Sérigraphie artisanale en édition limitée Lemon R2 Unit 1 couleur sur papier beaux-arts par Justin Van Genderen, artiste pop. Édition limitée 2022, signée et numérotée, format 14x18

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SyndiCats : Sculpture en polystone Purrface, édition limitée, œuvre d'art réalisée par les artistes de Mighty Jaxx. Figurine artistique en polystone de 15 cm (6 pouces), édition limitée à 300 exemplaires, neuve en boîte (2021). Dimensions : 15 x 15 cm (6 x 6 pouces). SyndiCats : La sculpture en polystone Purrface et sa place dans le pop art urbain La sculpture en polystone « Purrface » de SyndiCats célèbre la rencontre créative entre le pop art urbain et le design contemporain d'objets de collection. Cette œuvre d'art en édition limitée, réalisée par les artisans talentueux de Mighty Jaxx, incarne l'esprit d'innovation qui anime le mouvement des figurines d'art urbain. La sculpture « Purrface », une figurine de 15 cm en polystone, est une pièce très recherchée, limitée à 300 exemplaires dans le monde. Elle est convoitée par les collectionneurs et les amateurs de pop art urbain et de graffiti. L'histoire de « Purrface » puise ses racines dans la culture urbaine et symbolise le personnage débrouillard souvent mis en scène dans le graffiti. Ce récit félin, qui retrouve une vie domestique après avoir régné sur les ruelles sombres, fait écho aux thèmes classiques du pouvoir et de la domination, fréquemment explorés dans le street art. Son règne sur le salon, dictant la distribution des croquettes et supervisant les allées et venues, fait écho au marquage territorial des artistes de rue qui laissent leur empreinte sur les murs de la ville pour signifier leur présence et leur influence. L'influence de Purrface sur le street art pop et les objets de collection L'impact de la sculpture Purrface dépasse sa simple forme physique. Pièce en édition limitée, elle incarne l'exclusivité et l'esprit subversif propres au street art pop. Le polystone utilisé pour sa réalisation lui confère un niveau de détail exceptionnel et une présence marquante au sein de la communauté des art toys, au sens propre comme au figuré. Bien plus qu'un objet statique, Purrface est une œuvre narrative qui explore les thèmes de l'ambition, du pouvoir et de la domination territoriale – des sujets récurrents dans le street art pop et le graffiti. Chaque élément de design, des marques évoquant des tatouages ​​à sa pose affirmée avec un violon (suggérant à la fois culture et ruse), reflète l'essence même du street art pop. La fusion d'un chat domestique avec l'attitude d'un personnage endurci par la rue offre une réflexion sur le mélange entre la brutalité de la vie urbaine et le confort de la modernité. Cette œuvre, conçue par Forreal, confère une dimension interactive à l'objet de collection, renforçant son attrait et approfondissant son lien avec les collectionneurs d'art de l'ère numérique. La popularité et l'influence constantes d'œuvres d'art telles que Purrface laissent présager un avenir prometteur pour les sculptures en polystone au sein du pop art urbain. L'alliance de la narration artistique et de la culture du collectionneur garantit la pertinence et l'importance de pièces comme Purrface dans l'histoire du street art. Tandis que les artistes et les designers explorent de nouvelles façons d'intégrer les récits inspirés du street art dans les intérieurs et les espaces personnels des collectionneurs, les œuvres d'art comme Purrface continueront de jouer un rôle essentiel dans la diffusion des messages et de l'esthétique du pop art urbain et du graffiti. La sculpture en polystone SyndiCats : Purrface de Mighty Jaxx illustre parfaitement le point de rencontre entre la culture du collectionneur et le pop art urbain. Avec son édition limitée et son histoire captivante, Purrface stimule l'imagination des collectionneurs d'art et fait le lien entre l'art tangible de la sculpture et la nature souvent éphémère du street art. Cette œuvre n'est pas simplement une figurine statique, mais une représentation du paysage évolutif du street art, où des histoires de pouvoir, de survie et d'ambition prennent vie sous des formes nouvelles et innovantes.

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« Sweet Dreams Artwork Giclée en édition limitée, impression d'art de qualité supérieure sur papier Hahnemühle Museum Etching 100 % coton, par l'artiste de graffiti pop culture Victo Ngai. » Édition limitée à 100 exemplaires. Signée et numérotée. Image originale créée pour la nouvelle romantique de Peter Stamm, « Sweet Dreams », parue dans le magazine New Yorker. Du fait des conditions de fabrication et de conservation de ces œuvres par l'artiste, de nombreuses estampes anciennes de Ngai présentent un léger jaunissement des marges blanches supérieures et inférieures, sur environ 1 mm. Ce jaunissement n'altère en rien l'image et les estampes sont par ailleurs en parfait état.

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Achetez OBJECT Edition Limitée Designer Art Object Collectible Artwork by Artist ARTIST 2021 Édition limitée de XXX Rare OBJECT Objet Art Taille XXXXXX INFO

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Remnants #6 Édition limitée Impression pigmentaire d'archives sur assiette en céramique Œuvre du célèbre artiste de rue graffeur Brandon Boyd. Dans ses peintures et dessins, Boyd révèle un style visuel personnel, libre et ambigu, centré sur la magie, le hasard, la curiosité et le mystère. Décrivant son processus créatif comme une sorte de « transe bienfaisante et familière », ses œuvres portent en elles la trace d'un magnifique chaos et la force de révéler les récits qu'il recèle.

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Impression d'art sur papier buvard Valium « Schtroumpf endormi » par Ben Frost, édition limitée, impression pigmentaire d'art sur papier buvard perforé. Édition limitée signée et numérotée 2025 de tirage pigmentaire d'archives à déterminer sur papier buvard perforé. Format : 7,5 x 7,5 pouces. Sortie : 19 avril 2025. Les éditions limitées sur buvard sont perforées à la main par Zane Kesey. Parodie pharmaceutique et subversion des dessins animés L'estampe d'archives « Le Schtroumpf Dormeur Valium » de Ben Frost est une œuvre audacieuse qui enrichit le canon du street art et du graffiti. Sortie en 2025 en édition limitée, cette estampe pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé fusionne deux icônes culturelles majeures : l'univers innocent des Schtroumpfs et l'esthétique clinique des emballages pharmaceutiques. Frost, artiste australien contemporain reconnu pour sa fusion incisive et satirique de graphismes grand public et de personnages pop, interpelle le spectateur par des contradictions visuelles qui suscitent des réactions immédiates. Sur cette estampe, le Schtroumpf Dormeur se prélasse paisiblement sur un fond rose et crème stylisé comme un emballage de Valium, brouillant la frontière entre la culture des médicaments et l'imaginaire pop. Les symboles commerciaux comme outils des beaux-arts Dans cette édition, Frost démontre pleinement sa capacité à s'approprier le langage visuel des entreprises et à le transformer en une œuvre d'art vibrante et complexe. En reproduisant fidèlement l'apparence des médicaments sans ordonnance et en intégrant un personnage emblématique à cet univers, il crée une collision entre le discours sur la santé mentale et la nostalgie de l'enfance. La précision de l'étiquette, des indications posologiques, du code-barres et du jargon pharmaceutique accentue la tension entre ce qui est perçu comme thérapeutique et ce qui relève du jeu culturel. En traitant le Schtroumpf Dormeur comme un ingrédient d'un sédatif, Frost interroge la dépendance de la société aux médicaments et leur rôle dans la construction de la personnalité et de la perception. Commentaire subtil dans un format bruyant L'approche de Frost repose souvent sur une ironie subtilement dissimulée sous un graphisme saisissant, et « Le Schtroumpf endormi et le Valium » illustre parfaitement cet esprit. La silhouette bleue et rassurante du Schtroumpf, emblème d'une vie communautaire innocente, est présentée sous l'étiquette du diazépam, un puissant anxiolytique. Le repos du personnage semble paisible, mais il apparaît clairement que l'artiste aborde l'engourdissement, la dépendance et les états émotionnels confus d'une société sous influence médicamenteuse. Ces thèmes sont amplifiés par le format buvard – papier perforé généralement associé à la distribution de substances psychédéliques – renforçant ainsi les liens entre l'histoire de la rébellion urbaine, les altérations de la conscience et les médias subversifs. Ben Frost et l'instrumentalisation visuelle du branding Ben Frost demeure l'une des voix les plus provocatrices de l'évolution du street art et du graffiti. Né en Australie, il s'est fait connaître en détournant les figures emblématiques de la culture populaire pour en faire des vecteurs de critique. Des mascottes de fast-food aux dessins animés vintage, Frost déploie une nostalgie graphique d'une précision chirurgicale. Dans « Sleepy Smurf Valium », il souligne l'absurdité de la consommation de masse et de la dépendance aux médicaments en transformant une joie apparente en une addiction dangereuse. Cette estampe n'est pas qu'une simple image ; elle reflète le malaise contemporain à travers une esthétique d'une gaieté trompeuse.

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Sérigraphie artisanale 3 couleurs « Meowl » sur papier beaux-arts par l'artiste Nate Duval, édition limitée, œuvre d'art pop. Œuvre d'art signée en édition limitée de 2014, format 8x10

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Keith Haring n° 8, figurines d'art urbain de collection en vinyle BE@RBRICK édition limitée 100 % et 400 % L'emblématique œuvre de Keith Haring, « L'Homme dansant », est imprimée sur l'ensemble du motif Bearbrick 100 % et 400 % dans cette 8e version issue de la collaboration entre Keith Haring et Medicom Toy. La technique d'hydrodipping garantit un motif unique. Hauteur : 7 cm et 28 cm.

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Planche de skateboard Juice is Loose Deck Limited Edition sérigraphiée, illustration de l'artiste de la culture pop urbaine Hot Fire For Hire.

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Canette Pop - Rose, édition limitée, sérigraphie artisanale 7 couleurs sur papier beaux-arts par Denial Graffiti Street Artist, art pop moderne. Édition limitée signée de 40 exemplaires (2020). Format de l'œuvre : 18 x 24 pouces. En 2000, il a adopté le pseudonyme « DENIAL » pour se moquer des messages publicitaires, politiques et médiatiques que la société contemporaine « nie » souvent. Denial est un artiste canadien qui expérimente avec l'aérosol et le pochoir. Ses principaux centres d'intérêt sont la société de consommation, la politique et la condition humaine dans la société contemporaine. Face à la popularité croissante du graffiti aux États-Unis et en Europe, les graffeurs devaient faire preuve d'une originalité toujours plus grande pour se démarquer. Leurs signatures sont devenues plus grandes, plus stylisées et plus colorées.

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Anatomie du sanglier - Feuille d'anatomie n° 15, sérigraphie en édition limitée, 1 couleur, tirée à la main sur papier Munken Pure 300 g/m², par l'artiste pop médical Nychos. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2017, format 17x11 pouces Illustré par NYCHOS. Sérigraphie monochrome sur papier Munken Pure 300 g/m². Format : 27,94 x 43,18 cm (11 x 17 pouces). Édition limitée à 100 exemplaires. Année : 2017. Estampille et cachet d’authenticité. Numérotée et signée par l’artiste. La série REM Anatomy Sheets explore l’anatomie de 10 animaux sauvages. Dans cette nouvelle collection de sérigraphies en noir et blanc en édition limitée, Nychos invite le spectateur à s’immerger dans les détails de l’anatomie animale.

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Twenty One AP Sérigraphie par SNO x Shepard Fairey - OBEY Épreuve d'artiste Sérigraphie tirée à la main sur papier beaux-arts Édition limitée Œuvre d'art pop street art. Épreuve d'artiste (EA) 2017, signée et marquée EA, tirage original en édition limitée, format 18 x 24 pouces, sérigraphie « J'avais initialement conçu cette affiche pour la toute première exposition de ma galerie Subliminal Projects en 1995, et ils en sortent aujourd'hui une sérigraphie en édition limitée, remixée par mon agence créative Studio Number One. » – Shepard Fairey L'estampe sérigraphique « Twenty One AP » est une œuvre captivante qui immortalise une période marquante de l'art contemporain. Fruit de la collaboration entre SNO et l'icône Shepard Fairey, plus connu sous le nom d'OBEY, cette épreuve d'artiste (AP), tirée à la main sur papier beaux-arts, témoigne de la brillante évolution du street art en une forme d'expression reconnue et prestigieuse. Plus qu'une simple démonstration de virtuosité artistique, cette œuvre rend hommage à ses origines. Shepard Fairey lui-même a levé le voile sur sa création, révélant que le motif avait été initialement conçu pour l'exposition inaugurale de sa galerie, Subliminal Projects, en 1995. En 2017, ce même motif a été réinterprété et revisité à travers une sérigraphie en édition limitée. Cette approche novatrice a été rendue possible grâce à l'agence créative de Fairey, Studio Number One, qui a su fusionner l'esthétique originale avec des influences modernes. L'estampe se dresse comme une fusion d'ancien et de nouveau, à l'image des artistes qu'elle représente. Sa sortie a coïncidé avec le lancement de « Twenty-One », une exposition collective commémorant les 21 ans d'existence de Subliminal Projects. Organisée en juin 2017, l'exposition visait à recréer l'esprit des premières expositions DIY qui ont façonné l'identité de Subliminal. Intitulée à juste titre « TWENTY-ONE », elle rendait hommage aux artistes qui ont marqué l'histoire de la galerie, célébrant ceux qui ont contribué à son passé et ceux qui promettent un avenir dynamique. L'estampe et l'exposition, intimement liées, offrent un aperçu de l'esprit intemporel et de l'évolution du street art au fil des décennies.

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Night Dreamer, tirages d'art pigmentaires en édition limitée sur papier aquarelle de qualité supérieure, par Jeff Soto, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Première d'une série de petites estampes inspirées des peintures de hiboux de Soto. Tirage giclée de 21 x 21 cm (8,5 x 8,5 pouces) sur papier aquarelle d'archivage. Édition signée et numérotée à 50 exemplaires.

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Sérigraphie acrylique HPM rose « Tomato Pop » par Mr Brainwash - Thierry Guetta. Impression 4 couleurs unique, finie à la main, sur papier beaux-arts. Édition limitée. Œuvre d'art pop et urbain. 2023. Sérigraphie HPM acrylique signée et numérotée, rehaussée à la main, édition limitée à 95 exemplaires. Dimensions : 22 x 30 cm. Style Andy Warhol. Boîte à soupe Cambols avec pinceaux peints à la main. (Photo non contractuelle) L'univers du pop art et du street art a toujours été une tapisserie en constante évolution, tissée d'idées audacieuses, d'images iconiques et de techniques d'avant-garde. Parmi les ajouts remarquables à cette toile vibrante figure la sérigraphie acrylique « Tomato Pop Pink HPM » du célèbre artiste Mr Brainwash – Thierry Guetta. Révélée en 2023, cette œuvre d'art est bien plus qu'une simple estampe : il s'agit d'une sérigraphie quatre couleurs unique, finie à la main sur papier d'art, témoignant du savoir-faire méticuleux de l'artiste. L'attrait de cette œuvre ne se limite pas à sa prouesse technique ; son édition limitée renforce encore son charme. Seuls 95 exemplaires existent dans le monde, chacun signé et numéroté par Mr Brainwash – Thierry Guetta en personne, ce qui garantit son exclusivité. Mesurant 56 x 76 cm, l'œuvre présente une image qui n'est pas sans rappeler le style d'Andy Warhol. Pour les connaisseurs de l'œuvre de Warhol, elle évoque immédiatement la célèbre boîte de soupe Campbell. Pourtant, Mr Brainwash de Thierry Guetta introduit une approche novatrice. Au lieu du contenu habituel de la canette, on trouve des pinceaux peints à la main, fusionnant le quotidien et l'artistique et interrogeant peut-être l'omniprésence de l'art dans la vie de tous les jours. Cette représentation singulière s'inscrit dans l'héritage du pop art tout en faisant écho à l'esprit rebelle du street art et du graffiti. Le choix de la technique HPM (Hand-Painted Multiple) par Mr Brainwash de Thierry Guetta souligne la dualité de l'œuvre. Si la sérigraphie confère uniformité et répétition, chaque finition manuelle garantit le caractère unique de chaque pièce. L'estampe « Tomato Pop Pink HPM Acrylic Silkscreen Print » témoigne de la fusion des formes d'art traditionnelles et contemporaines, invitant le spectateur à s'immerger dans ses subtilités.

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DVETFTPV - Enchantment Green, édition limitée, sérigraphie artisanale bicolore sur papier beaux-arts, par Jacob Borshard, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Des tonnes de références à la science-fiction, une nouvelle séparation des couleurs, deux couleurs, pleine page. Une densité interstellaire ! Dark Vador – extraterrestre venu de la planète Vulcain ! Espace, astronaute, extraterrestre, femme, homme, science-fiction, film, George McFly, Lorraine Baines, Calvin Klein, Dark Vador, Vulcain, Retour vers le futur

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Quarante œuvres d'art en métal Joe Hood Goodz, édition limitée, impression UV sur panneau métallique par l'artiste de graffiti de la culture pop Sket-One. Plaque décorative en métal « Forty Joe Hood Goodz » 2021 par Sket-One - Édition ouverte exclusive IamRetro, 30,5 x 45,7 cm (12 x 18 pouces), impression UV, trous de suspension au centre en haut et en bas. Design : Sket-One.

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Supreme Vuitton Smashup Pill - Pink Deck Fine Art Limited Edition Archival Pigment Print Transfer on Cold Pressed Steep Natural Skateboard Deck by Street Artwork Graffiti Artist Denial. Édition limitée numérotée de 35 exemplaires (2022) - Illustration pour skateboard - Format 8,25 x 31,87 Naturellement, cet artiste s'est imposé comme l'une des figures les plus marquantes de la pop art contemporaine, tout en conservant une pertinence indéniable et en s'attachant à susciter la réflexion. Il explore depuis longtemps les limites de l'appropriation culturelle, qu'il utilise pour subvertir la valeur des produits culturels, inscrits dans la mémoire collective de la civilisation occidentale. Autrement dit, son œuvre invite le spectateur à réinventer notre société dystopique afin de la confronter, l'humour et l'ironie étant ses principaux outils.

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Achetez Murderpants Sanctuary Red Limited Edition Vinyl Art Toy Sculpture Oeuvre de collection par l'artiste pop moderne SSUR - Ruslan Karablin. 2022 Édition limitée de 666 illustrations Taille 15,5 Neuf dans la boîte Estampillé/Imprimé "Murderpants est de RETOUR cette fois sous la forme Sanctuary Red dans le cadre d'une collaboration spéciale avec SSUR, une marque de streetwear du cerveau créatif, Ruslan Karablin. Avec ses racines à Odessa, en Ukraine, la philosophie de SSUR englobe l'ingéniosité subversive avec des influences issues de l'art impérial, coups secrets et propagande militariste. » -Superplastique

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José Uribe/ Robot Futurama - Collage unique de techniques mixtes, réalisé à la main par Pat Riot, sur une carte de baseball vintage. Œuvre originale de 2014, technique mixte superposée sur une véritable carte vintage MLB Topps, avec un style pop art inspiré de : José Uribe/Robot Futurama - Giants

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Sérigraphie dorée « Follow The Leader » de Cleon Peterson sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés, édition limitée. 2024 Signée et numérotée Cleon Peterson Édition limitée à 75 exemplaires Œuvre d'art Format 34x12 Impression sérigraphique. Un symbole éclatant d'autorité Cleon Peterson est un artiste américain reconnu pour ses images audacieuses qui explorent les thèmes du pouvoir, du contrôle et des tensions sociales. La sérigraphie dorée « Follow The Leader » met en lumière cette fascination en transformant les silhouettes nettes caractéristiques de Peterson en figures dorées lumineuses se détachant sur un fond sombre. L'œuvre mesure 86 x 30,5 cm et est imprimée avec minutie sur du papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés. Cette édition de 2024, signée et numérotée à 75 exemplaires, témoigne de l'engagement constant de Peterson envers la précision et le savoir-faire. Les amateurs sont immédiatement frappés par les silhouettes dorées qui marchent à l'unisson, chacune portant un emblème d'influence ou de subversion. Leurs poses identiques et leur alignement rigoureux évoquent un mouvement contrôlé, invitant à une réflexion sur le conformisme et la soumission. Marche symbolique de la conformité Les personnages représentés dans cette œuvre marchent au pas cadencé, levant les bras dans une démonstration synchronisée d'obéissance. Chaque silhouette porte un objet symbolique évoquant la culture, le commerce ou l'armement. Le contraste de l'or sur le noir confère une dimension puissante à l'image, soulignant le lien entre richesse, pouvoir et le potentiel inquiétant d'une soumission collective. Le style minimaliste de Peterson amplifie l'impact immédiat de chaque figure, permettant aux spectateurs de se concentrer sur les implications de l'autorité et les structures sociales qui soudent les groupes. Les amateurs de street art et de graffiti apprécient la manière dont cette œuvre véhicule un langage visuel défini par des lignes épurées et un message direct. L'œuvre invite le spectateur à réfléchir à la tension entre la liberté individuelle et l'attrait hypnotique de l'obéissance, même lorsque celle-ci entre en conflit avec les libertés individuelles. Influences du street art, du pop art et du graffiti Les formes audacieuses, les aplats de couleur et la typographie imposante en haut de l'estampe rattachent cette œuvre à l'univers du street art et du graffiti. Ces influences évoquent la force visuelle des fresques urbaines et des interventions graphiques qui remettent en question les récits dominants. Les figures de Peterson, dépourvues de détails faciaux, font écho à une tradition de l'art urbain où silhouettes et symboles universels véhiculent un profond commentaire social. En fusionnant des matériaux nobles avec une esthétique provocatrice, cette édition limitée fait le lien entre les murs des galeries et l'énergie de l'expression publique. Les collectionneurs louent souvent Peterson pour sa capacité à exploiter l'esprit subversif de l'art underground tout en conservant une approche raffinée de la production, perceptible dans la précision de chaque figure et les bords soigneusement découpés de l'estampe. Une édition limitée captivante Cette édition 2024, signée et numérotée, offre une dimension esthétique forte et une critique culturelle pertinente. Tirée à 75 exemplaires, elle offre aux amateurs d'art une occasion unique d'acquérir une œuvre qui incarne la vision toujours changeante de Peterson sur les structures de pouvoir. Le choix de l'encre dorée amplifie une opulence qui contraste avec la sobriété du sujet, créant une tension visuelle saisissante. La forme allongée de l'œuvre accentue le mouvement des personnages en marche, tandis que le papier d'art Coventry Rag de haute qualité garantit sa conservation optimale. Collectionneurs et amateurs éclairés s'accordent à dire que la sérigraphie dorée « Follow The Leader » porte des messages forts sur l'autorité, la soumission des masses et les pressions sociales, le tout dans le cadre stylistique audacieux qui caractérise l'art intemporel de Cleon Peterson.

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« Hold On To Your Butts », tirage pigmentaire d'archive en édition limitée sur papier beaux-arts 310 g/m² par Michael Eeugene Burdick, artiste de rue et de graffiti, art moderne. « J'ai une idée pour une fin alternative à Jurassic Park où le personnage de Samuel L. Jackson terrasse les vélociraptors qui l'attaquent et nage jusqu'au continent. » – Michael Eugene Burdick

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Orientations de la nuit I Sérigraphie de Cleon Peterson sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés, œuvre d'art en édition limitée. 2025 Signée et numérotée Édition limitée à 50 exemplaires par Cleon Peterson Format de l'œuvre : 12x16 Impression sérigraphique. Orientations de la Nuit III par Cleon Peterson Orientations of the Night III est une sérigraphie de Cleon Peterson, éditée en 2025 sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à grain frangé. Cette œuvre de 30,5 x 40,6 cm fait partie d'une édition signée et numérotée de 50 exemplaires, marquant un nouveau chapitre poignant dans l'exploration du comportement humain par Peterson à travers une allégorie visuelle saisissante. Avec son iconographie et ses formes graphiques sans concession, Peterson repousse les limites du street art et du graffiti, utilisant une composition épurée pour révéler la brutalité, le déséquilibre et la survie. Symbolisme et esthétique brute Cette composition saisit un échange violent entre deux figures humanoïdes abstraites, réalisées en noir mat et or métallique sur un papier blanc éclatant. L'une domine l'autre, brandissant une arme, figée au paroxysme de la confrontation. Chaque élément – ​​posture, forme, espace négatif – est travaillé avec précision pour communiquer la pression, la tension et l'effondrement inévitable. À la différence du street art plus traditionnel, foisonnant de tags et de marques expressives, l'œuvre de Peterson offre une précision clinique qui confère au récit une dimension monumentale. Son utilisation de l'or, contrastant avec le noir profond, aplatit l'espace, mais amplifie la dualité symbolique : oppresseur et opprimé, domination et défense, ténèbres et pouvoir. Intégration du processus, du matériau et des beaux-arts Réalisée en sérigraphie sur papier Coventry Rag, Orientations of the Night III témoigne d'une grande maîtrise technique tout en restant fidèle à son sujet provocateur. Chaque bord du papier est frangé à la main, conférant à l'œuvre un aspect à la fois brut et raffiné. L'application de l'encre, dense et précise, permet à la palette minimaliste de vibrer d'une intensité émotionnelle palpable. Bien qu'il s'agisse techniquement d'une estampe d'art produite en atelier, son expression puise ses racines dans la rue, puisant son inspiration dans les racines graffiti et skateboard de Peterson. Le langage de la rébellion et de la critique urbaine imprègne chaque trait, prouvant que l'art contemporain et l'esprit de la rue ne s'opposent pas, mais peuvent fusionner en un geste visuel puissant. La voix singulière de Cleon Peterson dans l'art urbain pop et le graffiti Né aux États-Unis, Cleon Peterson est une figure majeure de l'évolution du street art et du graffiti. Ses compositions graphiques audacieuses remettent en question les notions traditionnelles de beauté et se concentrent plutôt sur les récits d'effondrement social, les cycles historiques de violence et les rapports de force. Au lieu de reproduire les codes esthétiques du graffiti, Peterson canalise son énergie contestataire et son essence idéologique dans un langage visuel singulier. « Orientations of the Night III » s'inscrit dans cette démarche, affirmant une vision non seulement de l'art, mais aussi de la civilisation elle-même : ses accords fragiles, ses tensions constantes et les masques que portent l'ordre comme le chaos. Au sein d'une série plus vaste, cette œuvre nous rappelle avec force que derrière chaque surface lisse se cache une structure façonnée par le conflit et la domination.

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Tech Resin AP Artist Proof, sculpture en résine, édition limitée, œuvre d'art de collection par l'artiste pop moderne Sket One x SipLean. Épreuve d'artiste AP 2022, édition limitée à 5 exemplaires, neuve sous blister, signée et marquée. Dimensions : 5 x 8,5 pouces. Figurine en résine technique SIPLEAN X SKET ONE AP. Seulement 5 exemplaires disponibles. La figurine comprend une tasse amovible, des bras articulés et est présentée dans un cercueil en carton. Mini bouteille Sprite en résine et porte-clés Siplean en acrylique inclus. Édition limitée à 5 pièces signées et numérotées. - Sketch One

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Orientations de la nuit I Sérigraphie de Cleon Peterson sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés, œuvre d'art en édition limitée. 2025 Signée et numérotée Édition limitée à 50 exemplaires par Cleon Peterson Format de l'œuvre : 12x16 Impression sérigraphique. Orientations de la Nuit II par Cleon Peterson Orientations of the Night II est une sérigraphie de 2025 de Cleon Peterson, réalisée sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés. Tirée à 50 exemplaires numérotés et signés, cette édition de 30,5 x 40,5 cm témoigne de l'exploration constante par Peterson des thèmes de la domination, du conflit et du déséquilibre, à travers le langage du minimalisme moderne et de l'allégorie antique. Reconnu pour ses silhouettes graphiques et ses compositions saisissantes, Peterson fusionne les pratiques des beaux-arts avec une esthétique urbaine brute, inscrivant ainsi cette œuvre dans les courants visuels et philosophiques du Street Pop Art et du Graffiti. Langage visuel et cadre conceptuel L'imagerie d'Orientations of the Night II présente deux formes humaines enlacées, exécutées dans un noir, un blanc et un or métallique saisissants. Chaque figure, dessinée avec une anatomie exagérée et une distorsion stylisée, est prise dans une composition qui évoque le combat, l'intimité et une tension psychologique. Les corps blancs et dorés s'entrelacent dans une lutte symétrique, suggérant un éternel jeu d'attraction et de répulsion entre dualités : lumière et ombre, retenue et agression, victime et oppresseur. Contrairement à de nombreuses compositions traditionnelles d'équilibre, l'œuvre de Peterson dépouille la symétrie de sa sérénité, révélant une scène d'instabilité dissimulée sous une harmonie visuelle. Cette double lecture est une caractéristique de son art urbain, pop et graffiti : la séduction par la beauté formelle, puis la confrontation par le malaise narratif. Production et présentation La sérigraphie employée dans Orientations of the Night II accentue les contrastes saisissants et la précision de la texture de l'œuvre. L'encre dorée côtoie les pigments noirs et blancs sur un papier Coventry Rag 290 g/m², un papier de haute qualité réputé pour sa conservation et ses bords frangés élégants. Ce procédé témoigne non seulement de la maîtrise technique de Peterson, mais aussi de sa volonté d'inscrire les thèmes urbains contemporains dans le cadre formel des beaux-arts. Le tirage limité de l'œuvre renforce son attrait pour les collectionneurs, mais l'inscrit également dans un essai visuel plus vaste, où chaque édition explore différentes facettes des structures de pouvoir, une exploration en constante évolution menée par Peterson. La place de Cleon Peterson dans l'art pop urbain et le graffiti Né aux États-Unis, Cleon Peterson est devenu l'un des artistes les plus stimulants intellectuellement et visuellement, évoluant à la croisée du street art, du pop art et du graffiti. Son imagerie, bien qu'influencée par des figures classiques et des compositions mythologiques, porte invariablement le pouls des luttes contemporaines. Ses personnages sont souvent impliqués dans une violence rituelle, évoquant les cycles d'abus, la corruption institutionnelle et la fracture sociale. Ce qui distingue son œuvre dans le continuum du street art, ce ne sont ni les lettrages du graffiti ni les fresques murales, mais une grammaire visuelle brute qui partage l'urgence et la contestation propres à la culture graffiti. « Orientations of the Night II » prolonge cette philosophie, rendue avec une précision saisissante et imprégnée d'une énergie de résistance et de réflexion. Plus qu'une simple œuvre d'art, c'est une confrontation, une méditation, un miroir tendu aux structures qui définissent et divisent l'expérience humaine moderne.

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Travaillez bien ensemble - Sculpture en bombe de peinture blanche en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de rue, graffeur et légende de la culture pop Mr Brainwash - Thierry Guetta. Édition limitée 2020, signée et numérotée, à 150 exemplaires. Format de l'œuvre : 3 x 8 pouces. Signée par empreinte digitale et numérotée, avec coffret de présentation personnalisé. Pièce de collection ultra rare et exceptionnelle : Mr Brainwash – Thierry Guetta, édition limitée, œuvre d’art réalisée à la bombe de peinture.

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Estampe d'archives Chief Mini par Emek Golan, édition limitée sur papier d'art d'archives, style Pop Graffiti et œuvre d'art moderne d'artiste de rue. Estampe signée et numérotée de 2015, édition limitée à 500 exemplaires, format 20 x 25 cm, impression pigmentaire d'art d'archives. Profondeur culturelle dans l'œuvre d'Emek Golan Cette œuvre présente un portrait saisissant d'un chef, riche en détails symboliques et exécuté avec la précision du trait caractéristique du style de Golan. La coiffe du chef, ornée de motifs complexes et de circuits électroniques, propose une réflexion sur la fusion de la tradition et de la modernité. Elle aborde les thèmes de l'identité, du progrès et de la perte de culture face aux avancées technologiques – un récit profondément ancré dans l'esprit du street art. « Chief Mini Archival Print » d'Emek Golan incarne avec force la rencontre entre le pop art urbain, le graffiti et l'art contemporain. Tirée à 500 exemplaires seulement, cette estampe signée et numérotée témoigne de la vision unique et de la technique impeccable de Golan sur un papier d'art de qualité archive. Technique artistique et qualité Le choix par Golan de pigments d'archivage pour le « Chief Mini Archival Print » témoigne de son souci de la qualité et de la pérennité, garantissant ainsi la profondeur des couleurs et la finesse des détails. Le format 20 x 25 cm de l'estampe la rend accessible à un large public, permettant à celui-ci d'apprécier la complexité de l'œuvre dans divers contextes. Le tirage limité de cette estampe souligne sa valeur en tant qu'objet de collection, chaque exemplaire faisant partie d'une série exclusive supervisée personnellement par Golan. La place d'Emek Golan dans l'art contemporain L'œuvre de Golan se distingue sur la scène artistique contemporaine par sa capacité à fusionner la force brute et expressive du street art et l'esthétique raffinée de la gravure d'art. Recherchée pour son impact visuel et sa capacité à susciter la réflexion et le débat, elle est la marque des plus grandes œuvres de street art et de graffiti. La « Chief Mini Archival Print » d'Emek Golan témoigne de son talent pour traduire des thèmes culturels et technologiques complexes en une œuvre d'art visuellement saisissante. Contribution majeure à l'art moderne, elle capture l'esprit du street art et du graffiti dans une forme à la fois accessible et profonde.

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Sérigraphie Black & Cream Sedation in Bloom de Shepard Fairey - OBEY Tirée à la main sur papier d'art Cream Speckletone, édition limitée. Artiste de la culture pop Obey. 2021 Signé par Shepard Fairey - OBEY & Édition limitée numérotée de 150 exemplaires. Dimensions de l'œuvre : 18 x 24. Série d'estampes sérigraphiques « Sedation in Bloom ». « J'ai initialement créé ce motif de coquelicot dans le cadre d'une collaboration avec l'artiste Gordon Cheung. Dans notre œuvre, nous abordions le meurtre tragique de Vincent Chin et l'utilisation historique d'images et de symboles anti-asiatiques dans la culture occidentale. Le coquelicot est une fleur magnifique aux multiples interprétations symboliques, telles que la paix, la mort, le sommeil et la sédation. J'intègre souvent des motifs floraux et décoratifs à mon art pour captiver le regard et rendre les concepts complexes plus accessibles. Cependant, l'attrait décoratif peut endormir les consciences et les détourner de problèmes sociaux plus importants. Qu'il s'agisse de divertissement, d'alcool, de drogues ou de consommation ostentatoire, je pense que la sédation est une cause majeure de complaisance et d'ignorance sur les plans social et politique. Ces estampes « Sedation In Bloom » ont une double fonction : offrir une échappatoire décorative et nous rappeler de rester vigilants ! » – Shepard Fairey – OBEY. La sédation en fleurs : un dialogue visuel sur la complaisance par Shepard Fairey Shepard Fairey, artiste de rue contemporain américain, graphiste, activiste, illustrateur et fondateur de la marque OBEY Clothing, est depuis longtemps une figure de proue du mouvement pop art urbain. Né le 15 février 1970, il s'est fait connaître grâce à sa campagne d'autocollants « Andre the Giant Has a Posse », qui a donné naissance à l'emblématique logo « OBEY ». Son œuvre se caractérise par un commentaire socio-politique incisif, profondément ancré dans la tradition du graffiti et de l'engagement citoyen. Acteur actif du monde de l'art, il vit à Los Angeles, en Californie, où il continue d'influencer le débat autour du pop art urbain. En 2021, Shepard Fairey a présenté la série de sérigraphies « Sedation in Bloom », une édition limitée à 150 exemplaires, chacun signé et numéroté par l'artiste. Cette œuvre se distingue par son contraste saisissant de noir et de crème, qui plonge le spectateur dans un tableau floral à la fois esthétique et porteur de sens. Le papier beaux-arts crème moucheté offre un fond délicat aux lignes audacieuses et aux motifs complexes qui caractérisent l'œuvre. Mesurant 45,7 x 61 cm, ces estampes témoignent du savoir-faire de Fairey en matière de sérigraphie, une technique qu'il a maîtrisée au fil de décennies de pratique. Le symbolisme de la sédation dans Bloom « Sedation in Bloom » est bien plus qu'un simple plaisir visuel. L'œuvre porte en elle un récit profond, tissé par Fairey, qui aborde des problématiques historiques et contemporaines. L'utilisation des coquelicots y est particulièrement significative. Souvent associés au souvenir et aux conséquences des conflits, les coquelicots symbolisent aussi le sommeil, la paix, voire la mort. Sous la plume de Fairey, ces fleurs incarnent la dualité de la beauté et de la distraction, un motif qui traduit les inquiétudes de l'artiste face à la complaisance de la société. Sa collaboration avec l'artiste sino-britannique Gordon Cheung a en partie inspiré cette estampe. Ensemble, ils ont traité du meurtre de Vincent Chin et exploré le thème du sentiment anti-asiatique dans la culture occidentale. En intégrant ces fleurs à son art, Fairey invite le spectateur à une réflexion plus profonde. C'est un appel à lever le voile sur la beauté pour révéler les problèmes sociétaux sous-jacents qui restent souvent ignorés en raison des effets sédatifs du divertissement, du consumérisme et d'autres formes de distraction qui plongent les sociétés dans la passivité. Impact sur le street art, le pop art et le graffiti L'influence de Fairey sur le street art et le graffiti est immense. Ses œuvres font souvent le lien entre art et activisme, incitant les spectateurs à s'interroger sur leur rôle dans un contexte socio-politique plus large. « Sedation in Bloom » est une œuvre décorative qui recèle un message plus profond et plus engagé, un appel à la prise de conscience et à l'action. Elle invite à réfléchir sur la manière dont la sédation, sous ses multiples formes, conduit à la passivité politique et à l'ignorance sociale. Dans le street art, qui se nourrit de visibilité et d'accessibilité, l'œuvre de Fairey se distingue par sa capacité à capter l'attention et à susciter la réflexion dans l'espace public. Cette estampe en particulier témoigne du pouvoir durable du street art à commenter et influencer la culture contemporaine. Son édition limitée, ainsi que sa réalisation artisanale, renforcent son attrait, garantissant l'unicité de chaque exemplaire et sa valeur en tant qu'objet de collection et sujet de discussion. Le dévouement de Shepard Fairey à son art et à son message confirme l'importance du street art comme plateforme de contestation, de dialogue et de changement. « Sedation in Bloom » de Shepard Fairey est une œuvre marquante qui s'inscrit pleinement dans le parcours de l'artiste. Elle incarne l'essence même de sa vision du street art et du graffiti, qui continue de brouiller les frontières entre art savant et art populaire, entre galerie et rue. À travers cette œuvre, Fairey capture la beauté intrinsèque du monde qui nous entoure et notre responsabilité de rester attentifs et de questionner le monde qui nous entoure. Par son travail, Fairey affirme que l'art n'est pas seulement un objet de contemplation, mais un outil d'éveil.

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Bowie Cat - Épreuve d'artiste AP, sérigraphie 3 couleurs tirée à la main sur papier beaux-arts par l'artiste Nate Duval, œuvre d'art pop en édition limitée. Épreuve d'artiste (EA) 2014 Signée et marquée EA Édition limitée Format 5x7

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Fashion Addict Rip Off Deck Fine Art Limited Edition Archival Pigment Print Transfer on Cold Pressed Steep Natural Skateboard Deck by Street Artwork Graffiti Artist Denial. Série 2021 de 50 exemplaires, impression pigmentaire d'archives par transfert sur planche de skate naturelle pressée à froid. Dimensions : 8 x 31,875 pouces. Sortie : 26 juin 2021. Jeu de cartes Fashion Addict Rip Off Deck par Denial : le pop art urbain rencontre l’ironie du luxe Daniel Bombardier, alias Denial, s'est imposé comme une figure incontournable du street art et du graffiti contemporains grâce à ses critiques acerbes du consumérisme, du pouvoir et du marketing. La planche de skate « Fashion Addict Rip Off » de 2021 illustre parfaitement cette thématique en appliquant des symboles de luxe sur un support inattendu et subversif : une planche de skateboard naturelle pressée à froid. Cette édition limitée à 50 exemplaires, imprimée par transfert pigmentaire sur papier d'archives et mesurant 20,3 x 81 cm (8 x 31,875 pouces), sortie le 26 juin 2021, est une critique directe et irrévérencieuse de l'obsession de la mode et du culte des marques. En transposant des images iconiques sur un objet utilitaire associé à la rébellion et à la contre-culture, Denial transforme la planche en une œuvre sculpturale qui remet en question la hiérarchie entre l'art et la mode. Le skateboard comme toile d'art graffiti Le street art et le graffiti prospèrent grâce à l'imprévisibilité, et l'utilisation par Denial d'une planche de skateboard comme support artistique est à la fois fonctionnelle et symbolique. La culture skate, née de la contre-culture, a depuis longtemps rejeté les valeurs consuméristes conventionnelles, ce qui en fait le médium idéal pour exprimer une réflexion sur l'addiction à la mode. La surface lisse de la planche permet aux pigments d'archivage de restituer des visuels d'inspiration luxueuse avec une netteté saisissante, tout en contrastant avec l'aspect brut et usé du grip, caractéristique de sa fonction première. Au contact de l'œuvre, les spectateurs sont confrontés à l'absurdité d'un monogramme à la Goyard sur une surface qui ne touchera peut-être jamais le bitume. C'est de cette tension que réside toute la force de la vision de Denial. Subvertir la haute couture à travers des logos familiers L'œuvre de Denial est réputée pour son détournement délibéré des logos et motifs publicitaires de marques prestigieuses. Le jeu de cartes « Fashion Addict Rip Off Deck » transpose cette stratégie dans un support physique inédit, puisant son énergie dans les affiches politiques sérigraphiées et la satire mordante de la société de consommation. Faisant référence à l'esthétique luxueuse de la maison française Goyard, l'œuvre se caractérise par la répétition visuelle, l'exagération des marques et une imitation typographique impeccable. Cependant, au lieu de glorifier la marque, elle la transforme en arme, offrant aux spectateurs une dose de sarcasme visuel sur la valeur absurde accordée à la notoriété. Ce jeu de cartes devient un objet de collection non pas pour la marque qu'il parodie, mais pour le message qu'il véhicule. La voix du déni dans le débat sur l'art urbain Daniel Bombardier n'a jamais hésité à exprimer sa franchise dans son art urbain, pop et graffiti. Cette planche de skate en édition limitée s'inscrit dans cette démarche en refusant d'édulcorer le lien entre identité et consommation. « Denial » détourne l'iconographie des biens de consommation de luxe comme une forme de protestation teintée d'humour et d'esthétique soignée. La planche « Fashion Addict Rip Off » est un objet tangible qui fusionne expression urbaine, sarcasme anticapitaliste et design de collection en une œuvre d'art d'une grande précision. À la fois objet et message, elle affirme le rôle de l'artiste comme créateur et acteur de rupture dans le débat autour de la culture visuelle contemporaine.

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Œuvre d'art « Eau traîtresse », impression d'art en édition limitée Giclée sur papier Hahnemühle Museum Etching 100 % coton, par l'artiste de graffiti pop culture Victo Ngai. Édition limitée à 100 exemplaires. Signée et numérotée. Du fait des conditions de fabrication et de conservation de ces œuvres par l'artiste, de nombreuses estampes anciennes de Ngai présentent un léger jaunissement des marges blanches supérieures et inférieures, sur environ 1 mm. Ce jaunissement n'altère en rien l'image et les estampes sont par ailleurs en parfait état.

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Œuvre d'art « Rêves d'été », impression giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure, par l'artiste de graffiti pop culture Alex Garant. Édition limitée à 40 exemplaires, signée et numérotée, 2015. Format de l'œuvre : 16 x 20 pouces. Alex Garant - « Rêves d'été » Tirage d'art giclée signé et numéroté, édition limitée à 40 exemplaires, 40,6 x 50,8 cm

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Œuvre d'art Thisbe, impression pigmentaire d'archives en édition limitée sur papier beaux-arts par l'artiste de graffiti pop culture Sergio Lopez. « Thisbé » de Sergio Lopez. Tirage pigmentaire d'archives signé et numéroté par l'artiste. Édition limitée à 40 exemplaires. 51 x 56 cm.

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À la boutique - Impression giclée en édition limitée 18x24 Pop Street Artwork sur papier d'art de qualité supérieure par l'artiste moderne de graffiti urbain Shishidomia. Édition limitée 2022 à 250 exemplaires, impression japonaise 18x24.

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Œuvre d'art pop street « Beach House », impression giclée en édition limitée sur papier français pressé à froid de 100 lb, par l'artiste moderne de graffiti urbain Chase Mullen. Édition limitée à 30 exemplaires (2021) - Tirage giclée d'art de 40,6 x 50,8 cm (16 x 20 pouces) sur papier aquarelle français pressé à froid - Bords frangés à la main - Signé et numéroté

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Sérigraphie Cream & Gold Sedation in Bloom de Shepard Fairey - OBEY Tirée à la main sur papier d'art Cream Speckletone, édition limitée. Artiste de la culture pop Obey. 2021 Signé par Shepard Fairey - OBEY & Édition limitée numérotée de 150 exemplaires. Dimensions de l'œuvre : 18 x 24. Série d'estampes sérigraphiques « Sedation in Bloom ». « J'ai initialement créé ce motif de coquelicot dans le cadre d'une collaboration avec l'artiste Gordon Cheung. Dans notre œuvre, nous abordions le meurtre tragique de Vincent Chin et l'utilisation historique d'images et de symboles anti-asiatiques dans la culture occidentale. Le coquelicot est une fleur magnifique aux multiples interprétations symboliques, telles que la paix, la mort, le sommeil et la sédation. J'intègre souvent des motifs floraux et décoratifs à mon art pour captiver le regard et rendre les concepts complexes plus accessibles. Cependant, l'attrait décoratif peut endormir les consciences et les détourner de problèmes sociaux plus importants. Qu'il s'agisse de divertissement, d'alcool, de drogues ou de consommation ostentatoire, je pense que la sédation est une cause majeure de complaisance et d'ignorance sur les plans social et politique. Ces estampes « Sedation In Bloom » ont une double fonction : offrir une échappatoire décorative et nous rappeler de rester vigilants ! » – Shepard Fairey – OBEY. Le point de rencontre fascinant du pop art urbain et de l'activisme Au panthéon du street art contemporain, la sérigraphie « Cream & Gold Sedation in Bloom » de Shepard Fairey s'impose comme une œuvre aussi saisissante visuellement que profonde sur le plan conceptuel. L'artiste américain Frank Shepard Fairey, né le 15 février 1970 à Charleston, en Caroline du Sud, est une figure emblématique de ce mouvement artistique, alliant son expertise en graphisme à un engagement politique aigu. L'œuvre présentée ici fait partie de la série limitée « Sedation in Bloom », reconnaissable à son tirage artisanal sur papier d'art de qualité supérieure, à la teinte crème mouchetée. Résonance symbolique dans la série de sérigraphies de Fairey L'œuvre de Shepard Fairey exploite souvent la puissance des symboles pour communiquer des récits sociaux complexes. « Cream & Gold Sedation in Bloom » ne fait pas exception : sa toile de 45,7 x 61 cm est richement ornée de coquelicots d'une teinte dorée éclatante sur fond crème. Ce choix de couleur n'est pas qu'esthétique ; l'or véhicule un sentiment de valeur et de rareté, et, juxtaposé à la notion de sédation, il invite à une réflexion plus profonde sur ce que la société considère comme précieux par rapport à ce qu'elle utilise pour fuir la réalité. Chacune des 150 pièces de cette série porte la signature unique de Shepard Fairey, garantissant aux collectionneurs son authenticité et l'implication directe de l'artiste. Le thème de la sédation, reflété par l'imagerie du coquelicot, est une métaphore de la façon dont la société s'anesthésie face aux problèmes sociaux et politiques urgents. Collaboration créative et critique sociale par l'art L'œuvre de Shepard Fairey, ornée de motifs de coquelicots, est née de sa collaboration avec l'artiste sino-britannique Gordon Cheung. Leurs efforts communs visaient à commenter le meurtre tragique de Vincent Chin et à dénoncer la persistance de l'imagerie anti-asiatique dans la culture occidentale. Dans ce contexte, les estampes de la série « Sedation in Bloom » dépassent le simple cadre de l'art décoratif ; elles invitent à la réflexion, incitant le spectateur à prendre conscience des courants sous-jacents de complaisance culturelle et de xénophobie qui persistent au sein de la société contemporaine. L'œuvre « Sedation in Bloom » aux teintes crème et or illustre ainsi un puissant dualisme inhérent au pop art urbain et au graffiti : à la fois vecteur de beauté et outil de sensibilisation. L'œuvre de Shepard Fairey se dresse comme un emblème du potentiel du street art à servir d'appel à la vigilance sociale, incitant le public à une prise de conscience accrue dans un paysage culturel trop enclin à l'endormir dans la passivité par ses distractions superficielles. À travers cette série d'estampes, Fairey nous rappelle que le véritable trésor se trouve dans l'éveil collectif et la quête de la vérité face à l'anesthésie sociale.

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Bitch, figurine de collection en vinyle en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de graffiti urbain Luke Chueh. N'ayant jamais peur de la controverse, Luke Chueh et Munky King présentent fièrement « Bitch ». Ce coloris original reste fidèle à la peinture de Luke de 2007, avec des dégradés appliqués à la main sur des loups gris et une toison de mouton blanche. Le set de 3 pièces permet d'interchanger les différentes éditions pour un plaisir de collection maximal.

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Iodure de sodium phosphorescent Le Prisonnier GID Kickstarter Drug Bear Art Toy par Luke Chueh Édition limitée Vinyle Œuvre d'art de collection par un artiste de graffiti de rue. Œuvre d'art en édition limitée 2018, tirée à 213 exemplaires, avec emballage en coton, sac et tube. Inspirée de la peinture originale de Luke Chueh, « Le Prisonnier » explore la captivité sous toutes ses formes : physique, mentale ou pharmaceutique. Exclusivité Kickstarter de GID. Iodure de sodium phosphorescent. Le Prisonnier de Luke Chueh : Isolement rayonnant dans l’art pop urbain et le graffiti. « The Prisoner », une figurine en vinyle phosphorescente à l'iodure de sodium, est une création exclusive Kickstarter 2018 de l'artiste Luke Chueh, éditée à seulement 213 exemplaires. Cette version unique de la série « The Prisoner » est phosphorescente. Sculptée dans une teinte blanc cassé, elle émet une lueur verte lumineuse dans l'obscurité. Présentée dans un emballage rappelant un flacon de pilules, accompagnée d'un sachet en coton et d'une étiquette de prescription, la figurine revêt une importance à la fois visuelle et thématique. Inspirée d'une peinture originale de Chueh, « The Prisoner » explore la captivité émotionnelle et pharmaceutique, transformant un simple ours assis en un symbole poignant de lutte intérieure. La référence à l'iodure de sodium relie la figurine aux traitements radioactifs et aux interventions médicales, élargissant ainsi sa portée aux thèmes de la guérison toxique et des dommages invisibles. Cette édition phosphorescente inscrit davantage l'œuvre de Chueh dans le dialogue entre le Street Pop Art et le Graffiti, en transformant la souffrance en un objet de collection lumineux, source de réflexion. Lumière et obscurité comme contraste émotionnel Ce qui distingue l'édition à l'iodure de sodium du Prisonnier, c'est sa phosphorescence. De jour, la figurine apparaît fantomatique, dans une douce teinte ivoire. Dans l'obscurité, elle se métamorphose, émettant une faible lueur verte qui renforce l'idée d'émotions enfouies qui refont surface lorsque les distractions extérieures s'estompent. Cet effet lumineux n'est pas un gadget, mais une métaphore. Il représente la façon dont les traumatismes, l'anxiété et la douleur restent souvent invisibles jusqu'à ce que la solitude ou le silence les révèlent. La phosphorescence fonctionne comme une métaphore visuelle du rayonnement émotionnel : invisible, persistant et potentiellement nocif, même lorsque l'apparence est stable. La posture du jouet reste constante dans toute la série : les bras enroulés autour des genoux, les yeux cernés, le corps replié sur lui-même. Mais la phosphorescence ajoute une nouvelle dimension, rappelant aux spectateurs que ce qui est invisible peut blesser. C'est un élément central du Street Pop Art et du graffiti, où les objets du quotidien se chargent d'une nouvelle signification par le contexte, la forme et le contraste. L'utilisation du minimalisme par Luke Chueh pour explorer les traumatismes complexes Luke Chueh est reconnu pour ses œuvres chargées d'émotion, réalisées à partir de personnages minimalistes et de matériaux familiers. Son ours iconique, souvent en proie à des dilemmes existentiels, sert de support à l'exploration des thèmes de la dépression, de la solitude et du fardeau psychologique. Dans l'édition Sodium Iodide GID, ce langage visuel est magnifié par une transformation matérielle. La figurine ne se contente pas de représenter la captivité émotionnelle ; elle l'incarne par une douce lueur, offrant aux collectionneurs une vision rare et troublante de la vulnérabilité. L'intégration par Chueh d'un emballage sobre et d'une présentation conceptuelle a élevé ses jouets d'art au rang d'artefacts d'introspection culturelle. Cette édition Kickstarter confirme sa place au sein du Street Pop Art et du Graffiti, en tant que sculpteur du silence et chroniqueur des émotions inavouées. Sa capacité à exprimer des réalités intérieures complexes à travers des formes accessibles le distingue comme une voix sensible et nuancée dans l'univers des jouets de collection. L'édition GID du prisonnier comme symbole de douleur cachée et de visibilité L'édition Sodium Iodide du Prisonnier transforme le jouet traditionnel en une sculpture chargée d'émotion. Limitée à seulement 213 contributeurs Kickstarter à travers le monde, cette figurine phosphorescente est bien plus qu'un simple objet décoratif. Son emballage, conçu comme un flacon de médicaments, et sa référence aux composés radioactifs créent une esthétique de vulnérabilité et de fragilité. L'objet devient un commentaire sur ce qui est soigné et ce qui est ignoré, sur ce qui brille dans l'obscurité mais reste invisible à la lumière du jour. Au sein du Street Pop Art et du Graffiti, cette œuvre touche au cœur même du genre : la redéfinition d'objets du quotidien en expressions d'expériences personnelles et collectives. Luke Chueh utilise le vinyle et la lumière non seulement pour créer un jouet, mais aussi pour révéler le poids psychologique que des millions de personnes portent en silence. Cette figurine est peut-être petite, mais sa lueur révèle l'immensité des combats invisibles menés en silence.

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Master Stroke, édition limitée, sérigraphie artisanale en 4 couleurs sur papier beaux-arts, par Tim Doyle, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Épreuve d'artiste AP 1ère édition

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Cici N'est Pas Une Mickey Mouse PP Épreuve d'impression d'archives par Shark Toof Tirage en édition limitée sur papier beaux-arts 310 g/m² Œuvre d'art moderne d'artiste pop. Épreuve d'imprimerie PP 2018 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 24x18 Pigments d'archivage Beaux-Arts. Cici N'est Pas Une Mickey Mouse, ou « Ceci n'est pas une Mickey Mouse » Explorer "Ceci N'est Pas Une Mickey Mouse" de Shark Toof « Ceci N'est Pas Une Mickey Mouse » est une épreuve d'artiste (PP) qui met en lumière la présence de Shark Toof dans le mouvement pop art contemporain. Réalisée en 2018, cette œuvre est une affirmation artistique, signée et marquée PP, gage d'authenticité et de rareté en tant qu'édition limitée. Imprimée sur papier beaux-arts 310 g/m², elle utilise des pigments d'archivage, assurant ainsi la pérennité de ses couleurs et la précision de ses lignes. L'œuvre, de dimensions 61 x 46 cm, offre un impact visuel saisissant, reflétant la volonté de l'artiste de fusionner l'univers du pop art urbain avec la finesse des beaux-arts. Art urbain pop et imagerie iconique Dans cette œuvre, Shark Toof s'empare de l'image iconique de Mickey Mouse, la transformant en une création qui transcende les frontières du graffiti et du pop art urbain. Mickey Mouse, créé par Walt Disney et Ub Iwerks, symbolise l'innocence de l'enfance et la culture populaire américaine depuis 1928. L'interprétation de Shark Toof remet en question cette image rassurante, proposant une relecture qui invite le spectateur à s'interroger sur les significations multiples de ce symbole mondialement connu. Ce faisant, Shark Toof s'inscrit dans la grande tradition du pop art, en recontextualisant des images familières pour susciter la réflexion et le dialogue. Réflexions contemporaines sur l'art moderne Le titre de l'œuvre, « Ceci n'est pas une Mickey Mouse », fait directement référence à « La Trahison des images » de René Magritte, une œuvre qui remet en question la perception de la réalité. De même, l'œuvre de Shark Toof invite le public à reconsidérer l'image de Mickey Mouse, l'incitant à approfondir sa compréhension des icônes de la culture populaire et de leur signification. Cette œuvre ne se contente pas de représenter Mickey Mouse ; elle constitue un commentaire complexe sur le personnage en tant que produit culturel et sur son omniprésence dans l'inconscient collectif. Shark Toof utilise un collage d'éléments disparates pour composer la figure, suggérant la nature multiforme de Mickey Mouse, un personnage réinventé et réinterprété au fil des décennies – les dents acérées et la composition fragmentée critiquent la commercialisation de l'enfance et le caractère prédateur de la société de consommation. Le Mickey Mouse de Shark Toof symbolise la perte de l'innocence face à l'exploitation commerciale. L'utilisation de papier beaux-arts et de pigments d'archivage inscrit cette œuvre dans le débat sur la conservation de l'art, juxtaposant la nature éphémère du street art à la permanence recherchée par les beaux-arts. Ce faisant, Shark Toof élève le statut du street art pop, l'alignant sur les formes d'art traditionnelles et assurant sa pérennité. « Ceci N'est Pas Une Mickey Mouse » témoigne de la capacité de Shark Toof à naviguer entre culture populaire, street art et art savant. Son œuvre affirme que le street art pop et le graffiti ne sont pas de simples manifestations visuelles fugaces dans le paysage urbain, mais des déclarations significatives capables d'influencer, de critiquer et d'enrichir le monde de l'art. À travers cette œuvre, Shark Toof contribue au débat actuel sur le rôle et l'impact de la culture populaire dans l'art, nous incitant à réfléchir aux images que nous consommons et aux significations que nous leur attribuons.

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Planche de skateboard Style Rider Deck en édition limitée, sérigraphiée par l'artiste de la culture pop urbaine Defer. Édition 2021 limitée à 75 exemplaires, avec certificat d'authenticité signé.

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Pup Art - Sculpture en bombe de peinture rouge en édition limitée, œuvre d'art réalisée par l'artiste de rue, graffeur et légende de la culture pop Mr Brainwash - Thierry Guetta. Édition limitée 2020, signée et numérotée, à 150 exemplaires. Format de l'œuvre : 3 x 8 pouces. Signée par empreinte digitale et numérotée, avec coffret de présentation personnalisé. Pièce de collection ultra rare et exceptionnelle : Mr Brainwash – Thierry Guetta, édition limitée, œuvre d’art réalisée à la bombe de peinture.

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Planche de skateboard Rouge Rider Deck Limited Edition sérigraphiée, illustration de l'artiste de la culture pop urbaine Defer. Édition 2021 limitée à 75 exemplaires, avec certificat d'authenticité signé.

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Souris gothique macabre, sculpture originale en papier mâché peinte à l'acrylique, œuvre de l'artiste low-brow Justin Aerni. Sculpture originale signée de 2011 représentant une souris en papier mâché, ruban adhésif et acrylique, 7x5

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SEO Priority 228-16 Slap-Up Label Sticker Original Tag Art by MQ Planet- Mque Original Permanent Marker Art Drawing on USPS Mailing Label by Graffiti Artist Modern Street Artwork. Tag d'art graffiti original signé Slap Up 4x5,5, 2023, marqueur, tagué sur une étiquette autocollante USPS United States Postal Service Mail #228-March-2016—tall Stacked SEO Graffiti Tag est dans le marqueur arrière. « Priorité SEO 228-16 » de MQ Planet : un jalon dans le pop art urbain MQ Planet, alias Mque, est une figure majeure du street art et du graffiti. L'autocollant « SEO Priority 228-16 Slap-Up Label Sticker » illustre parfaitement le style original de MQ Planet, réalisé au marqueur indélébile, et incarne l'esprit brut et spontané du graffiti. Ce tag original signé, datant de 2023 et mesurant 10 x 14 cm, est une inscription créative apposée sur une étiquette postale USPS n° 228 de mars 2016. Œuvre tangible d'art urbain contemporain, il capture l'essence même de la vie citadine. Explorer l'essence de l'art du slap-up L'art du graffiti, tel que le « SEO Priority 228-16 », est une forme d'expression unique au sein de la culture graffiti. Tirant parti de l'omniprésence et de la fonctionnalité des étiquettes postales, il crée des œuvres d'art mobiles. Ces stickers voyagent souvent au-delà de leur point d'origine et se collent sur les surfaces de différentes villes, diffusant ainsi la signature de l'artiste par-delà les frontières. Le grand tag « SEO » superposé, réalisé au marqueur noir, sur cette étiquette témoigne de la spontanéité et du caractère territorial du graffiti. Le choix du support – une simple étiquette postale – illustre l'accessibilité et l'esprit DIY du street art, où les objets du quotidien deviennent des supports d'expression personnelle. MQ Planet : Innover dans la tradition Le travail de MQ Planet, notamment ses étiquettes personnalisées, témoigne de son esprit novateur au sein du street art. En utilisant une étiquette postale de la poste américaine (USPS), objet banal et produit en masse, MQ Planet remet en question la notion même de support en la transformant en une œuvre d'art unique, ornée de sa signature. « SEO Priority 228-16 » illustre la capacité de l'artiste à percevoir le potentiel artistique du quotidien, une caractéristique essentielle du street art pop. Ainsi, MQ Planet contribue à un débat plus large sur la place de l'art dans l'espace public et sur la manière dont le street art peut influencer et transformer le tissu urbain. En somme, « SEO Priority 228-16 » de MQ Planet n'est pas seulement une œuvre de street art, mais un microcosme du mouvement street art pop. Elle démontre comment des artistes comme MQ Planet s'emparent du quotidien et lui confèrent une signification extraordinaire, interagissant avec le public de manière directe et inattendue. Cette étiquette soignée, avec son étiquette noire contrastant sur fond blanc, ponctuée par le rouge et le bleu du logo USPS, capture un moment précis dans le temps et la culture, reflétant le dialogue continu et dynamique entre l'artiste, le médium et l'environnement.

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Tirages photographiques en édition limitée Dondi, à base de pigments d'archives, sur papier beaux-arts, par Ricky Powell, artiste de rue et de graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 75 exemplaires, signée, numérotée et titrée à la main par Ricky Powell, 2020. Dimensions de l'œuvre : 20 x 15 pouces. Tirage photographique pigmentaire d'archives. Certificat d'authenticité inclus. Signé une seconde fois par Powell. « Dondi » est un tirage pigmentaire d'archive de Ricky Powell, photographe américain reconnu pour ses clichés de rue pris sur le vif et son lien étroit avec la scène hip-hop et culturelle new-yorkaise. Les tirages pigmentaires d'archive sont des impressions numériques de haute qualité réalisées à l'aide d'encres pigmentaires sur un papier sans acide de qualité archive. L'association de ces matériaux garantit la longévité et la stabilité des couleurs du tirage, avec une durée de vie de 100 ans, voire plus. Cette méthode d'impression est fréquemment utilisée par les photographes et les artistes pour les tirages en édition limitée, les expositions et les collectionneurs. Ricky Powell (1961-2021) est né et a grandi à New York. Il s'est fait connaître dans les années 1980 et 1990 en immortalisant des musiciens, des artistes et des célébrités, notamment ceux liés à la scène hip-hop. Parmi les photographies emblématiques de Powell figurent des clichés des Beastie Boys, de Run-DMC, de LL Cool J, d'Andy Warhol, de Jean-Michel Basquiat et de bien d'autres. Son approche photographique franche et spontanée a fait de lui une figure emblématique du monde de l'art et de la culture populaire.

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Rêves d'été - Reproduction giclée en édition limitée d'une œuvre d'art HPM embellie, réalisée par l'artiste de graffiti pop culture Alex Garant. Décoré et dessiné/peint à la main avec une grande précision, notamment grâce à sa peinture métallisée dorée. 15 exemplaires de la série.

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Impression giclée en édition limitée Immortan Joe sur papier d'art de qualité supérieure par Mike Mitchell, artiste de rue de la contre-culture. Impression giclée 30,5 x 40,5 cm (12 x 16 pouces), 2015. Numérotée à la main. Estampe giclée Immortan Joe par Mike Mitchell.

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Okkervil Baltimore MD 3-Color Hand-Tited Limited Edition Silkscreen Print on Fine Art Paper by DKNG Rare Street Art Famous Pop Artwork Artist. Affiche créée par DKNG pour le récent concert d'Okkervil River à Baltimore, dans le Maryland. Cette sérigraphie trois couleurs de 61 x 46 cm (24 x 18 pouces) est éditée à 100 exemplaires.

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