Visage & Tête

Royyal Dog - Peinture aérosol noir mat en édition limitée, fruit d'une collaboration entre le célèbre fabricant de peinture graffiti Montana MTN et Royyal Dog - Chris Chanyang Shim . Bombe de peinture et coffret en bois, édition limitée à 500 exemplaires (2022). Illustration de 3 x 8 pouces. Bombe de 400 ml. « Royyal Dog Chris Chanyang Shim est un graffeur et muraliste originaire de Séoul, en Corée. Il est surtout connu pour ses fresques photoréalistes représentant des femmes afro-américaines en hanbok, le costume traditionnel coréen. Ses peintures véhiculent un message d'harmonie universelle et sont reconnues pour leur multiculturalisme. On peut admirer son travail dans le monde entier. » – Montana MTN Royyal Dog – Bombe de peinture aérosol noir mat, édition limitée (2022), série Montana MTN Artist La bombe de peinture Royyal Dog Matt Black Limited Edition est le fruit d'une collaboration remarquable entre Montana Colors (MTN) et le muraliste de renommée internationale Royyal Dog, alias Chris Chanyang Shim. Lancée en 2022 dans le cadre de la collection MTN Artist Series, cette édition collector transforme la bombe classique de 400 ml en une œuvre d'art raffinée et riche de sens. Limitée à seulement 500 exemplaires dans le monde, cette édition présente le portrait photoréaliste emblématique de Royyal Dog, parfaitement intégré à la surface cylindrique. L'œuvre représente une silhouette féminine élégante, rendue avec un niveau de détail exceptionnel, vêtue d'un hanbok traditionnel coréen aux riches tons dorés. Le bouchon et le couvercle noir mat contrastent harmonieusement avec la douceur et le réalisme du portrait, accentuant la profondeur et la présence de l'image. Royyal Dog est un graffeur et muraliste basé à Séoul, reconnu pour son art de mêler portraits hyperréalistes et symbolisme culturel. Il est notamment célèbre pour ses représentations de femmes afro-américaines en hanbok traditionnel coréen, une fusion visuelle puissante qui évoque l'harmonie universelle, le multiculturalisme et l'identité humaine partagée. Ses fresques ornent les villes du monde entier et sont aujourd'hui reconnues pour leur maîtrise technique et la profondeur de leur message. Chaque bombe de peinture mesure environ 7,6 x 20,3 cm (format 400 ml) et est présentée dans un coffret en bois officiel Montana MTN, gravé au laser du logo MTN Limited Edition. Ce coffret transforme l'objet, d'un simple souvenir, en une véritable sculpture de collection, digne d'être exposée. Appartenant à la série Montana MTN Artist Series, l'édition Royyal Dog Matt Black s'inscrit dans la lignée des bombes de peinture conçues par des artistes, fusionnant culture urbaine et art contemporain. Produite à seulement 500 exemplaires, elle demeure une pièce rare et très recherchée, témoignant de la rencontre entre le graffiti contemporain, le réalisme du portrait et le dialogue culturel. Pièce maîtresse de toute collection d'art urbain ou contemporain, cette bombe de peinture Royyal Dog Montana MTN en édition limitée allie prouesse technique et message d'unité dans un format compact, prêt à être exposé.

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Shakespeare State II Édition limitée, sérigraphie HPM sur toile rehaussée à la main par Steve Kaufman, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Grand cadre sur mesure. Certificat d'authenticité au verso. Daté de 1996. Sérigraphie sur toile rehaussée à la main. Shakespeare State II. Dimensions : (Cadre) H 129 cm x L 105,4 cm, (Vue) H 110,5 cm x L 87,6 cm. État : Deux petites perforations en bas à droite. À 16 ans, Kaufman fréquentait le Studio 54 et côtoyait les figures de la scène artistique new-yorkaise des années 70. En 1981, il rencontra Andy Warhol, qui exerça une influence considérable sur le jeune homme de 19 ans. Il travailla alors comme assistant de Warhol à la Factory, son atelier, où il réalisait des peintures originales et des sérigraphies. Parallèlement, Kaufman organisait des soirées à thème pour différentes boîtes de nuit, vendait des toiles à des personnalités comme Calvin Klein et Steve Rubell, et concevait même les graphismes de l'émission « Saturday Night Live » sur NBC.

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Whispers I, sérigraphie artisanale en édition limitée à 6 couleurs sur papier beaux-arts, par Lee White, artiste pop moderne. Sérigraphie originale en édition limitée, signée à la main par Lee White, intitulée « Whispers I ». Numérotée sur 350 exemplaires. Format : 53,3 x 53,3 cm. Technique : sérigraphie sur papier. Légères traces de saleté sur les bords de l'image, normales compte tenu de l'âge.

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27 Club - Hendrix 4 couleurs, sérigraphie en édition limitée tirée à la main sur papier beaux-arts par DKNG, artiste pop art célèbre et rare. Édition 2012 signée et numérotée, limitée à 200 exemplaires. La galerie Blunt Graffix, en Oregon, nous a invités à participer à leur exposition collective « Dead Rockstars : A Tribute to the Mortal Gods of Sound ». Nous avons choisi d'explorer le concept du « Club des 27 », un phénomène qui désigne les musiciens célèbres décédés à l'âge de 27 ans. Chaque estampe est une mini-sérigraphie quatre couleurs de 11,7 cm x 13,7 cm, tirée à 200 exemplaires.

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Nasty Nas - Cut The Record Original One of Kind Mixed Media on Laser Cut Wood Panel With Industrial Resin Painting Artwork by Popular Street Graffiti Artist Tavar Zawacki (Ci-dessus). Technique mixte sur panneau de bois découpé au laser avec résine industrielle. Dimensions : 22 x 22 pouces (56 x 56 cm). Sortie : 6 mai 2016. Cut the Record (Nas), 2014. Technique mixte sur panneau de bois découpé au laser avec résine industrielle. Diamètre : 22 pouces (55,9 cm). Édition 1/1. Signée au verso. La série « Cut The Record » a été créée exclusivement pour cette sortie et faisait partie de ma plus récente exposition, Remix. C'était une série très personnelle, car j'ai sélectionné dix de mes musiciens préférés à représenter et à remixer. Ces dix musiciens font partie de mes favoris, des artistes que j'écoute quotidiennement. Pour mon exposition, j'ai quelque peu détourné le sens du terme « remix » pour l'adapter à l'échange et à l'échantillonnage de différentes gravures sur bois, similaires mais présentes sur les œuvres. Chacun des dix musiciens sélectionnés pour la série « Cut The Record » a soit vu sa musique remixée, soit réalisé ses propres remixes. Depuis la sortie de l'album Illmatic en 1994, je crois que je ne me suis pas arrêté une semaine sans l'écouter. C'est l'un de mes albums préférés.

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Orioles Leaders/Spy Vs Spy Collage unique orné à la main, technique mixte sur carte de baseball vintage par Pat Riot. Œuvre originale de 2014, estampée et réalisée en techniques mixtes superposées sur une véritable carte vintage Topps de la MLB, avec un style pop art similaire à : Orioles Leaders/Spy Vs Spy

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Épreuve d'imprimerie Lina PP, tirage d'archives par Mateo, édition limitée sur support MEDIUM, œuvre d'art moderne d'artiste pop. Épreuve d'imprimerie PP 2025 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 17x24 Pigments d'archivage Épreuve d'imprimerie Lina PP, impression d'archives par Mateo L'artiste français Mateo, reconnu pour son art urbain pop et ses graffitis novateurs, signe une œuvre culturelle forte avec Lina, une estampe pigmentaire d'archive de 2025, rare épreuve d'artiste. Mesurant 43 x 61 cm et imprimée sur un papier d'art de haute qualité, cette estampe s'inscrit dans la continuité de la démarche artistique de Mateo, qui fusionne le portrait et les traditions textiles ornementales. Signée et estampillée PP par l'artiste, cette pièce unique constitue une œuvre raffinée au sein d'un corpus limité célébrant l'identité, la force féminine et un langage visuel transculturel. Ornement et identité en harmonie Le sujet de Lina est une femme dont le regard direct fixe le spectateur avec une présence inébranlable. Son visage et sa silhouette sont partiellement dissimulés et mis en valeur par d'intrigants motifs de tapis persans, rendus avec une précision et un souci du détail exceptionnels. Mateo superpose harmonieusement ces motifs aux contours du visage, créant l'illusion que sa peau elle-même est imprégnée d'un héritage universel et d'une mémoire ancestrale. La palette bleue et or rayonne de dignité, de sérénité et de géométrie sacrée, invitant le spectateur à contempler la beauté de la complexité et de la résilience au sein des récits culturels modernes. Technique et artisanat des matériaux La technique employée dans Lina reflète la synthèse caractéristique de Mateo entre artisanat classique et esthétique de l'art urbain. Cette épreuve d'artiste a été réalisée selon des procédés pigmentaires d'archivage sur papier Moab Entrada 290 g/m², garantissant ainsi éclat et longévité. L'ornementation des détails textiles ne se limite pas à la décoration : elle constitue un système symbolique profondément ancré dans l'exploration constante par Mateo du symbolisme, du patrimoine et de l'identité hybride. La netteté de l'impression, associée à sa superposition ornementale, crée une surface quasi sculpturale sur le papier. Vision mondiale contemporaine L'œuvre de Mateo remet en question et enrichit le langage du Street Pop Art et du graffiti en intégrant des références aux traditions décoratives d'Afrique du Nord, du Moyen-Orient et d'Asie dans le portrait occidental contemporain. Lina est emblématique de cette synthèse, incarnant à la fois l'immédiateté brute du street art urbain et la dimension sacrée et intemporelle de l'artisanat culturel. Le format « épreuve d'artiste » de cette édition confère à l'œuvre une rareté et une authenticité accrues pour les collectionneurs, et souligne l'importance que Mateo accorde au processus créatif, au savoir-faire et à l'intégrité artistique. Lina est plus qu'une image : c'est une méditation sur la force féminine, l'histoire et l'imbrication du soi et de la culture. Par sa construction méticuleuse et sa résonance universelle, l'œuvre occupe une place essentielle dans le canon de l'art figuratif moderne et de l'art urbain, ce qui en fait une acquisition incontournable pour les collectionneurs en quête de profondeur narrative et d'impact visuel.

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Un œil pour un nid d'aigle - Peinture originale rouge et bleue réalisée à la main à l'aérosol, acrylique et sérigraphie sur panneau de bois découpé CNC, prêt à être accroché, par Prefab77, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Nous avons toujours adoré le portrait. Notre style actuel mêle le portrait allégorique à un style incisif et rapide, souvent agrémenté de messages secrets, d'appartenances religieuses et d'iconographie pop. Dans cet album, nous avons exploré le style totémique pour véhiculer ces messages et créer une manière visuellement saisissante d'exprimer une idée abstraite ou de transmettre une signification non explicitement énoncée dans le récit. À l'image d'un excellent morceau pop/rock de trois minutes, il peut s'agir d'une fable, d'une histoire ou d'un avertissement ! » - Prefab77

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Œuvre d'art Horizon, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti pop culture Charmaine Olivia. Édition limitée à 350 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Format de l'œuvre : 8,5 x 11 pouces.

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Sérigraphie Prey Red HPM Doodled par D*Face - Dean Stockton, impression sur carton, encadrée, édition limitée, œuvre d'art pop street art. Œuvre unique signée, réalisée à la peinture et au crayon HPM en 2007, ornée d'un gribouillage sur le recto. Dimensions : 23,25 x 33 pouces (59 x 84 cm). Ce motif était initialement utilisé comme enduit décoratif dans plusieurs villes. Il s'agirait de l'une des deux versions produites et signées par D*Face sur papier de qualité supérieure. Encadrement sur mesure en métal rouge. Le style signature de D*Face en rouge Prey La confluence du pop art et du street art trouve une manifestation saisissante dans l'œuvre de l'artiste britannique Dean Stockton, plus connu sous le nom de D*Face. Parmi sa vaste collection d'œuvres percutantes, la sérigraphie « Prey Red HPM Doodled Silkscreen Print » illustre parfaitement son talent pour fusionner les techniques subversives du street art avec l'esprit du pop art. Cette pièce en édition limitée, une sérigraphie sur carton et une œuvre originale rehaussée de gribouillis uniques à la peinture et au crayon réalisés par l'artiste lui-même, capture l'essence de sa critique du consumérisme et du culte des célébrités. « Prey Red HPM Doodled Silkscreen Print » de Stockton n'est pas une simple œuvre de street art ; elle reflète le parcours de l'artiste et son regard sur la société. L'œuvre se caractérise par des lignes audacieuses et des contrastes marqués, signature de l'esthétique de D*Face, fortement influencée par ses premières expériences dans le skateboard, le graffiti et la musique punk. L'estampe, mesurant 23,25 pouces sur 33 pouces, est encadrée dans un cadre en métal rouge sur mesure qui fait écho à l'éclat de l'œuvre d'art qu'elle renferme. D*Face et le mouvement Pop Street Art Conçue initialement comme une affiche collée dans les rues, « Prey Red » a évolué vers une expression plus raffinée de l'art de DFace lorsqu'elle a été réimaginée sous la forme d'une impression sur papier haut de gamme. Cette transition du street art à une œuvre digne d'une galerie souligne la fluidité des frontières entre les différentes formes d'art et la polyvalence de DFace. Le fait que cette pièce soit l'un des deux seuls exemplaires produits et signés par l'artiste renforce son exclusivité et son attrait. L'œuvre de DFace est souvent perçue comme un pont entre l'énergie brute et rebelle du street art et l'univers soigné et visuel du pop art. DFace remet en question les idées reçues sur l'art et sa place dans la société en exposant son travail en galerie sans rien perdre de son esprit urbain. L'impression sérigraphique « Prey Red HPM Doodled Silkscreen Print » en témoigne, incarnant le talent de l'artiste pour donner de la profondeur et de multiples niveaux de signification à son œuvre. L'impact culturel des œuvres de D*Face Au-delà de son attrait visuel, « Prey Red » est une critique culturelle, à l'image du reste de l'œuvre de DFace. À travers son art, DFace invite les spectateurs à questionner les icônes et les symboles qui peuplent notre paysage visuel. Cette estampe, avec son imagerie percutante et le mot « PREY » inscrit en lettres capitales, suggère une réflexion plus profonde sur l'identité de la proie dans un monde saturé de médias et de culture des célébrités. « Prey Red HPM Doodled Silkscreen Print » de DFace n'est pas seulement une œuvre d'art à admirer pour son style ; c'est à la fois un sujet de conversation, un commentaire culturel et une pièce de collection. Elle témoigne de l'engagement constant de l'artiste à interpeller les spectateurs et le monde de l'art, les incitant à réévaluer ce qui est exposé sur les murs des villes et dans les galeries. Alors que DFace poursuit sa création et son évolution, des œuvres comme « Prey Red » lui assurent une place de choix dans l'histoire de l'art contemporain, jetant un pont entre la scène underground et le courant dominant.

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Optimus Prime 14 Peinture acrylique originale de Rich Pellegrino Œuvre unique sur panneau de gesso par un artiste pop art de rue. Peinture acrylique originale signée de 2014, format 4x4, représentant Optimus Prime, le robot de science-fiction du film, de la bande dessinée et de la série télévisée Transformers. Optimus Prime 14 Peinture acrylique originale de Rich Pellegrino Optimus Prime 14 est une superbe peinture acrylique de 2014 réalisée par Rich Pellegrino, artiste visionnaire du Street Pop Art, reconnu pour sa capacité à réinterpréter les icônes culturelles. Peinte sur un panneau de 10 x 10 cm enduit de gesso, cette œuvre unique capture l'essence d'Optimus Prime, le chef emblématique des Autobots de la saga Transformers (films, bandes dessinées et séries animées). Le style artistique de Pellegrino métamorphose ce héros robotique en une œuvre d'art contemporain vibrante, mêlant nostalgie et narration visuelle dynamique. Le concept derrière Optimus Prime 14 L'œuvre « Optimus Prime 14 » de Rich Pellegrino rend hommage à l'un des personnages les plus emblématiques de la science-fiction et de la culture populaire. Optimus Prime incarne le leadership, la résilience et la lutte pour la justice, des valeurs qui résonnent auprès du public depuis sa création dans les années 1980. L'interprétation de Pellegrino se concentre sur le visage robotique et le casque du personnage, utilisant des formes audacieuses et des coups de pinceau expressifs pour souligner sa force et sa détermination. Cette œuvre témoigne de la capacité de Pellegrino à saisir l'essence d'un personnage tout en y insufflant sa touche artistique personnelle. Le format compact (4 x 4 cm) de la peinture intensifie son impact, invitant le spectateur à une exploration approfondie de la personnalité d'Optimus Prime. Par son utilisation de l'abstraction et de la couleur, Pellegrino invite le spectateur à appréhender le personnage d'une manière nouvelle et imaginative, transcendant les limites de la représentation traditionnelle. Les techniques artistiques de Rich Pellegrino L'approche de Rich Pellegrino en matière de Street Pop Art se caractérise par sa maîtrise de la peinture acrylique, lui permettant de créer des compositions vibrantes et texturées. Dans Optimus Prime 14, Pellegrino utilise une palette de bleus, de gris et de roses poudrés pour évoquer à la fois la nature mécanique du personnage et une profondeur expressive. L'alternance de traits marqués et de coups de pinceau plus doux et fluides crée une tension dynamique au sein de l'œuvre, reflétant le double rôle d'Optimus Prime, à la fois guerrier et chef. Le panneau apprêté offre une surface lisse et absorbante qui rehausse l'éclat de la peinture, permettant à Pellegrino de superposer couleurs et textures avec précision. Le fond légèrement vieilli et les imperfections soigneusement travaillées à la surface de la peinture ajoutent une touche de réalisme et de force, ancrant ce personnage hors du commun dans une esthétique tangible et accessible. L'impact culturel d'Optimus Prime 14 Optimus Prime 14 témoigne de l'héritage durable de la franchise Transformers et de son influence sur la culture populaire. En réinventant Optimus Prime à travers le prisme du Street Pop Art, Rich Pellegrino met en lumière l'attrait universel du personnage et sa capacité à inspirer des générations entières. Cette œuvre célèbre non seulement l'héroïsme d'Optimus Prime, mais l'élève également au rang d'œuvre d'art contemporain, faisant le lien entre la science-fiction et les beaux-arts. Pour les fans de Transformers et les collectionneurs d'art moderne, Optimus Prime 14 est une pièce unique qui allie nostalgie et innovation artistique. Elle illustre le talent de Rich Pellegrino pour transformer des icônes familières en œuvres d'art significatives, ce qui en fait un ajout précieux à toute collection. Cette peinture démontre le pouvoir du Street Pop Art de réinterpréter et de recontextualiser les symboles culturels, offrant de nouvelles perspectives sur des personnages emblématiques et leur place dans notre imaginaire collectif.

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Sans titre, tiré de Crossroads, estampe giclée d'Alice Pasquini, œuvre en édition limitée sur papier d'art baryté 300 g/m², artiste graffiti pop de rue. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2019. Dimensions de l'œuvre : 13 x 17,83 cm. L'essence artistique de « Sans titre, au carrefour » « Sans titre, carrefour » d'Alice Pasquini est une estampe giclée qui capture l'essence du pop art urbain et du graffiti contemporains. Artiste reconnue, Pasquini présente ici une œuvre qui illustre son approche artistique singulière, à la croisée du street art et du muralisme. Cette estampe en édition limitée, avec ses figures vibrantes et ses formes abstraites, témoigne de son talent pour communiquer des récits captivants à travers son art. Imprimée en giclée sur papier d'art Baryta 300 g/m², cette œuvre se distingue par sa texture et la profondeur de ses couleurs, caractéristiques des tirages de haute qualité. Ses dimensions (33 x 45,3 cm) offrent à Pasquini un support généreux pour exprimer sa vision. Tirée à seulement 100 exemplaires signés et numérotés, cette pièce est exclusive et recherchée. Le portrait, centré sur une figure féminine, thème récurrent dans l'œuvre de Pasquini, dégage une impression de contemplation et de profondeur. Son regard est à la fois perçant et tendre, invitant les spectateurs à s'interroger sur les pensées qui se cachent derrière ces yeux. Langage visuel et symbolisme L'utilisation par Pasquini de couleurs vibrantes et contrastées sur le fond austère du papier baryté crée une dichotomie visuelle captivante. La fluidité et l'apparente spontanéité des coups de pinceau contrastent avec l'intensité délibérée du regard du sujet, créant un point focal puissant. Cette œuvre de la collection « Carrefour » symbolise le croisement des vies et des histoires au sein du paysage urbain, un carrefour de l'expérience humaine. Le choix par l'artiste d'un style pop inspiré du graffiti confère à l'œuvre une authenticité urbaine à la fois brute et magnifique. Compétences techniques et niveau intermédiaire La technique de production d'une impression giclée de cette qualité est une véritable prouesse technique, qui fait le lien entre l'impression traditionnelle et le numérique. Le terme « giclée », dérivé du verbe français « gicler », désigne le procédé de fabrication d'impressions d'art de haute qualité à partir d'une source numérique grâce à l'impression jet d'encre. Cette méthode reproduit les couleurs et les textures avec une fidélité remarquable à l'œuvre originale. C'est un médium idéal pour le pop art urbain, où l'accessibilité est essentielle, permettant ainsi à l'œuvre de toucher un public plus large sans compromis sur la qualité. Impact culturel et place dans l'art moderne « Sans titre, à la croisée des chemins » n’est pas qu’un simple objet décoratif ; c’est un artefact culturel qui capture l’esprit et l’éthique de la société contemporaine. Sa sortie en 2019 l’inscrit dans une période artistique où les frontières entre art savant et art urbain s’estompent et où la voix de la rue est aussi puissante et significative que celle des galeries. La contribution d’Alice Pasquini à ce mouvement est profonde, car elle ne cesse de remettre en question et d’enrichir le récit de ce que peut être le pop art urbain. Valeur de collection La valeur d'une estampe en édition limitée comme « Sans titre, carrefour » dépasse son attrait esthétique. Pour les collectionneurs, son attrait réside dans sa rareté et la touche personnelle de l'artiste : chaque estampe est signée et numérotée, ce qui la rend unique. Collectionner des œuvres comme celle-ci, c'est investir dans l'art, c'est investir dans l'héritage du pop art urbain et du graffiti. C'est posséder un fragment de ce mouvement, un instantané du parcours de l'artiste et un morceau d'histoire culturelle. L'estampe giclée « Sans titre, carrefour » d'Alice Pasquini exprime avec force le pop art urbain et le graffiti. Grâce à son utilisation caractéristique de la couleur, à ses portraits expressifs et à la technique innovante d'impression giclée, Pasquini continue de tisser un lien profond avec son public. Le caractère limité de cette estampe, associé à sa représentation évocatrice de la vie urbaine, souligne l'importance de l'artiste dans le paysage de l'art contemporain.

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Impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'œuvre « Visage de limace » de l'artiste de graffiti de la culture pop Jason Levesque. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Format de l'œuvre : 12 x 18 pouces.

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Tirages d'art en édition limitée, pigmentaires et d'archives, sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Melissa A Mitchell. Tirage pigmentaire d'archives sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m² Format : 28 x 35,5 cm (11 x 14 pouces) Sortie : 7 mai 2021 Tirage : 50 exemplaires

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Achetez TITLE Édition limitée Fine Art Archival Pigment Print Art sur papier buvard perforé. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XX Tirage pigmentaire d'archivage sur papier buvard perforé Taille : 7,5 x 7,5 pouces Sortie : 19 avril 2022 Les éditions limitées de buvard sont perforées à la main par Zane Kesey.

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Papier buvard d'art en édition limitée Communion, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par l'artiste pop moderne Tara McPherson. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2022. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey.

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Obey Black Widows AP Dance Floor Riot Silkscreen Print by Shepard Fairey- OBEY Artist Proof Hand-Pull 1-Color Screen Print on Fine Art Paper Limited Edition Graffiti Pop Street Artwork. Épreuve d'artiste AP 2011, signée et marquée AP, édition limitée, format 13x13 Bien avant de connaître les galeries d'art ou même le street art, j'étais fasciné par les pochettes d'albums, ne serait-ce que parce qu'elles représentaient visuellement la musique des disques que j'adorais. Les pochettes d'albums évoquaient une association euphorique avec l'écoute. La plupart de mes premiers t-shirts faits maison étaient des pochoirs inspirés des pochettes d'albums punk… J'ai beau adorer l'art et essayer de me convaincre de son importance dans la société, force est de constater que la musique est bien plus captivante et touche bien plus profondément les cœurs et les esprits… Mais je suis un populiste et je vois les choses ainsi : même si je ne joue pas d'instrument, je vais m'éclater ! Avec mon art, j'essaie de capturer cette même énergie et cet esprit qui rendent la musique si puissante et démocratique. REVOLUTIONS est un hommage à toute la musique et aux œuvres d'art qui m'ont inspiré au fil des ans. – Shepard Fairey Le pop art, le street art et le graffiti ont toujours été des médiums offrant un reflet brut et authentique de la société, de la culture et des sentiments personnels de l'artiste. Parmi les figures emblématiques de ce domaine, Shepard Fairey se distingue, ses créations uniques trouvant un écho aussi bien auprès des amateurs d'art que du grand public. La sérigraphie « Obey Black Widows AP Dance Floor Riot » témoigne de sa profonde admiration pour la musique et son lien indissociable avec les arts visuels. Réalisée avec minutie en 2011, cette épreuve d'artiste, tirée à la main en une couleur sur papier beaux-arts, est bien plus qu'une simple œuvre d'art : c'est un fragment de l'âme de Fairey, vibrant de sa passion pour la musique. Shepard Fairey a fait ses premiers pas dans le monde de l'art non pas par les galeries traditionnelles, mais par le biais de pochettes d'albums qui constituaient une véritable symphonie visuelle pour la musique qu'il vénérait. Tout comme les pochettes d'albums inspiraient des émotions, des souvenirs et un lien viscéral avec la musique, le street art de Fairey s'efforçait de créer un lien similaire avec son public. La sérigraphie en question, de 13 x 13 pouces, incarne la volonté de Fairey de canaliser l'immense puissance et la portée universelle de la musique. Son texte exprime ce sentiment avec éloquence, soulignant que, malgré la valeur intrinsèque de l'art, la musique possède une capacité supérieure à toucher les âmes. Son utilisation du terme « RÉVOLUTIONS » est double : elle fait allusion à la fois aux révolutions du disque vinyle et aux révolutions socioculturelles que la musique suscite souvent. Une analyse approfondie de « Obey Black Widows AP Dance Floor Riot » offre aux spectateurs l'opportunité de découvrir les inspirations de Fairey. La fusion de l'esprit rebelle du punk, de l'énergie vivifiante de la musique et de la force démocratisante du street art se cristallise dans cette œuvre. Pour celles et ceux qui perçoivent l'art non seulement comme une expression esthétique, mais aussi comme une représentation vibrante de la société et des émotions individuelles, cette sérigraphie est à la fois un hommage et une source d'inspiration. À travers de telles créations, Shepard Fairey défend l'idée qu'il n'est pas nécessaire de jouer d'un instrument pour marquer le monde : parfois, une toile et une vision suffisent.

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Estampe giclée Céline par Bec Winnel, œuvre d'art en édition limitée sur papier beaux-arts, artiste graffiti pop de rue. Édition limitée à 25 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Œuvre de 12 x 13 pouces représentant une femme pâle avec une fleur dans les cheveux. La beauté éthérée de Céline par Bec Winnel L'estampe giclée intitulée « Céline », de l'artiste australienne Bec Winnel, est un chef-d'œuvre à la croisée du portrait traditionnel et du pop art urbain. Cette édition limitée, composée de seulement 25 exemplaires signés et numérotés, mesure 29 x 33 cm et captive le regard par la délicate représentation d'une femme au teint pâle, ornée d'une fleur dans les cheveux, un motif riche en symbolisme et empreint d'une douce introspection. Dans « Céline », Bec Winnel adopte une approche intimiste du portrait. Le visage pâle du sujet et les douces nuances rosées de ses cheveux offrent un contraste saisissant et pourtant tendre avec l'univers audacieux et souvent exubérant du pop art urbain et du graffiti. La fleur, symbole intemporel de la beauté éphémère de la nature, est rendue avec une telle minutie qu'elle semble murmurer des histoires sur la fugacité de la vie. Bien qu'ancrée dans les techniques des beaux-arts, l'œuvre communique l'essence même du street art par sa force émotionnelle et son accessibilité. L'impression giclée garantit une reproduction fidèle de chaque nuance des délicats dessins au crayon et au pastel de Winnel, faisant ainsi ressortir les subtiles variations de couleurs et de détails. Ce procédé de reproduction de haute qualité démocratise l'art, s'inscrivant dans l'esprit du Street Pop Art qui vise à rendre l'art accessible à un public plus large, au-delà des galeries et des collections privées. Bec Winnel et la scène artistique contemporaine Bec Winnel, bien que peut-être moins connue que certains artistes de rue, s'est forgée une place de choix sur la scène artistique contemporaine grâce à son style unique, mêlant réalisme et fantaisie. Son œuvre met souvent en scène des femmes plongées dans une profonde contemplation, entourées d'éléments naturels qui soulignent leur lien avec l'environnement et les cycles de la vie et de la mort. Ce lien fait écho aux préoccupations thématiques du Street Pop Art, qui explore fréquemment le dialogue entre le paysage urbain et la nature. « Céline » offre une pause poétique dans l'effervescence du monde du street art, invitant le spectateur à contempler la sensibilité humaine. Le tirage en édition limitée confère à l'œuvre une dimension exclusive, tout en permettant à l'artiste de Winnel de transcender le fossé entre le monde de l'art élitiste et la dimension démocratique du street art. En proposant une version sur papier d'art de son œuvre, elle invite un public plus large à s'approprier son art et à l'intégrer à leur propre espace. Le charme de « Céline » réside dans sa capacité à évoquer une beauté éthérée et une vulnérabilité touchante, des qualités souvent occultées par l'effervescence des espaces où s'expriment généralement le street art et le graffiti. L'œuvre reflète les aspects plus intimes et introspectifs de l'expérience humaine, à l'instar d'une fresque murale dissimulée dans un coin tranquille d'une rue animée. La force de « Céline » tient à l'invitation subtile qu'elle adresse au spectateur : ralentir, apprécier la beauté du silence et songer à la profondeur de l'expérience humaine. Le choix de Winnel de représenter une femme dans un moment de vulnérabilité est une prise de position puissante au sein du street art, souvent dominé par des thèmes plus exubérants et agressifs. Alors que « Celine » trouve sa place auprès des collectionneurs et des amateurs d’art, son récit se poursuit, toujours aussi pertinent aujourd’hui qu’en 2014. Il témoigne des possibilités de convergence entre les beaux-arts et le street art, et de la force de la beauté et de la vulnérabilité dans un monde souvent dur et impitoyable. À travers son art, Bec Winnel contribue à l’évolution du street art et du graffiti, veillant à ce que ce récit demeure aussi diversifié et complexe que l’expérience humaine elle-même.

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Muhammad Ali Andy Warhol 100% & 400% BE@RBRICK Figurines d'art en vinyle en édition limitée, objets de collection urbains Andy Warhol et Medicom Toy collaborent à nouveau pour le Bearbrick Muhammad Ali. Ce Bearbrick est orné d'une impression à l'eau intégrale, rendant chaque pièce unique.

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Leonys Martin/ Old Man- Rangers Collage unique orné à la main, technique mixte sur carte de baseball vintage par Pat Riot. Œuvre originale estampillée de 2014, technique mixte superposée sur une véritable carte vintage MLB Topps avec un style pop art inspiré de : Leonys Martin/Old Man - Rangers

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The Cops - Papier buvard bleu et cobalt, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Niagara, œuvre d'art LSD de la culture pop. « On livrait des Porsche et des Ferrari à des écrivains à Los Angeles. Le Colonel était un ancien pilote de course. On ne s'est jamais fait arrêter par la police… jusqu'au lendemain soir. » – Niagara

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Sculpture en vinyle Lincoln Obama 15 President Barrack par Ron English - POPaganda, édition limitée, figurine de collection, œuvre d'art de rue graffeuse pop. Édition limitée 2008 à 50 exemplaires. Œuvre d'art de 10 x 15 cm, neuve en boîte. Figurine/sculpture en vinyle estampé, style jouet. Ron English - POPaganda - Sculpture en vinyle d'Abraham Obama dans le cadre d'une œuvre d'art pop et graffiti de rue La sculpture en vinyle Abraham Obama de Ron English-POPAganda est l'une des œuvres les plus audacieuses et conceptuellement riches de l'évolution du Street Pop Art et du graffiti. Créée en 2008, au plus fort de la première campagne présidentielle de Barack Obama, cette pièce de collection en édition limitée (50 exemplaires) fusionne deux des présidents américains les plus marquants culturellement – ​​Abraham Lincoln et Barack Obama – en un buste hybride unique. Mesurant 25,4 cm de haut sur 38,1 cm avec son emballage, et produite en vinyle par MINDstyle, cette figurine incarne la signature de Ron English-POPAganda : collision visuelle, parodie politique et remix culturel, le tout filtré par le prisme du surréalisme pop et des beaux-arts inspirés du graffiti. La sculpture présente Obama avec la barbe et la tenue historiques emblématiques de Lincoln, invitant le spectateur à réexaminer non seulement l'héritage du leadership, mais aussi les symboles collectifs de l'espoir et du progrès américains. L'emballage renforce cette fusion par une palette de couleurs jaune et verte vives et saturées, ainsi que par la calligraphie d'English dans le style graffiti. À la fois objet de la culture urbaine et satire artistique, cette œuvre transforme l'idéalisme de l'époque électorale en une pièce de collection emblématique. Elle brouille les frontières temporelles et crée une nouvelle icône destinée à provoquer, amuser et déstabiliser. Satire visuelle et remix politique en 3D Cette sculpture est bien plus qu'un simple assemblage : c'est un commentaire sculptural sur la manière dont l'Amérique construit ses héros. En fusionnant Lincoln, le président qui a aboli l'esclavage, avec Obama, le premier président noir des États-Unis, Ron English-POPoganda utilise la culture du remix propre au Street Pop Art pour aborder de front les questions de race, d'héritage et de mythologie du leadership. La fusion est visuellement fluide, mais conceptuellement dérangeante, obligeant les spectateurs à se demander si les rêves de progrès de l'Amérique sont authentiques ou simplement une opération de communication superficielle. English utilise depuis longtemps des icônes de la culture populaire dans son travail – Mickey Mouse, Ronald McDonald, les super-héros – les manipulant jusqu'à en faire des versions grotesques ou exagérées. Dans Abraham Obama, cependant, la satire est plus subtile, frôlant la révérence tout en critiquant l'idéalisation des figures politiques. Elle interroge la possibilité que l'image d'Obama ait été mythifiée en temps réel, le transformant en icône avant même que l'histoire puisse juger le fond de sa présidence. Cette complexité est au cœur du graffiti et de l'art imprégné de pop : utiliser l'imagerie populaire non pas pour la vénérer, mais pour la disséquer. Quand la culture urbaine rencontre l'esthétique des jouets design S'inscrivant dans le mouvement des objets de collection d'art, Abraham Obama fait le lien entre l'art urbain et le monde des galeries. Cette œuvre s'inscrit dans la lignée des sculptures en vinyle puisant leurs racines dans l'esthétique du graffiti, l'art populaire et les éditions limitées. À l'instar des stickers et des fresques murales, ces figurines incarnent l'urgence de l'éphémère et de la rébellion, mais sont réalisées avec des matériaux de haute qualité et un savoir-faire digne des plus grandes galeries. L'utilisation du vinyle rend l'œuvre accessible, tant par sa matière que par son esthétique, une évolution tactile de l'esprit visuel du street art. Ces sculptures sont les cousines tridimensionnelles des affiches au pochoir et des satires collées, conçues pour occuper le même espace culturel tout en intégrant des collections privées. À l'image d'une œuvre de Banksy décrochée d'un mur, Abraham Obama est conçu pour être transporté sans rien perdre de son impact urbain. L'héritage du pop politique dans la culture visuelle urbaine L'œuvre « Abraham Obama » de Ron English (POPaganda) est l'une des expressions les plus marquantes du remix politique dans le paysage artistique contemporain. Elle appartient à un genre qui non seulement remet en question les récits politiques traditionnels, mais aussi redéfinit la manière dont la culture visuelle mythifie le leadership. Entre les mains d'un vétéran du graffiti pop comme English, la sculpture devient bien plus qu'une simple curiosité : elle se transforme en une archive des espoirs, des contradictions et du spectacle médiatique américains. Au sein du lexique en constante expansion du Street Pop Art et du graffiti, « Abraham Obama » s'impose comme une icône hybride – à la fois jouet, buste, satire et prière. Elle incarne le pouvoir de l'esthétique urbaine à façonner et refléter les tensions culturelles les plus profondes du pays, tout en permettant de tenir entre ses mains un fragment de révolution visuelle.

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Douceur n° 2 Édition limitée, rehaussée à la main, tirages pigmentaires HPM d'archives sur papier beaux-arts par Helice Wen, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 40 exemplaires, signée et numérotée, 2016. Format de l'œuvre : 14 x 14 pouces. « Douceur n° 2 » d'Helice Wen, embellie à la main par l'artiste, édition signée et numérotée de 40 exemplaires, 35,5 x 35,5 cm

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Sérigraphie Vertigo San Francisco de Justin Van Genderen, tirée à la main sur papier d'art, édition limitée. 2014 Signée et numérotée au dos Édition limitée à 100 exemplaires Dimensions de l'œuvre 18x24 Série Location, Location, Location Sérigraphie d'une femme dans la spirale de la ville de San Francisco tirée du film Vertigo. Sérigraphie Vertigo San Francisco par Justin Van Genderen L'estampe sérigraphique « Vertigo San Francisco » de Justin Van Genderen, réalisée à la main en 2014, fusionne la tension atmosphérique du film « Vertigo » d'Alfred Hitchcock avec l'esthétique stylisée du street art et du graffiti. Mesurant 45,7 x 61 cm et produite en édition limitée à 100 exemplaires, signés et numérotés, cette œuvre capture l'essence du suspense cinématographique et le charme envoûtant de la ville. Le motif en spirale saisissant, la silhouette d'une femme solitaire et l'incontournable skyline de San Francisco créent une expérience visuelle hypnotique qui fait écho aux thèmes psychologiques du film culte. Un chef-d'œuvre cinématographique et graphique Cette sérigraphie est un modèle de composition, utilisant la simplicité et le contraste pour créer une scène à la fois troublante et fascinante. Le fond est composé d'un motif en spirale audacieux qui s'étend depuis le centre, évoquant le célèbre effet Vertigo du film d'Hitchcock. La spirale domine la composition, attirant le regard du spectateur dans ses profondeurs tout en suscitant une sensation de mouvement et de désorientation. La figure centrale, une femme en silhouette marchant le long d'une rambarde, est écrasée par l'imposante spirale, renforçant les thèmes du film : l'obsession, le destin et le malaise psychologique. Les tons chauds de rouge et de beige confèrent à l'œuvre une allure à la fois vintage et moderne, faisant écho à l'affiche originale du film tout en la modernisant par une approche minimaliste. Dans la partie inférieure, des éléments reconnaissables de la silhouette de San Francisco, dont le Golden Gate Bridge, offrent une subtile mais efficace ancrage dans le lieu. Cet équilibre entre abstraction et réalisme rend l'œuvre visuellement captivante, établissant des liens entre la ville, son histoire cinématographique et sa réputation de lieu de mystère et de fascination. Influence du street art, du pop art et du graffiti Le style de Justin Van Genderen puise son inspiration dans l'esthétique du street art et du graffiti, et cette estampe illustre parfaitement son talent pour transformer des images familières en créations graphiques audacieuses. L'utilisation de silhouettes contrastées, d'abstractions géométriques et d'une palette de couleurs restreinte s'inscrit dans les techniques des fresques murales, du pochoir et de l'affiche urbaine. La spirale, référence directe à Vertigo, évoque également les motifs du street art : symboles du temps, de l'hypnose et de la perception. La texture en demi-teintes, présente sur l'ensemble de l'œuvre, imite les surfaces vieillies caractéristiques de l'art urbain, renforçant la dimension tactile de la sérigraphie. La typographie, utilisée avec sobriété dans la partie inférieure, avec ses lignes épurées et sa mise en page structurée, contribue à l'équilibre entre l'esthétique des affiches de cinéma et les influences de l'art urbain contemporain. Le jeu des espaces positifs et négatifs crée un rythme visuel saisissant, faisant de cette œuvre un hommage au cinéma classique et une interprétation novatrice du design moderne. Le rôle de San Francisco dans l'art et le cinéma urbains San Francisco inspire depuis longtemps cinéastes et artistes de rue. Ses paysages spectaculaires, ses rues escarpées et son brouillard épais créent une atmosphère unique, immortalisée dans d'innombrables films, dont Vertigo. La scène artistique urbaine, vibrante et dynamique, s'épanouit également grâce à ces contrastes visuels, avec des fresques, des affiches collées et des installations monumentales qui témoignent de la richesse culturelle et artistique de la ville. Cette sérigraphie capture la double nature de San Francisco, à la fois lieu réel et paysage onirique cinématographique, où réalité et illusion se confondent sans cesse. Tirage limité réalisé à la main, cette œuvre est très recherchée par les collectionneurs d'art urbain, de pop art et de graffiti, ainsi que par les cinéphiles. L'alliance d'un design audacieux, d'une profondeur psychologique et d'un hommage à l'un des films les plus marquants visuellement du cinéma fait de cette sérigraphie une pièce maîtresse. Qu'elle soit exposée en galerie ou intégrée à une collection privée, cette œuvre saisit l'essence même de Vertigo et de San Francisco : une ville d'une beauté mystérieuse et d'une source d'inspiration artistique inépuisable.

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Impression giclée en édition limitée Purple Nose sur papier coton Hahnemühle 308 g/m² par l'artiste moderne Mysterious Al. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Dimensions de l'œuvre : 23,62 x 23,62 cm. Mysterious Al Purple Nose Édition Limitée Impression Giclée « Purple Nose » est une estampe giclée en édition limitée de 2022, réalisée par l'artiste street pop contemporain Mysterious Al. Imprimée sur papier d'art Hahnemühle 308 g/m² en coton, cette œuvre carrée mesure 60 x 60 cm et est signée et numérotée à la main (édition limitée à 50 exemplaires). Reconnu pour son langage graphique audacieux et ses distorsions visuelles ludiques, Mysterious Al livre une composition saisissante, fondée sur le contraste, le caractère et une énergie brute. Formes audacieuses et fantaisie graphique L'œuvre présente deux figures abstraites aux yeux écarquillés, tracées en épais traits noirs superposés à de douces nuances pastel de lavande, de bleu et de rose, ponctuées de touches de rouge vif. Les yeux ronds exagérés et les traits simplifiés du visage créent une intensité immédiate, presque caricaturale, tandis que les formes aux contours déchirés et les blocs de couleur superposés confèrent à l'ensemble un aspect de collage. Le style de Mysterious Al mêle la spontanéité du street art au minimalisme graphique moderne, donnant naissance à une imagerie à la fois chaotique et soigneusement composée. Édition limitée Art pop urbain contemporain Imprimée en giclée haute qualité sur papier coton premium, « Purple Nose » capture la netteté des contours et la saturation des couleurs caractéristiques du travail de Mysterious Al. Tirée à seulement 50 exemplaires signés et numérotés, cette œuvre est un exemple de collection témoignant de l'évolution de son style pop contemporain. Audacieuse, expressive et résolument graphique, « Purple Nose » incarne la tension ludique et l'impact visuel qui définissent l'identité artistique de Mysterious Al.

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L'Orient rencontre l'Occident - Sculpture de jouet d'art en vinyle jaune en édition limitée, œuvre d'art de collection de l'artiste pop moderne Ron English - POPaganda x MINDstyle. Édition limitée 2017, format 4 pouces, neuve en boîte, estampillée/imprimée Boîte non ouverte, neuve

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« I Am A Man », tirages d'art en édition limitée sur papier Hahnemühle William Turner 310 g/m², réalisés par Robert Mars, artiste de graffiti, de street art et de pop culture. « Je suis un homme » (Martin Luther King Jr.) - Tirage pigmentaire d'archive sur papier Hahnemühle William Turner Matte Fine Art, 310 g/m² - Vernis à la main - 45,7 x 61 cm - Signé et numéroté à la main par l'artiste Robert Mars - 2019 Légère décoloration jaune sur la marge blanche supérieure, sans incidence sur l'image. Voir photos.

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John Ellis/ Homme fumant un cigare - Yankees Collage unique orné à la main, technique mixte sur carte de baseball vintage par Pat Riot. Œuvre originale de 2014, technique mixte superposée sur une véritable carte vintage Topps de la MLB, avec un style pop art inspiré de : John Ellis/Homme fumant un cigare - Yankees

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Kurt Skull LND Édition Limitée Tirages d'Art Pigmentaires d'Archives sur Papier Beaux-Arts par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Joe King. Kurt LND [Les légendes ne meurent jamais] par Joe King. Inspiré par Kurt Cobain. Tirage d'archive. Édition limitée à 40 exemplaires | Signé et numéroté par l'artiste. Dimensions : 28 x 35,5 cm. Provenance : Long Beach, Californie.

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Brut Island Funk HTF Sign Peinture à la bombe aérosol technique mixte originale Graffiti pop art moderne sur panneau commercial en tôle vintage par l'artiste DrNuse89. Peinture originale signée de 2022 sur une enseigne publicitaire vintage en tôle, dimensions 42 x 11 pouces.

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Friend Face 92 Rose Bleu Peinture à l'huile originale de Peter Keil Œuvre unique sur panneau de masonite par The Wild Man of Berlin, un artiste contemporain célèbre. Peinture à l'huile sur panneau de masonite, signée et datée de 1992. Œuvre originale de 61 x 61 cm (24 x 24 pouces). Peter Keil utilise une peinture épaisse, ce qui explique la présence possible de quelques écaillures, dues à l'âge et à la nature de son travail. Le tableau représente un visage allongé, divisé en deux parties roses et bleues. Légères salissures. Exploration de l'expressionnisme vibrant de « Friend Face 92 Pink Blue » de Peter Keil La peinture à l'huile originale « Friend Face 92 Pink Blue » de Peter Keil incarne avec force la vitalité et la puissance expressive du street art et du graffiti. Surnommé « L'Homme Sauvage de Berlin », Peter Keil est un artiste contemporain de renom dont l'œuvre vibre d'une énergie brute et d'une richesse chromatique caractéristiques du mouvement néo-expressionniste. Cette œuvre de 1992, signée et datée par l'artiste, est une peinture à l'huile originale sur panneau de Masonite de 61 x 61 cm (24 x 24 pouces). Elle illustre l'approche singulière de Keil en matière de forme et de couleur. Son art se caractérise par une application audacieuse et en impasto de la peinture, où d'épaisses couches sont appliquées pour créer une surface texturée, à la fois tactile et visuellement captivante. Avec le temps, quelques écaillures de peinture peuvent apparaître, non pas comme un signe de détérioration, mais plutôt comme une indication de l'histoire dynamique de l'œuvre et de l'évolution naturelle des matériaux utilisés. « Friend Face 92 Pink Blue » présente un visage allongé divisé par des bandes roses et bleues contrastées, une dichotomie qui évoque un sentiment de dualité et de profondeur émotionnelle dans le visage du personnage. La résonance culturelle de l'héritage artistique de Peter Keil Le charme unique de l'œuvre de Peter Keil réside dans sa capacité à toucher le spectateur au plus profond de lui-même. Ses peintures transcendent la représentation traditionnelle, privilégiant la transmission de l'émotion par une manipulation expressive des couleurs et des formes. « Friend Face 92 Pink Blue » en témoigne : le jeu des tons chauds et froids y articule un paysage psychologique complexe. Cette œuvre illustre parfaitement comment les peintures de Keil interpellent le spectateur, l'invitant dans un univers où le viscéral et le visuel se rencontrent. La contribution de Keil au street art et au graffiti se caractérise par son mépris des conventions et sa célébration de l'individualité. Le coup de pinceau spontané et souvent énergique reflète l'esprit du graffiti, tandis que l'utilisation de couleurs vives et de formes abstraites rappelle l'influence du pop art. Ainsi, « Friend Face 92 Pink Blue » est une œuvre d'expression personnelle et un dialogue avec les mouvements qui ont façonné l'art contemporain. Les collectionneurs d'œuvres de Keil sont souvent attirés par la liberté débridée et la vitalité palpable qui se dégagent de ses peintures. Posséder une œuvre comme « Friend Face 92 Pink Blue », c'est s'immerger dans une création artistique imprégnée de la vigueur caractéristique de l'artiste et qui évolue au fil du temps. C'est une invitation à contempler l'interaction entre destruction et création, où la peinture écaillée et l'éclat persistant des couleurs racontent l'histoire du parcours d'une œuvre à travers le temps. « Friend Face 92 Pink Blue » de Peter Keil est une œuvre vibrante et unique en son genre, qui capture l'essence du néo-expressionnisme et témoigne du statut de l'artiste comme figure majeure du street art et du graffiti. Avec ses couleurs saisissantes et sa force expressive, cette peinture est un exemple éloquent de la vision artistique durable de Keil et de son influence sur l'art contemporain.

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Achetez Tour de Finch sérigraphie 3 couleurs tirée à la main sur papier Fine Art par l'artiste souhaitable Nate Duval édition limitée Pop Art Artwork. 2014 Signé Edition Limitée Oeuvre Taille 10x8

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Sérigraphie El Trooper Star Wars par JC Rivera, tirée à la main sur papier d'art, édition limitée. Édition limitée signée et numérotée de 50 exemplaires, 2013. Œuvre d'art de taille 18x24, sérigraphie représentant un masque de Stormtrooper stylisé, film de science-fiction Star Wars. Sérigraphie El Trooper Star Wars par JC Rivera La sérigraphie « El Trooper Star Wars » de JC Rivera est une fusion saisissante d'iconographie de science-fiction et d'art urbain pop/graffiti. Réalisée à la main en 2013, cette sérigraphie transforme le casque classique de stormtrooper en une composition stylisée et complexe, aux couleurs vives et aux motifs élaborés. Signée et numérotée dans une édition limitée à 50 exemplaires, cette œuvre de 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces) fusionne l'esthétique reconnaissable de Star Wars avec l'énergie brute et les influences culturelles de l'art urbain contemporain. La signature artistique de Rivera est manifeste dans la conception, faisant de cette pièce une œuvre marquante au sein des communautés Star Wars et street art. La composition artistique et les influences culturelles L'interprétation du casque de stormtrooper par Rivera s'éloigne de son aspect traditionnel, lisse et monochrome, pour l'imprégner de motifs organiques et tourbillonnants évoquant les masques sculptés à la main et l'art populaire. La palette de couleurs vives, composée de rouges profonds, de jaunes, de verts et de noirs, confère à l'œuvre une énergie dynamique, presque tribale. Les détails complexes à l'intérieur des contours du casque imitent les motifs ornementaux souvent présents dans l'art du tatouage et l'art indigène, créant ainsi une œuvre à la fois familière et totalement réinventée. L'utilisation de contours noirs marqués et d'encres superposées confère à l'estampe une texture qui reflète la matérialité de la sérigraphie artisanale. Cette méthode renforce l'impact de l'œuvre, assurant ainsi que chaque ligne et chaque motif se détachent nettement sur le papier beaux-arts. Il en résulte un casque de stormtrooper qui s'apparente moins à une armure de science-fiction qu'à une entité vivante, un emblème de rébellion, de culture et d'évolution artistique. Le choix de Rivera de réinterpréter ce personnage iconique à travers le prisme du street art et du graffiti le transcende en tant que simple fan art, l'inscrivant dans un mouvement artistique plus vaste qui prône la réinvention et le récit culturel. Le pop art urbain et le graffiti rencontrent Star Wars Star Wars inspire depuis longtemps le street art et le graffiti, ses thèmes de résistance, d'autoritarisme et d'individualisme trouvant un écho profond dans la culture artistique urbaine. Le stormtrooper, symbole d'un conformisme impersonnel, est fréquemment réinterprété par les artistes de rue qui cherchent à subvertir sa signification originelle. La version du casque proposée par Rivera pousse cette idée plus loin en la transformant en une œuvre profondément personnelle et expressive. Les motifs ornementaux qui recouvrent la visière rejettent l'uniformité, suggérant une rupture avec le contrôle et une affirmation de la liberté artistique. L'utilisation de techniques issues du pop art urbain, notamment le contraste marqué des couleurs et le tracé stylisé, inscrit cette œuvre dans la tradition plus large du graffiti et du street art. Le casque de stormtrooper, conçu à l'origine comme un objet inexpressif, est désormais animé d'une personnalité forte, reflétant l'esprit de rébellion présent à la fois dans l'univers Star Wars et dans le mouvement de l'art urbain. La réinterprétation de Rivera permet au spectateur de percevoir le stormtrooper non comme un soldat anonyme, mais comme un être à part entière, doté d'une identité et d'une mission. La valeur de collection et l'impact de l'édition limitée imprimée Tirée à seulement 50 exemplaires, la sérigraphie El Trooper Star Wars est une pièce très recherchée par les collectionneurs d'objets Star Wars et d'art urbain contemporain (pop art et graffiti). Son format 45,7 x 61 cm permet d'apprécier pleinement la finesse des détails de Rivera, tandis que la technique artisanale de la sérigraphie confère à chaque exemplaire un caractère unique et tactile. La rareté de cette estampe renforce son attrait, en faisant une œuvre d'art à part entière, un véritable manifeste qui fait le lien entre culture populaire et beaux-arts. La capacité de JC Rivera à fusionner l'iconographie de la science-fiction avec l'esthétique du street art témoigne de son talent pour repousser les limites artistiques. En transformant un symbole universellement reconnu en une œuvre profondément personnelle et culturellement pertinente, il invite le spectateur à repenser le rôle de la culture populaire dans l'art urbain contemporain. Cette estampe n'est pas seulement un hommage à Star Wars ; elle est un témoignage du pouvoir de la réinvention artistique, prouvant que même les images les plus emblématiques peuvent être réinterprétées à travers le prisme du street art.

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Achetez TITLE Sérigraphie 4 couleurs tirée à la main sur une œuvre d'art Pop Street Art en édition limitée MEDIUM. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Impression giclée Fever Break Artist Proof AP de Sarah Joncas, œuvre d'art en édition limitée sur papier d'art, artiste graffiti pop de rue. Épreuve d'artiste (EA) 2018 Signée et marquée EA Édition limitée Format 16x20 Fever Break de Sarah Joncas : une fusion captivante d'art urbain et de portrait Le talent de Sarah Joncas dans Fever Break « Fever Break » de Sarah Joncas témoigne du pouvoir évocateur du portrait contemporain, imprégné de l'esprit du Street Pop Art et du graffiti. Cette épreuve d'artiste (EA), tirée en giclée et publiée en 2018, révèle le talent de Joncas pour fusionner réalisme et éléments surréalistes. Signée et estampillée EA, cette édition limitée mesure 40,6 x 50,8 cm et offre un récit aussi captivant qu'esthétiquement riche. L'œuvre s'inscrit dans la tradition des tirages d'art sur papier, préservant avec minutie l'équilibre subtil entre couleur et détail qui caractérise le travail de Joncas. Symbolisme et profondeur émotionnelle dans Fever Break « Fever Break » est imprégnée d'une intimité caractéristique de l'œuvre de Joncas, où le regard direct du sujet et l'entrelacement des éléments floraux instaurent un dialogue avec le spectateur. L'œuvre est riche en symbolisme ; les fleurs, fanées ou épanouies, peuvent être interprétées comme des métaphores du paysage émotionnel intérieur du sujet. Ce jeu entre la figure et la flore confère une profondeur qui transcende la force visuelle déjà saisissante de l'image. Résonance culturelle dans l'œuvre de Joncas L'œuvre de Joncas, notamment « Fever Break », trouve un écho culturel en puisant dans des thèmes communs au Street Pop Art et au graffiti – tels que l'identité, l'émotion et l'expérience humaine – tout en les présentant dans le cadre du portrait classique. Cette œuvre établit un pont subtil entre différentes traditions artistiques, séduisant un large public d'amateurs d'art et de collectionneurs. Le tirage en édition limitée renforce son attrait, garantissant une exclusivité au-delà de sa valeur artistique intrinsèque. Technique et médium dans Fever Break La technique d'impression giclée employée par Joncas dans « Fever Break » témoigne de son attachement aux médiums artistiques traditionnels et de son ouverture aux techniques modernes. Reconnue pour produire des tirages de haute qualité et durables, l'impression giclée met en valeur la palette nuancée et le trait précis de Joncas. Le papier beaux-arts choisi pour ce tirage constitue le support idéal pour une reproduction fidèle de son œuvre originale, garantissant ainsi que chaque tirage transmette le même impact émotionnel et visuel que l'original. L'héritage de Fever Break dans le pop art et le street art L'héritage de « Fever Break » au sein du pop art et du street art réside dans sa position unique, à la croisée de l'art urbain et du portrait intimiste. Par sa force dynamique et son souci du détail, l'œuvre de Sarah Joncas repousse les limites de l'interprétation et de l'appréciation du street art. Ses tirages en édition limitée, notamment les épreuves d'artiste comme « Fever Break », sont non seulement des œuvres d'art, mais aussi des témoins culturels qui marquent une étape dans l'évolution constante du pop art et du graffiti.

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Portrait à pois - Prints Select, sérigraphie en édition limitée 14 couleurs tirée à la main sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² par Sheefy McFly - Tashif Turner, artiste de street art rare et célèbre du pop art. Édition limitée 2021, signée et numérotée à 25 exemplaires. Format de l'œuvre : 18 x 24 pouces. Sérigraphie multicolore sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² Format : 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces) Sortie : 30 septembre 2021 Tirage : 25 exemplaires

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Achetez TITLE Édition limitée Fine Art Archival Pigment Print Art sur papier buvard perforé. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XX Tirage pigmentaire d'archivage sur papier buvard perforé Taille : 7,5 x 7,5 pouces Sortie : 19 avril 2022 Les éditions limitées de buvard sont perforées à la main par Zane Kesey.

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Johnny Grubb/ Chef - Tigers Collage unique orné à la main, technique mixte sur carte de baseball vintage par Pat Riot. Œuvre originale estampée en 2014, technique mixte superposée sur une véritable carte vintage MLB Topps avec un style pop art inspiré de : Johnny Grubb/Chef - Tigers

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Nathan Eovaldi/Capitaine de navire - Lookouts Collage unique orné à la main, technique mixte sur carte de baseball vintage par Pat Riot. Œuvre originale de 2014, technique mixte superposée sur une véritable carte vintage MLB Topps, avec un style pop art inspiré de Nathan Eovaldi/Capitaine de navire - Lookouts

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John Odom/Homme sud-américain - Collage unique, embelli à la main, technique mixte sur carte de baseball vintage par Pat Riot. Œuvre originale de 2014, technique mixte superposée sur une véritable carte vintage MLB Topps, avec un style pop art inspiré de : John Odom/Homme sud-américain - Athletics

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Œuvre d'art Terrarium, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti pop culture Jason Levesque. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Format de l'œuvre : 12 x 18 pouces.

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Layeoja Redux PP Sérigraphie par Fin DAC Tirage à la main 12 couleurs sur papier d'art Somerset 300 g/m² Édition limitée Œuvre d'art Findac. Épreuve d'imprimeur PP 2021 Signée et marquée P/P Édition limitée Sérigraphie Taille de l'œuvre 24,61x34,65 Sérigraphie. La maîtrise de Fin DAC dans Layeoja Redux PP Sérigraphie La sérigraphie « Layeoja Redux PP » de Fin DAC est une fusion captivante entre l'énergie du pop art urbain et la minutie de la gravure d'art. Tirée à la main sur papier d'art Somerset 300 g/m², cette œuvre en édition limitée témoigne de la précision de l'artiste dans le procédé de sérigraphie douze couleurs. Mesurant 62,5 x 88 cm, elle fait partie d'une série limitée marquée « Épreuve d'imprimeur » (E/P), indiquant une variante de l'édition standard généralement conservée à des fins d'archivage ou comme exemplaire d'artiste. Signification artistique de Layeoja Redux PP L'œuvre « Layeoja Redux PP » illustre le style caractéristique de Fin DAC, où il mêle réalisme et graphisme pour créer des portraits saisissants. Ces portraits mettent souvent en scène des femmes au visage masqué ou peint, évoquant les thèmes de l'identité cachée et du charisme. Son talent artistique réside dans sa capacité à juxtaposer ces sujets contemporains à une technique rappelant la gravure traditionnelle, conférant à son œuvre une profondeur et une texture qui la distinguent dans le paysage de l'art moderne. Le sujet de « Layeoja Redux PP » est présenté avec un regard énigmatique, son visage partiellement dissimulé par un masque aux couleurs et motifs vibrants. Cette technique visuelle crée un récit captivant autour du personnage, invitant le spectateur à s'interroger sur l'histoire qui se cache derrière cette façade. L'utilisation de couleurs vives et unies contrastant avec les textures complexes obtenues par la sérigraphie renforce l'impact visuel, faisant de cette œuvre une pièce recherchée par les collectionneurs et les amateurs d'art. Fin DAC et la scène du pop art urbain L'influence de Fin DAC sur la scène du street art est considérable, car il repousse sans cesse les limites de ce que peut accomplir cet art. Ses œuvres ne se limitent pas aux murs des villes, mais s'étendent au domaine des beaux-arts avec des pièces comme « Layeoja Redux PP ». Cette sérigraphie témoigne de son engagement envers son art et de son respect pour la discipline, mêlant l'accessibilité et l'attrait du street art à l'exclusivité et à la tradition de l'estampe en édition limitée. « Layeoja Redux PP » célèbre la vision et le talent de l'artiste. Cette œuvre miniature fait le lien entre ses débuts dans le street art et son statut de figure majeure de l'art contemporain. Le travail de Fin DAC demeure une contribution essentielle au débat actuel sur la place et la valeur du street art et du graffiti dans la société contemporaine.

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« Un robot au repos », œuvre d'art en édition limitée, impression giclée sur papier aquarelle beaux-arts, par Nick Derington, artiste de graffiti pop culture. OBJECTIF SUPPLÉMENTAIRE KICKSTARTER ! « Un robot au repos » est une impression giclée de qualité archive 8x10, sur papier aquarelle naturel pressé à froid, signée et numérotée par Nick Derington.

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Ron Robinson/King-Reds Collage unique orné à la main, technique mixte sur carte de baseball vintage par Pat Riot. Œuvre originale estampillée de 2014, technique mixte superposée sur une véritable carte vintage Topps de la MLB, avec un style pop art inspiré de : Ron Robinson/King - Reds

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Romance secrète 13 HPM Œuvre unique en son genre, technique mixte, sérigraphie, acrylique, collage et peinture en aérosol, sur papier beaux-arts, par l'artiste pop moderne Greg Gossel. Œuvre d'art unique HPM, signée et numérotée, édition limitée à 15 exemplaires (2022). Format : 30,5 x 30,5 cm. Technique mixte, sérigraphie. Édition limitée à 15 exemplaires.

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Kelly Shoppach/Masked Villain - Rays - Collage unique orné à la main, technique mixte sur carte de baseball vintage par Pat Riot. Œuvre originale de 2014, technique mixte superposée sur une véritable carte vintage MLB Topps, avec un style pop art inspiré de : Kelly Shoppach/Masked Villain - Rays

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LIE 13 Margaret Sanger Édition limitée 2 couleurs Sérigraphie artisanale sur papier beaux-arts par Aelhra Graffiti Street Artiste Pop Art moderne. 2014 Édition limitée signée et numérotée à 30 exemplaires . Format de l'œuvre : 18 x 24 pouces. Troisième congrès international d'eugénisme, New York, 21-23 août 1932

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