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Spirale psychédélique - 01 Œuvre originale peinte à la main, technique mixte à la bombe aérosol et à l'encre sur panneau de bois découpé au laser, prête à être accrochée, par Tavar Zawacki (ci-dessus), artiste de rue graffiti, art pop moderne. La série Psychédélique a été créée en lien avec ma récente exposition solo Remix. Chaque pièce de cette série a été conçue en mettant l'accent sur un contraste visuel saisissant. Elle s'apparente à l'Op art (art optique), qui provoque un véritable trip visuel. Cet effet altère la perception, comme sous l'effet de drogues psychédéliques. Certains motifs Psychédéliques ont été présentés dans Remix, tandis que d'autres ont été créés spécifiquement pour cette série. Le motif « Sunset Strip », en particulier, a été réalisé avec plus de complexité pour mon exposition Remix. Cette exposition consistait à intervertir et à remplacer différents motifs découpés d'un même dessin, dans différentes couleurs, pour obtenir l'œuvre finale. La série Psychédélique produit un effet similaire, mais dans un style plus épuré, en bloquant les couleurs et en laissant apparaître l'espace négatif.

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Baby Milo X Hajime Sorayama - Gold 1000% BE@RBRICK Édition Limitée Vinyle Illustration Medicom Toy Figurine de Collection par Bape - A Bathing Ape x Medicom . 2022 A Bathing Ape Bearbrick Rare à collectionner , neuf en boîte

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Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

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Bucket Head #4 Œuvre originale de sculpture en techniques mixtes (acrylique, métal, peinture aérosol) sur une véritable boîte de peinture vintage avec des éléments récupérés, par l'artiste de rue et artiste pop moderne Ron Zakrin. « Cette exposition explore à la fois le passé récent – ​​comment les avancées techniques dans l’industrie musicale ont façonné une génération – et le futur proche, en s’intéressant aux motifs et aux conséquences possibles des développements de l’intelligence artificielle. Cet ensemble d’œuvres d’envergure raconte une histoire d’adaptation et d’intégration de la technologie. » – Ron Zakrin

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Queen - Blue Original One of a Kind Peinture technique mixte, acrylique, peinture en aérosol sur panneau de bois encadré avec cadre de table personnalisé par le célèbre artiste de street art et de graffiti Greg Gossel. Œuvre originale signée et encadrée, 2017, Greg Gossel, Reine (Bleue), technique mixte sur panneau de bois entoilé, avec cadre sur mesure, 45,7 x 61 cm (18 x 24 po).

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Souvenirs de viol et de meurtre. Œuvre unique en son genre, technique mixte, réalisée sur toile à partir d'un journal vintage New York Mirror de 1963 par la célèbre artiste de graffiti de rue Christabel Christo. Signée en 2010, 12 x 15,5 cm, « Souvenirs de viol et de meurtre », peinture de Christabel Christo

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Billet de 100 dollars - Verso Édition limitée, peinture à l'huile embellie à la main, sérigraphie HPM sur toile par Steve Kaufman SAK, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, de 1995. Œuvre de 34 x 15 pouces (86 x 38 cm) sur toile non tendue, en parfait état. Reproduction du verso d'un billet de 100 dollars américains des années 1990. Billet de 100 dollars - Verso - Édition limitée - Peinture à l'huile HPM - Sérigraphie sur toile, ornée à la main, par Steve Kaufman L'estampe sérigraphique sur toile « Revers du billet de 100 dollars » de Steve Kaufman est un exemple saisissant d'art urbain pop et de graffiti, capturant l'essence de la culture de consommation américaine et le symbolisme de la richesse. Créée en 1995, cette œuvre HPM (Hand-Painted Multiple), signée et numérotée, est rehaussée à la main à la peinture à l'huile et fait partie d'une édition limitée à 100 exemplaires. Mesurant 86 x 38 cm sur une toile non tendue, elle offre une réinterprétation visuellement captivante du verso d'un billet de 100 dollars américains des années 1990. L'approche singulière de Kaufman en matière d'estampe, combinée à son expérience du graffiti et de l'art pop moderne, fait de cette œuvre une contribution majeure au genre. L'influence de Steve Kaufman sur le pop art urbain Steve Kaufman, souvent désigné par ses initiales SAK, fut une figure majeure du street art contemporain. Ancien assistant d'Andy Warhol, Kaufman développa un style unique, mêlant iconographie commerciale et éléments peints à la main. Son œuvre s'articulait fréquemment autour des thèmes du capitalisme, de la production de masse et de l'identité américaine, utilisant des images reconnaissables telles que la monnaie, les célébrités et les produits de consommation. Cette pièce, représentant le verso d'un billet de 100 dollars, illustre parfaitement son talent pour sublimer les symboles du quotidien en œuvres d'art. En intégrant l'esthétique du graffiti aux techniques de sérigraphie, Kaufman a transformé les formes artistiques traditionnelles en une expression dynamique et en phase avec l'ère moderne. Sa capacité à fusionner la culture urbaine et les galeries d'art contemporain a fait de lui un trait d'union entre deux mondes artistiques. Cette estampe en édition limitée, aux couleurs riches et aux textures travaillées, perpétue son héritage de remise en question des notions conventionnelles de valeur, d'art et de commerce. Le symbolisme de l'argent dans le pop art moderne L'utilisation de la monnaie comme sujet dans le pop art moderne s'enracine profondément dans l'histoire, servant souvent de critique à la richesse, au pouvoir et aux valeurs sociétales. La représentation par Kaufman du verso du billet de 100 dollars s'empare d'un objet familier et le recontextualise par la couleur, l'échelle et une intervention artistique. La présence d'Independence Hall dans la composition est particulièrement significative, symbolisant la convergence de l'histoire américaine et de la culture de consommation contemporaine. Cette œuvre est bien plus qu'une simple reproduction de monnaie : elle devient une réflexion sur l'influence de la richesse et des systèmes financiers sur l'art et la vie quotidienne. Le choix de Kaufman d'embellir chaque tirage à la main ajoute une touche d'unicité, renforçant l'idée que même dans un monde régi par la production de masse, l'individualité et l'expression artistique demeurent essentielles. L'utilisation audacieuse de la couleur et du contraste amplifie l'impact visuel, faisant de ce tirage une œuvre marquante et un objet de collection. Une pièce de collection à l'impact durable Cette reproduction du verso d'un billet de 100 dollars occupe une place à part dans l'univers du street art et du graffiti en édition limitée. Livrée sur une toile non tendue, elle offre une grande flexibilité d'encadrement et d'exposition, permettant aux collectionneurs de la mettre en valeur selon leurs goûts. L'héritage de Kaufman, artiste novateur, perdure et ses œuvres sont très recherchées pour leur pertinence culturelle et leur attrait visuel. Pour les amateurs d'art et les collectionneurs qui apprécient la fusion du graffiti, de la culture pop et des beaux-arts, cette pièce est une puissante illustration de la vision de Kaufman. Elle incarne l'audace et la spontanéité du street art tout en restant profondément ancrée dans le récit plus large de l'histoire économique et artistique américaine.

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Achetez PEINTURE One of a Kind Artwork on MEDIUM par Street Art Pop Artist. 2022 Signé MEDIA Original Peinture Taille XXXX INFO

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Il était une fois… Plus jamais ça ! - Tirage giclée en édition limitée, lenticulaire et holographique, sur papier à vision changeante, par Mimi Yoon, artiste de rue et contre-culture. Œuvre d'art signée en édition limitée 2021, format 21x27

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Tirage d'art sur papier buvard Trip Benzos, par Ben Frost, édition limitée, impression pigmentaire d'art sur papier buvard perforé. Édition limitée signée et numérotée 2025 de tirage pigmentaire d'archives à déterminer sur papier buvard perforé. Format : 7,5 x 7,5 pouces. Sortie : 19 avril 2025. Les éditions limitées sur buvard sont perforées à la main par Zane Kesey. Trip Benzos par Ben Frost : L’iconographie du jeu vidéo rencontre le pop art urbain et le graffiti « Trip Benzos », une estampe sur papier buvard en édition limitée (2025) de l'artiste australien Ben Frost, capture la collision saisissante entre culture nostalgique et critique pharmaceutique contemporaine, à travers le prisme du street art, du pop art et du graffiti. Présentée sous la forme d'un tirage pigmentaire d'archive de 19 x 19 cm sur papier buvard perforé à la main par Zane Kesey, cette œuvre est une réinterprétation psychédélique d'un personnage de jeu vidéo familier, métamorphosé en un avatar anxieux et souriant de l'intoxication médicamenteuse. L'exubérance déformée de l'expression et la palette audacieuse reflètent l'interrogation caractéristique de Frost sur les médias, la médecine et les états mentaux. Satire pharmaceutique et subversion pop Frost est mondialement reconnu pour sa capacité à détourner les icônes du divertissement commercial en une critique sociale incisive. Dans Trip Benzos, il s'approprie une mascotte de jeu vidéo emblématique et la revêt de son costume de raton laveur, cette fois-ci sous l'emprise de l'hyperréalité. Avec ses yeux aux couleurs de l'arc-en-ciel tourbillonnantes et ses membres hypertrophiés, la figure devient une métaphore des euphories artificielles et de l'évasion alimentée par les dessins animés, propres à la vie moderne. Le mot BENZOS, inscrit en lettres capitales au-dessus, ancre le regard du spectateur dans le thème pharmacologique. À l'instar de l'ensemble de son œuvre, Frost interroge ici l'éthique de la société de consommation et la frontière ténue entre divertissement et sédation. Culture visuelle sur buvard L'utilisation de buvards perforés est essentielle à la portée conceptuelle de l'œuvre. Ce support, traditionnellement associé à la distribution de LSD, est ici réapproprié comme un format d'art à part entière. L'exécution de Frost est précise, colorée et empreinte d'ironie. La vivacité hallucinogène de l'estampe et le style graphique épuré confèrent à l'image une intensité comique palpable. Les nuages ​​et les champs verdoyants forment un arrière-plan apaisant qui contraste fortement avec le titre de l'estampe, invitant le spectateur à concilier innocence et euphorie artificielle. Le support devient plus qu'une simple surface : il devient une réflexion sur la perception altérée, le marketing et l'identité. Ben Frost et le récit urbain contemporain Ben Frost, artiste basé à Sydney, s'est forgé une renommée internationale grâce à des œuvres mêlant iconographie d'entreprise, satire pop et esthétique graffiti. Son travail s'exprime souvent dans l'espace public, les galeries, et désormais sur des supports insolites comme le papier buvard, créant un dialogue entre légalité urbaine, beaux-arts et critique sociale. « Trip Benzos » prolonge l'intérêt de Frost pour la dépendance aux médicaments et la caricature de la santé mentale. C'est un instantané d'une culture imbuvable, accro au divertissement et aux médicaments qui la poussent au sourire. Cette édition limitée porte la voix de la scène underground tout en utilisant les outils du marketing de masse, une formule qui définit la puissance et la force de provocation du street art et du graffiti.

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Peinture originale de nature Pasca sur papier aquarelle par Jon Burgerman, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Dessin original sur papier de l'artiste Jon Burgerman, 2014. Dimensions : 9 x 12 pouces. « Jon Burgerman crée des gribouillis néo-primitifs vibrants, mêlant formes et couleurs. Il a intégré ses personnages monstrueux dans des compositions où des formes caricaturales s'empilent les unes sur les autres, créant une masse d'énergie explosive. D'une productivité intense, il a propulsé l'obsession des personnages de la fin des années 90 vers une direction bien plus intéressante et percutante. Imaginez Walt Disney devant un monument inca sous l'influence de la mescaline. » – Francesca Gavin, rédactrice en chef de la section Arts visuels de Dazed & Confused et auteure de Street Renegades et 100 New Artists, publiés chez Laurence King.

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Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Famille - Figurine de collection en vinyle, édition limitée marron/bleu/blanc, œuvre d'art de l'artiste pop moderne Kaws. Édition limitée ouverte 2021. Dimensions : 34 × 31 × 14,5 cm (13,39 × 12,2 × 5,71 po). Présentée avec sa boîte. L'inclusion de la diversité dans la série Family-Brown/Blue/White de KAWS Le coffret de figurines en vinyle « Family-Brown/Blue/White » de KAWS, sorti en septembre 2021, présente une collection saisissante de personnages emblématiques de l'artiste. Chacun est décliné dans une teinte distincte, créant une harmonie visuelle remarquable. Mesurant 34 x 31 x 14,5 cm, ce coffret a été dévoilé lors de l'exposition d'art TOKYO FIRST, plaçant ainsi ces personnages au cœur de la scène artistique contemporaine. Cette série comprend deux figurines Companion, une figurine Chum (mini et taille réelle) et une figurine BFF, toutes très appréciées des fans et incarnant l'esthétique signature de KAWS. Ce coffret témoigne de la capacité de KAWS à explorer les interactions entre le Street Pop Art, le graffiti et le marché des figurines de collection. Les figurines sont présentées dans leur boîte d'origine, soulignant leur caractère exceptionnel et garantissant leur état et leur valeur. La différenciation des couleurs entre les figures souligne l'individualité au sein de l'unité du design, reflétant la diversité des personnages que KAWS a créés au fil des ans. Commentaire de KAWS sur la connectivité à travers l'art et le jeu La série « Family-Brown/Blue/White » de KAWS n'est pas qu'une simple collection d'objets : c'est une réflexion subtile sur les liens et les dynamiques relationnelles, sur fond de culture pop et de street art. Tout en partageant des éléments graphiques communs, comme les yeux barrés, chaque figurine possède une personnalité et une coloration uniques. Le brun, le bleu et le blanc sont symboliques : le brun représente souvent la terre et l'ancrage des relations, le bleu la profondeur des émotions et de la communication, et le blanc la pureté et la simplicité des liens. Cette série s'inscrit également dans le récit plus large de KAWS, qui explore fréquemment les thèmes des émotions humaines et des interactions en milieu urbain. Avec son étreinte réconfortante, la figurine BFF évoque les liens qui unissent les individus, tandis que les Companions, de tailles différentes, suggèrent la croissance et l'évolution des relations personnelles. En intégrant ces thèmes à son œuvre, KAWS garantit que son art reste accessible et évocateur, faisant le lien entre l'expressivité brute du street art et l'univers raffiné du design de collection. L'impact artistique et culturel de la série Family de KAWS L'impact de la série « Family-Brown/Blue/White » de KAWS sur les scènes du street art et du graffiti est profond. Cette collection, avec son savoir-faire minutieux et sa palette de couleurs réfléchie, souligne l'évolution du street art, passé d'un acte de contestation publique à un objet très recherché sur le marché de l'art. À travers cette série, KAWS continue de repousser les limites de l'art traditionnel, étendant ainsi la perception, la valeur et l'interaction avec l'art. En tant qu'édition limitée ouverte, la série offre à la fois exclusivité et accessibilité, permettant à un large public de découvrir l'œuvre de KAWS. Cette dualité reflète la nature même du street art, ancré dans l'idée d'un art pour tous, mais de plus en plus reconnu comme une forme d'expression créative précieuse et collectionnable. La série « Family-Brown/Blue/White » n’est donc pas seulement une collection de figures esthétiquement plaisantes, mais aussi un artefact culturel qui incarne l’esprit du temps de la pratique artistique contemporaine, reflétant l’inclusivité et la diversité qui sont au cœur de la philosophie artistique de KAWS.

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D*Dogs Fallin' in Gorilla Deck Édition Limitée Sérigraphiée Skateboard Art par l'artiste de la culture pop urbaine D*Face x XLarge. Édition limitée numérotée à 30 exemplaires (2019), variante pailletée. Un singe lâche des bombes canines. Édition rare avec paillettes appliquées à la main sur le logo inférieur et contreplaqué intérieur en bois coloré. Noyau rouge ou jaune.

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Dessin 24 Dessin original à l'encre et au marqueur sur papier aquarelle par JM Rizzi, artiste de street art moderne et en vogue. Dessin original signé, réalisé à l'encre sur papier aquarelle (2021) - Format : 45,7 x 61 cm - Sortie : 15 novembre 2021

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Holiday United Kingdom UK - Figurine de collection en vinyle marron en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de street art Kaws. Sculpture d'art en vinyle 2021 : Royaume-Uni (marron), vinyle coulé peint 10-1/8 x 5-1/8 x 3-1/2 pouces (25,7 x 13,0 x 8,9 cm) Estampillé sous les pieds Produit par AllRightsReserved, Hong Kong. KAWS Holiday Royaume-Uni UK-Brown : Un objet de collection contemporain L'édition Holiday United Kingdom UK-Brown est une œuvre emblématique du célèbre artiste de street art KAWS, sortie en 2021. Sculpture en vinyle, cette pièce peinte et moulée mesure 25,7 x 13 x 8,9 cm et incarne la synthèse entre la vitalité de la culture urbaine et la finesse de l'art. Cette édition limitée, signée par l'artiste sous ses pieds, a été produite par AllRightsReserved, basé à Hong Kong. Elle est livrée neuve dans son emballage d'origine, ce qui renforce son attrait et sa valeur de collection. La riche teinte brune de la figurine évoque la chaleur souvent associée aux œuvres de KAWS, invitant à la familiarité et à la nostalgie. Cette couleur ancre la figurine dans la réalité matérielle tout en captivant l'imagination des collectionneurs et des amateurs d'art. L'édition Holiday United Kingdom témoigne de l'influence durable de KAWS sur la scène du street art pop et du graffiti, comblant le fossé entre un mouvement underground et le monde raffiné des objets de collection haut de gamme. Influence artistique et importance culturelle de l'œuvre de KAWS KAWS, figure incontournable de la scène artistique contemporaine, possède un talent unique pour transformer le street art en objets d'art de collection très recherchés. L'édition spéciale Noël Royaume-Uni (UK-Brown) témoigne de ce talent, alliant la force brute du graffiti à la précision artisanale de la sculpture. À l'instar de nombreuses œuvres de KAWS, cette pièce n'est pas un simple jouet, mais un artefact qui représente le regard que l'artiste porte sur la société, la culture et le monde de l'art. La main sur le visage, la sculpture adopte une posture qui peut être interprétée comme un geste ludique ou une réflexion plus profonde sur la notion de visibilité dans l'art et dans la vie. Cette double interprétation est souvent caractéristique de la richesse des significations du street art. Produite par AllRightsReserved, un collaborateur reconnu pour son engagement à rendre l'art novateur accessible au public, cette édition KAWS célèbre le pouvoir fédérateur de l'art par-delà les frontières et les cultures, et fait écho à l'essence même du patrimoine diversifié et riche du Royaume-Uni. L'évolution du street art dans l'exposition Holiday UK-Brown de KAWS L'édition Holiday United Kingdom UK-Brown de KAWS symbolise l'évolution du street art, passant d'expressions urbaines éphémères à des objets de collection intemporels. Elle témoigne concrètement des frontières mouvantes du pop art urbain, embrassant à la fois l'immédiateté du graffiti et la pérennité des beaux-arts. La capacité de KAWS à naviguer entre ces deux univers a fait de ses œuvres des pièces parmi les plus reconnaissables et les plus recherchées du marché des figurines d'art. La finesse de cette figurine, de sa forme à sa finition, révèle la profondeur et la complexité que permet la sculpture sur vinyle. L'édition Holiday United Kingdom, avec son emballage, est bien plus qu'un simple produit : c'est une œuvre narrative qui retrace le parcours de KAWS en tant qu'artiste et l'intégration du street art dans la culture populaire. Elle s'inscrit comme une pièce marquante dans la continuité du pop art urbain et du graffiti, captivant l'attention et l'admiration d'un public international.

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Actions Speak Louder, sérigraphie en édition limitée tirée à la main en 12 couleurs sur papier Coventry Rag 320 g/m² avec revêtement UV, par Sheefy McFly, artiste de street art rare et célèbre du pop art. Édition limitée à 150 exemplaires, signée et numérotée, 2021. Sérigraphie 12 couleurs sur papier Coventry Rag 320 g/m² avec vernis UV. Dimensions de l'œuvre : 43,5 x 54 cm. « Actions Speak Louder » s'impose comme une illustration éclatante de l'esthétique unique de Sheefy McFly, qui fusionne harmonieusement les univers du street art et du pop art. Sortie en 2021, cette œuvre en édition limitée se distingue par son éclat exceptionnel. Il s'agit d'une sérigraphie artisanale en 12 couleurs sur papier Coventry Rag 320 g/m², sublimée par un vernis UV qui garantit la longévité et la vivacité des couleurs. Mesurant 110,5 x 137 cm, chaque exemplaire de cette édition limitée à 150 exemplaires est signé et numéroté par l'artiste, ce qui renforce sa valeur de collection. L'œuvre de McFly est reconnue pour son langage visuel énergique, reflet du dynamisme de la vie urbaine. Son utilisation d'une palette riche et la superposition subtile des couleurs reflètent la complexité et l'entrelacement des récits qui composent les paysages urbains. L'application d'un vernis UV protège non seulement l'œuvre, mais lui confère également une texture et un éclat supplémentaires, enrichissant ainsi la perception du spectateur quant à l'interaction des couleurs et des formes. Dans « Actions Speak Louder », l'artiste exprime une cacophonie d'émotions et un commentaire social à travers le chaos des couleurs et l'expressivité de figures abstraites. Ces éléments s'unissent pour captiver et stimuler le regard du spectateur, mais aussi pour susciter la réflexion et le débat sur les problématiques contemporaines reflétées dans le street art. L'œuvre de McFly dépasse la simple décoration ; c'est un dialogue visuel, invitant à des interprétations aussi diverses que son public. Sheefy McFly s'est imposé comme une figure majeure du monde de l'art, ses œuvres étant très appréciées tant par les amateurs de street art que par les collectionneurs de pop art. « Actions Speak Louder » témoigne de son talent pour synthétiser couleur, ligne et forme afin de créer une estampe qui est à la fois un régal pour les yeux et une source d'inspiration, incarnant l'essence même de ce qui rend le street art et le pop art si pertinents dans la culture moderne.

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« Give Thanks », peinture originale technique mixte (acrylique, crayon et peinture aérosol) sur papier recyclé, par Erik Otto, artiste de rue graffiti, pop art moderne. Peinture originale technique mixte 13,5 x 19,75 d'Erik Otto, œuvre rare.

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Space Invader London - Sérigraphie artisanale en édition limitée 4 couleurs vertes sur papier beaux-arts par Raid71, artiste pop art célèbre et rare. Un Space Invader du jeu détruit une représentation de la véritable ville de Londres, au Royaume-Uni.

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Sur les épaules de minuscules géants I Tirages d'art en édition limitée sur toile, avec pigments d'archives, par Dave Pollot, artiste de graffiti, de street art et de culture pop. 2021 #1/25 Édition limitée signée et numérotée à 25 exemplaires. Impression grand format sur toile (31 x 40 pouces) sur toile de 17 mil à pH neutre. Marge blanche de 2 pouces autour de l'image. Sur les épaules de minuscules géants I : Tirage d'art pigmentaire d'archives par Dave Pollot « Sur les épaules de minuscules géants » est une estampe d'art sur toile, réalisée à partir de pigments d'archives par Dave Pollot, artiste de street art et de culture pop. Sortie en 2021, cette œuvre est une édition limitée à 25 exemplaires, signés et numérotés par l'artiste. Le premier exemplaire (n° 1/25) mesure 79 x 102 cm. Cette œuvre grand format met en lumière le talent de Pollot pour fusionner la peinture de paysage traditionnelle avec des éléments de pop art et de graffiti. L'utilisation d'une toile de 0,43 mm d'épaisseur, au pH neutre, garantit la longévité de l'estampe, lui conférant à la fois une grande résistance et un aspect riche et texturé. Explorer les strates de tradition et de modernité dans l'œuvre de Pollot L'œuvre de Dave Pollot s'articule souvent autour de la rencontre ludique entre les formes d'art classiques et les références culturelles contemporaines. Dans « On the Shoulders of Tiny Giants I », Pollot s'empare de ce qui semble au premier abord un paysage traditionnel et le bouleverse par une explosion de modernité inspirée du graffiti. Le premier plan représente une scène pastorale paisible, avec des arbres bordant une rivière tranquille. Les couleurs sont douces, évoquant les tons chauds et terreux caractéristiques de l'art paysager du XIXe siècle. Le paysage lui-même semble inviter le spectateur dans un monde serein où le temps semble suspendu. Cependant, la signature de Pollot est de mêler ces éléments traditionnels à une audacieuse touche contemporaine. Au centre de l'image, la peinture semble se déchirer, révélant en dessous un motif de graffiti chaotique, presque caricatural. Cette sous-couche est remplie de gribouillis abstraits et de minuscules personnages, évoquant une énergie frénétique et la culture du street art urbain. L'effet est à la fois saisissant et fascinant, comme si la surface paisible de la toile avait été déchirée pour révéler le monde vibrant et souvent chaotique qui se cache en dessous. Ce contraste entre l'ancien et le nouveau, le serein et le chaotique, est un thème central dans une grande partie de l'œuvre de Pollot. Il invite les spectateurs à remettre en question leurs idées reçues sur l'art et la culture, se demandant si l'ancien et le nouveau peuvent véritablement coexister ou si l'un dominera toujours l'autre. Dans cette œuvre, Pollot semble suggérer que les deux sont inextricablement liés – que la culture moderne, avec tout son bruit et son chaos, repose sur les fondements du passé. L'influence du pop art et du graffiti de rue L'utilisation par Pollot d'éléments visuels inspirés du graffiti dans « On the Shoulders of Tiny Giants I » s'inscrit pleinement dans la tradition du pop art urbain. Ce dernier emprunte souvent des éléments du graffiti et les réinterprète dans le cadre des beaux-arts. Dans cette œuvre, Pollot procède précisément ainsi, utilisant la partie déchirée de la toile pour révéler un univers complexe de gribouillis et de personnages évoquant le graffiti. Les personnages de la couche sous-jacente rappellent les figures ludiques, parfois absurdes, que l'on retrouve fréquemment dans le street art, conférant à l'œuvre une touche d'humour et de fantaisie. Parallèlement, l'élément graffiti sert de commentaire sur la tension entre art savant et art populaire. Les paysages traditionnels sont souvent considérés comme faisant partie du canon de l'« art savant », tandis que le graffiti est généralement associé à la culture urbaine et aux mouvements contre-culturels. En combinant les deux, Pollot invite le spectateur à s'interroger sur les hiérarchies qui existent au sein du monde de l'art. Une forme d'art est-elle intrinsèquement plus précieuse ou légitime que l'autre, ou les deux ont-elles une contribution importante à apporter ? Le choix de Pollot de représenter la couche de graffitis comme une dimension cachée sous la surface de la peinture traditionnelle soulève des questions intéressantes sur ce qui est visible et ce qui est dissimulé dans l'art et la culture. Les graffitis sont souvent créés dans l'espace public, pourtant ils sont fréquemment recouverts ou effacés, leur présence étant jugée indésirable dans certains contextes. Dans « Sur les épaules de minuscules géants I », Pollot met en lumière cette strate cachée, obligeant le spectateur à se confronter au monde vibrant et chaotique qui se trouve souvent juste hors de son champ de vision. La technique et la matérialité de l'impression Le souci du détail de Pollot transparaît non seulement dans la composition de l'œuvre, mais aussi dans les matériaux et les techniques employés. Le procédé d'impression pigmentaire d'archivage garantit la vivacité des couleurs et leur fidélité à la vision de l'artiste. Ceci est particulièrement important pour une œuvre comme « Sur les épaules de minuscules géants I », où le contraste entre les tons feutrés du paysage et la couche de graffitis aux couleurs vives est essentiel à l'impact global de l'œuvre. L'utilisation d'une toile de 17 mil à pH neutre offre une surface robuste et de haute qualité pour l'impression, permettant à la texture de la toile d'enrichir l'image. Avec ses dimensions de 79 x 102 cm (31 x 40 pouces), l'estampe ne passe pas inaperçue. Ce grand format permet au spectateur d'apprécier pleinement les détails complexes du paysage et des graffitis. La marge blanche de 5 cm (2 pouces) entourant l'image renforce la sensation de profondeur et d'espace, attirant le regard du spectateur vers le centre de l'œuvre. Cette marge remplit également une fonction pratique, facilitant l'encadrement de l'estampe tout en préservant l'intégrité de l'image. L'évolution de l'art moderne dans l'œuvre de Pollot « Sur les épaules de minuscules géants I » illustre parfaitement comment des artistes modernes comme Dave Pollot repensent les frontières de l'art. L'œuvre de Pollot s'inscrit dans un mouvement plus vaste de l'art contemporain qui cherche à abolir les distinctions entre culture populaire et culture savante, tradition et modernité, beaux-arts et art urbain. En mêlant ces éléments, Pollot crée un dialogue visuel qui témoigne de la complexité de la vie moderne. Son choix d'intégrer des éléments de graffiti à un paysage traditionnel reflète également l'influence croissante du street art dans le monde de l'art contemporain. Des artistes comme Banksy et Shepard Fairey ont popularisé le street art, remettant en question les idées reçues sur la nature et la place de l'art. L'œuvre de Pollot s'inscrit dans cette tradition, utilisant le langage du street art pour bouleverser les conventions de la peinture classique. « Sur les épaules de minuscules géants I » témoigne de la capacité de Pollot à naviguer avec aisance dans le paysage complexe de l'art moderne. Son œuvre célèbre le passé tout en portant un regard critique sur le présent, invitant le spectateur à repenser ses conceptions de l'art, de la culture et du monde. Le tirage limité de cette estampe, associé au style inimitable de Pollot, en fait une pièce précieuse pour toute collection d'art contemporain, notamment pour les amateurs d'art urbain, de culture graffiti et de beaux-arts traditionnels.

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Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Sculpture en quartz sélénite représentant une Porsche 911 Turbo 930 érodée, par Daniel Arsham. Édition limitée. Œuvre d'art pop, artiste de rue, beaux-arts. Sculpture en quartz sélénite signée, édition limitée à 500 exemplaires (2020). Dimensions : 3,58 x 5,35 x 12,21 cm. Représente une Porsche 911 Turbo 930 blanche ornée de cristaux de quartz érodés stylisés. État impeccable. Présentée dans sa boîte d'origine. Sculpture en quartz sélénite représentant une Porsche 911 Turbo 930 érodée, par Daniel Arsham La sculpture en quartz sélénite « Porsche 911 Turbo 930 érodée » de Daniel Arsham, sortie en 2020, est une pièce de collection d'une précision remarquable, fusionnant design industriel, beaux-arts et esthétique de la dégradation liée au temps. Cette œuvre sculpturale en édition limitée explore en trois dimensions la fascination d'Arsham pour l'archéologie fictive et les vestiges du futur. Produite à 500 exemplaires, chaque pièce mesure 9,1 x 13,6 x 31 cm et est moulée en quartz sélénite. La sculpture réinterprète l'emblématique Porsche 911 Turbo 930 comme si elle avait été mise au jour après des décennies d'érosion naturelle, mêlant ingénierie mécanique et formations minérales organiques dans une forme hybride saisissante et contemplative. Une fusion entre design et art conceptuel La série de véhicules érodés de Daniel Arsham est devenue emblématique de son œuvre, symbolisant la rencontre entre la réussite humaine et le passage du temps. La Porsche 911 Turbo, symbole intemporel de précision et de performance, devient le réceptacle du langage visuel spéculatif d'Arsham. Cette sculpture capture un instant de transformation : la carrosserie immaculée du véhicule est fracturée et partiellement recouverte de dépôts cristallins stylisés. Réalisée en quartz sélénite, la forme du véhicule est à la fois préservée et érodée, évoquant les thèmes de la mémoire, de la perte et de la permanence. La finition blanc mat du quartz contraste magnifiquement avec les excroissances cristallines incrustées, qui semblent perforer la surface du véhicule de l'intérieur. Ces érosions imitent les processus géologiques naturels, mais sont stylisées pour correspondre à l'approche caractéristique d'Arsham en matière de décomposition et de ruine. L'effet est à la fois futuriste et ancestral, faisant de la sculpture une relique d'un monde où la culture humaine et la nature dialoguent sans cesse. Intégrité de l'édition et valeur de collection Chaque sculpture de cette édition limitée à 500 exemplaires est signée individuellement par Daniel Arsham et présentée dans un coffret orné du logo de son atelier. Le coffret lui-même devient un prolongement de l'œuvre, grâce à une typographie réfléchissante et un graphisme audacieux qui renforcent le concept. Accompagnée d'un certificat d'authenticité, cette pièce s'inscrit dans la démarche plus large d'Arsham, qui explore des objets de design de collection brouillant la frontière entre art et artefact. La sculpture, à la fois petite et imposante, peut être exposée seule ou intégrée à une collection d'art. Elle trouve naturellement sa place dans les intérieurs contemporains, les collections muséales et les galeries, tout en séduisant les passionnés d'automobile et de design. La texture du quartz, alliée à un savoir-faire artisanal minutieux, confère à chaque pièce un caractère unique, tant par sa finition que par ses détails. Art urbain pop et graffiti à travers le prisme de la sculpture L'artiste américain Daniel Arsham travaille à la croisée de la sculpture, de l'architecture et de l'iconographie pop. Bien qu'il ne soit pas graffeur au sens traditionnel du terme, son œuvre est profondément imprégnée de l'esthétique et de l'énergie de l'art urbain, notamment à travers ses collaborations avec des artistes de rue et son utilisation de formes emblématiques de la culture. La sculpture en quartz sélénite représentant une Porsche 911 Turbo 930 érodée illustre parfaitement cette philosophie : réinventer un artefact culturel comme une œuvre intemporelle, transformée par les forces de l'entropie et de l'imagination. S'inscrivant dans la continuité du Street Pop Art et du graffiti, elle invite le spectateur à repenser ce qui est préservé et ce qui est oublié dans le flux du temps.

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Recharge Fashion Addict - Impression d'art pigmentaire d'archive en édition limitée Prada sur papier Canon Fine Art 330 g/m² par Legend Street Art et Modern Pop Culture Artist Denial. Épreuve d'artiste AP 2019, signée, édition limitée à 100 exemplaires, format 18 x 24 pouces Pilule Prada Designer Fashion Drug. Épreuve d'artiste numérotée, signée, tamponnée au verso, édition normale de 100 exemplaires, 18 x 24 pouces, impression pigmentaire d'archive sur papier Canon Fine Art 330 g/m². Denial s'est imposé comme l'une des figures les plus marquantes de la pop art contemporaine. Toujours aussi pertinent, il s'attache à susciter la réflexion. Son travail explore depuis longtemps les limites de l'appropriation culturelle, qu'il utilise pour subvertir la valeur des produits culturels inscrits dans la mémoire collective occidentale. En d'autres termes, son œuvre invite le spectateur à réinventer notre société dystopique afin de la confronter, l'humour et l'ironie étant ses principaux outils.

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Entre l'homme et Dieu - Édition limitée blanche, sérigraphie bicolore tirée à la main sur papier chiffon blanc Coventry par Cleon Peterson, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Entre l'homme et Dieu (Blanc), 2018. Sérigraphie en couleurs sur papier Coventry Rag, 71,1 x 109,2 cm (feuille). Édition 36/150. Signée, numérotée et datée au crayon en bas. Publiée par l'artiste. Légères marques de manipulation sur le bord droit. L'art de Peterson se caractérise par un fort esprit contestataire, et la colère, en tant que force créatrice, imprègne la plupart de ses œuvres. L'artiste lui-même est le sujet de cette colère, et à travers son travail, il s'insurge contre le malaise et la lassitude les plus profonds de la société. Cet artiste basé à Los Angeles est le concepteur d'une série d'œuvres dystopiques – peintures, estampes, sculptures et fresques – exposées aux États-Unis, en Europe et en Asie.

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Argent et pouvoir - Sérigraphie monochrome blanche tirée à la main sur papier Arches Rag 290 g/m² à bords frangés, par l'artiste Cleon Peterson, œuvre d'art en édition limitée. Édition limitée 2022, signée et numérotée, à 75 exemplaires. Format de l'œuvre : 18 x 18 pouces. « L’argent et le pouvoir sont devenus les principaux moteurs du monde moderne, nous entraînant vers une société corrompue. L’époque où nos dirigeants défendaient les intérêts du peuple est révolue, remplacée par l’homme fort qui étouffe toute dissidence pour rétablir l’ordre. L’argent fait élire les dirigeants ; en retour, ils ont une dette envers le peuple qui les a portés au pouvoir, instaurant ainsi notre nouvelle politique publique fondée sur l’avidité et le capitalisme mafieux. Nous acceptons peu à peu la corruption, le droit s’estompe et l’on commence à penser que la démocratie et une société juste et équitable n’ont jamais été qu’une illusion, un rêve du passé qui n’a jamais vraiment existé. » – Cleon Peterson Argent et Pouvoir par Cleon Peterson – Édition Blanche d'une allégorie politique saisissante dans le style street art pop et graffiti. « Money and Power » de Cleon Peterson est une sérigraphie artisanale signée et numérotée, éditée à 75 exemplaires en 2022. Mesurant 45,7 x 45,7 cm et imprimée à l’encre noire sur un papier Arches blanc immaculé de 290 g/m² aux bords frangés, cette œuvre minimaliste délivre un message fort, révélant les mécanismes du contrôle autoritaire et de la domination capitaliste. Le motif représente trois figures militarisées marchant au pas cadencé sous une bannière ornée du dollar. Chaque figure salue d’une main, une arme à la main, marchant d’un seul mouvement vers un avenir non pas défini par la démocratie ou la justice, mais par l’obéissance à un pouvoir façonné par la richesse. La précision de l’image, en noir sur blanc, renforce la rigidité et la déshumanisation dépeintes, soulignant le passage d’une gouvernance collective à un autoritarisme capitaliste. La vision américaine des structures de pouvoir modernes selon Cleon Peterson Cleon Peterson, artiste américain né en 1973, est reconnu pour son style graphique unique, fusionnant la brutalité du street art et l'esprit du pop art. Ses œuvres, loin d'être décoratives, sont provocatrices, porteuses d'un enjeu moral pressant et reflètent la violence systémique. « Money and Power » illustre la capacité de Peterson à condenser des réalités socio-politiques complexes en images singulières et inoubliables. Cette édition blanche, épurée de toute distraction, permet au spectateur de se concentrer pleinement sur le contenu et le message. L'absence de couleur fait écho à la perte de nuances perçue dans la gouvernance moderne, où les décisions ne sont plus dictées par des considérations éthiques, mais par des intérêts financiers. Fort de son expérience en design et en graffiti, Peterson réduit le message à son essence : ceux qui contrôlent l'argent contrôlent le message, la loi et le peuple. Symbolisme des figures en marche et de la bannière de la capitale Dans « Argent et Pouvoir », les personnages sont réduits à des symboles de conformité et de contrôle. Leurs mouvements robotiques et leurs expressions identiques les incarnent non pas en protecteurs du public, mais en agents d'un système qui privilégie la préservation des richesses au détriment du devoir civique. Le pistolet qu'ils tiennent n'est pas qu'une simple arme : c'est une métaphore de la menace qui perpétue la hiérarchie. Le salut militaire, habituellement signe d'honneur ou de loyauté, se mue ici en une soumission glaçante à une idéologie corrompue. Au-dessus d'eux, la bannière ornée du dollar remplace les symboles nationaux ou moraux, proclamant l'argent comme le nouvel étendard des sociétés modernes. Cette image illustre ce que Peterson appelle le capitalisme mafieux : une économie et un gouvernement fusionnés en une force corrompue unique qui érode l'action publique et les fondements mêmes de la démocratie. L'argent et le pouvoir comme symboles du street art et du graffiti Cette édition de « Money and Power » se présente à la fois comme une œuvre d'art et une affiche politique, dénonçant la dégradation sociale engendrée par la cupidité et la concentration du pouvoir. Elle s'inscrit pleinement dans la tradition du street art et du graffiti, utilisant une imagerie accessible pour transmettre des vérités souvent ignorées ou minimisées par les institutions. Le choix de Peterson de limiter l'édition à 75 tirages artisanaux confère une force particulière à son message, faisant de chaque exemplaire un appel personnel à la prise de conscience et à la résistance. Alors que le street art est passé de la rébellion à l'art de collection, des artistes comme Peterson sont restés fidèles aux racines du médium, utilisant des visuels destinés à l'espace public pour exprimer leur désaccord. Cette œuvre ne cherche ni à réconforter ni à embellir, mais à alerter. Elle dépeint un monde où l'argent ne finance plus la démocratie, mais la remplace, révélant un cycle où le pouvoir engendre le pouvoir et où le peuple est simplement mené en bateau.

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Sérigraphie Full Force AP Artist Proof par Indie184 - Soraya Marquez, sérigraphie tirée à la main sur papier Coventry Rag 320 g/m², œuvre d'art murale pop street. Épreuve d'artiste (EA) 2021, signée et marquée, édition limitée, format 35 x 20 cm, bords frangés à la main Full Force AP par Indie184 – Puissance féminine et couleurs urbaines dans l'art pop et graffiti de rue « Full Force AP » est une sérigraphie d'artiste (AP) de 2021, signée Soraya Marquez, alias Indie184. Mesurant 89 x 51 cm, cette œuvre est tirée à la main sur papier d'art Coventry Rag 320 g/m² et présente des bords frangés, soulignant son caractère artisanal et son authenticité tactile. Mentionnée AP (Artist Proof) et signée par l'artiste, cette version, plus rare que l'édition standard, est particulièrement recherchée par les collectionneurs d'art urbain et de graffiti. L'œuvre, aux couleurs vibrantes, mêle iconographie cinématographique classique, motifs graffiti et symbolisme urbain, offrant une réflexion complète sur la féminité, la résistance et la culture visuelle. Portrait, émancipation et écho visuel La composition s'articule autour de portraits en niveaux de gris, joués en miroir, d'une femme glamour au style vintage, dont l'expression et la posture traduisent force et introspection. Son image, dédoublée, se fond dans un paysage de graffitis, d'étoiles filantes, d'éclaboussures de peinture et d'éclairs éclatants – autant d'éléments qui créent à la fois chaos et harmonie. Les éclairs, l'un orange, l'autre jaune, jaillissent de la tête de chaque femme, symboles d'énergie mentale ou de clarté implacable. La phrase « Full Force » s'affiche en lettres bulles colorées, agrémentées de cœurs et de points façon graffiti, à la fois titre et affirmation. Indie184 transforme ces femmes en icônes de pouvoir, les plaçant au cœur du brouhaha visuel qui, d'ordinaire, submerge la présence féminine dans la culture urbaine. Technique et texture dans l'artisanat d'épreuve d'artiste L'utilisation de la sérigraphie artisanale sur papier Coventry Rag épais de 320 g/m² permet à chaque couleur et à chaque couche de rester distinctes, tout en sublimant la texture et les légères imperfections qui confèrent vie à l'œuvre. Les bords frangés à la main renforcent le caractère brut de la pièce, contrastant la finesse de l'image photographique avec l'aspect brut et vibrant de la surface, inspiré par l'art urbain. Chaque coulure de peinture, chaque tag, chaque couche de peinture à effet spray est à la fois délibérée et expressive, incarnant la capacité d'Indie184 à transposer l'énergie d'une fresque murale dans l'univers des beaux-arts. En tant qu'épreuve d'artiste, ce tirage représente une première interprétation personnelle issue de l'atelier de l'artiste, avec de légères variations reflétant la nature organique de la production sérigraphique. Plus qu'une reproduction, c'est une partie intégrante du processus créatif. Indie184 et le rythme de la rébellion dans le féminisme urbain Née à New York, Soraya Marquez fusionne ses racines graffiti et hip-hop avec une sensibilité pop indéniable. À travers des œuvres comme Full Force AP, elle canalise cet héritage en une forme de résistance créative, où paillettes, glam et graffiti se rencontrent sans compromis. Ses personnages ne sont pas des objets passifs, mais des forces centrales qui animent et dominent l'espace visuel au lieu de s'y laisser absorber. Avec chaque cœur façon autocollant, chaque phrase taguée à la main et chaque explosion de couleurs, Indie184 donne la parole aux femmes qui s'affirment fièrement dans l'espace public, façonnant leur propre définition de la beauté, de la force et de la voix. Dans le paysage du street art et du graffiti, Full Force AP se distingue non seulement par son esthétique, mais aussi par son affirmation de présence, où l'art rencontre l'attitude et où la culture se réinvente en couleurs éclatantes.

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Collection Capsule n°5 Œuvre originale et unique de peinture acrylique blanche sur papier technique mixte noir par le célèbre artiste de graffiti de rue HoxxoH - Douglas Hoekzema. Collection capsule 2021 signée au dos n° 5. Issue d'une série unique de 25 pièces peintes à la main, toutes différentes. Format : 18 x 24 pouces.

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Holiday Japan - Figurine de collection en vinyle marron en édition limitée, œuvre d'art réalisée par l'artiste de graffiti Kaws et Brian Donnelly. Sculpture artistique en vinyle, édition limitée 2019, motif « Fêtes du Japon », couleur marron. Œuvre d'art en vinyle coulé, estampillée au dos. Édition limitée « Tous droits réservés », Hong Kong. État quasi neuf. Emballage d'origine. Reflets des récits urbains : l'édition Holiday Japan-Brown de KAWS « Holiday Japan-Brown » de KAWS est une figurine en vinyle en édition limitée, fusionnant l'énergie brute du street art et l'esthétique raffinée des sculptures d'art. Sortie en 2019, cette pièce en vinyle moulé et peint fait partie d'une série plus vaste retraçant le parcours de l'artiste à travers différents paysages culturels. Mesurant 10 x 23 x 9 cm, chaque figurine est estampillée au dos, gage d'authenticité, et éditée par AllRightsReserved (Hong Kong), ce qui renforce son statut d'objet de collection recherché. L'édition « Holiday Japan-Brown » de KAWS, figure emblématique du street art, incarne la sérénité et la contemplation souvent absentes du tumulte de la vie urbaine. Cette sculpture en vinyle représente un Companion au repos, figure récurrente dans l'œuvre de KAWS, illustrant le mélange unique de formes abstraites et de profondeur émotionnelle qui caractérise son approche du pop art moderne. KAWS et le point de rencontre entre l'art jouet et la sculpture contemporaine La figurine Holiday Japan-Brown de KAWS brouille les frontières entre jouet et sculpture contemporaine, conférant à l'objet de collection une certaine sophistication. Cette pièce témoigne du talent artistique de KAWS et offre une réflexion sur la culture du collectionnisme qui s'est développée autour de ces figurines. Le Companion, avec ses yeux louches et ses traits exagérés, est plus qu'un personnage : c'est une icône du pop art urbain, illustrant l'intégration du graffiti dans la culture populaire. Sa teinte brune, évoquant la terre et les éléments naturels, contraste avec l'environnement urbain souvent vibrant d'où émerge le street art. En choisissant cette couleur, KAWS crée un effet d'ancrage, apportant une touche de sérénité aux espaces des collectionneurs. L'édition Holiday Japan-Brown, avec sa posture décontractée et sa couleur apaisante, invite à la contemplation, un luxe précieux dans le monde trépidant dont elle s'inspire. Impact culturel de l'œuvre Holiday Japan-Brown de KAWS dans le monde de l'art La sortie de la sculpture en vinyle Holiday Japan-Brown de KAWS a profondément influencé la perception du street art dans le monde de l'art contemporain. Cette œuvre symbolise l'évolution du street art, passant de fresques urbaines éphémères à des objets d'art convoités, occupant une place de choix dans les collections publiques et privées. La figurine Companion est devenue un trait d'union entre différents publics, séduisant collectionneurs, amateurs de culture pop et grand public. Alors que le street art continue de gagner en reconnaissance et en valeur, l'œuvre de KAWS, et plus particulièrement l'édition Holiday Japan-Brown, témoigne de la valeur artistique et de la pertinence culturelle du genre. Cette figurine est une incarnation physique du parcours du street art. Elle en capture l'esprit sous une forme tangible et collectionnable, et résonne profondément avec les thèmes de la connexion et de l'humanité, au cœur de l'œuvre de KAWS. À travers de telles créations, KAWS confirme son rôle d'artiste incontournable dans le dialogue entre le street art et le graffiti, jetant un pont entre la subculture et le monde de l'art contemporain.

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Sérigraphie noire « Police Shooting » de Cleon Peterson sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés, édition limitée. 2015 Signée et numérotée Cleon Peterson Édition limitée à 150 exemplaires Œuvre d'art Format 14x18 Sérigraphie. Sérigraphie de Cleon Peterson (2015) « Police Shooting Black » – Une voix percutante dans l'art urbain pop et le graffiti. La sérigraphie en édition limitée de Cleon Peterson, intitulée « Police Shooting Black » (2015), est un exemple saisissant d'art urbain pop et graffiti engagé, sans concession. Imprimée sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à grain frangé, cette œuvre de 35,5 x 45,7 cm a été éditée à 150 exemplaires signés et numérotés. La silhouette noire et contrastée représente un policier sans visage frappant une personne sans défense au sol. Peterson utilise un style immédiatement reconnaissable : épuré, agressif et volontairement minimaliste pour se concentrer pleinement sur le récit du pouvoir, de la soumission et du conflit social. Plus qu'un commentaire, c'est une confrontation visuelle. Cleon Peterson : Un artiste américain dont la vision est ancrée dans la violence et les dynamiques de pouvoir Né en 1973 aux États-Unis, Cleon Peterson poursuit son œuvre en explorant en profondeur les thèmes du chaos, des abus institutionnels et des violences systémiques. Ancien artiste de rue ayant également travaillé dans l'illustration et la mode, Peterson centre souvent sa pratique sur la représentation de la lutte violente. Ses œuvres regorgent de figures archétypales qui réinterprètent les jeux de pouvoir brutaux de la société moderne. « Police Shooting Black » se distingue dans son œuvre, non seulement par son format d'art en édition limitée, mais aussi par sa représentation sans concession des violences policières à caractère raciste. L'image est d'une clarté saisissante. Les figures s'expriment avec une immédiateté percutante, transformant des incidents du monde réel en une allégorie saisissante. L'anonymat des oppresseurs comme des opprimés crée une universalité troublante, mettant en cause les systèmes plutôt que les individus. L'économie visuelle de la violence dans l'art urbain pop et le graffiti Cette estampe prolonge l'urgence brute du graffiti tout en tirant parti de la maîtrise formelle de la sérigraphie et de la présentation en galerie. Le street art, le pop art et le graffiti empruntent souvent leur langage visuel à la signalétique commerciale, à la propagande et à la rébellion, et l'œuvre de Peterson ne fait pas exception. Les figures sont iconographiques, chaque ligne est intentionnelle, chaque silhouette chargée de symbolisme. Peterson réduit l'image à son essence émotionnelle et psychologique, amplifiant le sentiment de déshumanisation et de brutalité systémique. L'utilisation du noir et blanc renforce la force émotionnelle sans pour autant distraire par la couleur. Chaque élément de la composition est provocateur et conçu pour susciter une réaction, un débat et un malaise. Papier chiffon de Coventry et technique de sérigraphie comme moyens de résistance L'utilisation du papier Coventry Rag 290 g/m², réputé pour sa qualité d'archivage et sa surface texturée, confère gravité et pérennité à ce qui pourrait autrement paraître une image de protestation éphémère. La sérigraphie, traditionnellement employée pour la production de masse, est ici élevée au rang de technique artistique à part entière, offrant précision et audace tout en évoquant ses origines underground et urbaines. Le choix du matériau et du médium par Peterson souligne la dualité du Street Pop Art et du graffiti : à la croisée des galeries et des murs politiques, entre objet de collection et contestation. Chaque tirage est frangé à la main, ce qui lui donne un aspect brut – au sens propre comme au figuré – témoignant de l'émotion brute et du message travaillé qui imprègnent l'œuvre. Souhaiteriez-vous des articles sur d'autres estampes ou projets de Peterson ?

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Carnet de croquis personnel original Black Book Graffiti par Stay High 149 - Wayne Roberts. Style street art moderne, tags, gribouillis, dessins, peintures et réflexions artistiques. STAYHIGH149 x Carnet noir de 2003, signé et tagué. Techniques mixtes : marqueur, peinture aérosol, acrylique, autocollant, graffiti. Format 21,6 x 27,9 cm. Bon état, quelques traces d'usure et quelques pages manquantes. Ce carnet noir unique a appartenu au légendaire STAYHIGH149, véritable icône de l'histoire du graffiti. Bien plus qu'un simple carnet de croquis, c'est un artefact culturel digne des collections muséales. À l'intérieur, vous découvrirez plus de 130 pages remplies de tags et d'œuvres authentiques et bruts, non seulement de STAYHIGH149, mais aussi de son proche collaborateur Dead Leg et de figures influentes comme TRACY 168, entre autres. Ce carnet noir regorge d'histoire visuelle. La quatrième de couverture est également ornée, offrant un aperçu complet de l'art underground d'une époque. Livre noir historique de la légende du graffiti STAYHIGH149 Ce carnet de croquis original est une pièce d'une rareté et d'une importance culturelle exceptionnelles, directement liée à Wayne Roberts, alias STAYHIGH149. Figure emblématique des débuts du graffiti new-yorkais, STAYHIGH149 a marqué le mouvement de son empreinte indélébile grâce à son tag iconique « smoker » et à ses lettres stylisées. Ce carnet noir n'est pas un simple recueil de pages : c'est un objet digne d'un musée, révélant l'âme de la culture graffiti des années 1970 et 1980 à travers le regard de ses pionniers. Signé et annoté de bout en bout, il a été activement utilisé au début des années 2000, constituant une véritable capsule temporelle visuelle de la créativité, de la fraternité et de l'énergie brute de la rue. Pages taguées à la main de l'école originelle du graffiti Ce carnet noir, de format 21,6 x 27,9 cm, renferme plus de 130 pages de tags, de throw-ups, de personnages et de croquis bruts, chacun recouvert de feutres, de peinture en aérosol, d'autocollants et de techniques mixtes. Certaines pages sont raturées ou usées, témoignant du temps qui passe et de l'usage fréquent qu'en ont fait l'artiste et son entourage. On y retrouve la présence de Dead Leg, collaborateur de confiance de STAYHIGH149, ainsi que des œuvres et des dédicaces d'autres figures emblématiques comme TRACY 168. Ces créations ne sont pas mises en scène : brutes, spontanées et pleines de style, elles comptent parmi les œuvres de street art et de graffiti les plus authentiques qui nous soient parvenues. Certaines pages sont saturées de couleurs, tandis que d'autres présentent des traits rapides et des dessins de personnages iconiques. Condition physique et intégrité artistique Ce carnet noir unique en son genre porte les marques de son utilisation : certaines pages sont manquantes, beaucoup sont usées sur les bords et quelques-unes présentent des traces de feutre. Pourtant, cela ne fait que renforcer son authenticité en tant qu'outil et compagnon de l'une des figures les plus visionnaires du graffiti. La couverture est richement ornée d'encre et de peinture, et le dos arbore des phrases comme « La Voix du Ghetto », un message qui s'inscrit pleinement dans l'héritage de Wayne Roberts. À l'intérieur, le mélange de lettres bulles, de tags classiques et de dessins stylisés représente des décennies de tradition artistique urbaine, transposées des rames de métro et des murs de la ville sur une toile personnelle. Héritage immortalisé par l'art urbain pop et le graffiti Ce livre noir n'est ni une reproduction ni une rétrospective. C'est une archive vivante de l'histoire du graffiti, créée par celles et ceux qui ont bâti cette culture depuis ses origines. STAYHIGH149 demeure une figure emblématique du graffiti, et cet ouvrage reflète la camaraderie, l'influence et la détermination sans faille qui ont marqué toute une époque. Il illustre avec force comment le street art et le graffiti ont dépassé les frontières des rues pour devenir une forme d'expression contemporaine reconnue. Ce livre noir offre une occasion unique de découvrir le monde de l'art underground tel qu'il était : personnel, authentique et immortel.

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Sérigraphie monotype Open Mouth FL rouge et verte par Pose- Jordan Nickel, réalisée à la main avec une encre bicolore à trois couleurs sur papier d'art Mohawk ultra-fin et blanc, édition limitée. Édition limitée à 2 exemplaires, signée et numérotée, 2023. Sérigraphie de 22 x 30 cm représentant un gros plan du visage et des lèvres d'une femme à la peau rouge et à la bouche ouverte. « Open Mouth FL Red & Green Emote Monoprints » témoigne du pouvoir évocateur de l'art contemporain. Créée par Pose, pseudonyme du célèbre artiste Jordan Nickel, cette sérigraphie est une fusion magistrale de pop art, de street art et d'esthétique graffiti. La technique artisanale de la fontaine divisée en trois couleurs intensifie la vivacité et la profondeur de l'image, plongeant le spectateur au cœur des émotions brutes et des récits qu'elle renferme. La sérigraphie, technique historiquement adoptée par des figures emblématiques du pop art comme Andy Warhol, est ici réinterprétée avec une fraîcheur et une sensibilité urbaines par Pose. Le contraste saisissant entre les teintes rouge et vert vifs, associé à l'image d'un visage de femme, notamment sa bouche ouverte et sa peau d'un rouge éclatant, capture un instant à la fois intime et universel. Le choix du papier d'art Mohawk SuperFine UltraWhite, à grain frangé à la main, confère une dimension tactile à l'estampe, ajoutant à son charme et en faisant une pièce maîtresse pour tout amateur d'art. L'exclusivité de cette œuvre est soulignée par sa disponibilité limitée. Limitée à l'édition 2023, avec seulement deux exemplaires signés et numérotés, cette œuvre d'art mesure 56 x 76 cm. Elle n'est pas une simple représentation, mais une invitation à explorer les débats en constante évolution autour des liens entre le pop art et le street art. La création de Pose nous rappelle comment les techniques traditionnelles peuvent être réinventées et réinterprétées dans l'art moderne, tout en préservant l'essence brute et spontanée qui caractérise l'esprit de la culture urbaine.

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Companion Flayed - Figurine de collection en vinyle gris en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste pop moderne Kaws. Édition limitée 2016, emballage scellé, dimensions : 16,7 x 11,4 x 6,4 cm Exploration du compagnon Flayed Grey de KAWS « The Companion Flayed Grey » de KAWS est une œuvre majeure dans l'histoire de l'art urbain. Artiste pop contemporain, KAWS a redéfini les frontières du street art et du graffiti, les hissant au rang d'œuvre d'art à part entière et d'objet de collection. Cette édition limitée ouverte de 2016 illustre parfaitement son talent. Elle se présente sous la forme d'une figurine de 26,7 x 11,4 x 6,4 cm, conservée dans son emballage d'origine intact, pour le plus grand plaisir des collectionneurs et des amateurs d'art. « Companion » est devenu un emblème de l'œuvre de KAWS, déclinant le personnage sous différentes formes et à travers divers médiums. La version « écorchée » réduit le personnage à son essence même et révèle la vulnérabilité et la complexité sous-jacente que le street art cherche souvent à exprimer. Sortie à l'occasion de son exposition « Where The End Starts » à Fort Worth, au Texas, la figurine Companion Flayed Grey a été distribuée par KAWSONE, le MoMA et le Modern Art Museum of Fort Worth, et mesure 11 pouces de haut. Importance du Compagnon Écorché dans le Street Pop Art « The Grey Flayed Companion » témoigne de l'évolution du pop art urbain. En présentant une figure traditionnellement fantaisiste et ludique sous une forme déconstruite, KAWS invite les spectateurs à méditer sur la fragilité de la vie et la nature souvent robuste et vibrante du street art. La teinte grise de cette figurine confère à l'œuvre une tonalité sombre, reflétant peut-être la jungle de béton qui caractérise souvent le street art. Pourtant, elle ne se réduit pas à une simple représentation du street art, mais se positionne comme un artefact qui fait le lien entre objets de collection et art significatif. Cette figurine est importante par son esthétique et son rôle dans le débat plus large sur ce qui constitue l'art dans l'espace public. En élevant le Companion au rang d'œuvre digne d'un musée tout en préservant ses racines dans la culture urbaine, KAWS questionne et élargit la définition du pop art urbain. Grâce à sa présentation dans des lieux prestigieux, « The Companion Flayed Grey » souligne la porosité des frontières entre art commercial et beaux-arts. Série complémentaire de KAWS : Une réflexion sur les objets de collection modernes La série Companion, et plus particulièrement l'édition Flayed Grey, témoigne de l'intérêt croissant pour les art toys en tant qu'objets de collection à part entière. La capacité de KAWS à captiver l'imaginaire collectif avec ses figurines Companion a rehaussé le statut des art toys, les plaçant au même rang que les œuvres d'art traditionnelles. La conception et la production méticuleuses du Flayed Companion Grey, dont l'anatomie détaillée est visible sous une surface translucide, illustrent le dévouement de KAWS à l'artisanat et à la profondeur conceptuelle de son travail. Proposé en édition ouverte, le Companion Flayed Grey rend l'œuvre de KAWS accessible à un public plus large, en accord avec la nature démocratique du street art. Il incarne la fusion entre l'esthétique du pop art urbain et le potentiel de collection des éditions limitées. Ainsi, le Companion Flayed Grey est bien plus qu'une simple icône culturelle qui capture l'essence de l'impact de KAWS sur le monde de l'art et son rôle de pionnier dans le mouvement du street art.

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Achetez What Party Figure - Orange Limited Edition Vinyl Art Toy Sculpture Oeuvre de collection par le légendaire artiste moderne Kaws. 2020 Épuisé COVID Open Edition Taille 5.1x11.3x3.7 Pied imprimé neuf dans la boîte Chum se demande ce qui est arrivé aux fêtes en 2020 ?

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Achetez TITLE Sérigraphie 4 couleurs tirée à la main sur une œuvre d'art Pop Street Art en édition limitée MEDIUM. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Together Black Companion Art Toy par Kaws - Sculpture en vinyle en édition limitée de Brian Donnelly, œuvre d'art de collection de l'artiste pop street. Œuvre d'art en édition limitée épuisée de 2018, format 6x10x5,5, neuve dans sa boîte, estampillée/imprimée, représentant les compagnons de Kaws enlacés par l'artiste Kaws - Brian Donnelly. Lorsqu'on considère l'évolution du pop art et du street art, on ne peut ignorer l'apport majeur de Brian Donnelly, plus connu sous son pseudonyme de Kaws. Parmi ses nombreuses œuvres emblématiques, la figurine « Together Companion Art Toy » témoigne de sa maîtrise et de son style unique. Sortie en 2018 en édition limitée, cette sculpture en vinyle a rapidement été épuisée, s'imposant comme une pièce de collection très recherchée. Mesurant 15,2 x 25,4 x 14 cm, elle dégage une émotion palpable, grâce à la représentation de deux personnages Companion, créations emblématiques de l'artiste, enlacés tendrement. Leur étreinte, symbole d'amitié et d'unité, illustre avec force l'interconnexion souvent présente dans les communautés urbaines où le street art s'épanouit. Chaque détail de la sculpture, jusqu'au pied estampillé ou imprimé, souligne l'engagement de Kaws envers l'authenticité. Présentée dans sa boîte d'origine, cette œuvre d'art est bien plus qu'un simple jouet ; C'est le reflet de la capacité du street art à saisir les émotions humaines brutes. Avec des œuvres comme le « Together Companion Art Toy », Kaws continue de valoriser le street art, lui assurant ainsi une place essentielle et respectée dans le discours artistique global.

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Just One More Bump Blotter Paper, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Ben Frost, œuvre d'art LSD inspirée de la culture pop. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey et peuvent légèrement différer de l'exemple présenté. Ben Frost utilise l'imagerie familière de la culture occidentale pour formuler une critique de cette culture, notamment à travers le prisme du consumérisme, des icônes modernes et des grandes entreprises. Personnages de dessins animés, icônes de la pop culture, logos de marques et bien d'autres éléments sont transformés en œuvres d'art vibrantes et trouvent leur place dans les galeries. Dans cette optique, et dans le cas de Ben Frost, il est vain de tenter de tracer une frontière nette entre art populaire et art savant. En réalité, l'artiste souhaite que le public s'interroge sur les notions de haute et de basse valeur et, par extension, sur leur signification profonde. Au fil des années, les artistes de rue ont su s'imposer comme des créateurs respectés, certains acquérant même une renommée internationale, transformant le graffiti, autrefois art marginal servant parfois à marquer le territoire des gangs, en un secteur économique florissant.

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Œuvre d'art Landfall, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de 290 g/m² par l'artiste de graffiti pop culture Josh Keyes. Édition limitée à 175 exemplaires. Tirage d'art de 46 x 66 cm (18 x 26 pouces) sur papier 290 g/m². Signé et numéroté à la main. L'univers hybride créé par Keyes oscille entre surréalisme et photoréalisme, un mélange troublant qui nous plonge dans un sentiment d'insécurité et nous expose à un avenir incertain et inquiétant. Au cœur de son œuvre réside la préoccupation pour notre survie et l'avenir de la Terre. Cette préoccupation est mise en lumière par la représentation d'animaux perdus et déracinés de leur milieu naturel. En danger et loin de leur écosystème, ils sont relégués dans des situations dioramiques fantastiques.

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Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Royal Selangor - Steampunk 400% Bearbrick BE@RBRICK Édition Limitée Jouet d'Art en Métal Étain Figurines d'Art Urbaines de Collection Le BE@RBRICK ROYAL SELANGOR Édition Spéciale 400% Steampunk se distingue par son placage métallique riveté en trompe-l'œil, évoquant le grondement guttural d'une chaudière à charbon, le sifflement de la vapeur et tout le romantisme de l'ingénierie du XIXe siècle. Moulé en étain et doté d'une finition bronze traitée au graphite pour simuler le fer patiné, il révèle, par endroits, les mécanismes internes en étain, composés de jauges et de conduits, grâce à des panneaux manquants. Ce BE@RBRICK de MEDICOM TOY, un ours anthropomorphe aux allures de dessin animé, a fait ses débuts à Tokyo en 2001. Depuis, ce jouet design a acquis un statut culte international, notamment grâce à ses déclinaisons en divers matériaux, tailles et thèmes, ainsi qu'à ses collaborations avec de nombreuses figures emblématiques de l'art, du design et de la mode. https://youtu.be/fkBpxS3Twrw

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Achetez PEINTURE One of a Kind Artwork on MEDIUM par Street Art Pop Artist. 2022 Signé MEDIA Original Peinture Taille XXXX INFO

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Hollow Breath, œuvre originale unique en son genre, peinture au fusain et acrylique sur bois encadré, par Craww, artiste de graffiti de rue populaire. Peinture acrylique originale signée de 2013, dimensions 23,5 x 31,5 cm, sur panneau de bois encadré, prête à être accrochée. Explorer les profondeurs du Souffle Creux de Craww « Hollow Breath », une œuvre originale et captivante du célèbre artiste de street art Craww, illustre avec force comment l'énergie brute du pop art et du graffiti peut être canalisée dans des médiums artistiques plus traditionnels. Cette pièce unique, créée en 2013, est une symphonie de fusain et d'acrylique sur un panneau de bois entoilé, témoignant de la maîtrise de l'artiste pour ces deux matériaux. L'œuvre de 59,7 x 80 cm offre un espace généreux à la vision sombre et onirique de Craww. Signée par l'artiste, « Hollow Breath » capture l'essence du style caractéristique de Craww, souvent marqué par des figures féminines éthérées enlacées à des éléments naturels. La peinture explore des thèmes récurrents dans son œuvre : la dualité de la beauté et de la mélancolie, et l'équilibre subtil entre la vie et la mort. Le fusain confère à la peinture une douceur, permettant des dégradés subtils et une certaine profondeur, tandis que l'acrylique apporte une vivacité qui perce le voile monochrome. Technique et symbolisme dans le souffle creux de Craww Dans « Souffle creux », l'utilisation du fusain et de la peinture acrylique par Craww n'est pas un simple choix de prédilection, mais une décision délibérée visant à exprimer des états émotionnels complexes. Le fusain, avec son aspect fumé et diffus, crée une impression d'impermanence et de fragilité, faisant écho à la nature éphémère de la vie. Parallèlement, l'acrylique, réputée pour son intensité et sa clarté, met en valeur les points focaux de la toile, tels que les lys et les roses, symboles de pureté et de passion. Le panneau de bois encadré constitue un support idéal pour cette œuvre, sa solidité contrastant fortement avec la délicatesse des images. Cette juxtaposition reflète les contrastes présents dans l'ensemble du travail de Craww, où force et vulnérabilité coexistent souvent. La texture du bois confère à l'œuvre une dimension organique, l'ancrant dans le monde naturel qui influence fréquemment l'art de Craww. La position unique de Craww dans l'art contemporain Craww occupe une place unique dans l'art contemporain, faisant le lien entre les univers souvent distincts du street art et des beaux-arts. « Hollow Breath » témoigne de sa capacité à naviguer entre ces deux mondes, insufflant l'immédiateté et l'authenticité du street art dans un format traditionnellement associé aux galeries et aux musées. L'originalité de cette œuvre et sa capacité à être accrochée immédiatement en font non seulement une œuvre d'art, mais une pièce maîtresse qui trouvera sa place dans la collection d'un amateur d'art. La beauté mélancolique de « Hollow Breath » trouve un écho chez ceux qui connaissent le travail de Craww dans l'espace public. Pourtant, elle s'impose également comme une œuvre d'art à part entière, invitant à l'interprétation et à l'admiration, que l'on soit familier ou non avec son street art. Cette polyvalence et cette large audience rendent l'œuvre de Craww particulièrement captivante sur la scène artistique contemporaine. « Hollow Breath » incarne le charme envoûtant de la vision artistique de Craww, fusionnant la fluidité du fusain avec l'intensité de l'acrylique sur une toile aussi résistante que le bois. Cette peinture originale est un exemple frappant de la façon dont le pop art urbain et le graffiti peuvent transcender leurs racines urbaines pour créer un art à la fois profond et accessible, capable d'émouvoir et de fasciner dans le calme d'un espace intérieur.

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Œuvre d'art Street Shatter Art en résine époxy et bois, technique mixte, sur rue, signée et encadrée, sculpture/peinture de l'artiste de la culture pop urbaine Sechor. Œuvre signée de 2021, format 20x20, prête à accrocher. Sculpture murale originale encadrée, technique mixte, réalisée en époxy mélangé à des copeaux de bois sur un véritable panneau de signalisation « Ne pas entrer », dans un cadre fait main, prête à être accrochée.

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Dessin original de style pop street art Pep Boys au stylo sur papier beaux-arts par l'artiste Mark Powell. Dessin signé au stylo à bille 2022 12,2x24, protégé par un vernis mat anti-UV d'archivage.

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Punisher Crossing, peinture originale de panneau de rue par RD-357. Véritable œuvre d'art unique sur un véritable panneau de passage piéton en métal, par un artiste pop de graffiti. Peinture originale de 2012, signée, technique mixte acrylique et peinture aérosol sur un véritable panneau de passage piéton de New York récupéré . Dimensions : 30 x 37,5 cm. RD-357 : Art urbain pop pionnier sur toiles urbaines RD-357, artiste reconnu pour sa contribution singulière au street art et au graffiti, a exprimé sa créativité à travers un médium unique, saisissant et stimulant. Son œuvre originale, intitulée « Punisher Crossing Original Street Sign Painting », capture l'essence brute du street art tout en y intégrant avec ingéniosité des éléments iconographiques de la culture pop. Cette œuvre illustre parfaitement l'utilisation inventive par RD-357 d'objets du quotidien comme supports, transformant un banal panneau de passage piéton en métal en une œuvre vibrante qui captive le regard et suscite le dialogue. « Punisher Crossing » est une œuvre unique qui exhale l'esprit rebelle et subversif souvent associés au street art. Créée en 2012, cette œuvre mixte utilise de la peinture acrylique et de la peinture aérosol sur un véritable panneau de passage piéton de 76 x 95 cm. Le choix de RD-357 d'utiliser un véritable panneau de signalisation comme support de son œuvre ne se contente pas de détourner l'objet de son usage initial, mais ancre également l'œuvre dans le tissu urbain qu'elle cherche à commenter. Le panneau, autrefois simple indication pour les piétons, porte désormais un message visuel fort, d'autant plus puissant qu'il est apposé sur un élément de réglementation et d'ordre. Le langage artistique des peintures de panneaux de signalisation de RD-357 Dans « Punisher Crossing », RD-357 fait preuve d'une maîtrise exceptionnelle de la couleur et de la composition. Le fond de l'enseigne est embrasé par une gerbe de peinture jaune et rouge, vive et presque violente, évoquant le chaos et l'énergie des rues. Sur ce fond explosif, la figure du Punisher est rendue avec précision à l'acrylique, sa présence menaçante et imposante attirant immédiatement le regard. La main du personnage, tendue et tenant un pistolet, dépasse les limites du cadre, suggérant un défi aux contraintes et une libération des limites imposées. L'œuvre de RD-357 s'inscrit profondément dans le langage du street art, un genre qui combine l'esthétique brute et underground du street art avec la qualité graphique et lumineuse du pop art. Ses peintures, et notamment celle-ci, instaurent un dialogue entre l'artiste et le paysage urbain, entre les personnages fictifs de la culture pop et la réalité de l'environnement du spectateur. En intégrant le Punisher – symbole de justice privée et d'anti-héroïsme – à un panneau de passage piéton, RD-357 crée une juxtaposition à la fois saisissante et fascinante. L'œuvre devient ainsi une réflexion sur le contrôle et le chaos, le pouvoir et l'impuissance, et la frontière ténue entre ordre social et action individuelle. L'impact de RD-357 sur l'art urbain contemporain La contribution de RD-357 à la scène du street art est considérable, et son influence se perçoit dans l'évolution du pop art urbain au fil des ans. Ses œuvres, notamment celles apposées sur les panneaux de signalisation, dépassent le simple cadre de la peinture ; ce sont des interventions dans l'environnement urbain qui invitent le spectateur à repenser le rôle et le potentiel de l'espace public. Le panneau « Punisher Crossing » est emblématique de cette démarche, intégrant harmonieusement l'art au quotidien de la ville et enrichissant le débat autour du street art. En signant son œuvre, l'artiste s'approprie une pièce du domaine public, un acte qui constitue une forme de rébellion artistique. La signature sur « Punisher Crossing » n'est pas seulement une marque d'authenticité ; c'est une affirmation de présence, une preuve de l'interaction de l'artiste avec le monde qui l'entoure. Grâce à des œuvres comme celle-ci, RD-357 a inscrit son nom dans l'histoire du pop art urbain, s'imposant comme un artiste visionnaire qui a repoussé les limites du graffiti. L'œuvre « Punisher Crossing Original Street Sign Painting » de RD-357 témoigne du pouvoir du street art à communiquer, provoquer et inspirer. En transformant un simple panneau de signalisation en une œuvre d'art complexe et captivante, RD-357 remet en question les perceptions, invite à la réflexion et continue d'influencer le récit en constante évolution du street art et du graffiti.

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Achetez Night Lights Artwork Giclee Limited Edition Print sur Fine Art Paper par Pop Culture Graffiti Artist Scott Listfield .

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La Fin Pt. 2 Œuvre originale peinte à la main, technique mixte multiple, à la bombe aérosol sur panneau de bois découpé au laser, prête à être accrochée, par Denial Graffiti Street Artist Modern Pop Art. 2020 Édition limitée HPM signée et numérotée 10 œuvres d'art de format 15x12 « Mon œuvre évoque un désastre imminent et des thèmes sinistres et grossiers, mais cela ne signifie en aucun cas que je souhaite que cela se produise. J'espère au contraire qu'elle suggère l'absurdité de la situation et montre comment nous pouvons trouver de meilleures solutions pour l'avenir. » – Denial L'art de Denial est profondément politique et social, l'artiste prenant position contre des problématiques telles que le capitalisme, la société de consommation et la publicité. Plus important encore, il est conscient de ses choix et de ses motivations : « Je me considère comme un artiste pop engagé. Mon rapport aux dessins animés et aux illustrations est bien plus simple qu'avec le photoréalisme. » L'humour est un autre aspect essentiel du travail de Denial. Son œuvre est satirique, ce qui signifie, par définition, qu'elle utilise l'humour comme outil de confrontation.

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Influence législative à vendre AP Épreuve d'artiste Tirage sérigraphique en édition limitée, 2 couleurs, tiré à la main, sur papier beaux-arts par Shepard Fairey Rare Street Art OBEY Pop Artwork Artiste. Épreuve d'artiste AP 2011 Signée et marquée AP Œuvre d'art Taille 18x24 Sérigraphie de propagande démocrate représentant le président des États-Unis Ronald Reagan tenant une pancarte sur laquelle on peut lire « Influence législative à vendre », comme si l'un des camps était innocent. « Legislative Influence For Sale AP Artist Proof » témoigne de la profonde convergence entre politique, pop art et esthétique urbaine, incarnant l'essence même du genre à travers le regard de Shepard Fairey, figure emblématique de la scène street art contemporaine. Créée en 2011, cette sérigraphie artisanale en édition limitée, réalisée en deux couleurs sur papier beaux-arts, capture non seulement la vitalité et la force brute du langage visuel de Fairey, mais aussi un commentaire poignant sur la nature du pouvoir et de l'influence politiques aux États-Unis. Caractérisée par son utilisation emblématique de contrastes saisissants, l'estampe représente le 40e président des États-Unis, Ronald Reagan, brandissant une pancarte où l'on peut lire avec audace : « Legislative Influence For Sale ». Cette rhétorique visuelle attire l'attention sur les affirmations controversées concernant le rôle de l'argent dans la formation des résultats politiques, soulignant les nuances de la relation entre gouvernance et intérêts financiers. En juxtaposant Reagan – souvent considéré comme un symbole des idéaux conservateurs – à une pancarte suggérant une malversation politique, Fairey invite le spectateur à questionner et à confronter ses idées préconçues sur l'innocence et la culpabilité en politique. Dans ce contexte, l'œuvre de Shepard Fairey – souvent publiée sous le pseudonyme OBEY – a toujours été à l'avant-garde du street art, repoussant sans cesse les limites de ce dernier, le faisant évoluer d'un simple spectacle visuel à un médium véhiculant des messages sociétaux essentiels. Cette œuvre ne fait pas exception. Fusionnant les accents populistes du street art avec une représentation iconographique rappelant le pop art, « Legislative Influence For Sale AP Artist Proof » de Fairey est bien plus qu'une simple œuvre d'art. Elle incarne une époque, elle est une prise de position et un appel à la prise de conscience dans un monde où art et militantisme s'entremêlent harmonieusement.

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K-Love Green Art Toy de Joan Cornellà, sculpture en vinyle en édition limitée, œuvre d'art de collection d'une artiste pop de rue. Œuvre d'art en édition limitée 2020, format 5x7, neuve sous blister, imprimée au pied. Kim Jong-un, le dirigeant suprême de la Corée du Nord, est représenté dans un costume vert inhabituel, une interprétation originale de sa tenue noire habituelle. Dans sa main gauche, il serre délicatement un petit cœur, et un léger sourire adoucit son expression. Fusion saisissante de commentaire politique et d'esthétique pop art, la sculpture en vinyle « K-Love Green Art Toy », en édition limitée, captive collectionneurs et amateurs d'art. Créée par Joan Cornellà, artiste de rue pop de renom dont l'œuvre oscille souvent entre le dérangeant et l'humoristique, cette pièce a été lancée en 2020. Elle est rapidement devenue un objet recherché pour son message audacieux et son exécution vibrante. De dimensions modestes (10 x 12,5 cm), la sculpture constitue une pièce à la fois intime et touchante pour toute collection. Cette œuvre en vinyle offre un portrait original de Kim Jong-un, le dirigeant suprême de la Corée du Nord, vêtu non pas de son habituel ensemble noir, mais d'un costume entièrement vert. Ce choix de couleur peut être interprété comme une variation ludique sur son image publique habituelle, ou comme un geste symbolique plus profond, un hommage à la vie, à la vitalité, voire à l'ironie, face à l'attitude souvent austère du dirigeant. La façade généralement sévère du dirigeant suprême est ici adoucie. On le voit tenant un petit cœur rouge dans sa main gauche et arborant un sourire discret. Ce contraste entre la représentation habituelle du leader et la pose douce, presque enfantine, qu'il adopte est emblématique du style de Cornellà, qui juxtapose souvent les aspects les plus sombres de la nature humaine à une narration visuelle d'une gaieté trompeuse. L'œuvre de Cornellà se caractérise par son ton incisif, souvent choquant, et sa satire mordante, qui exprime des idées fortes à travers une imagerie simple mais percutante. Cette pièce en édition limitée, livrée neuve dans un sachet à motif imprimé, confirme le penchant de l'artiste pour le mélange du macabre et du fantaisiste. « K-Love Green Art Toy » n'est pas qu'un simple objet de collection ; c'est une réflexion sur la culture contemporaine qui invite le spectateur à explorer les liens entre art, politique et culture populaire, l'incitant à une analyse plus approfondie des significations cachées derrière une figure en apparence anodine. Comme un dialogue silencieux avec ceux qui la découvrent, cette œuvre continue de faire écho aux complexités et aux contradictions du monde moderne.

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