Visage & Tête
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Luke Chueh Impression d'archives Black Eye par Luke Chueh
Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée Black Eye sur papier d'art Moab 290 g/m² par Luke Chueh, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2020. Format de l'œuvre : 12 x 12 pouces. Les œuvres de Chueh ont été exposées dans des galeries du monde entier, et certaines de ses peintures ont également été réinterprétées en figurines en vinyle.
$244.00
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Shepard Fairey- OBEY AK-47 Lotus - Sérigraphie grand format
Achetez AK-47 Lotus - Grand format en édition limitée tirée à la main en sérigraphie 4 couleurs sur papier de coton Coventry Rag personnalisé par l'artiste de rue Graffiti Shepard Fairey. 2022 Édition limitée signée et numérotée de 100 exemplaires Taille 30x41 "Les sérigraphies grand format AK-47 Lotus et AR-15 Lily sont inspirées par les manifestants de la guerre du Vietnam qui mettaient des fleurs dans les canons des fusils de la Garde nationale amenés pour réprimer leurs manifestations pour la paix. Je suis un pacifiste, que ce soit cela signifie trouver des solutions diplomatiques pour prévenir et éviter la guerre au niveau international ou trouver des solutions diplomatiques pour prévenir et éviter la violence armée à la maison. Je ne suis pas contre le deuxième amendement, donc les trolls peuvent se calmer… Je ne suis pas intéressé par le bavardage macho, je viens Je veux que moins de gens meurent inutilement. Brady United fait du bon travail pour prévenir la violence armée, ils recevront donc une partie des bénéfices de ces deux tirages. Merci de votre attention." -Shepard Fairey
$4,011.00
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Dragon76 Découvrez une impression d'archives variante par Dragon76
Découvrez l'estampe d'archive Variant Archival Print de Dragon76 en édition limitée sur papier Canson Aquarelle Fine Art 310 g/m² à bords frangés, œuvre d'art moderne de style pop graffiti street artiste. Tirage signé et numéroté 2025, édition limitée à 25 exemplaires, format 24x36, pigments d'archivage, beaux-arts. Découvrez Variant : La fusion audacieuse de street art pop et de mythe moderne de Dragon76 Découvrez l'estampe Variant Archival Print de Dragon76, une œuvre emblématique du street art pop et du graffiti contemporains, qui mêle spectacle visuel et réflexion socio-environnementale. Imprimée sur papier d'art Canson Aquarelle 310 g/m² à bords frangés, cette estampe pigmentaire grand format (61 x 91 cm) est une édition 2025 signée et numérotée, limitée à 25 exemplaires. Le langage visuel immersif de Dragon76, qui mêle symbolisme futuriste, culture urbaine et mythologie de la nature, s'exprime pleinement dans cette édition collector signée à la main, transformant l'art en un vecteur de narration cinématographique. Iconographie des astronautes et paysage culturel Au cœur de Discover Variant se dresse une figure solitaire, coiffée d'un casque d'astronaute high-tech, dont l'expression est à la fois calme et résolue. Le casque est orné de graffitis, d'insignes et de références visuelles puisant dans l'iconographie orientale et occidentale. Cette fusion reflète l'hybridité culturelle de l'artiste, né à Shiga, au Japon, et actif à l'international depuis son domicile new-yorkais. Le visage dissimulé sous le casque est un avatar de l'humanité confrontée à l'inconnu, enveloppée non seulement d'une armure, mais aussi d'identité, d'histoire et de convictions. La combinaison est entourée de formes de vie aquatiques – un poisson ressemblant à une carpe koï, des coraux et des vagues – mêlant l'exploration spatiale aux mystères des profondeurs marines. Il en résulte une construction onirique qui se lit à la fois comme une fresque, une peinture et une image cinématographique. La couleur comme récit, la composition comme énergie Dragon76 est reconnu pour ses palettes de couleurs explosives et son utilisation des dégradés pour créer une ambiance et structurer l'espace narratif. « Discover Variant » utilise un fond bicolore, mêlant un rouge-orangé flamboyant et un bleu océan électrique. Ces tons complémentaires ne se contentent pas de s'équilibrer : ils dynamisent l'œuvre, rendant le mouvement palpable. L'intensité holographique des poissons, la tension ondulante de l'eau et les textures mécaniques de l'équipement de l'astronaute sont minutieusement superposés grâce à des techniques de dessin numérique et de peinture traditionnelle. L'impression sur papier Canson Aquarelle haut de gamme à bords frangés confère à l'œuvre une dimension tactile qui participe à sa narration. Elle élève l'énergie brute de l'œuvre au rang d'œuvre d'art digne d'un musée. Le rôle de Dragon76 dans le graffiti moderne et l'art de la culture pop La réputation internationale de Dragon76 repose sur sa fusion d'afrofuturisme, de cyberpunk, de manga et de calligraphie urbaine. Qu'il s'agisse de fresques monumentales ou de tirages d'art exclusifs, son œuvre aborde l'urgence climatique, l'unité interculturelle et les futurs possibles. « Discover Variant » se situe au carrefour de ces thèmes, faisant écho à la puissance du graffiti traditionnel tout en exploitant le potentiel narratif des technologies modernes et du folklore. L'artiste, dont le véritable nom n'est pas divulgué, demeure une figure incontournable de la diffusion de la culture graffiti dans les galeries, l'estampe et les collaborations internationales. Dans cette édition limitée à 25 exemplaires, chaque tirage « Discover Variant » devient une pièce rare d'art urbain pop et de graffiti, transcendant les genres, les frontières et les formats.
$550.00
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Marly Mcfly Radiate HPM Mixed Media Wood Print par Marly Mcfly
Radiate Hand-Painted Multiple (HPM) Acrylique, peinture en aérosol et encre sur panneau de bois prêt à être accroché par Marly Mcfly Artiste de rue graffiti Art pop moderne. Édition limitée 2021 signée et numérotée à 8 exemplaires. Œuvre HPM, format 18x18 pouces. Édition signée de 8 exemplaires. Acrylique, peinture aérosol et encre sur panneau de bois. Dimensions : 45,7 x 45,7 cm. Sortie : 26 juillet 2021.
$589.00
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Naoto Hattori Enquête sur l'esprit Giclee Print par Naoto Hattori
Investigation of Mind, œuvre d'art giclée en édition limitée, impression surréaliste sur papier d'art 100% coton, par l'artiste de graffiti pop culture Naoto Hattori.
$211.00
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Shepard Fairey- OBEY Dignité universelle
Achetez Universal Dignity 4-Color Hand-Pulled Limited Edition Silkscreen Print on Cream Speckle Tone Paper par Shepard Fairey Rare Street Art OBEY Pop Artwork Artist. Édition limitée signée 2022. 18 pouces x 24 pouces Edition de 600 3 juin 2022 "L'imprimé "Dignité universelle" vise à promouvoir la paix, l'égalité et l'humanité. J'aimerais voir une hypothèse fondamentale selon laquelle TOUTES les personnes méritent le respect et la dignité humaine. Cela s'applique à la signification universelle de la dignité, à valoriser et à respecter. pour ce que vous êtes, ce en quoi vous croyez et comment vous vivez votre vie. Je me considère comme un citoyen du monde, et bien que je pense que les nations remplissent une fonction structurelle, tous les gens devraient être égaux, et la vie de chacun compte de la même façon, peu importe où ils vivent." -Shepard Fairey
$672.00
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D*Face- Dean Stockton Dog Save The Queen Sculpture par D * Face - Dean Stockton
Buste en résine polystone édition limitée « Dog Save The Queen », œuvre d'art de l'artiste de rue graffiti moderne D*Face. Présenté avec boîte Pour célébrer le 95e anniversaire de Madge, StolenSpace est fier de présenter une édition très limitée de la toute dernière sculpture issue de la collaboration entre D*Face et Medicom Toys. Mesurant 38 cm (15 pouces), cette sculpture en polystone de haute qualité est une création de Perfect Studio. Chaque pièce est présentée dans un coffret spécialement conçu. « Dog Save The Queen » est une sculpture de l'artiste britannique contemporain Dean Stockton, plus connu sous le nom de DFace. DFace est reconnu pour ses graffitis, peintures et sculptures qui intègrent souvent des éléments de la culture pop et des commentaires sociaux. Fortement influencé par le street art, le punk et la culture du skateboard, son travail a été comparé à celui d'autres artistes de rue célèbres comme Banksy et Shepard Fairey. La sculpture « Dog Save The Queen » propose une interprétation originale du symbole britannique emblématique, l'Union Jack. L'œuvre met en scène un bouledogue, race couramment associée à l'identité britannique, symbolisant la reine d'Angleterre, Élisabeth II. Le titre de l'œuvre est un jeu de mots avec l'expression « God Save the Queen », hymne national britannique et cri de ralliement pour la monarchie. La sculpture « Dog Save The Queen » de DFace représente le commentaire de l'artiste sur l'identité britannique, le patriotisme et le rôle de la monarchie dans la société moderne. À travers l'utilisation du bouledogue, de l'Union Jack et de la couronne, DFace met en lumière l'imbrication de ces symboles dans la conscience collective britannique. Le titre ludique et la représentation du bouledogue suggèrent une approche ironique de ces thèmes, invitant les spectateurs à s'interroger sur leur propre conception de l'identité britannique et de la monarchie.
$2,553.00
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Naoto Hattori Souvenir 07 Giclee Print par Naoto Hattori
Recollection 07 Œuvre d'art Giclée en édition limitée, impression surréaliste sur papier d'art 100% coton, par l'artiste de graffiti de la culture pop Naoto Hattori.
$211.00
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Frank Kozik VINYLSCULPTURE Sculpture en Vinyle par ARTIST
Achetez SCULPTURE Edition Limitée Modern Pop Graffiti Street Art Artwork. 2022 SIGNÉ? & Edition Limitée Numérotée de XXX Artwork Sculpture Taille XXXX INFO
$608.00
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Shepard Fairey- OBEY Impression typographique Confrontation par Shepard Fairey - OBEY x Dennis Morris
Confrontation - Bob Marley - Estampe typographique en édition limitée, imprimée à la main en une couleur sur papier crème moucheté par Shepard Fairey - Œuvre d'art urbain rare - OBEY Pop Artwork Artiste. 40,6 cm x 49,5 cm. Édition limitée à 450 exemplaires. 19 mai 2021. Cette série d'estampes, réalisée en collaboration avec le photographe Dennis Morris, commémore le 40e anniversaire de la disparition de Bob Marley. Elle illustre l'incroyable complexité de la personnalité de Marley : le philosophe, le militant engagé pour la justice et le messager d'amour et de fraternité. Bob
$384.00
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Sandra Chevrier SÉRIGRAPHIE Sérigraphie par ARTIST
Achetez TITLE Sérigraphie 4 couleurs tirée à la main sur une œuvre d'art Pop Street Art en édition limitée MEDIUM. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO
$1,437.00
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Pesimo Peinture en aérosol Pesimo Bishop Violet par Montana MTN
Pesimo - Bishop Violet Édition Limitée Rare Bombe de Peinture Collaboration du célèbre fabricant de peinture graffiti Montana MTN. Pesimo est un artiste de rue péruvien de renom. Depuis 1998, il orne les murs de sa ville et son travail est reconnu tant localement qu'internationalement. En 2001, il étudie à l'École nationale des beaux-arts et devient le premier graffeur à exposer dans une galerie péruvienne. Son entrée dans le monde de l'art contemporain et son travail acharné lui ont permis de participer à de nombreux festivals et événements à travers le monde, faisant de lui une figure incontournable de l'art urbain en Amérique latine et un symbole de la scène émergente de l'art urbain au Pérou.
$218.00
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Pat Riot Alcides Escobar WWI Soldier Royals Original Collage Baseball Card Art par Pat Riot
Alcides Escobar/ Soldat de la Première Guerre mondiale - Royals. Collage unique, embelli à la main, technique mixte sur carte de baseball vintage par Pat Riot. Œuvre originale estampillée de 2014, technique mixte superposée sur une véritable carte vintage Topps de la MLB, avec un style pop art inspiré d'Alcides Escobar/Soldat de la Première Guerre mondiale - Royals
$24.00
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Max Sansing Ready for the World Gameface Impression giclée par Puma x Max Sansing
Ready for the World Gameface Impression giclée par Puma x Max Sansing Œuvre d'art en édition limitée encadrée sur papier d'art vélin Artiste de rue graffiti pop. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2021. Œuvre d'art de 61 x 61 cm (24 x 24 pouces) de la marque Puma Clothing Company. Encadrée. Pliure dans le coin supérieur gauche ; légères marques de pliure sur le bord gauche. Ready for the World Gameface par Puma x Max Sansing – Identité athlétique dans le style street art pop et graffiti « Ready for the World Gameface » est une estampe giclée en édition limitée de 2021, fruit d'une collaboration entre la marque de vêtements de sport internationale Puma et l'artiste américain Max Sansing. Tirée à 50 exemplaires signés et numérotés, cette œuvre est imprimée sur papier d'art vergé et encadrée (61 x 61 cm). Reconnu pour son art qui mêle portrait artistique et esthétique urbaine, Max Sansing insuffle à cette composition un message d'émancipation, de concentration et de transformation. Le motif circulaire s'articule autour d'une image hybride et dynamique : un visage humain se confond avec la silhouette d'une panthère noire, symbole de puissance, de vigilance et de grâce. Les inscriptions « Ready for the World » et « Game Face » entourent cette image, symbolisant la préparation au défi, la résilience et la présence. La palette de couleurs saisissante, les transitions subtiles et les dégradés texturés témoignent de la formation de Sansing en art mural et en techniques picturales traditionnelles. Armure visuelle et équilibre émotionnel par la couleur et la forme Le motif central – une figure masquée et fusionnée avec la panthère – évoque les thèmes de la dualité et de la préparation psychologique. Sansing utilise des aplats de couleurs aux contours nets, des néons éclatants et des ombres à fort contraste pour illustrer la préparation mentale et spirituelle d'un individu face au monde extérieur. Le regard du sujet, fixé droit devant lui sous la carapace protectrice du visage de la panthère, suggère une fusion entre clarté intérieure et force extérieure. Chaque couche de couleur agit comme une armure, contribuant à une représentation visuelle de l'évolution personnelle. L'œuvre s'adresse directement à la culture sportive, à l'identité urbaine et à la persévérance mentale, ce qui en fait un vecteur narratif idéal dans l'univers du street art et du graffiti. Elle relie le langage urbain des fresques murales aux messages véhiculés par les vêtements de marque. Intégrité de surface, encadrement et précision d'impression Imprimée selon la technique de l'impression giclée haute fidélité, l'œuvre conserve toute la vivacité et la finesse picturale du dessin original de Sansing. Le papier d'art vergé offre une saturation d'encre riche et des transitions nettes entre les aplats de couleur. Encadrée et conservée, l'estampe présente un léger pli dans l'angle supérieur gauche et de subtiles marques sur les bords, qui n'altèrent en rien l'impact visuel de la composition. Au contraire, ces imperfections renforcent sa matérialité, l'ancrant dans la réalité tactile de l'art imprimé, à la fois objet de collection et témoignage. Le format circulaire invite le regard du spectateur à se déplacer à l'intérieur de l'œuvre, à l'image de la répétition intérieure de la préparation mentale – le rituel de se mettre en condition, au sens propre comme au figuré. Max Sansing et l'énergétique de la résilience dans l'iconographie urbaine contemporaine Max Sansing s'affirme comme une figure incontournable du street art et du graffiti, mêlant techniques artistiques, philosophie urbaine et perspicacité sociale. Sa capacité à exprimer une complexité émotionnelle à travers des choix de couleurs audacieux et un symbolisme culturel riche distingue son œuvre des créations purement décoratives ou illustratives. « Ready for the World Gameface » est bien plus qu'une simple campagne publicitaire pour une marque sportive : c'est un manifeste sur l'identité visuelle, l'épanouissement personnel et la discipline nécessaire pour affronter la vie publique avec une sérénité intérieure. Grâce à cette collaboration avec Puma, Sansing fait dialoguer le langage de la rue avec la culture athlétique, créant une œuvre empreinte de force, d'intention et de style. L'estampe n'est pas seulement une source d'inspiration visuelle, mais aussi une représentation de la fusion entre récit personnel et expression publique dans l'art contemporain.
$500.00
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Gats- Graffiti Against The System Sérigraphie variante « Passage du temps » par Gats - Graffiti contre le système
Passage of Time - Variant Silkprint by Gats - Graffiti Against The System - Tirage à la main sur papier d'art - Édition limitée. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, variante verte, 2023. Œuvre d'art de format 18 x 24 pouces. Sérigraphie Sérigraphie de Gats « Passage du temps » (variante) « Passage du Temps » – Variante de Gatsby, artiste reconnu pour sa contribution au street art et au graffiti, est une sérigraphie en édition limitée de 2023. Cette variante verte fait partie d'une série exclusive, numérotée et signée, limitée à 50 exemplaires. Tirée à la main sur papier d'art, cette œuvre de 45,7 x 61 cm offre aux collectionneurs une pièce unique qui capture l'essence même de l'écoulement inexorable du temps. Le travail de Gatsby mêle généralement imagerie iconique et éléments symboliques, explorant souvent les thèmes de l'identité, de la résistance et de l'expérience humaine dans le paysage urbain. Cette pièce s'inscrit dans cette tradition, offrant un récit visuel profond sur la nature éphémère de la vie et l'impact durable de l'art.
$347.00
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Kevin Stanton Impression giclée HPM découpée à la main Rita Gold par Kevin Stanton
Impression giclée à la peinture en aérosol HPM découpée à la main Rita Gold par Kevin Stanton. Œuvre d'art en édition limitée sur papier d'art à paillettes superposées. Impression embellie à la main. Artiste de rue graffiti pop. 2013. Œuvre d'art en édition limitée à 4 exemplaires, signée et numérotée, réalisée à la peinture en aérosol, sur papier pailleté et ornée de paillettes. Découpée à la main. Impression giclée HPM. Collage sur papier doré représentant la femme Amara Karan (Inde) et le film « The Darjeeling Limited ». Style stylisé. « Rita Gold » de Kevin Stanton : une harmonie entre tradition et innovation L'œuvre « Rita Gold » de Kevin Stanton est une expression profonde de créativité et un hommage culturel à la scène artistique moderne, notamment aux genres du Street Pop Art et du graffiti. Il s'agit d'une impression giclée HPM (multiple peint à la main) découpée à la main. Cette édition limitée fusionne les techniques traditionnelles de découpage de papier avec la modernité de la peinture aérosol et le luxe d'un collage de papier doré. Lancée en 2013, « Rita Gold » est une série exclusive de seulement quatre exemplaires signés et numérotés. Chaque pièce mesure 29,8 x 40 cm et est présentée sur un papier d'art pailleté multicouche, rehaussé à la main par l'artiste. L'œuvre reflète la maîtrise du découpage de papier de Stanton, un aspect fondamental de son parcours artistique qui influence son approche systématique de la composition : la forme et la silhouette priment sur le détail du trait. Capturer l'essence culturelle à travers l'art du papier découpé « Rita Gold » célèbre l’esthétique indienne à travers le portrait stylisé d’une femme dont le regard et la posture dégagent une sérénité contemplative. L’utilisation par Stanton de collages de papier doré, rehaussés d’embellissements à la main, sublime l’œuvre et lui confère une profondeur tactile impossible à reproduire par le seul biais numérique. Le contraste entre les éléments dorés réfléchissants et les textures mates du fond peint à la bombe crée une expérience visuelle dynamique qui invite le spectateur à une contemplation plus profonde. La composition en couches de l’œuvre rend hommage à la complexité de la culture indienne et à la richesse de sa palette de symboles, de couleurs et de références historiques. L’œuvre de Stanton explore la narration par le biais d’indices visuels, où chaque découpe et chaque nuance sont des choix délibérés visant à transmettre du sens et à susciter la réflexion. Fusion des beaux-arts et de la sensibilité du street art Le street art et le graffiti se caractérisent souvent par leur accessibilité et leur immédiateté vibrante, qualités que Kevin Stanton intègre avec brio dans « Rita Gold ». En choisissant un format réduit et une série en édition limitée, Stanton fait le lien entre l'univers généralement vaste et ouvert du street art et l'exclusivité et l'intimité des beaux-arts. Cette œuvre incarne la polyvalence et l'adaptabilité des influences du street art lorsqu'elles sont mises en valeur par un artiste qui respecte l'histoire du médium tout en repoussant ses limites. Les éléments découpés à la main et l'application de la peinture en aérosol rappellent les techniques de pochoir et de bombe aérosol des graffeurs, mais le résultat final est plus délicat et raffiné. Kevin Stanton : Un artiste de précision et de passion L'engagement de Kevin Stanton envers son art transparaît dans l'exécution méticuleuse et la présentation soignée de « Rita Gold ». Son attachement à fusionner les formes artistiques traditionnelles et les techniques modernes confère à son œuvre une singularité remarquable dans le paysage foisonnant de l'art contemporain. Le tirage limité de cette série d'estampes souligne l'exclusivité et le caractère unique de son travail, faisant de chaque pièce non seulement un spectacle visuel, mais aussi un objet de collection. « Rita Gold » de Stanton est bien plus qu'une simple estampe ; elle témoigne du pouvoir de l'art à transcender les barrières culturelles et à toucher un public universel. Cette estampe demeure une œuvre captivante au sein du travail de Stanton, saisissant l'essence du street art et du graffiti à travers un regard unique, à la fois novateur et respectueux de ses diverses influences.
$163.00
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Nick Derington Un robot au repos Giclee Print par Nick Derington
« Un robot au repos », œuvre d'art en édition limitée, impression giclée sur papier aquarelle beaux-arts, par Nick Derington, artiste de graffiti pop culture. OBJECTIF SUPPLÉMENTAIRE KICKSTARTER ! « Un robot au repos » est une impression giclée de qualité archive 8x10, sur papier aquarelle naturel pressé à froid, signée et numérotée par Nick Derington.
$103.00
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Sheefy McFly- Tashif Turner Actions Speak Louder Sérigraphie par Sheefy McFly - Tashif Turner
Actions Speak Louder, sérigraphie en édition limitée tirée à la main en 12 couleurs sur papier Coventry Rag 320 g/m² avec revêtement UV, par Sheefy McFly, artiste de street art rare et célèbre du pop art. Édition limitée à 150 exemplaires, signée et numérotée, 2021. Sérigraphie 12 couleurs sur papier Coventry Rag 320 g/m² avec vernis UV. Dimensions de l'œuvre : 43,5 x 54 cm. « Actions Speak Louder » s'impose comme une illustration éclatante de l'esthétique unique de Sheefy McFly, qui fusionne harmonieusement les univers du street art et du pop art. Sortie en 2021, cette œuvre en édition limitée se distingue par son éclat exceptionnel. Il s'agit d'une sérigraphie artisanale en 12 couleurs sur papier Coventry Rag 320 g/m², sublimée par un vernis UV qui garantit la longévité et la vivacité des couleurs. Mesurant 110,5 x 137 cm, chaque exemplaire de cette édition limitée à 150 exemplaires est signé et numéroté par l'artiste, ce qui renforce sa valeur de collection. L'œuvre de McFly est reconnue pour son langage visuel énergique, reflet du dynamisme de la vie urbaine. Son utilisation d'une palette riche et la superposition subtile des couleurs reflètent la complexité et l'entrelacement des récits qui composent les paysages urbains. L'application d'un vernis UV protège non seulement l'œuvre, mais lui confère également une texture et un éclat supplémentaires, enrichissant ainsi la perception du spectateur quant à l'interaction des couleurs et des formes. Dans « Actions Speak Louder », l'artiste exprime une cacophonie d'émotions et un commentaire social à travers le chaos des couleurs et l'expressivité de figures abstraites. Ces éléments s'unissent pour captiver et stimuler le regard du spectateur, mais aussi pour susciter la réflexion et le débat sur les problématiques contemporaines reflétées dans le street art. L'œuvre de McFly dépasse la simple décoration ; c'est un dialogue visuel, invitant à des interprétations aussi diverses que son public. Sheefy McFly s'est imposé comme une figure majeure du monde de l'art, ses œuvres étant très appréciées tant par les amateurs de street art que par les collectionneurs de pop art. « Actions Speak Louder » témoigne de son talent pour synthétiser couleur, ligne et forme afin de créer une estampe qui est à la fois un régal pour les yeux et une source d'inspiration, incarnant l'essence même de ce qui rend le street art et le pop art si pertinents dans la culture moderne.
$771.00
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Pat Riot Pujols Braun Managers Dream Twins Original Collage Baseball Card Art par Pat Riot
Pujols Braun Managers Dream/TwinsCollage unique orné à la main, technique mixte sur carte de baseball vintage par Pat Riot. Carte vintage Topps MLB authentique, estampée et réalisée en technique mixte (2014) avec des motifs pop art (Pujols Braun Managers Dream/Twins, Brewers, Cardinals).
$24.00
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Charmaine Olivia Heavenfaced Giclee Print par Charmaine Olivia
Œuvre d'art Heavenfaced, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti pop culture Charmaine Olivia. Édition limitée à 350 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Format de l'œuvre : 8,5 x 11 pouces.
$134.00
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Kunstrasen S'imprégner d'art quand on le peut CMJN PP Sérigraphie par Kunstrasen
Imprégnez-vous d'art quand vous le pouvez. Impression sérigraphique CMJN PP par Kunstrasen Printers. Épreuve tirée à la main, 6 couleurs sur papier d'art Somerset 300 g/m². Œuvre d'art en édition limitée. Épreuve d'imprimeur PP 2018 Signée et marquée P/P Édition limitée Œuvre d'art Taille 19,68x27,56 Impression sérigraphique. « Soak Up Art When You Can CYMK PP » est une sérigraphie de Kunstrasen qui invite à la réflexion. Son œuvre fusionne avec fluidité l'esthétique du street art et du graffiti. Créée en 2018, cette épreuve d'artiste (E/A) est un exemplaire unique, généralement réservé à l'approbation de l'artiste avant le tirage final. Ce statut confère aux E/A une valeur particulière, de par leur rareté et leur importance dans l'art de l'estampe. Tirée à la main selon une technique traditionnelle, chaque exemplaire est unique. Sur un papier d'art Somerset 300 g/m², réputé pour sa qualité et sa texture exceptionnelles, l'œuvre arbore une palette vibrante de six couleurs, accentuant la profondeur visuelle. Le choix du modèle colorimétrique CMJN, pilier de l'impression, établit un lien subtil entre la technique de la gravure et l'expérience sensorielle de la contemplation artistique. Les dimensions de l'œuvre, 50 x 70 cm, offrent un support idéal à la vision de l'artiste. Le jeu saisissant des aplats de couleur et de la figure représentée invite à la réflexion sur le rôle de l'art dans les espaces publics et privés. Intitulée de façon significative « Soak Up Art When You Can » (S'imprégner d'art quand on le peut), cette estampe se veut à la fois un manifeste et une réflexion sur la nature éphémère du street art et sur l'importance de s'intéresser à l'art sous toutes ses formes. L'œuvre est une explosion de couleurs, au sens propre comme au figuré, sur un fond structuré en CMJN, suggérant le pouvoir transformateur de l'art à perturber et à dynamiser le quotidien. La silhouette de la figure se détachant sur les larges éclaboussures de peinture rappelle la spontanéité du graffiti, tandis que la composition structurée évoque la précision calculée du pop art. L'œuvre de Kunstrasen se situe souvent dans cette dualité, explorant les nuances entre artifice maîtrisé et créativité impulsive. Pour les amateurs et les collectionneurs, posséder une œuvre comme « Soak Up Art When You Can CYMK PP » revient à détenir un instantané de l'engagement critique de l'artiste envers le monde. Cette œuvre symbolise le dialogue permanent entre la rue et la galerie.
$951.00
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Tristan Eaton Lithographie monochrome commémorative du 20e anniversaire de Dunny, par Tristan Eaton
Lithographie monochrome Dunny Kidrobot 20e anniversaire par Tristan Eaton sur papier beaux-arts, édition limitée, œuvre d'art graffiti street pop. Édition limitée à 150 exemplaires, signée par l'artiste (2024). Format : 18 x 24 pouces. Impression anniversaire Dunny x Kidrobot x Tristan Eaton. Lithographie monochrome du 20e anniversaire de Dunny Kidrobot par Tristan Eaton La lithographie monochrome Dunny Kidrobot du 20e anniversaire, signée Tristan Eaton, est une œuvre visuelle audacieuse et intemporelle, fruit de l'une des voix les plus influentes du street art et du graffiti. Créée en 2024 pour commémorer vingt ans de présence de Kidrobot, pionnier des jouets design et de la culture urbaine des objets de collection, cette lithographie en édition limitée (45,7 x 61 cm) mêle design et narration, abstraction et portrait, identité et iconographie. Chaque exemplaire est signé et estampillé par l'artiste. Tirée à 150 exemplaires, cette édition témoigne du talent d'Eaton pour conjuguer portée culturelle et élégance graphique. Tristan Eaton et l'évolution des toilettes publiques Depuis sa création, Tristan Eaton est une figure emblématique de l'univers Kidrobot, ayant joué un rôle déterminant dans la définition de l'identité esthétique de sa figurine la plus iconique : le Dunny. Cette œuvre commémorative fait le lien entre son passé et son présent, rendant hommage à l'héritage du Dunny, à la fois jouet et support d'expression. La partie gauche de l'estampe présente une abstraction géométrique de la silhouette du Dunny, rendue par des zigzags et des motifs circulaires en noir et blanc à fort contraste, formant un motif hypnotique qui évoque le rôle de l'objet dans la culture du remix et l'identité modulaire. En parcourant la composition du regard, la partie droite révèle un portrait détaillé en niveaux de gris d'une figure féminine inspirée du design du milieu du XXe siècle, peint avec le réalisme et l'émotion caractéristiques d'Eaton. La juxtaposition de ce visage doux et cinématographique avec les lignes franches et le chaos symbolique de la forme du Dunny sert de métaphore à la fusion entre design conceptuel et narration pop culture – une tension qui définit l'influence de Kidrobot sur le streetwear, les art toys et l'art underground depuis vingt ans. Tensions de conception et commentaires culturels Cette composition monochrome en deux parties n'est pas qu'un choix esthétique, mais une véritable affirmation artistique. La géométrie audacieuse du Dunny sert à la fois de cadre et de masque, superposant histoire, nostalgie et réflexion sur l'identité de la marque au portrait classique d'Eaton. L'utilisation du noir et blanc restreint le langage visuel à la forme, au contraste et à la profondeur, concentrant l'attention du spectateur sur le mouvement, la silhouette et l'atmosphère. La ligne blanche unificatrice qui souligne le Dunny sur les deux faces attire le regard et fait le lien entre les deux univers, à l'image de la manière dont Kidrobot a fusionné la mode, les jouets et l'art par la collaboration et l'innovation. Imprimée sur papier d'art selon des techniques lithographiques de qualité muséale, cette œuvre s'impose à la fois comme objet de collection et comme pièce d'exposition digne d'une galerie. Sa production soignée et son exécution impeccable témoignent de la précision avec laquelle Eaton aborde son art, même lorsqu'il est plongé dans un monde marqué par la brutalité et le chaos urbains. Un hommage à deux décennies de culture du design La lithographie monochrome Dunny Kidrobot, commémorant le 20e anniversaire de la marque, est bien plus qu'un simple hommage à Kidrobot : elle retrace une révolution esthétique. Kidrobot a redéfini la notion d'objets de collection, à la croisée de la culture urbaine et des beaux-arts, et Tristan Eaton demeure l'un de ses plus importants conteurs visuels. Tirée à seulement 150 exemplaires, chacun signé et estampillé par Eaton, cette œuvre d'art constitue une pièce rare dans l'histoire de l'art visuel contemporain. Elle est à la fois un récit graphique et un symbole élégant et sophistiqué du chemin parcouru par le graffiti et la culture du jouet, et de leur évolution future.
$215.00
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Sket-One Phase 1 PP Tirage d'archive par Sket-One
Phase 1 PP Épreuve d'impression d'archives par Sket-One Tirage en édition limitée sur papier d'art de musée 310 g/m² Œuvre d'art moderne d'artiste pop. Épreuve d'imprimeur PP 2016 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Taille 24x13 Pigment d'archivage Beaux-Arts Phase 1 Coloris Arc-en-ciel Coulures colorées Visage souriant. « Phase1 PP Printer Proof » de Sket-One : une symphonie chromatique dans le pop art urbain « Phase1 PP Épreuve d'Imprimeur » de Sket-One représente une fusion saisissante entre le street art, le graffiti et l'esthétique vibrante du pop art. Cette édition limitée, imprimée sur papier d'art de qualité musée 310 g/m², met en lumière la capacité de Sket-One à manipuler la couleur et la forme pour créer une œuvre visuellement captivante. Signée et marquée « Épreuve d'Imprimeur » de 2016, elle capture l'essence de la philosophie artistique de Sket-One, alliant le dynamisme du street art à la finition soignée du pop art moderne dans une œuvre unique et fascinante. Les dimensions de « Phase1 » (61 x 33 cm) offrent un large espace à la palette chromatique de Sket-One, un spectre à la fois prouesse technique et régal pour les yeux. Sa technique de coulures colorées confère à l'œuvre mouvement et fluidité, suggérant un instant figé où les couleurs se fondent les unes dans les autres. Ce mouvement est juxtaposé à l'emblématique smiley, motif indissociable du travail de l'artiste. Le smiley de cette œuvre est déconstruit, ses éléments dispersés dans la composition, jouant avec la perception du spectateur et l'invitant à le reconstituer visuellement. Le pigment d'archivage utilisé dans « Phase 1 » garantit que les couleurs de l'estampe restent aussi vives et percutantes qu'au jour de son impression. Cette encre de haute qualité et ce papier beaux-arts assurent longévité et résistance aux intempéries, un critère essentiel pour les collectionneurs et les amateurs de street art et de graffiti. La mention « PP » est cruciale, car les épreuves d'imprimerie sont souvent considérées comme plus précieuses que les estampes standard en raison de leur nombre limité et de leur rôle dans le processus d'impression. Le travail de Sket-One a toujours été à l'avant-garde du street art, un genre qui emprunte à l'iconographie et à l'accessibilité de la culture populaire et les imprègne de l'énergie brute du street art. « Phase 1 » ne fait pas exception. C'est une affirmation audacieuse de la maîtrise de l'artiste sur son médium et de sa volonté de repousser les limites du possible dans le cadre de l'estampe. Cette œuvre reflète non seulement le talent artistique de Sket-One, mais aussi le mouvement plus large du pop art urbain, qui ne cesse de remettre en question et de redéfinir les limites de l'art contemporain. « Phase 1 PP Printer Proof » de Sket-One symbolise le pouvoir transformateur du pop art urbain et du graffiti. Elle témoigne de la vision de l'artiste et de sa contribution à l'évolution de ces genres. L'estampe instaure un dialogue entre l'artiste et le public. Cette exploration colorée fait le lien entre l'esprit rebelle du street art et l'expérience muséographique traditionnelle. De ce fait, elle constitue à la fois une œuvre d'art moderne précieuse et un apport stimulant au discours sur le pop art et le street art au XXIe siècle.
$845.00
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Pat Riot Kelly Shoppach Masked Villain Rays Original Collage Baseball Card Art par Pat Riot
Kelly Shoppach/Masked Villain - Rays - Collage unique orné à la main, technique mixte sur carte de baseball vintage par Pat Riot. Œuvre originale de 2014, technique mixte superposée sur une véritable carte vintage MLB Topps, avec un style pop art inspiré de : Kelly Shoppach/Masked Villain - Rays
$24.00
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Alex Garant Un autre crépuscule - Duo Giclee Print par Alex Garant
Another Dusk - Duo Pop Street Artwork, édition limitée, impression giclée sur papier d'art de l'artiste moderne Alex Garant. Édition limitée 2022 signée 12x18 à 25 exemplaires, finition mate et variante duo gaufrée « Another Dusk » d'Alex Garant : une vision du pop art urbain « Another Dusk » d'Alex Garant est une incarnation fascinante du Street Pop Art contemporain. Ce genre combine l'énergie brute du street art et du graffiti avec l'imagerie audacieuse caractéristique du pop art. Cette édition limitée, imprimée en giclée sur papier d'art de haute qualité, capture l'essence de l'approche unique de Garant en matière d'art moderne, où les frontières traditionnelles entre culture populaire et culture savante sont non seulement floues, mais aussi profondément imbriquées et redéfinies. Sortie en 2022, « Another Dusk » témoigne de la maîtrise de Garant en matière d'effets visuels et de profondeur émotionnelle. Limitée à seulement 25 exemplaires, chaque pièce est méticuleusement signée par l'artiste, ajoutant une touche personnelle précieuse pour les collectionneurs et les amateurs de pop art inspiré du street art. Ses dimensions de 30 x 45,7 cm offrent une expérience visuelle intime, tandis que la finition mate et la variante en relief de l'impression accentuent le jeu de textures de l'œuvre. Le sujet, représenté dans le style caractéristique de Garant, résonne d'une duplicité troublante, invitant les spectateurs à regarder au-delà des apparences et à s'intéresser aux couches de sens sous-jacentes. La signature artistique d'Alex Garant dans « Another Dusk » Le talent d'Alex Garant s'exprime avec éclat dans « Another Dusk ». Surnommée la « Reine des Yeux Doubles », Garant crée souvent des œuvres mettant en scène des sujets aux yeux ou traits du visage multiples, interrogeant la perception du spectateur et évoquant un sentiment de mouvement et de fluidité. Cette œuvre ne fait pas exception ; elle présente un portrait à la fois familier et troublant, une signature de son travail. La duplication de l'image crée un effet hypnotique, un écho visuel symbolisant les multiples facettes de l'identité et la complexité des émotions humaines. Le procédé d'impression giclée d'« Another Dusk » garantit une reproduction d'une qualité exceptionnelle, capturant les subtiles nuances de couleurs et les détails caractéristiques des peintures originales de Garant. Cette technique, associée à l'approche singulière de l'artiste en matière de portrait, inscrit résolument l'œuvre dans le discours du pop art et du street art contemporains. L'œuvre de Garant est plus qu'une simple déclaration visuelle ; c'est un dialogue avec le spectateur, l'invitant à une réflexion silencieuse sur la nature du regard et de l'expérience d'être vu. Résonance culturelle de « Another Dusk » dans le street art pop et le graffiti « Another Dusk » trouve un écho profond dans le contexte culturel du Street Pop Art et du graffiti. L'utilisation par Garant des techniques et de l'esthétique du street art au sein d'une œuvre d'art contemporain illustre la nature évolutive du pop art. C'est un hommage direct aux graffeurs qui, depuis longtemps, investissent l'espace public pour exprimer leurs visions artistiques, remettant souvent en question les normes et les attentes de la société. Dans cette édition limitée, Garant canalise ce même esprit de rébellion et de subversion, transformant un portrait classique en une œuvre à la fois énigmatique et accessible. De plus, le titre de l'œuvre, « Another Dusk », suggère les thèmes de la transition et de la réflexion. Les heures du crépuscule, souvent propices à l'introspection, sont parfaitement saisies dans la dualité de l'expression du portrait. L'œuvre de Garant invite le spectateur à contempler les moments de transition de la vie, le jeu de la lumière et de l'ombre, et la nature multiforme de l'être. « Another Dusk » n'est pas seulement une œuvre d'art ; c'est une exploration visuelle des états transitoires qui définissent l'expérience humaine. Dans le paysage de l'art moderne, « Another Du » d'Alex Garant illustre avec brio comment le street art, le pop art et le graffiti peuvent atteindre de nouveaux sommets. Par son utilisation novatrice de la double image et la résonance émotionnelle de ses sujets, Garant invite le spectateur à une approche plus profonde de l'art. Cette édition limitée, imprimée en giclée, est une affirmation audacieuse de l'artiste, capturant la beauté éphémère du crépuscule et la dualité de l'âme humaine. Avec son format intimiste, sa finition mate et ses détails en relief, « Another Du » est bien plus qu'une œuvre d'art : c'est un sujet de conversation qui continue d'éclairer le visage en constante évolution de l'art contemporain.
$217.00
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Nate Duval Paon 2- Rétro
Achetez Peacock 2 - Sérigraphie 5 couleurs rétro tirée à la main sur papier d'art par l'artiste Nate Duval en édition limitée Pop Art. 2014 Signé et numéroté édition limitée de 100 oeuvre taille 8 x 10
$180.00
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Denial- Daniel Bombardier Et puis les choses se sont améliorées - Impression pigmentée d'archivage de printemps
Et puis les choses se sont améliorées - Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée pour le printemps sur papier beaux-arts 330 g/m² par Denial Graffiti Street Artist Modern Pop Art. Édition limitée 2021 signée et numérotée à 25 exemplaires. Format de l'œuvre : 24 x 24. Variante printemps. Et puis les choses se sont améliorées – Édition de printemps par Denial dans le domaine du street art pop et du graffiti « Et puis les choses se sont améliorées – Printemps » est une estampe pigmentaire d'archive en édition limitée de 2021, réalisée par l'artiste pop urbain canadien Denial, alias Daniel Bombardier. Imprimée sur un papier d'art de qualité musée de 330 g/m² et mesurant 61 x 61 cm, cette œuvre fait partie d'une édition signée et numérotée de seulement 25 exemplaires. Parmi les variantes expressives de la série « Et puis les choses se sont améliorées », l'édition Printemps insuffle une énergie nouvelle et une émotion inédite à un format classique inspiré de la bande dessinée. Denial capture le moment psychologique de la transition à travers une figure féminine dessinée en traits contrastés, cadrée serrée en gros plan sur son visage. Ses cheveux, ses yeux et ses lèvres d'un bleu turquoise éclatant contrastent avec la peau crème en demi-teintes, soulignant la clarté et le renouveau, à l'opposé des troubles dépeints dans les versions précédentes de la même composition. Le rôle de la couleur et du message dans la variante printanière L'édition printanière insuffle une nouvelle vie à la scène familière de Denial, empreinte de réflexion et de complexité émotionnelle, grâce à une palette fraîche et apaisante. L'utilisation du turquoise pour les traits du personnage crée une atmosphère réconfortante, à l'image du renouveau saisonnier et d'une sensation de réinitialisation émotionnelle. La légende « Et puis les choses se sont améliorées », écrite en noir sur fond turquoise, change de sens selon l'état d'esprit du spectateur. Dans cette palette de couleurs, la phrase paraît moins ironique et plus empreinte d'un triomphe discret. Le regard levé du personnage et ses lèvres légèrement entrouvertes suggèrent la prise de conscience et l'espoir plutôt que la crise ou les conséquences. Son expression faciale demeure figée dans une tension émotionnelle, une marque de fabrique de l'approche narrative visuelle de Denial. Cette œuvre explore l'équilibre subtil entre fragilité et force, offrant une nouvelle dimension émotionnelle grâce à un changement de ton à la fois discret et puissant. Le déni comme commentaire à travers le langage comique dans l'art urbain pop et le graffiti Denial est une figure majeure du street art et du graffiti contemporains, reconnu pour sa capacité à réinterpréter le vocabulaire visuel de la culture populaire, de la propagande et de la signalétique commerciale en œuvres chargées d'émotion. La série « And Then Things Got Better » témoigne de son talent pour manipuler l'imagerie familière de manière inédite, explorant, par de subtiles variations, les thèmes de la santé mentale, du conditionnement social et de l'évolution personnelle. L'édition printanière conserve la précision du format inspiré de la bande dessinée – textures pointillées Ben-Day, contours épais et traits exagérés – tout en laissant le choix des couleurs exprimer directement la charge émotionnelle sous-jacente. Comme toutes les œuvres de cette série, le format évoque les médias de masse du milieu du XXe siècle, tout en portant l'urgence et l'intimité de la culture urbaine. La juxtaposition de la reproductibilité à grande échelle et de l'authenticité des émotions crée une tension essentielle à l'impact de Denial dans le genre. Qualité de production et importance pour les collectionneurs de l'édition de printemps Cette édition est imprimée avec des encres pigmentaires d'archivage conçues pour une longévité optimale, préservant ainsi la richesse des couleurs et des détails au fil du temps. Le papier beaux-arts de 330 g/m² offre à la fois une grande durabilité et une surface tactile qui sublime la force graphique de l'image. Chaque exemplaire est signé et numéroté à la main par Denial, attestant de son appartenance à une édition très sélective. L'esthétique à la fois douce et audacieuse de la variante Printemps, alliée à sa rareté, en fait une pièce de collection très recherchée sur le marché du pop art et du street art contemporain. Bien plus qu'une simple réinterprétation d'un motif existant, elle constitue un chapitre singulier d'un dialogue visuel sur la résilience et le changement. L'édition Printemps de Denial incarne avec éclat la capacité du Street Pop Art et du Graffiti à exprimer à la fois une réflexion critique et une libération émotionnelle dans un cadre stylisé unique.
$385.00
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Naoto Hattori Goonie 032 aquarelle originale par Naoto Hattori
Goonie 032 Peinture aquarelle originale sur papier d'art encadré par l'artiste surréaliste Naoto Hattori. Aquarelle originale unique signée de 2013. Œuvre encadrée. Dimensions du cadre : 8,5 x 8,5. Dimensions de l’image : 3 x 3. Encadrement et passe-partout personnalisés par l’artiste. « Goonie 032 » de Naoto Hattori et l'essence du pop art urbain Dans l'univers dynamique du street art et du graffiti, le terme « original » revêt une importance capitale. L'originalité est l'essence même d'un art qui revendique sa voix unique et sa résistance au courant dominant. « Goonie 032 », une aquarelle de 2013 de Naoto Hattori, incarne cet esprit d'originalité et constitue une œuvre fascinante dans le contexte plus large du pop art et du street art. Cette aquarelle unique en son genre se présente non seulement comme un témoignage de l'imagination débordante de Hattori, mais aussi comme le reflet de sa capacité à fusionner l'esprit du street art et les subtilités de la technique de l'aquarelle. Réalisée sur papier beaux-arts, l'œuvre mesure 7,6 x 7,6 cm et est encadrée dans un cadre et un passe-partout sur mesure de 21,6 x 21,6 cm. Conçue et réalisée par Hattori lui-même, cette approche artisanale de la présentation de l'œuvre témoigne de l'engagement total de l'artiste envers son art. De la création du tableau à son encadrement, chaque étape est empreinte d'une touche personnelle qui s'inscrit dans l'éthique du « faire soi-même » si répandue dans la culture du street art. Interprétation du surréalisme dans le pop art de rue d'Hattori « Goonie 032 » présente un sujet typiquement Hattori : une figure surréaliste à l'allure presque irréelle. L'expression du visage, empreinte d'un mystère contemplatif, se détache sur un fond indéfini, captivant ainsi le regard du spectateur. L'utilisation de l'aquarelle confère à l'œuvre une dimension onirique, les couleurs se fondant les unes dans les autres, évoquant la fluidité souvent associée au caractère dynamique et évolutif du street art. La petite taille de l'image, encaissée dans un cadre imposant, attire le regard, incitant à une observation attentive et à une immersion personnelle, à l'instar de la découverte, parfois surprenante, de graffitis ou d'œuvres pop art dans des recoins urbains inattendus. La force artistique réside non seulement dans la peinture elle-même, mais aussi dans le contraste saisissant entre son format et l'impact visuel du cadre sombre et massif qui l'entoure. La valeur de collection et l'impact des aquarelles d'Hattori Le marché du street art et du graffiti valorise la rareté et la signature de l'artiste, et « Goonie 032 » d'Hattori en est un parfait exemple. Signée, cette œuvre originale est directement liée à l'artiste, ce qui renforce son attrait auprès des collectionneurs. Si l'aquarelle n'est pas traditionnellement associée à l'audace et à la spontanéité du street art, Hattori l'utilise ici avec une telle maîtrise qu'elle révèle toute la subtilité de cet art inspiré de la rue. Cette pièce affirme que la vitalité du street art peut être transmise par la finesse de l'aquarelle, une idée qui élargit la définition et la portée du street art. L'encadrement et le passe-partout contribuent également à sa valeur de collection. En personnalisant sa présentation, Hattori fait de « Goonie 032 » bien plus qu'une simple œuvre d'art : une véritable expérience esthétique. Cette attention portée au cadrage est similaire à la manière dont les artistes de rue doivent souvent travailler à l'intérieur et autour des limites des espaces qu'ils choisissent de taguer ou de moraliser, transformant ainsi les limitations en une partie intégrante du processus créatif. Importance culturelle de « Goonie 032 » dans l'art contemporain L'œuvre de Naoto Hattori transcende les frontières traditionnelles du pop art et du graffiti, explorant les sphères du personnel et du fantastique. « Goonie 032 » illustre comment l'influence du street art a imprégné différents niveaux de la production artistique, donnant naissance à des expressions novatrices qui instaurent un dialogue avec le spectateur, à l'instar des conversations suscitées par les fresques murales et les tags. Dans « Goonie 032 », ce dialogue est intime, invitant à une introspection qui reflète le sujet même de la toile. La pertinence culturelle de l'œuvre d'Hattori réside dans sa capacité à résonner avec l'esprit du street art : l'expression de l'identité, la remise en question des normes sociales et la transgression des conventions artistiques. « Goonie 032 », par son originalité, sa maîtrise et sa vision surréaliste, est un exemple éclatant de la manière dont les principes du Street Art, du Pop Art et du Graffiti peuvent être appliqués à différents supports et contextes, préservant l'esprit de la rue dans la sérénité des murs de la galerie.
$669.00
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Violeta Hernandez Sérigraphie Rubus Blue par Violeta Hernandez
Rubus - Bleu - Sérigraphie en édition limitée 6 couleurs tirée à la main sur papier d'art Canson Guarro Superalfa 250 g/m² par Violeta Hernández, artiste de street art rare et célèbre du pop art. Sérigraphie 6 couleurs signée et numérotée, 2022, sur papier d'art Canson Guarro Superalfa 250 g/m². Format : 45 x 45 cm. Sortie : 17 janvier 2022. Tirage : 20 exemplaires.
$285.00
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Bec Winnel Impression giclée Grace par Bec Winnel
Estampe giclée Grace de Bec Winnel, œuvre d'art en édition limitée sur papier beaux-arts, artiste graffiti pop de rue. Édition limitée à 25 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Dimensions de l'œuvre : 11,75 x 16,5 pouces. Jeune femme tatouée, stylisée, en pleine réflexion, avec des motifs géométriques tribaux. Estampe giclée Grace : Un confluent d'introspection et de pop art urbain L'estampe « Grace » de Bec Winnel témoigne avec brio du talent de l'artiste pour exprimer une profonde introspection à travers le street art, le pop art et le graffiti. Tirée à seulement 25 exemplaires, cette édition limitée capture l'essence du dialogue entre l'art contemporain et les formes d'expression traditionnelles. Chaque estampe, mesurant 29,8 x 41,3 cm, est méticuleusement signée et numérotée par Winnel, garantissant son authenticité et sa valeur sur le marché de l'art. Le parcours artistique et le style signature de Bec Winnel L'artiste australienne Bec Winnel s'est imposée sur la scène artistique internationale grâce à son approche singulière du Street Pop Art. L'estampe « Grace » illustre parfaitement son style caractéristique, mettant souvent en scène de jeunes femmes ornées de tatouages stylisés aux motifs tribaux et géométriques. À l'instar des graffitis, ces tatouages agissent comme une armure symbolique, représentant à la fois la résilience et la vulnérabilité. Ils constituent un pont visuel entre le monde intérieur du sujet et la réalité extérieure, un thème récurrent dans l'œuvre de Winnel. Sa capacité à exprimer des états émotionnels complexes à travers ces images confère à son travail une résonance auprès d'un public diversifié. Comprendre l'essence du street art, du pop art et du graffiti L'estampe « Grace » n'est pas qu'un simple objet d'art ; c'est une œuvre narrative qui en dit long sur la complexité de l'expression humaine. L'œuvre de Winnel est une toile où se rencontrent l'intime et l'universel, à l'image de l'esprit du street art et du graffiti. Ces formes d'art, traditionnellement présentes dans l'espace public, sont ici réinterprétées par Winnel pour explorer les contemplations intimes de l'individu. Cette juxtaposition invite le spectateur à réfléchir à l'interaction entre exhibitionnisme et introspection, une dynamique essentielle pour comprendre l'influence du street art sur la culture contemporaine. La signification culturelle des œuvres d'art en édition limitée Les estampes en édition limitée, telles que « Grace Giclee Print », occupent une place à part dans le monde de l'art de par leur exclusivité et le lien qu'elles tissent entre l'artiste et le collectionneur. La rareté de ces œuvres d'art renforce leur attrait et, par extension, leur potentiel en tant qu'artefacts culturels. Le choix de Winnel de limiter le tirage à 25 exemplaires confère à « Grace » une dimension d'urgence et de prestige, faisant de chaque estampe un objet précieux pour les heureux acquéreurs. Au-delà de leur attrait esthétique, les estampes en édition limitée comme celle-ci symbolisent l'évolution constante du street art, qui continue d'influencer les sphères plus formelles de la collection et de la critique d'art. L'estampe « Grace Giclee Print » de Bec Winnel est une représentation saisissante de la fusion entre le portrait traditionnel et la puissance brute et expressive du Street Pop Art. Le dévouement de Winnel à son art et sa capacité à distiller des émotions complexes dans ses œuvres garantissent que celles-ci sont visuellement époustouflantes et intellectuellement et émotionnellement stimulantes. Le caractère limité de l'édition « Grace » ajoute à son mystère, promettant une place d'honneur dans les annales du Street Pop Art et du graffiti contemporains.
$211.00
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Shepard Fairey- OBEY Icon Collage Bottom - Sérigraphie grand format par Shepard Fairey - OBEY
Collage d'icônes en bas - Tirage sérigraphique 3 couleurs grand format en édition limitée, réalisé à la main sur papier crème moucheté avec bords frangés à la main par Shepard Fairey, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Sérigraphie 76,2 x 97,8 cm (30 x 38,5 pouces). Édition limitée à 70 exemplaires numérotés. 31 octobre 2016. Papier d'archivage 100 % coton, bords frangés. Cachet de la maison d'édition OBEY en bas à gauche. Signée par Shepard Fairey.
$4,011.00
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Kaws- Brian Donnelly Sans titre de Blame Game - # 10 Hand on Brow Sérigraphie par Kaws - Brian Donnelly
Sans titre de Blame Game - #10 Main sur le front - Sérigraphie 11 couleurs tirée à la main sur papier Saunders Waterford Hi-White par l'artiste Kaws - Brian Donnelly Street Art - Œuvre d'art en édition limitée. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Œuvre de 23 x 35 pouces (88,9 x 58,4 cm), encadrée avec un grand cadre et un passe-partout sur mesure. Légère éraflure sur la partie blanche centrale inférieure. KAWS (né en 1974). Sans titre, extrait de Blame Game, 2014. Sérigraphie en couleurs sur papier Saunders Waterford Hi-White. Tirage limité à 100 exemplaires. Signée, numérotée et datée au crayon en bas. Publiée par Pace Prints, New York. La nuance expressive de « Untitled from Blame Game - #10 Hand on Brow » de KAWS L'œuvre « Sans titre de Blame Game - n° 10 Main sur le front » occupe une place importante dans le travail de KAWS, pseudonyme artistique de Brian Donnelly. Cette pièce fait partie d'une série limitée : une sérigraphie artisanale en 11 couleurs sur papier Saunders Waterford Hi-White, réputé pour sa qualité et sa résistance exceptionnelles. Mesurant 89 x 58 cm, cette œuvre est tirée à 100 exemplaires, chacun signé, numéroté et daté au crayon par l'artiste sur le bord inférieur, témoignant de son implication directe et de sa touche personnelle. Publiée en 2014 par Pace Prints à New York, elle est encadrée dans un grand cadre sur mesure avec passe-partout, qui la met élégamment en valeur. Le motif « Main sur le front » reproduit fidèlement le langage visuel unique et reconnaissable de KAWS, caractérisé par des couleurs vives, des formes graphiques et les personnages réinterprétés qui sont devenus essentiels à son art. La légère éraflure due à l'utilisation de plumes sur la partie blanche centrale inférieure de l'impression peut suggérer le processus manuel impliqué dans la création de ces œuvres, soulignant leur nature artisanale et l'authenticité du procédé de sérigraphie. KAWS : Un pont entre le street art et le monde des beaux-arts Le parcours de KAWS, de graffeur tapissant les rues de Jersey City à phénomène artistique mondial, illustre le pouvoir transformateur du pop art urbain et sa capacité à imprégner le monde des beaux-arts. Son expérience du graffiti transparaît dans la liberté et l'expressivité de son œuvre, mais aussi dans la sophistication de son approche, qui témoigne d'une sensibilité artistique délicate. Son œuvre « Untitled from Blame Game - #10 Hand on Brow » représente parfaitement cette fusion, offrant un dialogue visuel à la fois accessible et complexe, ludique et profond. L'utilisation d'une palette de 11 couleurs en sérigraphie est particulièrement remarquable, permettant à KAWS de superposer les couleurs avec précision et de créer des images d'une grande profondeur et d'une grande intensité. Le choix du papier Saunders Waterford Hi-White reflète son souci de la qualité : ce support est privilégié pour les tirages d'art grâce à sa texture et sa durabilité supérieures. À l'instar de nombreuses œuvres de KAWS, cette pièce est une fusion sophistiquée entre l'audace du street art et l'attrait universel du pop art. Résonance culturelle des estampes en édition limitée de KAWS Les estampes de KAWS, notamment celles de la série « Blame Game », trouvent un écho culturel profond grâce à leur commentaire sur les constructions sociales et l'expérience individuelle. Les thèmes récurrents de son œuvre, tels que l'isolement, la camaraderie et la contemplation, sont universels et permettent à son art de toucher un public diversifié. Son œuvre « Untitled from Blame Game - #10 Hand on Brow » illustre parfaitement ces thèmes, utilisant ses yeux barrés emblématiques et des figures abstraites pour inviter à l'introspection et susciter une réaction émotionnelle. Tirée d'une édition limitée, cette œuvre occupe une place à part dans l'histoire du street art et du graffiti. Les collectionneurs et les amateurs apprécient les estampes de KAWS pour leur valeur artistique, leur rareté et leur potentiel d'investissement. L'art de KAWS, en particulier des œuvres comme « Untitled from Blame Game - #10 Hand on Brow », continue d'influencer l'évolution de l'art urbain, captivant l'attention aussi bien dans les milieux urbains que dans les galeries d'art les plus prestigieuses. En conclusion, « Untitled from Blame Game - #10 Hand on Brow » témoigne du talent de KAWS pour fusionner avec brio la spontanéité du street art et la précision de la gravure d'art. Cette œuvre symbolise la capacité de l'artiste à toucher le public à différents niveaux, offrant un spectacle visuel aussi stimulant intellectuellement qu'esthétiquement plaisant. Alors que le street art continue d'évoluer, l'œuvre de KAWS constitue une référence incontournable, brouillant les frontières entre les sous-cultures et l'art contemporain.
$29,415.00
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John Van Hamersveld Johnny Face Shoo Fly Blotter Paper Archival Print par John Van Hamersveld
Johnny Face - Shoo Fly, édition limitée, papier buvard d'art, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé, par l'artiste pop moderne John Van Hamersveld. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2022. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey.
$352.00
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Shepard Fairey- OBEY Sérigraphie Universal Dignity par Shepard Fairey - OBEY
Sérigraphie en édition limitée 4 couleurs tirée à la main « Universal Dignity » sur papier crème moucheté par Shepard Fairey, œuvre d'art de rue rare, artiste pop OBEY. Tirage en édition limitée signé, 2022. 45,7 cm x 61 cm. Édition limitée à 600 exemplaires. Disponible le 3 juin 2022. « L’œuvre “Dignité universelle” vise à promouvoir la paix, l’égalité et l’humanité. Je souhaite qu’elle repose sur le principe fondamental que TOUS les êtres humains méritent le respect et la dignité humaine. Cela s’applique au sens universel de la dignité : être valorisé et respecté pour ce que l’on est, pour ce en quoi l’on croit et pour la façon dont on vit. Je me considère comme un citoyen du monde et, bien que je pense que les nations aient une fonction structurelle, tous les êtres humains devraient être égaux et la vie de chacun a la même valeur, quel que soit son lieu de résidence. » – Shepard Fairey
$561.00
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Naoto Hattori Goonie 034 aquarelle originale par Naoto Hattori
Goonie 034 Peinture aquarelle originale sur papier d'art encadré par l'artiste surréaliste Naoto Hattori. Aquarelle originale signée de 2013, pièce unique. Encadrée. Dimensions du cadre : 8,5 x 8,5 pouces (21,6 x 21,6 cm). Dimensions de l’image : 3 x 3 pouces (7,6 x 7,6 cm). Encadrement et passe-partout réalisés sur mesure par l’artiste. Naviguer entre le surréalisme et le pop art urbain dans Goonie 034 par Naoto Hattori L'œuvre « Goonie 034 » de Naoto Hattori s'impose comme une pièce majeure du street art et du graffiti, malgré ses racines ancrées dans la pratique plus traditionnelle de l'aquarelle. Créée en 2013, cette œuvre originale témoigne de la vision singulière de Hattori, qui brouille les frontières entre la précision de l'aquarelle et la nature souvent spontanée et expressive du street art. Encadrée sur mesure dans un cadre de 21,6 x 21,6 cm, elle présente une image de 7,6 x 7,6 cm dont la représentation surréaliste captive et invite à un dialogue avec l'art urbain sur le support des beaux-arts. Signée et unique en son genre, cette œuvre reflète l'engagement profond de l'artiste, du coup de pinceau au choix minutieux du cadre et du passe-partout. L'implication de Hattori à chaque étape du processus de création et de présentation s'inscrit dans la démarche des artistes de rue, qui suivent généralement leur art de sa conception à son exposition publique finale. Ce dévouement à l'art et au parcours de l'œuvre, de l'atelier au spectateur, s'inscrit dans l'esprit du Street Pop Art et du graffiti, où la patte de l'artiste est perceptible à chaque instant. Si « Goonie 034 » d'Hattori n'adopte pas explicitement le vocabulaire visuel du graffiti, l'œuvre dégage une aura rebelle comparable à la force visuelle de cet art. L'aquarelle, médium souvent perçu comme délicat et réservé aux beaux-arts, est ici poussée à de nouveaux sommets par Hattori, offrant une œuvre qui bouscule les attentes du spectateur et les normes artistiques traditionnelles. Cette subversion, élément central du street art et du pop art, fait de « Goonie 034 » un pont entre les disciplines et invite les amateurs d'art à explorer l'univers vibrant et brut de l'art urbain. L'influence de Naoto Hattori et son interaction avec les formes d'art urbain L'influence de Naoto Hattori sur la scène artistique dépasse largement son imagerie surréaliste. Son œuvre « Goonie 034 » est essentielle au débat sur les interactions entre les différentes formes d'art. Le petit format de cette aquarelle invite à un examen attentif, à l'instar des détails minutieux des pochoirs ou des messages cachés des fresques urbaines. Elle instaure un dialogue entre l'intime et l'immensité, le personnel et le public, une dynamique souvent explorée dans le street art et le graffiti. Le caractère énigmatique de l'œuvre d'Hattori incarne l'imprévisibilité et la richesse des significations propres au street art. Si son support est le papier et ses outils, les pinceaux et les pigments, le sentiment qu'elle transmet est aussi puissant et captivant que n'importe quelle œuvre ornant les murs des villes. « Goonie 034 » est un artefact culturel qui transcende l'espace conventionnel des galeries et résonne avec l'authenticité et le dynamisme du street art. L'exploration de « Goonie 034 » dans le contexte du street art, du pop art et du graffiti souligne la fluidité de l'art et sa capacité à investir de multiples espaces et à toucher des publics variés. L'œuvre d'Hattori nous rappelle les possibilités infinies qui s'offrent aux artistes lorsqu'ils puisent leur inspiration à diverses sources et brouillent les frontières entre les catégories artistiques établies. Elle témoigne de l'évolution constante du street art et du pop art, qui ne cessent de se redéfinir et de réaffirmer leur pertinence dans le paysage en perpétuelle mutation de l'art contemporain.
$669.00
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Abell Octovan PatRIOT The Legacy Art Toy Sculpture par Abell Octovan
patRIOT - The Legacy, sculpture en polystone en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de rue graffeur et artiste pop moderne Abell Octovan. De l'esprit qui nous a offert des œuvres marquantes telles qu'Anti-Supremacy et The Beauty of Rebellion, voici patRIOT (The Legacy) d'Abell Octovan. Inspirée des sculptures grecques classiques, patRIOT présente des volutes parfaites, un contrapposto et un effet marbré d'une douceur incomparable. Réalisée en polystone de haute qualité, l'éternelle patRIOT invite à la réflexion sur l'état du monde. Le mot « PATRIOT » est inscrit en graffiti sur le visage de la sculpture et partiellement barré.
$503.00
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Joe King Impression d'archives Kurt Skull LND par Joe King
Kurt Skull LND Édition Limitée Tirages d'Art Pigmentaires d'Archives sur Papier Beaux-Arts par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Joe King. Kurt LND [Les légendes ne meurent jamais] par Joe King. Inspiré par Kurt Cobain. Tirage d'archive. Édition limitée à 40 exemplaires | Signé et numéroté par l'artiste. Dimensions : 28 x 35,5 cm. Provenance : Long Beach, Californie.
$134.00
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Adam Lister GICLEE AP Impression Giclée par ARTIST
Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO
$288.00
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Richard Hambleton Peinture acrylique originale Shadow de Richard Hambleton
Peinture acrylique originale Shadow de Richard Hambleton. Œuvre unique sur papier d'art de qualité supérieure, réalisée par un artiste pop art de rue. 1983 Non signé avec certificat d'authenticité De Robert Murphy Peinture acrylique et ruban adhésif Œuvre originale Dimensions 33 x 76 cm Encadrement 37,75 x 80 cm « Shadow » de Richard Hambleton : un phénomène de street art L'héritage de Richard Hambleton, figure pionnière du street art et du graffiti, est profondément ancré dans « Shadow Original Acrylic Painting », un puissant exemple de son esprit novateur. Reconnu pour ses figures sombres et austères qui semblent jaillir des surfaces urbaines, Hambleton a façonné le street art et marqué durablement la scène artistique contemporaine. Son œuvre « Shadow », réalisée en 1983 à l'acrylique et au ruban adhésif sur papier d'art (dimensions : environ 76 x 33 pouces), témoigne de cette influence. Encadrée (80 x 37,75 pouces), elle offre une expérience quasi grandeur nature, affirmant une présence imposante qui rappelle les figures que Hambleton peignait sur les façades des ruelles et des immeubles. L'absence de signature contribue au mystère que Hambleton a cultivé tout au long de sa carrière. La provenance est cruciale pour les œuvres d'art de cette qualité, et l'authenticité de cette pièce est attestée par un certificat d'authenticité (COA) manuscrit de Robert Murphy et un autre COA de Dirtypilot, l'ancrant fermement dans son contexte historique. Robert Murphy et la provenance d'un chef-d'œuvre Robert Murphy, ami proche et fervent défenseur de Richard Hambleton, joue un rôle crucial dans l'histoire de « Shadow ». Collectionneur le plus éminent des œuvres de Hambleton, Murphy entretient avec l'artiste une relation qui dépasse le simple cadre du collectionnisme : il est aussi un confident et un allié précieux. Sa relation avec l'artiste confère à l'œuvre une profondeur supplémentaire, mettant en lumière les liens personnels et les amitiés qui sous-tendent et définissent souvent la communauté du street art. Cette relation est immortalisée dans le film « Shadowman », où Hambleton et Murphy apparaissent tous deux, offrant un aperçu cinématographique de la vie et de l'œuvre de l'artiste. Ce lien enrichit le récit de « Shadow », l'inscrivant dans un réseau d'histoires personnelles qui dépassent le cadre de l'art visuel. Il nous rappelle avec force que la valeur du street art pop s'étend au-delà de l'œuvre matérielle pour s'inscrire dans le domaine des histoires personnelles et collectives. L'héritage de Hambleton et ses « ombres » dans le pop art urbain Au sein du panthéon du street art, les œuvres de Richard Hambleton se distinguent par leur simplicité troublante et leur profondeur émotionnelle. Né au Canada et disparu en 2017, Hambleton laisse un héritage qui perdure à travers des pièces telles que « Shadow », qui incarnent son approche singulière du street art. Ses figures d'ombre, apparues dans les années 1980, ont conféré au graffiti une dimension critique inédite, le transformant d'un acte de rébellion en une forme d'expression artistique profonde. « Shadow Original Acrylic Painting » est une œuvre originale de l'une des figures majeures du street art et un témoin de l'époque de sa création. Le début des années 1980 a été marqué par une croissance dynamique du graffiti, qui est passé du vandalisme à un médium respecté de discours socio-politique et d'exploration artistique. L'œuvre de Hambleton traverse cette période, offrant une critique à la fois spectrale et profonde de la société et de soi-même, invitant le spectateur à se confronter aux ombres qui persistent au sein de la vie urbaine et en lui-même. L'histoire de « Shadow » de Richard Hambleton est un récit tissé de génie créatif, de liens personnels et de l'évolution de l'éthique du street art. Cette œuvre demeure un élément essentiel du travail de Hambleton, un témoin silencieux mais éloquent du pouvoir du pop art et du graffiti dans la transformation des paysages urbains et des débats qui s'y rattachent.
$65,636.00
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Gary Taxali Sérigraphie « Je n'aime que toi » de Gary Taxali
Sérigraphie « Je n'aime que toi » de Gary Taxali, imprimée à la main en 6 couleurs sur papier d'art Arches blanc, édition limitée. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Œuvre d'art de 29 x 23 cm. Sérigraphie. Signification et savoir-faire de la sérigraphie « I Love Only You » de Gary Taxali La sérigraphie « I Love Only You » de Gary Taxali est un exemple éclatant d'art urbain contemporain, à la croisée du pop art et du graffiti. Cette œuvre en édition limitée, créée en 2014, témoigne du mélange unique de bandes dessinées vintage, d'esthétique publicitaire et d'images ludiques propre à Taxali. Ce style unique ancre son travail dans l'héritage du pop art tout en repoussant ses limites vers les scènes du street art et du graffiti. Reconnu pour son style distinctif, Taxali marie souvent le rétro et le moderne, et cette œuvre ne fait pas exception. Il s'agit d'une impression artisanale en six couleurs sur papier Arches Fine Art blanc, un choix qui reflète le dévouement de l'artiste à l'artisanat et à la qualité. Le papier Arches est prisé des artistes pour sa texture et sa durabilité, gage de sa longévité et de sa valeur de collection. Le tirage limité de « I Love Only You », avec seulement 50 exemplaires signés et numérotés, renforce son exclusivité et son attrait auprès des collectionneurs. Ses dimensions d'environ 74 x 58 cm en font une pièce imposante, idéale pour une mise en valeur. La sérigraphie, une méthode rendue célèbre par l'icône du Pop Art Andy Warhol, permet à Taxali d'obtenir des couleurs vives et des images nettes, saisissantes et chargées d'émotion. Exploration du continuum du pop art dans le street art à travers l'œuvre de Taxa li L'œuvre de Gary Taxali est souvent saluée pour sa capacité à saisir l'esprit du Pop Art et à le transposer sur le support plus brut et expressif du street art. « I Love Only You » illustre parfaitement ce métissage. Le sujet – un personnage fantasque interagissant directement avec un objet inanimé, lui insufflant affection et personnalité – incarne l'intérêt du Pop Art pour le quotidien et le commercial. Cependant, les lignes audacieuses de Taxali et la présence de l'œuvre, à la croisée du Street Art, du Pop Art et du graffiti, évoquent également le caractère spontané et authentique de ces formes d'art. Les personnages de Taxali rappellent les dessins animés des années 1930, tout en possédant une dimension contemporaine qui parle au public d'aujourd'hui. Le caractère ludique de l'œuvre, associé à son message direct et simple, est caractéristique de la capacité du street art à toucher un large public. Ce chevauchement entre l'art savant et l'art populaire, entre les murs des galeries et les coins de rue, est une caractéristique déterminante de la pratique artistique de Taxali et inscrit « I Love Only You » dans le dialogue permanent de l'art en tant qu'expérience publique et personnelle. Valeur culturelle et artistique de la sérigraphie de Taxali « I Love Only You » représente non seulement un mélange de styles artistiques, mais incarne également une prise de position culturelle qui fait écho à l'esprit du Pop Art et du Street Art. Ces deux mouvements ont souvent cherché à estomper les frontières entre culture « savante » et culture « populaire », et l'estampe de Taxali contribue à ce débat. Elle juxtapose des techniques artistiques commerciales à des pratiques artistiques reconnues, suggérant que l'art peut être à la fois accessible et sophistiqué. L'estampe de Taxali occupe une place de choix dans le monde de l'art pour son attrait esthétique et son commentaire sur l'amour, la société de consommation et l'interaction entre texte et image. La phrase « I Love Only You », juxtaposée à divers objets, évoque la marchandisation des émotions et des relations, un thème fréquemment exploré dans le Pop Art et le Street Art. En présentant ce commentaire par la sérigraphie – une technique associée à la production de masse –, Taxali souligne la tension entre unicité et ubiquité, un débat omniprésent dans les discussions sur l'art public. L'attrait durable de « I Love Only You » de Gary Taxali L'œuvre « I Love Only You » de Gary Taxali témoigne du rôle de l'artiste comme trait d'union entre passé et présent, entre beaux-arts et culture urbaine. Par la minutie avec laquelle il réalise cette estampe et le choix judicieux du médium, Taxali a créé une œuvre visuellement captivante, riche de sens et de contexte. À la croisée du Pop Art et du graffiti, elle continue de susciter l'intérêt, d'alimenter les débats et de refléter la culture qu'elle représente et critique. La rareté et la qualité artisanale de l'estampe en font une pièce de collection recherchée, incarnant l'esprit du Pop Art et l'éthique irrévérencieuse et démocratique du street art et du graffiti. Avec « I Love Only You », Taxali a immortalisé un moment de l'histoire de l'art tout en contribuant à son évolution.
$676.00
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Adam Lister GICLEE AP Impression Giclée par ARTIST
Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO
$694.00
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Joshua Vides Sculpture en résine polystone JV Baby Milo par Joshua Vides x Bape - A Bathing Ape
Sculpture en résine polystone JV Baby Milo par Joshua Vides x Bape - A Bathing Ape Édition limitée Pop Graffiti Street Art Figure Artwork. Sculpture d'art pop art stylisé représentant de l'argent en noir et blanc avec ombrage cellulaire, édition limitée 2024, de la marque BAPE, artiste crossover, en édition limitée 5x10. Exploration de la sculpture en résine polystone de bébé Milo de JV Dans l'univers dynamique et en constante évolution de l'art contemporain, la sculpture en résine de polystone JV Baby Milo témoigne de la force synergique de la collaboration et de l'innovation. Cette création unique est née de la rencontre de deux figures incontournables de la pop culture et de la mode : l'artiste Joshua Vides et la marque japonaise emblématique de streetwear A Bathing Ape, plus connue sous le nom de BAPE. Cette sculpture en édition limitée incarne l'esprit du street art et du graffiti, offrant une incarnation physique de l'esthétique urbaine et de la mode de luxe. L'œuvre célèbre non seulement le pouvoir d'attraction des objets de collection, mais propose également une vision novatrice du langage visuel de l'art urbain. JV Baby Milo comme symbole du pop art urbain Cette sculpture est une représentation stylisée du personnage emblématique de BAPE, Baby Milo, réinterprétée par Joshua Vides, connu pour sa palette noir et blanc caractéristique et son approche illustrative de l'art des objets. Née de la rencontre entre la mode urbaine et le graffiti, cette œuvre reflète le style distinctif de Vides, le cell shading, qui confère aux objets tridimensionnels l'apparence de dessins bidimensionnels. Le contraste saisissant du noir et blanc évoque les lignes et les ombres marquées des bandes dessinées, créant une œuvre percutante qui captive le regard. En fusionnant l'iconique Baby Milo avec son expression artistique, Vides présente une forme unique de pop art urbain qui transcende les formes d'art traditionnelles. L'œuvre est une déclaration audacieuse sur l'évolution de la culture streetwear, devenant un support d'expression artistique qui encapsule l'énergie juvénile et la rébellion inhérentes au style urbain. Limitée à une production de seulement 2024 exemplaires, la sculpture en résine polystone JV Baby Milo est un objet convoité par les passionnés de culture urbaine, de mode et d'art. Le savoir-faire et l'influence de Joshua Vides Joshua Vides, artiste américain originaire de Californie, a marqué l'histoire du street art contemporain par son approche novatrice et son langage visuel unique. Chaque trait, chaque contour, dans son œuvre, interroge les perceptions, invitant le spectateur à appréhender le monde tridimensionnel à travers une perspective bidimensionnelle. La sculpture JV Baby Milo, mesurant 5 x 10 pouces, est bien plus qu'un simple objet de collection : c'est une œuvre d'art qui invite à la réflexion et qui résume le parcours artistique de Vides et sa contribution à l'univers du graffiti. La texture de la résine de polystone confère à la sculpture une impression de permanence et de durabilité, renforçant ainsi son statut d'œuvre majeure. Lors de ma dernière mise à jour en avril 2023, l'influence de Vides sur le street art se poursuit et se fait toujours sentir au sein de la communauté des amateurs et au-delà. En présentant la sculpture JV Baby Milo en résine de polystone, Joshua Vides et BAPE ont créé un récit qui dépasse le simple cadre de la mode ou de l'art. Véritable artefact de la culture contemporaine, cette œuvre incarne la fusion harmonieuse de l'énergie brute du street art et du raffinement de la haute couture. Collectionneurs et admirateurs, en explorant les multiples significations de sa conception, découvrent le potentiel infini que recèle la rencontre entre différents univers créatifs. Cette pièce en édition limitée n'est pas qu'une simple étincelle dans l'histoire de l'art, mais un symbole durable de la fusion entre l'ingéniosité urbaine et le génie artistique.
$620.00
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Stanley Mouse Sugar Cube Blotter Paper Archival Print par Stanley Mouse
Papier buvard Sugar Cube, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Stanley Mouse, œuvre d'art inspirée de la culture pop et du LSD. Stanley s'est fait une place de choix dans la culture hot rod de Détroit en réalisant des peintures exceptionnelles sur les véhicules, au point qu'aucune voiture de qualité en ville ne pouvait se passer de ses liserés décoratifs. Peu après, il a commencé à appliquer ses motifs préférés sur des t-shirts à l'aérographe. En seconde, Stanley a tagué le bâtiment où se retrouvait son lycée et a été renvoyé. Le bon côté des choses ? Il s'est ensuite inscrit aux Beaux-Arts.
$352.00
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Ernesto Yerena Montejano- Hecho Con Ganas Prière des Ancêtres Sérigraphie par Ernesto Yerena Montejano - Hecho Con Ganas
Prière des Ancêtres, édition limitée, sérigraphie artisanale en 3 couleurs sur papier beaux-arts, par Ernesto Yerena, artiste de rue graffiti, art pop moderne. 2014 Édition limitée signée et numérotée à 15 exemplaires. Œuvre d'art 24x18
$323.00
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BE@RBRICK Muhammad Ali Andy Warhol 100% & 400% Be@rbrick
Muhammad Ali Andy Warhol 100% & 400% BE@RBRICK Figurines d'art en vinyle en édition limitée, objets de collection urbains Andy Warhol et Medicom Toy collaborent à nouveau pour le Bearbrick Muhammad Ali. Ce Bearbrick est orné d'une impression à l'eau intégrale, rendant chaque pièce unique.
$335.00
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Pat Riot Cody Ross Jesus Giants Original Collage Baseball Card Art par Pat Riot
Cody Ross/Jesus-Giants Collage unique orné à la main, technique mixte sur carte de baseball vintage par Pat Riot. Œuvre originale estampillée de 2014, technique mixte superposée sur une véritable carte vintage Topps de la MLB avec un style pop art comme : Cody Ross/Jesus - Giants
$24.00
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Kathy Ager Impression giclée « Pitter Patta Goes My Heart » de Kathy Ager
Impression giclée Pitter Patta Goes My Heart par Kathy Ager. Œuvre d'art en édition limitée, imprimée sur papier aquarelle 290 g/m² à bords frangés à la main. Artiste de rue, graffiti pop. Édition limitée à 22 exemplaires, signée et numérotée, 2023. Format de l'œuvre : 9 x 12 pouces. Exploration de la fusion du classique et du contemporain dans « Pitter Patta Goes My Heart » « Pitter Patta Goes My Heart », une estampe giclée de Kathy Ager, est une œuvre captivante qui fusionne harmonieusement la sensibilité de l'art classique avec l'énergie brute et vibrante du street art et du graffiti. Cette pièce en édition limitée, à seulement 22 exemplaires, illustre la trajectoire novatrice de l'art contemporain. Mesurant 23 x 30 cm, l'œuvre est imprimée sur un papier aquarelle beaux-arts de 290 g/m², à bords frangés à la main, ce qui confère à l'œuvre une dimension tactile et organique. Kathy Ager, reconnue pour son style unique mêlant art classique et moderne, présente un récit visuel qui juxtapose l'intemporalité d'un buste gréco-romain à la nature éphémère du graffiti. Le sujet, une statue, est orné de tatouages, un élément emprunté au street art, symbolisant la permanence de l'encre sur la peau face à la pérennité du marbre. Les tatouages ne sont pas de simples ornements ; Elles racontent des histoires, révèlent des vérités cachées et expriment les pensées silencieuses du sujet de l'œuvre. La flore luxuriante et vibrante qui entoure la figure déborde de vie et de couleurs, évoquant les natures mortes des maîtres anciens, tout en étant empreinte d'un sentiment d'urgence et de rébellion caractéristique du street art. Ce choix de composition instaure un dialogue entre le permanent et l'éphémère, le vénéré et le subversif. L'importance des éditions limitées sur le marché de l'art Dans le domaine des estampes d'art, la rareté d'une édition limitée accroît considérablement la valeur de chaque exemplaire. « Pitter Patta Goes My Heart » est signée et numérotée par l'artiste, ce qui renforce son caractère exclusif et séduit les collectionneurs sensibles à la rencontre entre l'art contemporain et la culture urbaine. Cette disponibilité limitée crée souvent un sentiment d'urgence chez les acheteurs et les collectionneurs, désireux de posséder une œuvre de cette forme d'art éphémère qui capture l'esprit de la culture contemporaine. Matériaux et support : le choix de l'impression giclée L'impression giclée est réputée pour sa grande fidélité à l'œuvre originale, capable de reproduire les nuances de couleur et de texture avec une précision remarquable. En choisissant l'impression giclée sur papier aquarelle frangé à la main, Kathy Ager garantit que chaque tirage de « Pitter Patta Goes My Heart » reflète la qualité et l'intention de sa peinture originale. Ce médium fait également écho à la préférence du street art pour des supports non conventionnels, reflétant le caractère imprévisible et souvent éphémère des paysages urbains sur lesquels travaillent les graffeurs. L'impact de « Pitter Patta Goes My Heart » dans l'art urbain pop et le graffiti L'œuvre de Kathy Ager témoigne de l'évolution constante du Street Pop Art et du graffiti. Elle repousse les limites en intégrant des motifs classiques, établissant ainsi un pont entre l'histoire et la modernité. Le choix d'insuffler à un buste classique la sensibilité du street art est une affirmation forte sur les définitions changeantes de l'art savant et de la culture populaire. Cette œuvre n'est pas simplement un objet à accrocher au mur ; elle suscite le dialogue, exprime une fusion culturelle et marque une évolution artistique. Alors que le Street Pop Art et le graffiti gagnent en reconnaissance dans le monde des beaux-arts, des œuvres comme « Pitter Patta Goes My Heart » remettent en question les notions traditionnelles de ce qui est considéré comme « digne d'une galerie » et brouillent les frontières entre art urbain et art élitiste. En conclusion, « Pitter Patta Goes My Heart » de Kathy Ager illustre de façon saisissante le pouvoir de l'art contemporain à transcender les frontières. Hommage au passé, commentaire sur le présent et phare pour l'avenir de l'art, cette œuvre mêle avec brio des éléments de l'art classique au dynamisme du street art et du graffiti. Ager a ainsi créé un langage visuel universel qui parle à un large public et lui confère une place unique sur le marché de l'art.
$180.00
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Takashi Murakami TM/KK Ensemble de planches de skateboard Sharp Tooth Bear de Takashi Murakami TM/KK
Sharp Tooth Bear ComplexCon Skateboard Art Deck Set par Takashi Murakami TM/KK Édition limitée Impression d'archives sur planche de skateboard en bois par un artiste de street art et de graffiti. Planche de skateboard édition limitée 2019, illustration format 8x31, neuve et en parfait état, lot de 3. Ensemble de planches de skateboard Sharp Tooth Bear ComplexCon par Takashi Murakami : Icônes pop réinventées dans le style street art et graffiti Le set de planches de skateboard Sharp Tooth Bear ComplexCon de Takashi Murakami est une édition limitée de 2019. Il se compose de trois planches en bois naturel de 8 x 31 pouces, imprimées par transfert pigmentaire d'archives. Distribué par le label TM/KK de Murakami et dévoilé à ComplexCon, ce set présente son personnage emblématique, Mr. DOB, dans une constellation surréaliste et flottante de sphères multicolores et de sourires acérés. L'œuvre, en parfait état, est conçue avec maestria pour s'étendre sur les trois planches, formant une image unifiée vibrante de mouvement et d'espièglerie. Témoignage de la fusion opérée par Murakami entre l'art japonais conceptuel et l'esthétique urbaine subversive, cette édition poursuit son exploration de l'identité visuelle à travers le prisme du Street Pop Art et du graffiti. Mr. DOB, alter ego et figure emblématique de Murakami, est ici présenté sous une forme plus évoluée et chaotique. Plusieurs têtes de Mr. DOB orbitent sur un fond dégradé passant du bleu turquoise au jaune pâle, créant une atmosphère onirique qui contraste avec les dents acérées, semblables à celles d'un requin, et les yeux multicolores psychédéliques incrustés dans chaque sphère. Ces éléments suscitent un sentiment mêlé de célébration ludique et de malaise psychologique. Puisant son inspiration dans l'anime, le manga, le marketing de marque et la dissonance émotionnelle de la culture visuelle contemporaine, l'icône aux dents pointues de Murakami devient à la fois personnage et critique. La précision de ses lignes et la distorsion quasi-cartoonesque transforment chaque tête flottante en un réceptacle symbolique de la surstimulation et de la fragmentation culturelle de notre époque. Quand la culture skate rencontre le surréalisme pop en édition limitée Le choix de Takashi Murakami de présenter cette œuvre sous forme de planches de skateboard est délibéré. Les planches de skate se situent depuis longtemps à la croisée de la fonctionnalité et de la rébellion. Dans le Street Pop Art et le graffiti, le skateboard est plus qu'un simple outil : c'est un symbole d'expression personnelle, de subversion et de la tension entre mouvement et impact visuel. En transposant son personnage le plus emblématique sur un support issu de la culture underground, Murakami ouvre de nouvelles perspectives d'accessibilité et de force d'expression. L'ensemble Sharp Tooth Bear préserve l'authenticité tactile de la rue tout en s'affirmant comme un objet d'art de luxe. La verticalité incurvée des planches donne l'impression que les sphères flottent en apesanteur, soulignant le détachement et la surveillance souvent associés aux personnages de Murakami. Chaque panneau conserve ses détails tout en contribuant à l'ensemble, créant une composition murale qui fait le lien entre l'art contemporain et le graffiti des skate shops. La qualité de production – pigments d'archivage haute fidélité sur bois – préserve l'intégrité de l'image et renforce son statut d'objet de collection. Ces terrasses sont conçues pour durer, mais elles sont issues d'une culture qui valorise l'éphémère. La mutation des caractères comme langage dans le système visuel de Murakami L'utilisation récurrente de Mr. DOB dans l'œuvre de Murakami symbolise la transformation, l'identité commerciale et la saturation visuelle. Dans le jeu de cartes Sharp Tooth Bear, l'expression du personnage se déforme en de multiples formes : yeux exorbités, motifs tourbillonnants et mâchoires acérées créent une impression de multiplicité et d'instabilité. Ceci reflète un thème plus large du Street Pop Art et du graffiti, où les personnages deviennent des signatures, des avatars et des mythologies qui évoluent dans l'espace public. À l'instar des tags de graffiti, ces personnages agissent comme une carte de visite, mais Murakami les amplifie grâce à la théorie des couleurs, l'harmonie de la composition et la dualité émotionnelle. Des têtes flottantes, souriantes ou grimaçantes, occupent l'espace liminal entre joie et chaos. Leur apparence éclatante masque le grotesque, créant un paradoxe central à l'expérience de la culture pop moderne. Ces figures flottent dans le vide, déconnectées et pourtant expressives, à l'image du paysage médiatique fracturé que Murakami interroge si fréquemment. Les jeux de cartes racontent une histoire de mutation culturelle et de saturation psychologique à travers la ligne, la couleur et la répétition. Les planches de skate de Takashi Murakami en tant qu'icônes culturelles contemporaines Takashi Murakami, né au Japon en 1962, continue de repousser les limites du street art et du graffiti. Ses planches de skate, présentées à la ComplexCon, étendent les frontières du médium, insufflant à l'art une puissance brute et urbaine. Le set Sharp Tooth Bear est une introduction à la philosophie Superflat de Murakami, où la profondeur est comprimée et le sens visuel décuplé. Avec cette sortie de 2019, Murakami confirme que des personnages comme Mr. DOB ne sont pas de simples artifices visuels, mais des outils sophistiqués pour explorer l'artificiel, l'émotionnel et le psychédélique dans un monde saturé d'images. Ces planches ne sont pas de simples objets de collection : elles symbolisent la capacité de l'art visuel à muter, à s'élever et à mordre, tout en conservant un sourire. Elles sont les échos picturaux de la conscience pop, figés dans le mouvement, façonnés avec intention, couleur et une dentition acérée.
$1,500.00