Sérigraphie en édition limitée, tirée à la main, 1 couleur, sur papier beaux-arts, par Defer, artiste de street art rare et célèbre du pop art. DEFER Def Syntax, 2022. Sérigraphie artisanale 22 x 30 pouces (55,88 x 76,2 cm). Édition limitée à 75 exemplaires, signés et numérotés par l'artiste. Estampillé BEYOND THE STREET. La typographie stylisée de DEFER fait écho au langage et aux traditions de son quartier de Boyle Heights, à Los Angeles.

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Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée Float sur papier d'art Moab 290 g/m² par Josh Keyes, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « L'idée de ces deux tableaux a mûri dans mon esprit pendant plusieurs mois avant que l'image ne prenne forme. J'ai passé du temps à regarder des images de missions de la NASA et à contempler les étoiles la nuit, en me demandant ce qui se passerait si… J'ai longtemps hésité à les réaliser. Le décor spatial était si étranger à mon travail précédent. J'ai travaillé sur d'autres toiles, mais l'idée de l'immensité de l'espace continuait de me hanter. Finalement, j'ai décidé de me lancer et de voir ce qui se passerait. Je connaissais les magnifiques peintures d'astronautes de Jeremy Geddes et je souhaitais trouver ma propre interprétation de ce sujet. Je pense avoir réussi à exprimer ce que je voulais. J'aimerais explorer à nouveau ce thème à l'avenir. Je trouve l'imagerie intéressante et décalée, et lorsque je regarde l'estampe, elle me transporte dans un lieu très, très lointain. J'aime l'art qui me laisse un peu perplexe et avec des questions sans réponse. Enfin, la qualité du papier et de l'impression est exceptionnelle. » - Josh Keyes L'œuvre de Josh Keyes se situe à la croisée du surréalisme et du réalisme. Aussi paradoxal que cela puisse paraître, son art parvient à concilier une précision physiologique et un photoréalisme saisissant avec des paysages et des interactions empreints d'éco-surréalisme. Le contexte théorique de son travail puise dans les thèmes mythologiques et folkloriques – notamment les légendes et les récits amérindiens – ainsi que dans l'imagerie onirique et cauchemardesque, pour exprimer une profonde angoisse existentielle et une grande incertitude.

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Tringle à rideaux Peace Brutha - Livre d'art et estampe en édition limitée rare, ex-Libris, par l'artiste de rue graffiti Pushead, œuvres d'art urbaines modernes. Livre spécial en édition limitée signée 2021, ex-libris signé, transfert 6-7 octobre 2021, Peace Brutha Curtain Rail. Estampe signée 2021 « Boucher squelettique hyperstoïque » 5,75 x 8,25 pouces. Collection Skulwind 2016, série Peace Brutha, illustrations en noir et blanc terminées, 14 x 21,5 cm, papier aquarelle 400 g/m² grain fin, coloriées à la main. Motifs Xerox : crâne, deux doigts, étoile de la main, cheveux de Skulwind. Basé sur les deux doigts intérieurs. Répétitif. ©Pushead 2016. Alligiance Peace Line Art.

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Guns N Butter Shoeuzi V2 75% Sculpture artistique Uzi en polystone moulée et peinte à la main, édition limitée, œuvre de l'artiste J-LDN, célèbre pour ses peintures de rue pop et graffiti. Édition limitée 2020 à 100 exemplaires, format 19 cm (7,5 pouces). Chaque sculpture Uzi est livrée en quatre parties, assemblées magnétiquement grâce au système Shoeuzi Magnafix, accompagnée d'une boîte, d'un support et de gants. Moulée et peinte à la main en résine de polystone. Sculpture artistique ShoeUzi Guns N Butter Shoe Uzi, style Chunky Dunky Ben & Jerry's V2, rare, seulement 300 exemplaires dans le monde. Sculpture artistique ShoeUzi v2. La v2 est le modèle amélioré à assemblage magnétique en 4 parties. Micro Uzi à l'échelle 75 % (185 mm de longueur), moulé à la main en polyrésine insaturée et peint avec une peinture à la résine sans plomb. Neuf dans sa boîte.

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Label 907 Vol. IV - Orange Édition Limitée Impression Sérigraphique Manuelle à Fontaine Divisée 5 Couleurs sur Papier d'Art Français Blanc Pur 140lbs par UFO907 Artiste de Rue Graffiti Art Moderne Pop Art. Artiste graffeur reconnu, UFO 907 est célèbre pour ses motifs d'OVNIs extraterrestres disséminés dans tout New York. Depuis plus de 20 ans, son œuvre, de plus en plus nombreuse, attire des fans du monde entier. Ses motifs d'OVNIs, si particuliers, ont évolué au fil des ans, passant d'une simple forme d'OVNI à une représentation plus humaine, avec des yeux et des jambes. Il est toujours actif à travers le monde.

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Tête d'ours disséquée - Figurine de collection en vinyle, édition limitée Kickstarter, œuvre d'art réalisée par le graffeur de rue Luke Chueh. Le motif emblématique de tête d'ours de Luke Chueh, découpé en quatre et révélant un crâne humain à l'intérieur. Réalisé en vinyle entièrement peint.

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Edition limitée sur papier Moab Entrada 290gsm par Urban Pop Artist ARTIST Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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« A Quiet Dream », estampe d'art en édition limitée, pigment d'archivage, sur papier d'art de qualité supérieure, par l'artiste pop nature Chris Austin, œuvre d'art moderne. Édition limitée signée et numérotée 2022 (nombre d'exemplaires à déterminer). Dimensions de l'œuvre : 30 x 24 pouces.

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Gorillaz Noodle : Song Machine 11" Janky SuperPlastic Édition Limitée Vinyle Illustration Street Art Jouet Figurine de Collection Sculptures artistiques sur le thème de la musique Gorillaz, édition limitée 2021, neuves dans leur boîte. Création vinyle de SuperPlastic : Gorillaz Noodle sous les projecteurs L'univers des figurines de collection a accueilli une nouvelle venue de taille en 2021 : la figurine « Gorillaz Noodle: Song Machine 11" Janky » de SuperPDon'tc. Cette édition limitée représente Noodle, l'énigmatique guitariste du groupe virtuel Gorillaz, célèbre pour son talent mélodique et son style unique. Mesurant 28 cm, cette figurine en vinyle souple donne vie au personnage de Noodle, avec des détails qui raviront les fans de la série musicale et les amateurs de street art et de graffiti. Les caractéristiques emblématiques et les détails artistiques de Noodle Cette figurine capture la personnalité de Noodle avec une attention méticuleuse aux détails : de ses gants démesurés à sa guitare surdimensionnée, en passant par sa frange emblématique et ses chaussettes hautes. Ces éléments reflètent son style unique et incarnent son rôle de prodige de la guitare au sein du groupe virtuel. L'allure à la fois espiègle et rebelle de la figurine correspond à l'énergie juvénile de Noodle au sein des Gorillaz, tout en abordant le thème plus large de l'émancipation et de l'individualité, omniprésent dans le street art. Valeur de collection et impact culturel de la figurine de nouilles La figurine Noodle : Song Machine est bien plus qu'un simple jouet ; c'est une œuvre d'art contemporaine à la croisée de la musique, des arts visuels et de la culture urbaine. Le dévouement de SuperPlastic à la création de figurines d'art en édition limitée, très recherchées par les collectionneurs, transparaît clairement dans la réalisation de cette pièce. Elle témoigne du rôle de Noodle dans l'histoire des Gorillaz et reflète l'influence du groupe sur la culture pop des vingt dernières années. Présentée dans un coffret collector, la figurine consacre le personnage comme une icône de la pop et une figure majeure du street art et du graffiti.

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Okkervil Baltimore MD 3-Color Hand-Tited Limited Edition Silkscreen Print on Fine Art Paper by DKNG Rare Street Art Famous Pop Artwork Artist. Affiche créée par DKNG pour le récent concert d'Okkervil River à Baltimore, dans le Maryland. Cette sérigraphie trois couleurs de 61 x 46 cm (24 x 18 pouces) est éditée à 100 exemplaires.

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OxyCookie Blotter Paper, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Ben Frost, œuvre d'art LSD de la culture pop. L'artiste contemporain australien Ben Frost est surtout connu pour son Pop Art audacieux et irrévérencieux. Son approche immédiatement reconnaissable de la culture populaire détourne l'iconographie quotidienne des plus grandes marques mondiales. Subvertissant le sens et les messages des médias traditionnels, le commentaire incisif de Frost sur la publicité, le divertissement et la politique est à la fois provocateur et controversé. Ben Frost utilise l'imagerie familière de la culture occidentale pour formuler une critique de cette culture, notamment à travers le prisme du consumérisme, des icônes modernes et des grandes entreprises. Personnages de dessins animés, icônes de la pop culture, logos de marques et bien d'autres éléments sont transformés en œuvres d'art vibrantes et trouvent leur place dans les galeries. Dans cette optique, et dans le cas de Ben Frost, il est vain de tenter de tracer une frontière nette entre art populaire et art savant. En réalité, l'artiste souhaite que le public s'interroge sur les notions de haute et de basse valeur et, par extension, sur leur signification profonde. Au fil des années, les artistes de rue ont su s'imposer comme des créateurs respectés, certains acquérant même une renommée internationale, transformant le graffiti, autrefois art marginal servant parfois à marquer le territoire des gangs, en un secteur économique florissant.

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RISK-OLEUM Red Dawn of The Canmans Artist Edition 213 Vinyl Art Toy par Risk Rock x Comikaze Limited Edition Collectible Sculpture Figure Fine Artwork par Graffiti Pop Street Artist. Figurine Riskoleum, édition limitée 2013 à 200 exemplaires. Format 10 x 18 cm. Neuve en boîte. Figurine d'art en vinyle estampé, signée Riskoleum . Mad Society Kings, Art Work Rebels, Angels Will Rise, West Coast Artists (AWR/MSK/TSL/WCA), artiste de rue et de graffiti Risk Rock. Figurine en vinyle avec bras articulés et toit amovible révélant un compartiment de rangement. RISK-OLEUM Red Canman 213 Artist Edition par Risk Rock, une œuvre d'art pop et graffiti de rue. L'icône du graffiti de Los Angeles, Risk, a conçu la figurine Canman rouge en vinyle Risk-Oleum 213 Risk Rock, une création exclusive pour le Stan Lee's Comikaze 2013. Limitée à 200 exemplaires, cette figurine fait partie de la série The Canmans, initialement créée par Tyke, également graffeur à Los Angeles, qui célèbre la culture graffiti à travers des figurines en vinyle inspirées des bombes de peinture. La RISK-OLEUM Red Canman 213 Artist Edition est une sculpture en vinyle de 2013 conçue par le légendaire graffeur Kelly Graval, alias Risk Rock, en collaboration avec Comikaze. Produite en édition limitée à seulement 200 exemplaires, cette œuvre d'art de 10 x 18 cm transforme la classique bombe de peinture Rust-Oleum en un personnage de collection entièrement articulé. Cette figurine possède des bras mobiles, un corps creux avec un bouchon amovible et un logo illustré inspiré de la culture graffiti et de l'iconographie de consommation américaine. Appartenant à la série originale The Canmans, elle se distingue par son mélange de forme nostalgique, de fonctionnalité et d'esthétique sculpturale contemporaine. Créée en hommage aux outils du graffiti et à la culture dont il est issu, l'édition RISK-OLEUM Red occupe une place unique dans le développement du Street Pop Art et du graffiti en tant que mouvement sculptural légitime. Forme, fonction et iconographie du graffiti La figurine RISK-OLEUM rend hommage à la marque Rust-Oleum, incontournable du graffiti depuis des décennies. Risk Rock réinvente la bombe aérosol en un personnage à part entière, avec des bras trempés dans de la peinture rouge, un diabolique et le slogan culte « Stop Rust » stylisé en graffiti dégoulinant. L'inscription « 213 Risk Rock Red » figure sur le devant de la bombe, une référence directe aux origines de Risk à Los Angeles et à son style visuel rebelle. La figurine arbore des références aux crews AWR, MSK, TSL et WCA, constituant ainsi une véritable histoire visuelle codée du graffiti de la côte ouest américaine. Ce qui semble être un simple gadget recèle en réalité des codes culturels que seuls les initiés comprennent pleinement, faisant de cette pièce un objet de collection et un hommage subtil à des décennies d'influence urbaine. Production vinyle en édition limitée et attrait pour les collectionneurs Fabriquée en vinyle souple et présentée dans un emballage vitrine personnalisé intitulé « Dawn of The Canmans », cette figurine brouille les frontières entre objet d'art et sculpture. Son intérieur creux lui confère interactivité et fonctionnalité, tandis que son bouchon de bombe aérosol amovible ajoute du relief. Limitée à seulement 200 exemplaires dans le monde, chacun numéroté, cette figurine devient non seulement une œuvre d'art, mais aussi un objet de collection lié à l'héritage de la culture urbaine. Sa rareté et son authenticité sont renforcées par les marquages ​​officiels du crew et par le fait que sa conception a été réalisée directement par Risk lui-même. Ces attributs lui permettent d'accéder au domaine des beaux-arts tout en conservant l'humour, l'énergie et le style brut du graffiti. Contrairement aux jouets pop produits en masse, cette édition a une valeur intrinsèque en tant que création artisanale imprégnée de culture, offrant aux collectionneurs une pièce à la fois personnelle et iconique. Le rôle de Risk Rock dans le street art, le pop art et le graffiti Kelly Graval, plus connu sous le nom de Risk, est une figure emblématique du graffiti américain depuis le début des années 1980. Basé à Los Angeles, il fut parmi les premiers à peindre les ponts autoroutiers, les trains de marchandises et les panneaux publicitaires de la côte ouest. Son travail au sein de la série Canmans s'inscrit dans la continuité de sa tradition qui consiste à fusionner l'écriture stylistique avec la sculpture, la mode et les produits dérivés, redéfinissant ainsi la manière dont le graffiti peut être collectionné et exposé. RISK-OLEUM Red est un exemple concret de cette fusion : il incarne la culture de la bombe aérosol, l'esprit graffiti et le design de jouets en une seule pièce. Ce jouet d'art est à la fois une sculpture fonctionnelle qui raconte l'histoire matérielle du graffiti tout en affirmant sa place parmi les objets d'art de collection contemporains. La série Canmans, et notamment des éditions comme celle-ci, prouve que le street art et le graffiti ne se limitent pas aux murs, mais peuvent s'exprimer avec autant de force en trois dimensions.

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Skrillex NY Takeover 4 - Affiche de concert en édition limitée (2012) - Sérigraphie artisanale 3 couleurs sur papier blanc brillant de qualité archive par MFG- Matt Goldman Max Goldman pour l'artiste musical Skrillex. Affiche du Roseland Ballroom présentant Skrillex, Spank Rock et Zane Lowe. L'affiche met en avant le « E » du nom de Skrillex. En 2012, Skrillex a marqué New York de cinq concerts exceptionnels, entre soirées et performances confidentielles très prisées. Bien que les concerts aient eu lieu, les affiches n'ont jamais été commercialisées. Assemblées, elles forment le nom de Skrillex dans un collage de lumières, de cosmos et de paysages, tentant de retranscrire l'intensité de ses concerts. Impression offset 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces) en couleurs directes (jaune fluorescent, vert fluorescent, noir). Papier blanc brillant de qualité archive. Édition limitée à 200 exemplaires. Signée par le fabricant, Matt Goldman. Imprimé en 2012

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Impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'œuvre Radeo par Wendy Ortiz, artiste de graffiti de la culture pop.

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« Sweet Dreams Artwork Giclée en édition limitée, impression d'art de qualité supérieure sur papier Hahnemühle Museum Etching 100 % coton, par l'artiste de graffiti pop culture Victo Ngai. » Édition limitée à 100 exemplaires. Signée et numérotée. Image originale créée pour la nouvelle romantique de Peter Stamm, « Sweet Dreams », parue dans le magazine New Yorker. Du fait des conditions de fabrication et de conservation de ces œuvres par l'artiste, de nombreuses estampes anciennes de Ngai présentent un léger jaunissement des marges blanches supérieures et inférieures, sur environ 1 mm. Ce jaunissement n'altère en rien l'image et les estampes sont par ailleurs en parfait état.

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Cabine téléphonique - Impression giclée en édition limitée 18x18, œuvre d'art pop street sur papier beaux-arts, par l'artiste moderne de graffiti urbain Shishidomia. Édition limitée 2022 à 250 exemplaires, impression japonaise 18x18.

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Achetez SUPERKRANKY édition limitée Janky Vinyl Art Toy oeuvre de collection par Modern Design Artist x Sket-One. 2022 édition limitée SuperKranky Janky superplastique vinyle Art jouet œuvre taille XXXXX

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Circa 98 - Édition limitée bleue, sérigraphie artisanale bicolore sur papier épais d'archivage sans acide, par Mike Giant et Dave Kinsey, artistes de rue graffiti, art pop moderne. 2014. Signée et numérotée par Dave Kinsey et Mike Giant. Édition limitée à 100 exemplaires. Œuvre d'art de 18 x 24 pouces (45,7 x 61 cm). Sérigraphie .

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Figurine de collection Gorillaz 2D Janky SuperPlastic en vinyle, édition limitée, illustration street art. Sculptures artistiques sur le thème de la musique Gorillaz, édition limitée 2021, présentées dans leur boîte. La fusion de la musique et du street art dans Gorillaz 2D Janky de SuperPlastic Dans l'univers des objets de collection, où musique, culture pop et art urbain se rencontrent, la figurine Gorillaz 2D Janky de SuperPlastic s'impose comme une pièce incontournable. Cette œuvre d'art en vinyle en édition limitée incarne l'esprit des Gorillaz, groupe virtuel qui a conquis les fans du monde entier grâce à son mélange unique de musique et d'art visuel. Créée en collaboration avec SuperPlastic en 2021, cette figurine de collection est la première figurine Gorillaz en vinyle à être commercialisée depuis plus de dix ans, un événement majeur pour les collectionneurs et les fans. Conception et détails artistiques de la figurine 2D bancale Le design de la figurine 2D Janky s'inspire directement de l'interprétation iconique de 2D, le leader des Gorillaz, par Jamie Hewlett. Haute de 30 cm, cette figurine en vinyle souple évoque l'esthétique du street art et du graffiti. Vêtue d'une tenue stylée et de chaussures bicolores, elle capture à merveille le style décontracté et unique du personnage. Parmi ses détails les plus marquants, on remarque ses yeux LED lumineux alimentés par piles, qui transposent l'esprit du dessin animé dans le monde réel. Ce souci du détail rend hommage au design original et donne vie à un fragment de l'univers virtuel des Gorillaz. Importance culturelle et potentiel de collection La figurine Gorillaz 2D Janky est bien plus qu'un simple jouet ; c'est un véritable objet culturel qui fait le lien entre musique, art et collection. Les Gorillaz, connus pour leur approche novatrice de la musique et leur utilisation révolutionnaire de l'animation, sont depuis longtemps associés à la scène du street art, notamment grâce aux racines de leur co-créateur, Jamie Hewlett, dans ce genre. Cette figurine incarne ce lien, offrant aux fans un morceau tangible de la riche histoire visuelle et musicale du groupe. Son édition limitée renforce son attrait : chaque exemplaire est présenté dans un magnifique coffret collector, prêt à rejoindre les pièces les plus précieuses de toute collection. En définitive, la figurine SuperPlastic Gorillaz 2D Janky témoigne de l'attrait intemporel des Gorillaz et de l'impact puissant du street art sur le monde de la musique. Elle célèbre vingt ans d'innovation du groupe et sa relation continue avec le monde de l'art, offrant une pièce unique à chérir pour les collectionneurs et les passionnés.

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Basquiat on The Street, tirages photographiques en édition limitée sur papier beaux-arts, par Ricky Powell, artiste de rue et de graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 75 exemplaires, signée, numérotée et titrée à la main par Ricky Powell, 2020. Dimensions de l'œuvre : 20 x 15 pouces. Tirage photographique pigmentaire d'archives. Certificat d'authenticité inclus. Signé une seconde fois par Powell. « Basquiat dans la rue » est un tirage d'archive du regretté Ricky Powell, photographe de rue new-yorkais de renom qui a immortalisé la culture vibrante de la ville dans les années 1980 et 1990. Surnommé « The Rickster », Powell a photographié de nombreuses figures emblématiques du monde de la musique, de l'art et de la mode. Ce tirage met en scène le légendaire Jean-Michel Basquiat, artiste américain d'origine haïtienne et portoricaine, qui a connu la gloire dans les années 1980. L'œuvre de Basquiat est reconnue pour son style brut et expressif, ainsi que pour son regard critique sur les questions de race, de classe et de culture. Son art intègre souvent des éléments proches du graffiti, ce qui a fait de lui une figure majeure du mouvement du street art. Dans « Basquiat dans la rue », Ricky Powell capture Basquiat dans son environnement naturel, au cœur du paysage urbain qui a inspiré son art. Ce tirage d'archive a probablement été réalisé avec des matériaux de haute qualité et sans acide afin de garantir la longévité de l'image. Ces tirages sont souvent recherchés par les collectionneurs et les amateurs de l'œuvre de Basquiat et de la photographie de Powell.

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Orientations de la nuit I Sérigraphie de Cleon Peterson sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés, œuvre d'art en édition limitée. 2025 Signée et numérotée Édition limitée à 50 exemplaires par Cleon Peterson Format de l'œuvre : 12x16 Impression sérigraphique. Orientations de la Nuit I par Cleon Peterson « Orientations of the Night I » est une sérigraphie de 2025 créée par l'artiste américain contemporain Cleon Peterson. Tirée à 50 exemplaires numérotés et signés sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à grain frangé, cette œuvre mesure 30,5 x 40,5 cm. Le contraste saisissant entre les figures noires et blanches sur un fond doré chatoyant témoigne de l'exploration constante par Peterson des thèmes de la domination, de la soumission et du conflit entre ordre et chaos. Reconnu pour son style à la fois dérangeant et élégant, Peterson crée un langage visuel intemporel et poétique, s'inscrivant dans la tradition du street art et du graffiti qui repoussent les limites politiques et psychologiques. Style visuel et structure symbolique L'estampe présente les figures emblématiques de Peterson, rendues en silhouettes plates aux courbes à la fois douces et agressives. Dans Orientations of the Night I, une silhouette noire et une silhouette blanche sont figées dans une pose visuellement intense et ambiguë, soulignant les rapports de force et la tension émotionnelle. Le fond doré contraste fortement avec les corps monochromes, accentuant la théâtralité et la charge symbolique de la scène. La composition saisit une impression de mouvement fluide et de lutte tout en conservant une structure rigide, presque classique. L'utilisation par Peterson du minimalisme, de la symétrie et d'une abstraction saisissante invite les spectateurs à s'interroger sur ce qu'ils voient et sur leur interprétation du conflit et de la vulnérabilité. Médium et production Réalisée selon un procédé de sérigraphie traditionnel, cette estampe témoigne de la maîtrise méticuleuse de Peterson sur sa production. Le fond doré, superposé à des encres noir mat et blanc éclatant, est imprimé sur papier Coventry Rag, réputé pour sa qualité d'archivage et ses bords frangés. Ce choix de matériaux renforce non seulement l'impact visuel, mais aussi le lien historique entre les beaux-arts et la culture urbaine, où la sérigraphie a longtemps servi de support à la création d'affiches politiques, de fanzines et de messages inspirés du graffiti. Le tirage limité de cette œuvre la confère à l'univers du Street Pop Art et du graffiti, transformant une esthétique graphique en un objet d'art de collection. Le rôle de Cleon Peterson dans l'art urbain pop et le graffiti Né aux États-Unis, Cleon Peterson s'est forgé une voix visuelle singulière et engagée dans l'art contemporain. Son œuvre puise à la fois dans la composition classique et dans l'immédiateté brute du paysage urbain. Bien qu'il ne soit pas un graffeur au sens traditionnel du terme, sa pratique s'enracine dans l'esprit du street art, utilisant l'audace visuelle et la critique sociale pour interroger le pouvoir, la justice et le contrôle de la société. Ses figures apparaissent souvent dans des scénarios dystopiques où l'autorité et la résistance s'affrontent violemment. « Orientations of the Night I » incarne cette dualité, dépeignant une lutte à la fois psychologique, mythologique et institutionnelle. Cette œuvre reflète l'intérêt constant de Peterson pour l'exploration des systèmes de domination et la frontière ténue entre protection et oppression dans la vie moderne. Par sa technique précise et sa narration symbolique, Peterson continue de contribuer avec une force inébranlable au discours en constante évolution du Street Pop Art et du Graffiti.

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Rascal In The '47 Fleetline PP, épreuve d'imprimerie, tirage d'archives par Estevan Oriol, édition limitée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², œuvre d'art moderne d'artiste pop. Épreuve d'imprimerie PP 2018 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 24x17 Pigments d'archivage Dévoiler les récits de rue dans l'art Le street art et le graffiti se distinguent dans la culture visuelle contemporaine, brouillant souvent les frontières entre l'art savant et le quotidien urbain. L'œuvre « Rascal In The '47 Fleetline » d'Estevan Oriol illustre parfaitement ce genre, où la puissance de l'image réside autant dans son esthétique que dans son commentaire culturel. Cette pièce, une épreuve d'artiste (PP) de 2018, est un tirage d'archive qui offre un regard brut et sans fard sur la culture de rue à travers le prisme de l'art moderne. L'œuvre d'Estevan Oriol capture l'essence même de la rue avec une authenticité et une réalisme cru souvent absents des formes d'art traditionnelles. La Fleetline de 1947, voiture emblématique de la culture chicano et du mouvement lowrider, devient un support d'expression pour l'identité, la résilience et la fierté. Rascal, le personnage d'Oriol, n'est pas qu'une simple figure, mais la représentation d'un récit plus vaste qui fait écho aux expériences des personnes souvent marginalisées par la société. L'intensité du regard de Rascal et la précision des tatouages ​​qui ornent sa peau racontent une histoire à la fois personnelle et collective. Techniques et supports dans le pop art urbain Les aspects techniques de l'estampe d'Oriol sont aussi remarquables que son sujet. Le choix du papier d'art Moab Entrada 290 g/m² est délibéré : son grammage et sa texture confèrent de la profondeur à l'image en noir et blanc. Les pigments d'archivage utilisés garantissent sa longévité, faisant de cette œuvre un véritable témoignage historique de l'époque qu'elle représente. La signature d'Oriol et la mention « Épreuve d'imprimeur » attestent de son exclusivité et de son statut de pièce de collection dans l'univers du pop art urbain. Résonance culturelle des œuvres de graffiti Bien que n'étant pas du graffiti au sens traditionnel du terme, l'œuvre d'Oriol dégage une énergie et un impact similaires. Le terme « graffiti » évoque souvent des images de murs couverts de graffitis et de tags, mais il a évolué pour englober un spectre plus large d'expressions visuelles urbaines. Par sa composition soignée et ses contrastes saisissants, l'estampe d'Oriol communique la rébellion et l'audace du graffiti. Elle capture un instant précis de la culture urbaine, élevé au rang d'art, tout en restant ancrée dans l'asphalte et le béton qui constituent son arrière-plan. La rencontre entre la culture urbaine et le monde de l'art, comme en témoigne « Rascal In The '47 Fleetline » d'Oriol, illustre l'évolution de la perception de ce qui constitue un art à part entière. Cette œuvre en édition limitée n'est pas seulement la représentation d'un moment ou d'un individu, mais un commentaire profond sur la société dont elle est issue. Elle capture l'esprit du pop art urbain et du graffiti, et son message se ressent autant qu'il se voit.

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King Janky The 5.5 « Ailes chaudes et transpirantes du général Janky » Figurine de collection SuperPlastic en vinyle édition limitée, style street art 2020 Présenté avec sa boîte. Le cinquième héritier et demi du trône aime ses ailes comme il aime ses aventures : chaudes et torrides ! Comprend une pancarte, une couronne de piment, une brique de lait et de la sauce à profusion.

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Œuvre d'art Bird Oysho, impression giclée en édition limitée sur papier 330 g/m² par l'artiste de graffiti de la culture pop Conrad Roset.

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Marqueur de pilote suprême - Peinture noire en édition limitée, sculpture, œuvre d'art de designer. Saison Automne/Hiver 2018 Couleur Noir Date de sortie 10/11/2018.

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Achetez PEINTURE One of a Kind Artwork on MEDIUM par Street Art Pop Artist. 2022 Signé MEDIA Peinture Oeuvre Originale Taille XXXX INFO

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Achetez OBJECT Edition Limitée Designer Art Object Collectible Artwork by Artist ARTIST 2021 Édition limitée de XXX Rare OBJECT Objet Art Taille XXXXXX INFO

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ZOMBIE GOOO ! - Figurine de collection en vinyle jaune en édition limitée, œuvre d'art créée par l'artiste de graffiti de rue VISEone. ZOMBIE GOOO! est une collaboration entre VISEone et Flying LuLu. Environ 20 cm de hauteur, en vinyle.

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Label 907 Vol. IV - Édition limitée bleue - Impression sérigraphique artisanale en 5 couleurs, réalisée à la main sur papier d'art français blanc pur de 140 livres par UFO907, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Grande image dessinée à la main au verso. Artiste graffeur reconnu, UFO 907 est célèbre pour ses motifs d'OVNIs extraterrestres disséminés dans tout New York. Depuis plus de 20 ans, son œuvre, de plus en plus nombreuse, attire des fans du monde entier. Ses motifs d'OVNIs, si particuliers, ont évolué au fil des ans, passant d'une simple forme d'OVNI à une représentation plus humaine, avec des yeux et des jambes. Il est toujours actif à travers le monde.

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Anatomie du sanglier - Feuille d'anatomie n° 15, sérigraphie en édition limitée, 1 couleur, tirée à la main sur papier Munken Pure 300 g/m², par l'artiste pop médical Nychos. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2017, format 17x11 pouces Illustré par NYCHOS. Sérigraphie monochrome sur papier Munken Pure 300 g/m². Format : 27,94 x 43,18 cm (11 x 17 pouces). Édition limitée à 100 exemplaires. Année : 2017. Estampille et cachet d’authenticité. Numérotée et signée par l’artiste. La série REM Anatomy Sheets explore l’anatomie de 10 animaux sauvages. Dans cette nouvelle collection de sérigraphies en noir et blanc en édition limitée, Nychos invite le spectateur à s’immerger dans les détails de l’anatomie animale.

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Freddie Mercury Queen British Super Limited Edition Giclée Print on Fine Art Paper by Mike Mitchell Counter-Culture Street Artist. 2013 Signé et numéroté au dos Édition limitée à 100 exemplaires Œuvre d'art Format 4x6 Impression giclée par Mike Mitchell de Superman Clark Kent Pose stylisée avec Freddie Mercury du groupe de rock anglais Queen. Freddie Mercury dans l'art urbain pop et le graffiti Freddie Mercury demeure l'une des figures les plus emblématiques visuellement et artistiquement célébrées de l'histoire de la musique. Sa présence dans le street art et le graffiti témoigne de son influence durable en tant qu'artiste, icône de style et symbole culturel. L'imagerie qui lui est associée, de ses tenues de scène extravagantes à sa tenue légendaire pour le Live Aid, a inspiré les artistes de rue et les créateurs de pop art à réinterpréter sa personnalité de manière audacieuse et non conventionnelle. L'impact de l'image de Freddie Mercury dans l'art Freddie Mercury était connu pour ses performances théâtrales, son expression de soi sans retenue et son esthétique avant-gardiste, ce qui faisait de lui un sujet idéal pour le street art et le graffiti. Sa moustache immédiatement reconnaissable, ses lunettes de soleil aviateur et sa présence scénique captivante ont été immortalisées dans des fresques, des pochoirs et des graffitis monumentaux à travers le monde. Les artistes le représentent fréquemment dans sa tenue du Live Aid, coiffé de couronnes royales ou vêtu de costumes flamboyants, utilisant souvent des couleurs néon éclatantes et des fonds psychédéliques pour refléter sa personnalité audacieuse. Les artistes de rue ont intégré ses paroles, ses slogans et ses portraits dans le paysage urbain, transformant l'espace public en hommages à son influence. Sa voix puissante et son charisme indéniable font de lui une muse naturelle pour les artistes pop qui célèbrent l'individualité, l'excentricité et la rébellion. La fusion de la musique et des arts visuels permet à l'image de Freddie Mercury de continuer d'inspirer de nouvelles générations à travers des interprétations urbaines contemporaines. Freddie Mercury comme symbole culturel dans le graffiti et le pop art Les graffeurs et les créateurs de pop art ont fait de Freddie Mercury un symbole de confiance, d'expression personnelle et de transgression des normes sociales. Sa présence dans le street art et le graffiti représente souvent les thèmes de la liberté, de la rébellion et de la fierté LGBTQ+, faisant de lui une figure incontournable des débats sur l'identité et le courage artistique. Son talent unique pour fusionner rock, opéra et performance théâtrale a inspiré d'innombrables artistes à le représenter sous des formes dynamiques et non conventionnelles, allant des portraits au pochoir hyper-stylisés aux fresques monumentales. Les artistes le placent fréquemment dans des paysages oniriques psychédéliques, des contrastes minimalistes en noir et blanc ou des collages pop art expressifs, rendant souvent hommage à ses performances extravagantes. De nombreuses œuvres intègrent des paroles des chansons les plus célèbres de Queen, telles que « We Will Rock You » ou « Don't Stop Me Now », soulignant l'énergie et la passion qu'il déployait sur scène. L'héritage de Freddie Mercury dans l'art urbain Freddie Mercury demeure une figure emblématique du street art et du graffiti, célébré pour sa présence électrisante et son influence inégalée sur la musique et la culture. Sa capacité à transcender les genres, les styles et les normes lui assure une place de choix dans l'art visuel, notamment à travers des œuvres qui célèbrent l'audace et la créativité. Qu'il soit représenté par des couleurs éclatantes, des fresques murales au pochoir ou des estampes conceptuelles pop art, l'œuvre de Freddie Mercury continue d'inspirer et de captiver le public du monde entier.

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Le Chevalier - Chambre de l'Enfer Édition Limitée, Chambre à Encens en Porcelaine, Œuvre d'art de collection par l'artiste de graffiti de rue Rob Bowyer. 2021 Chambre à encens en porcelaine de 10 pouces, édition limitée « Tuez-les tous » Fabriqué principalement en porcelaine et reproduisant fidèlement l'œuvre « Kill Them All » de Rob Bowyer, voici Le Chevalier (Chambre de l'Enfer). Le Chevalier (Chambre de l'Enfer) est une pièce d'art fonctionnelle. Ce brûleur d'encens en porcelaine peinte brillante présente une palette de couleurs sobres et une base amovible pour un nettoyage facile. Des ouvertures astucieusement placées permettent à la fumée de s'échapper de sa silhouette imposante, accentuant l'aspect éthéré du Chevalier (Chambre de l'Enfer). Ne pas toucher le brûleur pendant son utilisation, car sa surface est chaude et peut provoquer des brûlures. Ne pas utiliser plus de deux cônes d'encens à la fois.*

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Sérigraphie acrylique HPM « Tomato Pop Blue » par Mr Brainwash - Thierry Guetta. Impression 4 couleurs unique, finie à la main, sur papier beaux-arts. Édition limitée. Œuvre d'art pop et street art. 2023. Sérigraphie HPM acrylique signée et numérotée, rehaussée à la main, édition limitée à 95 exemplaires. Dimensions : 22 x 30 cm. Style Andy Warhol. Boîte à soupe Cambols avec pinceaux peints à la main. (Photo non contractuelle) L'univers du pop art et du street art a toujours été une tapisserie en constante évolution, tissée d'idées audacieuses, d'images iconiques et de techniques d'avant-garde. Parmi les ajouts remarquables à cette toile vibrante figure la sérigraphie acrylique « Tomato Pop Blue HPM » du célèbre artiste Mr Brainwash – Thierry Guetta. Révélée en 2023, cette œuvre d'art est bien plus qu'une simple estampe : il s'agit d'une sérigraphie quatre couleurs unique, finie à la main sur papier d'art, témoignant du savoir-faire méticuleux de l'artiste. L'attrait de cette œuvre ne se limite pas à sa prouesse technique ; son édition limitée renforce encore son charme. Seuls 95 exemplaires existent dans le monde, chacun signé et numéroté par Mr Brainwash – Thierry Guetta en personne, ce qui garantit son exclusivité. Mesurant 56 x 76 cm, l'œuvre présente une image qui n'est pas sans rappeler le style d'Andy Warhol. Pour les connaisseurs de l'œuvre de Warhol, elle évoque immédiatement la célèbre boîte de soupe Campbell. Pourtant, Mr Brainwash de Thierry Guetta introduit une approche novatrice. Au lieu du contenu habituel de la canette, on trouve des pinceaux peints à la main, fusionnant le quotidien et l'artistique et interrogeant peut-être l'omniprésence de l'art dans la vie de tous les jours. Cette représentation singulière s'inscrit dans l'héritage du pop art tout en faisant écho à l'esprit rebelle du street art et du graffiti. Le choix de la technique HPM (Hand-Painted Multiple) par Mr Brainwash de Thierry Guetta souligne la dualité de l'œuvre. Si la sérigraphie confère uniformité et répétition, chaque finition manuelle garantit le caractère unique de chaque pièce. L'estampe « Tomato Pop Blue HPM Acrylic Silkscreen Print » témoigne de la fusion des formes d'art traditionnelles et contemporaines, invitant le spectateur à s'immerger dans ses subtilités.

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Affiche de concert en édition limitée Modest Mouse Columbus OH 2014, impression sérigraphique artisanale sur papier d'art par Fugscreens. Édition limitée à 225 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Œuvre de 18 x 24 pouces. Groupe de musique Modest Mouse, Columbus, Ohio, 2014. LC Pavilion Theater. Homme dans la jungle combattant des tortues tenant une femme inconsciente. Encre métallique argentée. Affiche de concert en édition limitée de Modest Mouse à Columbus, Ohio, en 2014, par Fugscreens L'affiche du concert de Modest Mouse à Columbus (Ohio) en 2014, réalisée par Fugscreens, est un exemple audacieux et surréaliste de la fusion entre le pop art urbain, le graffiti et la culture musicale. Conçue comme une sérigraphie commémorative pour le concert du groupe au LC Pavilion de Columbus, dans l'Ohio, cette œuvre artisanale fusionne avec brio narration visuelle et esthétique underground. Signée et numérotée dans une édition limitée à 225 exemplaires, cette affiche de 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces) est à la fois un objet de collection et une pièce maîtresse, incarnant l'énergie brute et les thèmes excentriques souvent associés à la musique de Modest Mouse. L'impact visuel et la composition artistique L'affiche créée par Fugscreens est à la fois chaotique et captivante. Elle met en scène un décor de jungle où une silhouette musclée se livre à un combat acharné contre des tortues géantes, tout en soutenant une femme inconsciente. Les traits exagérés, le style bande dessinée et le sujet surréaliste font de cette œuvre un exemple incontestable de street art et de graffiti. L'illustration, pleine de dynamisme, entraîne le spectateur dans un récit inattendu, à la fois mythique et absurde. Le pointillisme et la texture détaillée créent un effet de superposition, ajoutant de la profondeur à la composition tout en conservant un aspect artisanal et imparfait. La palette de couleurs, composée de verts terreux, de bleus doux et de rouges sourds, confère à l'œuvre une ambiance pulp vintage. L'utilisation marquée des contours et des ombres renforce le côté dramatique de la scène, rendant les personnages principaux encore plus imposants et intenses. Le placement du nom du groupe en haut de l'affiche, dans une typographie nette mais légèrement vieillie, contraste fortement avec les images sauvages situées en dessous, renforçant l'idée que la musique elle-même peut être à la fois chaotique et structurée. Symbolisme et esthétique du street art, du pop art et du graffiti L'imagerie de cette affiche de concert s'inscrit dans les thèmes souvent explorés par le street art et le graffiti : la violence, la nature, le surréalisme et le commentaire social. L'étrange scène de combat pourrait être interprétée comme une métaphore de la lutte, de la survie, voire de l'absurdité de la vie moderne, des thèmes récurrents dans les paroles de Modest Mouse. La présence de tortues comme adversaires ajoute une touche d'ironie et d'humour, subvertissant l'imagerie héroïque traditionnelle et incitant le spectateur à s'interroger sur la logique du combat. La femme inconsciente, blottie dans les bras du personnage central, évoque l'esthétique des bandes dessinées ou des romans d'aventure vintage, mais avec une absurdité assumée qui confère à la scène un caractère critique plutôt qu'une glorification de l'action. La technique de sérigraphie artisanale renforce le côté brut de l'œuvre, à l'instar des graffeurs qui valorisent l'imperfection et la texture dans leurs créations. Les couches d'encre créent une qualité tactile que les impressions numériques ne peuvent reproduire, soulignant le caractère artisanal et inspiré de la rue de l'œuvre. Cette estampe illustre comment les affiches de concerts, à l'instar des peintures murales et des graffitis, prolongent la culture underground, véhiculant la même énergie rebelle et le même défi aux conventions du design dominant. Importance culturelle et de collection de l'estampe Tirage limité, signé et numéroté, l'affiche du concert de Modest Mouse à Columbus (Ohio) en 2014 revêt une grande valeur auprès des collectionneurs d'objets de musique et d'art urbain (pop art et graffiti). Son format 45,7 x 61 cm permet d'apprécier pleinement les détails les plus fins, ce qui en fait une pièce de collection idéale pour les fans du groupe et d'art urbain contemporain. L'engagement de Fugscreens envers l'impression sérigraphique artisanale garantit l'authenticité de chaque exemplaire, avec de subtiles variations qui rendent chaque tirage unique. L'imagerie surréaliste et chaotique de l'affiche capture l'essence même de la musique de Modest Mouse : imprévisible, introspective et audacieuse, qui n'hésite pas à défier les conventions. À l'instar des artistes de rue qui se réapproprient l'espace urbain par des visuels percutants, cette affiche adopte une approche non traditionnelle du design, dépassant le simple branding pour s'inscrire dans le récit artistique. Elle sert à la fois d'outil promotionnel et d'œuvre d'art à part entière, prouvant ainsi le lien indissociable qui unit musique et art visuel dans la construction des récits culturels.

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Shangri-La Blue Édition Limitée Œuvre d'art moderne encadrée Estampage à froid offset et vernis brillant Sérigraphie sur papier beaux-arts UV par le célèbre artiste pop asiatique Takashi Murakami TM/KK. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2018. Dimensions de l'œuvre : 29,5 x 29,5 cm ; dimensions de l'image : 26 x 26 cm ; dimensions du cadre : 40,25 x 40,25 cm. Encadrement sur mesure avec passe-partout de 10 cm et verre acrylique anti-UV. Le spectre de l'art moderne en bleu Shangri-La Dans le vaste univers de l'art contemporain, certaines œuvres captivent l'imagination par leurs couleurs chatoyantes et leur esthétique unique, devenant un véritable phénomène tant dans la culture populaire que dans le monde de l'art contemporain. L'édition limitée Shangri-La Blue est de celles-ci, magistralement créée par le célèbre artiste pop asiatique Takashi Murakami. Reconnu pour son œuvre prolifique dans le domaine du street art et du graffiti, Murakami propose ici une création qui fusionne l'énergie de la rue et le raffinement de l'art contemporain, une tendance en plein essor ces dernières années. Takashi Murakami : une figure emblématique du pop art urbain Né à Tokyo, Takashi Murakami a marqué de son empreinte indélébile le paysage de l'art moderne, défiant les catégories traditionnelles et cultivant une identité hybride qui trouve un écho auprès d'un public international. Son approche, souvent qualifiée de « Superflat » – un terme qu'il a lui-même forgé – reflète une esthétique épurée dans le contexte postmoderne japonais, mêlant graphisme, culture pop et beaux-arts. L'œuvre « Shangri-La Blue », parue en 2018, s'inscrit dans cette tradition avec son édition limitée à 100 exemplaires signés et numérotés, garantissant ainsi sa rareté et son attrait auprès des collectionneurs et des amateurs d'art. L'œuvre elle-même est un carré imposant de 75 cm sur 75 cm, encadré d'un cadre carré de 102 cm de côté, ce qui lui confère une présence remarquable quel que soit l'endroit où elle est exposée. L'image qu'elle renferme mesure 66 cm sur 66 cm et offre un véritable festin visuel de couleurs et de textures. La technique choisie pour sa réalisation – un marquage à froid offset combiné à une sérigraphie vernie brillante sur papier beaux-arts UV – souligne l'engagement de Murakami non seulement envers l'impact visuel, mais aussi envers la pérennité et la conservation de son œuvre. Intégrité artistique et impact visuel La composition de Shangri-La Blue est une merveille en soi, avec une profusion de motifs floraux souriants, devenus emblématiques de l'univers visuel de Murakami. Cette œuvre se distingue par son charme à la fois sophistiqué et fantaisiste, sublimé par l'utilisation caractéristique d'un papier beaux-arts résistant aux UV et d'un vernis brillant qui font ressortir la profondeur et l'éclat des couleurs. L'encadrement sur mesure, comprenant un passe-partout de 10 cm et un verre acrylique anti-UV, ajoute une touche d'élégance et protège l'œuvre des éventuels dommages environnementaux. L'œuvre n'est pas seulement un spectacle visuel, mais aussi une expérience intellectuelle, comme c'est souvent le cas pour le graffiti, où la simplicité apparente dissimule un récit plus profond, parfois critique. Shangri-La Blue de Murakami peut être interprété comme un commentaire sur la commercialisation de l'art, la joie de créer ou l'omniprésence de la société de consommation. Cette ambiguïté contribue à rendre l'œuvre de Murakami si captivante et stimulante. Dans le monde du Street Pop Art, le nom de Takashi Murakami est souvent évoqué avec respect. Son style, immédiatement reconnaissable et fréquemment imité, n'a jamais été égalé. Shangri-La Blue, avec son édition limitée et son esthétique singulière, continue de fasciner le public, tissant des liens entre différentes formes d'art et philosophies. Posséder une telle œuvre est bien plus qu'un simple achat : c'est s'immerger dans l'univers novateur de l'un des artistes les plus visionnaires de notre époque. L'œuvre de Murakami, dont Shangri-La Blue est un exemple éclatant, célèbre la vitalité de la vie et explore les nuances de la culture contemporaine. Elle fusionne passé et présent, Orient et Occident, une fusion plus que jamais pertinente dans notre monde interconnecté. Son œuvre ne se contente pas d'être accrochée au mur ; elle est vivante, elle respire et continue d'influencer le cours de l'art moderne. Comme chacune de ses créations, Shangri-La Blue témoigne de son génie – un génie qui ne cesse de définir et de redéfinir l'essence du street art et du graffiti.

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« Hold On To Your Butts », tirage pigmentaire d'archive en édition limitée sur papier beaux-arts 310 g/m² par Michael Eeugene Burdick, artiste de rue et de graffiti, art moderne. « J'ai une idée pour une fin alternative à Jurassic Park où le personnage de Samuel L. Jackson terrasse les vélociraptors qui l'attaquent et nage jusqu'au continent. » – Michael Eugene Burdick

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Date d'expiration Édition limitée Tirage pigmentaire d'archives sur papier Moab Fine Art 290 g/m² par Luke Chueh, artiste de rue graffiti, art pop moderne. En 2003, Chueh s'installe à Los Angeles pour poursuivre une carrière dans le design. Cependant, faute d'opportunités d'emploi, il se tourne vers la peinture pour s'occuper. C'est ainsi qu'il fait ses débuts sur la scène artistique underground de Los Angeles, notamment lors des expositions de Cannibal Flower.

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Skrillex NY Takeover 2 - Affiche de concert en édition limitée (2012) - Sérigraphie artisanale 3 couleurs sur papier blanc brillant de qualité archive par MFG- Matt Goldman Max Goldman pour l'artiste musical Skrillex. Programmation avec Skrillex, Zedd et Sazon Booya au Pacha. L'affiche présente les initiales « KR » du nom de Skrillex. En 2012, Skrillex a investi New York pendant cinq soirs avec une série de soirées et de concerts confidentiels très prisés. Bien que les concerts aient eu lieu, les affiches n'ont jamais été commercialisées. Assemblées, elles forment le nom de Skrillex dans un collage de lumières, de cosmos et de paysages, tentant de capturer l'intensité de ses concerts. Impression offset 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces) en couleurs directes (jaune fluorescent, vert fluorescent, noir). Papier blanc brillant de qualité archive. Édition limitée à 200 exemplaires. Signée par le fabricant, Matt Goldman. Imprimé en 2012

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Tirages d'art pigmentaires en édition limitée sur papier Moab Fine Art 290 g/m² par Luke Chueh, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2020. Format de l'œuvre : 12 x 12 pouces. Le style artistique unique de Luke Chueh Les tirages pigmentaires d'archives « Tattoo » de Luke Chueh, imprimés sur papier d'art Moab 290 g/m², offrent un mélange captivant de style urbain et de discipline artistique reconnue, une caractéristique du Street Pop Art et du graffiti. Chueh, artiste de rue et graffeur réputé pour son approche unique du pop art moderne, présente en 2020 une collection à la fois limitée et d'une grande portée culturelle : une édition signée et numérotée de 100 exemplaires, au format 30,5 x 30,5 cm. Ces tirages véhiculent un récit à la fois fantaisiste et profond, illustré par des motifs évoquant des tatouages ​​qui ornent le visage d'un ours – un personnage récurrent dans l'œuvre de Chueh. Cet ours, portant la mention « PAS UN OURS », constitue un paradoxe en soi, interrogeant l'identité et la perception du sujet. Cette transgression est typique du travail de Chueh, où les frontières de l'art et de l'inconscient s'entremêlent. Chaque symbole tatoué sur le visage de l'ours dans « Tattoo » revêt une importance iconographique culturelle, de la simple cuillère et de la fourchette aux références plus complexes comme « LUKE WAS HERE ». Ces icônes sont plus que de simples décorations ; elles racontent une histoire, à l'instar de véritables tatouages, retraçant un parcours d'expériences, de croyances et le cheminement personnel de l'artiste. Valeur de collection des estampes en édition limitée de Chueh Le choix du papier beaux-arts Moab par Chueh pour ces tirages souligne la qualité exceptionnelle et la pérennité de son œuvre. Le papier de 290 g/m² confère à l'œuvre une présence physique, une dimension tactile qui enrichit l'expérience visuelle. Les encres pigmentaires d'archivage garantissent la vivacité des couleurs et la résistance à la décoloration, un problème fréquent avec les supports de moindre qualité. « Tattoo » illustre parfaitement comment le pop art moderne peut s'inspirer de la culture urbaine tout en préservant une grande intégrité artistique. L'œuvre de Luke Chueh nous rappelle que l'esprit du graffiti peut s'épanouir en galerie, insufflant l'énergie brute et vibrante de la rue dans un environnement plus savant. L'intérêt de collection de « Tattoo » est indéniable. Tirée à seulement 100 exemplaires, chacun signé et numéroté par Chueh, cette œuvre représente une occasion unique pour les collectionneurs et les amateurs d'acquérir un morceau d'histoire du pop art moderne. La signature manuscrite des estampes confère une dimension personnelle qui établit un lien direct entre le collectionneur et l'artiste, renforçant ainsi le caractère intime de l'œuvre. « Tattoo » de Luke Chueh est une œuvre majeure qui fusionne l'accessibilité du street art et la popularité du pop art, tout en invitant le spectateur à dépasser les apparences pour découvrir la profondeur narrative de chaque symbole. Elle témoigne de la pérennité du street art, du pop art et du graffiti, ainsi que de leur capacité à se réinventer sans cesse dans le paysage artistique contemporain.

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Priority Mail RD Thick Bold Black Acrylic Original Sticker Slap-Up Label Painting/Drawing Art by Tru Graffiti Legend RD-357 Modern Street Artist. Tag original Slap Up Graffiti Art, signé 2021 4,25 x 5,5

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JJ Hardy/Soldat de la Seconde Guerre mondiale - Orioles. Collage unique, embelli à la main, technique mixte sur carte de baseball vintage par Pat Riot. Carte vintage Topps MLB authentique, estampillée en 2014, technique mixte superposée, avec un style pop art inspiré de JJ Hardy/soldat de la Seconde Guerre mondiale (Orioles).

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À la boutique - Impression giclée en édition limitée 18x24 Pop Street Artwork sur papier d'art de qualité supérieure par l'artiste moderne de graffiti urbain Shishidomia. Édition limitée 2022 à 250 exemplaires, impression japonaise 18x24.

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Pup Art - Sculpture en bombe de peinture rouge en édition limitée, œuvre d'art réalisée par l'artiste de rue, graffeur et légende de la culture pop Mr Brainwash - Thierry Guetta. Édition limitée 2020, signée et numérotée, à 150 exemplaires. Format de l'œuvre : 3 x 8 pouces. Signée par empreinte digitale et numérotée, avec coffret de présentation personnalisé. Pièce de collection ultra rare et exceptionnelle : Mr Brainwash – Thierry Guetta, édition limitée, œuvre d’art réalisée à la bombe de peinture.

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Papier buvard Lucky Strike, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Niagara, œuvre d'art inspirée de la culture pop et du LSD. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2021. Ces buvards en édition limitée sont perforés à la main par Zane Kesey. L'alignement des perforations sur l'illustration peut légèrement différer de l'exemple présenté.

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Master Stroke, édition limitée, sérigraphie artisanale en 4 couleurs sur papier beaux-arts, par Tim Doyle, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Épreuve d'artiste AP 1ère édition

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Skrillex NY Takeover 1 - Affiche de concert en édition limitée (2012) - Sérigraphie artisanale 3 couleurs sur papier blanc brillant de qualité archive par MFG - Matt Goldman Max Goldman pour l'artiste musical Skrillex. Affiche du concert de Skrillex et AC Slater au Webster Hall. Le poster met en avant le « S » du nom de Skrillex. En 2012, Skrillex a marqué New York de cinq concerts exceptionnels, entre soirées et performances confidentielles très prisées. Bien que les concerts aient eu lieu, les affiches n'ont jamais été commercialisées. Assemblées, elles forment le nom de Skrillex dans un collage de lumières, de cosmos et de paysages, tentant de retranscrire l'intensité de ses concerts. Impression offset 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces) en couleurs directes (jaune fluorescent, vert fluorescent, noir). Papier blanc brillant de qualité archive. Édition limitée à 200 exemplaires. Signée par le fabricant, Matt Goldman. Imprimé en 2012

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Œuvre d'art « Eau traîtresse », impression d'art en édition limitée Giclée sur papier Hahnemühle Museum Etching 100 % coton, par l'artiste de graffiti pop culture Victo Ngai. Édition limitée à 100 exemplaires. Signée et numérotée. Du fait des conditions de fabrication et de conservation de ces œuvres par l'artiste, de nombreuses estampes anciennes de Ngai présentent un léger jaunissement des marges blanches supérieures et inférieures, sur environ 1 mm. Ce jaunissement n'altère en rien l'image et les estampes sont par ailleurs en parfait état.

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Sculpture en vinyle Love Gloves HPM par OG Slick, édition limitée, œuvre d'art moderne pop graffiti street art. Œuvre d'art en édition limitée à 200 exemplaires, signée et numérotée, édition 2024. Dimensions : 11 x 5 pouces. Sculpture en vinyle Love Gloves HPM par OG Slick – Édition limitée d'œuvre d'art moderne pop graffiti street art OG Slick, artiste renommé du Street Pop Art et du graffiti, donne vie à son style unique avec « Love Gloves », une sculpture en vinyle HPM en édition limitée. Signée et numérotée, cette pièce de collection, limitée à 200 exemplaires, capture sa vision artistique audacieuse et rebelle tout en symbolisant un message universel d'amour et de connexion. La sculpture de 28 x 13 cm représente deux mains gantées formant un cœur, ornées d'éclaboussures de peinture et reposant sur un socle tagué, témoignant des profondes racines d'OG Slick dans la culture graffiti et l'esthétique du pop art moderne. La forme sculpturale fait directement référence au langage visuel caractéristique d'OG Slick, où il mêle des éléments de la culture urbaine à une iconographie graphique épurée. L'utilisation du vinyle confère à l'œuvre une finition lisse et brillante qui contraste fortement avec les éclaboussures de peinture brutes et expressives. Les éléments peints à la main rendent chaque pièce unique, renforçant l'authenticité artisanale et urbaine qui définit le Street Pop Art et le graffiti. OG Slick et l'impact du street art et du graffiti Originaire d'Hawaï et désormais installé à Los Angeles, OG Slick est une figure incontournable du graffiti depuis les années 1980. Son œuvre se caractérise par un mélange harmonieux de rébellion urbaine, de références à la pop culture et d'art conceptuel. Si ses racines graffiti restent au cœur de son travail, il a étendu sa pratique à la sculpture, aux fresques murales de grande envergure et aux collaborations commerciales sans jamais renier son esthétique brute et ancrée dans la rue. Ses œuvres explorent souvent les thèmes de la société de consommation, de l'identité et de la culture urbaine, tout en conservant une dimension ludique et satirique. « Love Gloves » illustre parfaitement cette approche en transformant un geste simple en une sculpture saisissante. Les gants, évoquant l'iconographie des dessins animés classiques, confèrent à l'œuvre une dimension nostalgique et universelle, tout en réaffirmant l'attachement profond d'OG Slick à la culture graffiti. Sa capacité à fusionner les techniques traditionnelles du graffiti avec les formes d'art contemporaines a fait de lui l'un des artistes les plus respectés du Street Pop Art et du graffiti. Love Gloves – Un symbole d’unité et d’énergie du street art « Love Gloves » est bien plus qu'une sculpture ; c'est une représentation symbolique de l'unité, de l'amour et de la rébellion artistique. Les deux mains formant un cœur représentent le lien et la positivité, tandis que les éclaboussures de peinture et le tag graffiti ancrent l'œuvre dans l'énergie brute et authentique de la culture urbaine. Le contraste entre le vinyle poli et les coulures de peinture chaotiques crée une tension visuelle qui reflète la nature dynamique du graffiti lui-même : en constante évolution, expressif et sans compromis. Chaque pièce étant peinte à la main, aucune n'est identique, renforçant ainsi le caractère unique et la valeur de collection de cette œuvre en édition limitée. Le cœur peint à la bombe sur le socle ajoute une dimension supplémentaire de texture et de signification, donnant à l'essence du street art une forme sculpturale tangible. Cette œuvre est à la fois une déclaration d'amour et un hommage à la capacité du graffiti à transmettre des messages profonds grâce à une imagerie audacieuse et immédiate. L'influence durable de l'art d'OG Slick sur la culture contemporaine OG Slick a bâti sa carrière en repoussant les limites du street art et du graffiti, et « Love Gloves » témoigne une fois de plus de son approche novatrice. Sa capacité à transformer l'imagerie inspirée du graffiti en œuvres d'art à part entière a rendu son travail très recherché par les collectionneurs et les amateurs de street art. Son influence se retrouve dans les galeries, les paysages urbains et les collaborations avec la mode, prouvant que le street art n'est pas qu'un simple mouvement, mais une force culturelle durable. « Love Gloves » illustre parfaitement comment le graffiti peut être réinterprété dans de nouveaux médiums sans perdre son énergie brute. L'œuvre se situe au carrefour de la culture urbaine, de l'esthétique pop et de l'art contemporain, ce qui en fait une pièce maîtresse du street art et du graffiti modernes. Qu'elle soit exposée comme objet de collection, pièce maîtresse ou célébration de la culture urbaine, « Love Gloves » d'OG Slick continue de diffuser son message d'amour, d'unité et de rébellion artistique.

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