Drum Breaks AP Dance Floor Riot Sérigraphie de Shepard Fairey - OBEY Épreuve d'artiste Sérigraphie 1 couleur tirée à la main sur papier beaux-arts Édition limitée Graffiti Pop Street Artwork. Épreuve d'artiste AP 2011, signée et marquée AP, édition limitée, format 13x13 Bien avant de connaître les galeries d'art ou même le street art, j'étais fasciné par les pochettes d'albums, ne serait-ce que parce qu'elles représentaient visuellement la musique des disques que j'adorais. Les pochettes d'albums évoquaient une association euphorique avec l'écoute. La plupart de mes premiers t-shirts faits maison étaient des pochoirs inspirés des pochettes d'albums punk… J'ai beau adorer l'art et essayer de me convaincre de son importance dans la société, force est de constater que la musique est bien plus captivante et touche bien plus profondément les cœurs et les esprits… Mais je suis un populiste et je vois les choses ainsi : même si je ne joue pas d'instrument, je vais m'éclater ! Avec mon art, j'essaie de capturer cette même énergie et cet esprit qui rendent la musique si puissante et démocratique. REVOLUTIONS est un hommage à toute la musique et aux œuvres d'art qui m'ont inspiré au fil des ans. – Shepard Fairey Le pop art, le street art et le graffiti ont toujours été des médiums offrant un reflet brut et authentique de la société, de la culture et des sentiments personnels de l'artiste. Parmi les figures emblématiques de ce domaine, Shepard Fairey se distingue, ses créations uniques trouvant un écho aussi bien auprès des amateurs d'art que du grand public. La sérigraphie « Drum Breaks AP Dance Floor Riot » témoigne de sa profonde admiration pour la musique et son lien indissociable avec les arts visuels. Réalisée avec minutie en 2011, cette épreuve d'artiste, tirée à la main en une couleur sur papier beaux-arts, est bien plus qu'une simple œuvre d'art : c'est un fragment de l'âme de Fairey, vibrant de sa passion pour la musique. Shepard Fairey a fait ses premiers pas dans le monde de l'art non pas par les galeries traditionnelles, mais par le biais de pochettes d'albums qui constituaient une véritable symphonie visuelle pour la musique qu'il vénérait. Tout comme les pochettes d'albums inspiraient des émotions, des souvenirs et un lien viscéral avec la musique, le street art de Fairey s'efforçait de créer un lien similaire avec son public. La sérigraphie en question, de 13 x 13 pouces, incarne la volonté de Fairey de canaliser l'immense puissance et la portée universelle de la musique. Son texte exprime ce sentiment avec éloquence, soulignant que, malgré la valeur intrinsèque de l'art, la musique possède une capacité supérieure à toucher les âmes. Son utilisation du terme « RÉVOLUTIONS » est double : elle fait allusion à la fois aux révolutions du disque vinyle et aux révolutions socioculturelles que la musique suscite souvent. Une exploration approfondie de « Drum Breaks AP Dance Floor Riot » offre aux spectateurs l'opportunité de découvrir les inspirations de Fairey. La fusion de l'esprit rebelle du punk, de l'énergie vivifiante de la musique et de la force démocratisante du street art se cristallise dans cette œuvre. Pour celles et ceux qui perçoivent l'art non seulement comme une expression esthétique, mais aussi comme une représentation vibrante de la société et des émotions individuelles, cette sérigraphie est à la fois un hommage et une source d'inspiration. À travers de telles créations, Shepard Fairey défend l'idée qu'il n'est pas nécessaire de jouer d'un instrument pour marquer le monde : parfois, une toile et une vision suffisent.

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Stay Wild Tapisserie unique en son genre, sérigraphie originale à la main en 3 couleurs, réalisée par Dan Christofferson - Beeteeth Artist. Tapisserie fanion « Stay Wild » 2015 de Dan Christofferson - Beeteeth. Tige non incluse.

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Impression giclée d'une œuvre d'art humoristique sur Hiroshima, réalisée par Jeff Gillette, artiste de graffiti de la culture pop. Estampe numérique Goofy Hiroshima signée en 2021, édition ouverte, signée par l'artiste en bas à droite, papier 13 x 19 pouces, image 11,25 x 18 pouces, 2021

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TC5 dans la cour fantôme, tirages d'art pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier chiffon Moab Ebtrada 300 g/m² par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Lady Pink. LADY PINK - Tirage d'art intitulé « TC5 In the Ghost Yard », édition limitée à 40 exemplaires, imprimés sur papier pigmentaire d'archives. Signé et numéroté à la main par Lady Pink, avec le logo DirtyPilot. Format : 78 cm x 60 cm (31 po x 24 po). Imprimé sur papier Moab Ebtrada Rag 300 g/m², un papier d'art épais sans acide.

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Coffee Blues - Afternoon SP 1 couleur, sérigraphie artisanale en édition limitée sur filtre à café par Takashi Murakami TM/KK. Rare œuvre d'art urbain, célèbre artiste pop. Épreuve spéciale SP 2020 signée 11x11

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Rêves de Californie - Livre et dessin original de la souris dessinant un personnage, L'art de Stanley Mouse, livre d'art relié en édition limitée par Stanley Mouse. Dessin original signé de 2015, réalisé à la main au crayon graphite sur la première page. Il représente un hybride souris-homme dessinant un bonhomme allumette, le logo de Stanley et sa grande signature. Dimensions : environ 15 x 10 cm. « California Dreams Art Book & Original Drawing by Stanley Mouse » est une anthologie de référence retraçant la carrière marquante de Stanley Mouse, artiste visionnaire dont l'univers psychédélique est devenu emblématique de la révolution culturelle des années 1960. Couvrant plus de cinq décennies, cette vaste collection de 240 pages présente le portfolio diversifié et d'une inventivité sans cesse renouvelée de Mouse. Ce dernier s'est fait connaître pour ses affiches, pochettes d'albums et designs de t-shirts saisissants, souvent créés en collaboration avec Alton Kelley durant l'âge d'or culturel de San Francisco, et ce jusque dans les années 1970. Son œuvre de cette période incarne l'esprit vibrant, l'exploration et la liberté créative des courants artistiques changeants de l'époque. Mais « California Dreams » va au-delà de la contribution majeure de Mouse au mouvement de la contre-culture. Le livre explore ses racines à Detroit, où il a perfectionné son art sur des voitures customisées et réalisé des t-shirts et des affiches originaux à l'aérographe, mettant en scène des créatures fantastiques et des automobiles extravagantes. Ses récentes incursions dans les beaux-arts sont également mises en lumière, révélant des paysages saisissants et des études de figures empreintes de poésie qui marquent un nouveau chapitre dans son parcours artistique. Ce recueil présente des œuvres inédites, offrant un aperçu rare des premières étapes et de l'évolution des pièces les plus célèbres de Mouse, ainsi que des informations précieuses issues de ses archives. Cet ouvrage commémore non seulement l'héritage de Mouse dans les arts visuels, mais célèbre également l'étendue et la profondeur de son expression artistique intemporelle. « California Dreams » témoigne de l'héritage durable de Stanley Mouse, artiste dont l'œuvre est devenue une pierre angulaire du mouvement pop art et dont l'influence se retrouve dans le street art et le graffiti. Ce livre d'art relié célèbre non seulement la carrière exceptionnelle de Mouse, mais aussi l'étendue de son talent, en présentant ses illustrations emblématiques qui ont su capturer l'esprit californien et l'imaginaire américain. Ce qui distingue cette édition limitée, c'est l'illustration originale dessinée à la main par Stanley Mouse lui-même en première page. Ce dessin au crayon graphite, représentant un hybride mi-homme mi-souris en train de dessiner un bonhomme bâton, est une auto-référence pleine de fantaisie et un clin d'œil à la vision à la fois décalée et subversive de l'artiste sur la culture populaire. La Souris, personnage récurrent dans son œuvre, est représentée avec des traits et des expressions quasi-humains, ajoutant une touche personnelle qui brouille les frontières entre l'artiste et son œuvre. Le style caractéristique de Stanley Mouse, avec ses lignes fluides et ses accents psychédéliques, est évident dans ce dessin d'environ 38 x 25 cm. Sa signature imposante et distinctive ancre l'œuvre, gage d'authenticité et symbole de sa contribution au monde de l'art. Le livre « California Dreams » et le dessin original qui l'accompagne offrent un aperçu unique du processus créatif de l'un des plus grands noms du pop art. C'est une pièce de collection qui capture l'essence d'une époque marquée par son audace, sa rébellion et son innovation artistique. L'héritage de Stanley Mouse continue d'inspirer les artistes de street art et de graffiti, qui perpétuent la tradition en créant des œuvres vibrantes, captivantes et profondément ancrées dans l'air du temps.

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Ampoule crypto Light Cult - Jouet d'art en résine édition limitée noir et blanc GID, œuvre d'art de collection de l'artiste de graffiti de rue Ron English - POPaganda. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, avec certificat d'authenticité. Format : 3 x 6 pouces. Neuve, sous coffret en bois. L'ampoule crypto Light Cult par Ron English-POPAganda X Clutter ! Dans sa dernière création, Ron English-POPAganda s'est approprié le symbole même du concept : l'ampoule ! Chaque ampoule crypto Light Cult est une pièce d'art artisanale de 15 cm, en résine double coulée, créée à New York par Clutter Studios. Chaque ampoule est livrée avec un support en acrylique, dans un coffret en bois spécial accompagné d'un certificat d'authenticité signé par Ron English-POPAganda. Limitée à 50 exemplaires, cette version est la première de la collection d'ampoules crypto Light Cult ! Et l'ampoule crypto Light Cult brille dans le noir ! L'œuvre de Ron English (POPaganda) génère une série de récits complexes à partir de la mémoire collective de la civilisation occidentale, la manipulant en un délire surréaliste aux couleurs éclatantes et aux multiples connotations sociales et politiques. Il est difficile de situer son travail précisément dans le spectre des arts visuels. Des estampes à la peinture à l'huile, des panneaux publicitaires détournés à la sculpture, il a expérimenté tous les supports et moyens au service de son art.

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L'œuvre « Kiss 2 », une impression giclée en édition limitée sur papier Photographique Rag, par l'artiste de graffiti pop culture Marwan Shahin. L'œuvre la plus controversée de Marwan Shahin, issue de la série « BANNED » qui aborde la question des droits des femmes au Moyen-Orient. « The Kiss 2 », 2018, 48 x 63,5 cm, impression giclée sur papier Photographique Rag, signée, épreuve d'artiste numérotée et marquée. Marwan Shahin – Le Baiser 2 et l’instrumentalisation de l’intimité « The Kiss 2 » de Marwan Shahin est une œuvre provocatrice et engagée de sa série « BANNED », qui s'attaque aux tabous sociaux et à la censure gouvernementale entourant les droits des femmes et l'intimité publique au Moyen-Orient. Publiée en 2018 en édition limitée, signée et estampillée giclée sur papier chiffon photographique, cette œuvre de 48 x 63,5 cm utilise un trait net, une posture séductrice et une composition majestueuse pour transformer un moment d'affection en un acte révolutionnaire. L'œuvre remet directement en question les contraintes culturelles profondément ancrées en mettant en lumière l'intimité entre femmes, un sujet souvent passé sous silence ou stigmatisé dans les sociétés conservatrices. Dans une composition qui brouille les frontières entre amour et résistance, « The Kiss 2 » présente deux femmes voilées enlacées. Leur connexion sensuelle est accentuée par leur tenue – bas de dentelle, talons hauts, bracelets en or – qui contraste avec le drapé monochrome de leurs vêtements noirs. Les figures sont immergées dans un fond linéaire hypnotique qui évoque à la fois profondeur et sensation d'enfermement. C'est une métaphore visuelle des structures sociales rigides dans lesquelles ils sont pris au piège, mais leur proximité perturbe le pouvoir de ces contraintes. Série BANNED et subversion culturelle à travers le pop art urbain Shahin, artiste égyptien multidisciplinaire, s'est fait connaître internationalement grâce à des œuvres fusionnant influences graffiti, références à la culture pop et rébellion politique. La série BANNED, dont The Kiss 2 est la pièce maîtresse, fonctionne à la fois comme une protestation et une invitation, revendiquant la visibilité des voix marginalisées tout en exposant les mécanismes de répression. Son travail reflète la dualité entre danger et désir qui caractérise les expressions publiques d'identité et de sexualité dans des environnements étroitement contrôlés. Dans le contexte du Street Pop Art et du graffiti, le style de Shahin mêle l'encadrement ornementé des arts décoratifs islamiques à la force du trait et à la rébellion du graphisme urbain. Il en résulte un dialecte visuel contemporain qui permet à son message de transcender les frontières. Shahin utilise l'esthétique du pouvoir – contraste saisissant, symétrie et luxe – pour critiquer les systèmes mêmes qui l'exercent. Les chaînes dans le cadre ne font pas seulement référence à l'esclavage ; elles reflètent les limites imposées à la liberté individuelle par l'État et la société. L'art urbain mondial avec une voix du Moyen-Orient Bien que l'œuvre de Shahin ait acquis une renommée internationale, elle reste profondément ancrée dans son identité égyptienne. Son parcours artistique a débuté à Alexandrie, où il s'est immergé dans le street art et le graffiti underground, y voyant une forme de protestation durant le Printemps arabe. Cette expérience a renforcé sa conviction que l'art est un médium révolutionnaire. Contrairement à de nombreux artistes pop ou graffeurs occidentaux qui abordent le genre avec satire ou nostalgie, Shahin intègre souvent les risques du monde réel et l'urgence socio-politique à sa pratique. « The Kiss 2 » est devenue l'une de ses images les plus partagées et censurées, suscitant des débats autour de la visibilité, de l'intimité et de la censure. Elle reflète la force de mondialisation de la culture urbaine tout en préservant une spécificité culturelle. La capacité de Shahin à insuffler l'énergie subversive du graffiti à des impressions giclées raffinées lui permet d'étendre le territoire du street art aux galeries d'art contemporain sans en altérer l'essence contestataire. Réappropriation de l'image interdite Dans un monde où le comportement public des femmes est souvent scruté et instrumentalisé, The Kiss 2 renverse ce regard. Au lieu de dissimuler l'affection, Shahin l'immortalise avec une précision minutieuse et un symbolisme saisissant. Le baiser devient plus qu'un simple instant : c'est une déclaration. Les silhouettes perchées sur des talons hauts ne sont pas objectifiées, mais affirmées, projetant des ombres à la fois de séduction et de solidarité. À travers l'objectif de Marwan Shahin, l'interdit devient art, et l'intime devient politique. Sa voix se joint au chœur des artistes de rue et de graffiti contemporains qui enrichissent le langage de la résistance par la culture visuelle. The Kiss 2 est une estampe, mais plus encore, c'est un message qui appelle à être vu, mémorisé et relayé.

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Muse #563 Œuvre d'art Giclée en édition limitée sur papier 330 G/M2 par l'artiste de graffiti de la culture pop Conrad Roset.

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Pretence - Sand PP 3 couleurs, sérigraphie en édition limitée réalisée à la main sur papier satiné Somerset 300 g/m² par Mad Rare Street Art, célèbre artiste pop. Épreuve d'imprimerie PP 2015, signée, édition limitée, format 19,68 x 27,55 Sérigraphie 3 couleurs sur papier 300 g/m², signée et numérotée par l'artiste. Épreuve d'artiste 70 x 50 cm, 2015

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Estampe d'archive « Mourning Dance » de Graham Yarrington, édition limitée sur papier d'art en coton, œuvre d'art moderne d'artiste de rue pop graffiti. Tirage d'art signé et numéroté, édition limitée à 30 exemplaires (2023), format 30 x 24 cm, impression pigmentaire d'archives. Danse du deuil de Graham Yarrington : Silence monumental dans l’art urbain pop et le graffiti « Mourning Dance » est une estampe pigmentaire d'archive signée et numérotée de 2023, réalisée par l'artiste Graham Yarrington, basé à Brooklyn. Tirée à 30 exemplaires, cette œuvre de 76 x 61 cm sur papier d'art en coton capture un récit surréaliste rendu à travers le langage expressif du street art, du pop art et du graffiti. Reconnu pour ses compositions oniriques et son utilisation singulière de teintes pastel psychédéliques fusionnées à des paysages monochromes, Yarrington construit une image à la fois ancestrale et surnaturelle, ancrée dans un paysage spirituel de mémoire, de perte et de transcendance. Un rituel de perte figé dans le mouvement Au cœur de Mourning Dance se déploie un tableau au sommet d'une montagne où des silhouettes humanoïdes allongées, d'un noir incandescent, forment une chaîne délicate, figées en plein mouvement dans une spirale au ralenti de chagrin et de connexion. Ces formes, marquées par des lignes néon fluides rouges, roses et orange, semblent insuffler leur énergie au terrain environnant. Les danseurs émergent de l'île comme des prolongements du sol volcanique lui-même, presque comme tirés vers le haut par la douleur. Leurs mouvements chorégraphiés évoquent une lamentation cérémonielle, faisant référence au rôle intemporel de la danse comme expression collective du deuil. Les encerclent une rivière onirique aux anneaux concentriques de couleur, transformant l'ensemble de la composition en un paysage mémoriel mythique où convergent géologie, chagrin et esprit humain. Une vision psychédélique du temps et de la transformation Le fond montagneux, baigné de teintes lavande douce et de gris feutré, est encadré par un ciel radieux aux tons corail, orange et mandarine, avec un soleil magenta au loin. Ces éléments visuels transportent le spectateur dans un royaume liminal, comme suspendu hors du temps. Les champignons qui parsèment les crêtes volcaniques évoquent la régénération et une conscience hallucinatoire, suggérant des cycles de déclin et de renaissance. La juxtaposition de figures sombres et d'une palette éclatante illustre la force stylistique de Yarrington : elle relie l'expérience émotionnelle intérieure au cosmique et à l'environnement. Ses paysages ne sont pas de simples décors ; ils sont vivants, imprégnés d'une profonde résonance émotionnelle. La place de Graham Yarrington dans le langage visuel contemporain Graham Yarrington s'est imposé comme un nom montant de l'art urbain contemporain, notamment dans le domaine du street art et du graffiti, grâce à un langage visuel qui fusionne illustration, narration graphique et symbolisme psychédélique. Son œuvre, proche du surréalisme pop et du street art abstrait, puise son inspiration dans les thèmes rituels, la mythologie et les paysages ésotériques. « Mourning Dance » illustre parfaitement cette synthèse. Méditative et monumentale, à la fois calme et électrique, elle est empreinte d'une énergie mélancolique et d'une vitalité vibrante. À travers des métaphores subtiles et une composition saisissante, Yarrington invite le spectateur à participer à la cérémonie : observer, réfléchir et se connecter émotionnellement aux cycles de perte et de résilience humaines à travers le temps et la nature.

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Bloody Mummers - Call the Banners Series, édition limitée, sérigraphie artisanale 5 couleurs sur papier épais 250 g/m² avec encres métalliques, par Rhys Cooper, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Affiche sérigraphiée 5 couleurs sur papier épais 250 g/m², imprimée avec des encres métalliques. Édition limitée à 200 exemplaires, signée et numérotée. Dimensions : 30,5 x 96,5 cm. Toutes les affiches sont numérotées et signées.

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Tirage d'art en édition limitée Fireflies Archival Pigment Fine Edition sur papier Moab Entrada 290 g/m² à bords frangés à la main par l'artiste EVOCA1 - Elio Mercado, légende du street art pop graffiti. Édition limitée à 40 exemplaires (2022) - Tirage d'art sur papier Moab Entrada 290 g/m² - 55,8 x 76,2 cm (22 x 30 pouces) - Bords frangés à la main - Chaque tirage est signé et numéroté par l'artiste - Imprimé par Static Medium (Los Angeles)

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JJ Hardy/Soldat de la Seconde Guerre mondiale - Orioles. Collage unique, embelli à la main, technique mixte sur carte de baseball vintage par Pat Riot. Carte vintage Topps MLB authentique, estampillée en 2014, technique mixte superposée, avec un style pop art inspiré de JJ Hardy/soldat de la Seconde Guerre mondiale (Orioles).

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Planche de skateboard Style Rider Deck en édition limitée, sérigraphiée par l'artiste de la culture pop urbaine Defer. Édition 2021 limitée à 75 exemplaires, avec certificat d'authenticité signé.

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Maison54 Collaborative S2-1 Noir 1 couleur Tirage à la main en édition limitée Sérigraphie sur papier chiffon de coton d'archivage par Jeff Soto x Maison54 Rare Street Art Artiste Pop Célèbre. Estampe numérotée et signée en édition limitée (2020), format 45,7 x 61 cm, Série Noire 2, Tirage 1 du projet secret de Maison54. Cette estampe est le fruit d'une collaboration entre les artistes Jeff Soto (partie supérieure), Urban Aztec (partie centrale) et Florian Bertmer (partie inférieure). Aucun des artistes n'a découvert le travail des autres avant la finalisation de l'estampe ! Imprimée sur papier chiffon de coton de qualité archive, elle mesure 45,7 x 61 cm et présente des bords frangés ainsi que le logo Maison54 en relief. Chaque estampe est signée et numérotée par Jeff Soto. Maison54 Collaborative S2-1 Noir : Unité fragmentée dans l'art urbain pop et le graffiti L'estampe Maison54 Collaborative S2-1 Black est une sérigraphie rare, signée et numérotée, éditée en 2020 dans le cadre du projet Maison54 Series Two. Tirée à la main en une seule couleur à 30 exemplaires, cette œuvre de 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces) est un exemple saisissant de collaboration expérimentale dans le domaine du street art, du pop art et du graffiti. L'estampe a été réalisée sur un papier chiffon de coton de qualité archive, aux bords frangés, et porte le sceau Maison54 en relief. Ce qui rend cette pièce particulièrement unique, c'est le processus de création : chaque artiste participant – Jeff Soto, Urban Aztec et Florian Bertmer – a créé sa partie de la composition indépendamment, sans connaître les dessins des autres. Il en résulte une convergence à la fois fluide et surréaliste de trois voix visuelles distinctes, fusionnées en une image unifiée qui remet en question l'ego artistique et souligne la synchronicité intuitive. Analyse visuelle et contributions des artistes Le format triptyque vertical permet au spectateur d'analyser la contribution de chaque artiste tout en appréciant l'harmonie de l'ensemble. L'œuvre de Jeff Soto, présente dans la partie supérieure, met en scène son iconographie emblématique du hibou : des yeux perçants et des textures organiques surréalistes, rendus dans un monochrome saisissant. La maîtrise graphique de Soto réside dans la fusion de la nature et du mythe, qui ici fait office de gardien visuel planant au-dessus de l'œuvre. La section centrale, créée par Urban Aztec, canalise une géométrie audacieuse et une symbolique culturelle, faisant référence à d'anciens langages visuels à travers des formes stylisées, une symétrie rigoureuse et un mouvement cinétique. Le segment inférieur, illustré par Florian Bertmer, plonge dans une intensité underground avec des créatures sinueuses, des crânes et un pointillisme complexe qui révèle la précision de son trait. Le fait que ces trois artistes aient travaillé indépendamment tout en parvenant à une composition d'une telle cohérence témoigne d'une sensibilité commune, ancrée dans le récit urbain, les traditions du tatouage et la création de mythes au sein de la culture populaire. Format de production et détails des matériaux Imprimée chez In-House Media Group en Californie, cette œuvre utilise des techniques de sérigraphie traditionnelles sur un papier chiffon de coton fin, conçu pour une conservation optimale. Les bords frangés soulignent son caractère artisanal et la hissent au-delà du simple format d'affiche, l'élevant au rang d'œuvre d'art de collection. Si le choix du noir et blanc évoque souvent le minimalisme, la densité de l'illustration ici génère un impact visuel maximal. Chaque section recèle sa propre micro-narration, et pourtant la composition s'harmonise comme un totem unique d'énergie surréaliste et d'iconographie hybride. Signée et numérotée par Jeff Soto, l'estampe atteste de son authenticité au sein d'une édition strictement limitée. Son appartenance à une initiative secrète de Maison54 ajoute au mystère et à l'exclusivité, caractéristiques essentielles des projets de street art et de graffiti. Maison54 et l'esprit de collaboration spontanée La capacité de Maison54 à concevoir un projet où trois artistes de renommée internationale contribuent à l'aveugle à une estampe unifiée témoigne de sa profonde compréhension du pouvoir imprévisible du Street Pop Art et du graffiti. La nature collaborative de cette sortie élimine les faux-semblants et instaure une confiance visuelle entre les créateurs, habitués à une maîtrise totale de leurs compositions. Le succès de cette expérience réside dans les recoupements intuitifs entre leurs styles, prouvant la convergence de nombreux langages visuels au-delà des différences apparentes. Ce projet illustre également comment Maison54 utilise les éditions limitées non seulement comme des sorties, mais aussi comme des actes conceptuels – des moments où le processus est aussi fascinant que le produit final. S2-1 Black fonctionne non seulement comme une estampe, mais aussi comme un témoignage de spontanéité créative, où le chaos se mue en cohésion et le secret en ordre symbolique. Elle représente une collaboration rare qui incarne l'énergie radicale et rituelle au cœur de la culture visuelle urbaine contemporaine.

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Affiche de concert Godzilla Soundgarden Jones Beach NY 2011, édition limitée, impression sérigraphique artisanale 5 couleurs sur papier beaux-arts par Rhys Coopers. 9 juillet 2011 Wantagh New York Jones Beach Theater Godzilla Music Print For Chris Cornell Band Soundgarden.

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Sérigraphie dorée « Follow The Leader » de Cleon Peterson sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés, édition limitée. 2024 Signée et numérotée Cleon Peterson Édition limitée à 75 exemplaires Œuvre d'art Format 34x12 Impression sérigraphique. Un symbole éclatant d'autorité Cleon Peterson est un artiste américain reconnu pour ses images audacieuses qui explorent les thèmes du pouvoir, du contrôle et des tensions sociales. La sérigraphie dorée « Follow The Leader » met en lumière cette fascination en transformant les silhouettes nettes caractéristiques de Peterson en figures dorées lumineuses se détachant sur un fond sombre. L'œuvre mesure 86 x 30,5 cm et est imprimée avec minutie sur du papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés. Cette édition de 2024, signée et numérotée à 75 exemplaires, témoigne de l'engagement constant de Peterson envers la précision et le savoir-faire. Les amateurs sont immédiatement frappés par les silhouettes dorées qui marchent à l'unisson, chacune portant un emblème d'influence ou de subversion. Leurs poses identiques et leur alignement rigoureux évoquent un mouvement contrôlé, invitant à une réflexion sur le conformisme et la soumission. Marche symbolique de la conformité Les personnages représentés dans cette œuvre marchent au pas cadencé, levant les bras dans une démonstration synchronisée d'obéissance. Chaque silhouette porte un objet symbolique évoquant la culture, le commerce ou l'armement. Le contraste de l'or sur le noir confère une dimension puissante à l'image, soulignant le lien entre richesse, pouvoir et le potentiel inquiétant d'une soumission collective. Le style minimaliste de Peterson amplifie l'impact immédiat de chaque figure, permettant aux spectateurs de se concentrer sur les implications de l'autorité et les structures sociales qui soudent les groupes. Les amateurs de street art et de graffiti apprécient la manière dont cette œuvre véhicule un langage visuel défini par des lignes épurées et un message direct. L'œuvre invite le spectateur à réfléchir à la tension entre la liberté individuelle et l'attrait hypnotique de l'obéissance, même lorsque celle-ci entre en conflit avec les libertés individuelles. Influences du street art, du pop art et du graffiti Les formes audacieuses, les aplats de couleur et la typographie imposante en haut de l'estampe rattachent cette œuvre à l'univers du street art et du graffiti. Ces influences évoquent la force visuelle des fresques urbaines et des interventions graphiques qui remettent en question les récits dominants. Les figures de Peterson, dépourvues de détails faciaux, font écho à une tradition de l'art urbain où silhouettes et symboles universels véhiculent un profond commentaire social. En fusionnant des matériaux nobles avec une esthétique provocatrice, cette édition limitée fait le lien entre les murs des galeries et l'énergie de l'expression publique. Les collectionneurs louent souvent Peterson pour sa capacité à exploiter l'esprit subversif de l'art underground tout en conservant une approche raffinée de la production, perceptible dans la précision de chaque figure et les bords soigneusement découpés de l'estampe. Une édition limitée captivante Cette édition 2024, signée et numérotée, offre une dimension esthétique forte et une critique culturelle pertinente. Tirée à 75 exemplaires, elle offre aux amateurs d'art une occasion unique d'acquérir une œuvre qui incarne la vision toujours changeante de Peterson sur les structures de pouvoir. Le choix de l'encre dorée amplifie une opulence qui contraste avec la sobriété du sujet, créant une tension visuelle saisissante. La forme allongée de l'œuvre accentue le mouvement des personnages en marche, tandis que le papier d'art Coventry Rag de haute qualité garantit sa conservation optimale. Collectionneurs et amateurs éclairés s'accordent à dire que la sérigraphie dorée « Follow The Leader » porte des messages forts sur l'autorité, la soumission des masses et les pressions sociales, le tout dans le cadre stylistique audacieux qui caractérise l'art intemporel de Cleon Peterson.

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Shuiro Emotions, sérigraphie en édition limitée 5 couleurs tirée à la main sur papier Stonehenge blanc 250 g/m² par Shishidomia, artiste pop art célèbre et rare. 2021. Ces sérigraphies de haute qualité, imprimées à la main en 5 couleurs sur papier blanc Stonehenge 250 g/m², présentent des motifs japonais rehaussés d'un effet translucide qui varie selon la lumière et l'environnement. Caractéristiques/Informations complémentaires : Dimensions : 45,7 x 61 cm. Chaque exemplaire est signé et numéroté à la main. Tirage limité à 20 exemplaires. « J’aime l’idée de création et la beauté de l’imagination pure. Je vois mon travail comme une fenêtre ouverte sur un monde parallèle, un monde où chacun peut trouver sa place. Un monde où la beauté de l’époque Edo au Japon se heurte à la puissance des symboles actuels de la culture occidentale et de la modernité. En tant que femme métisse japonaise, ayant grandi dans l’un des pays les plus homogènes au monde (le Japon), j’ai passé la majeure partie de ma vie à la recherche d’un sentiment d’appartenance. Cela m’a poussée à créer ma propre réalité, une réalité faite d’émotions Shuiro. » – Shishidomia

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Hard : Affiche de concert en édition limitée Holy Ship 1 Music Event, impression sérigraphique artisanale en 4 couleurs sur papier d'art par Max Goldman pour le festival de musique Holy Ship 2012. Depuis sa création, MFG- Matt Goldman Creative a conçu l'identité visuelle du HARD Fest et de tous ses événements dérivés, dont Holy Ship. Nous avons enfin retrouvé l'intégralité de la collection d'affiches que nous avons réalisées ensemble avant le départ de Gary Richards de Live Nation, qui m'a emmené avec lui. Un véritable voyage dans le temps ! C'est amusant de voir les noms des DJ se disputer les premières places au fil des ans et de se réjouir du rôle précurseur du HARD dans la promotion de la carrière de certains des plus grands DJ d'aujourd'hui. 45,7 x 61 cm • Impression offset couleur • Vert fluorescent, rose fluorescent, jaune fluorescent, noir • Papier blanc brillant de qualité archive • Édition limitée à 500 exemplaires • Sortie : 2014 Groupes de musique EDM : Pharrell Williams, Skrillex, Duck Sauce, Diplo, Boys Noize, Zedd, Laidback Luke, A-Trak, Zeds Dead, Dillon Francis, Baauer, Chromeo, Disclosure, Armand Van Helden, Maceo Plex, Claude Vonstroke, Flosstradamus, Skream, Flume, RL Grime, Brodinski, Crookers, Alvin Risk, Destructo, Justin Martin, Shlohmo, Clockwork, GTA, Alex Metric, Oliver, Breach, Just Blaze, Griz, Gramatik, Ryan Hemsworth, Cyril Hahn, DJEDJOTRONIC, Strip Steve, TJR, Kill Frenzy, Amine Edge & Dance, French Fries, Gorgon City, Gina Turner, Green Lantern, Light Year. T. Williams, Jerome LOL, Samo Sound Boy, Kaytranada, Liquid Todd, Boys Noize Records, Fool's Gold Records, Body High, WEDIDIT

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Œuvre d'art Blow, impression giclée en édition limitée sur papier d'art 100% coton, par l'artiste de graffiti pop culture Naoto Hattori.

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Bombe aérosol - Krylon - Rose I Œuvre originale de peinture acrylique en aérosol technique mixte sur carton, sculpture réalisée par l'artiste de rue et graffeur moderne Bill Barminski. Bombe de peinture Dupont signée, édition originale en carton et peinte à la main, datant de 2020. « J’espère que vous apprécierez cette série d’œuvres créées pendant le confinement. Même le Cyclope porte un masque ces temps-ci. Comme je travaille dans mon atelier à domicile, mon quotidien reste sensiblement le même, mis à part ce sentiment général de fatalité que nous ressentons tous. Mais c’est pour cela que je crée : pour m’évader. Je me sens toujours mieux quand je crée. Bonne découverte ! » – Bill Barminski

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Sérigraphie Black & Red Sedation in Bloom de Shepard Fairey - OBEY Tirée à la main sur papier d'art Cream Speckletone, édition limitée. Artiste de la culture pop Obey. 2021 Signé par Shepard Fairey - OBEY & Édition limitée numérotée de 150 exemplaires. Dimensions de l'œuvre : 18 x 24. Série d'estampes sérigraphiques « Sedation in Bloom ». « J'ai initialement créé ce motif de coquelicot dans le cadre d'une collaboration avec l'artiste Gordon Cheung. Dans notre œuvre, nous abordions le meurtre tragique de Vincent Chin et l'utilisation historique d'images et de symboles anti-asiatiques dans la culture occidentale. Le coquelicot est une fleur magnifique aux multiples interprétations symboliques, telles que la paix, la mort, le sommeil et la sédation. J'intègre souvent des motifs floraux et décoratifs à mon art pour captiver le regard et rendre les concepts complexes plus accessibles. Cependant, l'attrait décoratif peut endormir les consciences et les détourner de problèmes sociaux plus importants. Qu'il s'agisse de divertissement, d'alcool, de drogues ou de consommation ostentatoire, je pense que la sédation est une cause majeure de complaisance et d'ignorance sur les plans social et politique. Ces estampes « Sedation In Bloom » ont une double fonction : offrir une échappatoire décorative et nous rappeler de rester vigilants ! » – Shepard Fairey – OBEY. Black & Red Sedation in Bloom de Shepard Fairey : un manifeste visuel Dans l'univers éclectique du street art et du graffiti, la sérigraphie « Black & Red Sedation in Bloom » de Shepard Fairey témoigne avec force de la profondeur d'expression propre à ce genre. Cette œuvre fait partie d'une série captivante de l'artiste américain Frank Shepard Fairey. Reconnu pour son talent à interpeller le public à travers son art, Fairey a créé cette série en 2021, et elle porte la signature de son style, mêlant avec brio esthétique et message. Symbolisme et commentaire social dans les estampes de Fairey Cette œuvre, tirée à la main sur un papier d'art crème moucheté, est une édition limitée à seulement 150 exemplaires. Chaque estampe, mesurant 45,7 x 61 cm, est méticuleusement signée et numérotée par l'artiste, garantissant son exclusivité et son lien avec le parcours artistique de Fairey. Le contraste saisissant du rouge sur le noir est non seulement visuellement captivant, mais aussi symboliquement lourd, représentant des coquelicots qui, traditionnellement, symbolisent la paix et le sommeil, mais qui sont également associés à la mort et à la sédation. La démarche artistique de Fairey consiste souvent à tisser des motifs floraux et décoratifs pour captiver le regard du spectateur, rendant ainsi les messages sous-jacents de l'œuvre plus accessibles et engageants. La beauté envoûtante des coquelicots dans cette estampe est délibérée : elle invite le spectateur à une réflexion plus profonde sur la nature de la distraction et de la sédation dans la société moderne. Fairey suggère qu'une telle beauté peut détourner l'attention des problèmes sociaux cruciaux, plongeant la population dans la complaisance et favorisant une culture de l'inaction politique. Le pouvoir du pop art urbain dans le discours public La collaboration de Fairey avec l'artiste Gordon Cheung sur le concept de cette série d'estampes souligne leur engagement commun à aborder des problèmes graves tels que le meurtre de Vincent Chin et la perpétuation des stéréotypes anti-asiatiques. L'estampe « Black & Red Sedation in Bloom » transcende sa simple dimension esthétique. Elle nous rappelle avec force la nécessité de rester vigilants et conscients dans un monde trop souvent engourdi par les distractions du divertissement, la toxicomanie et la surconsommation. Selon Fairey lui-même, cette série remplit une double fonction : elle offre une immersion décorative et nous invite à rester attentifs et critiques face aux récits du monde. L'utilisation de coquelicots au sein de motifs décoratifs luxuriants confère une signification à plusieurs niveaux, incitant le public à s'engager face aux problèmes de société plutôt que de se réfugier dans le calme trompeur que la beauté peut parfois promettre. À travers cette série saisissante, Fairey continue de démontrer le rôle influent du pop art urbain comme moyen d'expression critique et comme cri de ralliement pour une prise de conscience collective.

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Achetez Clingy Companion Blue Hand Cast & Painted Polystone Uzi Art Sculpture Toy Limited Edition par l'artiste J-LDN de Graffiti Pop Street Painting Fame. Édition limitée 2022, taille 100 % Chaque sculpture uzi est livrée sous la forme d'un assemblage magnétique Shoeuzi Magnafix en 4 parties, d'une boîte, d'un présentoir et de gants. Résine Polystone moulée et peinte à la main. Nouveau dans la boîte

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Qui est le roi ? - Impression à chaud bicolore argentée sur papier noir lisse Neenah Classic Crest 100# par Alexander-John, artiste de street art rare et célèbre du pop art. Impression à chaud 2 couleurs sur papier Neenah Classic Crest Smooth Epic Black 100# Format : 42 x 61 cm (16,5 x 24 pouces) Sortie : 7 mai 2021 Tirage : 50 exemplaires « Cette œuvre invite le collectionneur à une expérience sociale fondée sur la couleur et le choix. Cette estampe peut être accrochée dans les deux sens, symbolisant ainsi l'égalité. Quelles que soient nos différences (représentées par les armes dans cette œuvre), nous sommes tous rois. » – Alexander-John

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Optimus Prime Megatron Transformers Set 100% BE@RBRICK Édition Limitée Medicom Vinyl Artwork Toy Collectable Art Figure. Japon 2007. Ces Be@rbricks sont magnifiquement détaillés et sculptés. Exclusivité japonaise, ils étaient vendus au Wonder Festival en 2007 ! Détails sur le set Bearbrick Takara Tomy Optimus Prime Megatron, taille 100, en boîte.

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No Companion - Trust No One, sculpture en vinyle en édition limitée, œuvre d'art de collection de l'artiste pop moderne Abell Octovan. Édition limitée 2021, 20 cm de haut, neuve en boîte, estampillée/imprimée, avec certificat d'authenticité. Rendant hommage aux illustrations d'antan, No Companion : Trust No One (Édition Classique) d'Abell Octovan présente des détails uniques évoquant la gravure. À l'instar du parfum des vieux livres, cet ouvrage vous enveloppe d'une vague de nostalgie. Tous les contes de fées ne se terminent pas par un « ils vécurent heureux pour toujours », mais chaque bibliothèque mérite un classique comme celui-ci.

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Figurine de collection Steve Aoki Playhouse Janky SuperPlastic en vinyle édition limitée, œuvre d'art urbain 2021 Présenté avec boîte Créée en collaboration avec le DJ/producteur Steve Aoki, deux fois nominé aux Grammy Awards, cette édition limitée Playhouse Janky donne vie à son emblématique propriété de Las Vegas. Véritable œuvre d'art colorée et déjantée, elle est enveloppée dans un vinyle souple de 8,9 cm d'épaisseur. Avec ses couleurs cyberpunk, ses deux langues et ses chaussures de chat maléfique, la Playhouse Janky fera pâlir d'envie tous les autres jouets de créateurs. Boîte ouverte.

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Lâchez les chiens - Série Call the Banners, édition limitée, sérigraphie artisanale 5 couleurs sur papier épais 250 g/m² avec encres métalliques par Rhys Cooper, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Affiche sérigraphiée 5 couleurs, imprimée en 2014 sur papier épais 250 g/m² avec des encres métalliques. Édition limitée à 200 exemplaires, signée et numérotée. Dimensions : 30,5 x 96,5 cm (12 x 38 pouces). Toutes les affiches sont numérotées et signées.

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Figurine de collection Crocodilius SuperJanky Janky SuperPlastic x James Groman, édition limitée, en vinyle, illustration street art. Le génial concepteur de jouets James Groman crée des monstres d'exception depuis plus de vingt ans. De DC Comics à Guillermo Del Toro, Groman est le premier nom qu'on appelle lorsqu'il s'agit de concevoir une bête féroce. Des dents acérées comme des rasoirs aux écailles ultra-résistantes, Crocodilius SuperJanky porte la signature du créateur.

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Jaguar Jag Mandala Édition Limitée Impression Sérigraphique Manipulée à la Main en 4 Couleurs avec Couche Transparente UV sur Papier Beaux-Arts Coventry Rag 290 g/m² par Chris Saunders Artiste de Rue Graffiti Art Moderne Pop Art. « Jag Mandala » de Chris Saunders est une sérigraphie qui témoigne de la fascination de l'artiste pour les couleurs vibrantes, les motifs complexes et le symbolisme spirituel des mandalas. Chris Saunders est un artiste et illustrateur américain reconnu pour son travail multidisciplinaire dans les domaines des beaux-arts, du design et de l'animation. Il est réputé pour ses œuvres kaléidoscopiques d'une grande précision, qui combinent souvent techniques traditionnelles et numériques. Son travail explore une variété de sujets, tels que des paysages surréalistes, de l'art visionnaire et des thèmes spirituels. Le terme « mandala » désigne un symbole spirituel et rituel représentant l'univers dans l'hindouisme et le bouddhisme. Les mandalas sont généralement composés de motifs géométriques complexes et de dessins symétriques rayonnant à partir d'un point central. La création d'un mandala est souvent un processus méditatif, et l'œuvre achevée sert d'outil de concentration mentale pendant la méditation.

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Fashion Addict Rip Off Deck Fine Art Limited Edition Archival Pigment Print Transfer on Cold Pressed Steep Natural Skateboard Deck by Street Artwork Graffiti Artist Denial. Série 2021 de 50 exemplaires, impression pigmentaire d'archives par transfert sur planche de skate naturelle pressée à froid. Dimensions : 8 x 31,875 pouces. Sortie : 26 juin 2021. Jeu de cartes Fashion Addict Rip Off Deck par Denial : le pop art urbain rencontre l’ironie du luxe Daniel Bombardier, alias Denial, s'est imposé comme une figure incontournable du street art et du graffiti contemporains grâce à ses critiques acerbes du consumérisme, du pouvoir et du marketing. La planche de skate « Fashion Addict Rip Off » de 2021 illustre parfaitement cette thématique en appliquant des symboles de luxe sur un support inattendu et subversif : une planche de skateboard naturelle pressée à froid. Cette édition limitée à 50 exemplaires, imprimée par transfert pigmentaire sur papier d'archives et mesurant 20,3 x 81 cm (8 x 31,875 pouces), sortie le 26 juin 2021, est une critique directe et irrévérencieuse de l'obsession de la mode et du culte des marques. En transposant des images iconiques sur un objet utilitaire associé à la rébellion et à la contre-culture, Denial transforme la planche en une œuvre sculpturale qui remet en question la hiérarchie entre l'art et la mode. Le skateboard comme toile d'art graffiti Le street art et le graffiti prospèrent grâce à l'imprévisibilité, et l'utilisation par Denial d'une planche de skateboard comme support artistique est à la fois fonctionnelle et symbolique. La culture skate, née de la contre-culture, a depuis longtemps rejeté les valeurs consuméristes conventionnelles, ce qui en fait le médium idéal pour exprimer une réflexion sur l'addiction à la mode. La surface lisse de la planche permet aux pigments d'archivage de restituer des visuels d'inspiration luxueuse avec une netteté saisissante, tout en contrastant avec l'aspect brut et usé du grip, caractéristique de sa fonction première. Au contact de l'œuvre, les spectateurs sont confrontés à l'absurdité d'un monogramme à la Goyard sur une surface qui ne touchera peut-être jamais le bitume. C'est de cette tension que réside toute la force de la vision de Denial. Subvertir la haute couture à travers des logos familiers L'œuvre de Denial est réputée pour son détournement délibéré des logos et motifs publicitaires de marques prestigieuses. Le jeu de cartes « Fashion Addict Rip Off Deck » transpose cette stratégie dans un support physique inédit, puisant son énergie dans les affiches politiques sérigraphiées et la satire mordante de la société de consommation. Faisant référence à l'esthétique luxueuse de la maison française Goyard, l'œuvre se caractérise par la répétition visuelle, l'exagération des marques et une imitation typographique impeccable. Cependant, au lieu de glorifier la marque, elle la transforme en arme, offrant aux spectateurs une dose de sarcasme visuel sur la valeur absurde accordée à la notoriété. Ce jeu de cartes devient un objet de collection non pas pour la marque qu'il parodie, mais pour le message qu'il véhicule. La voix du déni dans le débat sur l'art urbain Daniel Bombardier n'a jamais hésité à exprimer sa franchise dans son art urbain, pop et graffiti. Cette planche de skate en édition limitée s'inscrit dans cette démarche en refusant d'édulcorer le lien entre identité et consommation. « Denial » détourne l'iconographie des biens de consommation de luxe comme une forme de protestation teintée d'humour et d'esthétique soignée. La planche « Fashion Addict Rip Off » est un objet tangible qui fusionne expression urbaine, sarcasme anticapitaliste et design de collection en une œuvre d'art d'une grande précision. À la fois objet et message, elle affirme le rôle de l'artiste comme créateur et acteur de rupture dans le débat autour de la culture visuelle contemporaine.

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Sérigraphie Black & Blue Sedation in Bloom de Shepard Fairey - OBEY Tirée à la main sur papier d'art Cream Speckletone, édition limitée. Artiste de la culture pop Obey. 2021 Signé par Shepard Fairey - OBEY & Édition limitée numérotée de 150 exemplaires. Dimensions de l'œuvre : 18 x 24. Série d'estampes sérigraphiques « Sedation in Bloom ». « J'ai initialement créé ce motif de coquelicot dans le cadre d'une collaboration avec l'artiste Gordon Cheung. Dans notre œuvre, nous abordions le meurtre tragique de Vincent Chin et l'utilisation historique d'images et de symboles anti-asiatiques dans la culture occidentale. Le coquelicot est une fleur magnifique aux multiples interprétations symboliques, telles que la paix, la mort, le sommeil et la sédation. J'intègre souvent des motifs floraux et décoratifs à mon art pour captiver le regard et rendre les concepts complexes plus accessibles. Cependant, l'attrait décoratif peut endormir les consciences et les détourner de problèmes sociaux plus importants. Qu'il s'agisse de divertissement, d'alcool, de drogues ou de consommation ostentatoire, je pense que la sédation est une cause majeure de complaisance et d'ignorance sur les plans social et politique. Ces estampes « Sedation In Bloom » ont une double fonction : offrir une échappatoire décorative et nous rappeler de rester vigilants ! » – Shepard Fairey – OBEY. Explorer les profondeurs de la sédation Black & Blue dans Bloom par Shepard Fairey Dans le domaine du street art et du graffiti, l'œuvre « Black & Blue Sedation in Bloom » de Shepard Fairey se distingue par sa profonde dimension narrative. Connu pour sa campagne percutante OBEY, Fairey est un artiste américain né le 15 février 1970, dont le travail transcende la simple stimulation visuelle pour susciter le débat sur les enjeux sociaux et politiques. La série de sérigraphies de 2021 en est la parfaite illustration : chaque pièce est tirée à la main sur un papier d'art crème moucheté, garantissant l'authenticité tant recherchée par les collectionneurs et les amateurs. Tirée d'une édition limitée à seulement 150 exemplaires dans le monde, chaque œuvre de 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces) crée un lien intime avec son public, chaque exemplaire étant signé et numéroté par Fairey lui-même. Symbolisme et collaboration dans l'œuvre de Fairey La collaboration de Fairey avec Gordon Cheung constitue le fil conducteur de cette série. Ensemble, ils se sont aventurés dans une exploration poignante du sentiment anti-asiatique, incarné par l'histoire tragique de Vincent Chin. C'est dans ce contexte que le coquelicot, motif récurrent dans l'œuvre de Fairey, prend toute sa signification. Symbolisant la paix, la mort, le sommeil et l'apaisement, les coquelicots se détachant sur le fond noir et bleu austère invitent à une dichotomie entre beauté et tragédie, plaisir et douleur, apaisement et éveil. Cette œuvre d'art se veut un vecteur de dialogue, incitant le spectateur à se confronter au vernis séduisant de la culture populaire qui masque souvent des maux de société plus profonds. À travers le tissage complexe des motifs de coquelicots, Fairey cherche à attirer le regard des spectateurs, pour mieux les confronter aux dures réalités de la complaisance et de l'ignorance, qu'il attribue aux distractions du divertissement, à la toxicomanie et au matérialisme. L'influence de Fairey sur le street art et la conscience sociale L'influence de Fairey sur le street art ne se mesure pas seulement à ses contributions visuelles, mais aussi au discours palpable que ses œuvres suscitent. « Black & Blue Sedation in Bloom » transcende sa fonction décorative pour devenir un rappel silencieux et pourtant criant de la nécessité de rester vigilant dans un monde saturé de distractions. Les bleus profonds et les noirs intenses contrastent avec les nuances crème, créant une tension visuelle qui reflète la tension sociale que Fairey cherche à exprimer. Au-delà de l'esthétique se cache une réflexion critique sur le concept de sédation dans un contexte sociétal : comment la beauté et l'art peuvent à la fois inspirer et anesthésier. En ce sens, l'œuvre de Fairey est un appel à l'action, une élégie à la prise de conscience sous la forme d'un street art, et un acte symbolique de graffiti qui marque la conscience de ceux qui le regardent. Cette série représente l'essence même du parcours artistique de Fairey : éveiller, provoquer et inspirer le changement par le biais du street art. L'héritage continu de Shepard Fairey dans l'art et l'activisme L'estampe « Black & Blue Sedation in Bloom » s'inscrit pleinement dans l'héritage de Shepard Fairey, un héritage marqué par une quête inlassable de commentaire social à travers l'art. Toujours actif et installé à Los Angeles, en Californie, Fairey demeure une figure incontournable de la fusion entre l'esthétique du street art et l'activisme social. Cette œuvre, à l'instar de nombreuses autres, témoigne de son engagement indéfectible envers l'art comme vecteur d'éveil social. En tant qu'artiste, Fairey continue de repousser les limites traditionnelles du street art, utilisant sa notoriété pour aborder les thèmes de la complaisance politique et de l'ignorance sociale. Avec chaque estampe de la série « Black & Blue Sedation in Bloom », il invite le public à une expérience visuelle et cognitive qui relève autant de l'introspection que de la critique. Ainsi, l'œuvre de Fairey demeure un fil conducteur essentiel de l'art contemporain, tissant sans cesse des récits qui captivent et résonnent auprès d'un public bien au-delà des galeries traditionnelles, jusque dans la rue, là où vibre la conscience collective.

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Gary Carter/Tuff 70s Guy - Mets Collage unique orné à la main, technique mixte sur carte de baseball vintage par Pat Riot. Œuvre originale de 2014, technique mixte estampée et superposée sur une véritable carte vintage Topps de la MLB, avec un style pop art inspiré de Gary Carter/Tuff 70s Guy (Mets).

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Metallica Barcelone - Affiche de concert en édition limitée 2021, impression sérigraphique 3 couleurs vertes phosphorescentes sur papier crème moucheté par Jeff Soto, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Créée pour le concert de Metallica du 5 mai à Barcelone, en Espagne, cette affiche s'inspire des chansons de l'album « …And Justice For All » et évoque une ancienne forêt espagnole et ses habitants. Dimensions : 45,7 cm x 61 cm.

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Billie is Beautiful - Sculpture en bombe de peinture noire en édition limitée, œuvre d'art réalisée par l'artiste de rue, graffeur et légende de la pop culture Mr Brainwash - Thierry Guetta. Édition limitée 2020, signée et numérotée, à 150 exemplaires. Format de l'œuvre : 3 x 8 pouces. 2020, signé par empreinte digitale et numéroté, avec coffret de présentation personnalisé. Pièce de collection ultra rare et exceptionnelle : Mr Brainwash – Thierry Guetta, une œuvre d’art en bombe de peinture en édition limitée.

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Sérigraphie Star Trek Iowa par Justin Van Genderen, tirée à la main sur papier d'art, édition limitée. 2013 Signée et numérotée au dos Édition limitée à 50 exemplaires Format de l'œuvre 18x24 Série Location, Location, Location Sérigraphie du vaisseau Enterprise de Star Trek sous le ciel nocturne de l'Iowa au coucher du soleil. Sérigraphie Star Trek Iowa par Justin Van Genderen La sérigraphie Star Trek Iowa de Justin Van Genderen est une saisissante représentation de la nostalgie de la science-fiction, fusionnée à l'énergie visuelle du street art et du graffiti. Créée en 2013 en édition limitée à 50 exemplaires, cette sérigraphie artisanale immortalise le légendaire USS Enterprise sous le ciel nocturne de l'Iowa, sa silhouette iconique se détachant sur un fond cosmique. Mesurant 45,7 x 61 cm, l'œuvre présente une vision d'ambition futuriste puisant ses racines dans les humbles débuts du plus célèbre capitaine de Starfleet. Star Trek et la mythologie de l'Iowa Cette estampe s'inspire de l'univers de Star Trek, où James T. Kirk, le légendaire capitaine de l'USS Enterprise, est né à Riverside, dans l'Iowa. La présence du vaisseau sous un ciel qui s'assombrit rend hommage à cette histoire fictive, ancrant les origines d'un futur intergalactique au cœur du Midwest américain. Cette juxtaposition entre les paysages d'une petite ville et les grands rêves d'exploration spatiale est un élément fondamental de la narration de Star Trek. Elle représente l'idée que les explorateurs les plus audacieux peuvent émerger des endroits les plus modestes. Dans la composition, l'USS Enterprise se dresse sous un ciel à couper le souffle, constellé d'étoiles filantes, soulignant le passage du temps et les possibilités infinies qui nous attendent au-delà de l'atmosphère terrestre. L'image suggère à la fois nostalgie et anticipation, comme si le vaisseau attendait le moment de s'élancer vers l'inconnu. L'association de bleus profonds, d'oranges chauds et de silhouettes nettes crée un contraste saisissant qui reflète l'équilibre entre passé et futur. Minimalisme futuriste dans le street art pop et le graffiti L'estampe de Van Genderen adopte une esthétique minimaliste et puissante, en accord avec les principes fondamentaux du Street Pop Art et du graffiti. La simplicité des silhouettes crée un impact visuel immédiat, tandis que la palette de couleurs renforce l'atmosphère onirique de la scène. L'œuvre utilise des aplats de couleurs et des formes audacieuses, une technique courante en sérigraphie moderne, pour créer une impression d'immensité et de profondeur. Le design fait écho au langage visuel des affiches de voyage classiques, réinventant l'Iowa comme une porte d'entrée vers l'infini. Cette réinterprétation du lieu à travers le prisme de la culture pop le transforme en un espace mythique, une approche caractéristique du Street Pop Art et du graffiti. L'idée de sublimer des lieux réels par une œuvre stylisée s'inscrit dans la manière dont les artistes de rue mêlent souvent le quotidien à des éléments imaginaires et monumentaux. La science-fiction comme sujet dans l'art urbain pop et le graffiti La science-fiction a joué un rôle majeur dans le street art et le graffiti contemporains, influençant des générations d'artistes bercés par l'esthétique futuriste du cinéma, de la télévision et de la littérature. L'iconographie de Star Trek, avec ses symboles audacieux et reconnaissables, s'intègre naturellement à cet univers. L'USS Enterprise, en particulier, possède une présence indéniable, ce qui en fait un sujet fascinant de réinterprétation artistique. L'œuvre de Van Genderen illustre comment la science-fiction peut s'intégrer harmonieusement aux formes d'art contemporaines. L'estampe ne se contente pas de représenter une scène de Star Trek, mais la réinvente à travers les traditions visuelles du pop art et de la sérigraphie. En plaçant l'Enterprise sous un ciel de l'Iowa, l'œuvre évoque la nature intemporelle de l'ambition et de l'exploration humaines, renforçant ainsi les thèmes centraux de Star Trek. Cette sérigraphie est à la fois un hommage à Star Trek et un exemple frappant de la manière dont la culture populaire continue de façonner et d'influencer le street art et le graffiti. Elle capture le sentiment d'émerveillement qui définit la franchise depuis des décennies, tout en adoptant une esthétique audacieuse et moderne qui trouve un écho auprès des fans et des amateurs d'art.

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Panneau de signalisation métallique « Attention Bump », impression giclée par OG Slick Artwork, édition limitée, artiste graffiti pop de rue. Œuvre d'art en édition limitée, signée et numérotée, 2025. Format : 30,5 x 30,5 cm. Panneau de rue stylisé en métal représentant une main de Mickey tenant une dose de cocaïne. Prête à être accrochée. « Ce panneau est une mise en garde humoristique, un avertissement contre les dangers de la drogue. Je suis sobre depuis bientôt 22 ans et je prends la sobriété très au sérieux, contrairement à mon art. » - OG Slick Attention Bump par OG Slick : Subversion des panneaux de signalisation dans l’art pop urbain et le graffiti « Caution Bump » est une œuvre d'art en édition limitée, signée et numérotée (édition 2025), réalisée par OG Slick sur un panneau de signalisation métallique stylisé de 30,5 x 30,5 cm. L'œuvre représente un panneau jaune avec le mot « BUMP » en caractères noirs gras, interrompu par une main gantée, dessinée dans un style cartoon, qui semble prélever une goutte de poudre blanche à la surface. Cette main, immédiatement reconnaissable grâce à l'iconographie récurrente d'OG Slick, réinterprète le symbolisme familier des dessins animés en une satire mordante. Slick fusionne signalétique, références à la culture pop et contenu controversé en une confrontation visuelle compacte, créant une œuvre à la fois sculpturale et d'avertissement, délivrée avec un humour grinçant. Prête à être accrochée et réalisée en métal, cette édition illustre la manière dont le Street Pop Art et le graffiti s'intègrent à des objets du quotidien tangibles, réinterprétés par le commentaire urbain. Concept, satire et double sens culturel L'humour de « Caution Bump » masque un sous-texte grave. L'imagerie joue sur le sens littéral et figuré du mot « bump », évoquant un obstacle sur la route tout en suggérant la consommation de drogues illicites. La poudre blanche et le geste de la main renforcent le double sens, créant une tension entre un langage visuel burlesque et un réalisme cru. Le gant, stylisé mais suggestif, est placé au cœur de l'action de manière à interpeller directement le spectateur. L'œuvre entière fonctionne comme un jeu de mots visuel, détournant un symbole urbain familier pour en faire une mise en garde contre la toxicomanie, l'imprudence et le vice glorifié. La capacité d'OG Slick à insuffler une profondeur de sens à une configuration simple est une caractéristique de son travail dans le domaine du Street Pop Art et du graffiti. Il ne donne pas de leçons ni n'édulcore les idées reçues. Au contraire, il utilise la familiarité visuelle pour désamorcer et interpeller. Format du matériau et adaptation sculpturale Ce qui distingue « Caution Bump », c’est son format. Au lieu d’être imprimée sur toile ou papier, l’œuvre est réalisée sur un véritable panneau de signalisation métallique, ce qui lui confère authenticité et une texture urbaine. La rouille, les rayures et les éraflures font partie intégrante de son esthétique : elles évoquent l’espace public, la dégradation et le langage visuel civique. En transformant un panneau destiné à la régulation en une œuvre d’art conçue pour perturber l’ordre établi, OG Slick brouille la frontière entre objet fonctionnel et déclaration culturelle. L’intégration de son motif emblématique de gant de dessin animé assure la continuité de son univers visuel tout en le réinscrivant dans un récit matériel différent. L’impression est réalisée en giclée, mais sa surface rigide et sa profondeur physique la rendent à la fois une installation de graffiti et une sculpture prête à être exposée en galerie. Message personnel et irrévérence artistique d'OG Slick OG Slick, pionnier de la culture graffiti basé à Los Angeles, insuffle son expérience personnelle à cette œuvre. Sobre depuis plus de vingt ans, Slick aborde l'imagerie de la drogue non pour la glorifier, mais pour la critiquer et la déconstruire. Son point de vue est ancré dans le vécu, tout en conservant un ton irrévérencieux et humoristique. « Caution Bump » devient une réflexion sur la perception : la façon dont les sujets graves sont souvent dissimulés sous un voile d'humour, et comment des images familières peuvent receler des implications dangereuses. Dans le Street Pop Art et le Graffiti, cet équilibre entre sincérité et sarcasme est essentiel. Slick exploite cette contradiction, utilisant la parodie et le design pour inciter le spectateur à réfléchir à deux fois avant de s'interroger sur les références. C'est un signe qui invite à la réflexion, mais aussi à la prise en compte. Un rappel, non seulement des obstacles matériels sur le chemin, mais aussi des choix, du danger et de la tendance culturelle à masquer les problèmes graves sous une apparence superficielle.

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Impression giclée en édition limitée sur papier d'art Opn Heart Care Bear par Jason Naylor, artiste de rue de la contre-culture.

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Let There Be Dark Blue PP Printers Proof Silkscreen Print by Shepard Fairey- OBEY x Niagara Hand-Pulled 3 Color on 320gsm Natural Coventry Rag Vellum Fine Art Paper Limited Edition Artwork Obey Pop Culture Artist. Épreuve d'impression PP 2019 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 24x18 Sérigraphie « J'ai choisi une image de Ron et Niagara où je les trouve tous deux magnifiques. Il y a un bel équilibre entre l'agressivité directe de Ron, dans sa pose où il fixe son adversaire droit dans les yeux, le poing levé, et l'étreinte apparemment timide de Niagara. Mais quiconque connaît Niagara sait que, derrière son air calme, elle tire les ficelles. J'ai ajouté un couteau à cran d'arrêt qu'elle caresse du doigt, pour accentuer son côté femme fatale, et parce que cela collait bien à mon idée de titre : « Bonnie et Clyde étaient des poids légers ». » - Shepard Fairey - OBEY « Que le bleu foncé soit » de Shepard Fairey : un portrait de la rébellion imprimé Shepard Fairey, l'artiste à l'origine de la marque OBEY, est une figure incontournable du street art et du graffiti. Son estampe sérigraphique « Let There Be Dark Blue PP Printer's Proof », créée en collaboration avec l'artiste Niagara, incarne avec force son style iconique et l'esprit subversif de la culture urbaine. Tirée à la main en édition limitée (2019), signée et estampillée « Épreuve d'Imprimeur », cette pièce de collection reflète la synthèse entre la sensibilité artistique de Fairey et l'esprit punk rock incarné par les figures de Ron et Niagara. L'œuvre, de 61 x 46 cm (24 x 18 pouces), est imprimée sur papier d'art vélin naturel Coventry Rag Vellum 320 g/m². Elle bénéficie du procédé de sérigraphie trois couleurs signature de Fairey, offrant un rendu net et contrasté. L'image dégage une énergie brute, le regard affirmé et le poing levé de Ron contrastant avec la présence à la fois discrète et imposante de Niagara. Fairey renforce cette dynamique en ajoutant astucieusement un couteau à cran d'arrêt, ce qui accentue le charme de femme fatale de Niagara et souligne son contrôle discret au sein de la composition. Interpréter la vision et le récit artistique de Fairey Dans « Let There Be Dark Blue », Fairey exploite la puissance de l'imagerie de la rébellion culturelle et la dichotomie entre force et subtilité. Son portrait des deux figures est imprégné d'un récit qui transcende l'estampe, suggérant une histoire de défi, de maîtrise et des complexités des dynamiques interpersonnelles. Le titre, « Let There Be Dark Blue », évoque un thème d'émergence, une rupture avec les conventions pour se réfugier dans l'ombre où prospère la contre-culture. Comme le raconte Fairey, l'idée originale du titre, « Bonnie & Clyde Were Lightweights », donne le ton à une interprétation de l'estampe comme une saga de hors-la-loi des temps modernes. Ce récit est renforcé par le fond de titres et de textes de journaux, suggérant le tumulte et le vacarme de la société sur lesquels les figures centrales se détachent avec force. À travers cette estampe, Fairey ne se contente pas de capturer l'esthétique de la scène punk rock, mais commente également l'esprit de rébellion persistant qu'elle représente. La signification de « Let There Be Dark Blue » dans le street art L'importance culturelle de « Let There Be Dark Blue » au sein de la communauté du street art est multiple. Cette estampe est un régal pour les yeux et une œuvre qui invite à la réflexion sur le rôle de l'art comme commentaire social. Le travail de Shepard Fairey est souvent associé à l'activisme social et politique, et cette estampe s'inscrit pleinement dans son œuvre, servant de support à la communication et à la réflexion. De plus, l'œuvre célèbre l'esprit de collaboration inhérent à la culture du street art. Le partenariat entre Fairey et Niagara illustre la dimension communautaire du genre, où les artistes s'unissent pour créer des œuvres qui dépassent la somme de leurs individualités. Le tirage limité et le statut d'épreuve d'artiste renforcent la valeur et l'attrait de cette estampe, capturant un instant où l'énergie de la culture urbaine se cristallise en une œuvre d'art unique et tangible. En somme, « Let There Be Dark Blue » de Shepard Fairey témoigne de la vitalité et de la puissance du pop art et du graffiti. Elle incarne la rébellion, le style et la profondeur narrative qui caractérisent le mouvement du street art, invitant le public à interagir avec une œuvre aussi stimulante intellectuellement que visuellement saisissante. À travers cette estampe, Fairey repousse sans cesse les limites du langage du street art, confirmant ainsi son statut de figure incontournable de l'art contemporain.

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Pour qui sonne le glas - Sérigraphie en édition limitée, tirée à la main en 3 couleurs rouges sur papier d'art de Russell Moore, artiste pop art célèbre et rare. Épreuve d'artiste (AP). Sérigraphie artisanale 3 couleurs, 40,6 x 50,8 cm, inspirée par Cliff Burton (Metallica) et présentée lors de l'exposition « Dead Rockstars Seattle » chez Blunt Graffix. Imprimée sur papier Cougar 100 lb.

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Dignity Nopal Rose - Estampe sérigraphique en édition limitée, 3 couleurs, tirée à la main, sur papier d'art de qualité supérieure par Ernesto Yerena. Rare œuvre d'art urbain, célèbre artiste pop. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2011. Format de l'œuvre : 11 x 14 pouces.

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L'œuvre d'art lithographique en offset « The Seeker », en édition limitée, sur papier d'art mat patiné de 80 livres, par Jeff Soto, un artiste de rue pop et de graffiti urbain. Jeff Soto est un artiste, illustrateur et muraliste dont les œuvres ont été exposées dans des galeries et des musées du monde entier. Sa palette de couleurs unique, ses sujets et sa technique trouvent un écho auprès d'un public toujours plus large et font le lien entre le pop surréalisme et le graffiti. Inspirée par la nostalgie de la jeunesse, la nature, le graffiti, le hip-hop et la culture populaire, son œuvre figurative audacieuse est à la fois accessible et stimulante.

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« Le pardon est divin », édition limitée, sérigraphie artisanale bicolore sur papier beaux-arts, par Mitch Ansara, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Ne payez jamais le prix fort pour une pizza en retard. Publicité Pizza Hut Spacesick en pop art.

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Basquiat on The Street, tirages photographiques en édition limitée sur papier beaux-arts, par Ricky Powell, artiste de rue et de graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 75 exemplaires, signée, numérotée et titrée à la main par Ricky Powell, 2020. Dimensions de l'œuvre : 20 x 15 pouces. Tirage photographique pigmentaire d'archives. Certificat d'authenticité inclus. Signé une seconde fois par Powell. « Basquiat dans la rue » est un tirage d'archive du regretté Ricky Powell, photographe de rue new-yorkais de renom qui a immortalisé la culture vibrante de la ville dans les années 1980 et 1990. Surnommé « The Rickster », Powell a photographié de nombreuses figures emblématiques du monde de la musique, de l'art et de la mode. Ce tirage met en scène le légendaire Jean-Michel Basquiat, artiste américain d'origine haïtienne et portoricaine, qui a connu la gloire dans les années 1980. L'œuvre de Basquiat est reconnue pour son style brut et expressif, ainsi que pour son regard critique sur les questions de race, de classe et de culture. Son art intègre souvent des éléments proches du graffiti, ce qui a fait de lui une figure majeure du mouvement du street art. Dans « Basquiat dans la rue », Ricky Powell capture Basquiat dans son environnement naturel, au cœur du paysage urbain qui a inspiré son art. Ce tirage d'archive a probablement été réalisé avec des matériaux de haute qualité et sans acide afin de garantir la longévité de l'image. Ces tirages sont souvent recherchés par les collectionneurs et les amateurs de l'œuvre de Basquiat et de la photographie de Powell.

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System of a Down - San Bernardino - 2021 Affiche de concert en édition limitée, sérigraphie 4 couleurs sur papier crème moucheté par Jeff Soto, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Les affiches mesurent 18” x 24” et sont des sérigraphies en édition limitée pour le concert de System of a Downs le 13 octobre à l'amphithéâtre Glen Helen de San Bernardino, en Californie.

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Hiéroglyphes modernes, graffiti, cuivre, PP, épreuve d'imprimerie, impression sur bloc de feuille d'aluminium par Mike Giant, édition limitée 1 couleur sur papier d'art Classic Crest Eggshell Neenah. Œuvre d'art pop graffiti bleu patriotique. Épreuve d'imprimeur PP 2019 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 18x24 Impression sur bloc de feuille de cuivre. « Épreuve d'impression de graffiti hiéroglyphique moderne en cuivre PP de Mike Giant » L'œuvre « Modern Hieroglyphics Graffiti Copper PP Printers Proof » de Mike Giant est une exploration introspective de la culture urbaine à travers la technique de la gravure sur feuille métallique. Cette épreuve d'artiste signée et numérotée de 2019 capture l'essence du street art et du graffiti dans une dimension qui saura séduire les collectionneurs d'art et les amateurs d'art urbain. Cette pièce en édition limitée, mesurant 45,7 x 61 cm, est une représentation unique de la vision de l'artiste, réalisée à la feuille de cuivre sur papier d'art Classic Crest Eggshell Neenah Solar White. La composition témoigne du talent reconnu de Giant pour synthétiser de nombreux symboles et icônes profondément ancrés dans la culture urbaine. La feuille de cuivre utilisée confère à l'œuvre une qualité métallique luxueuse, soulignant chaque élément d'un chatoiement qui contraste magnifiquement avec le fond bleu profond. L'utilisation d'une seule couleur met en valeur les détails complexes de l'estampe, permettant à chaque icône de se distinguer tout en contribuant à une narration cohérente. Célébrer la culture urbaine à travers l'iconographie Dans « Hiéroglyphes modernes », Mike Giant crée un véritable lexique visuel qui traduit le langage complexe de la culture urbaine en une série de symboles universellement reconnaissables. L'œuvre rappelle les hiéroglyphes anciens dans sa volonté de documenter et de communiquer par l'image ; cependant, les icônes choisies sont résolument contemporaines, reflétant l'immersion de l'artiste dans l'iconographie du skateboard, du tatouage et du graffiti. La mention « Épreuve d'imprimerie » indique un tirage utilisé pour vérifier la qualité avant le lancement de la production. Pièce rare, elle est souvent très prisée en raison de sa proximité avec l'intention originale de l'artiste. La signature et le marquage manuscrits de Giant authentifient l'originalité du tirage et son implication directe dans sa création, établissant un lien entre l'artiste et le collectionneur. L'œuvre de Mike Giant s'impose comme une affirmation audacieuse au sein du Street Pop Art, où les éléments esthétiques et thématiques du graffiti sont préservés et célébrés. Son utilisation de la technique de la gravure sur feuille métallique introduit une méthode traditionnelle dans une forme d'art moderne, faisant le lien entre les pratiques artistiques passées et présentes. L’œuvre « Hiéroglyphes modernes Graffiti Cuivre PP Épreuve d’impression » reflète la vitalité des rues et illustre le potentiel du street art à transcender ses origines et à trouver sa place au sein du récit plus large de l’art contemporain. À travers cette pièce, Giant contribue au dialogue permanent sur la place du graffiti et de la culture urbaine dans le monde de l’art, garantissant ainsi que ces voix soient non seulement entendues, mais aussi immortalisées visuellement.

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Achetez You Hesitate HPM Emblesshed Archival Pigment Fine Art Edition limitée sur papier Moab Entrada 290 g/m² par l'artiste Nicole Gordon, Street Pop Art Graffiti Legend. 2022 Signé et Numéroté Édition Limitée de 5-HPM Chaque Unique 24x24 2022 Ukraine War Protest Against Russia "Les embellissements consistent en de la peinture scintillante dans les ballons, des fleurs colorées et des pois aux couleurs du drapeau ukrainien sur la robe de la fille, et des feuilles et des branches de tournesols ont été peintes pour s'étendre jusqu'à la bordure blanche de l'imprimé." - Nicole

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