Circa 98 - Édition limitée bleue, sérigraphie artisanale bicolore sur papier épais d'archivage sans acide, par Mike Giant et Dave Kinsey, artistes de rue graffiti, art pop moderne. 2014. Signée et numérotée par Dave Kinsey et Mike Giant. Édition limitée à 100 exemplaires. Œuvre d'art de 18 x 24 pouces (45,7 x 61 cm). Sérigraphie .

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Vans x David Bowie Old Skool Aladdin Sane Blanc - Pointure 12 - Chaussures rares en édition limitée - Œuvre d'art de collection. Vans Old Skool édition limitée David Bowie 2019, jamais portées, neuves dans leur boîte, taille 12. Libérez le Ziggy Stardust qui sommeille en vous avec les Old Skool Aladdin Sane White Skate Shoes de la collaboration Vans x David Bowie. Issues de la collection Vans et David Bowie Archive, ces chaussures rendent hommage à l'un des plus grands talents musicaux de tous les temps : David Bowie ! Avec leur empeigne blanche irisée et les éclairs rouges et bleus emblématiques de Bowie imprimés sur les côtés, ces sneakers ne manqueront pas d'attirer les regards. Le nom de David Bowie est imprimé au talon dans un style inspiré de la pochette de son album studio de 1972, Aladdin Insane, tandis que la silhouette Old Skool reste un incontournable. – Vans. La fusion artistique des baskets blanches Vans et David Bowie Old Skool Aladdin Sane Les sneakers Vans x David Bowie Old Skool Aladdin Sane White incarnent la fusion parfaite entre le street art et le style légendaire de l'une des figures les plus emblématiques de la musique. Sorties en édition limitée en 2019, ces sneakers célèbrent l'héritage exceptionnel de David Bowie, et plus particulièrement son personnage d'Aladdin Sane, devenu un symbole d'avant-garde. La collaboration entre Vans et les Archives David Bowie a donné naissance à une collection de chaussures qui transcende le simple accessoire de mode pour devenir une véritable œuvre d'art à collectionner. Confectionnées avec une tige blanche nacrée, ces sneakers pointure 46 arborent l'emblématique éclair rouge et bleu, un hommage à la pochette saisissante de l'album studio « Aladdin Sane » de Bowie, sorti en 1972. Cet élément de design transforme instantanément ces sneakers en une œuvre d'art à porter, reflétant l'esthétique glam rock qui a fait la renommée de Bowie. Ce design distinctif capture l'esprit de rébellion et de transgression des conventions, caractéristiques au cœur de l'héritage de David Bowie et de l'éthique du street art et du graffiti. Résonance culturelle et potentiel de collection des baskets Vans x David Bowie Les baskets Vans x David Bowie Old Skool ne sont pas de simples chaussures : elles sont une véritable déclaration d'amour, qui trouve un écho auprès des fans de Bowie, des collectionneurs de sneakers et d'art. Leur rareté, combinée à leur état neuf, jamais portées et encore dans leur boîte d'origine, renforce leur attrait en tant qu'objet de collection. Ces baskets incarnent la convergence de la musique, de l'art et de la culture urbaine, capturant une époque où l'esprit rebelle de la musique de Bowie se reflétait dans la scène artistique urbaine. Le choix d'imprimer le nom de Bowie sur le talon, dans la police stylisée de la pochette de l'album « Aladdin Sane », fait office de signature, authentifiant davantage ces baskets comme un véritable objet de collection. La valeur de ces Vans x David Bowie Old Skool est encore accrue par leur statut d'édition limitée. À l'instar des tirages limités dans le monde de l'art, la rareté de ces chaussures crée un sentiment d'urgence et d'exclusivité chez les collectionneurs. Ce charme ne réside pas seulement dans l'esthétique, mais aussi dans le prestige culturel que confère le port ou la possession de ces baskets. Dans le contexte du pop art urbain et du graffiti, ces Vans s'apparentent à une estampe en édition limitée, apposée par un artiste sur un mur de la ville, cet artiste étant la fusion créative de Vans et des archives David Bowie. L'héritage de Vans et de David Bowie dans le monde de l'art et de la mode La collaboration entre Vans et l'héritage de David Bowie représente une fusion de mode, de musique et d'art, reflétant le paysage culturel actuel où les frontières sont de plus en plus floues. La silhouette Old Skool des sneakers possède une histoire riche au sein des cultures skate et urbaine, ce qui en fait un candidat idéal pour ce type d'intervention artistique. Cette collaboration rend hommage à l'influence de la vision artistique de Bowie sur divers domaines, notamment l'esthétique du street art. Bowie était connu pour sa capacité d'adaptation et d'influence quasi caméléonique, et cette sneaker collaborative témoigne de cette adaptabilité et de cet impact durables. Les sneakers Vans x David Bowie Old Skool Aladdin Sane White sont plus qu'un simple hommage ; elles constituent un pont entre le passé et le présent, entre les formes d'art et les cultures. Elles incarnent l'esprit d'une époque où le street art et le graffiti ne sont plus perçus comme de simples actes de vandalisme, mais comme des formes d'art légitimes qui commentent, reflètent et parfois même façonnent la culture. Alors que le street art gagne en reconnaissance dans les galeries et les maisons de vente aux enchères, ces baskets symbolisent le débat permanent sur la place de la culture urbaine dans le discours artistique et culturel plus large. Les Vans x David Bowie Old Skool Aladdin Sane White sont un véritable objet culturel au sein du mouvement du street art, du pop art et du graffiti. Elles incarnent à elles seules la fusion de l'art, de la musique et de la mode, capturant l'esprit de l'œuvre novatrice de David Bowie et l'essence même du street art, capable de parler au plus grand nombre. Objets de collection, elles occupent une place de choix pour ceux qui apprécient le lien entre l'art et le quotidien, illustrant la force de la collaboration et la pérennité des icônes culturelles.

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Arts-Rec x Usagi Yojimbo 2022 Deck - Impression pigmentaire d'archives en noir et blanc, édition limitée, sur planche de skateboard en bois d'érable 7 plis, réalisée par des artistes de street art et de graffiti chez Arts-Rec. Arts-RecTM s'est de nouveau associé à Stan Sakai, le créateur d'Usagi Yojimbo. Légende de la bande dessinée, Sakai est l'unique force créative derrière Usagi Yojimbo depuis plus de 30 ans. Il a vendu d'innombrables bandes dessinées et remporté de nombreux prix Eisner (l'équivalent des Grammy Awards ou des Oscars dans le monde de la BD). Nous avons collaboré avec Stan et son équipe pour créer ces planches de skate en édition limitée. Seulement 100 exemplaires produits dans le monde. Concave moyen. Construction en érable 7 plis. Largeur : 8,7 pouces. Longueur : 31,75 pouces. Empattement : 14 pouces.

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Basquiat on The Street, tirages photographiques en édition limitée sur papier beaux-arts, par Ricky Powell, artiste de rue et de graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 75 exemplaires, signée, numérotée et titrée à la main par Ricky Powell, 2020. Dimensions de l'œuvre : 20 x 15 pouces. Tirage photographique pigmentaire d'archives. Certificat d'authenticité inclus. Signé une seconde fois par Powell. « Basquiat dans la rue » est un tirage d'archive du regretté Ricky Powell, photographe de rue new-yorkais de renom qui a immortalisé la culture vibrante de la ville dans les années 1980 et 1990. Surnommé « The Rickster », Powell a photographié de nombreuses figures emblématiques du monde de la musique, de l'art et de la mode. Ce tirage met en scène le légendaire Jean-Michel Basquiat, artiste américain d'origine haïtienne et portoricaine, qui a connu la gloire dans les années 1980. L'œuvre de Basquiat est reconnue pour son style brut et expressif, ainsi que pour son regard critique sur les questions de race, de classe et de culture. Son art intègre souvent des éléments proches du graffiti, ce qui a fait de lui une figure majeure du mouvement du street art. Dans « Basquiat dans la rue », Ricky Powell capture Basquiat dans son environnement naturel, au cœur du paysage urbain qui a inspiré son art. Ce tirage d'archive a probablement été réalisé avec des matériaux de haute qualité et sans acide afin de garantir la longévité de l'image. Ces tirages sont souvent recherchés par les collectionneurs et les amateurs de l'œuvre de Basquiat et de la photographie de Powell.

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Insomnia Artist Proof AP Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print on 300gsm Fine Art Paper by Urban Graffiti Modern Artist Bezt- Etam Cru. Épreuve d'artiste AP 2016 Signée et numérotée « #1 » Édition limitée Format 24x14 Édition courante de 100 exemplaires

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Tapis Mega Keep Watch Édition Limitée Objet d'Art Designer Collection Œuvre d'Art par les Artistes Punk Mishka NYC- МИШКА. Tapis d'art Mega Keep Watch 60x60, édition limitée 2021, par Mishka NYC - МИШКА. En excellent état (très peu utilisé). Le tapis Mega Keep Watch : une déclaration audacieuse dans l'art punk En 2021, Mishka NYC, pionnière du streetwear et des accessoires d'inspiration punk, a lancé le tapis Mega Keep Watch. Cet objet d'art design en édition limitée illustre le motif iconique « Keep Watch » de Mishka, transposant l'univers visuel de la marque dans la décoration intérieure. Avec ses dimensions impressionnantes de 152 x 152 cm, ce tapis transforme l'image familière de l'œil vigilant en une œuvre d'art fonctionnelle qui attire tous les regards. Mishka NYC : Fusion visionnaire d'art et de fonctionnalité Le tapis Mega Keep Watch n'est pas un simple tapis ; il témoigne de l'engagement de Mishka NYC à fusionner l'esthétique punk avec les objets du quotidien. L'œil géant, motif récurrent dans l'identité visuelle de Mishka, est bien plus qu'un logo : il symbolise l'éthique de la marque, fondée sur une expression de soi assumée et un style subversif. Avec sa texture moelleuse et ses bords cousus, le tapis allie durabilité et confort, alliant praticité et esthétique. En intégrant ce design audacieux à nos intérieurs, Mishka NYC continue de brouiller les frontières entre art urbain, graffiti et décoration. Le tapis Mega Keep Watch est une véritable œuvre d'art à collectionner, insufflant à nos foyers le même esprit de rébellion et de non-conformisme que l'on retrouve dans le street art. La signification culturelle des objets d'art de Mishka L'impact du tapis Mega Keep Watch dépasse son attrait esthétique immédiat ; il s'inscrit comme un artefact culturel dans le vaste univers du street art et du pop art. Mishka NYC explore depuis toujours les thèmes de la surveillance, de l'œil omniprésent et du mouvement de la contre-culture, et ce tapis en est l'incarnation concrète. Il reflète les origines de la marque dans les rues de New York, où le dialogue entre l'art et l'environnement urbain est omniprésent. En proposant ce tapis, Mishka NYC offre aux amateurs et collectionneurs une œuvre d'art qui trouve sa place dans la lignée des objets inspirés du street art. La marque a su transposer la nature éphémère du street art – souvent temporaire et soumise aux intempéries – en un objet permanent et personnel pour la maison. Le tapis Mega Keep Watch de Mishka NYC représente le point de rencontre entre l'art, le commerce et la culture, illustrant comment les sensibilités punk et street art peuvent imprégner et enrichir nos espaces de vie quotidiens. C'est une œuvre audacieuse qui incarne l'esprit du street art pop et du graffiti, perpétuant ainsi l'héritage de Mishka NYC en tant que promoteur de l'art punk sous toutes ses formes.

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Hirst Dots - Sculpture en bombe de peinture blanche en édition limitée, œuvre d'art réalisée par l'artiste de rue, graffeur et légende de la culture pop Mr Brainwash - Thierry Guetta. 2020 Édition limitée signée et numérotée à 150 exemplaires. Format de l'œuvre : 3 x 8 pouces. Signée par empreinte digitale et numérotée, avec coffret de présentation personnalisé. Pièce de collection ultra rare, œuvre du maître Mr Brainwash – Thierry Guetta, en édition limitée, peinte à la bombe.

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Achetez SKATEBOARD Fine Art Édition Limitée Archival Pigment Print Transfer sur Cold Pressed Steep Natural Skateboard Deck par Street Artwork Graffiti Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Skateboard Artwork Taille XXXX INFO

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Obey Star - Sérigraphie grand format en édition limitée, tirée à la main en deux couleurs sur papier Coventry Rag 100 % coton de qualité archive, par Shepard Fairey, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Œuvre d'art sérigraphiée grand format, édition limitée signée et numérotée 2019-2020, dimensions 30 x 41 pouces. « Obey Star » de Shepard Fairey : une déclaration audacieuse dans le pop art moderne « Obey Star » de Shepard Fairey est une œuvre majeure dans l'histoire du street art et du graffiti. Cette sérigraphie grand format, tirée à la main sur papier Coventry Rag – un papier d'archivage 100 % coton – mesure 76 x 104 cm. Signée et numérotée par Fairey lui-même, cette édition limitée à 89 exemplaires témoigne de son caractère unique et du souci du détail de l'artiste. Figure emblématique du monde de l'art depuis la fin du XXe siècle, Fairey repousse sans cesse les limites avec sa campagne « Obey », devenue indissociable de son nom. « Obey Star », réalisée entre 2019 et 2020, est l'essence même de son style iconique, immédiatement reconnaissable et sans cesse imité. Puisant son inspiration dans l'œuvre de Barbara Kruger, le travail de Fairey mêle couleurs vives, images saisissantes et un appel à l'action percutant qui trouve un écho profond au sein du pop art contemporain. La sérigraphie utilisée pour « Obey Star » repose sur une technique de tirage manuel méticuleuse qui confère à chaque estampe un caractère unique, les bords frangés à la main accentuant son caractère exclusif. La signature de Fairey, gage d'authenticité, est un label très recherché par les collectionneurs et les amateurs. Impact culturel et innovation artistique de « Obey Star » L'œuvre de Fairey est souvent caractérisée par des thèmes socio-politiques forts, et « Obey Star » ne fait pas exception. Cette œuvre est une déclaration visuelle et un commentaire sur l'obéissance et les structures de pouvoir, thèmes récurrents dans son travail. L'étoile, symbole souvent utilisé, se transforme en un support de réflexion et de critique ; sa simplicité apparente masque la complexité de son message. Le tirage limité de « Obey Star » amplifie son importance dans le monde de l'art. Avec seulement 89 exemplaires, cette œuvre témoigne de l'engagement de Fairey envers la qualité et l'exclusivité. Les collectionneurs de street art et de graffiti apprécient ces pièces pour leur message intrinsèque, leur pertinence culturelle et le dialogue qu'elles suscitent dans l'espace public et privé. À travers « Obey Star », Shepard Fairey continue de remettre en question l'ordre établi, incitant les spectateurs à interroger leur environnement et les forces qui le façonnent. Sa sérigraphie sur papier Coventry Rag n'est pas qu'un simple objet de collection ; Cette œuvre, véritable reflet de l'air du temps, est une prise de position d'un artiste qui a consacré sa carrière à l'activisme artistique. Dans la continuité du street art et du graffiti, « Obey Star » illustre avec force le potentiel de l'art à susciter la réflexion et à impulser le changement. La création de Shepard Fairey est un phare du mouvement « Obey », invitant les spectateurs à interagir avec l'œuvre, à la fois comme simples spectateurs et comme acteurs du débat qu'elle suscite. Cette pièce incarne l'esprit rebelle du street art et l'esthétique raffinée du pop art, jetant un pont entre deux univers que Fairey a magistralement réunis à travers son travail.

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Achetez TITLE Édition limitée Fine Art Archival Pigment Print Art sur papier buvard perforé. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XX Tirage pigmentaire d'archivage sur papier buvard perforé Taille : 7,5 x 7,5 pouces Sortie : 19 avril 2022 Les éditions limitées de buvard sont perforées à la main par Zane Kesey.

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Let Us Prey - Tatted Marble, figurine de collection en vinyle, édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de graffiti de rue Frank Kozik. Avec ses 25 cm de hauteur, la figurine en vinyle « Let Us Prey » de Frank Kozik représente la manière dont la culture pop s'attache à refléter notre économie et notre statut social actuels. C'est l'objet idéal pour nous rappeler l'équilibre entre nos personnalités sur les réseaux sociaux et nos véritables objectifs d'épanouissement personnel. Présenté avec boîte

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Toxoplasmose 1 Estampe d'art en édition limitée avec pigments d'archives sur papier Moab Entrada 290 g/m² par l'artiste pop Casey Weldon, œuvre d'art moderne. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2017. Format : 12x12 pouces.

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Cici N'est Pas Une Mickey Mouse PP Épreuve d'impression d'archives par Shark Toof Tirage en édition limitée sur papier beaux-arts 310 g/m² Œuvre d'art moderne d'artiste pop. Épreuve d'imprimerie PP 2018 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 24x18 Pigments d'archivage Beaux-Arts. Cici N'est Pas Une Mickey Mouse, ou « Ceci n'est pas une Mickey Mouse » Explorer "Ceci N'est Pas Une Mickey Mouse" de Shark Toof « Ceci N'est Pas Une Mickey Mouse » est une épreuve d'artiste (PP) qui met en lumière la présence de Shark Toof dans le mouvement pop art contemporain. Réalisée en 2018, cette œuvre est une affirmation artistique, signée et marquée PP, gage d'authenticité et de rareté en tant qu'édition limitée. Imprimée sur papier beaux-arts 310 g/m², elle utilise des pigments d'archivage, assurant ainsi la pérennité de ses couleurs et la précision de ses lignes. L'œuvre, de dimensions 61 x 46 cm, offre un impact visuel saisissant, reflétant la volonté de l'artiste de fusionner l'univers du pop art urbain avec la finesse des beaux-arts. Art urbain pop et imagerie iconique Dans cette œuvre, Shark Toof s'empare de l'image iconique de Mickey Mouse, la transformant en une création qui transcende les frontières du graffiti et du pop art urbain. Mickey Mouse, créé par Walt Disney et Ub Iwerks, symbolise l'innocence de l'enfance et la culture populaire américaine depuis 1928. L'interprétation de Shark Toof remet en question cette image rassurante, proposant une relecture qui invite le spectateur à s'interroger sur les significations multiples de ce symbole mondialement connu. Ce faisant, Shark Toof s'inscrit dans la grande tradition du pop art, en recontextualisant des images familières pour susciter la réflexion et le dialogue. Réflexions contemporaines sur l'art moderne Le titre de l'œuvre, « Ceci n'est pas une Mickey Mouse », fait directement référence à « La Trahison des images » de René Magritte, une œuvre qui remet en question la perception de la réalité. De même, l'œuvre de Shark Toof invite le public à reconsidérer l'image de Mickey Mouse, l'incitant à approfondir sa compréhension des icônes de la culture populaire et de leur signification. Cette œuvre ne se contente pas de représenter Mickey Mouse ; elle constitue un commentaire complexe sur le personnage en tant que produit culturel et sur son omniprésence dans l'inconscient collectif. Shark Toof utilise un collage d'éléments disparates pour composer la figure, suggérant la nature multiforme de Mickey Mouse, un personnage réinventé et réinterprété au fil des décennies – les dents acérées et la composition fragmentée critiquent la commercialisation de l'enfance et le caractère prédateur de la société de consommation. Le Mickey Mouse de Shark Toof symbolise la perte de l'innocence face à l'exploitation commerciale. L'utilisation de papier beaux-arts et de pigments d'archivage inscrit cette œuvre dans le débat sur la conservation de l'art, juxtaposant la nature éphémère du street art à la permanence recherchée par les beaux-arts. Ce faisant, Shark Toof élève le statut du street art pop, l'alignant sur les formes d'art traditionnelles et assurant sa pérennité. « Ceci N'est Pas Une Mickey Mouse » témoigne de la capacité de Shark Toof à naviguer entre culture populaire, street art et art savant. Son œuvre affirme que le street art pop et le graffiti ne sont pas de simples manifestations visuelles fugaces dans le paysage urbain, mais des déclarations significatives capables d'influencer, de critiquer et d'enrichir le monde de l'art. À travers cette œuvre, Shark Toof contribue au débat actuel sur le rôle et l'impact de la culture populaire dans l'art, nous incitant à réfléchir aux images que nous consommons et aux significations que nous leur attribuons.

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Japon x Times Square - Impression giclée en édition limitée 18x24 Pop Street Artwork sur papier d'art de qualité supérieure par l'artiste moderne de graffiti urbain Shishidomia. Édition limitée 2022 à 250 exemplaires, impression japonaise 18x24.

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À la boutique - Impression giclée en édition limitée 18x24 Pop Street Artwork sur papier d'art de qualité supérieure par l'artiste moderne de graffiti urbain Shishidomia. Édition limitée 2022 à 250 exemplaires, impression japonaise 18x24.

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Tirages d'art en édition limitée Night Nest, réalisés à partir de pigments d'archives sur papier aquarelle, par Jeff Soto, artiste de rue graffiti, art pop moderne.

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Planche de skateboard Juice is Loose Deck Limited Edition sérigraphiée, illustration de l'artiste de la culture pop urbaine Hot Fire For Hire.

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José Uribe/ Robot Futurama - Collage unique de techniques mixtes, réalisé à la main par Pat Riot, sur une carte de baseball vintage. Œuvre originale de 2014, technique mixte superposée sur une véritable carte vintage MLB Topps, avec un style pop art inspiré de : José Uribe/Robot Futurama - Giants

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Shangri-La Blue Édition Limitée Œuvre d'art moderne encadrée Estampage à froid offset et vernis brillant Sérigraphie sur papier beaux-arts UV par le célèbre artiste pop asiatique Takashi Murakami TM/KK. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2018. Dimensions de l'œuvre : 29,5 x 29,5 cm ; dimensions de l'image : 26 x 26 cm ; dimensions du cadre : 40,25 x 40,25 cm. Encadrement sur mesure avec passe-partout de 10 cm et verre acrylique anti-UV. Le spectre de l'art moderne en bleu Shangri-La Dans le vaste univers de l'art contemporain, certaines œuvres captivent l'imagination par leurs couleurs chatoyantes et leur esthétique unique, devenant un véritable phénomène tant dans la culture populaire que dans le monde de l'art contemporain. L'édition limitée Shangri-La Blue est de celles-ci, magistralement créée par le célèbre artiste pop asiatique Takashi Murakami. Reconnu pour son œuvre prolifique dans le domaine du street art et du graffiti, Murakami propose ici une création qui fusionne l'énergie de la rue et le raffinement de l'art contemporain, une tendance en plein essor ces dernières années. Takashi Murakami : une figure emblématique du pop art urbain Né à Tokyo, Takashi Murakami a marqué de son empreinte indélébile le paysage de l'art moderne, défiant les catégories traditionnelles et cultivant une identité hybride qui trouve un écho auprès d'un public international. Son approche, souvent qualifiée de « Superflat » – un terme qu'il a lui-même forgé – reflète une esthétique épurée dans le contexte postmoderne japonais, mêlant graphisme, culture pop et beaux-arts. L'œuvre « Shangri-La Blue », parue en 2018, s'inscrit dans cette tradition avec son édition limitée à 100 exemplaires signés et numérotés, garantissant ainsi sa rareté et son attrait auprès des collectionneurs et des amateurs d'art. L'œuvre elle-même est un carré imposant de 75 cm sur 75 cm, encadré d'un cadre carré de 102 cm de côté, ce qui lui confère une présence remarquable quel que soit l'endroit où elle est exposée. L'image qu'elle renferme mesure 66 cm sur 66 cm et offre un véritable festin visuel de couleurs et de textures. La technique choisie pour sa réalisation – un marquage à froid offset combiné à une sérigraphie vernie brillante sur papier beaux-arts UV – souligne l'engagement de Murakami non seulement envers l'impact visuel, mais aussi envers la pérennité et la conservation de son œuvre. Intégrité artistique et impact visuel La composition de Shangri-La Blue est une merveille en soi, avec une profusion de motifs floraux souriants, devenus emblématiques de l'univers visuel de Murakami. Cette œuvre se distingue par son charme à la fois sophistiqué et fantaisiste, sublimé par l'utilisation caractéristique d'un papier beaux-arts résistant aux UV et d'un vernis brillant qui font ressortir la profondeur et l'éclat des couleurs. L'encadrement sur mesure, comprenant un passe-partout de 10 cm et un verre acrylique anti-UV, ajoute une touche d'élégance et protège l'œuvre des éventuels dommages environnementaux. L'œuvre n'est pas seulement un spectacle visuel, mais aussi une expérience intellectuelle, comme c'est souvent le cas pour le graffiti, où la simplicité apparente dissimule un récit plus profond, parfois critique. Shangri-La Blue de Murakami peut être interprété comme un commentaire sur la commercialisation de l'art, la joie de créer ou l'omniprésence de la société de consommation. Cette ambiguïté contribue à rendre l'œuvre de Murakami si captivante et stimulante. Dans le monde du Street Pop Art, le nom de Takashi Murakami est souvent évoqué avec respect. Son style, immédiatement reconnaissable et fréquemment imité, n'a jamais été égalé. Shangri-La Blue, avec son édition limitée et son esthétique singulière, continue de fasciner le public, tissant des liens entre différentes formes d'art et philosophies. Posséder une telle œuvre est bien plus qu'un simple achat : c'est s'immerger dans l'univers novateur de l'un des artistes les plus visionnaires de notre époque. L'œuvre de Murakami, dont Shangri-La Blue est un exemple éclatant, célèbre la vitalité de la vie et explore les nuances de la culture contemporaine. Elle fusionne passé et présent, Orient et Occident, une fusion plus que jamais pertinente dans notre monde interconnecté. Son œuvre ne se contente pas d'être accrochée au mur ; elle est vivante, elle respire et continue d'influencer le cours de l'art moderne. Comme chacune de ses créations, Shangri-La Blue témoigne de son génie – un génie qui ne cesse de définir et de redéfinir l'essence du street art et du graffiti.

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Marqueur de pilote suprême - Peinture noire en édition limitée, sculpture, œuvre d'art de designer. Saison Automne/Hiver 2018 Couleur Noir Date de sortie 10/11/2018.

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Melting Dob - Figurine de collection en PVC bleu glacier, édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de la culture pop moderne Takashi Murakami TM/KK. 2022 16x15x11,5 Édition limitée Vinyle PVC coulé peint avec support à disque métallique Neuf dans sa boîte. « Melting Dob - Ice Blue » est une œuvre d'art de collection captivante de Takashi Murakami, figure emblématique de la scène artistique pop contemporaine. Cette figurine d'art en édition limitée de 2022 illustre de façon singulière le style « Superflat » iconique de Murakami, un terme qu'il a forgé pour décrire la fusion unique, dans son art, des traditions artistiques japonaises classiques à la culture pop contemporaine. Cette pièce témoigne du talent de Murakami pour brouiller les frontières entre culture populaire et culture savante, un concept profondément ancré dans l'esprit du pop art. « Melting Dob - Ice Blue » est réalisé en vinyle PVC moulé et peint et présenté sur un socle métallique brillant, soulignant le goût de l'artiste pour l'association de techniques artistiques traditionnelles et de matériaux industriels. Ses dimensions de 40,6 x 38,1 x 29,2 cm (16 x 15 x 11,5 pouces) soulignent son imposante présence sculpturale. Le personnage emblématique de Murakami, M. Dob, donne vie à cette œuvre. Les traits du personnage fondent, suggérant un état de flux ou une réflexion sur la nature éphémère de la culture pop elle-même. Cette expression fait écho à la fluidité et à la dynamique changeante du street art et du graffiti, où la permanence est souvent illusoire. Chaque « Melting Dob - Ice Blue » fait partie d'une édition limitée, neuve dans sa boîte, garantissant aux collectionneurs l'acquisition d'une œuvre d'art et d'une expérience empreinte de la nouveauté de la vision créative de Murakami. Cette œuvre illustre l'influence de Murakami sur le mouvement des art toys, qui mêle collection et beaux-arts, un domaine que Murakami explore avec un succès reconnu. Les collectionneurs et les amateurs de street art et de graffiti apprécient des pièces comme « Melting Dob - Ice Blue » pour leur capacité à saisir l'essence de la culture contemporaine tout en s'inscrivant dans le discours artistique. L'œuvre de Murakami fait le lien entre l'objet de collection et le conceptuel, une incarnation physique de l'héritage durable du pop art dans le monde de l'art moderne.

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Cabine téléphonique - Impression giclée en édition limitée 18x18, œuvre d'art pop street sur papier beaux-arts, par l'artiste moderne de graffiti urbain Shishidomia. Édition limitée 2022 à 250 exemplaires, impression japonaise 18x18.

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Rascal In The '47 Fleetline PP, épreuve d'imprimerie, tirage d'archives par Estevan Oriol, édition limitée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², œuvre d'art moderne d'artiste pop. Épreuve d'imprimerie PP 2018 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 24x17 Pigments d'archivage Dévoiler les récits de rue dans l'art Le street art et le graffiti se distinguent dans la culture visuelle contemporaine, brouillant souvent les frontières entre l'art savant et le quotidien urbain. L'œuvre « Rascal In The '47 Fleetline » d'Estevan Oriol illustre parfaitement ce genre, où la puissance de l'image réside autant dans son esthétique que dans son commentaire culturel. Cette pièce, une épreuve d'artiste (PP) de 2018, est un tirage d'archive qui offre un regard brut et sans fard sur la culture de rue à travers le prisme de l'art moderne. L'œuvre d'Estevan Oriol capture l'essence même de la rue avec une authenticité et une réalisme cru souvent absents des formes d'art traditionnelles. La Fleetline de 1947, voiture emblématique de la culture chicano et du mouvement lowrider, devient un support d'expression pour l'identité, la résilience et la fierté. Rascal, le personnage d'Oriol, n'est pas qu'une simple figure, mais la représentation d'un récit plus vaste qui fait écho aux expériences des personnes souvent marginalisées par la société. L'intensité du regard de Rascal et la précision des tatouages ​​qui ornent sa peau racontent une histoire à la fois personnelle et collective. Techniques et supports dans le pop art urbain Les aspects techniques de l'estampe d'Oriol sont aussi remarquables que son sujet. Le choix du papier d'art Moab Entrada 290 g/m² est délibéré : son grammage et sa texture confèrent de la profondeur à l'image en noir et blanc. Les pigments d'archivage utilisés garantissent sa longévité, faisant de cette œuvre un véritable témoignage historique de l'époque qu'elle représente. La signature d'Oriol et la mention « Épreuve d'imprimeur » attestent de son exclusivité et de son statut de pièce de collection dans l'univers du pop art urbain. Résonance culturelle des œuvres de graffiti Bien que n'étant pas du graffiti au sens traditionnel du terme, l'œuvre d'Oriol dégage une énergie et un impact similaires. Le terme « graffiti » évoque souvent des images de murs couverts de graffitis et de tags, mais il a évolué pour englober un spectre plus large d'expressions visuelles urbaines. Par sa composition soignée et ses contrastes saisissants, l'estampe d'Oriol communique la rébellion et l'audace du graffiti. Elle capture un instant précis de la culture urbaine, élevé au rang d'art, tout en restant ancrée dans l'asphalte et le béton qui constituent son arrière-plan. La rencontre entre la culture urbaine et le monde de l'art, comme en témoigne « Rascal In The '47 Fleetline » d'Oriol, illustre l'évolution de la perception de ce qui constitue un art à part entière. Cette œuvre en édition limitée n'est pas seulement la représentation d'un moment ou d'un individu, mais un commentaire profond sur la société dont elle est issue. Elle capture l'esprit du pop art urbain et du graffiti, et son message se ressent autant qu'il se voit.

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Quarante œuvres d'art en métal Joe Hood Goodz, édition limitée, impression UV sur panneau métallique par l'artiste de graffiti de la culture pop Sket-One. Plaque décorative en métal « Forty Joe Hood Goodz » 2021 par Sket-One - Édition ouverte exclusive IamRetro, 30,5 x 45,7 cm (12 x 18 pouces), impression UV, trous de suspension au centre en haut et en bas. Design : Sket-One.

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Freddie Mercury Queen British Super Limited Edition Giclée Print on Fine Art Paper by Mike Mitchell Counter-Culture Street Artist. 2013 Signé et numéroté au dos Édition limitée à 100 exemplaires Œuvre d'art Format 4x6 Impression giclée par Mike Mitchell de Superman Clark Kent Pose stylisée avec Freddie Mercury du groupe de rock anglais Queen. Freddie Mercury dans l'art urbain pop et le graffiti Freddie Mercury demeure l'une des figures les plus emblématiques visuellement et artistiquement célébrées de l'histoire de la musique. Sa présence dans le street art et le graffiti témoigne de son influence durable en tant qu'artiste, icône de style et symbole culturel. L'imagerie qui lui est associée, de ses tenues de scène extravagantes à sa tenue légendaire pour le Live Aid, a inspiré les artistes de rue et les créateurs de pop art à réinterpréter sa personnalité de manière audacieuse et non conventionnelle. L'impact de l'image de Freddie Mercury dans l'art Freddie Mercury était connu pour ses performances théâtrales, son expression de soi sans retenue et son esthétique avant-gardiste, ce qui faisait de lui un sujet idéal pour le street art et le graffiti. Sa moustache immédiatement reconnaissable, ses lunettes de soleil aviateur et sa présence scénique captivante ont été immortalisées dans des fresques, des pochoirs et des graffitis monumentaux à travers le monde. Les artistes le représentent fréquemment dans sa tenue du Live Aid, coiffé de couronnes royales ou vêtu de costumes flamboyants, utilisant souvent des couleurs néon éclatantes et des fonds psychédéliques pour refléter sa personnalité audacieuse. Les artistes de rue ont intégré ses paroles, ses slogans et ses portraits dans le paysage urbain, transformant l'espace public en hommages à son influence. Sa voix puissante et son charisme indéniable font de lui une muse naturelle pour les artistes pop qui célèbrent l'individualité, l'excentricité et la rébellion. La fusion de la musique et des arts visuels permet à l'image de Freddie Mercury de continuer d'inspirer de nouvelles générations à travers des interprétations urbaines contemporaines. Freddie Mercury comme symbole culturel dans le graffiti et le pop art Les graffeurs et les créateurs de pop art ont fait de Freddie Mercury un symbole de confiance, d'expression personnelle et de transgression des normes sociales. Sa présence dans le street art et le graffiti représente souvent les thèmes de la liberté, de la rébellion et de la fierté LGBTQ+, faisant de lui une figure incontournable des débats sur l'identité et le courage artistique. Son talent unique pour fusionner rock, opéra et performance théâtrale a inspiré d'innombrables artistes à le représenter sous des formes dynamiques et non conventionnelles, allant des portraits au pochoir hyper-stylisés aux fresques monumentales. Les artistes le placent fréquemment dans des paysages oniriques psychédéliques, des contrastes minimalistes en noir et blanc ou des collages pop art expressifs, rendant souvent hommage à ses performances extravagantes. De nombreuses œuvres intègrent des paroles des chansons les plus célèbres de Queen, telles que « We Will Rock You » ou « Don't Stop Me Now », soulignant l'énergie et la passion qu'il déployait sur scène. L'héritage de Freddie Mercury dans l'art urbain Freddie Mercury demeure une figure emblématique du street art et du graffiti, célébré pour sa présence électrisante et son influence inégalée sur la musique et la culture. Sa capacité à transcender les genres, les styles et les normes lui assure une place de choix dans l'art visuel, notamment à travers des œuvres qui célèbrent l'audace et la créativité. Qu'il soit représenté par des couleurs éclatantes, des fresques murales au pochoir ou des estampes conceptuelles pop art, l'œuvre de Freddie Mercury continue d'inspirer et de captiver le public du monde entier.

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Ganas Dignity & Love - Crème - Sérigraphie en édition limitée 3 couleurs, tirée à la main, sur papier beaux-arts par Ernesto Yerena - Rare œuvre d'art urbain - Artiste pop célèbre. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2014, format 8x10.

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Orientations de la nuit I Sérigraphie de Cleon Peterson sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés, œuvre d'art en édition limitée. 2025 Signée et numérotée Édition limitée à 50 exemplaires par Cleon Peterson Format de l'œuvre : 12x16 Impression sérigraphique. Orientations de la Nuit II par Cleon Peterson Orientations of the Night II est une sérigraphie de 2025 de Cleon Peterson, réalisée sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés. Tirée à 50 exemplaires numérotés et signés, cette édition de 30,5 x 40,5 cm témoigne de l'exploration constante par Peterson des thèmes de la domination, du conflit et du déséquilibre, à travers le langage du minimalisme moderne et de l'allégorie antique. Reconnu pour ses silhouettes graphiques et ses compositions saisissantes, Peterson fusionne les pratiques des beaux-arts avec une esthétique urbaine brute, inscrivant ainsi cette œuvre dans les courants visuels et philosophiques du Street Pop Art et du Graffiti. Langage visuel et cadre conceptuel L'imagerie d'Orientations of the Night II présente deux formes humaines enlacées, exécutées dans un noir, un blanc et un or métallique saisissants. Chaque figure, dessinée avec une anatomie exagérée et une distorsion stylisée, est prise dans une composition qui évoque le combat, l'intimité et une tension psychologique. Les corps blancs et dorés s'entrelacent dans une lutte symétrique, suggérant un éternel jeu d'attraction et de répulsion entre dualités : lumière et ombre, retenue et agression, victime et oppresseur. Contrairement à de nombreuses compositions traditionnelles d'équilibre, l'œuvre de Peterson dépouille la symétrie de sa sérénité, révélant une scène d'instabilité dissimulée sous une harmonie visuelle. Cette double lecture est une caractéristique de son art urbain, pop et graffiti : la séduction par la beauté formelle, puis la confrontation par le malaise narratif. Production et présentation La sérigraphie employée dans Orientations of the Night II accentue les contrastes saisissants et la précision de la texture de l'œuvre. L'encre dorée côtoie les pigments noirs et blancs sur un papier Coventry Rag 290 g/m², un papier de haute qualité réputé pour sa conservation et ses bords frangés élégants. Ce procédé témoigne non seulement de la maîtrise technique de Peterson, mais aussi de sa volonté d'inscrire les thèmes urbains contemporains dans le cadre formel des beaux-arts. Le tirage limité de l'œuvre renforce son attrait pour les collectionneurs, mais l'inscrit également dans un essai visuel plus vaste, où chaque édition explore différentes facettes des structures de pouvoir, une exploration en constante évolution menée par Peterson. La place de Cleon Peterson dans l'art pop urbain et le graffiti Né aux États-Unis, Cleon Peterson est devenu l'un des artistes les plus stimulants intellectuellement et visuellement, évoluant à la croisée du street art, du pop art et du graffiti. Son imagerie, bien qu'influencée par des figures classiques et des compositions mythologiques, porte invariablement le pouls des luttes contemporaines. Ses personnages sont souvent impliqués dans une violence rituelle, évoquant les cycles d'abus, la corruption institutionnelle et la fracture sociale. Ce qui distingue son œuvre dans le continuum du street art, ce ne sont ni les lettrages du graffiti ni les fresques murales, mais une grammaire visuelle brute qui partage l'urgence et la contestation propres à la culture graffiti. « Orientations of the Night II » prolonge cette philosophie, rendue avec une précision saisissante et imprégnée d'une énergie de résistance et de réflexion. Plus qu'une simple œuvre d'art, c'est une confrontation, une méditation, un miroir tendu aux structures qui définissent et divisent l'expérience humaine moderne.

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Sérigraphie Blue & Baby Blue Sedation in Bloom de Shepard Fairey - OBEY Tirée à la main sur papier d'art Cream Speckletone, édition limitée. Artiste de la culture pop Obey. 2021 Signé par Shepard Fairey - OBEY & Édition limitée numérotée de 150 exemplaires. Dimensions de l'œuvre : 18 x 24. Série d'estampes sérigraphiques « Sedation in Bloom ». « J'ai initialement créé ce motif de coquelicot dans le cadre d'une collaboration avec l'artiste Gordon Cheung. Dans notre œuvre, nous abordions le meurtre tragique de Vincent Chin et l'utilisation historique d'images et de symboles anti-asiatiques dans la culture occidentale. Le coquelicot est une fleur magnifique aux multiples interprétations symboliques, telles que la paix, la mort, le sommeil et la sédation. J'intègre souvent des motifs floraux et décoratifs à mon art pour captiver le regard et rendre les concepts complexes plus accessibles. Cependant, l'attrait décoratif peut endormir les consciences et les détourner de problèmes sociaux plus importants. Qu'il s'agisse de divertissement, d'alcool, de drogues ou de consommation ostentatoire, je pense que la sédation est une cause majeure de complaisance et d'ignorance sur les plans social et politique. Ces estampes « Sedation In Bloom » ont une double fonction : offrir une échappatoire décorative et nous rappeler de rester vigilants ! » – Shepard Fairey – OBEY. Le langage visuel de la vigilance : les teintes bleues de Shepard Fairey La sérigraphie « Blue & Baby Blue Sedation in Bloom » de Shepard Fairey incarne l'esprit du pop art urbain et du graffiti, alliant une esthétique affirmée à un commentaire social profond. Fairey, artiste de rue américain contemporain, issu de la scène du skateboard, a rapidement acquis une grande notoriété, marquant le monde de son empreinte grâce à son style unique et ses messages engagés. La résonance des coquelicots dans l'œuvre de Fairey La série « Sedation in Bloom », avec ses nuances de bleu vibrantes, témoigne de l'engagement profond de Fairey envers cet art et le message qu'il véhicule. Chaque exemplaire de cette édition limitée à 150 pièces est tiré à la main sur un papier d'art crème moucheté, garantissant ainsi le caractère unique et la texture particulière de chaque estampe. Le format de 45,7 x 61 cm offre un support généreux permettant aux détails complexes et aux subtils jeux de couleurs de s'exprimer pleinement. Dans cette série, le coquelicot se fait symbole de contradictions. Représentant la paix, la mort, le sommeil et la sédation, ces fleurs sont bien plus que de simples éléments décoratifs ; elles interrogent la manière dont la société appréhende ces concepts. Fairey captive le regard par des motifs floraux et ornementaux, pour mieux le confronter aux implications plus profondes et troublantes de l'œuvre. Le pouvoir de séduction des coquelicots contraste avec l'idée que cette beauté peut détourner l'attention des problèmes sociaux urgents, plongeant le public dans une douce torpeur. L'art de Fairey comme un rappel à rester conscient La collaboration de Fairey avec Gordon Cheung sur ce projet dépasse le cadre de la toile, explorant le récit tragique du meurtre de Vincent Chin et le contexte historique du sentiment anti-asiatique. Les motifs de coquelicots sont nés de cette collaboration, soulignant ainsi le potentiel du pop art urbain non seulement pour représenter, mais aussi pour questionner et déconstruire les récits historiques et culturels. Les estampes « Blue & Baby Blue Sedation in Bloom » sont emblématiques de la vision artistique de Fairey : offrir à la fois une échappatoire esthétique et un puissant rappel à la vigilance et à la conscience. À travers cette œuvre, Fairey affirme sa conviction que la sédation, qu’elle provienne du divertissement, de la toxicomanie ou de l’attrait de la consommation, contribue largement à perpétuer l’ignorance sociale. Dans la beauté sereine des nuances de bleu se cache un appel à sortir de la torpeur et à s’engager activement face aux réalités les plus difficiles du monde. L'œuvre « Blue & Baby Blue Sedation in Bloom » de Shepard Fairey témoigne non seulement de son talent artistique, mais illustre aussi avec force la dualité de l'art dans la culture pop urbaine. Elle incarne la dualité entre apnée et vigilance, invitant à apprécier la beauté tout en plaidant pour une société consciente et engagée. À travers cette série, Fairey continue de démontrer le rôle influent du street art pour susciter le dialogue et inspirer une prise de conscience collective des enjeux sociaux et politiques de notre époque.

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Rêves d'été - Reproduction giclée en édition limitée d'une œuvre d'art HPM embellie, réalisée par l'artiste de graffiti pop culture Alex Garant. Décoré et dessiné/peint à la main avec une grande précision, notamment grâce à sa peinture métallisée dorée. 15 exemplaires de la série.

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Objet artistique pour céréales Monsters Franken Berry par Kaws - Brian Donnelly, édition limitée, pièce de collection d'artiste pop. Céréales pour petit-déjeuner General Mills Franken Berry Ghost, style Kaws, produites en 2022, non ouvertes et n'étant plus fabriquées. Objet d'art, format 7,5 x 10 pouces. Ne pas ingérer. Illustration de céréales Monsters Franken Berry par Kaws L'œuvre « Monsters Franken Berry Cereal Object Art » de Kaws (alias Brian Donnelly) est une pièce de collection en édition limitée qui réinterprète la célèbre céréale General Mills à travers le prisme du pop art urbain. Sortie en 2022, cette boîte de céréales non ouverte n'est plus fabriquée, ce qui en fait une œuvre d'art rare et très recherchée. Mesurant 19 x 25,5 cm, l'œuvre met en scène le personnage emblématique de Franken Berry dans le style artistique distinctif de Kaws. Bien que ressemblant à une céréale traditionnelle, elle est clairement étiquetée comme impropre à la consommation et conçue comme un objet d'art. Quand la nostalgie rencontre l'art contemporain Les céréales Franken Berry, lancées en 1971, sont un classique de la gamme General Mills, inspirée par les monstres. La réinterprétation du personnage par Kaws reprend ses yeux en forme de X caractéristiques et apporte des modifications subtiles qui insufflent une touche de modernité et d'audace à cette marque nostalgique. Les tons roses éclatants de la boîte, associés à la représentation ludique et surréaliste de Franken Berry, en font une œuvre visuelle saisissante. Cette fusion entre nostalgie et art contemporain illustre le talent de Kaws pour transformer des objets du quotidien en pièces de collection originales qui repoussent les frontières traditionnelles de l'art et du design. La vision de Brian Donnelly (Kaws) Brian Donnelly, alias Kaws, est un artiste de renom dont l'œuvre embrasse le graffiti, le pop art urbain et la création d'objets de collection. Sa carrière a débuté dans le graffiti dans les années 1990 et s'est muée en un phénomène mondial à la croisée de l'art commercial et des beaux-arts. Les motifs emblématiques de Kaws, tels que les yeux en forme de X et les personnages inspirés des dessins animés, sont immédiatement reconnaissables et ont été déclinés sur divers supports, notamment la sculpture, la mode et des œuvres d'art en édition limitée. L'œuvre « Monsters Franken Berry Cereal Object Art » illustre l'approche à la fois ludique et critique de Kaws vis-à-vis de la culture de consommation, transformant un produit familier en un objet d'art de collection. Un objet rare et de collection Cette pièce de collection en édition limitée illustre la manière dont Kaws transforme des objets de grande consommation en œuvres d'art exclusives. La boîte de céréales non ouverte conserve sa forme originale, sublimée par des touches artistiques qui la transcendent en un simple emballage. Son format compact de 19 x 25 cm offre de multiples possibilités d'exposition, ce qui en fait un ajout parfait à toute collection de street art ou de jouets design. La rareté de cette pièce, associée à son lien avec un produit emblématique et un artiste de renom, garantit sa valeur en tant qu'objet de collection. L'œuvre « Monsters Franken Berry Cereal Object Art » de Kaws est bien plus qu'un clin d'œil nostalgique à un classique de l'enfance : c'est une exploration astucieuse de la société de consommation à travers le prisme du street art. En insufflant au personnage familier de Franken Berry son style si particulier, Kaws crée un dialogue entre passé et présent, production de masse et beaux-arts, faisant de cette pièce un incontournable des collections d'art contemporain.

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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« Le pardon est divin », édition limitée, sérigraphie artisanale bicolore sur papier beaux-arts, par Mitch Ansara, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Ne payez jamais le prix fort pour une pizza en retard. Publicité Pizza Hut Spacesick en pop art.

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Achetez TITLE Edition limitée 2 couleurs Hand Letterpress Print sur MEDIUM par ARTIST pop art graffiti célèbre artiste art. INFO

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Tête d'ours disséquée - Figurine de collection en vinyle, édition limitée Kickstarter, œuvre d'art réalisée par le graffeur de rue Luke Chueh. Le motif emblématique de tête d'ours de Luke Chueh, découpé en quatre et révélant un crâne humain à l'intérieur. Réalisé en vinyle entièrement peint.

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Headspace - Set 1 Édition Limitée Figurine Artistique en Vinyle Œuvre d'Art de Collection par l'artiste de graffiti urbain Luke Chueh. Figurine d'art en vinyle Headspace édition limitée 2016, présentée dans sa boîte. Créature diabolique originale en costume blanc avec divers masques et casques représentant des ours et un lapin. La fusion du pop art urbain et du graffiti dans l'ensemble Headspace 1 de Luke Chueh Dans le monde dynamique de l'art contemporain, la fusion du pop art urbain et du graffiti a donné naissance à des objets de collection captivants et provocateurs. Le Headspace Set 1 s'impose comme l'incarnation par excellence de ce genre hybride. Cette figurine en vinyle en édition limitée, créée par le célèbre graffeur Luke Chueh, représente une intersection tangible entre l'art accessible et le récit personnel de l'artiste. Sortie en 2016, cette collection est bien plus qu'un simple jouet : c'est une véritable déclaration, une tranche de la psyché de l'artiste rendue en trois dimensions. Le Headspace Set 1 témoigne de l'esthétique singulière de Chueh, un style qui a ancré sa place dans l'histoire du street art. Le set se compose d'un corps et de trois têtes interchangeables, offrant un degré de personnalisation qui fait écho à la toile en perpétuelle évolution du paysage urbain. Le costume blanc immaculé de la figure centrale est une toile à part entière, évoquant les murs vierges sur lesquels les artistes de rue projettent leurs visions. Les têtes supplémentaires – un ours et un lapin, en plus de la créature diabolique originale – font office de masques, révélant la nature multiforme de l'identité et de la perception dans le monde moderne. L'œuvre de Luke Chueh se caractérise par sa puissance dynamique, juxtaposant souvent l'innocence et le macabre. La série Headspace est particulièrement éloquente, puisant son inspiration dans les diverses influences qui ont façonné la vie et la carrière de Chueh. Chaque tête interchangeable représente un aspect différent des expériences et des inspirations de l'artiste. L'ours, motif récurrent dans son travail, pourrait symboliser la lutte et la résilience rencontrées tout au long de son parcours. À l'inverse, la tête de lapin pourrait représenter la ruse et l'adaptabilité, tandis que le visage diabolique reflète peut-être les réflexions plus sombres de l'artiste. L'impact de l'espace mental sur l'art de collection et la culture pop La sortie du coffret Headspace Set 1 dépassait le simple cadre commercial ; elle constituait un véritable événement culturel, trouvant un écho auprès des collectionneurs et des amateurs de street art. Le caractère limité de cette édition lui confère une dimension exclusive et désirable, à l'image de la nature éphémère du street art lui-même : présent aujourd'hui, disparu demain. Les collectionneurs de ces pièces n'acquièrent pas seulement un objet physique, mais aussi un fragment de récit, un chapitre de l'histoire de l'artiste. De plus, la série Headspace a joué un rôle déterminant dans la valorisation des figurines en vinyle sur le marché des objets de collection. Ces objets, autrefois simples jouets, sont devenus des œuvres d'art recherchées, occupant une place unique où se rencontrent art et production. Le coffret Headspace Set 1 de Chueh illustre parfaitement comment l'esprit rebelle du street art et l'attrait universel du pop art peuvent se cristalliser en une forme tangible. La figurine en vinyle devient ainsi un médium permettant au récit du street art de continuer à rayonner au-delà des murs des galeries. L'espace mental et l'évolution du graffiti urbain Le coffret Headspace Set 1 est aussi une réflexion sur l'évolution du graffiti. Autrefois considéré comme une pratique marginale, le graffiti a été pleinement intégré au monde de l'art, et des artistes comme Chueh ont joué un rôle déterminant dans cette transition. En intégrant l'esprit du graffiti à ses créations en vinyle, Chueh remet en question les frontières traditionnelles des beaux-arts. Il donne à la voix brute et authentique de la rue une dimension à la fois accessible et digne d'une galerie. Le succès et l'attrait de ce coffret soulignent l'évolution de la perception du street art et de ses praticiens. N'étant plus vilipendés comme des vandales, des artistes comme Luke Chueh sont reconnus comme des acteurs légitimes et influents du dialogue artistique contemporain. Avec ses objets d'art en vinyle, la série Headspace démocratise l'art, offrant une porte d'entrée à ceux qui n'ont pas accès aux domaines plus ésotériques des beaux-arts ou qui ne s'y intéressent pas. En conclusion, le Headspace Set 1 de Luke Chueh s'impose comme une œuvre marquante du street art et du graffiti. Il incarne l'essence même de l'expression personnelle et culturelle au cœur de la vision artistique de Chueh. Bien plus qu'un simple objet de collection, ce set est un récit aux multiples facettes, un pan de l'histoire de l'art et un pont entre la rue et la galerie. Son influence dépasse largement le cadre de ses composantes, contribuant à façonner le débat sur la nature et le potentiel de l'art dans le contexte de la culture populaire.

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Pup Art - Sculpture en bombe de peinture rouge en édition limitée, œuvre d'art réalisée par l'artiste de rue, graffeur et légende de la culture pop Mr Brainwash - Thierry Guetta. Édition limitée 2020, signée et numérotée, à 150 exemplaires. Format de l'œuvre : 3 x 8 pouces. Signée par empreinte digitale et numérotée, avec coffret de présentation personnalisé. Pièce de collection ultra rare et exceptionnelle : Mr Brainwash – Thierry Guetta, édition limitée, œuvre d’art réalisée à la bombe de peinture.

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Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée Float sur papier d'art Moab 290 g/m² par Josh Keyes, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « L'idée de ces deux tableaux a mûri dans mon esprit pendant plusieurs mois avant que l'image ne prenne forme. J'ai passé du temps à regarder des images de missions de la NASA et à contempler les étoiles la nuit, en me demandant ce qui se passerait si… J'ai longtemps hésité à les réaliser. Le décor spatial était si étranger à mon travail précédent. J'ai travaillé sur d'autres toiles, mais l'idée de l'immensité de l'espace continuait de me hanter. Finalement, j'ai décidé de me lancer et de voir ce qui se passerait. Je connaissais les magnifiques peintures d'astronautes de Jeremy Geddes et je souhaitais trouver ma propre interprétation de ce sujet. Je pense avoir réussi à exprimer ce que je voulais. J'aimerais explorer à nouveau ce thème à l'avenir. Je trouve l'imagerie intéressante et décalée, et lorsque je regarde l'estampe, elle me transporte dans un lieu très, très lointain. J'aime l'art qui me laisse un peu perplexe et avec des questions sans réponse. Enfin, la qualité du papier et de l'impression est exceptionnelle. » - Josh Keyes L'œuvre de Josh Keyes se situe à la croisée du surréalisme et du réalisme. Aussi paradoxal que cela puisse paraître, son art parvient à concilier une précision physiologique et un photoréalisme saisissant avec des paysages et des interactions empreints d'éco-surréalisme. Le contexte théorique de son travail puise dans les thèmes mythologiques et folkloriques – notamment les légendes et les récits amérindiens – ainsi que dans l'imagerie onirique et cauchemardesque, pour exprimer une profonde angoisse existentielle et une grande incertitude.

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Papier buvard OxyBunny, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé, œuvre d'art de Ben Frost inspirée de la culture pop et du LSD. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey et peuvent légèrement différer de l'exemple présenté. L'essence du commentaire de Frost repose sur la subversion du sens et des messages véhiculés par les médias traditionnels. Autrement dit, et comme il l'a déjà affirmé : « Moins vous encombrez votre esprit des artifices de la publicité et des émissions de télévision de piètre qualité, plus vous libérez de l'espace pour des choses qui ont de la valeur. » Parallèlement, son regard sur la culture populaire contemporaine est tout aussi pertinent. Médias traditionnels, publicité et politique figurent parmi ses principaux centres d'intérêt, qu'il exploite et mêle de façon provocatrice. Le terme « provocateur » n'est pas employé au hasard. L'art de Ben Frost consiste, en substance, à s'approprier et à instrumentaliser l'imagerie contre le système même qui l'a engendrée.

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« Sweet Dreams Artwork Giclée en édition limitée, impression d'art de qualité supérieure sur papier Hahnemühle Museum Etching 100 % coton, par l'artiste de graffiti pop culture Victo Ngai. » Édition limitée à 100 exemplaires. Signée et numérotée. Image originale créée pour la nouvelle romantique de Peter Stamm, « Sweet Dreams », parue dans le magazine New Yorker. Du fait des conditions de fabrication et de conservation de ces œuvres par l'artiste, de nombreuses estampes anciennes de Ngai présentent un léger jaunissement des marges blanches supérieures et inférieures, sur environ 1 mm. Ce jaunissement n'altère en rien l'image et les estampes sont par ailleurs en parfait état.

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Si l'argent n'existait pas, poursuivriez-vous toujours votre rêve ? Sérigraphie en édition limitée, tirée à la main, sur papier d'art de qualité supérieure, par Hijack, artiste de street art rare et célèbre du pop art. Titre : Et si l'argent n'existait pas ? Poursuivriez-vous toujours vos rêves ? Artiste : Hijack, fils de Mr. Brainwash MBW. Édition : Première édition signée à la main, numérotée et marquée au doigt (tirage limité à 92 exemplaires). Année : 2015. Type : Affiche sérigraphiée en édition limitée sur papier d'archivage déchiré à la main. Dimensions : 22,5 x 30 pouces (57 x 76 cm).

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Sculpture en bois en édition limitée « White Shoe », estampe de l'artiste de rue légendaire Skewville, spécialisée dans le graffiti. 2021. Signée sur le côté avec le numéro 99-14. Possédez un morceau d'histoire avec une paire de baskets Skewville. Sérigraphie sur bois. 30,5 x 10 cm. Édition limitée à 15 exemplaires.

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Twenty One AP Sérigraphie par SNO x Shepard Fairey - OBEY Épreuve d'artiste Sérigraphie tirée à la main sur papier beaux-arts Édition limitée Œuvre d'art pop street art. Épreuve d'artiste (EA) 2017, signée et marquée EA, tirage original en édition limitée, format 18 x 24 pouces, sérigraphie « J'avais initialement conçu cette affiche pour la toute première exposition de ma galerie Subliminal Projects en 1995, et ils en sortent aujourd'hui une sérigraphie en édition limitée, remixée par mon agence créative Studio Number One. » – Shepard Fairey L'estampe sérigraphique « Twenty One AP » est une œuvre captivante qui immortalise une période marquante de l'art contemporain. Fruit de la collaboration entre SNO et l'icône Shepard Fairey, plus connu sous le nom d'OBEY, cette épreuve d'artiste (AP), tirée à la main sur papier beaux-arts, témoigne de la brillante évolution du street art en une forme d'expression reconnue et prestigieuse. Plus qu'une simple démonstration de virtuosité artistique, cette œuvre rend hommage à ses origines. Shepard Fairey lui-même a levé le voile sur sa création, révélant que le motif avait été initialement conçu pour l'exposition inaugurale de sa galerie, Subliminal Projects, en 1995. En 2017, ce même motif a été réinterprété et revisité à travers une sérigraphie en édition limitée. Cette approche novatrice a été rendue possible grâce à l'agence créative de Fairey, Studio Number One, qui a su fusionner l'esthétique originale avec des influences modernes. L'estampe se dresse comme une fusion d'ancien et de nouveau, à l'image des artistes qu'elle représente. Sa sortie a coïncidé avec le lancement de « Twenty-One », une exposition collective commémorant les 21 ans d'existence de Subliminal Projects. Organisée en juin 2017, l'exposition visait à recréer l'esprit des premières expositions DIY qui ont façonné l'identité de Subliminal. Intitulée à juste titre « TWENTY-ONE », elle rendait hommage aux artistes qui ont marqué l'histoire de la galerie, célébrant ceux qui ont contribué à son passé et ceux qui promettent un avenir dynamique. L'estampe et l'exposition, intimement liées, offrent un aperçu de l'esprit intemporel et de l'évolution du street art au fil des décennies.

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Impression d'art en édition limitée Giclée « Grooming Day » sur papier Hahnemühle Museum Etching 100 % coton, par l'artiste de graffiti pop culture Victo Ngai. Édition limitée à 100 exemplaires. Signée et numérotée. Du fait des conditions de fabrication et de conservation de ces œuvres par l'artiste, de nombreuses estampes anciennes de Ngai présentent un léger jaunissement des marges blanches supérieures et inférieures, sur environ 1 mm. Ce jaunissement n'altère en rien l'image et les estampes sont par ailleurs en parfait état.

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Confetti Bear, peinture originale technique mixte sur papier beaux-arts, encadrée sur mesure par Phil Lumbang, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Peinture originale et unique représentant un ours blanc debout, réalisée sur du papier de soie coloré à motifs confettis.

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King Janky The 5.5 « Ailes chaudes et transpirantes du général Janky » Figurine de collection SuperPlastic en vinyle édition limitée, style street art 2020 Présenté avec sa boîte. Le cinquième héritier et demi du trône aime ses ailes comme il aime ses aventures : chaudes et torrides ! Comprend une pancarte, une couronne de piment, une brique de lait et de la sauce à profusion.

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« A Quiet Dream », estampe d'art en édition limitée, pigment d'archivage, sur papier d'art de qualité supérieure, par l'artiste pop nature Chris Austin, œuvre d'art moderne. Édition limitée signée et numérotée 2022 (nombre d'exemplaires à déterminer). Dimensions de l'œuvre : 30 x 24 pouces.

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Sérigraphie Black & Cream Sedation in Bloom de Shepard Fairey - OBEY Tirée à la main sur papier d'art Cream Speckletone, édition limitée. Artiste de la culture pop Obey. 2021 Signé par Shepard Fairey - OBEY & Édition limitée numérotée de 150 exemplaires. Dimensions de l'œuvre : 18 x 24. Série d'estampes sérigraphiques « Sedation in Bloom ». « J'ai initialement créé ce motif de coquelicot dans le cadre d'une collaboration avec l'artiste Gordon Cheung. Dans notre œuvre, nous abordions le meurtre tragique de Vincent Chin et l'utilisation historique d'images et de symboles anti-asiatiques dans la culture occidentale. Le coquelicot est une fleur magnifique aux multiples interprétations symboliques, telles que la paix, la mort, le sommeil et la sédation. J'intègre souvent des motifs floraux et décoratifs à mon art pour captiver le regard et rendre les concepts complexes plus accessibles. Cependant, l'attrait décoratif peut endormir les consciences et les détourner de problèmes sociaux plus importants. Qu'il s'agisse de divertissement, d'alcool, de drogues ou de consommation ostentatoire, je pense que la sédation est une cause majeure de complaisance et d'ignorance sur les plans social et politique. Ces estampes « Sedation In Bloom » ont une double fonction : offrir une échappatoire décorative et nous rappeler de rester vigilants ! » – Shepard Fairey – OBEY. La sédation en fleurs : un dialogue visuel sur la complaisance par Shepard Fairey Shepard Fairey, artiste de rue contemporain américain, graphiste, activiste, illustrateur et fondateur de la marque OBEY Clothing, est depuis longtemps une figure de proue du mouvement pop art urbain. Né le 15 février 1970, il s'est fait connaître grâce à sa campagne d'autocollants « Andre the Giant Has a Posse », qui a donné naissance à l'emblématique logo « OBEY ». Son œuvre se caractérise par un commentaire socio-politique incisif, profondément ancré dans la tradition du graffiti et de l'engagement citoyen. Acteur actif du monde de l'art, il vit à Los Angeles, en Californie, où il continue d'influencer le débat autour du pop art urbain. En 2021, Shepard Fairey a présenté la série de sérigraphies « Sedation in Bloom », une édition limitée à 150 exemplaires, chacun signé et numéroté par l'artiste. Cette œuvre se distingue par son contraste saisissant de noir et de crème, qui plonge le spectateur dans un tableau floral à la fois esthétique et porteur de sens. Le papier beaux-arts crème moucheté offre un fond délicat aux lignes audacieuses et aux motifs complexes qui caractérisent l'œuvre. Mesurant 45,7 x 61 cm, ces estampes témoignent du savoir-faire de Fairey en matière de sérigraphie, une technique qu'il a maîtrisée au fil de décennies de pratique. Le symbolisme de la sédation dans Bloom « Sedation in Bloom » est bien plus qu'un simple plaisir visuel. L'œuvre porte en elle un récit profond, tissé par Fairey, qui aborde des problématiques historiques et contemporaines. L'utilisation des coquelicots y est particulièrement significative. Souvent associés au souvenir et aux conséquences des conflits, les coquelicots symbolisent aussi le sommeil, la paix, voire la mort. Sous la plume de Fairey, ces fleurs incarnent la dualité de la beauté et de la distraction, un motif qui traduit les inquiétudes de l'artiste face à la complaisance de la société. Sa collaboration avec l'artiste sino-britannique Gordon Cheung a en partie inspiré cette estampe. Ensemble, ils ont traité du meurtre de Vincent Chin et exploré le thème du sentiment anti-asiatique dans la culture occidentale. En intégrant ces fleurs à son art, Fairey invite le spectateur à une réflexion plus profonde. C'est un appel à lever le voile sur la beauté pour révéler les problèmes sociétaux sous-jacents qui restent souvent ignorés en raison des effets sédatifs du divertissement, du consumérisme et d'autres formes de distraction qui plongent les sociétés dans la passivité. Impact sur le street art, le pop art et le graffiti L'influence de Fairey sur le street art et le graffiti est immense. Ses œuvres font souvent le lien entre art et activisme, incitant les spectateurs à s'interroger sur leur rôle dans un contexte socio-politique plus large. « Sedation in Bloom » est une œuvre décorative qui recèle un message plus profond et plus engagé, un appel à la prise de conscience et à l'action. Elle invite à réfléchir sur la manière dont la sédation, sous ses multiples formes, conduit à la passivité politique et à l'ignorance sociale. Dans le street art, qui se nourrit de visibilité et d'accessibilité, l'œuvre de Fairey se distingue par sa capacité à capter l'attention et à susciter la réflexion dans l'espace public. Cette estampe en particulier témoigne du pouvoir durable du street art à commenter et influencer la culture contemporaine. Son édition limitée, ainsi que sa réalisation artisanale, renforcent son attrait, garantissant l'unicité de chaque exemplaire et sa valeur en tant qu'objet de collection et sujet de discussion. Le dévouement de Shepard Fairey à son art et à son message confirme l'importance du street art comme plateforme de contestation, de dialogue et de changement. « Sedation in Bloom » de Shepard Fairey est une œuvre marquante qui s'inscrit pleinement dans le parcours de l'artiste. Elle incarne l'essence même de sa vision du street art et du graffiti, qui continue de brouiller les frontières entre art savant et art populaire, entre galerie et rue. À travers cette œuvre, Fairey capture la beauté intrinsèque du monde qui nous entoure et notre responsabilité de rester attentifs et de questionner le monde qui nous entoure. Par son travail, Fairey affirme que l'art n'est pas seulement un objet de contemplation, mais un outil d'éveil.

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Wake Up and Smell the Corruption, estampe d'art en édition limitée, réalisée à partir de pigments d'archives sur papier Moab Entrada 290 g/m² par l'artiste Terry Urban, légende du street art, du pop art et du graffiti. 2022 Réveille-toi et sens la corruption Tirage pigmentaire d'archive signé sur papier Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² • 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces) • Signée et numérotée à la main par l'artiste Terry Urban • Édition limitée à 100 exemplaires

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