culturelles. Sa valeur tient non seulement à sa rareté – limitée à seulement 50 exemplaires signés – mais aussi à son importance historique, témoignant d'une collaboration entre un artiste et une marque qui a transformé le dialogue entre mode, art et consumérisme. Son encadrement la hisse au rang d'œuvre d'art à part entière, soulignant la profondeur du commentaire visuel à la fois ludique et incisif de Murakami. Emblème du Street Pop Art et du graffiti, la sérigraphie Eye Love Superflat Pink demeure une expression majeure de la culture artistique postmoderne.

Lis Plus Moins

Argent et pouvoir - Sérigraphie monochrome jaune tirée à la main sur papier Arches Rag 290 g/m² à bords frangés, par l'artiste Cleon Peterson, œuvre d'art en édition limitée. Édition limitée 2022, signée et numérotée, à 75 exemplaires. Format de l'œuvre : 18 x 18 pouces. « L’argent et le pouvoir sont devenus les principaux moteurs du monde moderne, nous entraînant vers une société corrompue. L’époque où nos dirigeants défendaient les intérêts du peuple est révolue, remplacée par l’homme fort qui étouffe toute dissidence pour rétablir l’ordre. L’argent fait élire les dirigeants ; en retour, ils ont une dette envers le peuple qui les a portés au pouvoir, instaurant ainsi notre nouvelle politique publique fondée sur l’avidité et le capitalisme mafieux. Nous acceptons peu à peu la corruption, le droit s’estompe et l’on commence à penser que la démocratie et une société juste et équitable n’ont jamais été qu’une illusion, un rêve du passé qui n’a jamais vraiment existé. » – Cleon Peterson « Argent et Pouvoir » de Cleon Peterson – Sérigraphie Édition Jaune, style Street Pop Art et Graffiti « Money and Power » de Cleon Peterson est une sérigraphie monochrome, tirée à la main et d'une force visuelle saisissante, produite dans une édition jaune éclatante. Créée en 2022 en édition limitée, signée et numérotée, à seulement 75 exemplaires, cette œuvre de 45,7 x 45,7 cm est imprimée sur du papier Arches 290 g/m² aux bords frangés à la main, renforçant son authenticité brute et artisanale. Sur un fond jaune saturé, les silhouettes noires de personnages en uniforme défilent à l'unisson sous une bannière ornée d'un dollar. Cette formation agressive d'agents anonymes et armés symbolise l'imbrication du capital et de l'autorité, forces qui façonnent la vie moderne. Le contraste du noir sur le jaune accentue l'urgence du message, évoquant les panneaux de signalisation et les avertissements industriels, et reflétant les dangers d'un pouvoir sans contrôle. C'est une affirmation audacieuse, directe et délibérément sans ambiguïté dans sa critique des systèmes politiques et économiques. La protestation visuelle de Cleon Peterson contre le capitalisme gangster L'artiste américain Cleon Peterson, né en 1973, est reconnu pour ses œuvres qui mettent à nu les mécanismes de domination, de soumission et de violence systémique. Dans Money and Power, il aborde ce qu'il nomme le capitalisme mafieux, la fusion des intérêts financiers et de l'autoritarisme. Cette édition jaune n'est pas une simple variation esthétique ; elle amplifie la force du message. Les personnages, dénués d'individualité, agissent non pas comme des fonctionnaires ou des protecteurs, mais comme les exécutants d'un ordre économique corrompu. Chaque personnage, une main saluant et l'autre tenant une arme à feu, défile sans dévier sous une bannière où l'argent est l'emblème. L'utilisation par Peterson de la répétition militarisée dénonce la déshumanisation qui survient lorsque la loyauté s'achète et que la dissidence est étouffée par la force. La simplicité visuelle masque un message profondément complexe : la société a dévié des idéaux démocratiques pour adopter une structure où la valeur de la vie se mesure au prix du pouvoir. Symbolisme et exécution dans l'édition sérigraphiée jaune Le choix du fond jaune pour cette édition joue un rôle crucial dans le renforcement du propos thématique. Le jaune, généralement associé à la visibilité et à l'avertissement, confère une clarté saisissante à l'unité troublante des figures. Il oblige le spectateur à se confronter directement à l'image, sans distraction ni ambiguïté. La technique artisanale et le procédé de sérigraphie monochrome garantissent à chaque tirage la présence physique de la vision de l'artiste, s'opposant ainsi à la neutralité numérique. Le papier frangé à la main ajoute une imperfection organique qui contraste avec la rigidité mécanique des manifestants, soulignant la tension entre artisanat individuel et conformisme institutionnel. L'ensemble de la composition fonctionne comme un manifeste visuel, présentant un monde où l'argent n'est pas un simple outil, mais un étendard sous lequel la violence, l'obéissance et la corruption sont normalisées. L'argent et le pouvoir, une œuvre emblématique du street art pop et du graffiti. « Money and Power » s'inscrit pleinement dans la tradition du street art et du graffiti. L'œuvre communique une urgence politique par un langage visuel direct, puisant ses racines dans les origines contestataires du graffiti et l'iconographie audacieuse du pop art. Le travail de Peterson remet en question les systèmes d'autorité en confrontant les spectateurs à des vérités dérangeantes, utilisant l'art non comme ornement, mais comme outil de perturbation. Cette édition jaune condense la désillusion contemporaine en une image inoubliable, illustrant l'érosion de la démocratie lorsque le capital devient le pouvoir suprême. À l'instar des œuvres les plus marquantes de Peterson, elle n'invite pas à la contemplation silencieuse, mais exige une prise de conscience et une responsabilisation. Elle se dresse comme un témoignage de protestation à la fois limité et puissant, figé sur papier mais résonnant dans la conscience politique contemporaine.

Lis Plus Moins

La vie est belle - Sculpture en résine en édition limitée et fragile, œuvre d'art du légendaire artiste de rue graffeur Mr Brainwash - Thierry Guetta. 2022 Édition limitée signée et numérotée à 70 exemplaires Dimensions de l'œuvre : 12 x 7 pouces Édition limitée signée à 90 exemplaires. Dimensions : 7 x 12 x 1,75 pouces (17,8 x 30,5 x 4,4 cm). Comprend un étui en plexiglas et une sculpture en résine signée par l’artiste.

Lis Plus Moins

Sculpture en polystone « No More Amore », édition limitée, œuvre de l'artiste Abell Octovan, célèbre pour ses peintures de graffiti pop et son art urbain. Spécial Saint-Valentin 2022 : Cupidon en a assez des couples parfaits. Lassé de la commercialisation de la Saint-Valentin, lassé des lamentations des cœurs brisés, lassé d'entendre les gens supplier pour revenir à leur ex. Le romantisme est mort, l'amour se résume désormais à des objets. Entouré de cœurs brisés, il se repose et décoche sa flèche rouge. Inspirée des sculptures grecques classiques, l'œuvre « No More Amore » présente un effet marbré lisse. L'arc et la flèche, ainsi que la phrase « Jusqu'à ce que l'amour nous sépare », sont mis en valeur par le rouge, symbolisant le chagrin d'amour inévitable.

Lis Plus Moins

HIVE B-006H.Battle, sculpture en vinyle en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste pop moderne Vectormobb. Sculpture en vinyle à l'échelle 1/2 (40,5 cm) - Édition limitée à 300 exemplaires - Création de Johnny (Vectormobb). ZCWO x VECTORMOBB HIVE B-006H. Les abeilles sont essentielles à la vie sur Terre grâce à la pollinisation. Ces insectes extraordinaires n'attaquent que lorsqu'ils se sentent menacés ; ils méritent donc une ruche digne de ce nom, capable de dissuader les intrus qui convoitent leur miel. HIVE B-006H - Sculpture inspirée de la Bataille Star Wars par Vectormobb. L'effervescence artistique : HIVE B-006H Battle par Vectormobb Dans un monde où culture pop et conscience environnementale se rencontrent, HIVE B-006H Battle de Vectormobb est une œuvre monumentale d'art pop moderne qui transcende la simple esthétique. Conçue par Johnny de Vectormobb, cette sculpture en vinyle de 40 cm (16 pouces) à l'échelle 1/2 incarne la fusion de la conscience écologique et des visuels saisissants de la science-fiction, notamment l'imagerie emblématique de « Star Wars ». Thèmes convergents : L'écologie rencontre l'iconographie pop La figurine HIVE B-006H Battle n'est pas qu'un simple objet de collection, c'est une véritable œuvre d'art. Limitée à 300 exemplaires, elle présente un nid d'abeilles lumineux et des yeux qui lui donnent vie, créant un effet à la fois visuellement saisissant et thématiquement poignant. Les abeilles, pollinisatrices essentielles de nos écosystèmes, sont ici représentées sous une forme à la fois sanctuaire et guerrière, reflétant leur rôle vital dans notre monde et la nécessité de protéger ces insectes infatigables. L'utilisation d'un casque de Stormtrooper réinventé en ruche s'inspire de la notoriété de la franchise « Star Wars » et offre une nouvelle perspective sur ces personnages. Elle suggère un récit où le naturel et l'artificiel fusionnent, où les soldats habituellement anonymes d'un empire galactique deviennent les gardiens de la nature, symbolisant une harmonie potentielle entre technologie et environnement. La vision créative de VECTORMOBB : une synthèse de l'art et du plaidoyer La vision créative de Vectormobb, notamment à travers cette œuvre, symbolise le pouvoir transformateur du street art. HIVE B-006H Battle transcende la frontière entre art et engagement, exploitant la force évocatrice d'icônes populaires pour aborder des problématiques actuelles. Elle incarne physiquement le dialogue entre progrès humain et monde naturel, un dialogue de plus en plus pressant dans notre société contemporaine. Cette sculpture en vinyle est un phare de l'esprit du street art, qui consiste souvent à réinterpréter le familier pour créer une œuvre inédite et stimulante. À travers cette pièce, Vectormobb prolonge le débat dans les lieux fréquentés par les amateurs d'art et les collectionneurs, suscitant des discussions sur la conservation, la coexistence et notre rôle dans la préservation de notre planète. La performance artistique de HIVE B-006H Battle témoigne du rôle des artistes contemporains dans la construction du discours public par l'expression créative. En intégrant les images emblématiques de « Star Wars » à la problématique cruciale de la conservation des abeilles, Vectormobb signe une œuvre aussi percutante par son message que par sa conception. Cette pièce nous rappelle avec force que l'art peut refléter nos passions et catalyser le changement, nous incitant à réfléchir à l'équilibre délicat entre la préservation de notre patrimoine culturel et la sauvegarde de notre avenir environnemental.

Lis Plus Moins

Sérigraphie modulaire par Add Fuel x Shepard Fairey - OBEY Tirée à la main sur papier beaux-arts crème moucheté, œuvre d'art en édition limitée Obey Pop Culture Artist. Édition limitée à 500 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Format : 18 x 24 pouces. Sérigraphie. L'art de Diogo Machado, alias ADD FUEL, fonctionne à plusieurs niveaux, au sens propre comme au figuré. Ses œuvres maîtrisent l'esthétique des carreaux traditionnels portugais tout en y intégrant subrepticement ses propres illustrations de personnages ludiques. Ces deux styles, en apparence si différents, se fondent avec une telle élégance que la découverte de l'étrangeté au sein de cette harmonie est à la fois surprenante et réjouissante. Les déchirures, réelles ou simulées, qu'ADD FUEL incorpore à son art sont bien plus qu'un simple clin d'œil au papier, matériau omniprésent du street art contemporain : elles constituent également une dissonance visuelle provocatrice, puisque les carreaux ne se déchirent pas. Malgré l'incongruité entre carreaux et déchirures, les compositions visuellement séduisantes d'ADD FUEL évoquent le temps qui passe et une histoire derrière chaque couche. – Shepard Fairey – OBEY Modulaire par Add Fuel x Shepard Fairey – Obey Collaborative Silkart, œuvre d'art urbain pop art et graffiti Modular est une sérigraphie collaborative de 2022, créée par l'artiste portugais Diogo Machado, alias Add Fuel, et l'artiste américain Shepard Fairey, fondateur d'OBEY. Tirée à la main sur papier d'art Speckletone couleur crème et éditée à 500 exemplaires numérotés et signés, cette œuvre de 45,7 x 61 cm illustre la synergie entre patrimoine ornemental et résistance visuelle contemporaine. La sérigraphie superpose des motifs traditionnels d'azulejos, emblématiques du travail d'Add Fuel, à l'iconographie et à l'équilibre compositionnel propres à Fairey. Des déchirures de papier simulées traversent les couches, révélant des juxtapositions dynamiques de motifs classiques, d'abstraction pop moderne et d'un mandala floral central imprégné de la vision politique de Fairey. L'œuvre vibre de tonalités bleues, rouges et blanches, faisant écho aux thèmes de la beauté et de la subversion qui sont au cœur de leur vocabulaire visuel commun. Motifs de carreaux, illusion et histoire stratifiée L'approche d'Add Fuel vis-à-vis des carreaux traditionnels portugais est à la fois respectueuse et subversive. En réinterprétant l'élégance symétrique des motifs céramiques par des figures inattendues et des éléments graphiques, il modernise un art séculaire tout en y insufflant un humour conceptuel et une profondeur narrative. Dans Modular, de fausses déchirures tranchent la précision des carreaux pour révéler des motifs sous-jacents, imitant la superposition usée que l'on trouve souvent en milieu urbain. Ces déchirures constituent des contradictions visuelles – les carreaux ne se déchirent pas – et pourtant, elles ancrent l'œuvre dans la réalité matérielle des affiches de rue, des collages et des prospectus. L'effet suggère une histoire qui se déploie à travers le temps, où les esthétiques se construisent, se grattent et se réassemblent pour créer une histoire vivante. Cette illusion invite le spectateur à remettre en question ses propres conceptions de la permanence, de la tradition et de l'identité. L'intégration et l'influence urbaine de Shepard Fairey L'influence caractéristique de Shepard Fairey se mêle à la structure modulaire de l'œuvre grâce à l'intégration d'une symbolique géométrique audacieuse et de points focaux centraux aux tons rouges. Connu pour sa campagne OBEY Giant et l'affiche Hope pour Barack Obama, Fairey apporte à cette collaboration un sens graphique aiguisé. Sa présence dans Modular, sans être dominante, s'intègre harmonieusement, permettant ainsi au dialogue entre son langage visuel engagé et la fluidité ornementale d'Add Fuel de se déployer pleinement. La composition témoigne de l'attachement de Fairey à la superposition, à la répétition et aux formes symboliques du pouvoir, contribuant à la profondeur conceptuelle de l'œuvre sans pour autant éclipser le support décoratif. Il s'agit d'une fusion rare entre art urbain et création de motifs historiques, emblématique de la volonté de Fairey de préserver le message au sein de la forme. Savoir-faire et concept dans l'art urbain pop et le graffiti Cette sérigraphie a été réalisée avec une méticulosité extrême, grâce à la superposition de plusieurs couches d'encre sur papier Speckletone. Ce choix, qui fait écho aux origines urbaines des deux artistes, confère à l'œuvre finale une qualité digne des galeries d'art. La tension formelle qui caractérise « Modular », entre ornementation classique et symbolisme pop, en fait un exemple emblématique du street art et du graffiti contemporains. Elle reflète une esthétique en constante évolution, où la collaboration enrichit le sens et où le passé culturel n'est pas figé dans le silence, mais animé par l'intervention visuelle. Pour les collectionneurs et les spectateurs, « Modular » offre une expérience tactile et symbolique : une estampe qui conjugue avec brio la précision de la tradition et l'urgence du présent. Elle témoigne du pouvoir transformateur de la surface, du récit et de la subversion.

Lis Plus Moins

ABC Camo Shark - Silver 100% & 400% Bape BE@RBRICK Édition Limitée Medicom Vinyl Artwork Toy Collectable Art Figure. Bape x Bearbrick Medicom Collectible 2022, taille 400%, neuf en boîte Fruit d'une collaboration exceptionnelle entre deux géants de la culture urbaine et du design, la figurine ABC Camo Shark-Silver 100% & 400% Bape BE@RBRICK est un chef-d'œuvre d'art contemporain. Créée en 2022, cette figurine en vinyle en édition limitée est le résultat d'un partenariat entre Bape et Bearbrick Medicom. Véritable œuvre symbolique, elle met en lumière l'influence du pop art, du street art et du graffiti sur l'esthétique et la culture urbaines actuelles. Élégamment ornée du motif camouflage ABC emblématique de Bape et ponctuée par le design reconnaissable de la tête de requin, cette pièce de collection rend un hommage évident aux motifs urbains qui ont marqué toute une génération. Ses teintes argentées, associées au motif camouflage, offrent un contraste saisissant, captivant le regard et affirmant une personnalité. Avec sa taille de 400 %, la figurine s'impose comme une pièce maîtresse dans toute collection d'art ou de figurines. La finition impeccable et le souci du détail qui font la renommée de Medicom Toy transparaissent dans chaque centimètre de cette pièce, lui conférant un attrait non seulement en tant que jouet, mais aussi en tant qu'œuvre d'art. Alors que le street art gagne en reconnaissance et en influence, les collaborations comme celle-ci entre Bape et Bearbrick Medicom soulignent l'évolution du genre, des expressions underground aux objets de collection grand public. Le BE@RBRICK ABC Camo Shark-Silver n'est pas un simple jouet ; c'est une toile qui raconte l'histoire de la transformation de l'art et de la culture urbaine au XXIe siècle. Cette pièce célèbre ce parcours, témoignant de la créativité et de l'innovation inhérentes au paysage artistique urbain contemporain.

Lis Plus Moins

Love Gloves - Unity Hands, figurine de collection en vinyle, édition limitée, œuvre d'art créée par l'artiste de graffiti urbain OG Slick. 2021 OG Slick (né en 1967) Love Gloves (Unity Hands), 2021 Vinyle coulé peint 12,7 x 29,2 x 10,2 cm (5 x 11-1/2 x 4 pouces) Estampillé sous le gant blanc

Lis Plus Moins

Figurine de collection Target Black HPM Shoot To Kill en édition limitée, œuvre d'art en vinyle réalisée par l'artiste de graffiti urbain Luke Chueh. 2012, signée, avec une image et un texte uniques dessinés à la main et rehaussés à la main : « Tirez pour tuer ». Édition limitée à 250 exemplaires (un nombre limité d'exemplaires HPM avec des dessins uniques dessinés à la main sur le mur). Sculpture de 16,5 x 26,5 cm, neuve dans sa boîte. Fournie avec un pinceau et un pot de peinture amovibles. Issue de la célèbre série Target de Luke Chueh, elle représente un ours peignant une cible sur sa poitrine, debout devant un mur de tir dessiné à la main avec une cible noire et un pot de peinture. Cible noire HPM Shoot To Kill de Luke Chueh La sculpture en vinyle « Shoot To Kill » de Luke Chueh, intitulée « Target Black HPM », est une œuvre d'art saisissante et d'une grande précision, signée par l'une des voix les plus marquantes du street art et du graffiti. Sortie en 2012 en édition limitée à 250 exemplaires, cette figurine fait partie de la célèbre série Target. Certains exemplaires ont été rehaussés à la main, imprégnés de l'humour noir et de la force symbolique caractéristiques de l'artiste, avec des illustrations et des textes personnalisés dessinés à la main sur le socle représentant un mur de tir, derrière la figurine d'ours. Cette version particulière arbore la phrase « Shoot To Kill » inscrite sur le fond brisé, créant un contraste glaçant entre innocence et violence. Symbolisme visuel et éléments artistiques Cette sculpture de 16,5 x 26,5 cm capture l'essence du style narratif de Chueh. Un ours blanc, solennel et impassible, tient fermement un pinceau et un seau rouge, arborant fièrement une cible noire fraîchement peinte sur sa poitrine. Derrière lui, un mur de béton fragmenté est criblé d'impacts de balles et orné d'un dessin enfantin représentant l'ours lui-même, les yeux grands ouverts, au milieu des décombres. Les mots « Tirer pour tuer » amplifient la confrontation de l'œuvre avec les thèmes de la vulnérabilité, du ciblage et de l'exposition émotionnelle. Chaque élément de la sculpture, de l'expression inexpressive du personnage au socle granuleux et aux marques façon graffiti, pousse le spectateur à s'interroger sur la frontière entre compassion et complicité dans un monde désensibilisé à la violence. Rareté de collection et poids conceptuel Produite par Munky King, cette version Target Black HPM est non seulement en édition limitée, mais aussi personnalisée, ce qui en fait une pièce de collection précieuse pour les amateurs de vinyles contemporains et d'art urbain. L'ajout d'ornements dessinés à la main directement sur le fond transforme cette pièce de série en un hybride entre jouet et œuvre d'art originale. Elle se situe à la croisée du récit et de la critique conceptuelle. L'emballage lui-même renforce l'importance de la pièce : la peinture originale est reproduite sur la boîte et un insert moulé protège parfaitement la figurine, le pinceau et le pot de peinture. Influence sur l'art urbain contemporain, le pop art et le graffiti Luke Chueh, artiste américain reconnu pour son exploration des traumatismes personnels et de la satire grinçante à travers des personnages anthropomorphes minimalistes, mêle sans cesse iconographie pop et expériences humaines brutes. Dans cette sculpture, il manipule la mignonnerie d'un ours de dessin animé et l'insère dans un contexte de conflit et de forte instabilité émotionnelle. Il en résulte une métaphore visuelle poignante : une mise à nu auto-infligée, où l'artiste devient littéralement la cible. « Target Black HPM Shoot To Kill » n'est pas qu'un simple objet de collection. C'est une réflexion sur la projection de la douleur, la construction de l'identité et la manière dont l'art reflète le malaise profond de la vie moderne avec une simplicité saisissante et une honnêteté percutante.

Lis Plus Moins

Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

Lis Plus Moins

« Lovers Stencil », sérigraphie en édition limitée 10 couleurs sur papier beaux-arts, par l'artiste Aiko, œuvre d'art pop contemporaine. Édition limitée à 40 exemplaires, signée et numérotée à la main au pochoir, 2016. Dimensions de l'œuvre : 18 x 24 pouces. « J'aime créer des images liées aux moments romantiques, aux amoureux et aux baisers. Mes sujets tournent presque toujours autour d'histoires d'amour, de couples et de jeunes femmes séduisantes au quotidien. Mon prénom, Aiko – l'un des prénoms féminins japonais les plus courants – signifie amour. L'amour est mon fil conducteur depuis toujours, et ce, depuis ma plus tendre enfance. J'ai toujours adoré créer. Je dessinais pour moi, ma mère, ma famille et mes camarades de classe. Juste pour le plaisir. J'aime créer quelque chose qui nous procure du bien-être, quelque chose de beau que je peux partager avec tous. Quelque chose de plein d'amour. » – Aiko Amants par AIKO « Lovers » est une sérigraphie vibrante et chargée d'émotion d'AIKO, artiste reconnue pour son mélange d'art urbain, de pochoirs et d'iconographie pop, qu'elle aborde avec des thèmes profondément personnels comme l'amour et la féminité. Cette œuvre s'articule autour d'un portrait intime, réalisé dans le style graphique caractéristique d'AIKO, combinant des lignes audacieuses, des aplats de couleurs superposés et des éléments symboliques tels que des fleurs, des cœurs et des motifs de cartes à jouer. Le résultat est à la fois ludique et tendre, un équilibre entre innocence et sensualité immédiatement reconnaissable comme le langage visuel d'AIKO. La composition reflète les racines d'AIKO dans le graffiti et l'art du pochoir, tout en embrassant le raffinement de la gravure d'art. Le visage expressif, adouci par des tons pastel et ponctué de contours noirs marqués, invite le spectateur à un moment de douce tendresse. Des fragments graphiques et des touches de couleur environnantes ajoutent rythme et mouvement, évoquant des bribes de souvenirs, d'émotions et d'instants romantiques fugaces. L'amour, à la fois sujet et atmosphère, imprègne l'œuvre sans jamais tomber dans le sentimentalisme forcé. Réalisée en 2016, « Lovers » est une sérigraphie artisanale en dix couleurs sur papier d'art, mesurant 45,7 x 61 cm. Chaque exemplaire est signé et numéroté par l'artiste et édité à seulement 40 exemplaires. Par son tirage restreint, la minutie de la superposition des pochoirs et son récit profondément personnel, « Lovers » témoigne de la contribution majeure d'AIKO à l'art pop et urbain contemporain, célébrant l'amour comme une force créatrice puissante et inépuisable.

Lis Plus Moins

Phase 1 PP Épreuve d'impression d'archives par Sket-One Tirage en édition limitée sur papier d'art de musée 310 g/m² Œuvre d'art moderne d'artiste pop. Épreuve d'imprimeur PP 2016 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Taille 24x13 Pigment d'archivage Beaux-Arts Phase 1 Coloris Arc-en-ciel Coulures colorées Visage souriant. « Phase1 PP Printer Proof » de Sket-One : une symphonie chromatique dans le pop art urbain « Phase1 PP Épreuve d'Imprimeur » de Sket-One représente une fusion saisissante entre le street art, le graffiti et l'esthétique vibrante du pop art. Cette édition limitée, imprimée sur papier d'art de qualité musée 310 g/m², met en lumière la capacité de Sket-One à manipuler la couleur et la forme pour créer une œuvre visuellement captivante. Signée et marquée « Épreuve d'Imprimeur » de 2016, elle capture l'essence de la philosophie artistique de Sket-One, alliant le dynamisme du street art à la finition soignée du pop art moderne dans une œuvre unique et fascinante. Les dimensions de « Phase1 » (61 x 33 cm) offrent un large espace à la palette chromatique de Sket-One, un spectre à la fois prouesse technique et régal pour les yeux. Sa technique de coulures colorées confère à l'œuvre mouvement et fluidité, suggérant un instant figé où les couleurs se fondent les unes dans les autres. Ce mouvement est juxtaposé à l'emblématique smiley, motif indissociable du travail de l'artiste. Le smiley de cette œuvre est déconstruit, ses éléments dispersés dans la composition, jouant avec la perception du spectateur et l'invitant à le reconstituer visuellement. Le pigment d'archivage utilisé dans « Phase 1 » garantit que les couleurs de l'estampe restent aussi vives et percutantes qu'au jour de son impression. Cette encre de haute qualité et ce papier beaux-arts assurent longévité et résistance aux intempéries, un critère essentiel pour les collectionneurs et les amateurs de street art et de graffiti. La mention « PP » est cruciale, car les épreuves d'imprimerie sont souvent considérées comme plus précieuses que les estampes standard en raison de leur nombre limité et de leur rôle dans le processus d'impression. Le travail de Sket-One a toujours été à l'avant-garde du street art, un genre qui emprunte à l'iconographie et à l'accessibilité de la culture populaire et les imprègne de l'énergie brute du street art. « Phase 1 » ne fait pas exception. C'est une affirmation audacieuse de la maîtrise de l'artiste sur son médium et de sa volonté de repousser les limites du possible dans le cadre de l'estampe. Cette œuvre reflète non seulement le talent artistique de Sket-One, mais aussi le mouvement plus large du pop art urbain, qui ne cesse de remettre en question et de redéfinir les limites de l'art contemporain. « Phase 1 PP Printer Proof » de Sket-One symbolise le pouvoir transformateur du pop art urbain et du graffiti. Elle témoigne de la vision de l'artiste et de sa contribution à l'évolution de ces genres. L'estampe instaure un dialogue entre l'artiste et le public. Cette exploration colorée fait le lien entre l'esprit rebelle du street art et l'expérience muséographique traditionnelle. De ce fait, elle constitue à la fois une œuvre d'art moderne précieuse et un apport stimulant au discours sur le pop art et le street art au XXIe siècle.

Lis Plus Moins

Sérigraphie en édition limitée « Anubis Afterlife 4 couleurs, poussière de diamant tirée à la main, sur papier papyrus égyptien », par Marwan Shahin, artiste de street art et pop art. Édition limitée à 30 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Format : 14 x 17,5 pouces. « Shahin Studios est ravi de présenter ANUBIS AFTERLIFE de Marwan Shahin ; cette œuvre est l’aboutissement de plusieurs mois d’expérimentation avec différentes teintures pour vieillir le papier papyrus. Cette nouvelle édition est interprétée par une sérigraphie artisanale en quatre couleurs sur du papyrus égyptien authentique teinté à la sauce soja. Chaque estampe est minutieusement agencée avec un treillis de poussière de diamant noire, créant ainsi des effets kaléidoscopiques visuellement envoûtants. » – Marwan Shahin. L'odyssée créative de « Anubis Afterlife » de Marwan Shahin « Anubis Afterlife », une création envoûtante de Marwan Shahin, illustre la remarquable convergence entre tradition ancestrale et pratique artistique contemporaine. Œuvre de street art, cette sérigraphie en édition limitée sur papier papyrus égyptien incarne l'esprit du pop art moderne tout en rendant hommage à la riche iconographie de l'Égypte antique. L'utilisation du papyrus authentique comme support est un hommage aux méthodes d'expression artistique ancestrales, sublimées par les techniques de vieillissement innovantes de Shahin qui confèrent à l'œuvre une aura d'antiquité. Alchimie artistique sur papyrus Shahin, artiste égyptien de street art et de pop art, s'est lancé dans un processus d'expérimentation méticuleux pour perfectionner le vieillissement du papyrus, cherchant à obtenir un effet de teinture à la sauce soja qui confère au papier une qualité éthérée évoquant les artefacts historiques. L'œuvre, une édition limitée à 30 exemplaires de 35,5 x 44,5 cm, représente le dieu Anubis, divinité égyptienne antique associée à la momification et à l'au-delà. Cette figure est minutieusement détaillée grâce à quatre couches de sérigraphie réalisées à la main, aboutissant à une composition visuellement saisissante et riche en symboles. L'incorporation de poussière de diamant noir ajoute une dimension tactile qui capte la lumière, créant des effets kaléidoscopiques qui renforcent l'aura mystique de l'œuvre. La poussière de diamant, un matériau popularisé par Andy Warhol, témoigne de l'ingéniosité de Shahin qui combine les techniques traditionnelles de la sérigraphie avec les ornements luxueux du pop art. L'œuvre qui en résulte est un hommage au patrimoine culturel du pays natal de Shahin, à l'énergie vibrante du street art et à l'éclat brillant du pop art. Fusion visuelle du passé et du présent par Marwan Shahin « Anubis Afterlife » témoigne de la vision créative de Marwan Shahin, où le riche héritage de l'art égyptien rencontre l'audace et l'immédiateté du pop art urbain. À travers la figure d'Anubis, Shahin transcende les millénaires, dialoguant avec les symboles de la mythologie antique tout en s'intéressant à l'esthétique contemporaine. Le choix d'Anubis, divinité symbolisant le passage vers l'au-delà, suggère l'exploration de thèmes tels que la transition, la transformation et le cycle éternel de la vie et de la mort. L'introduction du pop art urbain au sein du panthéon des motifs égyptiens confère à cette œuvre une dimension narrative unique. De la même manière que le street art s'approprie et recontextualise souvent des images et des symboles issus de la culture populaire, Shahin se réapproprie une icône de son histoire culturelle, la réinterprétant à travers un prisme moderne. Cette réinvention inscrit « Anubis Afterlife » dans la lignée du pop art qui remet en question et redéfinit les frontières entre culture savante et culture populaire. Une tapisserie du temps tissée par Marwan Shahin L'œuvre « Anubis Afterlife » de Marwan Shahin est un exemple lumineux de la manière dont les artistes contemporains peuvent puiser aux sources de leur héritage tout en contribuant au débat mondial sur la conversion. Elle souligne le potentiel du pop art et du graffiti comme plateformes de narration culturelle et d'innovation artistique. Par sa fusion de médiums et de motifs, Shahin tisse une tapisserie visuelle qui relie l'ancien à l'avant-garde, invitant le spectateur à contempler la continuité harmonieuse entre histoire et modernité. Dans le pop art et le street art, l'œuvre de Shahin illustre comment les éléments traditionnels peuvent être réinterprétés pour toucher un nouveau public. Son agencement complexe de couleurs et de matériaux transcende la simple reproduction, offrant une expérience immersive qui reflète le passé et ouvre des perspectives pour l'avenir de l'expression artistique. « Anubis Afterlife », avec sa narration texturée et sa splendeur visuelle, est une œuvre d'art de collection qui capture l'esprit dynamique du street art, incarnant le pouls d'une culture qui résonne à travers le temps.

Lis Plus Moins

Super Soup - Red Trip, édition limitée, papier buvard d'art, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par l'artiste pop moderne Denial. Édition limitée à 30 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2022. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey.

Lis Plus Moins

Sérigraphie originale unique Jelly Monster Pink de Buff Monster, tirée à la main sur papier d'art, édition limitée. Œuvre originale unique, sérigraphie sur panneau de bois, signée et datée de 2006. Dimensions : 10,13 x 10,13 pouces. Jelly Monster Pink par Buff Monster – Un chaos ludique dans l'art pop urbain et le graffiti L'estampe sérigraphique unique « Jelly Monster Pink » de Buff Monster (2006) est une œuvre marquante des débuts de l'artiste américain, révélant son approche irrévérencieuse et sucrée du street art, du pop art et du graffiti. Tirée à la main sur un panneau de bois de 25,7 x 25,7 cm, cette pièce originale, signée et datée, est bien plus qu'une simple estampe : c'est un hybride entre peinture, objet pop et graffiti. La figure rose gélatineuse au centre, aux contours noirs marqués, exhale l'esthétique caractéristique de Buff Monster, un joyeux grotesque. Des yeux hypnotiques tourbillonnants, une bouche cousue et un corps évoquant un bonbon mou ou une confiserie extraterrestre jouent avec les thèmes de l'innocence et du surréalisme. La texture du bois confère une dimension tactile à l'œuvre, ancrant ses couleurs vives et sa forme ludique dans un support plus robuste et durable. Buff Monster et le langage visuel du pays des bonbons urbain Buff Monster, né à Hawaï et installé à New York, est une figure majeure de l'évolution du street art et du graffiti. Reconnu pour son utilisation obsessionnelle du rose et sa fusion de la culture kawaii japonaise avec l'esthétique punk rock et heavy metal, il a développé un style singulier, tout en contradictions. Jelly Monster Pink est emblématique de cette dualité : à la fois adorable et troublant, mignon et désordonné. Le personnage présenté dans cette œuvre incarne l'intérêt de Buff Monster pour la création d'un univers où les mascottes mutantes et les couleurs sucrées désarment le spectateur, avant de provoquer un second regard où le malaise et l'ironie commencent à émerger. Cette œuvre de 2006 s'inscrit dans une période où l'artiste développait sa présence dans le milieu du street art, transposant ses monstres peints à la main en estampes, jouets, fresques et expositions. Permanence du médium, du matériau et de la culture urbaine Contrairement aux sérigraphies classiques sur papier, Jelly Monster Pink est imprimée directement sur un panneau de bois, ce qui souligne sa durabilité et brouille la frontière entre impression et objet. Le grain du bois, subtilement visible à travers l'encre rose, offre un contraste qui amplifie la vivacité artificielle du personnage. Le procédé d'impression manuelle de Buff Monster garantit que chaque exemplaire est unique, renforçant ainsi l'éthique artisanale et influencée par le graffiti qui imprègne toute sa pratique. Cette œuvre dégage la même énergie que ses premiers collages de rue et autocollants, mais dans un format adapté à une exposition en galerie ou pour collectionneurs. Elle illustre comment des artistes issus de la culture graffiti se sont approprié des matériaux artistiques traditionnels sans renoncer à leur impact visuel. Absurdité caricaturale et dissidence enrobée de sucre Jelly Monster Pink s'exprime à travers une logique cartoon et des visuels sucrés, mais ses sous-entendus sont profondément subversifs. La bouche barrée du personnage, ses yeux vides en spirale et ses dents proéminentes suggèrent une incompréhension – une émotion masquée par la douceur ou une créature plongée dans une confusion perpétuelle. Ce mélange d'innocence et de distorsion illustre l'esprit de Buff Monster, qui utilise des formes mignonnes pour exprimer le chaos, l'incertitude et la satire. Dans l'univers plus vaste du street art et du graffiti, son œuvre bouleverse les attentes en canalisant la nostalgie à travers un miroir déformant. Elle transforme les symboles de l'enfance en un commentaire sophistiqué sur l'identité, la culture et l'art lui-même. Jelly Monster Pink est un exemple à la fois ludique et puissant de cette pratique, alliant un design épuré à une imagination débordante et une pointe d'irrévérence qui ne s'estompe jamais complètement.

Lis Plus Moins

Bloodscape, une œuvre originale de Richard Hambleton, technique mixte, réalisée avec du sang. Œuvre unique sur papier d'art de qualité supérieure par un artiste pop art de rue. Peinture originale signée de 1995 représentant du sang humain. Dimensions : 16 x 12 pouces (40,6 x 30,5 cm) encadrée (23,5 x 19,5 pouces (60 x 49,5 cm)). En bon état, comme indiqué, avec un léger pli de manipulation en haut à gauche. L'essence provocatrice de l'art de Richard Hambleton Richard Hambleton, artiste canadien décédé en 2017, demeure une figure énigmatique du street art. Son œuvre « Bloodscape », une création originale mêlant sang et techniques mixtes, illustre la force viscérale et l'intimité brute qui caractérisent son art. Réalisée en 1995, cette œuvre révèle l'utilisation non conventionnelle du sang humain par Hambleton, conférant à la toile une dimension à la fois personnelle et littérale de la vie. Mesurant 40,6 x 30,5 cm (encadrée à 59,7 x 49,5 cm), cette pièce incarne une affirmation audacieuse à la croisée des chemins entre beaux-arts et street art, un phénomène qui a marqué la carrière novatrice de Hambleton. Richard Hambleton : Un pionnier du street art La contribution d'Hambleton au pop art urbain résidait autant dans le médium que dans le message. Son choix d'utiliser le sang comme matériau n'était pas motivé par la simple volonté de choquer ; il établissait un lien profondément intime entre la condition humaine et le paysage urbain. « Bloodscape » porte en elle non seulement l'essence physique de l'artiste, mais aussi la résonance émotionnelle et psychologique de son vécu. Avec cette œuvre, Hambleton poursuivait son exploration de la mortalité et de la vulnérabilité, thèmes récurrents dans son art urbain, notamment sa célèbre série « Shadowman » qui hantait les rues de New York dans les années 1980. L'état de « Bloodscape », jugé bon hormis un léger pli de manipulation en haut à gauche, reflète les imperfections inhérentes à l'art urbain. Dans cet univers, l'expressivité prime sur la perfection. C'est un témoignage silencieux du passage du temps et de la pérennité de la vision d'Hambleton. L'œuvre provient de la collection de Robert Murphy, ce qui assure son appartenance au monde de l'art contemporain de renom. Authenticité et héritage dans l'œuvre de Hambleton L'authenticité de l'œuvre est validée par un certificat d'authenticité manuscrit de Robert Murphy et un autre de Dirtypilot. Ce geste souligne l'importance de la provenance dans l'art, notamment pour des œuvres aussi atypiques que « Bloodscape ». La reconnaissance par le monde de l'art de ces méthodes et supports non conventionnels témoigne d'une compréhension plus nuancée des matériaux artistiques et de l'évolution des paramètres du pop art et du street art. À l'instar de nombreuses œuvres de Hambleton, « Bloodscape » ne se limite pas à l'appréciation esthétique ; c'est un outil de dialogue, une invitation à contempler la nature éphémère de la vie et la permanence de l'art. L'utilisation du sang, fluide indissociable de la vie, comme médium dans cette peinture en techniques mixtes invite le spectateur à s'interroger sur la vitalité de l'artiste, inscrite dans l'œuvre. Chaque coup de pinceau, chaque éclaboussure, est une signature, une part de Hambleton lui-même, figée dans le temps. Cette peinture, œuvre singulière à la croisée du street art, du pop art et du graffiti, continue de susciter le dialogue, de remettre en question les perceptions et de provoquer de fortes émotions, illustrant ainsi le potentiel de l'art à éveiller l'âme humaine. L'héritage de Richard Hambleton et d'œuvres comme « Bloodscape » réside dans leur exploration audacieuse de territoires artistiques inexplorés et dans leur capacité intacte à stimuler la réflexion, bien après la disparition de l'artiste.

Lis Plus Moins

Snoopy sans titre, Brooklyn Museum, sérigraphie par Kaws - Brian Donnelly, tirée à la main sur papier d'art, édition limitée. Édition limitée 2020 signée et numérotée à 25 exemplaires. Œuvre d'art de taille 8x10,5. Sérigraphie représentant Snoopy magenta-rouge-orange du dessin animé Peanuts. KAWS Brian Donnelly Snoopy Sans titre Brooklyn Museum Sérigraphie 2020 Cette sérigraphie en édition limitée de 2020, signée Brian Donnelly (alias KAWS), illustre son style unique, mélange de street art, de pop art et de graffiti, avec un clin d'œil évident à l'iconographie de la culture populaire. Mesurant 20,3 x 26,7 cm, l'œuvre présente la silhouette de Snoopy, personnage des Peanuts de Charles Schulz, réinterprétée par des aplats de couleurs géométriques audacieux dans des tons magenta, rouge-orangé, turquoise et bleu profond. La pureté des aplats de couleur, associée au contour immédiatement reconnaissable du personnage, élimine les détails superflus pour se concentrer sur la forme et la palette, une caractéristique de l'approche de KAWS en matière d'abstraction de personnages. Blocs de couleurs audacieux et forme minimaliste L'œuvre se caractérise par un vocabulaire visuel épuré mais puissant, remplaçant les détails par d'aplats saisissants de couleurs saturées. KAWS distille la forme de Snoopy en segments abstraits, créant un équilibre entre reconnaissance et transformation. L'utilisation de la sérigraphie permet une pigmentation intense et une séparation nette des teintes, soulignant la qualité graphique qui caractérise une grande partie du travail de l'artiste. Cette méthode met en lumière son talent pour transformer des icônes de la culture populaire en compositions contemporaines raffinées. Édition limitée sortie musée Tirée à la main sur papier d'art, cette sérigraphie a été produite à seulement 25 exemplaires, chacun signé et numéroté par l'artiste. Créée exclusivement pour le Brooklyn Museum, sa rareté renforce son attrait auprès des collectionneurs d'art contemporain et d'objets de la culture populaire. Le tirage limité garantit son exclusivité, tandis que son lien avec le musée souligne sa place au sein d'une institution prestigieuse, alliant le prestige de l'art contemporain à un sujet accessible. L'évolution artistique et l'impact culturel de KAWS Né en 1974 à Jersey City, dans le New Jersey, Brian Donnelly a débuté sa carrière comme graffeur dans les rues de New York avant d'intégrer le circuit des galeries et des musées. Ses œuvres fusionnent esthétique commerciale, personnages animés et précision des beaux-arts, faisant de lui l'une des figures les plus reconnues de la culture visuelle contemporaine. Cette sérigraphie de Snoopy témoigne de l'exploration constante par KAWS des thèmes de l'identité, de la nostalgie et de la société de consommation, transformant des personnages animés emblématiques en œuvres à part entière qui touchent plusieurs générations, tout en conservant le langage visuel du street art et du graffiti.

Lis Plus Moins

Holiday Japan - Figurine de collection en vinyle noir en édition limitée, œuvre d'art réalisée par l'artiste de graffiti Kaws et Brian Donnelly. Sculpture artistique en vinyle noir peint, édition limitée 2019, inspirée des fêtes de fin d'année au Japon. Dimensions : 9 x 4 x 3,5 pouces (23 x 10 x 9 cm). Estampillée au dos. Éditeur : AllRightsReserved, Hong Kong. État quasi neuf. Emballage d'origine. Kaws - Brian Donnelly Street Pop Art & Graffiti Holiday Japan - Noir KAWS, de son vrai nom Brian Donnelly, est une figure emblématique du street art et de l'art commercial. Ses œuvres se caractérisent souvent par une forte présence graphique, des couleurs vives et de larges aplats de peinture rappelant la publicité et le graffiti traditionnel. L'édition limitée Holiday Japan Black est une pièce remarquable qui incarne l'essence même de la démarche artistique de KAWS. Avec ses yeux barrés distinctifs et ses formes exagérées, cette sculpture fusionne la spontanéité du street art et le raffinement des objets d'art de collection. Le marché des figurines d'art de collection a connu une forte croissance ces dernières années, et des pièces comme l'édition limitée Holiday Japan Black de KAWS, alias Brian Donnelly, sont devenues très recherchées. Cette œuvre est un exemple parfait de street art et de graffiti, reflétant le style unique de l'artiste et l'esprit du mouvement culturel. Cette sculpture en vinyle célèbre le street art et le graffiti contemporains, illustrant comment ce genre peut harmonieusement mêler imagerie ludique et critique artistique pointue. Avec son élégant vinyle coulé peint en noir, cette œuvre aux dimensions compactes de 23 x 10 x 9 cm (9 x 4 x 3,5 pouces) est une pièce de choix pour les collectionneurs d'art et les amateurs de street art. L'esthétique de l'édition limitée Holiday Japan Black rend hommage aux origines de l'artiste dans le graffiti et à son ascension au rang de figure incontournable des collections d'art contemporain. Authenticité et valeur de collection Les collectionneurs d'œuvres de KAWS sont attirés non seulement par leur esthétique, mais aussi par l'authenticité et l'exclusivité de ses pièces. L'édition limitée Holiday Japan Black est estampillée au verso, portant la marque de son créateur et éditeur, AllRightsReserved, basé à Hong Kong. Ce tampon constitue un gage d'authenticité, un aspect crucial pour les collectionneurs attentifs à la provenance et à la légitimité des œuvres qu'ils acquièrent. Le fait que cette œuvre soit conservée en parfait état, ou presque, dans son emballage d'origine, accroît encore sa valeur. Les collectionneurs recherchent souvent des pièces conservées dans un état aussi proche que possible de leur état d'origine, emballage compris. Ce dernier, souvent orné d'œuvres de l'artiste, devient partie intégrante de l'expérience de collection et, dans certains cas, sa valeur est presque égale à celle de l'œuvre qu'il renferme. Impact sur la culture populaire et l'art La popularité de l'édition limitée Holiday Japan Black de KAWS sur le marché des objets de collection témoigne de l'impact culturel du Street Pop Art et du graffiti ces dernières années. Le passage de KAWS, de graffeur tapissant les rues de New York à figure reconnue du monde de l'art, illustre l'évolution des frontières entre art « noble » et art « populaire ». Son œuvre remet en question les distinctions traditionnelles et suggère que l'art peut être accessible tout en conservant un haut niveau de maîtrise technique et une grande profondeur conceptuelle. L'édition limitée Holiday Japan Black, comme d'autres œuvres de KAWS, met souvent en scène des personnages et des motifs qui trouvent un écho auprès d'un large public, abolissant le fossé entre culture populaire et beaux-arts. Cette accessibilité a permis au Street Pop Art et au graffiti de fidéliser un public qui dépasse le cadre du marché de l'art traditionnel et touche à la mode, à la musique et au design. La figurine Holiday Japan Black de KAWS est une pièce maîtresse de son œuvre et une représentation significative du Street Pop Art et du graffiti contemporains. Elle représente bien plus qu'un simple objet de collection : un véritable artefact culturel qui incarne l'interaction dynamique entre la culture urbaine et le monde de l'art contemporain. Sa popularité et la forte demande des collectionneurs témoignent de l'intérêt croissant porté à des formes d'art autrefois marginalisées, marquant une évolution passionnante dans la perception et l'évaluation des œuvres inspirées par le street art.

Lis Plus Moins

This Land Is Your Land AP Silkscreen Print by Shepard Fairey- OBEY Artist Proof Hand-Tired Screen Print on Speckletone Fine Art Paper Limited Edition Pop Street Art Artwork. Épreuve d'artiste AP 2012 Signée et marquée AP Tirage original en édition limitée Format 18x24 Sérigraphie d'une œuvre inspirée de la musique de Neil Young : Homme, montagnes, barbelés et la phrase « Défense d'entrer, cette terre est ma terre » Cette terre est votre terre AP Sérigraphie de Shepard Fairey « This Land Is Your Land » est une sérigraphie d'artiste (épreuve d'artiste) de 2012 de Shepard Fairey, artiste américain connu pour son projet OBEY et son rôle dans l'essor du street art, du pop art et du graffiti contemporains. Tirée à la main sur papier d'art moucheté, cette sérigraphie a été signée et estampillée « Épreuve d'artiste » (EA) lors du tirage original. Mesurant 45,7 x 61 cm, cette édition se distingue de l'édition standard par sa rareté et son lien direct avec la pratique artistique de Fairey. L'image représente une figure masculine solennelle se détachant sur un paysage montagneux, traversé de barbelés horizontaux, accompagné du texte provocateur « No Trespassing This Land Is My Land » (Défense d'entrer). L'œuvre puise son inspiration conceptuelle dans la musique folk et contestataire américaine, notamment dans les thèmes associés à Neil Young, tout en les réinterprétant dans le langage visuel caractéristique de Fairey. Imagerie, typographie et symbolisme politique La figure centrale est réalisée dans le style graphique caractéristique de Fairey, mêlant contrastes marqués et textures superposées qui évoquent à la fois les traditions de la sérigraphie et les surfaces urbaines patinées par le temps. Les montagnes à l'arrière-plan symbolisent le patrimoine naturel et l'identité nationale, tandis que les barbelés qui traversent la composition instaurent une tension, une restriction et une exclusion. La typographie audacieuse ancre le message, transformant une formule patriotique familière en une affirmation de conflit plutôt que d'unité. En faisant passer le sentiment d'une terre partagée à celui d'un territoire contesté, Fairey met en lumière les contradictions inhérentes aux récits américains concernant la propriété, les frontières et l'accès. La palette rouge, blanche et bleue renforce la dimension politique, faisant référence au symbolisme national tout en critiquant la manière dont ces symboles sont utilisés. Contexte culturel et pertinence durable Créée durant une période de vifs débats autour de l'aménagement du territoire, de la propriété privée et des libertés individuelles, « This Land Is Your Land » témoigne de l'engagement constant de Shepard Fairey envers les structures de pouvoir et la justice sociale. Cette œuvre s'inscrit dans sa pratique artistique plus large, qui consiste à utiliser le street art et le graffiti pour susciter le dialogue plutôt que pour apaiser. En mêlant des références culturelles inspirées par la musique à des barrières visuelles telles que des barbelés, Fairey souligne combien les idéaux de liberté et d'égalité sont souvent bridés par les politiques publiques, l'économie et l'idéologie. Le statut d'épreuve d'artiste renforce l'importance de cette œuvre, la positionnant à la fois comme un objet de collection et une déclaration culturelle percutante. Dans l'œuvre de Fairey, cette estampe demeure un exemple éloquent de la manière dont l'art graphique peut constituer une forme de protestation visuelle, ancrée dans le symbolisme historique tout en abordant les réalités contemporaines.

Lis Plus Moins

Vous êtes nouveau ici, n'est-ce pas ? - Glow, édition limitée, sérigraphie artisanale 10 couleurs phosphorescente sur papier naturel 100 lb, par Bernie Wrightson, artiste macabre de pop art moderne. Épreuve d'artiste AP 2014 Signée et marquée AP Œuvre d'art en édition limitée, format 20x30 Épreuve d'artiste AP, variante phosphorescente, 11 couleurs (phosphorescence incluse), dimensions 20×30, signée, édition limitée à 75 exemplaires. Imprimée sur papier naturel 100 lb.

Lis Plus Moins

Yogi sous Xanax - Sérigraphie en édition limitée, 7 couleurs, tirée à la main, sur papier Mohawk Superfine UltraWhite, par Ben Frost, artiste de street art rare et célèbre du pop art. 2022 Ben Frost Yogi on Xanax, sérigraphie artisanale 7 couleurs sur papier Mohawk Superfine UltraWhite, couverture 160 lb, 61 x 61 cm (24 x 24 po), signée et numérotée par l'artiste. Tirage limité à 25 exemplaires, imprimés par POP!NK Editions. Yogi sous Xanax par Ben Frost – Intervention de la culture pop dans l'art urbain et le graffiti « Yogi on Xanax » est une sérigraphie artisanale en édition limitée de 2022, réalisée en sept couleurs par l'artiste australien Ben Frost sur papier Mohawk Superfine UltraWhite de 160 lb. Mesurant 61 x 61 cm, cette sérigraphie a été produite à seulement 25 exemplaires, signés et numérotés, sous la direction de POP!NK Editions. Reconnu pour son mélange subversif d'icônes de la culture pop et de sujets controversés, Frost livre une image provocatrice qui fusionne l'innocence de Yogi l'Ours avec le langage visuel froid d'une étiquette de Xanax. Cette juxtaposition crée une confrontation entre humour et critique, nostalgie de l'enfance et dépendance chimique, tout en conservant la vivacité graphique et la précision d'exécution qui caractérisent sa pratique artistique. L'œuvre est audacieuse, brillante et ironique, conçue pour susciter à la fois la reconnaissance et le trouble chez le spectateur. La satire pharmaceutique et la familiarité des dessins animés se rencontrent L'œuvre de Ben Frost remet régulièrement en question les récits aseptisés du marketing et de l'imagerie médiatique. Dans « Yogi on Xanax », l'utilisation de l'ours Yogi – personnage animé associé à l'insouciance et aux dessins animés de l'enfance – est délibérément décalée par rapport au monde clinique et réglementé des médicaments sur ordonnance. Son sourire joyeux et ses couleurs vives contrastent avec les avertissements et les indications de dosage figurant sur les emballages de Xanax. L'œuvre explore les thèmes de l'évasion, du refoulement des émotions et de la marchandisation de la santé, suggérant que même les symboles les plus innocents ne sont pas à l'abri des pressions sociales. Le traitement iconographique opéré par Frost reflète les stratégies centrales du street art et du graffiti, où le langage visuel est détourné pour révéler des vérités cachées et des contradictions culturelles. Technique d'impression, qualité de surface et précision des matériaux Réalisée avec précision sur papier Mohawk Superfine UltraWhite, la sérigraphie sept couleurs garantit une application nette de chaque couche d'encre, offrant un contraste saisissant et un équilibre tonal parfait. Ce papier épais intensifie les couleurs et préserve la netteté de chaque trait et détail du texte. La sérigraphie, technique incontournable du pop art depuis l'époque d'Andy Warhol, permet à Frost de reproduire le style épuré des emballages commerciaux tout en y insufflant une tension conceptuelle intense. Chaque tirage est signé et numéroté à la main, ce qui renforce sa valeur de collection et l'inscrit parmi les œuvres d'art urbain pop et graffiti de prestige. L'implication de POP!NK Editions dans la production garantit une finition digne des plus grandes galeries, assurant à chaque tirage une richesse conceptuelle et une perfection technique irréprochables. Le commentaire culturel de Ben Frost à travers la distorsion de la marque Ben Frost continue de repousser les limites de la communication par l'imagerie pop, dans un format critique, ironique et visuellement saisissant. « Yogi on Xanax » opère à plusieurs niveaux : parodie, produit et perturbation visuelle. L'œuvre puise dans les archives des médias de masse et réinterprète des icônes familières en leur attribuant des connotations nouvelles et troublantes. Cette démarche est au cœur de la stratégie du Street Pop Art et du graffiti, où la répétition, l'appropriation et la recontextualisation ne sont pas de simples choix esthétiques, mais des actes radicaux. En plaçant une figure comme Yogi l'Ours dans le contexte de la nécessité médicale et de la régulation émotionnelle, Frost interroge la manière dont la société attribue sens et valeur aux images. Son art reflète un monde où les dessins animés vendent des pilules et les pilules, du calme, un monde où marque et identité fusionnent en une seule surface. « Yogi on Xanax » n'est pas qu'une simple œuvre de pop art : c'est une réflexion incisive et sans concession sur la culture visuelle contemporaine.

Lis Plus Moins

Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

Lis Plus Moins

Édition limitée Wolf Mandala, sérigraphie artisanale 3 couleurs avec couche transparente UV sur papier d'art noir réglisse 90 lb par Chris Saunders, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 75 exemplaires, signée et numérotée, 2016. Dimensions de l'œuvre : 24 x 24 pouces. « Cette œuvre a été vendue à un ami cher l'année dernière. Initialement une commande personnalisée, elle a évolué au fil du temps. Elle recèle de nombreux symboles sacrés et a été créée dans le but de protéger l'espace où elle est accrochée. À cette époque, je traversais des transformations intérieures qui m'ont inspiré à créer une œuvre protectrice, et l'archétype du loup incarnait parfaitement cette qualité. Pour moi, le loup symbolise à la fois l'intelligence et la force d'un gardien. Mon travail consiste à créer un miroir réfléchissant qui permette au spectateur de se voir en lui-même et de susciter des changements intérieurs positifs. J'explore actuellement la combinaison de symboles archétypaux et de mandalas, symboles de force, pour protéger l'espace qu'ils occupent et rappeler au spectateur sa propre force et son pouvoir intérieurs. » - Chris Saunders

Lis Plus Moins

Achetez The Empresses- H10-4 Suiko Pop Street Artwork Edition Limitée Giclee & Giltter Sérigraphie sur Feuille d'Aluminium par l'Artiste Moderne Urban Graffiti Damien Hirst. Signé 2022 Matériaux : Impression Giclée laminée sur composite d'aluminium, sérigraphiée avec des paillettes. Dimensions de l'oeuvre : 100 x 100 cm Détails complémentaires : Signé et numéroté sur l'étiquette 39.37x39.37 Suiko, une composition qui évoque la vie à bien des égards, porte le nom de la première impératrice du Japon enregistrée. Bien que la légende raconte que plusieurs femmes avaient régné avant Suiko (554-628 CE), son ascension au pouvoir après l'assassinat de son frère Sushun en 592 CE a marqué une rupture avec la tradition d'installer des dirigeants masculins. On se souvient de Suiko pour les influences chinoises et coréennes qu'elle a apportées au pays, notamment la mise en œuvre du calendrier chinois, l'arrivée d'artisans chinois et coréens et, peut-être plus particulièrement, l'établissement du bouddhisme. Dans Suiko, des ailes jumelées de différentes tailles émanent du centre de l'œuvre, produisant un cercle concentrique symétrique, un arrangement de composition qui rappelle le symbolisme bouddhiste et le cycle de vie. Ce motif circulaire est remarquablement défini par des lignes scintillantes de rouge qui traversent la composition en diagonale du centre pour rejoindre chaque coin. Avec les ailes sur un fond rouge, les lignes traversent les paires d'ailes désincarnées où les corps existaient autrefois. Comme c'est le cas pour chaque œuvre de la série, Suiko apparaît dans un état constant de transformation, les papillons bougeant et évoluant au fur et à mesure que l'on se tient devant l'œuvre. Alors que les subtilités peuvent être vraiment appréciées de près l'impression, de loin, la composition prend une nouvelle vie. De ce point de vue, Suiko se révèle avoir un arrangement d'ailes en ballon, qui sont organisés autour du motif central de cercles concentriques et complétés par des arrangements externes d'autres ailes. Cet agencement s'apparente à une structure biologique ou moléculaire, évocatrice des organismes qu'elle représente.

Lis Plus Moins

Sérigraphie rouge « Burning The Dead » de Cleon Peterson, tirée à la main sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m², édition limitée. Édition limitée à 150 exemplaires, signée et numérotée, 2016. Œuvre de 43,5 x 17 pouces, sérigraphie artisanale à bords frangés. « Burning The Dead Red » est une sérigraphie saisissante de l'artiste Cleon Peterson, reconnu pour son approche singulière du street art et du graffiti. Cette œuvre, sortie en 2016, est une édition limitée à 150 exemplaires signés et numérotés. Imprimée sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m², elle mesure 110,5 x 43 cm et présente des bords frangés à la main qui contribuent à son esthétique unique. La sérigraphie représente des personnages engagés dans ce qui semble être un acte cérémoniel, sur un fond rouge vif et contrasté. Les lignes audacieuses et la composition dynamique de l'œuvre sont emblématiques du style de Peterson, qui explore souvent les thèmes du chaos, du désordre et de la lutte pour le pouvoir au sein des structures sociales. En tant que récit visuel, « Burning The Dead Red » invite le spectateur à se confronter aux aspects les plus sombres de la nature humaine et à la complexité des hiérarchies sociales. Cette œuvre témoigne de la capacité de Peterson à exploiter l'énergie brute et expressive du street art et à la traduire en sérigraphies finement réalisées qui font écho au discours socio-politique contemporain.

Lis Plus Moins

Nevertiti 2Vth Diamond Dust Papyrus Artwork Giclée en édition limitée sur papyrus égyptien par l'artiste de graffiti pop culture Marwan Shahin. « Nevertiti », estampe d'art sur papyrus « Poussière de diamant », édition limitée à 99 exemplaires (35 x 45 cm). Réalisée à la main par Shahin Studios en Égypte, cette œuvre célèbre la nouvelle exposition solo de Marwan Shahin, « Pyramid Schemes », qui ouvrira ses portes à Los Angeles le 6 novembre 2021 à la galerie Done. Chaque estampe est accompagnée d'une puce cryptographique permettant l'enregistrement et l'authentification de l'œuvre sur la blockchain. Signée, numérotée et portant la marque de Marwan Shahin, elle contient également une puce NFC pour l'authentification via Fine Art Ledger .

Lis Plus Moins

Bugged Out - Édition surdimensionnée, impression d'art pigmentaire d'archives en édition limitée sur papier d'art Somerset Hot Press 290 g/m² par l'artiste de graffiti pop moderne Ben Frost. Warner Brothers Looney Tunes Bugs Bunny - Tirage pigmentaire d'archives signé et numéroté sur papier d'art Somerset Hot Press 290 g/m² - Format : 50,8 x 50,8 cm (20 x 20 pouces) - Sortie : 26 novembre 2021 - Tirage : 25 exemplaires Ce n'est pas un hasard si une grande partie de son œuvre consiste en des images de dessins animés détournées, comme celles des Looney Tunes, qu'elle transpose dans un nouveau contexte artistique sans en altérer les connotations originales. Cette réinterprétation visuelle, que Frost déploie dans son travail, est suffisamment nostalgique pour nous paraître immédiatement familière, mais aussi troublante, au point de capter notre attention et de nous empêcher de détourner le regard.

Lis Plus Moins

The Crawler - Édition limitée noire, sérigraphie artisanale bicolore sur papier Arches Rag 290 g/m² à bords frangés, par Cleon Peterson, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 150 exemplaires, signée et numérotée, 2017. Dimensions de l'œuvre : 20 x 26,75 pouces. Les estampes de Cleon Peterson sont éditées à 150 exemplaires. Réalisées en juin 2017, elles sont signées et numérotées par l'artiste. Format : 50,8 x 66 cm (20 x 26,75 pouces). L'univers de Cleon Peterson est empreint d'une cruauté impitoyable, d'une débauche chaotique et d'une lutte sans fin contre le pouvoir et l'oppression. Ses compositions, d'une apparente simplicité, recèlent des connotations complexes et une critique troublante de la marginalisation, de l'isolement et du désespoir croissants de la société. À la vue de son œuvre, on comprend aisément que l'artiste ne prône pas la violence ; il l'utilise plutôt comme une arme dans sa lutte contre l'apathie.

Lis Plus Moins

« Love Is The Answer », sculpture en résine peinte en rose par Mr. Brainwash - Thierry Guetta, édition limitée, œuvre d'art pop, artiste de rue, beaux-arts. Sculpture signée et numérotée, édition limitée à 18 exemplaires (2023). Dimensions : 10,5 x 6,5 x 1,5 cm. Boîte avec inscription « L'amour est la réponse » en rose. La vitalité du pop art urbain dans la sculpture rose de Thierry Guetta La sculpture en résine peinte en rose « Love Is The Answer » de Thierry Guetta, plus connu sous le nom de Mr. Brainwash, est une œuvre audacieuse, à la croisée du street art, du pop art et du graffiti. Pièce en édition limitée, elle se distingue par sa teinte rose vibrante et résonne avec l'énergie de la culture street art tout en incarnant l'esthétique du pop art. Cette sculpture, faisant partie d'une série exclusive limitée à seulement 18 exemplaires, chacun signé et numéroté par l'artiste, mesure 26,7 x 16,5 x 3,8 cm. Elle est présentée dans un coffret spécialement conçu, reprenant la couleur rose de la sculpture, pour une expérience visuelle cohérente entre l'œuvre et son emballage. Le choix d'un rose vif par Mr. Brainwash pour cette sculpture est particulièrement saisissant, insufflant un sentiment de fantaisie et de rébellion souvent associé au street art contemporain. Dans ce contexte, le rose peut être perçu comme une remise en question de l'ordre établi, fréquemment utilisé dans le street art et le graffiti pour attirer l'attention et affirmer un message. Cette couleur possède également d'importantes connotations culturelles, représentant l'amour et la compassion et remettant en question les normes de genre, ce qui en fait un choix judicieux pour une sculpture intitulée « L'amour est la réponse ». Matière et message dans l'art en édition limitée de Guetta Pour la création de cette sculpture, Thierry Guetta a choisi la résine, un matériau polyvalent et durable qui permet une grande précision des détails et une finition brillante, à la fois esthétique et résistante. L'utilisation de la résine témoigne également de la transformation du street art, passé d'une forme éphémère à un art préservé et célébré au sein du monde des beaux-arts. La surface tactile de la sculpture invite le spectateur à une interaction visuelle et physique, faisant écho à la nature interactive du street art. L'inscription « Love Is The Answer » est un thème central dans l'œuvre de Mr. Brainwash, souvent perçue comme un message universel d'espoir et d'unité. En répétant ce motif dans une série de sculptures en édition limitée, Guetta réaffirme le pouvoir de l'amour comme une réponse récurrente aux questions complexes de notre époque. La disponibilité limitée de ces sculptures leur confère une touche d'exclusivité, tout en rendant le message accessible et universel, reflétant l'esprit inclusif du Street Pop Art. L'expression artistique contemporaine dans l'œuvre de Guetta Le travail de Thierry Guetta, alias Mr. Brainwash, a joué un rôle de premier plan dans l'intégration de l'esthétique du street art dans les galeries d'art, et cette sculpture rose ne fait pas exception. L'œuvre incarne la rencontre entre l'énergie brute et dynamique du street art et la sensibilité sophistiquée et grand public du pop art. L'art de Guetta remet en question les perceptions établies, incitant à repenser la distinction entre art savant et art populaire, et la question de la portée de l'art. La sculpture « Love Is The Answer », de couleur rose, avec sa teinte audacieuse et son message poignant, est un microcosme de la démarche artistique plus vaste de Guetta. Elle représente une célébration de la culture urbaine, une critique de la marchandisation de l'art et une lueur d'espoir dans un monde divisé. Alors que le street art continue d'évoluer et de trouver de nouvelles expressions, la contribution de Thierry Guetta demeure essentielle, faisant de lui un artiste qui capte l'air du temps et contribue à le façonner.

Lis Plus Moins

Goofy Love - Sérigraphie en édition limitée rouge 5 couleurs tirée à la main sur papier Mohawk Superfine UltraWhite à bords frangés à la main par Ben Frost, artiste de street art rare et célèbre du pop art. Goofy Love, 2016 - Sérigraphie artisanale 5 couleurs, variante rouge, avec dégradé bicolore. Imprimée sur papier Mohawk Superfine UltraWhite 160 lb, bords frangés. 51 x 61 cm. Édition limitée à 50 exemplaires, signés et numérotés par Ben Frost. Imprimée par POP!NK Editions. Goofy Love - Version rouge par Ben Frost : Une icône audacieuse du street art et du graffiti. « Goofy Love - Red Variant » est une œuvre saisissante de street art et de graffiti, créée par l'artiste australien Ben Frost, reconnu internationalement pour son mélange provocateur d'imagerie pop et de critique de la société de consommation. Sortie en 2016, cette œuvre rare est une sérigraphie artisanale en cinq couleurs, réalisée selon la technique du dégradé bicolore, qui confère une profondeur et une richesse exceptionnelles à la composition. Imprimée sur papier Mohawk Superfine UltraWhite 160 lb aux bords frangés à la main, elle mesure 51 x 61 cm (20 x 24 pouces). Tirée à seulement 50 exemplaires, chacun signé et numéroté par Ben Frost, elle a été produite par la célèbre maison d'édition POPINK Editions. Mettant en scène le personnage Disney adoré de Dingo, Frost subvertit l'innocence traditionnelle en représentant des mains ensanglantées formant le mot « LOVE », offrant ainsi un commentaire percutant sur la dualité de l'affection et de la violence. La méthode artistique et la puissance derrière Goofy Love - Variante rouge L'utilisation par Ben Frost d'un procédé de sérigraphie cinq couleurs confère à « Goofy Love - Red Variant » une intensité saisissante et dynamique. La technique du dégradé bicolore crée un effet de dégradé hypnotique, renforçant la sensation de mouvement et le tumulte émotionnel qui se dégagent de l'image. En employant le papier Mohawk Superfine UltraWhite aux bords frangés, Frost assure que la qualité tactile de l'œuvre soit à la hauteur de son impact visuel, soulignant ainsi son authenticité artisanale. Dingo, généralement perçu comme un symbole d'innocence maladroite, devient, sous l'interprétation de Frost, le vecteur d'un commentaire plus sombre. Ses yeux grands ouverts, presque paniqués, et ses mains ensanglantées invitent le spectateur à une réflexion sur la violence cachée derrière les notions d'amour et de dévotion. Cette œuvre remet en question les représentations consuméristes de l'amour et révèle les réalités complexes, souvent violentes, qui peuvent se dissimuler sous des émotions superficielles, un thème central du Street Pop Art et du graffiti. L'approche révolutionnaire de Ben Frost en matière d'art urbain pop et de graffiti Né en Australie, Ben Frost s'est taillé une place unique dans le monde du street art et du graffiti en mêlant avec constance le familier et le provocateur. Son travail consiste souvent à s'approprier et à recontextualiser des logos d'entreprises, des personnages de dessins animés et des emballages pharmaceutiques pour critiquer le consumérisme moderne et les normes sociales. Dans « Goofy Love - Red Variant », Frost transforme avec brio une figure universellement appréciée en un symbole de vérités humaines troublantes. Sa capacité à juxtaposer le ludique et la violence illustre le potentiel subversif du street art et du graffiti, un style qui se nourrit de la remise en question des récits établis et de la provocation de réactions émotionnelles brutes chez les spectateurs. La maîtrise des techniques de sérigraphie de Frost, associée à ses choix thématiques audacieux, confirme sa réputation de figure majeure de la scène contemporaine. La valeur de collection et l'impact culturel de Goofy Love - Variante rouge La rareté et la qualité de l'impression de « Goofy Love - Red Variant » en font une pièce très recherchée par les collectionneurs et les amateurs de street art et de graffiti. Tirée à seulement 50 exemplaires, chacun signé et numéroté à la main par Ben Frost, cette œuvre capture un moment où l'imagerie pop traditionnelle se métamorphose en une critique percutante des émotions contemporaines. Le choix du papier Mohawk Superfine UltraWhite et les bords frangés à la main, réalisés avec minutie, élèvent cette pièce au-delà de la simple estampe, l'élevant au rang d'œuvre d'art. Imprimée par POPINK Editions, studio réputé pour ses sérigraphies de haute qualité réalisées pour des artistes de renom, cette œuvre représente une contribution majeure à l'évolution du street art et du graffiti. « Goofy Love - Red Variant » invite le spectateur à se confronter aux contradictions de l'amour, de la violence et de la marchandisation, d'une manière dont seul un maître de la subversion culturelle comme Ben Frost pouvait parvenir.

Lis Plus Moins

C/S III 9 couleurs, édition limitée tirée à la main, finition blanc perle vieilli, sérigraphie sur papier d'art Stonehenge blanc 250 g/m² par OG Slick x Chaz Bojorquez, art de rue rare, artiste pop célèbre. Édition limitée numérotée de 150 exemplaires, signée par OG Slick et Chaz Bojorquez (2016) Dévoiler l'essence de C/S III par OG Slick et Chaz Bojorquez C/S III s'impose comme une œuvre marquante de la série collaborative d'OG Slick et Chaz Bojorquez, deux figures emblématiques du street art et du graffiti. Cette sérigraphie artisanale en édition limitée, réalisée en neuf couleurs sur papier Stonehenge White Fine Art Paper 250 g/m², incarne l'esprit de la scène street art de Los Angeles. Lancée en 2016, cette œuvre rare est signée méticuleusement par OG Slick et Chaz Bojorquez et numérotée P3. Tirée à 150 exemplaires, elle offre un spectacle visuel saisissant et raconte une histoire, portant en elle l'évolution du street art. La patte d'OG Slick est manifeste dans les mains à la fois ludiques et affirmées, aux allures de dessins animés, et dans la bombe aérosol qui domine le premier plan de C/S III. Cette imagerie, souvent associée à l'esprit rebelle du street art, devient le symbole des racines de l'artiste dans le mouvement graffiti et de son talent pour saisir l'essence même du paysage urbain. L'approche de Slick en matière de street art embrasse les influences de la culture pop de son époque, reflétant un lien profond avec les jeunes générations et les amateurs de street art qui se reconnaissent dans son langage visuel. La contribution de Chaz Bojorquez au dialogue visuel de C/S III Chaz Bojorquez contribue à C/S III de sa signature calligraphique emblématique, devenue indissociable de son nom. Son style, profondément influencé par la culture graffiti Cholo, offre un contraste subtil et fluide avec l'audace brute des figures de Slick. Le fond de l'estampe est une toile ornée de la signature typographique de Bojorquez, créant une profondeur visuelle et évoquant les racines historiques du graffiti comme forme de communication urbaine. L'œuvre de Bojorquez transcende l'esthétique, abordant les thèmes de l'identité culturelle et du commentaire social, et célébrant les communautés souvent sous-représentées qui constituent l'épine dorsale de la culture urbaine. La finition blanc nacré vieilli de l'estampe ajoute une dimension supplémentaire, introduisant une impression de vieillissement et de résilience qui reflète la nature souvent éphémère du street art. Cette finition, associée au papier d'art haut de gamme Stonehenge White, confère à l'œuvre une impression de permanence et de sophistication, lui permettant d'occuper un espace qui fait le lien entre les expressions urbaines éphémères et les œuvres d'art de collection durables. La pertinence culturelle de C/S III dans le street art et le pop art C/S III occupe une place culturelle majeure dans le street art et le pop art. Œuvre en édition limitée, elle reflète un moment charnière où l'énergie brute du graffiti et l'audace du pop art ont convergé sous la houlette d'OG Slick et Chaz Bojorquez. Cette collaboration témoigne du pouvoir transformateur du street art, illustrant sa capacité à évoluer tout en honorant ses racines. Collectionneurs et amateurs du genre apprécient cette œuvre pour sa valeur artistique et sa représentation du dialogue entre les différentes époques et styles du street art. L'impact de C/S III dépasse son attrait visuel, remettant en question les perceptions traditionnelles de l'art et de sa place dans la société. Par leur collaboration, OG Slick et Chaz Bojorquez invitent le public à explorer les récits inscrits dans les paysages urbains, utilisant le langage du street art pour raconter des histoires souvent négligées. Le tirage limité, la qualité d'exécution méticuleuse et le prestige des signatures des artistes font de C/S III une œuvre majeure de l'histoire de l'art contemporain. L'héritage de C/S III et de ses artistes L'héritage de C/S III réside dans sa représentation d'une forme d'art dynamique et en constante évolution, intrinsèquement liée à la rue qui l'a vue naître. La collaboration entre OG Slick et Chaz Bojorquez témoigne avec force du potentiel d'influence et d'inspiration du street art. Œuvre rare, C/S III porte en elle les histoires, les luttes et les triomphes des communautés qui ont façonné le genre, assurant ainsi que la voix de la rue continue de résonner dans les temples de l'art.

Lis Plus Moins

Figurine Mickey Mouse Vintage Noir et Blanc 1000% BE@RBRICK Édition Limitée Vinyle Art Toy Figurines de Collection Urbaines Figurine Bearbrick Medicom Disney Mickey Mouse Vintage B&W Ver. 1000% (noir/blanc)

Lis Plus Moins

Smoking Face 84 est une peinture à l'huile originale de Peter Keil, une œuvre d'art sur panneau de masonite réalisée par l'Homme Sauvage de Berlin, un artiste contemporain célèbre. Peinture à l'huile sur panneau de masonite, signée et datée de 1984. Œuvre originale de 61 x 61 cm (24 x 24 pouces). Peter Keil utilise une peinture épaisse, et quelques écailles peuvent être présentes en raison de l'âge et de la nature de son travail. Représentation d'un homme au visage marqué par les radiations fumant une cigarette. Analyse de « Smokey Face '84 » de Peter Keil « Smoking Face '84 » est une saisissante huile sur panneau de Masonite, réalisée par l'artiste contemporain Peter Keil, souvent surnommé « l'Homme sauvage de Berlin » pour son style énergique et anticonformiste. Datée de 1984 et signée par l'artiste, cette œuvre originale de 61 x 61 cm témoigne de l'expressivité de Keil, qui utilise des couleurs vibrantes et des coups de pinceau audacieux. Le tableau, représentant un homme au visage rougeaud fumant une cigarette, se distingue par l'épaisseur de la peinture, une technique caractéristique de son art. Au fil des ans, la peinture de cette œuvre remarquable s'est partiellement écaillée, conséquence naturelle du vieillissement du support et de l'utilisation généreuse de la matière par Keil, ce qui confère à l'œuvre une dimension tactile et une authenticité historique. Le sujet de « Smoking Face '84 » est présenté avec une intensité brute typique du pop art urbain et du graffiti. Les traits exagérés et les contrastes de couleurs saisissants confèrent à l'œuvre une immédiateté et un impact visuel typiques du street art. Le motif du fumeur, symbole chargé de connotations culturelles, est représenté d'une manière qui le transforme d'un simple acte en une véritable prise de position, témoignant de la capacité de l'artiste à insuffler une signification profonde aux scènes du quotidien. Cette œuvre illustre le talent de Keil pour saisir l'essence de ses sujets à travers un regard personnel et évocateur. La technique artistique et l'impact de Peter Keil Les aspects techniques de « Smoking Face '84 » témoignent du talent artistique de Keil et de son influence sur l'art moderne. Le choix du panneau Masonite comme support pour cette œuvre s'inscrit dans sa préférence pour des matériaux robustes et durables, capables d'accueillir une application de peinture généreuse. La douceur du support contraste avec la texture épaisse de la peinture, créant un jeu de textures visuellement stimulant et invitant au toucher. Cette expérience sensorielle fait écho à la dimension physique du graffiti, où l'environnement joue un rôle central dans la perception de l'œuvre. Par ailleurs, l'utilisation de la couleur par Keil dans « Smoking Face '84 » reflète son style distinctif, souvent caractérisé par une palette audacieuse et non conventionnelle. La teinte rouge dominante du visage n'est pas un simple choix chromatique, mais une volonté délibérée de transmettre émotion et personnalité. Cette représentation saisissante est une caractéristique du pop art, qui met l'accent sur la culture populaire et le street art, puisant ses racines dans une expression brute et spontanée. La peinture de Keil transcende la toile pour devenir une expression dynamique du caractère humain et un commentaire de l'artiste sur des thèmes sociétaux. L'héritage de « Smokey Face '84 » dans le pop art et le street art L'héritage de « Smoking Face '84 » dans le monde de l'art est considérable. Cette œuvre illustre la capacité de Peter Keil à faire le lien entre l'esprit rebelle du street art et l'imagerie iconique du pop art. Ce tableau témoigne de l'influence de Keil sur ces genres, révélant son talent pour transformer des sujets ordinaires en œuvres d'art extraordinaires. Ses contributions ont favorisé une meilleure compréhension et une plus grande appréciation de l'art inspiré du street art au sein des beaux-arts. De plus, le tableau révèle la vision plus globale de l'artiste, pour qui l'art est un médium accessible et universel. L'œuvre de Keil, dont « Smoking Face '84 », remet en question les frontières élitistes traditionnellement associées aux beaux-arts, promouvant une vision démocratisée de l'art, en accord avec l'esprit d'inclusion du Street Pop Art et du graffiti. Cette œuvre représente non seulement le parcours artistique de Keil, mais aussi le potentiel transformateur de la fusion entre l'art traditionnel et les expressions urbaines contemporaines. « Smoking Face '84 » est une œuvre marquante de Peter Keil, qui capture l'énergie et la passion qu'il insuffle à sa toile. Ce tableau vibrant, véritable récit, continue de captiver le public par son imagerie audacieuse et sa force expressive. Intégrée à l'œuvre de Keil, « Smoking Face '84 » demeure une pièce majeure, incarnant l'esprit du Street Pop Art et du graffiti, et témoignant de l'influence durable de l'artiste sur la scène artistique contemporaine.

Lis Plus Moins

Sérigraphie Share par Kaws - Brian Donnelly, tirée à la main sur papier beaux-arts gris acier 250 g/m², édition limitée. Sortie en 2021, édition limitée numérotée et signée à 500 exemplaires en 2022. Œuvre d'art de 16 x 20 pouces, sérigraphie représentant Gray Kaws Companion Accomplice tenant une poupée BFF Companion rose. La sérigraphie « Share » de KAWS, de son vrai nom Brian Donnelly, est une œuvre majeure du mouvement contemporain du Street Pop Art. Elle illustre la convergence entre l'expressivité brute du graffiti et la précision de la gravure d'art. Lancée en 2021, puis signée et numérotée en 2022, cette œuvre en édition limitée incarne le méticuleux croisement entre culture urbaine et art contemporain, caractéristique du travail de KAWS. Tirée à 500 exemplaires, chaque estampe occupe une place de choix sur le marché de l'art, synonyme de rareté et d'exclusivité. KAWS : De graffeur à phénomène artistique mondial Brian Donnelly, alias KAWS, a fait ses premiers pas dans la culture graffiti à Jersey City. Ses premières œuvres se distinguaient par leur esprit rebelle ; il s’appropriait souvent les panneaux publicitaires pour y mettre en scène ses personnages désormais emblématiques. Au fil des ans, KAWS s’est imposé comme une figure majeure de la scène artistique internationale, dépassant ses racines graffiti pour explorer un éventail plus large de médiums, dont la peinture, la sculpture et, comme en témoigne son œuvre « Share », la sérigraphie traditionnelle. Le mérite artistique de « Share » « Share » témoigne de la polyvalence artistique de KAWS et de sa capacité à explorer les territoires complexes du street art pop. L'œuvre met en scène le KAWS Companion gris tenant une poupée BFF Companion rose, imprimée sur un papier d'art gris acier de 250 g/m². Le choix de ce papier gris acier non seulement met en valeur les nuances de gris du Companion, mais accentue également le rose vif de la BFF, créant un effet visuel à la fois saisissant et chargé d'émotion. Les Companions, figures récurrentes dans l'œuvre de KAWS, sont connus pour leurs expressions expressives et presque humaines qui communiquent des sentiments universels malgré leurs formes caricaturales. Les impressions sérigraphiques réalisées à la main sont un travail minutieux qui exige une grande maîtrise technique, reflétant le souci du détail et l'attachement de KAWS à l'artisanat. Chaque estampe de la série « Share » est unique de par le procédé d'impression, avec de subtiles variations qui font de chaque pièce une œuvre d'art singulière. Le tirage de 500 exemplaires, bien que relativement faible pour des produits fabriqués en série, est largement surdimensionné pour une œuvre d'art artisanale, ce qui indique la volonté de KAWS de rendre son art plus accessible au public. L'impact culturel des estampes en édition limitée de KAWS Les estampes en édition limitée de KAWS, telles que « Share », jouent un rôle crucial dans la démocratisation de l'art. Elles permettent à un public plus large de découvrir et d'acquérir une œuvre d'un artiste très respecté dans les milieux du street art et de l'art alternatif. Ces estampes servent souvent de point d'entrée pour les nouveaux collectionneurs et amateurs d'art, comblant le fossé entre les cercles artistiques exclusifs et le grand public, plus familier avec le street art et le graffiti. De plus, la présence des œuvres de KAWS dans les galeries et les boutiques de streetwear souligne la fluidité avec laquelle son art traverse différents paysages culturels. « Share », en particulier, avec sa représentation poignante de la camaraderie et de l'attention, est devenue une image symbolique qui résonne à de multiples niveaux sociaux, émotionnels et culturels. Elle exprime le besoin humain fondamental de connexion, un thème souvent exploré dans le street art, le pop art et le graffiti. Le rôle de KAWS dans l'évolution du street art La publication d'estampes sérigraphiques comme « Share » souligne l'évolution du street art, de ses débuts clandestins à son statut actuel de forme d'art reconnue et célébrée. Par sa transposition méticuleuse de l'esthétique du graffiti dans l'estampe d'art, KAWS a joué un rôle déterminant dans cette transformation. Son œuvre remet en question les notions traditionnelles d'art et la définition même de l'artiste, élargissant ainsi le public et la compréhension du Street Pop Art. « Share » de KAWS est, par essence, un puissant reflet de l'esprit du Street Pop Art. Elle capture la vitalité de la culture urbaine tout en embrassant la sophistication des beaux-arts. En tant qu'estampe sérigraphique en édition limitée, elle s'impose comme un artefact culturel qui saisit l'esprit du XXIe siècle, brouillant les frontières entre art savant et culture populaire et trouvant un écho auprès d'un public diversifié et international. À travers des œuvres comme « Share », KAWS continue de redéfinir les frontières de l'art, assurant ainsi la pérennité de son héritage pour les générations futures.

Lis Plus Moins

Achetez Post No Bills - Untitled Original One of a Kind Spray Paint & Stencil Painting Artwork on Stretched Canvas by Popular Street Art Pop Culture Artist Seen UA. 2018 Signé Original Peinture Taille 18x24 Craquelure partout. Toile non doublée.

Lis Plus Moins

Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

Lis Plus Moins

Sérigraphie artisanale en édition limitée, 3 couleurs, sur papier crème moucheté, par Shepard Fairey x Baseman. Œuvre rare de street art et d'art pop, d'un artiste célèbre. Shepard Fairey (né en 1970) Partisan, 2013. Sérigraphie en couleurs sur papier crème moucheté, 45,7 x 61 cm. Édition limitée à 400 exemplaires. Signée, numérotée et datée au crayon en bas par Shepard Fairey et Baseman. Publiée par Obey Giant, Los Angeles.

Lis Plus Moins