Femme

Et puis les choses se sont améliorées - Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée « Hate » sur papier beaux-arts 330 g/m² par Denial Graffiti Street Artist Modern Pop Art. Édition limitée 2021 signée et numérotée à 25 exemplaires. Format de l'œuvre : 24x24. Variante « Hate ». Et puis les choses se sont améliorées – Édition Haine par Denial dans l'art pop et graffiti de rue Et puis les choses se sont améliorées – Hate est une estampe pigmentaire d'archive, saisissante et chargée d'émotion, créée en 2021 par Denial, artiste canadien de graffiti et de pop art, de son vrai nom Daniel Bombardier. Tirée en édition limitée à seulement 25 exemplaires signés et numérotés, cette œuvre mesure 61 x 61 cm et est imprimée sur un papier d'art de qualité musée de 330 g/m². Reconnu pour ses visuels provocateurs et son esthétique audacieuse, ancrée dans la critique de la société de consommation, Denial utilise le langage visuel de la bande dessinée pour explorer la complexité psychologique à travers une iconographie pop accessible. Dans cette variante de Hate, la palette de couleurs est réduite à des nuances de gris, remplaçant la chaleur et l'éclat des autres versions par une neutralité glaçante. Le texte descriptif, en gris acier, donne le ton émotionnel, tandis que la figure féminine centrale – rendue uniquement en noir, blanc et gris clair – exprime une angoisse silencieuse, saisie en pleine réflexion ou au lendemain d'un bouleversement émotionnel. La distinction esthétique et émotionnelle de la variante haineuse Cette version de l'œuvre emblématique de Denial ne se limite pas à un simple changement de couleur ; il s'agit d'un réajustement délibéré du ton et du message. La palette de gris évoque le détachement, la froideur et l'engourdissement, suggérant un état psychologique consécutif à un traumatisme ou à un effondrement émotionnel. Le visage de la femme, inspiré des héroïnes de bandes dessinées pop du milieu du XXe siècle, paraît figé et dépourvu de chaleur – un contraste intentionnel qui traduit la répression émotionnelle plutôt que la catharsis. La légende « Et puis les choses se sont améliorées », interprétée à travers le prisme de l'édition Hate, devient profondément ironique. Elle peut suggérer une répression, une colère ou une résignation masquées par une façade de guérison. Le visage sans larmes, le regard fuyant et l'absence de couleurs saturées transforment l'image en une réflexion sur le silence et la distance qui suivent souvent une forte tension personnelle ou sociale. Le commentaire du déni à travers le minimalisme dans l'art urbain pop et le graffiti Depuis longtemps, Denial utilise l'esthétique des médias de masse pour dénoncer la propagande, la manipulation émotionnelle et les illusions véhiculées par les messages commerciaux et culturels. Dans cette variante intitulée « Hate », il réduit l'image à sa structure essentielle pour exposer une contradiction émotionnelle. La netteté du trait, les textures de points Ben-Day et les ombrages monochromes renforcent les racines graphiques de son style, tandis que la sobriété de l'exécution invite le spectateur à se concentrer sur le ton et la posture plutôt que sur la couleur. La participation de Denial à l'exposition « Street Pop Art & Graffiti Artwork » comprend des interventions murales et des tirages d'art en édition limitée. Chaque format reflète sa mission principale : perturber la perception et susciter la réflexion grâce à des procédés visuels empruntés à la publicité et à la culture populaire. Cette œuvre, bien que plus sobre dans sa palette, est l'une des plus chargées en tension émotionnelle. Elle capture l'essence même du déni – non seulement le pseudonyme de l'artiste, mais aussi le comportement humain – où les sentiments sont enfouis sous des déclarations publiques. Qualité de fabrication et valeur de collection de l'édition Hate Imprimée avec des encres pigmentaires sur un papier beaux-arts sans acide de 330 g/m², l'édition Hate est conçue pour préserver à la fois son intégrité visuelle et sa longévité. La texture du papier permet aux nuances de gris d'atteindre des variations subtiles, tandis que la précision de l'impression met en valeur chaque ligne et chaque demi-teinte. Chaque exemplaire est signé et numéroté par l'artiste, attestant de sa valeur en tant que pièce de collection au sein de l'œuvre plus vaste de Denial. Le choix de proposer cette variante en édition limitée à 25 exemplaires renforce son exclusivité et sa pertinence, notamment pour les collectionneurs sensibles aux récits émotionnels du pop art. Véritable manifeste du Street Pop Art et du graffiti, l'édition Hate nous rappelle que même les images les plus audacieuses peuvent véhiculer des messages discrets et latents. Elle témoigne visuellement de ces moments où le monde prétend que tout va mieux, mais où le corps et le visage, eux, n'oublient rien.

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Hors de l'espace et du temps, impression d'art giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste pop moderne Alexis Price. Édition limitée à 20 exemplaires, signée et numérotée, format 11x14 pouces (2021).

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Vierge de Guadalupe 1649 Édition limitée 3 couleurs Sérigraphie artisanale sur papier beaux-arts par Jacob Borshard Artiste de rue graffiti Art pop moderne. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2012. Format de l'œuvre : 18 x 24 pouces. Cette Vierge Mère en néon électrique est la recréation par Jacob de ce qui est considéré comme la 1ère représentation de la Vierge de Guadalupe - imprimée en couverture d'un pamphlet religieux intitulé 'Huei Tlamahuitzoltica', écrit en nahuatl et publié par Luis Lasso de la Vega en 1649. Elle comporte 2 fontaines à double jet !

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Impression giclée en édition limitée « Sweetheart Artwork » sur papier d'archivage 100 % coton, par l'artiste de graffiti pop culture Barnaby Ward. Il s'agit d'une reproduction d'art giclée de qualité galerie, imprimée sur du papier d'archivage 100 % coton avec des encres d'archivage. Chaque tirage est proposé en fonction de son format et comporte une marge d'au moins 2,5 cm.

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The Raise - Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée 17x10 sur papier d'art naturel de musée par Earth Crusher, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « The Raise est mon interprétation du quotidien des dirigeants d'entreprise. Cette œuvre est la plus grande d'une série de quatre panneaux d'affichage que j'ai créés pour mon exposition solo « The Chosen One Percent » à Artgang à Montréal, Québec, en mars 2016. Je me suis intéressée à la publicité et à la propagande au début de ma carrière artistique, et j'ai particulièrement apprécié le panneau d'affichage comme médium, avec lequel j'ai commencé à expérimenter. Je perçois le panneau d'affichage comme un outil hors du contrôle du peuple, un symbole de pouvoir et de manipulation. J'ai donc décidé de créer le mien pour tenter de m'approprier ce pouvoir et de le mettre au service de mes propres messages. » – Earth Crusher

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Achetez TITLE Edition Limitée sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Archival Pigment Fine Art INFO

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Nosferatu Édition Limitée 1 Couleur Tirage Sérigraphique à la Main Phosphorescent sur Papier Beaux-Arts par l'artiste Pop Jacob Borshard. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Dimensions de l'œuvre : 18 x 24 pouces. Nosferatu mesure 18×24 pouces, est phosphorescent, imprimé à la main, et est signé et numéroté dans une édition de 100 exemplaires.

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Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

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Crise de personnalité - Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier d'art Moab 290 g/m² par Glenn Barr, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2020. Dimensions de l'œuvre : 16,5 x 20 pouces. Portfolio « Crise de personnalité » – Les créatures surréalistes, les spectres et les personnages tragiques de Glenn Barr évoluent dans un univers sordide, imprégné de la crasse et de la brume d'un paysage urbain onirique post-apocalyptique. Son œuvre, inspirée par Detroit, a été qualifiée de pop surréalisme, de pop pluralisme, de lowbrow, de régionalisme, d'art brut, d'art alternatif, ou encore, selon son propre terme, de « B-culturalisme ». Barr puise son inspiration dans les rues de la ville, ainsi que dans les cultures pop et alternatives, insufflant une familiarité à ses multiples réalités parallèles. Avec un clin d'œil à la peinture des maîtres anciens, à l'art pulp et à la bande dessinée, les toiles de Barr fascinent par leur complexité narrative et leur maîtrise technique.

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Four Tablets Daily, impression d'archives par Ben Frost, édition limitée sur papier Canson Cotton Rag Photographique Fine Art 310 g/m², style pop graffiti, art urbain moderne. Tirage signé et numéroté de 2024, édition limitée à 15 exemplaires, format 11,7 x 11,7 pouces, pigments d'archivage, beaux-arts, femme sur un emballage pharmaceutique pour Ritalin 10. L'emballage pharmaceutique comme support dans l'art urbain pop et le graffiti « Four Tablets Daily », de l’artiste australien Ben Frost, est une œuvre saisissante et percutante, à la croisée du street art, du pop art et du graffiti. Tirage pigmentaire d’archive sur papier Canson Cotton Rag Photographique 310 g/m², cette édition limitée de 2024 fusionne avec audace l’esthétique des médicaments et l’imagerie pop classique. Le style distinctif de Frost mêle des visuels épurés, inspirés de la publicité, aux thèmes de la consommation, de l’identité et des effets anesthésiants de la médecine moderne. L’artiste utilise ici une véritable boîte de Ritalin 10 comme support, la transformant en un portrait ironique et troublant de la dépendance et des idéaux de beauté contemporains. La fusion de la culture de consommation et du commentaire artistique Ben Frost, connu pour son détournement d'emballages, de logos et de symboles culturels, utilise cette œuvre pour interroger le rapport de la société aux médicaments sur ordonnance et aux médias de masse. L'estampe présente le visage stylisé d'une femme, dont les yeux bleus et les lèvres rouges évoquent les héroïnes de bandes dessinées du milieu du XXe siècle, se détachant sur les contraintes géométriques d'un emballage pharmaceutique. La juxtaposition entre son regard sensuel et construit et le langage clinique de l'étiquetage du Ritalin suggère une tension entre plaisir artificiel et contrôle médical. En conservant la majeure partie du texte de l'emballage original, Frost permet à l'œuvre de préserver son contexte initial, rendant le spectateur mal à l'aise face à l'idée qu'il ne s'agit pas seulement d'art, mais aussi d'un artefact issu d'une utilisation réelle. Édition limitée : l'art rencontre le graffiti et la satire pop Tirée en édition très exclusive à seulement 15 exemplaires, chaque estampe est signée et numérotée par l'artiste. Ses dimensions de 29,7 x 29,7 cm en font une œuvre compacte et percutante, qui condense le commentaire visuel de Frost en un carré incisif et satirique. Réalisée sur papier coton de qualité muséale, avec des pigments d'archivage, cette estampe transforme la nature éphémère du consumérisme et le commentaire social en une œuvre d'art durable. À la croisée de l'art contemporain de collection et de la contestation, cette estampe puise son énergie aussi bien dans les galeries que dans la rue. Le rôle particulier de Ben Frost dans l'art pop et graffiti moderne Ben Frost est un artiste de street art basé à Sydney, reconnu internationalement pour sa critique acerbe de la culture populaire, de l'industrie pharmaceutique et du marketing de consommation. Ses œuvres ont été exposées dans des villes comme Londres, New York et Tokyo, et sont devenues emblématiques de la critique post-pop. Dans « Four Tablets Daily », Frost confirme sa place dans le graffiti pop contemporain en détournant des formats familiers et en les transformant en réflexions sociétales incisives. Cette œuvre, à l'instar de nombre de ses travaux, brouille la frontière entre présentation en galerie et confrontation dans la rue, incitant les spectateurs à s'interroger sur leurs habitudes, leurs dépendances et les images soigneusement conditionnées qu'ils consomment quotidiennement.

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Game of Thrones - A Song of Fire and Ice Artwork Giclée en édition limitée sur papier d'art brillant de qualité supérieure par l'artiste de graffiti pop culture Mark Hammermeister.

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Obsidian 4 - Dysnomia - Feuille 6 couleurs, embellie à la main, sérigraphie en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure par Justin Anville, artiste pop art célèbre et rare. Sérigraphie 6 couleurs sur papier métallisé, impression à fond perdu - 40,6 x 50,8 cm - signée et numérotée (avec rehauts peints à la main) - édition limitée à 20 exemplaires « La surface calcinée se replie pour révéler des rivières de méthane liquide autour de la fille d'Éris. Lorsque des atomes de carbone modifiés sont conçus et alignés à la perfection, la forme humaine transcende la mort. La structure la plus complexe qui soit, l'esprit, possède un potentiel illimité pour engendrer la création et l'évolution dans l'univers. » - Anville

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Œuvre d'art Cassandra, tirage giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti pop culture Jason Levesque. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Format de l'œuvre : 12x12

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Impression giclée en édition limitée « Deep Sleep » sur papier chiffon beaux-arts, par l'artiste de graffiti pop culture Logan Hicks. Tirage pigmentaire d'archives 28 x 22 pouces sur papier beaux-arts 310 g/m². Tous les tirages sont signés et numérotés. Édition de 40 exemplaires + 4 épreuves d'artiste. Logan Hicks est un artiste américain spécialisé dans le pochoir, installé à Los Angeles, en Californie. Sa technique de création consiste à découper un pochoir pour chaque couleur, puis à superposer les couleurs jusqu'à l'obtention d'une œuvre finale, souvent des centaines d'heures plus tard, un chef-d'œuvre hyperréaliste. Ancien sérigraphe, Logan a vendu son matériel pour financer son déménagement de la côte Est à la côte Ouest et s'est tourné vers le pochoir pour redonner vie à son activité d'impression.

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Otaku - Blueberry Magenta, édition limitée, sérigraphie artisanale bicolore sur papier beaux-arts, par Aelhra, artiste de rue graffiti, art pop moderne. 2013 Édition limitée signée et numérotée à 30 exemplaires . Format de l'œuvre : 18 x 24 pouces.

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« Guerre et Folie », tirages pigmentaires d'archives en édition limitée 16x20 sur papier beaux-arts, par Pooch, artiste de rue graffiti, art pop moderne.

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Sans titre 4 Œuvre d'art Giclée Édition Limitée Impression Surréaliste sur Papier Beaux-Arts 100% Coton Rag par l'artiste de graffiti de la culture pop Naoto Hattori.

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Impression giclée en édition limitée sur papier chiffon d'art, œuvre d'art « Drifting » de l'artiste de graffiti pop culture Logan Hicks. Tirage giclée. Dimensions du papier : 21 x 27,5 pouces. Dimensions de l’œuvre : 18 x 24 pouces. Signé et numéroté. Papier 320 g/m², 100 % coton. Ce tirage giclée est une édition limitée à 35 exemplaires. Il a été initialement présenté lors de l’exposition « Thin Veils and Heavy Anchors » à Los Angeles le 8 mars 2013. Le tirage a été mis en vente lors du vernissage, puis proposé au public par la suite. Logan Hicks est un artiste américain spécialisé dans le pochoir, installé à Los Angeles, en Californie. Sa technique de création consiste à découper un pochoir pour chaque couleur, puis à superposer les couleurs jusqu'à l'obtention d'une œuvre finale, souvent des centaines d'heures plus tard, un chef-d'œuvre hyperréaliste. Ancien sérigraphe, Logan a vendu son matériel pour financer son déménagement de la côte Est à la côte Ouest et s'est tourné vers le pochoir pour redonner vie à son activité d'impression.

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Rebuild Pop Street Artwork, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure par un artiste de graffiti urbain moderne (droits d'auteur). 2022. Signée. 23,62 x 23,62 cm. Édition limitée à 50 exemplaires. « Rebuild » est une œuvre d'art initialement conçue comme une fresque peinte à Bristol, ville natale de l'artiste. Elle présente un motif graphique de mur de briques, associé à un visage féminin imposant, entouré de motifs symboliques qui incarnent le titre de l'œuvre. « Rebuild » est finie à la main à la feuille d'argent et possède des bords frangés. Tirée d'une édition limitée à 50 exemplaires, cette pièce est signée et numérotée par l'artiste.

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Amour en cage - Œuvre d'art pop street holographique en édition limitée, impression giclée sur papier cartonné par l'artiste moderne Alex Garant. Œuvre d'art signée, format 11x17, édition limitée à 100 exemplaires, avec feuille holographique, édition limitée à 100 exemplaires (2022). Découverte du charme de « Caged Love » d’Alex Garant dans l’univers du street art et du graffiti. Dans le monde vibrant de l'art contemporain, « Caged Love » d'Alex Garant témoigne de la fusion entre le pop art urbain et le graffiti. Sortie en 2022, cette édition limitée, imprimée en giclée sur papier cartonné, a captivé l'imagination des amateurs d'art et des collectionneurs. Ses dimensions (28 x 43 cm) offrent une fenêtre sur un univers où les frontières traditionnelles de l'art se fondent harmonieusement avec l'esthétique moderne. Ce qui distingue « Caged Love », c'est son procédé d'impression holographique. Cette technique confère à l'œuvre une qualité dynamique et presque vivante, invitant le spectateur à l'appréhender sous différents angles et perspectives. Alex Garant, l'artiste à l'origine de cette œuvre captivante, est reconnue sur la scène artistique moderne pour son approche unique de l'expression visuelle. Son art se caractérise par une utilisation singulière des motifs, des superpositions et, souvent, d'un effet kaléidoscopique qui interroge la perception du spectateur. Dans « Caged Love », ces éléments s'unissent pour créer une image à la fois énigmatique et profondément envoûtante. L'utilisation d'éléments holographiques dans l'œuvre d'art renforce non seulement son attrait visuel, mais symbolise également l'évolution du street art pop et du graffiti vers des territoires nouveaux et inexplorés. L'importance de l'art en édition limitée sur le marché de l'art contemporain L'attrait de « Caged Love » est d'autant plus fort qu'il s'agit d'une édition limitée. Tirée à seulement 100 exemplaires, chaque pièce est signée par Garant, une touche personnelle très prisée dans le monde de l'art. Cette exclusivité souligne non seulement la valeur de l'œuvre, mais reflète également une tendance croissante sur le marché de l'art contemporain, où les éditions limitées sont de plus en plus recherchées. Collectionneurs et amateurs sont attirés par ces œuvres pour leur rareté et l'opportunité unique qu'elles offrent de posséder une pièce à la fois rare et représentative d'un moment précis de la carrière d'un artiste. Le choix du carton comme support pour « Caged Love » est également remarquable. Ce matériau, souvent utilisé dans le street art et le graffiti, confère à l'œuvre une dimension urbaine et percutante. C'est un clin d'œil aux origines du street art, qui utilise souvent des matériaux accessibles pour créer des œuvres marquantes et stimulantes. En choisissant le carton, Garant établit un lien entre la nature souvent éphémère du street art et la permanence recherchée dans les collections d'art. Exploration des interactions entre le pop art urbain et le graffiti dans « Caged Love » « Caged Love » s'inscrit parfaitement dans l'esprit du street art et du graffiti. Ces formes d'art sont connues pour leurs représentations vibrantes, souvent provocatrices, de la vie et de la culture contemporaines. Dans « Caged Love », Garant explore les thèmes de la liberté, de la contrainte et de la complexité des émotions humaines. Le titre lui-même, « Caged Love », suggère une juxtaposition d'affection et de restriction, un thème profondément ancré dans l'expérience humaine. Dans le contexte plus large du street art et du graffiti, « Caged Love » se distingue par sa capacité à saisir l'essence de ces formes d'art tout en repoussant leurs limites. Le street art et le graffiti sont souvent perçus comme rebelles, une forme d'expression artistique qui remet en question les normes et les conventions sociales. L'œuvre de Garant embrasse cet esprit, mais avec une subtilité et une profondeur qui invitent à l'introspection. Les éléments holographiques de l'œuvre ajoutent une dimension supplémentaire, suggérant qu'elle recèle bien plus qu'il n'y paraît, à l'image de la nature multiforme du street art lui-même. L'impact durable de « Caged Love » d'Alex Garant En conclusion, « Caged Love » d'Alex Garant est bien plus qu'une simple œuvre d'art holographique en édition limitée ; c'est une contribution majeure à l'évolution du street art et du graffiti. Son alliance de techniques artistiques traditionnelles et d'éléments modernes et novateurs en fait une pièce phare de l'art contemporain. Sa disponibilité limitée, le choix du support et la profondeur des thèmes abordés contribuent à son attrait et à son importance. Alors que collectionneurs et amateurs d'art recherchent sans cesse des œuvres qui repoussent les limites de l'art, « Caged Love » restera assurément comme une œuvre charnière, incarnant l'esprit de son époque et ouvrant la voie à de futures explorations dans le domaine du street art et du graffiti.

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Tirages d'art giclée en édition limitée « Hiver froid » sur papier photo d'archivage, par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Ben Kehoe. Format total : 30,5 cm x 30,5 cm ; format de l’image : 25,4 cm x 25,4 cm. Imprimé sur papier Innova Photo Rag 315 g/m². Signé et numéroté.

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Guidé par le regret, papier buvard, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé, œuvre d'art LSD de la culture pop protégée par le droit d'auteur. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey et peuvent légèrement différer de l'exemple présenté.

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Sans titre, tiré de Crossroads, estampe giclée d'Alice Pasquini, œuvre en édition limitée sur papier d'art baryté 300 g/m², artiste graffiti pop de rue. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2019. Dimensions de l'œuvre : 13 x 17,83 cm. L'essence artistique de « Sans titre, au carrefour » « Sans titre, carrefour » d'Alice Pasquini est une estampe giclée qui capture l'essence du pop art urbain et du graffiti contemporains. Artiste reconnue, Pasquini présente ici une œuvre qui illustre son approche artistique singulière, à la croisée du street art et du muralisme. Cette estampe en édition limitée, avec ses figures vibrantes et ses formes abstraites, témoigne de son talent pour communiquer des récits captivants à travers son art. Imprimée en giclée sur papier d'art Baryta 300 g/m², cette œuvre se distingue par sa texture et la profondeur de ses couleurs, caractéristiques des tirages de haute qualité. Ses dimensions (33 x 45,3 cm) offrent à Pasquini un support généreux pour exprimer sa vision. Tirée à seulement 100 exemplaires signés et numérotés, cette pièce est exclusive et recherchée. Le portrait, centré sur une figure féminine, thème récurrent dans l'œuvre de Pasquini, dégage une impression de contemplation et de profondeur. Son regard est à la fois perçant et tendre, invitant les spectateurs à s'interroger sur les pensées qui se cachent derrière ces yeux. Langage visuel et symbolisme L'utilisation par Pasquini de couleurs vibrantes et contrastées sur le fond austère du papier baryté crée une dichotomie visuelle captivante. La fluidité et l'apparente spontanéité des coups de pinceau contrastent avec l'intensité délibérée du regard du sujet, créant un point focal puissant. Cette œuvre de la collection « Carrefour » symbolise le croisement des vies et des histoires au sein du paysage urbain, un carrefour de l'expérience humaine. Le choix par l'artiste d'un style pop inspiré du graffiti confère à l'œuvre une authenticité urbaine à la fois brute et magnifique. Compétences techniques et niveau intermédiaire La technique de production d'une impression giclée de cette qualité est une véritable prouesse technique, qui fait le lien entre l'impression traditionnelle et le numérique. Le terme « giclée », dérivé du verbe français « gicler », désigne le procédé de fabrication d'impressions d'art de haute qualité à partir d'une source numérique grâce à l'impression jet d'encre. Cette méthode reproduit les couleurs et les textures avec une fidélité remarquable à l'œuvre originale. C'est un médium idéal pour le pop art urbain, où l'accessibilité est essentielle, permettant ainsi à l'œuvre de toucher un public plus large sans compromis sur la qualité. Impact culturel et place dans l'art moderne « Sans titre, à la croisée des chemins » n’est pas qu’un simple objet décoratif ; c’est un artefact culturel qui capture l’esprit et l’éthique de la société contemporaine. Sa sortie en 2019 l’inscrit dans une période artistique où les frontières entre art savant et art urbain s’estompent et où la voix de la rue est aussi puissante et significative que celle des galeries. La contribution d’Alice Pasquini à ce mouvement est profonde, car elle ne cesse de remettre en question et d’enrichir le récit de ce que peut être le pop art urbain. Valeur de collection La valeur d'une estampe en édition limitée comme « Sans titre, carrefour » dépasse son attrait esthétique. Pour les collectionneurs, son attrait réside dans sa rareté et la touche personnelle de l'artiste : chaque estampe est signée et numérotée, ce qui la rend unique. Collectionner des œuvres comme celle-ci, c'est investir dans l'art, c'est investir dans l'héritage du pop art urbain et du graffiti. C'est posséder un fragment de ce mouvement, un instantané du parcours de l'artiste et un morceau d'histoire culturelle. L'estampe giclée « Sans titre, carrefour » d'Alice Pasquini exprime avec force le pop art urbain et le graffiti. Grâce à son utilisation caractéristique de la couleur, à ses portraits expressifs et à la technique innovante d'impression giclée, Pasquini continue de tisser un lien profond avec son public. Le caractère limité de cette estampe, associé à sa représentation évocatrice de la vie urbaine, souligne l'importance de l'artiste dans le paysage de l'art contemporain.

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Une fille déguisée en Rikku, édition limitée, sérigraphie artisanale 3 couleurs sur papier d'archivage 100% coton, par Ian Francis, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Ian Francis - Une fille déguisée en Rikku, 2009. Éditions BLK/MRKT. Sérigraphie 3 couleurs sur papier 100 % coton. Tirage limité à 100 exemplaires. Dimensions : 45,7 x 61 cm. Signée, numérotée et estampillée. Inspirée du personnage du jeu vidéo Final Fantasy.

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Œuvre d'art pop street Sweets Typhoon, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure par l'artiste moderne de graffiti urbain Naoshi. 2014. Signée au verso avec un visage dessiné à la main. Édition limitée à 100 exemplaires. 21 x 30,5 cm. Jeune fille à l'ombrelle à fraises. Inspirée de l'art du sable de Sunae.

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Mask II Deck Fine Art Limited Edition Archival Pigment Print Transfer on Cold Pressed Steep Natural Skateboard Deck by Street Artwork Graffiti Artist Prefab77 . Édition limitée numérotée de 35 exemplaires (2022) - Illustration pour skateboard - Format 8 x 31,875

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Tirage d'art en édition limitée Fidelidad Archival Pigment sur papier d'art Moab 290 g/m² par l'artiste de graffiti pop moderne Sen2. Tirage pigmentaire d'archives sur papier Moab Fine Art Rag 290 g/m² Format : 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces) Sortie : 4 juillet 2021

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« I Love Cake », estampe d'art en édition limitée, réalisée à partir de pigments d'archivage sur papier chiffon texturé coton 310 g/m², par l'artiste pop moderne Micca Young. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Dimensions de l'œuvre : 23,62 x 15,75 pouces. Décryptage de « I Love Cake » de Micca Young L'estampe d'art en édition limitée « I Love Cake » de Micca Young, réalisée sur papier pigmentaire d'archives, est une exploration saisissante de l'art pop moderne. Elle capture l'énergie frénétique et la vitalité assumée qui caractérisent la réflexion de l'artiste sur ses expériences dans le contexte singulier d'un club de strip-tease. Signée et numérotée à 50 exemplaires, cette œuvre de 60 x 40 cm (23,62 x 15,75 pouces) ouvre une fenêtre sur un univers où se mêlent l'attrait et le spectacle de la vie nocturne aux réalités nuancées de ceux qui la fréquentent. Produites en Australie-Occidentale par Fox Lab Fine Art, les estampes « I Love Cake » incarnent la qualité muséale. Imprimées sur papier chiffon texturé 100 % coton, elles sont exemptes d'azurants optiques, garantissant ainsi la longévité et la préservation des couleurs et textures originales de l'œuvre. Ce choix de matériau témoigne d'un engagement envers les normes de conservation, assurant la pérennité de la vibrante création de Micca Young. Les reproductions sont fidèlement reproduites au niveau des couleurs, capturant l'essence même de l'intention et de la résonance émotionnelle de l'œuvre originale. Le récit visuel de « J'aime les gâteaux » « I Love Cake » s'inscrit pleinement dans la narration visuelle propre au street art et au graffiti, où le surréel et le réel se rencontrent. La représentation par Micca Young de l'atmosphère chaotique d'un club de strip-tease, à travers un regard à la fois critique et festif, témoigne d'une parfaite maîtrise des codes du pop art. L'œuvre invite le spectateur à décrypter la superposition des images, oscillant entre le ludique et le grotesque, le beau et l'étrange. Ce tableau invite à la contemplation, questionnant les préjugés et les idées préconçues du spectateur sur le monde qu'il représente. Dans le contexte du street art et du graffiti, « I Love Cake » perpétue la dimension critique et culturelle essentielle de ces genres. L'œuvre se présente comme une anecdote visuelle, une tranche de vie mêlant fantaisie et dure réalité, dans une présentation à la fois accessible et énigmatique. À travers cette estampe en édition limitée, Micca Young contribue au débat actuel sur la place de l'art dans la réflexion et la construction des récits sociétaux.

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Épreuve sérigraphique Sansho Copper HPM PP pour imprimantes, par Fin DAC, 23 couleurs, sur papier d'art Somerset Fine Art 330 g/m², édition limitée, œuvre d'art pop street art. Épreuve d'imprimerie PP 2020 Signée et marquée Feuille de cuivre PP HPM Finition à la main Embellie Édition limitée Œuvre d'art Dimensions 23,62 x 33,46 Conception et réalisation des illustrations de Fin DAC La sérigraphie « Sansho Copper HPM PP » occupe une place de choix dans l'œuvre de l'artiste Fin DAC, reconnu pour sa fusion unique de street art et de techniques picturales traditionnelles. Cette pièce, issue d'une édition limitée, met en lumière le travail minutieux de l'artiste grâce à une sérigraphie 23 couleurs sur papier d'art Somerset 330 g/m², témoignant de la grande qualité et du souci du détail qui caractérisent son art. Dans « Sansho Copper HPM PP », Fin DAC démontre sa maîtrise de la couleur et de la forme. L'image est un portrait saisissant représentant un sujet vêtu d'un costume traditionnel asiatique, rehaussé de motifs colorés vibrants et d'ornements à la feuille de cuivre. Ce contraste entre l'expression sereine, presque stoïque, du sujet et les éclats de couleurs dynamiques reflète la volonté de l'artiste de juxtaposer le calme de la figure au chaos de l'environnement, un thème récurrent du street art. Importance artistique et impact culturel L'œuvre porte la mention PP, signifiant « Épreuve d'imprimeur », attestant de son statut de pièce rare, hors de la série numérotée standard. La signature et le marquage de ces épreuves par Fin DAC garantissent aux collectionneurs leur authenticité et leur exclusivité. La mention HPM (Hand Painted Multiple) à la feuille de cuivre signifie que chaque exemplaire de l'édition, bien qu'appartenant à une série, présente des éléments uniques appliqués à la main, faisant de chaque estampe une œuvre d'art à part entière. Techniques et matériaux Fin DAC utilise la sérigraphie, une technique prisée dans le street art et le pop art pour produire des images éclatantes et nettes. L'utilisation de 23 écrans distincts pour l'application des couleurs illustre la complexité et le travail minutieux du procédé. Le papier Somerset de 330 g/m², choisi pour sa haute qualité et sa durabilité, garantit la préservation des couleurs vives et des détails précis de l'œuvre. Positionnement en art pop et urbain « Sansho Copper HPM PP » illustre comment le pop art urbain peut être à la fois accessible et sophistiqué. En intégrant des éléments traditionnels du pop art, tels que la sérigraphie et les couleurs vives, aux détails subtils des embellissements réalisés à la main, Fin DAC fait le lien entre l'énergie brute du street art et les techniques raffinées des beaux-arts. Cette œuvre démontre le potentiel du pop art urbain à s'épanouir non seulement dans l'espace public, mais aussi à occuper une place de choix dans les collections privées. L'influence de Fin DAC sur l'art contemporain Fin DAC s'est forgé une place de choix dans le monde de l'art en proposant régulièrement des œuvres visuellement saisissantes et thématiquement pertinentes. Sa capacité à capturer l'essence de ses sujets tout en les imprégnant d'une esthétique moderne a fait de lui une figure incontournable du débat autour du street art contemporain. « Sansho Copper HPM PP » témoigne du talent de Fin DAC pour créer des œuvres qui touchent un large public et contribuent à la réflexion sur ce qui constitue l'art à l'ère moderne. « Sansho Copper HPM PP » de Fin DAC est un exemple emblématique du street art contemporain et une contribution significative à l'évolution du pop art et du graffiti. Cette œuvre illustre le potentiel des formes d'art traditionnelles à s'adapter et à s'épanouir dans le contexte de l'esthétique moderne et des commentaires culturels. Cette estampe constitue un point de rencontre vibrant entre histoire, culture et art contemporain, reflétant la nature diverse et dynamique du genre.

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Sérigraphie Florence Aubenas par Shepard Fairey - OBEY x Blek le Rat Tirée à la main sur papier d'art de qualité supérieure Édition limitée Œuvre d'art pop et de rue. 2008. Signée par Shepard Fairey et Blek le Rat. Édition limitée numérotée à 100 exemplaires. Format : 18 x 24 pouces. Sérigraphie. Shepard Fairey x Blek le Rat Florence Aubenas Sérigraphie 2008 La sérigraphie Florence Aubenas de 2008 est le fruit d'une collaboration exceptionnelle entre l'artiste de rue américain Shepard Fairey, alias OBEY, et le pionnier français du pochoir, Blek le Rat. Mesurant 45,7 x 61 cm, cette sérigraphie artisanale a été produite en édition limitée à 100 exemplaires, signés et numérotés. Chaque exemplaire porte la signature des deux artistes, témoignant ainsi de son importance en tant que dialogue intergénérationnel au sein du Street Pop Art et du graffiti. Le sujet, la journaliste française Florence Aubenas, a été enlevée et retenue en otage en Irak en 2005, faisant de cette œuvre un puissant symbole de résilience et du rôle de l'art dans la mise en lumière des enjeux liés aux droits humains. Imagerie et symbolisme Cette estampe fusionne le style graphique et engagé de Shepard Fairey avec la technique classique du pochoir de Blek le Rat. Sur fond de place Saint-Michel à Paris, l'œuvre intègre photographie et pochoir pour créer une composition urbaine riche et nuancée. Aubenas y est représentée debout, sereine, sa silhouette se détachant en un pochoir noir intense sur le mur de pierre, évoquant les interventions de Blek le Rat dans l'espace public. Ce contraste avec la précision du décor urbain capturée par la sérigraphie de Fairey crée une tension entre la permanence de l'architecture historique et l'urgence des luttes politiques contemporaines. Le placement de la figure sous le panneau de signalisation ancre l'œuvre dans le contexte parisien, tout en symbolisant la portée universelle de son histoire. Collaboration entre icônes Blek le Rat, né Xavier Prou ​​en France en 1951, est considéré comme l'un des fondateurs du graffiti au pochoir, ayant influencé des générations d'artistes de rue à travers le monde, dont Banksy. Shepard Fairey, né à Charleston, en Caroline du Sud, en 1970, s'est fait connaître grâce à sa campagne OBEY et à des œuvres engagées, comme l'affiche « Hope » de Barack Obama. Leur collaboration sur « Florence Aubenas » a réuni deux approches distinctes mais complémentaires : l'engagement de Blek envers la puissance de l'image directe au pochoir dans l'espace public et l'activisme de Fairey, guidé par le graphisme. Il en résulte une œuvre qui résonne à la fois comme un manifeste politique et comme un jalon dans l'histoire du street art. Résonance politique et héritage artistique Cette sérigraphie souligne comment l'art peut devenir un outil de sensibilisation et d'engagement. En immortalisant Florence Aubenas dans leur langage visuel, Fairey et Blek le Rat mettent en lumière les risques encourus par les journalistes travaillant dans les zones de conflit et l'importance de la liberté d'expression. Tirée en édition limitée, signée par les deux artistes et riche de sa thématique, cette sérigraphie de Florence Aubenas est considérée comme une pièce de collection majeure, non seulement pour les admirateurs de Shepard Fairey et Blek le Rat, mais aussi pour tous ceux qui reconnaissent l'importance d'un art socialement engagé. Elle demeure un exemple frappant de la manière dont le street art et le graffiti peuvent transcender l'esthétique pour aborder des réalités politiques urgentes.

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Jessence, édition limitée, sérigraphie artisanale en trois couleurs sur papier beaux-arts, par Derek Hess, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « J’ai cherché à saisir l’essence, la beauté intérieure autant que l’évidence. J’ai travaillé avec le même modèle que pour « Disposition » sur cette œuvre. » – Derek Hess

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Estampe giclée « Candy » de Bec Winnel, œuvre d'art en édition limitée sur papier beaux-arts, artiste graffiti pop de rue. Édition limitée signée et numérotée de 2014 (25 exemplaires). Dimensions de l'œuvre : 11,75 x 16,25 pouces. Jeune femme blonde tatouée et colorée, pensive. Exploration de la fusion entre féminité et art urbain pop dans l'estampe giclée Candy de Bec Winnel Bec Winnel est une figure incontournable de l'art contemporain, notamment du Street Pop Art et du graffiti. Cette artiste australienne est reconnue pour son approche méticuleuse et délicate du portrait, qui allie le dessin traditionnel à des thèmes contemporains et à l'esthétique du street art. Parmi ses œuvres phares figure « Candy Giclee Print », une édition limitée illustrant son style unique, fruit de la fusion de ces influences artistiques. Tirée à seulement 25 exemplaires, chaque pièce est signée et numérotée à la main par l'artiste, ce qui en fait un objet de collection très prisé des amateurs de Street Pop Art. L'attrait de l'art en édition limitée L'estampe « Candy Giclée » mesure 29,8 x 41,3 cm, un format à la fois intime et imposant. Le choix d'un papier d'art de qualité supérieure pour son impression renforce son charme et lui confère une dimension tactile qui sublime l'expérience visuelle. Les tirages en édition limitée comme celui-ci offrent un sentiment d'exclusivité et d'investissement, garantissant à quelques privilégiés seulement l'accès à cette œuvre d'art. La rareté de l'édition suscite souvent une appréciation plus profonde et un lien plus intime avec l'œuvre, lien encore renforcé par la signature de l'artiste. Symbolisme et style dans l'impression giclée Candy L'œuvre est un portrait saisissant d'une jeune femme blonde tatouée, plongée dans ses pensées. Les couleurs sont vibrantes et les motifs des tatouages ​​évoquent l'art du graffiti. Ce mélange de styles parvient avec une grande efficacité à exprimer la personnalité et la vie intérieure du sujet. Les tatouages, que l'on pourrait considérer comme une forme d'art urbain, ornent sa peau comme une toile, suggérant une histoire personnelle et intime. L'expression pensive du sujet invite le spectateur à contempler ses pensées et ses émotions, ainsi que la signification culturelle du tatouage comme forme d'expression de soi et d'affirmation identitaire. Impact du street art pop et des graffitis Le pop art et le graffiti sont depuis longtemps à l'avant-garde du défi aux frontières traditionnelles du monde de l'art. Ils insufflent la vitalité de la culture urbaine dans les espaces généralement plus conventionnels des galeries. L'œuvre « Candy Giclee Print » de Bec Winnel illustre la fusion du délicat et de l'audacieux, du privé et du public, du contrôlé et du libre. Elle témoigne du pouvoir de l'art inspiré de la rue à infiltrer et enrichir le discours artistique dominant, tout en conservant son caractère subversif et authentique. Dans le contexte plus large de l'histoire de l'art, des œuvres comme « Candy Giclee Print » constituent d'importants artefacts culturels qui reflètent leur époque et les mentalités sociales. Elles soulignent également l'importance du street art dans les débats contemporains sur l'art et sa place dans la société. L'œuvre de Winnel, avec sa précision et sa profondeur émotionnelle, démontre que le street art peut être un médium aussi puissant et profond que n'importe quelle forme d'art traditionnelle, capable de transmettre des thèmes complexes et de toucher profondément les spectateurs. Par son travail, Bec Winnel contribue à la reconnaissance croissante du Street Pop Art comme une forme d'expression artistique légitime et essentielle. Ses œuvres ne se contentent pas d'orner les murs de leurs acquéreurs ; elles s'inscrivent dans la conscience collective d'une société qui prend de plus en plus conscience de la frontière floue entre art savant et art urbain, entre galerie et ruelle. L'estampe « Candy Giclee Print » de Winnel n'est pas seulement une belle œuvre d'art ; c'est un vecteur de dialogue culturel, un fragment de vie contemporaine et le reflet de l'évolution du paysage artistique et de l'expression.

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Credit Limit - Less is More, tirage d'art pigmentaire d'archive en édition limitée sur papier d'art MOAB 290 g/m² par Legend Street Art et Modern Pop Culture Artist Denial. 2020 Credit Limit - Moins, c'est mieux. Œuvre d'art sur le thème de la carte de crédit. Numérotée, signée, tamponnée au verso, édition limitée à 25 exemplaires, 24 x 18 pouces, impression pigmentaire d'archives sur papier d'art MOAB 290 g/m². Limite de crédit : Moins, c’est mieux (refus) « Credit Limit : Less is More » est une estampe d'art captivante, réalisée sur papier pigmentaire d'archives, par l'artiste canadien de street art et de graffiti Daniel Bombardier, alias Denial. Cette œuvre, qui fait partie de sa série « Credit Limit », est une critique audacieuse de la société de consommation, de la dépendance financière et de l'influence omniprésente des marques dans la société moderne. Créée en 2020, cette pièce de 61 x 46 cm est imprimée sur papier d'art MOAB 290 g/m², garantissant une précision et une vivacité des couleurs exceptionnelles. Chaque exemplaire, tiré à 25 exemplaires seulement, est signé, numéroté et estampillé au verso, ce qui en fait une pièce de collection très recherchée par les amateurs d'art. Le commentaire visuel de Moins c'est plus « Less is More » transforme le design familier d'une carte de crédit en une œuvre d'art provocatrice qui remet en question les normes et les valeurs sociétales. La figure centrale, une femme à la peau verte et à l'expression mélancolique, est une réinterprétation saisissante du pop art. Son apparence stylisée, avec ses motifs en demi-teintes et ses couleurs vives, évoque l'esthétique graphique des bandes dessinées du milieu du XXe siècle. Le design de la carte de crédit présente des éléments et des logos habilement détournés pour refléter la critique du consumérisme formulée par Denial et les contradictions inhérentes à l'expression « moins, c'est plus ». La carte du monde en arrière-plan suggère la portée mondiale des systèmes financiers et leur influence sur les vies individuelles. Par la combinaison de ces éléments, l'œuvre propose une exploration nuancée de l'impact émotionnel et culturel du matérialisme. L'approche artistique unique du déni L'œuvre de Daniel Bombardier est reconnue pour sa capacité à mêler humour, satire et références à la culture populaire en des créations qui invitent à la réflexion. « Less is More » illustre son talent pour transformer des objets du quotidien en vecteurs de critique sociale. L'utilisation d'une carte de crédit comme élément central de l'œuvre témoigne de l'omniprésence du consumérisme et de son impact sur l'identité et les valeurs. Le souci du détail dans « Denial », de la netteté de l'impression pigmentaire d'archives au jeu dynamique des couleurs, confère à l'œuvre une force visuelle saisissante et une grande richesse thématique. Sa fusion du street art et du graffiti continue d'inciter le public à repenser son rapport à la société de consommation. La signification culturelle de la limite de crédit : moins, c'est mieux « Less is More » explore le paradoxe entre aspirations matérielles et conséquences psychologiques de la société de consommation. L'œuvre critique l'idée d'assimiler réussite financière et épanouissement personnel, soulignant la dissonance émotionnelle souvent associée à la quête de la richesse. Intégrée à la série « Credit Limit », cette œuvre renforce le propos de Denial sur les systèmes et idéologies qui façonnent la vie moderne. Son édition limitée souligne son exclusivité et sa valeur artistique, suscitant non seulement une forte résonance esthétique, mais aussi des débats essentiels. La capacité de Denial à conjuguer visuels audacieux et messages profonds fait de « Less is More » une œuvre phare du street art et du graffiti contemporains.

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Planche de skateboard Vapor Wave Deck, impression d'art en édition limitée avec transfert de pigments d'archivage sur planche naturelle pressée à froid, par l'artiste Tara McPherson. Édition limitée 2022 à 50 exemplaires. Illustration de skateboard, format 8x32. Impression par transfert pigmentaire d'archives sur planche de skate en bois naturel pressé à froid. Dimensions : 8 x 31,875 pouces. Sortie : 28 juin 2022.

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Coffret Portfolio Art Debut Homeage, tirages d'art d'archives par Fin DAC, édition limitée 8x sur papier d'art Somerset blanc satiné amélioré 330 g/m², style pop graffiti, art de rue moderne. Tirage d'art signé et numéroté, édition limitée à 60 exemplaires (2023). Coffret de 8 œuvres (format 15,75 x 23,62 pouces), impression pigmentaire d'archives. Ce coffret exclusif comprend un livret HomEage A4 de 24 pages, élégamment relié avec une couverture en couleur violet royal ornée d'une feuille métallique. Signé à la main par l'artiste sur la page d'introduction, ce livret confère à cette œuvre une valeur et un caractère uniques. Un certificat d'authenticité détaillé de 12 pages accompagne le livret, garantissant la provenance de l'œuvre. Afin d'assurer la préservation de cette œuvre de collection, une paire de gants luxueux 100 % coton, brodés du logo distinctif HomEage, est fournie pour une manipulation délicate. Artistes auxquels Fin DAC rend hommage dans son premier coffret d'art HomEage Erté - Zuihou par Fin DAC Signé et numéroté Keith Haring - Lucheng par Fin DAC, signé et numéroté Gustav Klimt - Tuileries par Fin DAC, signé et numéroté Barbara Kruger - Shukumei par Fin DAC, signé et numéroté Frank Miller - Endian par Fin DAC, signé et numéroté Hayoa Miyazaki - Madeleine par Fin DAC, signée et numérotée Alphonse Mucha - Changsegi par Fin DAC, signé et numéroté Vincent van Gogh - Akiko par Fin DAC, signé et numéroté Coffret de présentation personnalisé en buckram Oxford Le coffret de présentation, d'une facture exquise, est recouvert d'une luxueuse toile Oxford violette de qualité supérieure, doublée d'un délicat tissu Wibalin naturel d'un doux lilas. L'extérieur et le dos du coffret sont ornés d'un marquage à chaud doré, ajoutant une touche d'élégance et de raffinement. Ce coffret exclusif mesure 686 x 490 x 47 mm, offrant un espace généreux pour son contenu. Chaque coffret est signé et numéroté à la main par l'artiste sur la couverture intérieure, ce qui en fait une pièce de collection unique. Ensemble d'estampes d'art découpées à la main Les tirages sont soigneusement présentés dans une pochette protectrice, élégamment placée sur le dessus. Cette pochette est ornée d'un marquage à chaud en feuille d'or métallisée sur un papier Colorplan Amethyst 330 g/m² finition unie, gage de raffinement. Sous chaque tirage se trouve une feuille de papier translucide sans acide, assurant une protection optimale. Le coffret comprend huit tirages d'art d'une qualité exceptionnelle, aux bords frangés à la main, chacun réalisé sur papier Somerset Enhanced Satin blanc éclatant 330 g/m². Mesurant 60 x 40 cm, ces tirages sont signés, numérotés et estampillés à la main par l'artiste, gage d'authenticité et de savoir-faire. Fin DAC x West Vidéo d'art contemporain Dévoilement du premier coffret portfolio HomEage Box de Fin DAC Dans l'univers exaltant de l'art moderne, le portfolio « Debut HomEage Box » de Fin DAC, artiste de street art et de graffiti de renom, s'impose comme un témoignage de la fusion harmonieuse entre hommage traditionnel et esthétique contemporaine. Ce coffret d'art en édition limitée à seulement 60 exemplaires célèbre la synergie culturelle, alliant la vitalité du street art à la finesse du papier beaux-arts. Chacune des huit œuvres qui le composent est un hommage, une fusion unique du style distinctif de Fin DAC et de l'influence indélébile d'artistes emblématiques issus de différents mouvements et époques artistiques. Hommage artistique de Fin DAC aux maîtres Avec un profond respect pour les maîtres de l'art, Fin DAC rend hommage à une lignée d'artistes aux influences diverses à travers ses estampes d'archives. De l'éclat Art déco de « Zuihou » d'Erté à l'expressionnisme dynamique de « Lucheng » de Keith Haring, chaque œuvre est un dialogue à travers le temps. Les motifs dorés et les détails ornementaux des « Tuileries » de Gustav Klimt trouvent un écho contemporain dans ces estampes. Les contrastes de textures saisissants de « Shukumei » de Barbara Kruger et l'intensité sombre d'« Endian » de Frank Miller sont réinterprétés à travers le prisme du pop art urbain. La narration onirique de « Madeleine » d'Hayao Miyazaki et l'élégance Art nouveau de « Changsegi » d'Alphonse Mucha s'entremêlent harmonieusement avec l'art urbain. Enfin, la vigueur post-impressionniste de l'« Akiko » de Vincent van Gogh est revitalisée, reflétant l'influence perpétuelle de ces artistes sur les créations contemporaines. Présentation et conservation exceptionnelles Le coffret HomEage incarne le luxe et le souci du détail. Véritable chef-d'œuvre, il est recouvert d'une toile Oxford violette de qualité supérieure et doublé d'un tissu Wibalin lilas à la finition naturelle, reflétant une esthétique royale. Le marquage à chaud doré sur l'extérieur et le dos du coffret ajoute une touche de luxe, évoquant l'âge d'or de l'art. À l'intérieur, un livret A4 de 24 pages, relié en Colorplan et estampé à chaud, attend le collectionneur, accompagné d'un certificat d'authenticité de 12 pages, d'une grande précision. Ce certificat garantit non seulement la provenance, mais enrichit également le récit de chaque pièce. Preuve de l'exclusivité de cet ensemble, chaque livret est signé à la main par Fin DAC, confirmant son statut de trésor pour les collectionneurs. Tirages d'archives d'une qualité irréprochable Au cœur de ce portfolio se trouvent les tirages d'art de qualité archivistique, chacun étant une œuvre d'art réalisée à la main sur papier Somerset Enhanced Satin blanc, d'un grammage généreux de 330 g/m² qui témoigne d'une qualité exceptionnelle. Ces tirages, d'un format impressionnant de 60 x 40 cm, sont signés, numérotés et estampillés individuellement à la main par l'artiste. Présentés dans un étui protecteur orné de dorures sur papier Colorplan Amethyst, chaque tirage est séparé par une feuille de papier translucide sans acide, garantissant ainsi sa longévité et son éclat. L'alliance des matériaux et les finitions artisanales reflètent l'engagement de l'artiste à créer des œuvres d'art destinées à être transmises de génération en génération. Héritage et savoir-faire dans l'art pop urbain et le graffiti Le premier coffret HomEage de Fin DAC est une fusion entre tradition et innovation, un hommage intemporel à travers le street art et le graffiti. Cette expérience immersive offre un véritable festin visuel et une plongée fascinante dans l'héritage des grands maîtres, interprété par l'un des artistes les plus captivants de la scène street art contemporaine. Ce coffret d'estampes d'archives est une pièce maîtresse dans le monde de l'art, promettant de susciter la conversation et de devenir un trésor pour des générations d'amateurs.

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Viva Yalitza ! Édition limitée, sérigraphie artisanale en 4 couleurs sur papier beaux-arts par Ernesto Yerena, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée 2020, signée et numérotée, à 450 exemplaires . Œuvre d'art 18x24. Yalitza Aparicio, actrice de téléfilm. Sérigraphie 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces), édition limitée à 450 exemplaires, signée et numérotée par Ernesto Yerena Montejano. Les bénéfices ont été reversés à l'association CIELO afin de soutenir les populations autochtones sans papiers touchées par la crise de la Covid-19 dans la région de Los Angeles.

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Beach Club - Édition limitée sérigraphiée à la main, ornée de 22 4 couleurs HPM, sur papier Rives BFK 100% coton, par Tim Oliveira, artiste de street art rare et célèbre du pop art. Hommage à Ava Gardner. HPM n° 22, édition limitée sérigraphiée en quatre couleurs (quatre écrans utilisés), rehaussée à la main et numérotée au crayon. Imprimée sur papier Rives BFK épais 100 % coton, 250 g/m².

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La beauté de la liberté et de l'égalité. Fresque murale d'Austin par Jon Furlong. Lithographie offset en édition limitée sur papier d'art par Shepard Fairey et Sandra Chevrier, artiste de rue pop et de graffiti urbain. 2020 Signé par Shepard Fairey et Sandra Chevrier & Édition limitée numérotée de 500 exemplaires Lithographie offset Taille de l'œuvre 18x24 Beauté de la liberté Égalité Impression murale Austin Shepard Fairey x Sandra Chevrier x Jon Furlong. « Ce centenaire historique offre une occasion unique de commémorer une étape marquante de la démocratie et d'en explorer la pertinence au regard des enjeux actuels de l'égalité des droits. L'Initiative du centenaire du droit de vote des femmes, fruit d'une collaboration entre institutions, organisations et chercheuses américaines œuvrant pour les droits des femmes, s'attache à ce que cet anniversaire et les 72 années de lutte pour y parvenir soient commémorés et célébrés dans tout le pays. » – Shepard Fairey Vision commémorative de Shepard Fairey et Sandra Chevrier : fresque murale « La beauté de la liberté et de l’égalité ». La fresque « La Beauté de la Liberté et de l'Égalité » à Austin, reproduite en lithographie offset par Jon Furlong, illustre une puissante synergie entre graffiti urbain, art de rue et activisme politique. Cette œuvre en édition limitée, créée en 2020 par les artistes de renom Shepard Fairey et Sandra Chevrier, fait partie d'une série signée et numérotée à 500 exemplaires. Ses dimensions de 45,7 x 61 cm témoignent de la grandeur de la fresque et de la force de son message. Dans son texte, Shepard Fairey inscrit l'œuvre dans le contexte historique de l'Initiative du Centenaire du Droit de Vote des Femmes, établissant un lien entre la lutte pour les droits démocratiques et les enjeux contemporains d'égalité. Fairey, artiste reconnu pour son travail provocateur et engagé, s'associe à Sandra Chevrier, dont l'art explore souvent les limitations imposées aux femmes, pour créer une fresque qui célèbre le progrès et appelle à l'action. L'imagerie vibrante et l'iconographie percutante de la fresque puisent leur inspiration dans le langage visuel de l'art de rue et du graffiti. Dans le même temps, la lithographie étend la portée de la fresque murale des rues d'Austin à la communauté artistique mondiale. L'art et l'activisme se croisent dans l'espace public L'intersection entre l'art et l'activisme est illustrée avec force dans la fresque « La Beauté de la Liberté et de l'Égalité ». Fairey et Chevrier exploitent la puissance visuelle du pop art urbain pour communiquer et susciter le dialogue autour du centenaire du mouvement pour le suffrage féminin. Leur collaboration est un récit visuel commémorant la lutte historique pour le droit de vote des femmes et réfléchissant à son importance dans le combat actuel pour l'égalité des sexes. La fresque devient plus qu'une simple œuvre d'art ; elle est un marqueur historique et un reflet des progrès de la société et des défis qui persistent. Cette fresque d'Austin et sa lithographie associée incarnent les valeurs fondamentales du pop art urbain et du graffiti en fusionnant l'esthétique avec un message qui résonne au niveau sociétal. Les artistes utilisent leur notoriété pour amplifier des voix et des thèmes souvent marginalisés, démontrant le pouvoir de l'art public à susciter le changement et à alimenter la réflexion. La fresque « La Beauté de la Liberté et de l'Égalité » de Shepard Fairey et Sandra Chevrier, reproduite par Jon Furlong, est une œuvre emblématique du pop art urbain qui transcende son support pour devenir un symbole de conscience historique et de critique sociale. Cette lithographie en édition limitée est un objet de collection et un élément du patrimoine culturel qui continue de diffuser les idéaux de liberté et d'égalité grâce au langage universel de l'art.

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Latrodectus, tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier beaux-arts, par Jason Levesque, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Format de l'œuvre : 16 x 20 pouces.

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Achetez Efflorescence Fine Artwork Giclee Edition Limitée sur papier Hahnemuhle 308gsm par l'artiste de graffiti moderne Caia Koopman. L'efflorescence en édition limitée signée et numérotée 2020 mesure 27,9 x 43,2 cm, imprimée avec des encres Epson Ultrachrome sur un beau papier d'art Hahnemuhle 308 g/m², 100 % coton.

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Many Faces - Tirages pigmentaires d'archives HPM en édition limitée, rehaussés à la main, sur papier beaux-arts, par l'artiste de graffiti urbain Abstrk. Édition limitée unique de 15 exemplaires, signée et numérotée HPM, embellie à la main. Dimensions de l'œuvre : 24 x 24 pouces.

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El Sol, tirages d'art pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Ellen Gobeille. Tirage pigmentaire d'archives sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m² Format : 35,6 x 35,6 cm (14 x 14 pouces) Sortie : 7 mai 2021 Tirage : 25 exemplaires

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Papier buvard Baby Doll, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Niagara, œuvre d'art LSD de la culture pop. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2021. Ces buvards en édition limitée sont perforés à la main par Zane Kesey. L'alignement des perforations sur l'illustration peut légèrement différer de l'exemple présenté.

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Sérigraphie artisanale 9 couleurs « The Escape » sur papier satiné Somerset 410 g/m² par Eelus, célèbre artiste pop. Édition limitée signée de 50 exemplaires (2021). Dimensions de l'œuvre : 24 x 30,7 cm.

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Lunettes de rêve, œuvre d'art pop street, tirage giclée en édition limitée sur papier beaux-arts par l'artiste moderne de graffiti urbain Naoshi. 2014. Signé au verso avec un visage dessiné à la main. Édition limitée à 100 exemplaires. 8,25 x 11,75. Inspiré de l'art du sable de Sunae.

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Impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti pop culture Jason Levesque. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Format de l'œuvre : 12 x 18 pouces.

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Forsake PP, épreuve d'imprimerie, tirage d'archives par Eddie Colla, édition limitée sur papier beaux-arts 290 g/m², œuvre d'art moderne d'un artiste pop. Épreuve d'imprimerie PP 2020 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 16x20,5 cm Pigments d'archivage Analyse de « Forsake » d'Eddie Colla « Forsake » est une épreuve d'artiste (PP) saisissante, signée Eddie Colla, figure emblématique du pop art, du street art et du graffiti. Créée en 2020, cette œuvre fait partie d'une édition limitée, chaque exemplaire étant signé et marqué par Colla, gage d'authenticité et d'exclusivité. Imprimée sur papier d'art 290 g/m², elle offre une longévité et une qualité d'impression exceptionnelles, un critère essentiel pour les collectionneurs et les amateurs de street art. Ses dimensions généreuses (40,6 x 52 cm) permettent d'apprécier pleinement la finesse des détails et la profondeur du message. La convergence de l'art urbain et des beaux-arts selon Eddie Colla Eddie Colla est reconnu pour sa capacité à fusionner l'énergie brute et expressive du street art avec les techniques raffinées des beaux-arts. « Forsake » témoigne de son talent pour naviguer entre ces deux univers, créant des œuvres à la fois accessibles et profondément stimulantes. L'utilisation de pigments d'archivage garantit la préservation des riches textures et des nuances subtiles, capturant ainsi la nature éphémère du street art dans une forme qui se savoure au fil du temps. L'image d'une figure masquée dans « Forsake » fait écho à l'expérience mondiale contemporaine et aborde les thèmes de l'identité, de la résistance et de la condition humaine. Symbolisme et récit dans l'œuvre de Colla Dans cette œuvre, le regard du sujet est direct et inflexible, un point focal puissant au milieu d'encre estompée et de formes abstraites. Le masque, symbole désormais indissociable de l'ère de la pandémie de COVID-19, évoque le silence, l'anonymat et la difficulté de communiquer dans un monde où une grande partie de notre expression est occultée. Le texte choisi par Colla – « Après t'avoir oublié, ils t'appelleront maintenant avec leurs ruses » – introduit un récit de redécouverte et la nature cyclique de la mémoire et de l'attention collectives. L'approche mixte employée par Colla, mêlant photographie et éléments graphiques, est une marque de fabrique de son style. Cette méthode permet une superposition de significations, à l'image des affiches et des graffitis qui s'accumulent sur les murs des villes, chacun racontant une histoire différente. « Forsake » invite le spectateur à lever le voile sur ces strates et à explorer la profondeur du récit de Colla. Cette profondeur distingue l'œuvre d'Eddie Colla, lui conférant un sentiment d'urgence et de pertinence, qui est la force du street art. Le message et le support de l'œuvre reflètent l'engagement de Colla envers le street art comme commentaire social. En transposant les formes artistiques éphémères de la rue dans la pérennité des estampes d'art, Colla abolit la frontière entre art savant et art public. Son œuvre nous rappelle que les messages véhiculés par le street art ont toute leur place dans le débat culturel actuel et méritent d'être préservés et analysés. « Forsake » est une pièce marquante du travail d'Eddie Colla, incarnant sa vision du street art et du graffiti comme forme d'impact visuel et moyen de communication et de connexion. C'est un exemple éloquent de la façon dont le street art peut accéder à une dimension qui transcende les frontières des formes artistiques traditionnelles. À travers des œuvres comme « Forsake », Eddie Colla continue de questionner les perceptions, de susciter le dialogue et de favoriser une compréhension plus profonde de nos expériences collectives.

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Tirages d'art pigmentaires d'archives en édition limitée « Fed Up » sur papier d'art Moab Entrada, par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Courtney Collins. Tirage pigmentaire d'archives sur papier d'art Moab Entrada. Format : 35,5 x 35,5 cm. Sortie : 7 mai 2021. Tirage : 35 exemplaires.

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